Mes: enero 2016

LOS PESCADORES DE PERLAS (FINA BELLEZA DE LA LÍRICA DE GEORGES BIZET)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Al escuchar el nombre Georges Bizet inmediatamente nos remitimos a su ópera CARMEN, la más famosa y, por decirlo de alguna forma la más popular. Sin embargo nos remitiremos a LOS PESCADORES DE PERLAS, obra que la mayoría de los expertos consideran como la más fina belleza de la lírica, aun cuando en su momento la crítica especializada no la favoreció, sin embargo, el público la aceptó desde el principio por “la deslumbrante partitura matizada por el encanto del mítico escenario asiático”. El estreno mundial fue en París, en el Teatro Lírico, en septiembre 30 de 1863.

 

Un triángulo amoroso, dos hombres (Nadir y Zurga) y una mujer (Leïla), con la salvedad de que aquellos son grandes amigos. Sólo uno será correspondido, el otro se sentirá traicionado. Zurga, como líder de la comunidad, los condena a muerte cuando son descubiertos en su romance, sobre todo porque ella es una sacerdotisa que debe cantar y bailar en el templo para calmar a los demonios de las profundidades del mar y alejar a los espíritus de la tormenta, se le impone juramento de obediencia y pureza, que obviamente viola. Finalmente, el propio Zurga provoca un incendio en la aldea, la gente del pueblo corre a salvar sus propiedades, el desastre sirve para que libere a Nadir y Leïla y continúen su romance.

 

Los amantes de este género tuvieron la oportunidad de gozar de esta excelente escenificación llevada a cabo en el Metropolitan Opera (Nueva York), transmitida en vivo en la mega pantalla del Auditorio Nacional, bajo la batuta del director concertador Gianadrea Noseda (Italia) y los representantes del bell canto: Diana Damrau (Leïla-soprano-Alemania), Matthew Polenzani (Nadir-tenor-Estados Unidos), Mariusz (Zurga-barítono-Polonia) y Nicolas Testé (Nourabad -Bajobarítono-Francia). Todos un deleite con sus voces y sus caracterizaciones.

 

En un ambiente posmoderno, una estructura metálica y unos andamios de madera, multimedia para recrear las profundidades del mar, con figuras humanas, más que buceando danzando por las azules aguas. Un vestuario, el de los protagonistas más contemporáneo que de época, híbrido informal. En el tercer acto, una oficina más cercano a nuestros tiempos desde donde despacha Zurga. Una excelente combinación de elementos, apoyados por una magnífica iluminación. Omito los créditos porque el programa de mano no los menciona.

 

Otra excelente representación, posible gracias al convenio que existe entre el Auditorio Nacional y el Met, lo que hace posible para los amantes del bell canto disfrutar de momentos donde la calidad vocal invade cuerpos y almas de los espectadores, donde las voces se convierten en la máxima expresión instrumental, la posibilidad de penetrar en la propuesta dramática que sólo un genio como Bizet son capaces de concebir.

 

La próxima cita es en el Auditorio Nacional (Ciudad de México), el 30 de enero, a las 12:00 horas, con la representación de TURANDOT, de Giacomo Puccini.

LA VISITA DEL ÁNGEL (IDENTIFICARNOS CON EL EXISTIR DE LOS OTROS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Se cumple el primer aniversario del fallecimiento de Vicente Leñero, pilar de las letras mexicanas -novelista, guionista, dramaturgo, ensayista, periodista-, miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua. A un año de su partida se han programado una serie de puestas en escena como homenaje, al que se auna el Círculo Teatral con el montaje de LA VISITA DEL ÁNGEL, bajo la dirección del maestro Raúl Quintanilla.

Esta obra se estrenó en 1981, dirigida y actuada por Ignacio Retes, acompañado de Carmelita González y Myrra Saavedra. “Su planteamiento fue un reto innovador dentro del realismo, género que el autor creía aún explotable”. (Programa de mano)

Texto del que se puede discutir su vigencia, pero no su valor intrínseco, literario y su profundo humanismo. Emociones y sentimientos por momentos contenidos, remembranzas. Dos viejos -abuelos- como se decía antaño con cariño y respeto, reciben la visita de su nieta -el ángel-, quien con toda la confianza les cuenta de su relación con Toño, de un viaje a Acapulco y la parranda con unos gringos, el plan de ir a Argentina con… En apariencia la protagonista es la muchacha, casi un monólogo a cargo de ella.

El maestro Raúl, con su gran talento, capta a la perfección la esencia en la puesta en escena, los verdaderos protagonistas son los “viejos” quienes no requieren de la oralidad, su desplazamiento, sus actitudes, su expresividad, sus gestos, sus muestras de amor -breves pero emotivas- entre ellos y con la nieta. Opta por una escenografía -diseñada por Mónica Kubli- hiperrealista, el interior de un departamento en forma -incluyendo las paredes-, con cocina (estufa y refrigerador funcionando), comedor y sala, donde los objetos representan todo un pasado y efímero presente. El director se va, sin tapujos, por el naturalismo, se cocina literalmente, se sientan ante la mesa y degustan una exquisita sopa de verduras. Hay cierta modernización en algunos aspectos: por ejemplo, las noticias publicadas en el periódico son actuales y la nieta usa un what’s up.

¿Quiénes caracterizan a estos dos tiernos “viejos” cuyo amor es inconmensurable, si se quiere eterno? Concepción Márquez y Gastón Melo. Ya referí, sus parlamentos son breves, sin embargo, ambos llenan el escenario con su sola presencia, a pesar del “monólogo” de la nieta la atención se centra en aquellos. Un hecho raro en el teatro, se necesitan “tablas” para alcanzar esos niveles de histrionismo. Estefania Hinojosa -la nieta- no se amedrentra, a la altura del texto y de sus compañeros de aventura teatral, con soltura, seguridad y alegría, así atosiga a sus abuelos, una joven con un futuro prometedor.

Un texto enfrentado a los tiempos modernos, donde el multimedia y la tecnología se imponen, el realismo y el naturalismo aparecen como bichos raros. LA VISITA DEL ÁNGEL se representa en el Círculo Teatral, jueves y viernes a las 20:30, sábados 18:00 y 20:00 y domingos 18:00 horas. Anuncian breve temporada.

HARUKI (VIAJE FANTÁSTICO EN BUSCA DE UN HERMANO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

¿Será cierto, si un sueño no se cuenta se puede convertir en realidad? Haruki sueña con una bruja, ésta se lo quiere llevar, su hermano mayor, Hiroshi no lo escucha: Al otro día, al salir rumbo a la escuela, desaparece, el segundo inicia un viaje fantástico para encontrarlo a lado de “El Maestro”, un viajero del tiempo y el pensamiento.

 

Un texto para infantes escrito por Hiram Molina, autor quien desde mi perspectiva es de los más imaginativos en el ámbito nacional. En ocasiones más que dramaturgia escribe fantasía, en el buen sentido del término, como en el caso de ASIMOV. Ahora, en esta reposición -modificada con relación al montaje original- vuelve a cautivar a los niños, también a los adultos. Curiosamente hace énfasis en que las brujas no existen y una de sus protagonistas es precisamente una de ellas. Lenguaje accesible, formato sencillo y lineal, tal vez abusa en el rol del narrador, a los pequeños hay que brindarles más acción que palabras. Sin embargo, es lo importante, capta la atención y deleita con su historia.

 

Una anécdota contada a través de la técnica de títeres Bunraku – los dos hermanos-, “El Maestro” encarnado por el propio Hiram. La dirección corre a cargo de Anabel Domínguez, quien sabe cómo entretener a los infantes, con propuestas de calidad, muy artísticas y siempre dejando en claro la moraleja. Creo, su máxima pretensión es cautivar mediante el arte, captar a los futuros amantes del teatro, con directoras como ella el camino se allanaría y todo florecería en favor del quehacer escénico.

 

El elenco está conformado, como ya se mencionó, por el propio Hiram “El Maestro”, actuando y sobre todo narrando, y la formidable y talentosa Olivia Lagunas quien interpreta a una deliciosa bruja. La manipulación, bien a secas, de los títeres por parte de Madeleine Sierra, Christel Klitbo y Anable Domínguez.

 

HARUKI, producción de Eloy Hernández, Haruki Teatro e Ingeniescena, se presenta en temporada hasta el 27 de marzo, los domingos a las 13:00 horas, en el Foro Shakespeare, Ciudad de México.

EL ÚLTIMO ENCUENTRO (LA EXTINCIÓN DE LOS MÁS VALIOSO, QUIZÁ: LA AMISTAD)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes tomadas de Fecebook, página de la CNT

 

El último encuentro

Nadie puede negar, lo más noble que puede existir entre dos seres humanos es la amistad. Sin embargo, hay muchas causas o razones por la que se puede extinguir, a pesar de ser lo más valioso que se pueda tener y gozar.Nada como la amistad, más cuando ésta surge desde la infancia. Una de esas causas puede ser el amor por la misma mujer, llegar hasta la traición, porque se debe aceptar, la razón no reconoce el lenguaje de la pasión.

 

A partir de la novela LAS VELAS SE CONSUMEN (en castellano se intituló EL ÚLTIMO ENCUENTRO), del húngaro Sándor Márai, tenemos la versión teatral de Salvador Flores. Dos amigos, se conocieron cuando tenían diez años de edad, se reunen después de 41 años de ausencia de uno de ellos. Nini, la nodriza del general Henrik será testigo de lo que pesa el silencio. Va a consumarse el último encuentro, Henrik conoce la realidad, ahora quiere saber la verdad de boca de su amigo Konrad., éste intentará justificar el pasado recurriendo al presente.

 

Como suele suceder cuando se adapta una novela al teatro, se emplea mucho la narrativa, esto es, hay que ubicar al espectador en el entorno donde se desarrollará el fondo de la historia. Sin embargo, llega el momento esperado, la confrontación -prudente y elegante-, cada uno expone sus argumentos con un lenguaje de caballeros, de una amistad no extinguida del todo. Un deleite literario, en este caso dramatúrgico.

 

Salvador Flores asume la dirección al frente de integrantes de la Compañía Nacional de Teatro (CNT). Opta por una cadencia pausada, cada frase, cada palabra quedan perfectamente nítidas, no hay motivo para no captar la esencia de la ideas externadas. No hay mucho desplazamiento escénico, más bien es mínimo. Apoyado en excelsos diseños de escenografía e iluminación de Gabriel Pascal, la puesta es de una exquisitez digna de toda alabanza, aunadas al vestuario concebido por Estela Fagoaga.

 

El último encuentro2

 

Martha Verduzco -nodriza y al tiempo narradora- demostrando su calidad como actriz, un “fantasma” testigo de un pasado que culminará en un encuentro efímero. Luis Rábago y Juan Carlos Remolina, espléndidos, apoteóticos, un enfrentamiento, no sólo de personajes, de histriones. Luis ni mandado a hacer para caracterizar personajes con clase, su personalidad le facilita este tipo de roles, bien podría ser miembro de la nobleza de cualquier corte. Por su parte Juan Carlos cada día mejor, en cada puesta se supera, su dominio del quehacer teatral es ya indiscutible. Mariana Giménez otra realidad consagrada, breves intervenciones le bastan para demostrar sus dones actorales. Rodrigo Alonso, David Calderón y Ricardo Leal se “sacrifican”, mueven la escenografía, sirven la cena y las bebidas, no hablan y, sin embargo, enriquecen el montaje.

 

Producción de la CNT, EL ÚLTIMO ENCUENTRO, en una nueva temporada, se representa en la Sala Héctor Mendoza (Coyoacán, Ciudad de México), los jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, hasta el 31 de enero.

EL SUEÑO DE LA MANTARRAYA (LA ISLA DE CLIPPERTON)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro, crítico de teatro

Foto tomada de la página de Facebook de Alejandro Ainslie

 

Mantarraya

 

Alejandro Ainslie es parte fundamental de la columna vertebral del teatro mexicano contemporáneo, tanto como dramaturgo, como director, así lo demuestra su más reciente propuesta, EL SUEÑO DE LA MANTARRAYA. LA ISLA DE CLIPPERTON, un texto que me atrevo a definir como un “documental teatral”, en el que aborda una más de las pérdidas territoriales que ha sufrido la República Mexicana.

 

Si bien esta ínsula sólo cuenta con tres kilómetros de diámetro y su única riqueza natural es el fósforo (guano), finalmente un arbitraje del italiano Víctor Manuel III, del 28 de enero de 1931, decidió que Francia tenía -tiene- soberanía sobre dicho territorio. Un puñado de hombres y mujeres, encabezados por el capitán Ramón Arnaud, fueron abandonados a su suerte por el gobierno mexicano, los únicos compatriotas que defendieron esa minúscula porción de la Nación.

 

Nuestro autor ofrece un texto de impecable estructura y logra cabalmente su cometido, por fortuna no cae en el teatro didáctico, si bien es cierto hay muchos datos de carácter histórico, éstos sólo sirven para apoyar la anécdota, el desarrollo dramático de los sucesos. Todo corre con fluidez, tal vez el único pero es el final, un verdadero melodrama, creo ganó el sentimiento sobre la razón. Refiere el dramaturgo: “EL SUEÑO DE LA MANTARRAYA es una obsesión premonitoria; un delirio de Ramón Arnaud. Un asomarse a un futuro diferente. Lo es también para mí”.

 

Alejandro, como suelen hacer los verdaderos creadores, parte de lo sencillo para un gran montaje. Minimalismo, la arena se vuelve protagonista, ésta adquiere simbolismos, desde la “representación” de la isla, hasta… Los personajes bien delineados, psicológicamente se proyectan en el escenario; lo que el autor presume hablaron y pensaron tiene coherencia con el hecho histórico, marginalmente hay un panorama general de lo que ocurría en el continente: Porfirio Díaz, Madero, Huerta, en concreto, La Revolución Mexicana.

 

Los actores caracterizan varios personajes, los cambios son rápidos, no hay confusiones para el espectador, el vestuario permite ubicarlos, después los diálogos. Ainslie emplea el multimedia, ambienta el entorno insular y proyecta los títulos de los 23 cuadros que conforman la obra. Lo apoyan con su creatividad Brisa Alonso (vestuario), Xicoténcatl Reyes (diseño sonoro) y Eduardo Lizalde y Andrés López (video), el diseño de iluminación es del propio director.

 

Para el elenco mis respetos, no siempre es fácil caracterizar personajes de la vida real, siguen paso a paso las exigencias del texto y de la puesta, hay mucho desgaste físico, más emocional, con la manipulación de la arena. Lo conforman Luis Lesher, Antonio Zúñiga, Carlos Álvarez, Paola Pérez-Rea, Alfredo Monsiváis, Humberto Yáñez y el propio Alejandro Ainslie. Todos con diferentes formaciones, estilos, sin embargo cada uno aporta sus talentos en beneficio del todo, hay unidad, no uniformidad, lo cual enriquece la intención de Alejandro.

 

EL SUEÑO DE LA MANTERRAYA. LA ISLA DE CLIPPERTON, basada en el expediente sobre el caso en poder del Archivo Histórico Diplomático de la Secretaría de Relaciones Exteriores, se representa en una segunda temporada en el teatro Santa Catarina (Coyoacán, Ciudad de México), de miércoles a viernes a las 20:00, sábados 17:00 y domingos 18:00 horas.

DE MIS HUMEDADES VENGO (ESPECTÁCULO POÉTICO-MUSICAL DE BEATRIZ CECILIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Facebook de Beatriz Cecilia

 

Creo, siempre que en un escenario se presente un hecho artístico estaremos frente a las denominadas artes escénicas, valga la expresión. En BUTACA TEATRAL por la esencia propia de su objetivo y de su finalidad, se abordan montajes dramatúrgicos. Sin embargo, partiendo de la premisa inicial comentaré sobre DE MIS HUMEDADES VENGO, espectáculo poético-musical a cargo de Beatriz Cecilia.

 

Tercera llamada. El escenario luce un decorado donde predomina el color azul, con toques lilas y  blancos. Todo, absolutamente todo forrado con esa tela, da la impresión a primera vista de algo “floreado”; entiéndase por todo, todo: cortinas, cubre asientos de dos sillas, manteles, teléfono, botella de vino, perchero… La atmósfera visual está creada, puede parecer cursi u original. Aparece la actriz, ya no es sorpresa, su vestido es igual a toda la decoración. Dicen los que saben sobre la psicología de los colores, el azul da tranquilidad, produce serenidad, un calmante para el alma.

 

El unipersonal -en su cuarta temporada- aborda un tema general: la soledad. Poesía cálida, noble, emanada en forma sincera, su mayor pretensión es provocar emociones a partir de lo cotidiano, de lo conflictivo y difícil de las relaciones sentimentales. Hay nostalgia, desamor, frustración, poca esperanza, sin embargo, no hay derrumbamiento, conflicto existencial si. Perseguir el sueño, el recuerdo del sueño, el sueño del sueño. Saber en tu casa está la mentira y a la vuelta de la esquina la verdad. Expresar: “quería morir por ti, no vivir contigo”. No tengo ni la más remota idea si los poemas sean producto de experiencias personales o meros actos de inspiración, lo cierto el tema de la soledad es recurrente.

 

Lo poético es apoyado con acertados y bellas canciones y sin ser estrictamente coreografías, pasos de baile, rumba y tango, entre otros. El escenario se engalana con temas como: QUÉ LÁSTIMA, DE MIS HUMEDADES, SOÑABA EN MI, BAÚL DE LUNA, YA NO CAUTIVA, ALQUIMIA…

 

Beatriz Cecilia es versátil, actúa, canta, baila, declama -no es lo mismo que recitar-, llena el espacio escénico, se desplaza con soltura, con gracia, con elegancia; tiene mucho que explotar y lo hace. Rompe la cuarta pared, la cercanía con el espectador rompe la formalidad, hay un contacto personal, se enriquece el espectáculo. Los poemas escritos en una ensaladera, en el periódico, en las servilletas, en cartas, recurso, bien, lo malo es que los lea cuando es la autora. Sin necesidad se apoya con el multimedia- muy mal producido por cierto-, recurso innecesario cuando, a fuerza de ser repetitivo, ella por sí misma llena el espacio.

 

Si el vino es poesía embotellada y el ser humano el único animal que bebe sin tener sed, le basta la soledad para hacerlo, DE MIS HUMEDADES VENGO es una buena oportunidad para disfrutar de un Cafe-concert, los sábados a las 21:15 horas, en Casa Actum (Coyoacán, Ciudad de México), hasta el 5 de marzo.

ALGO DE POESÍA

david

Por Ignacio Velázquez

Fuente; http://www.materialdelectura.unam.mx/index.php?option=com_content&task=view&id=370&limitstart=17

 

 

David Bowie, cuyo verdadero nombre fue David Jones, nació en Londres, en 1946. Al principio se le tomó como una versión inglesa de Bob Dylan, pero poco a poco Bowie demostró ser capaz de crear temas originales. La ciencia ficción se convirtió en una de sus mayores obsesiones, se pintó el pelo de anaranjado y declaró ser el primer cantante bisexual en la historia del rock. Con su conjunto The Spiders From Mars realizó un espectáculo, mezcla de ciencia ficción y trasvestismo. Como letrista ha tenido una considerable influencia en las nuevas generaciones de músicos.

“Five Years” pertenece al disco Ziggy Stardust que trata de la vida cotidiana cinco años antes de que desaparezca la Tierra. Bowie no ha caído en el sensacionalismo fácil de la ciencia ficción. En “Five Years” se aleja de la anécdota truculenta, concentrándose en los pequeños detalles, intensos y humanos, que conforman la vida diaria del planeta en extinción. Bowie ha recorrido todas las corrientes del rock, desde el rock pesado hasta el progresivo, pasando por el funky y la disco-music.

 

Cinco años

Empujándose en el mercado, muchas madres miraban. Las noticias estaban llegando, nos quedan cinco años     para llorar. El repartidor de noticias lloró cuando nos dijo que la     Tierra realmente estaba muriendo. Oí teléfonos, la Casa de la Ópera, melodías favoritas. Vi niños, juguetes, planchas eléctricas y televisiones. Me duele el cerebro como un almacén, no tiene lugar     disponible. Tuve que aprender tantas cosas para acumularlo todo     ahí. Y toda la gente gorda-flaca, y toda la gente alta-baja, Y la gente insignificante, y la gente importante. Nunca creí necesitar tanta gente. Una muchacha de mi edad se volvió loca, golpeó a     unos niños pequeñitos. Un soldado con un brazo roto, clavó su mirada en las     llantas de un Cadillac. Un policía se arrodilló y besó el pie de un sacerdote, Y un maricón vomitó al ver esto. Creo que te vi en un puesto de helados tomando Malteadas frías y largas, Sonriendo y meciéndote y viéndote tan bien, no creo     que supieras que estabas en esta canción. Y hacía frío y llovió y entonces me sentí como un actor Y pensé en má y quise volver allá. Tu cara, tu raza, la manera en que hablas. Te beso, eres hermosa, quiero que camines. Tenemos cinco años clavados en mis ojos. Tenemos cinco años, qué sorpresa. Tenemos cinco años, me duele mucho el cerebro. Tenemos cinco años, eso es todo lo que tenemos.

 

David Bowie, 1973.

Entre sus obras figuran: Space Oddity, The Man Who Sold The World, Hunky Dory, The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, Aladdin Sane, Diamond Dogs, Station To Station, Heroes

 

Alejandro Luna fue galardonado con la Medalla Bellas Artes

Alejandro Luna
Fotografía benjamín Bernal 
Alejandro Luna fue galardonado con la Medalla Bellas Artes, un merecido reconocimiento al más destacado escenógrafo e iluminador teatral y operístico de la segunda mitad del siglo XX y del XXI. Formador directo e indirecto de las actuales generaciones. Más de 200 puestas en escena y 20 óperas, tanto en México, Estados Unidos, Asía y Europa. Cinco décadas compartiendo su talento y creatividad.
AESCENA TEATRO se congratula por esta medalla y se une a la alegría de la comunidad artística que lo acompañó en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO (LA CONDICIÓN FEMENINA DESDE LA TEATRALIDAD)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional

 

Para soñar

Una reina huye con su sirvienta, deambula por diferentes lugares, es perseguida por un “contratista” (asesino a sueldo) mandado por el rey con la orden de matarla. Viaja en una cama arrastrada por su servidora, hecho que da pauta al título PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO, texto onírico de y dirigido por Ana Francis Mor, bajo el planteamiento de la condición femenina desde la teatralidad.

La obra inicia con un sueño que la reina cuenta a su sirvienta, un interesante punto de vista sobre Dios, una “teología” sui géneris, con desarrollo lógico e irreverente. Consignas fuertes como: “La conciencia es un estorbo”. Tres seres a quienes el destino une, una odisea, una aventura emocional. Personajes que escapan a los estereotipos y, sin embargo, muy humanos. La mujer víctima, huir para salvar su vida o, tal vez, salvarse de sí misma. Todo concluye de forma inesperada, porque…

Ana Francis -programa de mano- se pregunta: “¿Existen personajes femeninos interesantes, verdaderamente protagónicos, heroicos, aventureros, autónomos, arrojados, cuya narrativa no dependa de un discurso amoroso o maternal?” Es evidente que si. Sin embargo, hay que reconocerle, en este caso y reiterando, es la naturaleza intrínseca de la mujer ante las circunstancias existenciales lo que prevalece.

Siempre he tenido la idea de que Ana Francis es una excelente directora, el destino la llevó por otro camino, más redituable, no se le puede criticar. En este caso no hay escenografía, sólo un telón de fondo y una cama de latón de donde brotan diversos objetos, más simbólicos que realistas. Un gran trazo, mejor ritmo y lo más loable como aprovecha las cualidades histriónicas de su reparto. ésta es la tercera temporada del montaje, luce más que cuando se representó en el teatro Benito Juárez. Conoce a fondo su texto, sabe lo que quiere transmitir y cómo lograrlo, al final de cuentas es lo importante.

Marisol Gasé, Amanda Schmelz y Antonio Cerezo convierten lo que en su origen fue un sueño escrito en papel en un mundo escénico, en él que se preguntan: “¿Duele morir?” Creen tenemos a la muerte tan confundida que tal vez duela más vivir. Los tres extraordinarios, portentos de actuación, cada uno en su estilo y características. Impresiona Marisol, por varios momentos es el alma de la puesta, combina gracia y seriedad, ingenio e ingenuidad, bondad y maldad… es un crisol donde el teatro emana de una sola persona, de una mujer.

PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO se representa en el teatro El Galeón (Centro Cultura del Bosque), lunes y martes a las 20:00 horas, hasta el 1 de marzo.

MILAGROS (ABEJAS, SOYA TRANSGÉNICA Y ENDROMETRIOSIS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional

 

milagros

Apenas en una nota anterior comentaba que la dramaturgia nacional contemporánea, en buena medida, está abocada en abordar problemas sociales de toda índole y si bien el teatro no cambiará la realidad si influye en la toma de conciencia por parte del espectador. Ahora en el texto MILAGROS, coautoría de Vicky Araico y Nir Paldi, a partir de una idea original de la primera, se abordan varios tópicos: las abejas -en especial la denominada Melipona, cultivada por las comunidades mayas desde los tiempos precolombinos- y la afectación que están sufriendo por los pesticidas; el problema de la siembra de soya transgénica, y; la endometriosis, enfermedad que afecta en nuestro país a una de cada diez mujeres.

 

En apariencia temas que no tienen correlación entre si, sin embargo, la estructura de la obra logra entrelazarlos de forma inteligente, se combina la realidad con la ficción como suele suceder en la dramaturgia. No se trata de un panfleto, no cae en lo didáctico, plantea hachos, no toma posturas fundamentalistas, es ameno, capta la atención de principio a fin. Hay un “enfrentamiento” entra la forma de pensar urbana y la de las comunidades indígenas. Hay hipótesis sobre posibles causas de la endometriosis, se proporcionan sus consecuencias. Se puede decir las abejas juegan un rol protagónico. Sabia manera de combinar todo lo anterior, en un texto de carácter social a partir de la esencia del teatro.

 

Nir Paldi asume la dirección. Demuestra que siempre está presente la posibilidad de hacer un montaje sin parafernalia, de hecho, literalmente, no hay nada, así, nada en el escenario, sólo dos actrices. En forma curiosa da la impresión de un gran desplazamiento escénico por parte de éstas, es un efecto, la verdad ambas se desenvuelven en un espacio de unos pocos metros cuadrados. El único apoyo es un músico en vivo -Diego Pérez Lombardini, guitarra- quien crea un ambiente sonoro permanente.

 

La propia Vicky Araico y Norma Pablo dan vida, en principio, a Laura y Milagros, en principio porque caracterizan a varios personajes durante el desarrollo de la obra, por fortuna sin exagerar en los absurdos cambios de voz o algún sombrerito o algo por el estilo. Su expresión facial y lenguaje corporal son impresionantes, así como el empleo de la mímica. realmente excelsas las dos.

 

MILAGROS, una obra para los amantes del buen teatro y para quienes además a partir de éste les gusta la reflexión. La cita es en la Sala Xavier Villaurrutia (Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México), hasta el 8 de febrero, los lunes a las 20:00 horas.

MILAGROS (ABEJAS, SOYA TRANSGÉNICA Y ENDROMETRIOSIS