Mes: julio 2016

LA COLABORACIÓN

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

La Compañía Nacional de Teatro está estrenando la obra de Ronald Harwood La Colaboración.

 

Harwood nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica el día 9 de noviembre, de 1934, sin embargo se trasladaría a vivir en la ciudad de Londres en 1951, en donde se unió a la importante Shakespeare Company, fue presidente del PEN club y, obtuvo preseas como ganador por mejor adaptación de los guiones cinematográficos de “El pianista” en 2002 y, “La escafandra y la mariposa” en 2007. Actualmente Sergio Bela se dio a la tarea de traducir la obra al español La colaboración de Ronald Harwood, dirigiéndola magistralmente.

 

Sergio  Bela fue motivado ante su predilección por el afamado músico alemán Richard Strauss; música que inclusive dirigió en dos ocasiones en la Unión Americana y, que fueron la opera de “Salomé” y “La mujer sin sombra”. Por ello decidió traducir La colaboración, pues dicha dramaturgia está basada en un episodio de la vida artística del alemán Richard Strauss.

 

La trama de ésta puesta en dos tiempos escénicos. La narración está hecha a través de la imaginación de su autor, quien imaginara los posibles diálogos que surgieron en la época hitleriana entre el músico Richard Strauss y su escritor Stefan Zweig, mientras ambos componían la obra operística “La mujer silenciosa”.

 

La obra también ventila la situación imperante en cuanto que en aquellos tiempos, cuando el Tercer Reich se daba a la tarea de eliminar cualquier influencia judía, dentro de la cultura alemana recalcitrante quedó prohibida la obra, pese al gran éxito obtenido en el estreno.

 

Los pormenores de la gran mistad qué había surgido entre éstos dos grandes genios, son plasmadas en ésta obra teatral con las magníficas actuaciones de Juan Carlos Remolina y Diego Jáuregui, compartiendo créditos con otros grandes actores entre los que se encuentran Andrés Weiss, Renata Ramos, Mariana Gajá y Ricardo Leal.

 

Además nos encontramos con el diseño escenográfico y de iluminación por parte del destacado maestro Alejandro Luna y, de la presentación en vivo durante el tiempo intermedio de un grupo de jóvenes músicos de cámara, que incluye al pianista, a una soprano, un bajo y un tenor; todos ellos interpretando un fragmento de “La mujer silenciosa”, la cual estará por siete ocasiones en el hall del teatro.

 

La obra se presentará en la Sala Héctor Mendoza del CNT de jueves a domingos hasta el día 31 de Julio.

 

JOB (FUNCIÓN CON UN SOLO ESPECTADOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen Facebook de Vicente Ferrer

 

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He vivido muchas anécdotas en torno al teatro, unas las he gozado, las menos sufrido, sin embargo, me acaba de suceder una para el libro de los récords: ser el único espectador -además con cortesía- en la sala; aun cuando expresé no tener ningún inconveniente si suspendían, los encargados del lugar me dijeron se daría la representación. La falta de público en esta forma escandalosa y patética tiene su razón de ser: un fallido monólogo en todos los sentidos.

 

Lleva por título Job, gira en torno a la vida del santo -sabemos no existió, es un personaje mítico legado por la religión judía y aceptado por el cristianismo-, cuya principal virtud fue la abnegación, aunadas a la paciencia y fe que siempre tuvo en Yavé. El texto es nada más y nada menos de Fernando Savater. ¿Qué se puede decir del mismo? De una gran profundidad, de reflexión, se desarrolla entre lo teológico y lo filosófico y, obvio, una riqueza poética. Después de todas las calamidades sufridas por Job -pérdida de sus propiedades, ganado, riqueza y familia- se refugia en una caverna, ahí lo sitúa Savater en una meditación ficticia, esto es, más allá de la versión bíblica.

 

Normalmente cuando un monólogo fracasa se culpa al actor, en este caso toda la responsabilidad, al menos la mayor parte, es del director, Juan Carlos Torres, quien puede presumir de falta de imaginación y creatividad. esto se traduce en creer que proyectando unos fotomurales -hacen las veces de ciclorama- se recrea la caverna; no hay escenografía, absolutamente nada, sólo algunos, mínimos elementos de utilería. Unos silencios interminables, recordemos en el teatro un minuto es una eternidad; apagones van y viene. El actor extiende una tela, dibuja -creo- una “figura humana”, qué simboliza, excelente pregunta pero sin respuesta. En una escena mientras dice el actor su texto, éste se la pasa limpiándose las piernas, en realidad ni él lo cree, en otra la voz se convierte en un susurro. Lo único rescatable, emplea voz en off para escuchar parte del Capítulo 1 del libro de Job (Biblia). La lista de desaciertos es interminable, ahora se entiende por qué no hay público.

 

La víctima de la dirección es Vicente Ferrer, entregado, hace su lucha, pero ante todo lo anterior no hay mucho por hacer. No hay más que decir, sólo agradecer la tortura dura 50 minutos.

 

JOB se presenta en el Círculo Teatral (Ciudad de México), los domingos de julio a las 18:00 horas.

ESCORIAL (EL REY QUE QUISO SER BUFÓN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional.

 

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Escrita en 1928, aun cuando pudo ser ayer, BUFÓN es una obra que nos adentra en el manejo del poder por parte de un rey absolutista y su relación con el pueblo. Considerado un baluarte de la dramaturgia universal, Michel de Ghelderode (Bélgica), nos brinda una comedia grotesca con tonos de tragedia. Un rey quien representa el poder; un bufón quien simboliza a los súbditos. El primero, ante la agonía de su odiada esposa, saca a relucir todas sus frustraciones, sobre todo la impotencia cuando se percata no todo se mueve a su voluntad. Folial, su bufón, es obligado a representar una farsa, ésta tiene la peculiaridad de que ambos cambian sus roles, esto es, el rey quiso ser bufón. Éste no cree en su rey y por su alteza no cree en la fidelidad del otro. La idea del autor, supongo, es convertir a los dos -cuando intercambian los roles- , hacerlos más humanos. Un texto empapado en la poesía, de una gran teatralidad y contundencia escénica, nada le falta nada le sobra. En concreto, la eterna lucha por el poder y sus consecuencias en la relación gobernante-gobernado.

 

Luly Rede montó esta obra hace 17 años, hoy la retoma con el mismo vigor e ímpetu. Una propuesta artística, crea la atmósfera para el encuentro personajes-espectadores. Un trazo de gran manufactura. Parece que el primer estreno fue ayer, la farsa no ha perdido frescura, si se permite la expresión, profundiza escénicamente en lo fundamental y permite la catarsis con los toques de humor ahí infiltrados. Por escenografía, sólo el trono; el vestuario sugiere una época pasada, ¿cuál?, no es importante y una iluminación con la que refleja el interior de los personajes. Una gran propuesta de dirección. Considero a Luly no se le ha dado el reconocimiento y lugar que merece en el ámbito teatral.

 

Patricio castillo y Roberto Sosa, dos portentos de la actuación. Se conjuntan en forma perfecta. El primero tiene la habilidad histriónica de transmitir la decadencia del soberano, como otros sentimientos: culpa, soledad, dependencia, angustia… El segundo encarna el dolor, no sólo propio sino el de toda una sociedad; admirables e inolvidables escenas cuando caracteriza a un can, sus expresiones faciales y corporales indescriptible como impresionantes, da gusto encontrarse con dos histriones en el mismo escenario, transforman el teatro en toda una expresión de ARTE. También aparecen en escena Roberto Ríos “Raki” y Tania Arredondo, papeles circunstanciales -un monje y la reina- a tal grado que la actriz no pronuncia una sola palabra.

 

Puesta en escena apoteótica, de esas que la gente -los verdaderos teatrófilos- no debe perdérsela, una experiencia inolvidable. ESCORIAL se representa en el Foro Shakespeare, los sábados de julio a las 13:00 horas.

 

EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA

Textos y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

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Parte de los problemas que existen en nuestro mundo es porque quisiéramos que los demás fueran como nosotros.  Eso es imposible.  En realidad, lo que nos distingue como seres únicos e inigualables es la individualidad y ésta no podría notarse si no viviéramos en un mundo donde priva la diversidad.  Imaginen un mundo donde hubiera 10, 20 ó mil personas iguales.  Eso sería un caos.  No podríamos reconocer ni a nuestros propios familiares.  Todos y cada uno de los seres humanos tiene derecho a vivir su vida como mejor le parezca y a sentirse orgulloso de ser quien es.

 

Cada quien tiene habilidades y discapacidades.  Se puede ser bueno para el estudio y malo para el deporte o viceversa.  Cada persona nace con particularidades en su fisonomía, por ejemplo, color de piel, de ojos, altura, complexión, etcétera.  Así mismo, hay quienes carecen de determinada facultad, como la vista, el habla, el oído, la movilidad.  Son seres con capacidades diferentes, pero depende de su esfuerzo personal el que puedan superar sus carencias y vivir una vida totalmente normal.

 

En el ámbito teatral, Seña y Verbo: teatro de sordos, fundada en 1993 por iniciativa de Alberto Lomnitz, es una compañía integrada por actores sordos y actores oyentes, que presenta durante todo el año obras para  adultos y para niños, en las cuales la Lengua de Señas Mexicana (LSM) se combina en escena con el español hablado, para crear espectáculos que todos pueden disfrutar.  Seña y Verbo lleva más de veinte años de labor continua, durante los cuales ha producido veinte obras originales y ha realizado giras internacionales y nacionales.  En su haber tienen más de dos mil representaciones en la Ciudad de México.

 

En forma paralela a sus actividades artísticas, han incursionado en forma significativa en materia de educación, promoviendo activamente la Lengua de Señas Mexicana –LSM– y el respeto a la cultura de los sordos de nuestro país.

 

Una de sus obras más recientes es EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA, de la autoría de Alberto Lomnitz y Carlos Corona.  Un texto de buena factura, cuya narrativa aborda la contratación de la detective Maraña para esclarecer el caso de un hombre que desapareció en un circo.  El problema estriba en que, al principio, la joven Maraña no entiende de qué se trata, pues quien requiere de sus servicios es sorda.

 

Para aceptar el trabajo y poder tener una buena comunicación, Maraña se verá precisada a aprender la Lengua de Señas Mexicana.  Ya en el circo, además de realizar las actividades propias de su trabajo, la detective tendrá oportunidad de disfrutar del acto de los felinos –un león y una leona adorables–, el de unos graciosos payasos y el del mago, quien será clave para la solución del caso.

 

El montaje está muy bien ambientado.  La escenografía diseñada acertadamente por Alberto Lomnitz y Carlos Corona hace que con unos cuantos elementos el espectador sienta que está frente a un circo.  El vestuario, concebido por Edyta Rzewuska es colorido y muy variado, reflejando el ámbito circense.

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La música original de Taniel Morales e interpretada en vivo por Alejandro Uribe coadyuva a proporcionar el entorno mágico y festivo.

 

La labor de dirección por parte de Alberto Lomnitz es impecable, trazo escénico bien equilibrado, acción constante, buen ritmo.

 

Extraordinario trabajo histriónico de todo el elenco.  La bella y carismática Valentina Sierra da vida a la detective Maraña, en tanto que Roberto De Loera, Eduardo Domínguez y Socorro Casillas interpretan a todos los demás personajes del circo, mostrando su versatilidad y cambiándose de vestuario entre escena y escena.  Igual son leones, domador, payasos, mago, o empleados del circo.  Valentina alterna funciones con Daniela Flores.

 

El resto del equipo creativo está conformado por Brenda Daniela Guerrero en producción,  Diego Calderón en asistencia de producción,  Antonio Zacruz en gestión y gerencia operativa,  Karla César Bazán en coordinación de comunicación y asistencia de gestión,  Dora Pérez Aguinaga en administración,  Blanca Pérez en asistencia de administración  y  Sandra Narváez en prensa y difusión.

 

Es loable que se realice este tipo de teatro.  En el mundo mágico del circo, atractivo para chicos y grandes, los pequeños toman conciencia de que existen seres con otras capacidades que son lindos y simpáticos.  Los personajes llaman su atención y se muestran muy interesados en aprender la forma de comunicación que ahí se les explica, combinando el abecedario con la Lengua de Señas Mexicana.  Un espectáculo donde lo didáctico es impartido de una manera mucho muy divertida.

 

Recientemente concluyó temporada EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA tras presentarse con gran éxito en el TEATRO SERGIO MAGAÑA de la Ciudad de México.

 

DESIERTA (TEXTO Y PUESTA EN ESCENA APOCALÍPTICOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Jonathan Ramos hace su debut teatral -ópera prima- como dramaturgo y director de DESIERTA, texto y montaje con esencia indiscutible de apocalípticos, versión escénica -por cierto muy socorrida y desgastada por la cinematografía- de la posible extinción del ser humano como especie, en un planeta -Tierra- donde hasta las cucarachas están desapareciendo.

 

En concreto: “Espectáculo escénico que narra la historia de la existencia de Desierta en un mundo post catástrofe. Un mundo donde humanos han evolucionado y los seres no evolucionados están siendo eliminados”. Seres que no quieren ser historia pero son ella. Purgadores -así se denominan a los evolucionados- son los asesinos del nuevo estado. Los no evolucionados se la pasan huyendo de sector en sector. Un mundo -ya se mencionó- apocalíptico, reina el caos, el desastre, la persecución, el miedo, el hambre, la lucha por la existencia, tener como objetivo extinguir a otros, unos pocos no evolucionados sobreviven. Para unos está cerca el final, en un estado terrorista, donde la prisión y la tortura es habitual; el vacío, en todo sentido, predomina.

 

Por tratarse de una ópera prima se debe reconocer es un buen inicio en un medio tan competitivo. Demasiado lineal el desarrollo de la trama, habría que recortarle un poco, no tanto por la duración sino porque a fuerza de poner a filosofar a los personajes, el autor cae en la retórica, llega el momento en que ya no aporta mucho, la esencia está dicha el resto es discursivo. No deja de ser interesante su visión futurista -en demasía pesimista, aun cuando hay un acto de contrición- sobre la desaparición del ser humano. Nuestro nobel dramaturgo tiene provenir, de él depende hasta dónde quiere llegar.

 

Vayamos al Jonathan director. Si partimos de las carencias y por lo mismo limitaciones de los equipos de iluminación, proyección y sonido, para cualquiera es un reto montar en Casa Actum. Él resuelve con actuaciones, coreografías, vestuario (harapiento) y una “escenografía” completamente sin imaginación, unas bancas arrumbadas en una orilla del escenario, éstas simbolizan la destrucción, al menos es mi lectura. Las coreografías sirven, en forma, para dar paso a los actos de violencia, acertada la decisión, son peleas sugeridas, no reales. Por fortuna todo el peso recae en su equipo actoral, quienes le imprimen vigor al texto, una exaltación a los purgadores como seres enseñados a despreciar a los no evolucionados, estos están convencidos que los recuerdos duelen porque han vivido demasiado, además huyendo. Multimedia espantoso, un desastre, no un apoyo.

 

El reparto está conformado por Michele Ayala, Ernesto Licuona, Emiliano Lourel, Ana Belén Ortiz y el propio Jonathan Ramos (cuidado con querer ser todólogo, esto casi siempre lleva al fracaso en todos los rubros). Grupo bien conjuntado, acoplado, comprometido con el trabajo de conjunto, todos entregados al mismo fin, el desgaste mental y físico es alto, por fortuna logran salir avantes. El único pero es el de Ernesto Lecuona, quien al menos en esta ocasión no asimiló es diferente una voz de actor firme, segura con volumen audible y otra gritar hasta desgañitarse.

 

DESIERTA está en temporada en Casa Actum (Héroes del 47-9, Col. San Diego Churubusco, Metro General Anaya, Ciudad de México), los miércoles hasta el 27 de julio a las 20:30 horas.

 

CURSOS DE VERANO DEL INSTITUTO CULTURAL DE AGUASCALIENTES

 Información ICA.

El Instituto Cultural de Aguascalientes, a través de la Dirección de Educación Artística Básica, la Universidad de las Artes, la Dirección Editorial y la Dirección de Museos y Galerías, anuncia el arranque de las inscripciones en los más de doscientos cincuenta cursos de sus diferentes Centros, Escuelas y en las Casas de la Cultura de los Municipios.

La oferta está conformada por más de 250 cursos que se estarán celebrando del 18 de julio al 13 de agosto diseñados de manera activa en el conocimiento, apreciación, rescate y valoración de distintas disciplinas artísticas y culturales sin antecedentes de estudio o con conocimiento previo para el interesado.

Las áreas artísticas ofertadas son danza en sus distintas manifestaciones como iniciación dancística, Danza Clásica, Danza Folclórica Mexicana, Danza Jazz, Danza Contemporánea, Bailes de Salón, Expresión Corporal, aprendizaje lúdico y música en sus distintos lenguajes, por ejemplo, introducción musical, aprendizaje lúdico, ejecución musical en instrumentos, ejecución musical con objetos de uso diario, canto, coro, ensambles.

También están dentro de la oferta la posibilidad de estudiar teatro en sus distintas manifestaciones como aprendizaje lúdico, actuación y producción escénica, mientras que las artes visuales proponen aprendizaje lúdico, artes plástica, dibujo, pintura, escultura en materiales alternativos, modelado, móviles, fotografía y grabado.

Completa la oferta la posibilidad también de estudiar en verano los diferentes oficios en sus diferentes manifestaciones como son alfarería, talla en madera, deshilado, carpintería, cerámica, vitromosaico o tejido en telar.

Por su parte el Centro de Idiomas propone dentro de sus cursos un aprendizaje lúdico, de alemán, francés, italiano, japonés, inglés, tanto para niños como adultos, español para extranjeros, lenguas indígenas, árabe, hebreo y lenguaje mexicano de señas.

Además, en las distintas Casa de Cultura de todos los municipios del estado se están celebrando talleres de verano dirigidos a los más pequeños de la casa que encuentran en esta oferta una manera lúdica y artística de aprovechar el verano.

La información completa la pueden encontrar en el sitio de Facebook del Instituto Cultural de Aguascalientes, y al teléfono 9102011, de lunes a viernes de 08:00 a 16:00 h.

 

COPPELIA, CON LA ROYAL ACADEMY DANCE

Texto y foto por Ana Leticia Romo G.

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En el mes de la danza, junio, no podía faltar la presencia de las escuelas particulares que además realizan una puesta en escena por motivo de fin de curso. Es el caso de la “Royal Academy of Dance”, que montó el tradicional ballet Coppelia, musicalizado por  Leo Delibes, con coreografía original de Arthur Saint-León y basado en una historia macabra de E.T.A. Hoffmann titulada Der Sandmann (El hombre de arena), publicada en 1815[1]. El ballet fue estrenado el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París y desde su inicio fue ganando popularidad hasta convertirse en un clásico.

La obra en tres actos contó con la participación de toda la academia, incluyendo a las más pequeñas (muñecas arlequines, chinas, rusas y españolas) aún fuera del libreto original, así como a las más avanzadas en los papeles de aldeanas o amigas de Swanlilda, interpretada por Haydee Rivera de Hernández, su amante Franz (Rubén del Toro) y por supuesto la propia Coppelia (Mariana de la Rocha). La dirección y adaptación coreográfica estuvo a cargo de Haydee Rivera de Hernández con escenografía de Mario Alberto Rodríguez y Rogelio Díaz.

La función se llevó a cabo el 26 de junio en el teatro del IMSS a las 18 horas, con un auditorio lleno gracias a los entusiastas familiares de las participantes.

 

[1] https://es.wikipedia.org/wiki/Copp%C3%A9lia

APOTÉOTICO MONTAJE SOBRE COCO CHANEL

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

 

Pilar Boliver demuestra sus cualidades histriónicas en un apoteótico montaje del monólogo COCO MADEMOISELLE GABRIELLE, escrito magistralmente por Silvia Peláez. Ambas hicieron una amplia y profunda investigación sobre una de las mujeres más importantes del siglo XX, no sólo por el estilo que creó en la forma de vestir de la mujer, sino por ser pionera del concepto que ésta debía ser libre e independiente aunque eso le significara, al final de cuentas, la soledad aún cuando gozara del poder, la riqueza económica y el disfrute de todos los placeres mundanos.

 

La actriz domina el escenario, proyecta la soberbia del personaje y al mismo tiempo su lado humano. da una cátedra, literalmente, sobre la interpretación de un montaje unipersonal. De principio a fin atrapa al público, su expresión facial es impresionante, proyecta emociones, sentimientos, estados de ánimo; conduce con su actoralidad a lo más profundo del alma de Coco. Sin ninguna duda estamos en la plena madurez de Pilar, es innegable que es el mejor trabajo de su larga trayectoria artística.

 

Por otra parte, Silvia -autora y directora- ofrece un texto y una puesta en escena impecables, una pieza dramática inmersa en el sarcasmo, con algunos tintes de humor. Nos adentra en lo más íntimo de una de las mujeres más influyentes de la pasada centuria. El texto inicia con una mujer en los últimos momentos de su vida, en la decrepitud, a los 87 años de edad, agobiada por problemas respiratorios (cigarro), el consumo de morfina. Hace una retrospectiva de su existencia, curiosamente contándosela a sí misma, a Gabrielle su otro yo, la niña que quedó huérfana, creció en un orfanatorio, pero a quien el trabajo le salvo la vida.

 

La obra está tan bien escrita que a pesar de tratarse de un monólogo biográfico, nunca cae en lo didáctico, menos en lo narrativo. la vejez, la soledad, la añoranza, una cierta demencia, amores, fracasos, poder…; abrir la ventana de una existencia, de una mujer que no creó una moda sino un estilo de vida, del buen gusto -más allá del renombrado perfume Chanel No. 5-, de quien hizo una filosofía a partir de que la ropa que alguien se pone proyecta lo que en verdad es. Todo lo anterior es lo que Silvia lleva al escenario con una exquisitez dramatúrgica digna de todas las loas. Afortunadamente no traicionó su texto, su dirección le dio vida plena y gozosa al personaje.

 

Si la mancuerna actriz-dramaturga es excelsa, no se debe pasar por alto la contribución del equipo creativo: escenografía sin parafernalia, lo justo para ambientar el drama e iluminación sobria pero efectiva, ambas de Martha Benítez; diseño sonoro de Rodrigo Mendoza y vestuario y maquillaje de la propia Boliver.

 

COCO MADEMOISELLE GABRIELLE se representa en La Capilla (Ciudad de México), los lunes a las 20:00 horas, hasta el 29 de agosto.

 

REALIZAN HOMENAJE A CARLOS JIMÉNEZ MABARAK CON SUS DOS ÓPERAS

Información Conaculta

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Las dos únicas óperas escritas por el compositor y pianista mexicano Carlos Jiménez Mabarak (Ciudad de México, 31 de enero de 1916–Cuautla, Morelos, 21 de junio de 1994) fueron presentadas, en forma de concierto, en el Palacio de Bellas Artes.

 

Como parte del homenaje en el centenario del natalicio de quien se convirtió en referente fundamental de la música mexicana, sobre todo vocal, sinfónica y de ballet, la Ópera de Bellas Artes presentó estas obras de quien fuera discípulo de Silvestre Revueltas.

 

Una pléyade de cantantes de ópera, entre quienes destacan Marcela Chacón, María Luisa Tamez, Mariano Fernández, Rosa Muñoz y Andrés Carrillo, participó en este recital Homenaje a Carlos Jiménez Mabarak. 100 años.

 

La velada musical, realizada en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, dio inicio con la proyección de una entrevista realizada al compositor que dedicó su vida a la música y que hizo dos óperas, la primera, Misa de seis, que data de 1962, y, en 1982, La Güera.

Carlos Jiménez apuntó que en primera instancia hizo Misa de seis que cuenta con libreto en español de Emilio Carballido, porque quería hacer una ópera mexicana en su totalidad y luego continuó con La Güera, basada en la vida de María Ignacia Rodríguez, La Güera, personaje emblemático de la Independencia, con el afán de hacer una ópera popular y bufa.

 

Después de muchos años de no escucharse estas dos óperas del compositor que en 1993 obtuviera el Premio Nacional de Ciencias y Artes, volvieron a sonar en el recinto de mármol en una impecable ejecución de la Orquesta de Bellas Artes, con la batuta de Christian Gohmer.

En el Homenaje a Carlos Jiménez Mabarak. 100 años también participaron las sopranos Graciela Morales y Dhyana Arom, los tenores Andrés Carrillo, Ángel Macías y Carlos Galván, así como los barítonos Octavio Pérez Bustamante y Carlos Sánchez.

 

Primero, fue Misa de seis que, protagonizada por las mezzosopranos María Luisa Tamez y Rosa Muñoz, aborda la historia de dos mujeres que esperan afuera de la iglesia la misa de las 6:00 horas y son testigos de un asesinato.

 

Después, la Orquesta de Bellas Artes, acompañada por el Coro del Teatro de Bellas Artes, interpretó grandes escenas de La Güera, ópera en tres actos inspirada en la vida de La Güera Rodríguez.

 

Protagonizada por la soprano Marcela Chacón, los asistentes pudieron disfrutar de las escenas más importantes de esta ópera basada en la vida de una mujer que en el siglo XVIII rompió esquemas al separarse de su esposo, defender a un esclavo en público y casarse por interés.

 

En esta ópera bufa, La Güera Rodríguez recuerda que por casarse sin amor le llamaban la mal maridada y que no hay dolor de más que sufrir de desamor y el público pudo justamente observar la escena en contra de la esclavitud donde, indignada, cantaba ser amo de un hombre / es a Dios insultar.