Mes: junio 2016

REENCARNACIONES (VENTANA DEL TIEMPO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Ojalá algún día el mundo comprendiera que las guerras sólo destruyen. Tras los fatídicos bombardeos nucleares ocurridos en Hiroshima y Nagasaki durante la segunda guerra mundial, Japón quedó devastado. El número de fallecidos se aproxima a 190,000 y otros tantos heridos. Por la calles deambulaban personas con quemaduras y lesiones en todo el cuerpo. Los más dañados, de pronto colapsaban. Se veían escenas terroríficas. Los artistas sólo conocen la creatividad para su catarsis. Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, cuyo talento es ampliamente reconocido, sintieron que necesitaban de un acicate para seguir adelante, algo en memoria de sus muertos y que redefiniera el cuerpo humano y la relación que éste tiene con el cosmos. De esa reflexión surgió el Ankoku Butō–denominado Butō o Butoh en Occidente–, también llamado la “danza hacia la oscuridad“.

A través del Butoh, buscarían un nuevo cuerpo –el cuerpo de la postguerra–.El butho es una disciplina que conjunta varias técnicas dancísticas.  Se basa en movimientos lentos, expresivos e imaginativos. Hay quienes lo ejecutan sin ropa alguna y quienes se pintan de blanco. La improvisación es un elemento fundamental, mediante sus movimientos el bailarín debe expresar lo que siente, permitiendo que su cuerpo hable por sí mismo. Debe haber varios cambios de estado anímico y transitar entre uno y otro. El propósito básico es unificar mente y cuerpo.

El artista mexicano José Bravo, quien se iniciara como bailarín y coreógrafo en danza contemporánea, con los maestros Luis Fandiño e Isabel Hernández, viajó a la ciudad de Nueva York para ampliar sus estudios en el Merce Cunningham Dance Studio (Estudio de Danza Merce Cunningham).  Así mismo, estudio técnica Limón con Jim May. Estando en aquella ciudad, descubrió la danza Butoh de la mano de Mariko Okamoto, con quien colaboró en el grupo Vagabondage Dance Theatre (Vagancia Danza Teatro). José sintió que el butoh le llegó al espíritu y quedó tan seducido que desde entonces se ha dedicado a investigar la expresión de esa disciplina, junto a maestros como Anzu Furukawa, Natsu Nakajima y Diego Piñón.

Después de Nueva York, estuvo en Montreal, Canadá, trabajando con la Compagnie de Théatre de Pol Pelletier (Compañía de Teatro de Pol Pelltier). Ha sido merecedor de diversas becas y reconocimientos.

José Bravo considera que de la danza Butoh emana una sanación no sólo para el ejecutante sino para los espectadores.  Asegura que practicar esta danza es un acto de auto-confesión y que el ritual se reactualiza como relato del espíritu.  José es fundador y director del Centro de Artes del Movimiento Butoyolotl en la Ciudad de México. Aprovechando que la improvisación es parte fundamental del Butoh, José le ha infundido parte de nuestra cultura.La denominación del colectivo que él comanda es una fusión de las palabras Buto (Butoh) y yolotl –que en náhuatl significa corazón–.

En fecha reciente, José Bravo presentó su nueva producción intitulada REENCARNACIONES –VENTANA DEL TIEMPO, donde el artista interpreta a diversos personajes pertenecientes a vidas pasadas, en busca de una recreación de su propio colectivo, bajo la premisa de que las vidas pasadas son la herramienta idónea para conectarnos con nuestros sentimientos.

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Con REENCARNACIONES — VENTANA DEL TIEMPO, José Bravo dio una verdadera cátedra de la disciplina Butoh. Ante un lleno total, José presentó una variada muestra de la danza butoh, ejecutando él los movimientos con magistral precisión. En cada cuadro hubo cambios significativos, incluso en el vestuario, mediante elementos que José incorporaba sobre el escenario.  En cuanto a la musicalización, también se nota la intervención de José, puesto que no fue todo al ritmo de la acostumbrada música oriental, sino que en un cuadro el sonido asemejaba una marcha y otro tenía cierto toque de sensualidad. Lo cierto es que llegó al corazón de los espectadores.

Es sorprendente la perfección que ha alcanzado este artista mexicano en la disciplina Butoh y el dominio total que tiene sobre cada músculo de su propio cuerpo.Los asistentes se adentraron en el ritual, con respeto y admiración.

La propuesta encontró un digno marco al ser presentada en el solemne AUDITORIO DIVINO NARCISO, dentro de la UNIVERSIDAD DEL CLAUSTRO DE SOR JUANA, ubicado en José María Izazaga número 92, Centro Histórico, Ciudad de México. Al final de la función, el público respondió al artista con un estruendoso aplauso de pie. La presentación fue única, sin embargo, les anticipamos que el colectivo del Movimiento Buyolotl que José Bravo dirige y en el que participa se presentará en septiembre de 2016 en la Sala de Ensayos del Centro Cultural de la Universidad Autónoma de México –UNAM–, así que les recomendamos ampliamente que estén al pendiente de la cartelera y, desde luego, que asistan.

 

PUECOESPÍN DE DAVID PAQUET

Texto y foto por Ana Leticia Romo G.

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La obra Puercoespín es un montaje con temas muy sencillos e inmediatos como el amor, el desamor, los encuentros idealizados, la idea del otro sobre mí y de la idea mía en relación al otro, son cosas que nos suceden y que de alguna manera han dejado alguna huella en el alma y en el corazón.

Esto se logra mediante un grupo de personajes heridos (vendados) que solo desean lograr vencer su soledad ya mediante una fiesta de cumpleaños como Casandra (Magdalena Carballo), bajando de peso como Suzanne (Astrid Lomas), yendo al psicólogo como Silvano (Marco Aurelio Hernández), deseando ser galán como Teodoro (Carlos Hugo Hoeflich), mediante un bebé como Noemí (Lorena Ricaño) o acompañando la vida con la música con un acordeón (Jesús Hernández).

Todos ellos tienen algo en común, el deseo de ser aceptados, pero al mismo tiempo no querer depender de los demás. Así como los puercoespines llenos de puntas para alejar a quien se acerque y al mismo tiempo necesitando del calor humano en un eterno oleaje de rechazo y acercamiento.

La obra montada por la compañía “Avión de papel”, fue considerada una de las mejores obras del año pasado en el estado de Jalisco y realizada bajo un criterio de farsa para que el público tome de eso lo que quiera y se vaya a casa con una reflexión. Acerca del autor, Paquet forma parte de una nueva generación de jóvenes autores, en el escenario teatral del Quebec francés.
La obra pertenece al Circuito Cultural Centro Occidente, tuvo dos presentaciones, lunes 20 y martes 21 de junio a las 20 h en el teatro Antonio Leal y Romero de la Casa de la Cultura “Víctor Sandoval”.

 

PERROS (¿QUIÉN ES EL ASESINO?)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Siempre me ha llamado la atención cómo puede un dramaturgo escribir una obra y una vez agotado el tema central, sobre todo si es desde el inicio, se pierda en el bla, bla, bla… y a cuenta gotas agregue algunos elementos o detalles, para, por fin, llegar a una conclusión. Es el caso del finado Lizandro Duarte con la obra PERROS, bajo la dirección de Jorge Arizmendi.

 

En un Centro de Adiestramiento cinco militares son arrestados por el homicidio de un compañero. Todos son sospechosos, inclusive uno es hermano del occiso, todos tienen motivo y ninguno uno clara coartada. Salen a relucir características de la personalidad de cada uno y forma de vida como el homosexualismo, por citar un solo ejemplo. La quinteta decide llevar a cabo un juicio entre ellos mismos para llegar a la verdad y descubrir al homicida. Entre todos se echan la culpa, los cinco se declaran inocentes, al concluir la responsabilidad recae en… El texto avanza lentamente, los diálogos se repiten en el sentido de ir a lo mismo, estrictamente no es lineal más bien se desarrolla en espiral, se vuelve repetitivo y a la postre cansado a pesar de los comentarios que a continuación expresaré.

 

La dirección plantea un ritmo de mucho desgaste físico (peleas entre ellos o conatos de pleito) escenas con desplazamientos por todo el espacio a un ritmo veloz. Por otra parte, durante el desarrollo los actores se la pasan gritando, no en un tono de voz alto, literalmente gritando. Es de suponerse que ante la situación que decidirá su futuro inmediato, la posibilidad de ser llevados a un Consejo Militar la aflicción, la preocupación y la incertidumbre del qué va a pasar, los llevaría a momentos de angustia, hasta de reflexión y meditación, ese silencio que domina ante situaciones límite de este tipo, no gritando de principio a fin. No hay escenografía en forma estricta, cinco sillas un catre, una mesa y una escalera. La penumbra es la característica de la iluminación. El vestuario: pantalón y botas militares, camiseta en el torso. Una dirección discutible, en lo personal no de mi agrado.

 

Las actuaciones a cargo de cinco jóvenes, incluyendo al propio Jorge Arizmendi, omito el crédito de los otros cuatro al no haber programa de mano y acepto no los conocía. Mucha entrega, arrojo, deseo de convencer, hasta ahí, porque más que actuar parecen luchadores, problema de dirección.

 

PERROS tiene temporada en el teatro La Capilla, Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas.

PARÁSITOS (UNA SÁTIRA CÓMICA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Nostra

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La necesidad del ser humano por poseer en ocasiones lo lleva a realizar cualquier cosa para obtener bienes materiales, a tal grado de perder el sentido de la realidad. El dramaturgo inglés Philip Ridley es autor de PARÁSITOS, definida como una sátira cómica. Plantea un tema oscuro y escabroso producto de una gran imaginación como es… indigentes. Las acciones de un matrimonio, como por arte de magia, van transformando una casa que les fue obsequiada, las mejoras se van dando, son hechos sobrenaturales. Ésta va transformándose hasta convertirse en una mansión lujosa, no en el escenario en términos realistas sino en la imaginación de los espectadores.

 

Cito: “Una pareja ordinaria -Julia y Oliver- reciben una propuesta extraordinaria por parte de una figura -Miss Dee- encantadora demoniaca. Ellos arrancan una serie de actos monstruosos con el fin de tener una mejor vida. Con este texto

 

Philip Ridley apela a la entraña del espectador hablándole de frente y cuestionándole ¿cómo reaccionarías tú ante una propuesta conveniente pero importantemente dañina para tu moral? (Programa de mano) Cierto, los personajes traicionan sus valores éticos y morales para satisfacer sus deseos y tener más y más, reiterando, bienes materiales. Una comedia cargada de humor fino, negra por la temática y su tratamiento.

 

Buena estructura, tópicos tratados con profundidad, salvo hacia el final -la acción se lleva a cabo en una fiesta infantil- cuando curiosamente los actores dan lo mejor de sus potencialidades y los diálogos se vuelven intrascendentes, eso sí inmersos en el humor. Una ficción, no sucede en un lugar específico. El texto inicia con los personajes dirigiéndose al público directamente, narran cómo adquirieron la propiedad, en varias escenas vuelven a repetirse este tipo de rompimientos.

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Miguel Santa Rita -director y responsable de la traducción- guía al trío de actores. Adrian Martínez- su crédito es la escenografía- optó por un espacio vacío, minimalista, sólo una “pared” y dos sillas; la iluminación -Roberto Paredes- de lo más sencilla; el vestuario -Mario Marín del Río- casual. El director todo lo deja a la imaginación del público, los objetos no están físicamente todo es sugerido. Opta en una escena por romper la cuarta pared, en honor a la verdad sin ningún sentido. Se le debe reconocer destaca y da prioridad al trabajo de su reparto. Excelente trazo y desplazamiento, buen ritmo y tono.

 

Regina Blandón, Alberto Guerra y Mónica Dionne integran el elenco. Los dos primeros perfectamente conjuntados, la comedia les va bien, lo más importante, valga lo obvio, la actúan, convierten lo que en principio, para o bien o para mal, podría calificarse como teatro comercial, en una puesta de calidad que invita a pensar y no por ello reír durante toda la función. Mónica maravillosa, un encanto de personaje, sus intervenciones son mínimas pero fundamentadas en el histrionismo que la caracteriza.

 

PARÁSITOS, teatro creativo y propositivo, se representa en el Teatro Helénico, Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas, hasta el 7 de diciembre.

LOS MONÓLOGOS DE LA VAGINA

Texto y foto por Jassive Martínez

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La adaptación de Los monólogos de la vagina, escrita por Eve Ensler, se presentó durante mayo y principios de junio en el nuevo espacio teatral y cultural  “Foro por la Luna”, un lugar pequeño que permitió generar un ambiente de cercanía con las actrices Gabriela Fernández y Cecilia Arceo, aparte de que el tema amerita el acercamiento.

En un inicio planteado entre la risa y las bromas, con imágenes de diferentes artistas que fueron proyectadas en el techo sobre las muy diferentes formas y colores de la vagina, poco a poco, el ambiente se ponía más denso y las actrices se remontaron a recuerdos que nos dibujaban con sus palabras y que cada vez se hacían más fuertes y pesados esas imágenes de acoso, abuso y dolor.

Es una obra que en palabras del  director Gerardo Urry, lleva al público por varios estados emocionales, de lo ligero al manifiesto en contra de la violencia de género. En esta ocasión, se presentaron sólo tres de los monólogos que componen la obra original, también el director comento que próximamente estarán integrando otros dos, estaremos en espera de ellos.

LAURENCIA

Texto y foto por Ana Leticia Romo García
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A partir de la obra Fuenteovejuna de Lope de Vega, la obra de Laurencia mezcla el drama de los feminicidios que han desolado al país en los últimos años y que lamentablemente han llegado a nuestro estado. La trama se desarrolla en un pueblo llamado Fuenteovejuna donde el comendador padece de abuso de poder por lo que sistemáticamente rapta y viola a las mujeres que desea y golpea y encarcela a quien intente contradecirle.

Laurencia hija del regidor Ortuño, enamorada de un joven, rechaza constantemente al Comendador pero este, en venganza, el día de su boda apresa al marido y ella sigue el mismo destino que sus coterráneas; milagrosamente huye y escapa para reclamarle a su padre que permitió ser robada. Cansados de la situación, el pueblo se levanta contra el mal gobierno y matan al comendador. Todo esto sucede mezclando las voces de las niñas y mujeres abusadas que han desaparecido en nuestro estado.

La obra tuvo una presentación desafortunada ya que por causa de la lluvia se retraso media hora y en un espacio contiguo, había un brindis lo que ocasiono mucho ruido y distracción amén de la lenta velocidad de la obra y la actuación de los jóvenes aprendices que aún no logran la dicción ni el volumen adecuado para discursos tan prolongados y profundos. Sin embargo, cabe resaltar el profesionalismo del grupo que a pesar de tanta adversidad, presentaron la última función de la temporada, quizá en un espacio techado, la obra hubiera podido apreciarse y disfrutarse mejor.

La dramaturgia y dirección estuvo a cargo de la maestra Mariana Torres la producción y equipo artístico y creativo de la cuarta generación de Lic en Artes escénicas (actuación) de la UAA.

LA ÚLTIMA PALABRA (TRES MAGISTRADOS DECIDIRÁN EL FUTURO DE UNA MUJER)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de Ale Nostra

 

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En la sede del Tribunal Superior de Justicia en la Ciudad de México, tres magistrados decidirán el futuro de una mujer que asesino a su esposo. Ella expresa: “No me arrepiento, no pido perdón, acepto el castigo”. ¿Por qué? Fue víctima de golpizas, vejaciones, tortura psicológica; recurrió a las autoridades, éstas hicieron caso omiso. Se reúnen ambos cónyuges en la casa de ella para afinar los detalles de un posible divorcio, al sentir que va a ser agredida toma una pistola y mata al susodicho. Adriana Vélez -nombre de la inculpada- está a expensas de que sus sentencia sea: homicidio simple, emoción violenta o absolución.

 

Este es el marco dramatúrgico donde se desarrolla LA ÚLTIMA PALABRA, de Luis Agustoni, dirección de Angélica Aragón. A pesar del fondo plenamente jurídico la obra es amena, se insertan aspectos o conceptos de la ética personal de cada uno de los magistrados. Llama la atención que hay una buena dosis de humor. Hay temas paralelos como la situación de las mujeres y la condición de las cárceles en la República Mexicana, de pasada cómo se aplica la justicia. Texto inteligente, de buena manufactura, entretenido desde su inicio hasta su conclusión.

 

Angélica Aragón presenta un trazo limitado, la mayor parte del tiempo los tres magistrados alrededor de una mesa de trabajo con algunos desplazamientos, se entiende porque están deliberando; coloca a la Secretaria de Sala en el proscenio, a la izquierda del escenario con relación al público, un lugar discreto como la intervención del personaje. Lo más interesante es cómo capta a la perfección la psicología de los juristas, muy disímbolos en caracteres, personalidades y formas de pensar. Se debe reconocer, una gran propuesta de dirección.

 

Al frente del reparto Roberto D’mico acompañado de Pablo Perroni, Víctor Hugo Martín y Adriana Llabrés. Roberto hace gala de su porte, más que actor da la impresión de un noble de la corte inglesa, sin embargo, si es actor, todo un histrión, cuando la deliberación llega a su clímax muestra todas sus capacidades y posibilidades escénicas. Pablo y Víctor excelentes, cada uno explota la idiosincrasia de sus personajes, junto con el primero convierten el montaje en una delicia. Adriana con un papel menor no se amedrentra, su trabajo es a la altura de los requerimientos.

 

Una escenografía realista, la oficina de deliberación, sin ser minimalista en el escenario está el mínimo indispensable para desarrollar la trama. Con relación a la iluminación no hay muchos cambios, se puede decir es fija. Ambos diseños son responsabilidad de Edgar Sánchez. LA ÚLTIMA PALABRA, producción de Eloy Hernández y Mariano Ducombs, se representa en el Teatro Helénico, hasta el 1 de agosto, los lunes a las 20:30 horas.

LA REINA HA MUERTO (CONDENA TEATRAL AL FEMENICIDIO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto facebook

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Itari Marta adaptó LA REINA HA MUERTO, un texto que es parte de LAS TUMBAS DE VANADIS, una antología de la escritora Christel Guczka. La historia se enmarca en al famoso cuento para niños CAPERUCITA ROJA, media forzada la inserción y por momentos fuera de contexto, en otros de la forma más acertada, digamos es discutible en algunos sentidos desde el punto de vista dramatúrgico como en otros atinada.

 

De hecho se puede dividir la adaptación en dos partes: una primera, extraordinariamente aburrida, en principio debería ser el planteamiento del desarrollo y la conclusión, sin embargo, nada de eso acontece, lo único que aporta es el por qué del título de la obra: la protagonista, Mary, juega con una compañera, la primera es una reina y la otra su sirvienta. La segunda parte de mejor estructura, entra de lleno a la violencia de género -contra la mujer- donde Caperucita Roja (Mary) es golpeada, vejada, violada y abandonada a su suerte por el Lobo Feroz (un malandrín machista), por último la víctima es consolada y alentada para seguir adelante por la abuela (de Caperucita Roja). La primera parte es un híbrido, la segunda un melodrama.

 

Escenas en las que abordan el abandono de Mary de su casa, el encuentro con ella misma, el encuentro con el lobo y la llegada a casa de su abuela. Cito: “LA REINA HA MUERTO es una historia con claroscuros simbólicos, desarrollada en un mundo que parece como de cuento pero que resulta brumoso y perverso; esta propuesta busca sembrar una toma de conciencia, incitar a las mujeres a no olvidar sus instintos”. En concreto matar o morir.

 

Itari dirige su propia adaptación. La escenografía se reduce a un bosque más bien sugerido diseñado por Luly Garza; una iluminación -de MIguel A Velázquez-, luz neón y unos foquitos emitiendo luz verde, una verdadera cursilería, simplista sin mayores pretensiones. Retomando a Itari, la mejor parte, en la que luce su dirección en cuando la anécdota de lleno incursiona en el melodrama.

 

Esto último sucede también con las actrices, lucen con el melodrama, en la primera parte parecen niñas bobas, ingenuas a más no poder, sobre todo Mary, a pesar de que la amiguita en cierta forma abusa de Mary. Ellas son Valeria Lemus y Verónica Barba (alterna Aderith Martínez). Dan lo mejor de sí mismas, entrega, destacan en la escena del encuentro de Mary con el Lobo, violencia llevada al extremo actoral, se conjugan en forma perfecta ambas.

 

LA REINA HA MUERTO se presenta en el #77, Centro Cultural Autogestivo, centro social y cultural operado por el área de proyectos del Foro Shakespeare, los jueves hasta el 28 de julio a las 19:00 y 20:00 horas; la ubicación es Abraham González, Col. Cuautémoc. Posteriormente se representará en el Foro Shakespeare (Espacio Urgente 2), los jueves a las 20:00 y 21:00 horas del 6 de octubre al 15 de diciembre, ambos recintos se ubican en la Ciudad de México.

LA ISLA DEL UNICORNIO MÁGICO (¿EL SER HUMANO CONDENADO A AUTODESTRUIRSE?)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Nostra

 

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Es tal el poderío bélico -armamento de todo tipo- de múltiples países del mundo, a tal grado es inimaginable la catástrofe de una tercera guerra mundial, sin ir más lejos el enfrentamiento entre dos potencias militares podría desatar el caos en todo el planeta. Surge la pregunta: ¿El ser humano está condenado a desaparecer? La autodestrucción está latente desde la época de la Guerra Fría hasta nuestro días. Dicen los historiadores: desde que al hombre se le identifica como tal no ha habido un sólo día sin guerra en algún lugar de la Tierra.

 

La anterior introducción es con relación a la puesta en escena LA ISLA DEL UNICORNIO MÁGICO, de Jayson MacDonald, dirección de Ricardo Ramírez Carnero. Un texto apocalíptico, todo gira en torno a la destrucción, a la guerra, políticos discutiendo con los científicos (mención), se enumeran algunas guerras muy antiguas como las Diónicas, un recorrido por fortuna no muy extenso; discursos de dictadores militares, enajenados por el poder y el deseo de conquistar, dominar a otras naciones; otro enlistado de todos lo que son discriminados, sea por raza, sexo, preferencias sexuales… por lo que sea. Sin embargo, el autor como mago saca el as de la manga, la moraleja final pretende todo lo puede el amor, sin embargo… El texto salta de un tema a otro con singular alegría, no son escenas, más bien cuadros. Hay diálogos y monólogos. La idea es buena no así el desarrollo, claro es cuestión de opiniones.

 

Lo que en verdad es un desastre es la puesta en escena de Ramírez Carnero. A pesar de lo fuerte y desgarrador del tema -tal vez no va a estar de acuerdo, quitemos el tal vez-, su propuesta oscila entre la comedia, la farsa y la tragicomedia, al final ni lo uno ni lo otro, un híbrido con toques chistositos. Cursilerías como unos globos, el público los infla y los lanza al escenario, en lugar de adquirir un tono simbólico se ven patéticos. No hay escenografía, un “bulto de estructura”, finalmente su único uso práctico es hacer de tribuna. Samuel, niño protagonista, parece un retrasado mental cuando habla. En fin, una verdadera desilusión el montaje.

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Ahora bien, ¿qué es la isla del Unicornio Mágico? Un lugar donde viven puros niños -no se sabe cómo llegaron ahí ni de que viven -quienes han huido del imperio del dictador militar, éste los quiere regresar, ellos no lo desean piensan pueden detener un bombardeo a la ínsula con tan solo muestras de amor.

 

De los actores sólo se puede decir se entregan, creen en el proyecto, pero ante la propuesta de dirección todo queda en buenas intenciones. Ellos son: Miguel Cooper, Roberto Duarte, Mónica Jiménez, Mauricio Pimentel y Rocío Ramón.

 

LA ISLA DEL UNICORNIO MÁGICO tiene lugar en el Foro Lucerna (Ciudad de México), los lunes a las 20:45 horas, hasta el 29 de agosto.

LA COMUNIDAD TEATRAL RECONOCE MARTA VERDUZCO SU TRAYECTORIA EN LOS ESCENARIOS

Información La Jornada 15/junio/2016

Fuente: http://www.jornada.unam.mx/2016/06/15/cultura/a03n1cul

 

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La comunidad teatral rindió un homenaje el lunes a la primera actriz Marta Verduzco en el teatro El Milagro.

Colegas, directores, amigos, pero sobre todo admiradores de la trayectoria de una de las grandes figuras de la escena en México, se dieron cita para aplaudir a una mujer cuya vida profesional es ejemplo para las nuevas generaciones, dijeron algunos de los invitados.

La también directora escénica dijo sentirse encantada por tanto elogio y luego de agradecer el reconocimiento, aprovechó el micrófono para lamentar que exista una sola Compañía Nacional de Teatro (CNT) en el país, cuando debería haber, por lo menos, una por cada estado, indicó.

Sobre todo, criticó el hecho de que el gobierno federal haya destinado 47.7 millones de dólares para la realización del espectáculo Luzia, a cargo de la compañía canadiense Cirque du Soleil, con la finalidad de promover la imagen de México, cantidad mayor a lo que se invierte en estímulos a la creación artística en las diferentes disciplinas aquí, en un momento en que se aplican y anuncian nuevos recortes presupuestales.

¿Acaso creen que con ese espectáculo ante el mundo que nos critica borrarán la imagen de corruptos que tienen?, puntualizó.

Debut en 1963

Estuvieron presentes en una mesa redonda los directores escénicos Luis de Tavira, Germán Castillo, José Caballero y Salvador Flores, así como el pintor Xavier Esqueda, el poeta Francisco Segovia y la entrañable amiga de Marta, la bailarina y coreógrafa Cora Flores, quien develó la placa conmemorativa en la que se lee: No extraño a ninguno de mis amores, me extraño a mí misma enamorada. A quien he amado verdaderamente y sobre todas las cosas, es al teatro, él nunca me ha defraudado: Marta Verduzco.

Actriz temible y combativa, intimidante y lúcida, así definió De Tavira a quien forma parte del elenco estable de la CNT que él dirige.

Muchas fueron las anécdotas que se contaron en el foro y en un video en el que se plasman los testimonios de Héctor Bonilla, Rossana Filomarino y Angelines Torres, entre otros amigos de la homenajeada.

Se recordaron los inicios de Verduzco como actriz, en 1963, en la Escuela de Arte Teatral de Bellas Artes, con el maestro Dagoberto Guillaumín, adonde llegó por sugerencia de Enrique Lizalde, y donde tuvo que exigir ser recibida cuando Guillaumín le dijo que volviera en un año, pues no había espacio para ella.

 

Marta Verduzco, primera actriz de la CNT, dijo lamentar que exista una sola Compañía Nacional de Teatro en el país, cuando debería haber, por lo menos, una por cada estado

 

Tuvo de compañeros para primera escena de prueba a Aarón Hernán, ahora primer actor, y a Óscar Chávez, hoy uno de los cantantes y compositores más reconocidos en el país.

Luego, Marta trabajó en la Casa del Lago al lado del poeta Tomás Segovia, recibió una beca para asistir al taller de Jerzy Grotowski en Polonia, y vinieron sus trabajos con grandes directores, como Héctor Mendoza, quien le enseñó disciplina, y Juan José Gurrola, a improvisar, señaló la actriz.

Sin embargo, sus mejores experiencias en las tablas, reconoció Verduzco, han sido al lado de Salvador Flores, con quien trabajó a finales del año pasado en la puesta en escena de El último encuentro, adaptación de la novela del escritor húngaro Sándor Márai.

En Marta también hay una directora inteligentísima que sabe las exigencias de la actuación. ¿Por qué ella es así? Porque en sus inicios debió indignarse ante la decadencia y cobardía de un teatro que se enfocaba a lo comercial. Podemos imaginar que Marta hizo entonces un pacto con su alma y admirar cómo ha sido leal a ella, apuntó De Tavira.

Ser cruelmente franca

En su turno, José Caballero dijo que pertenece a la misma generación de los enamorados de Marta Verduzco, a quien agradeció su franqueza y alegría, el ser siempre cruelmente franca.

Germán Castillo señaló que aprecia que su amiga sea ética, justa y generosa, sobre todo, que siempre esté codo a codo con quienes marchan ya sea para protestar por un asesinato o algún fraude electoral, sin recibir jamás un trato especial por su condición de primera actriz.

Francisco Segovia narró cómo se enamoró de Verduzco siendo niño, sobre todo al filmar una película dirigida por su padre, Tomás Segovia, entonces a cargo de la Casa del Lago (1961-1963), donde iban autores como Juan García Ponce, y artistas como Vicente Rojo, Lilia Carrillo, José Luis Cuevas, Fernando García Ponce, Alberto Gironella y Manuel Felguérez.

En ese recinto, Verduzco participó durante varias temporadas en el exitoso proyecto escénico Poesía en voz alta.

Gabriel Pascal, director artístico del teatro El Milagro, señaló que no sólo era un honor, sino una obligación rendir un homenaje a una compañera como Marta Verduzco.

Es un reconocimiento no porque se vaya a morir, sino por su deslumbrante trayectoria, por su ética de actriz.