Mes: julio 2016

DESTACADOS GRUPOS E INTERESANTES MAESTROS Y GRUPOS PARA EL DUODÉCIMO FESTIVAL DE MÚSICA DE CÁMARA

DESTACADOS GRUPOS E INTERESANTES MAESTROS Y GRUPOS PARA EL DUODÉCIMO FESTIVAL DE MÚSICA DE CÁMARA

Información del ICA

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Hace doce años se dio un importante paso en la vida cultural del estado, con la creación del Festival de Música de Cámara de Aguascalientes. Esta undécima edición del festival, que este año se celebrará del 10 al 17 de julio, es fruto del esfuerzo que comparte el Instituto Cultural de Aguascalientes, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes y la Universidad Panamericana, Campus Aguascalientes.

Entre los grupos participantes este año destacan el American String Quartet, reconocido como uno de los mejores cuartetos del mundo, con giras por todo el mundo; el Cuarteto de Cuerdas José White, que está considerado como uno de los cuartetos más importantes de todo el país, el quinteto de Dorian Wind Quintet o el Trio Luminaria.

Entre los maestros invitados para este Festival se encuentran el maestro Jorge Federico Osorio y el maestro David Pérez Olmedo, ambos destacados profesionales y reconocidos en su labor como directores, tanto a nivel nacional como internacional.

El Festival se propone atraer a jóvenes músicos de todo el mundo, con un esquema que combina el aspecto académico y el artístico. Durante siete días, nuestra ciudad se convertirá en un centro relevante de la música de cámara, donde el público podrá asistir a todas las clases y a los conciertos que diariamente se ofrecerán.

Como cada año, se entregará el Premio Manuel M. Ponce con un concierto de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes y el Coro Esperanza Azteca al grupo de cámara más destacado entre los participantes, seleccionado por los maestros residentes. El Festival se honra al contar con maestros de reconocido prestigio artístico y académico, que han visto en nuestro proyecto la posibilidad de contribuir de manera directa al desarrollo cultural de Aguascalientes.

Una de las innovaciones para esta edición, es la sede académica que tendrá lugar en la Universidad de las Artes, donde se llevarán a cabo las clases maestras, y sesiones con alumnos que provienen de distintas partes de la República.

TERROR Y ASCO. VIDA PRIVADA DE GENTE FELIZ. POSTALES ALEMANAS

TERROR Y ASCO. VIDA PRIVADA DE GENTE FELIZ. POSTALES ALEMANAS

Por Dalia María Teresa De León Adams

El objetivo en torno a la cual está escrita esta obra teatral es el cuestionarse respecto a el porqué existe el antisemitismo, el racismo y la xenofobia en la sociedad alemana, de manera tan recalcitrante.

Perspectiva que se presenta bajo el punto de vista de Dirk Laucke, su escritor, quien intitulara a su obra acorde con una previa investigación que incluyó alguna  correspondencia entre la gente en Alemania, así como el comportamiento de su sociedad.

Furcht und Elend im Dritten Reich que en español significa Terror y miseria del tercer reich, fue su título original.

En México aparece traducida como Terror y asco. Vida privada de gente feliz. Postales alemanas, resumiendo con ello su trama.

Esta obra no es una historia a seguir, sino una serie de lecturas dramatizadas, ocasionalmente actuada, sobre alguna correspondencia entre la gente en Alemania.

Por otro lado, es un acercamiento a la idiosincrasia y forma de vida del grueso común de su gente. De tal modo que pudimos presenciar diálogos estructurados específicamente para no tener seguimiento, así como una simulación de diversos cuadros escénicos inexistentes, debido a ser descritos únicamente de manera oral.

En el reparto estelar estuvieron, el mismo Damián Cervantes, Diana Magallón, Héctor Hugo de la Peña, José Rafael Flores y Maricarmen Ruiz.

La escenografía estaba conformada por diversos bloques de pasto que uno de los personajes constantemente cambiaba de lugar y una pantalla televisiva, que alternaba con imágenes acorde con los diálogos.

Una mujer obesa constantemente consumía palomitas y bebía cerveza con el resto del reparto estelar, intentando simbolizar el cotidiano consumo excesivo del alemán por dicha bebida.

Esta obra no solamente explica la xenofobia, el racismo y el antisemitismo, sino que al mismo tiempo, al intentar hacer una reflexión sobre el porqué de ello, el autor sin darse cuenta presenta una crítica severa al comportamiento alemán.

La puesta en escena fue con base en la traducción de Sven Olsson, bajo la dirección artística de Damián Cervantes y la producción ejecutiva de Vania Sauer.

Esta obra es una de las que ha formado parte al Encuentro de Dramaturgia Contemporánea Alemana en México nominado: Theater Welt, que se ha ido presentando en los foros del INBA desde el día 13 de junio y, que terminará su temporada el día domingo 10 de julio, con entradas gratuitas, en coproducción con La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de las Bellas Artes.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

 Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Homenaje a Paco Rabell en la Ciudad que lo vio nacer

teatrikando 1                                                               Paco Rabell en un patio repleto de aficionados

Hace muchos años que visito El Corral de Comedias de Querétaro, en cuanto supe que le darían un homenaje en la Casa de la Cultura, que fue de su abuelo (en Cadereyta, Qro.) dije: tenemos que ir a reportear. El presidente municipal, León Enrique Bolaño, esposa y funcionarios, acudieron para entregar presea y regalos a Don Paco, hijo predilecto de esta bella ciudad. Nos contó que en el centro político estuvieron dos casas, una donde vivió su niñez, otra que le vio nacer. Así de emotivo resultó acudir a Cadereyta de Montes, a pocos kilómetros de la bella Querétaro.

Vimos: Se casó Tacho con Tencha la del ocho, que rinde homenaje a la mexicanidad y, claro, a Chava Flores; con este trabajo han dado la vuelta al mundo: España, Francia, Alemania, Norteamérica y otros países les han invitado para demostrar que el humor mexicano es universal. Escuchamos otra noticia digna de difusión: han sido seleccionados para el Primer Certamen Nacional de Teatro Clásico MX. Esta competencia cultural se realizará en diversos foros, Fuenteovejuna será representada por el grupo que preside Fernando Rabell (nieto de Paco) el 21 de septiembre. El grupo ganador vendrá a la Teatrería de la colonia Roma, lo que constituye excelente noticia.

Además, vimos dos obras de El Corral de Comedias: Se casó Tacho… comedia fársica y Fuenteovejuna, un clásico del Siglo de Oro que ha recibido actualización en cuanto a forma, ritmo, con total respeto al verso de Lope de Vega. Lo disfrutamos en el Corral, que tiene al centro una fuente, misma que fue cubierta con un templete y así ganaron amplios espacios para moverse sin límite bajo las arcadas, instrumentos sinfónicos alternando con sintetizadores. Intervinieron Fernando Rabell Mandujano, Jerónimo Rabell Catalá, Verónica Barranco, entre otros brillantes jóvenes, porque ya están sobre la escena tres generaciones. Deseamos ganen y los veamos en La Teatrería. Felicitaciones a Paco Rabell, que hizo crecer a Cómicos de la Legua y fundó El Corral de Comedias.

Hombres sin Barrera, dirige Alonso Barrera

teatrikando2                                                            Todos quieren casarse… y enseguida divorciarse

En la ciudad de Querétaro crearon La Fábrica, que aprovecha el amplio espacio para hacer un moderno foro, restorán y mesas para tomar café o comer. Ahí se pueden ver Hombres sin barrera y Mujeres con Aura, que aluden a Alonso Barrera y María Aura. La que vimos habla de una despedida de soltero en una oficina promedio, con jóvenes que estudiaron y formaron dentro del standard mexicano, ¿de qué platican? De los miedos naturales, por ejemplo a las chicas, que si bien de dientes para afuera se las quieren comer, en la realidad les urgen consejos y asesorías que a veces son las más falsas del mundo. Nadie entiende a las mujeres (ni ellas mismas) ¿entonces por qué las perseguimos? Hay juegos verbales como los que escuchamos en la calle, dobles sentidos y revelaciones psicológicas; intervienen Alonso Barrera (autor y director), Rodrigo Alatorre, Ramiro Baranda, Bony Barrera, Alan Bremont, Olivia Lara, Romina Reynoso y Andrea Ornelas, para alimentar nuestra percepción de que el noviazgo tradicional está en decadencia, pero qué divertido es reírnos del mismo. Han logrado un gran espacio para las artes; hay fotografía, pintura, conciertos y espectáculos teatrales para encontrarnos con grupos de jóvenes talentosos.

Niño perdido

Me dice Rebeca Moreno, la productora, que es remontaje, bueno, no tuve oportunidad de verle la primera, así que no podré comparar; a veces es muy injusto este tipo de escrutinio, porque cada obra se debe entender en cuanto a foro, actores y director. Así que le puedo decir “sí, me gustó”, salvo algunos detalles. El texto es de Quecho Muñoz, intervienen: Lupita Sandoval, Gerardo González, Quecho Muñoz, José Daniel Figueroa, Crisanta Gómez; se les puede ver cada lunes en el Xola. Había muchas madres de familia, jóvenes y niños, lo que quiere decir que se promueven hacia esos segmentos de población; quizá empezó como libro de autoayuda, mi niño interior y esos conceptos, para convocar a los espectadores a vivir más acordes con su vocación, lo que es difícil. La presencia de Lupita en el primer acto es genial; en el segundo hacen grandes esfuerzos por divertirnos, por momentos lo logran plenamente. El primer acto es superior. El mensaje es totalmente válido; ojalá todos pudiéramos satisfacer nuestros ideales, en ocasiones lo que falta es dinero, apoyo, oportunidades. Le falta algo al segundo acto, pero, los teatro aficionados salen muy contentos, ¡Felicitaciones!

MEDIDA POR MEDIDA (SHAKESPEARE FRENTE A FRENTE)

MEDIDA POR MEDIDA (SHAKESPEARE FRENTE A FRENTE)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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Tercera llamada, inicia la función, entran los actores, dan paso a una coreografía violenta, erótica, entre gemidos, el éxtasis, música en vivo; llega la catarsis, el ambiente adquiere un tono romántico. Es el preámbulo de Medida por medida, de William Shakespeare, en el marco de una temporada denominada Shakespeare frente a frente, en donde se incluye la reposición de Ricardo III, ambas bajo la dirección de Mauricio García Lozano. La primera: “la historia de una justicia que intenta ser ciega, la historia de una tentación irresistible, la historia de un amor apasionado…”; la segunda “es una obra sobre las alianzas impúdicas que se establecen para alcanzar cualquier trono”. (Programa de mano).

Medida por medida transcurre en Viena. Claudio embaraza a su novia Julieta. Existe una ley no aplicada en muchos años, la pena de muerte a quien fornique. El duque Vicentio se va a un supuesto viaje y le otorga amplios poderes a Ángelo, lo nombra su Delegado; éste condena al joven, sin embargo, él comete el mismo delito, tratando de chantajear a Isabela, hermana de Claudio, su virginidad a cambio de una vida.

El poder obliga a quien lo ocupa a ser un tirano; el libertinaje se burla de la justicia; leyes estrictas sin aplicar; un duque usa a otro para aplicar la ley sin que él se desprestigie; una cosa es la tentación y otra caer en ella; perdonar con frecuencia causa dolor sin querer… Son algunas de las premisas planteadas por el Cisne de Avón en este texto, inmerso en varios aspectos de la psicología del poder y la sumisión obligada de los súbditos, sin embargo, hay mucho humor, una comedia para la meditación y, por contradictorio que parezca, para sufrir.

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Mauricio García Lozano, un pilar de la dirección en el ámbito nacional, se caracteriza por ser propositivo, arriesgado y osado, en ocasiones irreverente, siempre con alternativas diferentes, es una garantía en cada montaje. Ubica la anécdota entre el tiempo real en que acontece y el presente, a la postre es intemporal, lo importante es la presentación de los valores intrínsecos del texto. Música en vivo y coreografías finas respaldan el conjunto oral. Escenario tipo pasarela; un templete ubica un tugurio, vestuario casual, se puede decir contemporáneo; la escenografía, mesas y sillas (en un momento pasan a ser percusiones). Relativamente pocos elementos le bastan para una gran puesta en escena, esas que transcurren más rápido que un suspiro. Un gran director, cuando cuenta con un soberbio texto, sabe, intuye, percibe y decide; el broche de oro son los actores, como en este caso; los desplaza por todo el escenario, el ritmo siempre rico y acorde a la emotividad de los personajes, apoyado con una “sencilla” iluminación. Nuevamente nos sorprende en forma grata, un triunfo más en su fructífera carrera. Moderniza, para bien, un clásico que no ha perdido vigencia.

Lo acompañan en esta aventura de comedia negra los actores: Harif Ovalle, Constantino Morán, Daniel Haddad, Leonardo Ortizgris, Carlos Aragón, Ricardo Esquerra, Pablo Chemor, Haydée Boetto, Miguel Santa Rita, Ilse Salas, Paula Watson y Ximena Romo. A todo el grupo se le reconoce su entrega y esfuerzo, sin embargo, destacan Ximena, Carlos, Constantino, Harif y Haydée.

La temporada Shakespeare frente a frente, incluye Medida por medida y Ricardo III, ésta se llevará cabo hasta el 25 de septiembre (se alternan las obras) en el Teatro Julio Castillo (Ciudad de México) hasta el 25 de septiembre, de jueves a sábado a las 19:00; domingos, 18:00 horas. En el mes antes citado habrá algunas funciones a las 12:00 horas, además de las ya mencionadas.

 

MASIOSARE, UN EXTRAÑO ENEMIGO (FARSA GROTESCA DESDE EL HUMOR ABSURDO)

MASIOSARE, UN EXTRAÑO ENEMIGO (FARSA GROTESCA DESDE EL HUMOR ABSURDO)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 La farsa es uno de los géneros menos socorridos en el quehacer dramatúrgico en la Ciudad de México. Ahora bien, de qué estamos hablando, tomaré la definición de Tomás Urtusástegui (Manual de Dramaturgia): “En la farsa se distorsiona el lenguaje, las situaciones y los personajes hasta lo inverosímil y lo absurdo, esto con motivos satíricos, críticos o moralizantes”. Casi en forma literal, Fernando Bonilla asume la definición, tanto como autor como director, a través de Masiosare, un extraño enemigo, texto que define como: “Una farsa grotesca y sangrienta que cuestiona, desde el humor absurdo, los valores y símbolos de la mexicanidad”.

Lo cierto es, Fernando, mediante este género, hace una radiografía de una parte de la sociedad mexicana, de su idiosincrasia, una forma irreverente para denunciar, un enfrentamiento con los espectadores. Son muchos quienes sostienen que no hay nada mejor para despertar e inquietar la conciencia de la gente en el teatro como el humor, la sátira, la ironía, en concreto, la farsa llevada a su máxima expresión.

El texto nos presenta personajes ingenuos, rayando en la imbecilidad (una madre no entiende que mataron a su hijo), travestis, prostitutas; militares idiotas, bueno, no tanto, porque pueden; el tema central: convertir a una persona inocente en culpable. Un hecho atractivo, el público decide cuál será el final, con su voto, ya sea lo declaren o no inocente al sujeto enjuiciado.

Si bien desde el texto el humor está presente, éste se concretiza en la puesta en escena; los espectadores ríen al ver reflejado su entorno en el teatro, los personajes son disímbolos, sin embargo, Fernando los conjuga en una atmósfera común, de igual forma acontece con los actores, no los unifica, sencillamente sabe lo que cada uno puede aportar y lo aprovecha. Movimientos exagerados, recordemos: es una farsa, exabruptos. Por otra parte, cuenta con música en vivo (Yarief Nieves y Leonardo Soqui), además de pistas con temas diversos y variados: Caminos de Guanajuato; El huapango de Moncayo; La marcha de Zacatecas; Solamente una vez amé en la vida, y uno de los géneros musicales más mexicanos: los corridos. No hay escenografía, se limita a un decorado con imágenes de héroes nacionales: la Corregidora, Miguel Hidalgo y Morelos, y de la Virgen de Guadalupe. Una parte muy simpática es cuando se enlistan las diferentes formas populares para nombrar el acto sexual.

Juan Carlos Medellín, Fernando Bonilla, Malcolm Méndez, Marissa Saavedra, Valentina Sierra y Valerio Vázquez se encargan de crear situaciones y personajes inverosímiles, en principio, porque sólo exageran la forma de representarlos por las razones ya expuestas. Todos dignos de reconocimiento, en particular, Malcolm Méndez, por que su personaje no está en la farsa en estricto sentido de origen y, sin embargo, lo integra a la perfección.

Una farsa para tomar conciencia de una triste realidad, sobre todo, por parte de los encargados de impartir justicia y, reiterando, cómo a un inocente lo pueden convertir en culpable. La cita para los interesados es en La Gruta, Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), los sábados a las 19:00 horas, hasta el 13 de agosto.

 

MAMÁ POR SIEMPRE (OFELIA MEDINA Y MANUEL OJEDA: IMPRESIONANTES)

MAMÁ POR SIEMPRE (OFELIA MEDINA Y MANUEL OJEDA: IMPRESIONANTES)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotos de Ale Mostra

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Nada comparable como gozar de una obra de teatro, más cuando se puede considerar lo más cercano a la perfección del arte, que implica esta expresión artística y estética. Protagonizada por Ofelia Medina y Manuel Ojeda, ambos impresionantes, reúnen su experiencia y talento para dar una cátedra actoral, sobre todo, el segundo, cuando caracteriza a un niño de 11 años de edad, uno “ve” al pequeño, su voz modulada para no hacerlo parecer un bobo como ocurre frecuentemente, logra esa maravilla de que el espectador vea lo que  no está en el escenario en términos reales. Los dos bajo la batuta del argentino Manuel González Gil. El texto, Mamá por siempre, del canadiense Michael Tremblay, dramaturgo llevado a escena continuamente en la Ciudad de México.

Un dramaturgo, director y actor, escribe, dirige y actúa una obra donde la protagonista es su propia madre. Recorre varias etapas de la vida de él mismo: 11, 14, 18, 21, 35 años de edad. Obvio, hay una evolución por parte de cada uno de ellos, en la relación entre los dos y las situaciones que los rodean. Una madre -se deduce del título- posesiva, obsesiva, dominante, castrante… influye en torno al devenir de su hijo, sin embargo, hay, por parte de la primera, un gran amor hacia el segundo y viceversa. En cada etapa se abordan diferentes temas, algunos parecieran triviales, sin embargo, a la postre contiene una buena dosis de profundidad, lo cotidiano conlleva a la reflexión: disertaciones alrededor de una novela, charlas sobre el teatro, por qué a los 21 años el muchacho regresa a su hogar a altas horas de la noche y por qué él se convirtió en dramaturgo; los momentos cuando ella está en la antesala de la partida final. Pequeños rompimientos en los que Miguel se dirige directamente al público para explicar a los espectadores… sobre Ana -la madre-, en verdad un deleite de diálogos, cautivan, emocionan; en reencuentro ficticio que sólo la magia del teatro puede lograr, el encuentro en un mismo lugar con quien ha partido y quien le sobrevive, con la ventaja de traer a la madre cada noche, cada función, todo emanado del amor que lo liga con ella por siempre.

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Si Ofelia y Manuel están impresionantes, el mismo calificativo merece Manuel González Gil. Le imprime un ritmo imposible de describir con palabras, un tono envolvente, hipnótico, cada escena posee su propia esencia, nos conduce por una odisea onírica, teatro en el teatro; no es un teatro de arte es el arte del teatro. Increíble como guía a sus actores, aprovecha de ellos lo que son: dos monstruos, dos pilares del teatro nacional. Tiene la habilidad de convertir en protagonistas: sentimientos y sensaciones como el dolor, la angustia, la alegría, la despedida inevitable. Dan deseos de verla por segunda ocasión, la razón, Laura Flores alterna con Ofelia Medina -que paquetote para ésta- en el personaje de Ana, mismo que inicialmente interpretara Rebeca Jones.

No creo exagerar, una de las mejores propuesta vista en mi vida, si lo hago sería sólo por la impresión tan grata que me provocaron estos histriones y el director, bajo la producción de Sergio Gabriel. Sin escenografía, tan sólo unos practicables (cubos y prismas que se convierten en lo que se requiera); un ciclorama enriquecedor, con sólo cambiar el color de la iluminación, un vestuario cotidiano y sencillo, salvo una escena donde Ana está elegantísima y una gran musicalización. El equipo creativo lo conforman: Martín Bianchedi, Flor María Inés, Melissa Bernstein, Manuel González Gil y Alfredo Gutiérrez, entre otros.

La temporada se lleva a cabo en el Teatro Wilberto Cantón -por increíble que parezca, porque este espacio se especializa en bodrios- de jueves a domingo.

 

 

LULÚ (LA DERROTA DE UNA TRIUNFADORA)

LULÚ (LA DERROTA DE UNA TRIUNFADORA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes  Facebook de LItzhel Razo

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Una niña de 12 años de edad es atrapada cuando intenta robar un reloj; la víctima en vez de denunciarla la adopta, la manda a la escuela, tiene todo en la vida; su protector, hombre solvente económicamente, se convierte en su amante. Sin embargo, la casa en dos ocasiones –con un doctor y un pintor- queda viuda en ambos casos, uno fallece de un infarto, el otro se suicida al conocer su vida de prostitución y la infidelidad de ella. Después de tener todo, cae en la desgracia por…, su destino vitalicio… Es la derrota de la triunfadora.

Esto es en síntesis la temática de la adaptación de Itzhel Razo de Lulú: el espíritu de la tierra, de Frank Wedekind. Un texto de gran manufactura, más el sublime sentimiento del ser humano, el amor, enfrentado a los más bajos y degradantes instintos; una mujer, quien no puede ser Dios pero puede ser el diablo; una modelo y bailarina de tango capaz de inspirar frases como: “cada vez que te miro, es como si fuera la primera vez, todo lo demás se desvanece”. Itzhel captura la esencia de cada uno de los personajes, va hasta lo más profundo de su ser, viola su intimidad, provoca compasión y desprecio, todo desde una dramaturgia inteligente, propositiva, adentrada en lo humano.

Ella misma es codirectora al lado de David Hevia. Acertada, pulcra, con un ritmo pausado, hacen énfasis en los momentos pasionales y violentos, marcan la psicología de cada personaje. Un cubo, una estructura si se quiere, por escenografía, simboliza el encierro de esos seres vacíos existencialmente, iluminado en forma fundamental con luz neón; vestuario híbrido, intemporal, ellos de oscuro, Lulú un vestido rojo, se puede interpretar el color como símbolo de violencia, de sangre, de muerte, de tortura. El pero en la codirección, una chelista en escena quien parece un adorno, sus intervenciones son mínimas por no decir nulas, un verdadero desperdicio, la mayor parte de la musicalización es grabada.

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Lamentablemente, ante un buen texto y una buena codirección, las actuaciones no están a la altura; hay entrega, deseo, mismo que a la postre no fructifican, unos la libran, otros deprimentes. Esta obra con otro elenco -de actores- sería un deleite, mientras tanto, es sólo un intento desde el punto de vista actoral. Ante la anterior observación no viene al caso mencionar sus nombres, no se trata de fastidiar.

Lulú se presenta en Un teatro (Nuevo León 46, Col. Hipódromo Condesa, Ciudad de México), hasta el 7 de agosto; los sábados a las 21:00 y domingos a las 19:00 horas.