Mes: agosto 2016

SATISFACTION

SATISFACTION

Fuente: La Jornada 26 de julio

“Satisfaction es una obra de teatro generacional que habla de las mujeres que bordean los 40 y 45 años; las hace recordar sus amores, lo que fueron o son a esa edad, y a los hombres los remite a su vida y a su infancia. Debe quedar claro que no es una puesta en escena sexista, sino sobre una mujer que se está reconociendo a sí misma”, expresó Carmen Zavaleta, quien desarrolla esta propuesta unipersonal dirigida por Ángel Luna.

Producida por Sandra Narváez, se escenifica en la sala Novo del Teatro La Capilla, e indaga en la necesidad de habitar el cuerpo como único lugar posible de la existencia. ¿Lo que somos como seres humanos es resultado de las circunstancias que enfrentamos?, ¿de las decisiones que tomamos?, ¿del destino? o ¿del anhelo por alcanzar el ideal que construimos en nuestros primeros años de vida?

Una pregunta central, precisó Zavaleta, es: ¿cuál es tu tipo de primate? Se aborda el deseo, el silencio y el abuso transformados en una canción.

Deseo, abuso y presión social

Zavaleta comentó que es una historia descaradamente íntima desde el ojo público, que busca llegar a las mujeres que alguna vez han soñado con ser rescatadas de la selva que es la vida.

Sara es una mujer de 45 años, independiente, soltera y sin hijos a quien en varias ocasiones se le ha helado la sangre. Una tarde de 1977, mientras ve King Kong, su vida cambia. Empieza a buscar un gigantesco gorila que sea su compañero para atravesar la selva. El deseo, el sexo, el abuso, la comida y la presión social serán batallas que tal vez terminen esa noche, al ritmo de una canción o en el reflejo de los ojos y la voz en el pecho de su protagonista.

En el texto original de Zavaleta, Sara se da cuenta de lo fácil que es mentir a Dios y de su batalla por recuperar la voz que poco a poco se ha quedado en silencio.

Satisfaction abarca de los años 70 a la actualidad, donde Sara es una mujer que habla de la satisfacción en la soledad. La dramaturgia y dirección apuestan por un montaje dinámico, basado en el humor y el ajuste de cuentas con la vida.

Mi personaje no platea una exigencia del derecho de igualdad, sino de cómo puede ir recuperando su cuerpo. Cuando una mujer no tiene control de éste pierde la brújula. El cuerpo es nuestra primera casa y en la medida en que esté en equilibro y no se le vea como instrumento será un lugar para todo lo que podemos ser, proyectar y desear. Si no se es propietario del cuerpo tampoco puede poseer el entorno.

Dijo que un reto que le plantea esta obra es evitar que el trabajo se vuelva mecánico. “Si pasa, se pierde frescura. Al ser una puesta unipersonal debo actuar bien cada vez”.

“Debo aclarar –reiteró– que no se trata de una obra feminista. Creo que en la medida en que uno se reconoce se tiene todo lo demás. El cuerpo tiene enorme potencial y hay que descubrirlo.”

Sara es una señora con más de cuatro décadas de vida, edad que Zavaleta observa como importante. “En esos años hay que saber escuchar al cuerpo. Hay menopausia, cambios hormonales, etcétera, pero ya se tiene la fortaleza para decir: ‘ok, este es el camino. Estoy cambiando y es inevitable, en lo social y en lo emocional’. A los 40 años se puede pensar que con suerte voy a la mitad de mi vida. Todas las épocas son de transformación y a los 40 se puede lograr equilibrio emocional. Ese es el reto. A esa edad estamos mejor que nunca y hasta damos miedo. Cada quien puede ver la obra, según su experiencia. Es una comedia; la gente ríe con el humor negro. Una enseñanza, para mí, es que de los 40 a los 45 años muchas cosas ya no se toman tan en serio, se les da la justa medida. Hay que reírse mucho, porque ayuda a estar relajado.”

Satisfaction se presentará todos los jueves a las 20:30 horas, hasta el primero de septiembre de 2016, en sala Novo del Teatro La Capilla (Madrid 13, colonia del Carmen en Coyoacán). El boleto tiene un costo de $150.00 pesos y se adquiere en la taquilla del teatro.

 

ANUNCIADOS LOS GRUPOS SELECCIONADOS PARA LA MUESTRA ESTATAL DE TEATRO

ANUNCIADOS LOS GRUPOS SELECCIONADOS PARA LA MUESTRA ESTATAL DE TEATRO

Con esta nueva Muestra Estatal de Teatro se demuestra la vitalidad de la escena de nuestra entidad.

El Instituto Cultural de Aguascalientes anuncia los dieciocho grupos que tras el proceso de selección han sido seleccionados para participar en la Muestra Estatal de Teatro que se llevará a cabo del 18 al 28 de agosto en diversos espacios escénicos del Instituto.

Entre los seleccionados están el grupo Sueño Azul con la obra Eréndira, homenaje a Gabriel García Márquez y que se clasificó también con la obra Mozart; el grupo Romero al cuadrado con Terapia, o Anónimo Teatro con la obra La risa según Chejov.

Otros seleccionados son Formación Al Trote con Dulces compañías, Compañía Fernando Wagner con Un actor se repara y Mina, la rata que contamina, Proscenio con Vencejo o el Grupo de la Universidad Autónoma de Aguascalientes con Los niños de Morelia.

Además también participarán en la Muestra Estatal de Teatro el grupo Om Dam producciones con Garrapa clown, Pregoneros Teatro con Vuelo y Pipí, o la Compañía Municipal de Teatro con El camino rojo a Sabaiba.

También estarán presentes la compañía Ipso facto con Hotel Juárez, Teatro Errante con Nuestra Señora de las Nubes, Lotería Teatro con El hombre que visitó el infierno, Lúdica Teatro con El teatro de un juglar y Etéreo Escénica con El ojo del diablo.

Estas dieciocho obras, seleccionadas de entre todos los proyectos presentados a la preselección, demuestran la vitalidad de las artes escénicas de los creadores de nuestra entidad.

Cabe destacar que tras varios años sin que se celebrara una Muestra Estatal de Teatro, este año tras haber sido sede de la Muestra Nacional, regresa con toda su fuerza la escena hidrocálida.

MUESTRA ESTATAL TEATRO 2016 grupos_noticias

 

DIOS, O NO SER LA IMPERFECCIÓN DE UN SER SUPREMO

DIOS, O NO SER LA IMPERFECCIÓN DE UN SER SUPREMO

Fuente: La Jornada, 29 de julio de 2016

Si usted viera a Dios cometer una falta ¿lo denunciaría ante el mundo? Eso implicaría decir que ese dios es imperfecto, y tal es la tesis de la obra de teatro Dios, o no ser, de David Gaitán, dirigida por Martín Acosta y actuada por Domingo Cruz, David Gaitán, Carolina Rocha y Diana Sedano, que se presenta en el foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, hasta el 17 de agosto.

También se escucha la voz de Daniel Giménez Cacho y la sinopsis es la siguiente: imaginamos a alguien que huye de Dios, pero lo han atrapado en el interior de un avión perdido en el océano Índico. O de una ballena. Como Jonás.

La compañía española El Desván Teatro buscó creadores mexicanos para emprender este viaje, en el que han coincidido con Iberescena. Dios, o no ser suma esfuerzos entre México y España, con el apoyo del programa Iberescena.

Este proyecto surge de la colaboración entre El Desván Producciones de España, Teatro Legeste y Teatro de Arena de México. Originalmente llamado Proyecto Ballena, Dios, o no ser, nace de una pregunta: ¿dónde está el avión de Malasya Airlines que desapareció en 2014? Esta cuestión motivó a David Gaitán a escribir esta obra.

Es la tercera colaboración entre la dramaturgia de Gaitán y el director Martín Acosta, mancuerna que incluye La velocidad del zoom del horizonte (2013), Paradise by design (2015), realizado en Los Ángeles, California, y que parecería que forman una trilogía sobre lo intangible: el universo y la inteligencia.’

En entrevista, Diana Sedano, quien desarrolla el papel de La profeta, expresó: En la obra se plantea la posibilidad de liberarse de la idea de Dios, de si existe o no. ¿Qué pasaría con la humanidad si se supiera que Dios no existe? En este caso no se trata de un dios en particular, sino de alguien que manipula todo lo que está en el universo. No es particularmente católica, sino que desde un principio tratamos de entender a un dios más general, a un dios genérico. Es la idea que hemos construido todos, sin importar qué tipo de religión. Es sobre un ser poderoso, omnipresente, y que, no obstante, no hace nada ante lo que está pasando en el mundo.

La narración no menciona cuál es la falta de Dios. Cada asistente deberá imaginarla y pensar qué hizo ese ser. Las funciones son los miércoles, a las 20:30 horas.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

 Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 El Diccionario, descubre a una mujer excepcional

teatrikando 2                                         Una mujer excepcional, enfrenta una tarea que le lleva toda la vida

Se puede ver en la Sala Xavier Villaurrutia hasta el 7 de agosto; quizá la trasladen a otros foros. El diccionario, estrenada en 2012 en el Teatro de la Abadía de Madrid, publicada hasta 2013, ganó el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2014. Habla de la bibliotecaria y lexicógrafa española María Moliner, quien integró el “Diccionario de uso del español”; consideran la obra un homenaje a la figura femenina en la cultura; nos recuerda que la mente y la palabra son los únicos lugares donde existe la libertad.

María Moliner vivió de 1900 a 1981, y ya no la podremos imaginar con otro rostro que el de Luisa Huertas, a quien vemos preocupada por ciertas etimologías y su uso práctico, lo mismo que por surcir calcetines y angustiarse por Francisco Franco, de poder soberano. Es innecesario decir que en ocasiones el “uso práctico de ciertas palabras como legalidad, democracia, justicia, equidad” son entelequias cubiertas con maquillaje lingüístico; sus conceptos sólo viven en el papel, al llevarlas al mundo hablado cambian y en la realidad son traicionadas.

La actriz interpreta a una filóloga y lexicógrafa que dedicó su vida a terminar el Diccionario de Uso del Español (DUE); afirmaba el personaje que era imposible terminarlo, pues el lenguaje cambia frecuentemente. La escenografía son las fichas que ha escrito y los pasillos que transitan están flanqueados por kilos de papel que contienen sus definiciones y exploraciones de la lengua; curiosamente, entre más escritos ha reunido, más va creyendo que pierde la memoria o sufre arteriosclerosis. Así, como ama las letras, así ha amado a su familia y algo muy parecido a los celos surgen en su esposo, interpretado por Óscar Narváez, ellos se han acompañado toda su vida y lo seguirán haciendo. Roberto Soto e Israel Islas completan el reparto. El médico permite un contrapunto: ¿realmente se deteriora su mente? ¿existe el diccionario del que habla? ¿alguien lo publicaría? Esa es la dinámica para que estemos al pendiente de cada palabra, gesto y doble juego de María Moliner. El método narrativo permite estar informados de su vida familiar, cuidados domésticos y la cercanía de la vida académica con el extraño poder que ejerció Franco. No le puedo contar todas las reflexiones que surgen al recibir los impactos de esta mujer que se mete en nuestra construcción de ecos e imágenes, por ello debe verla. La sala Villaurrutia esta atrás del Auditorio Nacional.

Sánchez Huerta, una reflexión necesaria

 teatrikando 2a                                         Roberto Sosa y Ana Karina Guevara en “La tragedia de ser perfecto”

En el Foro Milán de la colonia Juárez vimos a Roberto Sosa, Ana Karina Guevara, Mónica Dionne, Damayanti Quintanar y Socorro Miranda, quienes dan vida a un texto de Claudia Ríos. Brillan Ana Karina, Damayanti y Roberto, que tienen mayor peso en cuanto a diálogo y descubrimientos. La escenografía es bella, parece un capricho para meternos a un salón de clase, flanqueado por pasillos, salas, donde pueden tener espacios juntos-separados. Nos cuenta una historia como es posible haya muchas: una niña perfecta, un padre que se va, una madre poco afecta a visitar la escuela de religiosas, y un fatal desenlace. Sí, no es frecuente escuchar en los colegios acerca de suicidios, pero hay niños-jóvenes-adultos que sin darse cuenta un día perdieron su destino. Buen trabajo individual y grupal, dirige Benjamín Cann.

 

TEATRIKANDO, LA CRÍTICA TEATRAL EN MÉXICO

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Libro sobre La Crítica Teatral en México

*¿Qué opinaron los expertos?

*Benjamín Bernal llena un hueco editorial

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Presentó libro Benjamín Bernal en Bellas Artes

El 25 de julio cayó una tormenta, el Palacio de Bellas Artes desaparecía del panorama por momentos, sepultado por las ráfagas de lluvia; a las siete de la tarde debía iniciar la presentación del libro La Crítica de Teatro en México en la sala Manuel M. Ponce. A las 7:15, ante setenta amigos dio inicio el programa: video con un breve recuento de actividades de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), de donde Benjamín Bernal es Presidente; los siguientes minutos serían para escuchar a los presentadores de su tercer libro: la maestra Maricela Lara, el primer actor: Juan Ignacio Aranda y Jorge Ortiz de Pinedo: productor, director y actor. Condujo la mesa el maestro Alfonso Villarreal, curador de la Galería Veracruzana de Arte.

Cada uno usó diferentes enfoques: la maestra Lara encontró que es un excelente libro de texto, útil para quien estudia periodismo, tanto como para los teatristas, pues le calificó de entretenido y ligero. “Hace un repaso general del periodismo, del teatro, su evolución”, recordó anécdotas de Ignacio Manuel Altamirano, Guillermo Prieto (Fidel). Recordó que teatro y periodismo han sido gravemente afectados por la política en varias épocas de nuestro país. A los directores, en varios espectáculos a lo largo de su carrera por ser única función, les ha resultado importante que acudan los críticos, sin pensar que sus publicaciones les pudieran proporcionar venta de boletos, son dos temas absolutamente diferentes. Afirmó: “las obras que se anuncian en la cartelera no son todas, hay quizá 500 grupos en nuestra ciudad y todos tratan de sostener un montaje”.

Por su parte, Juan Ignacio Aranda, alabó la revisión histórica que contiene la publicación, como es breve, el lector puede ir haciendo en su mente las notas comparativas; le surgirán los enfrentamientos; confrontación sobre la profundidad, estilo y objetividad que han aplicado a lo largo de las décadas. Opinó como el resto del panel: si habla bien de la obra, es buen crítico, si no, todo lo contrario. Coincidió con la maestra Lara, este libro deben leerlo los estudiantes y críticos en formación.

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“La crítica es importantísima en el teatro de todo el mundo, aunque sean los más odiados del planeta, porque si habla bien de ti, es muy bueno y si no…” afirmó Jorge Ortiz de Pinedo: “Bernal habla del pasado, del presente y del futuro, porque señala en sus páginas que está creciendo el número de periodistas cibernéticos que emiten su opinión; esto lo percibimos al navegar por la red; el libro servirá para que vayan teniendo mayor profundidad y sustento teórico”. “El autor de este libro describe y reconoce que es su punto de vista, no la verdad absoluta, que le hubiera gustado esto o aquello, se documenta y menciona a todos los que intervienen en una obra, parece mentira, pero es algo fundamental para una verdadera crítica”. “Cuando llenan sus espacios con palabras rimbombantes, se convierte en otra cosa; si la hiciera entendible sería un halago para el actor, director o escenógrafo y verdadera comunicación”.

La sala se había ido llenando, ocuparon un lugar de honor: Miguel e Irene Sabido, José Solé, Alonso Sordo Noriega, Mario de la Reguera, René Cervantes, Diego y Paco Rabell, Emireth Rivera, Elaine Haro, Humberto Morales, Fernando Santos, casi se había llenado la histórica sala a pesar de la lluvia que no paraba, a las ocho treinta se declaró cerrada la reunión literaria.

GEORGE KAPLAN (INAUGURA EL DRAMAFEST 2016)

GEORGE KAPLAN (INAUGURA EL DRAMAFEST 2016)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes del facebook del DramaFest, y de Richard Viqueira

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El DramaFest (2016), cito: “Es un festival internacional de teatro contemporáneo centrado en el desarrollo de la nueva dramaturgia mexicana y mundial, a través de un encuentro creativo con un país y un estado invitados”. En la presente edición Francia y Yucatán son los honrados con tal distinción. No está por demás recordar que el festival fue creado por la compañía Teatro de Babel en 2004, y desde entonces se lleva a cabo cada dos años; la Ciudad de México es la sede principal, sin embargo, varias entidades de la República Mexicana lo han acogido; en esta ocasión Yucatán se verá engalanado con funciones tanto en recintos teatrales, de calle y talleres.

En honor a la verdad el cerebro y alma de este Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea es Aurora Cano, entusiasta promotora del quehacer teatral, incansable, contagia sus inquietudes, luchadora en la búsqueda de patrocinadores. Al frente de su equipo de colaboradores nos acerca a dramaturgos de otras latitudes y da oportunidad a mexicanos con propuestas innovadoras. Desde este espacio nuestro reconocimiento y agradecimiento a Aurora.

George Kaplan

Las puestas en escena del presente año iniciaron con George Kaplan, de Fréderic Sonntag (Francia), dirección de Raquel Araujo (Yucatán). Una de las modalidades del festival es que los textos del país invitado son dirigidos por mexicanos y viceversa. Obra en tres cuadros, a fuerza de ser sincero son tres en una sola propuesta. Varios temas la permean: el poder, la ideología y la naturaleza humana. Cinco personajes, no representan individualidades sino arquetipos sociales. En cada una de las partes los involucrados están perfectamente definidos: un grupo de activistas, otro de guionistas y, por último, por quienes detentan el poder. Ahora bien, quién es George Kaplan: “un personaje ficticio, señuelo en la ficción de la película North by northwest, de Alfred Hitchcock”, reinventado por Sonntag. No es un tratado psicológico, sí un análisis, un planteamiento dramatúrgico; el escenario como un reflejo de una parte representativa de los grupos sociales de cualquier lugar del orbe. Gran cantidad de metáforas para fundamentar posturas, uno que otro toque de humor (un gallo intruso), la visión de un francés, lo más seguro inspirada en su entorno, sin embargo, universal por su tratamiento.

Por su parte, Raquel Araujo encierra a los 5 actores -15 personajes- en un cubo donde desarrollan sus formas de ver y entender lo social; rodeados de cristales a través de los cuales el público hace contacto visual con ellos. Jesús Hernández, diseñador de la escenografía y utilería, se inclinó por lo práctico, funcional y vistoso, facilita el desenvolvimiento del elenco.

Éste lo conforman Richard Viqueira, Verónica Bravo, Roldán Ramírez, Francisco Barreiro y Cecilia Ramírez Romo. Gran trabajo del quinteto, comparten la esencia del texto y la naturaleza de sus protagonistas. Richard, en sus tres caracterizaciones, cautivante, en realidad tres Viqueiras en una sola puesta en escena.

George Kaplan se representará en temporada en el teatro El Granero (Ciudad de México) hasta el 25 de agosto, de martes a jueves a las 20:00 horas y en el Teatro Daniel Ayala (Mérida, Yucatán), el 2 de septiembre a las 20:00 horas.

FRACTALES (PERIPLO EN BUSCA DEL AMOR, LA AMISTAD Y LA CONCIENCIA)

FRACTALES (PERIPLO EN BUSCA DEL AMOR, LA AMISTAD Y LA CONCIENCIA)

Por Alejandro Laborie Elías

Fotografías de Ale Mostra

Ana Lucía Ramírez, Estefanía Ahumada y Luna Beltrán -egresadas de la Universidad Veracruzana- convierten el teatro en una delicia, en la expresión sublime del arte, dan una cátedra de cómo conjuntar la formación, la entrega y, obvio, el talento. Tres jóvenes quienes demuestran cómo a partir de la nada se puede llenar el escenario. Dominan lo serio y el humor, ambos elementos dan paso a un montaje inolvidable: Fractales.

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En forma conjunta se desdoblan, dan vida a Ana para conocerla y adentrarse en su niñez, adolescencia, su transcurrir sentimental y sus inquietudes para ser alguien en los mundos teatral y cinematográfico. Si en todos los montajes hubiera actrices y actores como este trío, el quehacer escénico no tendría parangón, sería el paraíso de los teatrófilos. Dominan las emociones de la protagonista, sea en lo individual en sus respectivas caracterizaciones o cuando interactúan las tres para ser una; además interpretan a otros personajes involucrados en la historia. Sus expresiones faciales y corporales son dignos de la mejor de las loas. Con ellas se concretiza el periplo en busca del amor, la amistad y la conciencia.

Ante lo antes expresado hay que reconocer el origen de esta odisea teatral a cargo de las muchachas, el cual emana de la pluma de Alejandro Ricaño, uno de los más destacados dramaturgos mexicanos en la actualidad. Un autor quien domina todos los géneros, inclusive, puede apartarse de ellos sin ningún problema, su creatividad se lo permite. Fractales es otra muestra de su inagotable imaginación. No está por demás aclarar el significado de la palabra con la que se intitula la obra: “figura geométrica que se repite hasta el infinito”. La definición adquiere sentido durante el desarrollo y cuando concluye el montaje.

Una vez que se cuenta con un magnífico texto, nada mejor para darle existencia teatral que un director creativo y con oficio, éste es Adrián Vázquez. Con un escenario desnudo, sólo unas cajas con cubierta transparente, en ocasiones iluminadas desde el suelo, crea una atmósfera donde conviven lo lúdico y lo conmovedor; un ritmo ágil, no hay segundo en que se pierda el interés, atrapa a los espectadores durante 70 minutos que transcurren en un abrir y cerrar de ojos. Su mayor logro, convertir a las tres actrices en un solo personaje y acompañantes, a Adrián también se le reconoce su virtud de vaciar el escenario y llenarlo sin parafernalia.

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La trama, en concreto, es: “Un viaje al universo personal de una joven actriz llamada Ana, quien sueña con ser extra en una película de Iñárritu, pero en cada casting al que asiste se vuelve un fracaso. Ana intentará desentrañar las razones de su imposibilidad de actuar, de crear, de sentir”.

Fractales, en una nueva temporada después de su éxito en La Gruta, se representa en el Foro Shakespeare (Ciudad de México): los miércoles a las 20:30 horas, del 3 al 31 de agosto; viernes 26 en el mismo horario; sábado 27 a las 19:00 y 21:00 horas, y domingo 28 de agosto a las 18:00 horas.

 

 

A REÍR CON SUEGRAS BÁRBARAS

A REÍR CON SUEGRAS BÁRBARAS

Texto y foto por Miryam Almanza

Si usted busca pasar un fin de semana diferente, relajado y divertido, entonces no debe perderse esta comedia de enredos, escrita por Hugo Daniel Marcos, presentada por el grupo Sino Teatro en La Saturnina. En esta, además de una divertida historia, se conjugan las actuaciones de tres de las mejores actrices de Aguascalientes: Lourdes Delgadillo, Monserrat Negrete y Guadalupe Ortega, todas en el papel de suegras y mamás cuervo, que gracias a su excelente trabajo arrancan las carcajadas del público.

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La historia comienza con un matrimonio en el que la diferencia de edades pareciera que podría ocasionarles problemas, sin embargo, son las respectivas madres las que los provocan, evitando con ello que la pareja viva su amor por completo. Si a esto le sumamos la presencia de una señora que, creyente de que el corazón donado por su hijo mantiene vivo su recuerdo y debe cuidarlo, entonces la situación se vuelve todo un enredo muy divertido. Suegras bárbaras aún estará en temporada todo el mes de septiembre, le decimos esto porque en agosto ya tienen agotadas sus reservaciones, así que le sugerimos hacer la suya, aunque falte un mes, si quiere disfrutar de esta divertida comedia. Las funciones son los sábados a las nueve de la noche. Llame al 449 119 1470. El costo del boleto es de $150.00 pesos y en la compra de una bebida, le regalan la cena.

ENTEPOLA MOVIÓ LAS EMOCIONES DEL PÚBLICO

ENTEPOLA MOVIÓ LAS EMOCIONES DEL PÚBLICO

Texto y fotos por Miryam Almanza

La tercera edición del Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano México-Aguascalientes se realizó en nuestra ciudad, en diferentes sedes, con todos los espectáculos gratuitos. En esta ocasión tuvimos la oportunidad de ver cuatro de los montajes programados, en los que hubo lleno y que el público salió con una reflexión personal.

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Huellas sin remitente conocido fue un hermoso trabajo de colaboración entre México, Chile, Argentina y Cuba. Abordó el tema de la migración internacional de una manera poética, en la que la muerte incluso parecía un sueño, pero no por esto la obra deja de ser desgarradora. La difícil situación que miles y miles de personas viven en todo el mundo conmovió al público, la atención era inevitable sobre todo inducida por los bellos diálogos, el juego de luces para ambientarnos y las magníficas actuaciones. El público no perdió detalle.

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Como si fuera esta noche, presentada por Argentina, también movió los sentimientos de los asistentes. Es la historia de una joven que se encuentra en una parte importante de su vida, momento en que siente la ausencia de su madre quien, sin embargo, mágicamente revive a través del tiempo sus vivencias con ella, sus consejos, mismos que le ayudan a tranquilizar un poco el corazón y a hacer una mejor elección. Varias personas del público vivieron un llanto en silencio en esa función.

Negrinho, con títeres de Brasil, abordó el tema de la esclavitud en aquel país mediante un cuento local que describe una condición que sigue existiendo en pleno siglo XXI. Un niño negro hace amistad con un niño blanco, pero es maltratado por la familia de éste. El padre se opone a que se relacionen e intenta por varios medios separarlos sin éxito, luego lo envía lejos pero Negrinho vuelve buscando a su amigo sin imaginar que eso y la amistad que sostienen lo llevarían a la muerte. El público quedó sobrecogido ante un final tan inesperado, con un nudo en la garganta y el desconcierto pues como yo, esperaban un final feliz, como siempre sucede en una historia con títeres.

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Luego de estos emotivos montajes disfrutamos también de diversión con Mina la rata que contamina y Circo de cajón, ambos de Aguascalientes. El primero hizo conciencia ecológica en los niños mediante una historia divertida y de música y canciones. Terry es una niña consentida, que hace y deshace a su antojo hasta que luego de un sueño en el que es secuestrada por una rata (Mina), una mosca y una pulga, reflexiona sobre su comportamiento y la importancia de cuidar de la naturaleza. El segundo hizo la delicia del público por medio de los malabares y el equilibrismo. Es un acto de circo contemporáneo en el que destacan ejercicios de habilidad y destreza acompañados de música.

Como éstas hubo en el Entepola otras tantas historias, unas tristes, otras alegres, unas más aleccionadoras, pero todas buscando una sola cosa: hacer sentir y reflexionar al público desde su butaca. Y lo lograron. Dejaron además en cada niño, en cada persona, la semilla del teatro y con eso, este festival logró su cometido. ¡Felicidades al Entepola!