Mes: julio 2016

JUGUETES BAJO LA TIERRA

JUGUETES BAJO LA TIERRA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Es tan amplia la oferta teatral en la Ciudad de México que no sólo es imposible cubrir la cartelera entera, sino que tampoco conocemos todos los teatros y, mucho menos, los foros alternativos que existen. En esta ocasión la obra de la cual hablaremos se presenta en uno de esos foros, digamos “desconocidos”, el Sótano foro, localizado en el subsuelo de un templo.

La compañía Teatro en circuito fue fundada por Jorge Santoro e Israel Ugalde con el propósito de presentar obras con impacto y verdad, para lo cual se han dado a la tarea de crear historias abordando temas de aquello que preocupa a la sociedad. Su objetivo es exponer, por medio del arte teatral, diversas temáticas sin afán de politizar, juzgar ni criticar, dejando que cada quien forje su opinión al respecto. Desde luego, tendrán mucha tela de donde cortar: desaparecidos, secuestros, narcotráfico, robos, trata de blancas, feminicidios, venta de órganos, homofobia, impunidad. Lamentablemente, todo esto forma parte de nuestra actualidad, aun cuando quisiéramos escuchar otro tipo de noticias.

Las narrativas parten de la ficción, pero están escritas para reflejar sucesos reales. Es así como surge Juguetes bajo la tierra, un texto de la autoría de Is Ugalde. Se trata de cinco historias: A Oscuras, Mónica, Julia, Aldana y El Perdón, que se van entrelazando durante la representación. El autor nos presenta un prisma pentagonal de donde afloran cinco puntos de vista diferentes. Mediante los parlamentos, los personajes dan a conocer lo que sienten y piensan.

Se brinda al espectador la oportunidad de escuchar a chicas que han sido cazadas como presas, sólo porque tuvieron la mala suerte de toparse con un malhechor en el momento menos esperado, cuando caminaban solas por la calle. Se encuentran en plena oscuridad, atadas de manos y piernas con los ojos vendados, a merced de lo que quieran hacer con ellas. Por lo que alcanzan a oír, saben que al principio serán tratadas como “juguetes”, para satisfacer los bajos instintos de alguien sin escrúpulos. Mónica es una joven disminuida, a punto de ser ultimada. Ha perdido todo, excepto su fe. Tratará de dar batalla. Julia (o Julio) es un transexual con una doble vida, trabaja de mesera e imitadora, pero también forma parte de una red de venta de órganos. Acalla su conciencia, pensando que lo hace por el bien de su familia. El detective Aldana da un claro ejemplo de la burocracia. Distante, deshumanizado, no le falta capacidad, sino voluntad para encontrar solución a los casos que atiende. El señor Flores es conducido por una médico forense a una plancha, a fin de que identifique el cuerpo. Él se quiebra, tiene sentimientos encontrados, por un lado, la incertidumbre de no saber dónde está su hermana desparecida lo agobia, por otro, no quisiera que sea ella quien yace ahí.

Juguetes bajo la tierra es un concepto integral bien armado. Mantiene el interés del espectador de principio a fin. El diseño de la secuencia es acertado y con buen ritmo. Poca escenografía, unos cuantos elementos de apoyo para dar el entorno propicio. Música de fondo, canciones cantadas a capela, narrativas desgarradoras, a fin de describir la crueldad en su justa dimensión.

En la dirección escénica colaboran Israel Ugalde -autor- y Jorge Santoro, quienes también actúan en la obra. Su trabajo en dirección es impecable.

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El elenco está integrado por: Jorge Santoro (señor Flores), Israel Ugalde (detective Aldana), Kary Karmona (Mónica), Joselyn Paulette/Mónica Retana (una de las secuestradas y médico forense), Viko Tapia (Marcela, hermana de Julia) y Alex Zego/ José Remis (Julia). Todos tienen un buen desempeño histriónico y corporal. Sobresalen Jorge Santoro y Kary Karmona, por la intensidad con la que interpretan sus respectivos monólogos, y Viko Tapia por su melodiosa voz. La producción es de Jorge Santoro y Jack Art – Teatro en circuito.

Teatro que mueve y conmueve. El mismo tema desde cinco perspectivas. Relatos donde la temática es expuesta con veracidad y crudeza. No deje de ver Juguetes bajo la tierra, obra impactante sobre una realidad que no quisiéramos estar viviendo. La temporada actual concluye en esta semana. Tienen intención de reponerla, pero aún no saben dónde ni cuándo.

Juguetes bajo la tierra acaba de concluir una exitosa temporada en el Sótano foro, ubicado en la Calzada México, Tacuba número 70, colonia Tlaxpana, a una cuadra de la Estación Normal del Metro, abajo de la Iglesia San Antonio, Ciudad de México.

 

HENEQUÉN (LA ESCLAVITUD EN YUCATÁN)

HENEQUÉN (LA ESCLAVITUD EN YUCATÁN)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes tomadas de la página de Facebook de Carretera 45

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Pocos, sobre todo, las generaciones jóvenes, están al tanto de la situación de esclavitud vivida por los mayas a finales del siglo XIX y principios del XX, por situar una época. Aparentemente, abolida, los nativos padecían, no sólo la pérdida de la libertad, en muchas ocasiones, producto de sus deudas con los prestamistas; eran herrados como animales, azotados, golpeados, mal alimentados, hacinados, sin ningún tipo de asistencia social, largas jornadas laborales, recibían su paga en moneda sólo aceptada en la hacienda donde eran explotados, obligados(as) a casarse con quien el patrón decidiera…

Este negro panorama es llevado a escena por Conchita León -dramaturga y dirección-, al frente del grupo Saas Tun, radicado en la ciudad de Mérida, Yucatán. El texto se denomina Henequén. En principio se puede decir que hay pocos diálogos, en buena medida es narrativo, casi siempre dirigiéndose al público en forma directa; en gran parte es narrativo de hechos, descriptivo de una realidad histórica -en menor grado, obvio, presente-, lenguaje inteligente, concreto, con belleza literaria, toca visceralmente al espectador, ubica en una realidad desconocida, un tema que no debe quedar en el olvido, sirva para reivindicar los derechos y dignidad de los actuales pueblos mayas. Se agradece a Conchis la oportunidad de acercarnos a través del teatro a nuestra historia.

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La dirección es acertada, buen ritmo si se toma en cuenta la estructura dramática. Un espacio diseñado, parece en su totalidad por Juliana Faesler. Títeres y móviles, doña Paulina, una anciana, nieta e hija esclavos, narra la tragedia de sus antepasados, en forma curiosa el muñeco es manipulado y recibe la voz de un varón; otro es el hijo del hacendado, dueño de los campos henequeneros (henequenales), bien manipulados, dan un toque estético, seres inanimados cobran vida, el material para su manufactura deja de ser pasivo para desgarrarnos. Aun cuando en el fondo hay mucha violencia, se maneja en forma sugerida, no directa, incluso, con valores artísticos, si se permite la expresión. Se le debe reconocer a Conchis, junto con Juliana, la iluminación, sobre todo, por las limitaciones del equipo del lugar, Carretera 45, donde dieron tres funciones, avalaladas por la residencia del grupo La Máquina de Teatro.

Las actuaciones acordes a las necesidades dramáticas; cada integrante del grupo en su rol, acertados, integrados; el protagónico, si bien recae en un títere, desde lo humano es la propia Conchis, acompañada por Raúl Niño, Lourdes León (muy bien es su condición de blanca humillando indígenas) y Alejandra Argoytia. Da gusto ver la formación, no sólo entrega, digna de reconocimiento tomando en cuenta las condiciones en las que se desarrollan estos grupos independientes en el interior de la República Mexicana. Ojalá haya oportunidad de volverlos a ver en la Ciudad de México, para sensibilizar acerca de cómo el último lujo para un maya puede ser morir en su pedazo de tierra.

 

DIOS, O NO SER (UN SER SUPREMO CRUEL; DESEAR MORIR Y NO PODER)

DIOS, O NO SER (UN SER SUPREMO CRUEL; DESEAR MORIR Y NO PODER)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

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No cabe duda, la existencia o no de Dios ha sido y es motivo de disertaciones y discusiones, ensayos y libros; unos a favor otros en contra; para unos es cuestión de fe, creer en él, sólo eso; para otros un invento del hombre, en principio para darle razón de ser a lo inexplicable -por ejemplo, los fenómenos naturales en la antigüedad-, en segundo lugar, aferrarse a un ente, quien brinda esperanzas, incluyendo un más allá después de la muerte terrenal.

Dios, o no ser, de David Gaitán y dirección de Martín Acosta, nos presenta dos temas fundamentales, al menos en términos generales: un Dios cruel y omnipresente, y desear morir y no lograrlo. Alguien atrapada en una especie de limbo huye del mandato divino, de un Dios castigador y vengador -muy similar al que describe el Antiguo Testamento en la Biblia- malo, perverso con los hombres. Texto caracterizado por su fervor filosófico, abstracto y a la vez concreto, inmerso en la metafísica más que en lo teológico, irreverente; la existencia requiere huir de Dios. Texto complicado, denso, por momentos confuso, imaginativo.

Varias ciudades y lugares dan pauta a la escenificación dramatúrgica, muy larga en su desarrollo. Una mujer quien es Dios porque lo vio. En realidad representa, si se desea metafóricamente, a la última persona en creer en la divinidad, seguida de un discípulo. Dejar de temerle a Dios es matarlo.

Según la información proporcionada, la propuesta de David surgió de una pregunta trivial: “¿En dónde está el avión de Malaya Airlines desaparecido en 2014?”. De hecho hay referencias directas sobre el accidente, inclusive un “muerto” cuyo espectro aparece 10 años después del misterio aéreo. En fin, un texto nada fácil de asimilar, el tiempo dirá sobre la aceptación o no del público.

Martín Acosta, uno de los más destacados directores en el teatro intimista, de cámara o pequeño formato, vuelve a demostrar su capacidad e imaginación. Parte de un minimalismo, curiosamente cobra relevancia una cuerda tensada, ésta cruza el escenario con un valor simbólico, divide… Da su tiempo y valor a la palabra, a pesar de que al principio parecen frases deshilbanadas, incongruentes, sin un aparente hilo conductor. Da relevancia a la parte actoral, inclusive, saca “adelante” al propio Gaitán, quien muestra muchas carencias como actor.

Además de David, aparecen en escena la mexicana Diana Sedano, un trabajo impecable; es el alma y mente de la puesta, en realidad es el eje en torno al cual gira todo lo demás, probablemente lo mejor de su carrera teatral. Por otra parte, están los españoles: Domingo Cruz y Carolina Rocha, apegados a la dirección, sin exabruptos, muestran experiencia y con ella enriquecen el montaje. Éste cuenta con el apoyo de Iberescena.

Todo aquel que desee involucrarse en esta disertación sobre la existencia o no de Dios, deben acudir a La Gruta, del Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de agosto; los miércoles a las 20:30 horas.

 

TERCER CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ANTIGUA

TERCER CONCURSO DE FOTOGRAFÍA ANTIGUA

 Información del IMAC

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En el Museo Regional de Historia se llevó a cabo la ceremonia de premiación del Tercer Concurso de Fotografía Antigua, organizado por el Instituto Nacional de Antropología e Historia, a través del Centro INAH Aguascalientes, y el Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC).

El primer lugar lo obtuvo José Fernando Chávez Estevané, con la fotografía Niños insurrectos, tomada en el municipio de Asientos el 11 de junio de 1911; el segundo lugar fue para Hugo Márquez Romo, con su fotografía: En paz descanse, captada en Aguascalientes en el estudio fotográfico M.G. Pedroza, entre 1900 y 1910; Adriana Geraldina Avilés Tiscareño se hizo acreedora al tercer lugar, con la fotografía: Amigas Tiscareño y Llamas Bedoya, tomada en Aguascalientes en el año de 1917.

Recibieron mención honorífica Zeida Kyo Imamura Romo, María Dolores Pimentel Ruíz, Eduardo Martínez Monreal y María de Jesús Muñoz Márquez.

En la tercera emisión del Concurso de Fotografía Antigua se recibieron un total de 122 fotografías, mismas que contribuirán al rescate de la memoria fotográfica de Aguascalientes y la región, y se editará un libro con el material recopilado.

En el evento estuvieron presentes Héctor Castanedo Quirarte, Delegado del INAH en Aguascalientes; Christián Martín Medina López Velarde, Subdirector del Centro INAH Aguascalientes; Alejandro Vázquez Zúñiga, Director del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura; César Darío Menchaca, Director del Museo Regional de Historia y Alan Santacruz Farfán, Coordinador de Enseñanza Artística y Ediciones del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura.

Para finalizar el evento de premiación, se inauguró la exposición con las reproducciones digitales de las fotografías que resultaron ganadoras y de las que obtuvieron mención honorífica, mismas que permanecerán expuestas en el Museo Regional de Historia hasta finales de septiembre.

 

EL LADO FÁCIL DE LA GENTE DIFÍCIL

EL LADO FÁCIL DE LA GENTE DIFÍCIL

Texto y foto por Laura Tiscareño y Daniel Hernández                                                

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El pasado 27 de junio, en el Teatro Aguascalientes, se llevó a cabo la divertida conferencia de César Lozano llamada El lado fácil de la gente difícil, la cual es una especie de monólogo ameno y constructivo que presenta algunos tipos de gente con personalidades difíciles de tratar, así como las razones que ocasionan sus comportamientos, para así poder entenderlos y aprender a tratar con ellos.

Durante más de dos horas de plática, los asistentes pudimos disfrutar de momentos cómicos y de aprendizaje, a través de experiencias personales del conferencista, con las cuales pudimos escuchar una diversidad de mensajes que fácilmente podrían ser aplicados en la vida cotidiana.

En conclusión, es una conferencia con una alta dosis de motivación, muy recomendable para personas que guscan de un momento agradable, así como para aquéllas interesadas en aprender estrategias para una mejor convivencia con las personas difíciles de su entorno.

BANDA SINFÓNICA MUNICIPAL DE AGUASCALIENTES

BANDA SINFÓNICA MUNICIPAL DE AGUASCALIENTES

 Texto y fotos por Blanca Padilla

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Más de cien años tiene de existencia la Banda Sinfónica Municipal de Aguascalientes y su trayectoria ha quedado inmortalizada en registros auditivos, desde el ya lejano acetato hasta el disco compacto. Este fue su homenaje en el Teatro Morelos el pasado 6 de julio.

En esta ocasión, fue un recuerdo que permitió revisitar el pasado; los integrantes fueron dirigidos magistralmente por Ismael Rodríguez Negrete y los intérpretes, tres talentos hidrocálidos: Ángel, Rafael y Ricardo García, quienes dejaron un riquísimo recuerdo musical.

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El programa consistió en temas clásicos y algunos propios de este estado, como: Rafael Quevedo, Jesusita,  Elvira,  Schottisch  (¿Qué haré sin ti?),  Cuca,  Mi María,  Ávila Camacho y la Marcha de Aguascalientes.

Orgullosamente, este material discográfico ya corresponde al legado cultural de nuestro estado, ¡Enhorabuena!

 

ALGO DE POESÍA

ALGO DE POESÍA

Por Ignacio Velázquez

Fuente; http://amediavoz.com/buesa.htm

José Ángel Buesa

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Poeta cubano nacido en Cienfuegos en 1910 y fallecido en el exilio, en Santo Domingo, en 1982. Publicó su primer libro de poesías a los 22 años de edad y continuó con una producción constante que se difundió ampliamente por todos los países de habla hispana. Entre sus libros más conocidos, se cuentan La Fuga de las Horas, Oasis y Poeta Enamorado.

Amor prohibido

Solo tú y yo sabemos lo que ignora la gente
al cambiar un saludo ceremonioso y frío,
porque nadie sospecha que es falso tu desvío,
ni cuánto amor esconde mi gesto indiferente.

Solo tú y yo sabemos por qué mi boca miente,
relatando la historia de un fugaz amorío;
y tú apenas me escuchas y yo no te sonrío…
y aún nos arde en los labios algún beso reciente.

Solo tú y yo sabemos que existe una simiente
germinando en la sombra de este surco vacío,
porque su flor profunda no se ve, ni se siente.

Y así, las dos orillas, tu corazón y el mío,
pues, aunque las separa la corriente de un río,
por debajo del río se unen secretamente

 

Canción de la noche sola

Fue mía una noche. Llegó de repente,
y huyó como el viento, repentinamente.
Alumna curiosa que aprendió el placer,
fue mía una noche. No la he vuelto a ver.
Fue la noche sola de una sola estrella.

Si miro las nubes, después pienso en ella.
Mi amor no la busca; mi amor no la llama;
la flor desprendida no vuelve a la rama,
y las ilusiones son como un espejo
que cuando se empaña pierde su reflejo.

Fue mía una noche, locamente mía:
me quema los labios su sed todavía.
Bella como pocas, nunca fue más bella
que soñando el sueño de la noche aquella.

Su amor de una noche sigue siendo mío:
la corriente pasa, pero queda el río;
y si ella es la estrella de una noche sola,
yo he sido en su playa la primera ola.

Amor de una noche que ignoró el hastío.
Somos las distantes orillas de un río,
entre las que cruza la corriente clara,
y el agua las une, pero las separa.

Amor de una noche: si vuelves un día,
ya no he de sentirte tan loca y tan mía.
Más que la tortura de una herida abierta,
mi amor ama el viento que cierra una puerta.

El amor florece tierra movediza,
y es ley de la llama trocarse en cenizas.
El amor que vuelve, siempre vuelve en vano,
así como un ciego que tiende la mano.
Amor de una noche sin amanecer:
¡acaso prefiero no volverte a ver!

Mejor no quiero verte… sería tan sencillo…

Mejor no quiero verte… sería tan sencillo
cruzar dos o tres calles… Y tocar en tu puerta.
Y tú me mirarías con tus ojos sin brillo
sin poder sonreírme con tu sonrisa muerta.

Mejor no quiero verte… porque va a hacerme daño
pasar por aquel parque de la primera cita.
Y no sé si aún florecen los jazmines de antaño
ni sé quién es ahora la mujer más bonita.

Mejor no quiero verte… porque andando en tu acera
sentiré casi ajeno todo lo que fue mío.
Aunque es sólo una esquina donde nadie me espera
y unos cristales rotos en un balcón vacío.

Sí… seguiré muriendo de mi pequeña muerte
de hace ya tantos años el día que me fui
pues por no verte vieja… mejor no quiero verte,
pero tampoco quiero que me veas tu a mí.

TEATRO UNIVERSITARIO

TEATRO UNIVERSITARIO

Por Julieta Orduña

1_uaatretos                                                                                   Grupo UAAtretos

La historia del teatro universitario en Aguascalientes data de la década de los ochenta cuando la Universidad Autónoma de Aguascalientes (UAA) contempló, entre sus actividades artísticas, impartir algún taller de teatro que fuera extracurricular para sus alumnos. A mí me tocó participar en uno de ellos a inicios de los 90´s, el director era el maestro Jesús Velasco (hoy director del grupo La Columna de Aguascalientes) y fue una grata experiencia asistir a clases todos los sábados por la mañana, en donde se encuentra actualmente el Museo de la Muerte, para aprender técnicas de actuación. En esa época me di a la tarea de entrevistar al maestro y esto fue lo que me comentó:

“En la prepa Petróleos empezamos a dar las clases de teatro con unos 90 alumnos para cubrir créditos, y hubo la posibilidad que estuviéramos en la UAA, porque los muchachos universitarios no podían desplazarse a ese plantel. Se montaron varias obras y participamos en algunos concursos de teatro, uno de ellos fue el Festiteatro que se hacía en el Teatro del Seguro Social; en ese entonces estaba Silvia Martínez, Daniel Moro y Pepe Domínguez, quienes se encargaron de esos festivales.

La universidad también tuvo presentaciones en el Auditorio Pedro de Alba y se montaron entre cuatro y cinco obras, entre estas: Arlequín, servidor de dos Patrones; El velorio de los mangos; La frontera y La casa de Bernarda Alba. Tiempo después surgió un proyecto donde el teatro tuvo un impulso importante entre el gremio estudiantil, y a iniciativa del Dr. Alfonso Pérez Romo se creó Farándula Universitaria, cuyo objetivo inicial fue programar obras de teatro del siglo de Oro Español y entremeses, a la usanza del Cervantino. Al estar yo ocupado con clases en la Normal del Estado, le pasé el grupo a Octavio Monroy para que siguiera ahí, y el encargado de la promoción y difusión era el maestro Jorge García Navarro”.

En ese tiempo la opinión del maestro Velasco sobre el teatro universitario era: “Yo considero que al teatro universitario le falta representatividad a nivel nacional (…), no se tiene un grupo que compita con los demás grupos universitarios, o sea, un grupo de calidad”.

Es así como surgió una nueva faceta del teatro universitario con el maestro Octavio Monroy, licenciado en Literatura y Teatro en la UNAM,  quien creó el grupo UAATretos en los noventa:

“Empecé a apoyar al maestro Velasco en las clases de Expresión Corporal cuando estaba el montaje de Bernanda Alba. Por cuestiones de trabajo del maestro, me cedió el grupo y trabajé con ellos aproximadamente un año y medio; fueron 21 alumnos de varias carreras e, incluso, algunos egresados. Decidí no montar sólo obras clásicas sino también contemporáneas y muchas han salido de temas que los alumnos quieren expresar. Las materias que impartía en ese taller eran maquillaje, educación de la voz, pantomima y expresión corporal. Hay mucho terreno fértil en los universitarios, mucha curiosidad. Tuvimos contactos fuera de la universidad, en festivales culturales, en el programa Alas y Raíces a los Niños, etcétera”.

El proceso para profesionalizar este tipo de teatro en Aguascalientes fue dándose poco a poco, y sin duda un factor importante fue la carrera de Técnico en Actuación que se impartía, ya desde finales de los noventa, en el Centro Cultural Los Arquitos, y eso contribuyó a que las generaciones que salían demandaran más preparación y un título universitario que los avalara.

2_baño de damas_retazos                                                                        Grupo Retazos. Obra Baño de damas

Fue entonces que iniciaron a principios del siglo XXI tres carreras dedicadas al teatro; la primera, la licenciatura en Artes Escénicas y Audiovisuales de la Universidad La Concordia. El enfoque académico se dirigía a la formación en teatro cine, fotografía y producción de vídeo. Un grupo que sonó fuerte en esta universidad fue Retazos, dirigido por David Nava, el cual se fundó en 2004 con el objetivo de ofrecer al alumnado, en general, un espacio para desarrollar su talento artístico:

“Nos sentimos muy orgullosos, ya que fue uno de los grupos universitarios de teatro más sólidos y que año tras año presentó trabajos reconocidos en el estado y en festivales universitarios”, comenta David Nava. Es importante comentar que actualmente el grupo Retazos ya trabaja de manera independiente.

3. nuestra sra de las nubes_universidad de las artes_mejor obra                               Grupo de egresados de la Universidad de las Artes. Obra Nuestra señora de las nubes.

En este devenir por la formación de las artes, como el Instituto Cultural de Aguascalientes ya contaba con una carrera técnica en teatro, la de los Arquitos, se decidió dar el paso hacia la profesionalización de esos alumnos mediante la Licenciatura en Teatro de la Universidad de las Artes, que hoy cuenta ya con cinco generaciones en su historial. La maestra Guadalupe Zaragoza, coordinadora de la carrera, hace mención a la función del teatro universitario:

“Tiene su importancia en poder relacionar la actividad profesional del actor o creador con su sociedad. Se contempla que los alumnos puedan realizar propuestas con base en el conocimiento de su medio social, para poder influir en éste desde el terreno artístico y hacer frente a las problemáticas, tradiciones y características sociales de su medio”.

Los estudiantes han tenido varias experiencias no sólo en la ciudad sino en todo el estado, como fue el caso de: La danza los apuros, ya que se pudo conformar una propuesta teatral con la Compañía Teatro Estudio 09/12, con un reparto de estudiantes, egresados y maestros, buscando llevar el teatro a distintos medios sociales y no que el público fuera a la sala teatral, es decir, se trabajó por varios municipios.

Hemos observado en los exámenes de fin de semestre o generación, un trabajo pedagógico con historias cercanas a la problemática social; se utilizan en el lenguaje escénico el manejo corporal y elementos escenográficos atractivos y vanguardistas”.

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Por otra parte, la Universidad Autónoma de Aguascalientes, ya con una larga tradición en teatro, creó también la Licenciatura en Artes Escénicas, Actuación, con la que los egresados no sólo pueden desempeñarse como actores en teatro, sino también en cine. La maestra María Marcucci, quien fue la iniciadora de esta carrera comenta:

“Para mí el teatro universitario es libertad, autonomía, denuncia, conciencia, belleza en su estética y sublime en su actuación. Pocos jóvenes se atreven a ser artistas en nuestro país tan lastimado y desquebrajado, y si a eso sumamos que sigue imperando la idea de los padres sobre -¿De qué vas a vivir? ¡Te vas a morir de hambre!–. Lo importante entonces del teatro universitario es que se están formando futuros actores que deben éticamente dedicarse a su deber, ver a quién y para qué va dirigido, (…) tienen herramientas que muchos actores empíricos se tardan años en descubrir, manejan técnicas para conocer, conservar y controlar su cuerpo, sus emociones, su psique y su espíritu.

Para ellos trabajé con todo el amor y pasión, sé que transformarán, junto a sus colegas de otras disciplinas artísticas de todas las universidades a Aguascalientes, a México y al mundo (…), su semilla pondrán. Retomando al maestro Rodolfo Usigli, yo humildemente diría que un pueblo sin teatro “universitario” tardará mucho en despertar, exigir sus derechos y ver las múltiples posibilidades que tiene en su existencia para vivir como desea y merece”.

Ya son varias las generaciones de actores y actrices que han surgido en estas tres universidades y se ha notado el cambio social, en el que los artistas se hacen presentes en espacios institucionales, alternativos, incluso, en las calles; otros más han emigrado hacia otros destinos, dentro o fuera del país; otros ya son docentes y algunos más, como en otras profesiones, deciden que no es su camino y se dedican a otra actividad, convirtiéndose en público asiduo al teatro. Hay todavía un camino largo por recorrer para que se reconozca el trabajo universitario local y sea difundido en todo el país, este es únicamente el principio. La pregunta es la de siempre: ¿se puede vivir del teatro? Eso lo decide el artista, el campo es fértil y hay qué ararlo. Aprovecho en felicitar a todos los egresados de las carreras del teatro universitario, ¡Enhorabuena!

LOS PURITANOS (Ópera)

Por: Eugenia Galeano Inclán

Fotografía de  Blendaboy Graphis y cartel promocional 

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Por lo general, acostumbramos hablar sobre la obra musical de los compositores, pero, a veces, vale la pena, conocer ciertos datos de su vida personal.  Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (1801-1835), quien acortó su nombre para ser conocido profesionalmente como Vincenzo Bellini, nació en un entorno musical.  Vincenzo Tobia, su abuelo, se ganaba la vida como agricultor, pero era un apasionado de la música, tanto que se convirtió en violinista aficionado y tocaba su instrumento en cuanta reunión se lo solicitaran.  Heredó a su hijo Rosario Bellini su pasión y éste se convirtió en organista profesional.  Cuando nació Vincenzo Bellini, tanto el padre como el abuelo le impartieron sus primeras lecciones de música desde muy temprana edad.

 

Vincenzo Bellini no tardó en convertirse en niño prodigio.  Cuentan sus biógrafos que al año y medio de edad podía cantar un aria completa, que a los dos años comenzó a estudiar teoría musical, a los tres inició sus lecciones de piano, instrumento que llegó a tocar con soltura dos años después, es decir, a los cinco de edad.  Gracias a que se supo de sus sorprendentes avances, el duque de San Martino le otorgó una beca en el Colegio San Sebastián de Nápoles, Italia, donde cursó estudios de armonía con Giovanni Furno, de contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.

 

Vincenzo Bellini compuso música sacra, de cámara, un concierto para oboe, sinfónica y otros géneros musicales.  Sin embargo, fue la ópera la que le dio fama.   Su primera ópera fue “Adelson e Salvini” en 1825, cuyo éxito fue rotundo y, a raíz de éste, Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlos de Nápoles y de La Scala de Milán, encargó a Bellini que produjera más obras.  Probablemente, su ópera más conocida es “Norma“, sobre todo, porque en una de sus reposiciones fue protagonizada por la afamada cantante María Callas.

 

Los expertos dicen que las óperas de Bellini son representativas de la pasión romántica.  Se sabe que Bellini sirvió de inspiración a otros célebres compositores, como Verdi y Wagner en el aspecto operístico, mientras que en el ámbito instrumental a Chopin y Liszt, entre otros.  Quizá por su sensibilidad y conocimientos Vincenzo Bellini hubiera sido el más grande compositor de todos los tiempos, pero lamentablemente la vida no le duró tanto para serlo.  La obra que cerró su ciclo creativo fue LOS PURITANOS (I puritani), con libreto de Carlo Pepoli, basada en Têtes rondes et cavaliers (Cabezas redondas y caballeros) de Jacques-François Ancelot y Joseph Xavier Saintine, misma que fue estrenada en París en el Théatre Italien (Teatro Italiano) el 24 de enero de 1835.  Unos cuantos meses después, Vincenzo Bellini perdió la vida tras una breve enfermedad, el día 23 de septiembre de ese año, teniendo tan solo 34 años de edad.

 

A pesar de su corta vida, Vincenzo Bellni es reconocido como un insigne compositor y destacado melodista. La ópera es una de las disciplinas musicales que más trabajo demanda.  De principio, se requiere de     un texto, luego los parlamentos con arias y recitativos, algunos coros para apoyar a los intérpretes, la composición musical y la orquestación.  Cada melodía debe ser interpretada por un cantante con determinada tesitura,   Así mismo, se debe mantener la continuidad de la acción dramática y combinar los cuadros con precisión y las voces con armonía.

 

La trama de LOS PURITANOS es un triángulo amoroso.  Riccardo está muy enamorado de Elvira y regresa del campo de batalla dispuesto a conquistarla, pero al llegar se entera de que Elvira está por casarse con Arturo.  Tras un malentendido, la boda no se celebra.  Elvira pierde la razón por el amor que profesa a Arturo,  La acción se desarrolla en una época en que estaba de moda Escocia, con todo su romanticismo, aunado a sus brumas y castillos tenebrosos.  Cromwell había derrocado a Carlos I, último rey de la dinastía Estuardo, así que al drama romántico que viven los protagonistas, se le suman los conflictos social, político y religioso que privan en esos momentos.  Se sabe que los partidarios de Cromwell practicaban un protestantismo extremo que, en aquel entonces, se definía como 2puritanismo”.  De ahí el título de esta ópera.

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Los personajes son:  Elvira –soprano– (hija de Lord Valton, enamorada de Arturo).  Lord Arturo Talbot –tenor– (novio de Elvira, Capitán, partidario de los Estuardo),  Sir Riccardo Forth  –barítono– (coronel, líder Puritano y enamorado de Elvira),  Sir Giorgio Valton –bajo– (tío de Elvira, coronel retirado, Puritano),  Enrichetta de Francia –mezzosoprano o soprano– (viuda de Carlos I, fugitiva de Cromwell),  Sir Bruno Robertson –tenor– (oficial Puritano, amigo de Riccardo),  Lord Gualterio Valton –bajo– (padre de Elvira, Puritano, Gobernador del Castillo de Plymouth),  y  el Coro (soldados, Puritanos, habitantes del castillo y otros).

 

Aun cuando Vincenzo Bellini concibió la expresión lírica demandando gran precisión y agilidad vocal, así como la utilización de marcadas y variadas coloraturas, el elenco mexicano superó el reto y sorprendió a la audiencia con su magistral interpretación.  Leticia Altamirano (Elvira),  Javier Altamirano / Alessandro Luciano (Lord Arturo Talbot),  Armando Piña (Sir Riccardo Forth),  Rosendo Flores (Sir Giorgio Valton),  Isabel Stüber Malagamba (Enrichetta de Francia),  Enrique Guzmán / Edgar Gutiérrez (Sir Bruno Robertson),  y  José Luis Reynoso (Lord Gualterio Valton).  Los Covers o Suplentes son:  Angélica Alejandre (Elvira),  Hugo Colín (Lord Arturo Talbot),  y  Oscar Velázquez (Sir Riccardo Forth).

 

El diseño de escenografía de Luis Manuel Aguilar es muy acertado, provee el ambiente propicio, práctica y ofrece ciertas variantes.  La espectacularidad escénica reside en el diseño de vestuario por parte de Brisa Alonso, a quien con esta encomienda se le dio la oportunidad de tener un lienzo de mayores dimensiones para plasmar su arte.  En esta ocasión, Brisa pudo echar mano de oropeles, gasas, sedas, linos, rasos, mantas, brocados, apliques, complejos bordados, y hasta hojalateó armaduras, sin dejar de lado los múltiples detalles, como botonaduras y demás.  Brisa Alonso desplegó su creatividad en todos los atuendos de dama y de caballero.  Combinó telas y colores en forma impresionante.  La elegancia y vistosidad alcanzadas son incomparables.  La talentosa Brisa no se ciñe por esquemas ni se impone límites, sin embargo, realiza una exhaustiva investigación para determinar tendencias y modo de la época de que se trate.  Igual confecciona un traje varonil en tonos vivos que provee vuelo a una falda sin necesidad de un miriñaque metálico.  Prueba de ello es que Elvira, enfundada en su suntuoso vestido de novia, puede hincarse, correr, o arrojarse al suelo, sin denotar rigidez alguna por el vestuario.  Definitivamente, Brisa es una de las mejores diseñadoras de vestuario en nuestro país.

 

El resto del equipo creativo está integrado por:  Srba Dinic, director concertador,  Ragnar Conde, director de escena,  Carlos Arce, diseño de iluminación,  Gabriel Ancira, diseño de maquillaje y peluquería, Orquesta y Coro del Palacio de Bellas Artes,  Christian Gohmer, director huésped del coro,  Bertha Coutiño, producción,  Rogelio Riojas-Nolasco, asistente musical,  Gilberto Gamboa,  Sergio Vázquez y Ángel Rodríguez, pianistas y maestros internos,  César Velázquez y León Felipe Tapia, maestros internos,  Hilda Pamela Garduño, asistente de dirección de escena,  Francisco Méndez Padilla, traducción y supertitulaje.

 

LOS PURITANOS se estrenó en México en el Teatro Principal en febrero de 1843.  Se volvió a representar en el Palacio de Bellas Artes hasta mayo de 1952 y recientemente a finales de mayo de 2016.

 

El desempeño de los artistas mexicanos dedicados al  bel canto es extraordinario.  Varios de ellos son constantemente contratados para plazas importantes en todo el mundo y representan a México con mucha dignidad.  Nos sentimos muy orgullosos de ellos.  Esperamos que LOS PURITANOS sea repuesta en un futuro próximo.  De cualquier forma, es grato saber que el Palacio de Bellas Artes siempre ofrece una cartelera amplia y atractiva.

 

LAS ANALFABETAS (INCONGRUENTE E INTRASCENDENTE)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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En el sentido más simple de los términos, entendemos por incongruente algo imposible en la realidad y por intrascendente algo que no aporta casi nada o nada, con estas palabras definiría el texto LAS ANALFABETAS, de Pablo Paredes, dirigido por Paulina. Veamos por qué.

 

Una mujer, Ximena, de cincuenta y tantos años de edad, no sabe leer ni escribir a pesar de haber asistido a la escuela, por lo menos al primer año de primaria; nadie, ni sus maestras se percataron del “pequeño detalle”, hubiera sido más creíble ubicarla como una niña a la que sus padres nunca mandaron a un plantel educativo. Posee un carácter agrio, siempre atacando, cuestionando todo, rebelde, de repente cede para contra atacar. Desea aprender para escribirle cartas al presidente de la República, a los Reyes Magos, a su madre -a la que odia- y leer una carta dejada por su padre antes de que la abandonara. Incongruencia en el fondo dramatúrgico, sobre todo por lo primero apuntado en las primeras líneas de este párrafo. Además, analfabeta, pero vive en un departamento cómodo, con qué subsiste económicamente, sabrá Dios.

 

Transcurren varios, mejor dicho muchos minutos desde el inicio, ya sabemos que Ximena es analfabeta, ha contratado una maestra particular de español, para que la enseñe. Jaqueline muestra paciencia de santo con esa rebelde; en concreto el texto no aporta nada en gran parte del desarrollo inicial, diálogos intranscendentes, nada para meditar, una obra para el olvido. Si una es maestra de español por qué el título en plural, la pretensión, hay muchas formas de ser analfabeta.

Llega la lectura de la carta paterna, igual de intrascendente que toda la obra.

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Si el texto no da para mucho, la dirección menos. Paulina García -en medio de una escenografía realista , el interior del departamento de Ximena, e iluminación de Laura Rode- nos lleva por un montaje monorítmico, plano, sin emotividad -salvo dos escenas, una cachetiza entre ambas y un baile producto de la borrachera- el trazo es muy limitado, en su favor sólo se puede decir que ante un texto tan incongruente e intrascendente es mucho lo propuesto.

 

Un elenco de primer nivel, Dolores Heredia y Gabriela de la Garza, dos histriones, reconocidas nacional e internacionalmente, ambas con muchos triunfos en sus carreras, tanto cinematográficas como teatrales. es una lástima, ante la falta de un buen texto, digamos al menos fuera aceptable, y una dirección sin imaginación, es demasiado lo hecho en el escenario. En verdad un desperdicio.

 

LOS ANALFABETAS se representa en La Teatrería, colonia Roma, los viernes a las 21:00, sábados 18:00 y 20:00 y domingos 17:00 y 19:00 horas.