Mes: septiembre 2016

PARÁMETROS. VISIÓN CENTRALISTA SOBRE EL PROCESO CREATIVO


Por Luis Colín Velázquez
, director de teatro.

 

 

Pecando de hacerle caso a los “rumores” sobre los comentarios críticos que volcaron los jurados de la 2ª Muestra Estatal de Teatro 2016 en Aguascalientes: 1._ Falta de producción, 2._ Fallas en cuestión de iluminación, 3._ Temáticas totalmente descontextualizadas y anticuadas. 4._ Carencia de formas, técnica y métodos de actuación, y 5._ Personajes sin ninguna exploración, les platicare lo siguiente:

 

Hace algunos años en Festiteatro, el grupo “Los mismos” (al que yo pertenecía) fue seleccionado por unanimidad de los directores participantes, para el reconocimiento del 1er lugar con un montaje sobre el actor Buster Keaton. Meses más adelante el jurado de la muestra estatal dio argumentos poco aceptables para no pasar este montaje a la muestra nacional de teatro, entre ellos:

 

1._ Que tenía música new age, muy conocida y comercial (para ellos).

2._ Que había mezcla de escenas no correspondientes, lo que le daba un carácter kitsch, es decir, pretensioso (para su gusto, creo yo). Pero se les olvidaban dos cosas: que cada creador tiene la posibilidad y el derecho de generar su propia sintaxis teatra, además de la capacidad de re significación que tiene el artista sobre los objetos usados. Además el kitsch ya es reconocido como un estilo fuertemente insertado en el arte y la sociedad (observemos el entorno).

 

En León, Gto., se nos descalificó porque el piso del escenario, cubierto con plástico azul turquesa, presentaba un fragmento al fondo, derecha arriba, sin este material, aspecto que se debía a que nuestra cubierta era para un teatro más pequeño, pero eso no afectaba las escenas centrales y además los tramoyistas se habían negado a aforar más estrechamente el espacio con las piernas y el telón de fondo. Con un montaje compuesto por varias obritas del mismo autor, y con un nombre que las unificaba temáticamente, el jurado de otra ocasión no nos dio el pase, pese a que los augurios de otros participantes vaticinaban nuestro triunfo. No pasamos, después supe por qué.

 

La coordinadora estatal del evento argumentó 2 cosas: 1._ Que yo trabajaba en SECYR, siendo que el grupo era de la universidad; 2._ Que la convocatoria decía “obra”, no obras. Después me enteré que esos argumentos sirvieron para disuadir a los jurados a darle el triunfo a un grupo que gozaba de ciertas simpatías. Pese a que ellos nos daban a nosotros el 1er lugar.

 

En cierta ocasión, tomando un curso a nivel nacional con Alejandro Luna, con un buen número de diapositivas de sus trabajos escénicos para revisar el tema de la producción, colmó la paciencia de los participantes (directores universitarios, todos) y le dijimos que todo eso era muy bonito pero que necesitábamos ideas más prácticas, porque nuestros presupuestos así nos lo exigían.

 

No entiendo el argumento de “temáticas descontextualizadas y anticuadas”. Pondré dos argumentos al respecto. El autor de comedias Publio Terancio dijo: “Nada de lo humano me es ajeno”. El dramaturgo Augusto Boal dijo: “El teatro no es asunto de temas sino de enfoques”. De qué otra forma puedo explicar la concurrencia constante a los clásicos, que por cierto podrán ser muy clásicos pero en sus contenidos poseen valores no correspondientes a nuestro momento actual. Entonces ¿de qué descontextualización y anacronismo estamos hablando? Me parece que ahorita en la Ciudad de México se presenta un montaje con tres obras de Elena Garro, “Andarse por las ramas”, “La señora en su balcón” y “Un hogar sólido” (!¿?¡) y no dejan de ser viejos con conceptos y circunstancias no del todo correspondientes a nuestro momento histórico, la diferencia está en el enfoque que se dé a estos textos.

 

Estoy de acuerdo con el apunte sobre la falta de rigor en los procesos de búsqueda del personaje y la profundidad en el análisis, que se sintieron a flor de piel, y me atrevo a conjeturar que fue porque no hubo acercamiento a dichos personajes. Si no hay acercamiento analítico al texto es porque no se puede dar en un contexto donde ya no existen grupos constituidos, que se den el tiempo necesario para estas acciones. Es decir, no se da este resultado cuando los montajes son producto de llamados emergentes para vender el producto lo más pronto posible.

 

Con relación a la pobreza en la poética, y entendida la poética “como una estructura relacional a partir de nuestra interacción con el mundo y los otros” (1). Quizás se deba a la falta de contextualización, lo que también da el proceso de análisis.

 

Por otro lado, creo que no se puede descalificar la labor de algunos grupos por el hecho de no haber tenido una preparación académica formal, porque ellos son los que, pese a las carencias criticadas, han luchado ya muchos años atrás, picando piedra para llevar dignamente el teatro a la gente de nuestros estados. En todo caso se debe hacer esta acotación a las escuelas constituidas para hacer profesionales de la actuación que también se vieron incluidos en esta crítica, pero aun así, como en muchas otras ocasiones, salieron triunfadores.

 

Lo grave de este tipo de eventos, con carácter de competencia aunque se les denomine “muestras”, es que generan rencores, desaliento y frustración. No proporcionan la satisfacción de cuando se presenta nuestro trabajo a un destinatario que no mal juzgará los esfuerzos invertidos. No niego que se siente satisfacción al obtener un reconocimiento (así nos ha acostumbrado una sociedad fundamentada en la competición a veces descarnada) pero vamos perdiendo la mística de lo que debe ser el cometido teatral (2). Los que tenemos la costumbre de asistir a los eventos teatrales, nos damos cuenta de las diferencias que tienen los grupos que trabajan establemente (son contados ya) y los que no, y también nos damos cuenta qué es lo que hace falta en el campo del arte teatral. Quizás esperaríamos que estos eventos fueran de orden propositivos y en vez de un proceso de competición, se armara un programa de capacitación que dieran los resultados esperados para el teatro de los estados. O constituir un movimiento de aprendizaje autónomo (o con apoyo) con la conjunción de todos los teatreros para unificar criterios, lenguajes y conceptos, crecimiento conceptual pues, que viabilicen la factura creativa de los trabajos escénicos.

 

Saludos (1) Las poéticas teatrales cifran en sus combinatorias morfotemáticas una arquitectónica que, en términos de Mijail Baijtin (Hacia una filosofía del acto ético), construyen una estructura relacional a partir de nuestra interacción con el mundo y los otros. Dice Bajtin: “La crisis contemporánea es básicamente la crisis del acto ético contemporáneo. Se ha abierto un abismo entre el motivo de un acto y su producto” (p. 61). Reconstituyendo la articulación de ese vínculo, Mauricio Kartun piensa su poética como un instrumento de construcción de identidad existencial y cultural, y sostiene que el rasgo sobresaliente de la arquitectura del teatro argentino es la bastardía (2). El teatro es, ha sido y será, un arma con “alma” consistente, fortalecida en la tarea innegociable de culturalización de los pueblos, que es la mejor forma, la fantástica, de alcanzar la siempre deseada independencia, productora de la libertad que, por definición siempre será susceptible de reivindicar.

DIÁLOGOS

PROGRAMA GENERAL 

Diálogos

DIÁLOGOS

 

Galería Ártica del Centro de Artes Visuales (Venustiano Carranza 111, zona Centro)
Lunes 5 de septiembre 
Charla – Somos Los Replicantes – 6:00 pm
Rap – Cerrando Ciclos (Rincón de Romos) – 7:00 pm
Crazy
Crack
Oneper
Rap – Línea por línea (San Francisco de los Romos) – 8:00 pm
Bazar – 10:00 am – 9:00 pm

Martes 6 de Septiembre

Carlos Reyes Sahagún – Cronista de Aguascalientes – 6:00 pm
Competencia ping pong – 7:00 pm
Bazar – 10:00 am – 9:00 pm

Miércoles 7 de Septiembre
Competencia XboX – 6:00 pm
Danza Contemporánea – Giselle Cast – 7:30 pm
Danza Arabe – 8:00 pm
Bazar – 10:00 am – 9:00 pm

Jueves 8 de Septiembre
Performance – Paxon – 6:00 pm
Rap Hidrocálido – 7:00 pm
Lirical Basick
Loto Negro
Asiel Hermosillo
Eko Street
Banda Rock – Dilema – 8:00 pm
Bazar – 10:00 am – 9:00 pm

Viernes 9 de Septiembre

Banda Rock – Barco de Papel – 6:00 pm
Malabarista – Gorka Munguía – 7:00 pm
Dj – Tropikuleros 8:00 pm
Bazar – 10:00 am – 9:00 pm

Sábado 10 de Septiembre
Bazar 10:00 am – 3:00 pm

 

BATMAN CONTRA SUPERMAN

BATMAN CONTRA SUPERMAN

Por Haydée Rivera

Es la cinta que da inicio a las historias en las que aparecerán los superhéroes que formarán parte de la llamada Liga de la justicia. En esta primera parte, se enfrentan en una lucha de poderes y credibilidad Batman (Ben Affleck) y Superman (Henry Cavil) ante la sociedad de Cuidad Metrópoli y Gótica, claro, no podría faltar la controvertida, maliciosa y egoísta presencia de Lex Luthor (Jesse Eisenberg), quien es en realidad el que propiciará la unificación de La liga de la justicia.

batman

Esperemos que la secuela sea mucho mejor que ésta, ya que para mi gusto, Lex Luthor se lleva la película y el protagonismo, las actuaciones de Batman y Superman llegana ser un poco tediosas. Por otra parte, cuenta con uno de mis actores favoritos que es el señor Jeremy Irons (Alfred), quien a pesar de su poca aparición en escena, se disfruta verlo en pantalla. No dejes de verla y esperemos con emoción La liga de la justicia.

 Ficha técnica

Reparto: Ben Affleck, Henry Cavill, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Diane Lane, Jeremy Irons.

Dirección: Zac Snaider.

Producción: Charles Roven-Deborah Snyder.

Género: Ciencia-Ficción Superhéroes.

Año: 2016.

Duración: 151 minutos.

Clasificación: PG-13.

 

 

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

 Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

El último libro de los Hermanos Salmón, con extraño humor

Es un texto de Mariana Harta Sánchez, con buen elenco: Pilar Boliver, Boris Schoemann,  Mahalat Sánchez, Ricardo White, Gerardo del Razo y Ana Beatriz Martínez. Crean una desbocada trama en que –dicen hay humor y dolor- lo que vi es el enredo que surge: una familia judía al escapar de los nazis se desintegra y piensan que hay una hija muerta. Debe viajar a Alemania para buscar a los personajes que aparecen en ciertas fotografías porno, una de ellas podría ser. Debe ver una actriz llamada La quita culpas en esta aventura psicológica casi policiaca, uno de los personajes centrales es psiquiatra, quien busca segundas y terceras intenciones a sus palabras o la forma de decirlas.

EL ÚLTIMO LIBRO DE LOS HERMANOS SALMÓNDe: Mariana HartasánchezDirección: Ginés CruzElenco:Pilar Boliver: Hécuba Bradislova / Ágora / Moira / Várica / Las Trillizas CloraBoris Schoemann: Dr. Alberto Salmón / Albert SalmonMahalat Sánchez: Petula Bradislova / FriedaRicardo White: Hans SalmonGerardo Del Razo: AgobioAna Beatríz Martínez: Ramira / Tina / ÉgidaCreativos:Asistente de Dirección: Jennifer SolerDiseño de Escenografía: Auda Caraza y Atenea ChávezDiseño de Iluminación: Sergio López ViguerasDiseño de Vestuario y Utilería: Carolina JiménezDiseño de Banda Sonora: Federico SchmuclerProductor residente Teatro UNAM: Joaquín HerreraAsistente de Escenografía: María Pérez CastelláAsistente de Vestuario: Brenda ZepedaProducción: Teatro UNAM / DRAMAFEST 2016

Quizá algunos momentos son de escasa agilidad, pero así la entendió su director Ginés Cruz; logra varios momentos realmente divertidos y cuelan por ahí conceptos que tenía muchas ganas de decir la autora, sin duda: hay una percepción de que han venido extranjeros a tomar lo que era de los nativos del continente, dice la secretaria del psiquiatra, que estudiará lo mismo -si es que la deja su novio que es locutor y de ideas extremistas-. Desde el punto de vista de ideas, creo que no quiso decir mucho sino entretener. Pilar Boliver y Mahalat están sensacionales en su desempeño. Estarán en el Juan Ruiz de Alarcón desde el siguiente fin de semana, porque el actual 2, 3 y 4 de septiembre van a Mérida como parte del DramaFest.

Nuevo libro del Argentino Hernán Gené: El arte del clown

Lo edita Paso de Gato, los presentadores fueron Jesús Díaz (Orquesta Lavadero) y Aziz Gual (Director de una escuela de Artes Circenses). A lo largo de dos horas dieron una clase ¿qué es y qué no?, pues hay cursos y escuelas que prometen hacer clowns en pocos días, con escasa disciplina, y el resultado es que a todos les vemos trabajos muy parecidos o remakes de mimos que se pueden ver en youtube. Ante todo hay que aclarar varios prejuicios: dicen que un actor no es clown, la realidad es que ante todo debe ser actor formado y después estudiar guion, ritmo, dinámicas, psicología de un montaje, acrobacia, instrumentos, cantar, bailar, porque tiene bagaje. Un ejercicio que hacían era pararse frente al grupo y tratar de hacerlo reír, pocas veces lo conseguían, al regresar a su lugar, vencidos, se daba la catarsis necesaria para pensar en un personaje o situación. Descubrimos que los grandes clowns trabajan toda su vida para crear un solo personaje, como Cantinflas, los hermanos Marx, Charles Chaplin, Buster Keaton, en tanto ciertas escuelas engañan diciendo que es sólo “corazón” y adaptarse; se necesita más que eso; por cierto, estudiar un mes con Jacques Lecoq cuesta 20,000 pesos (el equivalente en euros).

Salió el tema e hicieron bromas acerca del actor físico y el de texto, si bien lo piensa, es cómico: uno de letras no domina la expresión, es tieso, como usted ha visto muchos. Y el físico en ocasiones se retuerce: pero no conmueve. El autor del libro es Hernan Gené, platica que el clown tiene pocos años en Argentina, donde hay alrededor de mil obras en cartelera por año, de los cuales existirán 50 memorables, eso también es un engaño, dice, no todo lo que logran es de calidad.

Una Eva y tres galanes, en avenida Xola

Esta comedia ligera, la puede ver en el Julio Prieto o Xola, de Narvarte, el reparto: Candela Márquez, Ramiro Fumazoni, Armando Torres, Alosian Vivanco, Gaby Carrillo y Juan Frese. Sí, mucho talento joven y televisivo. Bella dama y apuestos jóvenes compartirán un departamento, hay un secreto que descubrir, para esto: el administrador (Frese) es divertido, una mezcla de Cantinflas con Derbez.

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PEQUEÑOS ZORROS

PEQUEÑOS ZORROS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Uno de los directores de escena más renombrados en nuestro país es Luis de Tavira, nacido en la Ciudad de México en 1948. Se ha desempeñado como dramaturgo, director de teatro, ensayista y pedagogo. En su juventud fue seminarista. Un día alguien le pidió que dirigiera una obra de teatro y, a partir de entonces, él supo que eso era lo que realmente disfrutaba. Sus primeros montajes fueron de teatro religioso y litúrgico, posteriormente, exploró las obras de Bertolt Brecht, el teatro social y el político. Fue cofundador del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el cual dirigió durante cuatro años. Fundó el Taller de Teatro Épico de la UNAM y el Centro de experimentación teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). También es cofundador de la Casa del Teatro, la cual dirige. Por muchos años impartió clases ahí y en sus extensiones, primero en San Cayetano, y luego en el Centro Dramático de Michoacán (CEDRAM).

Ha impartido conferencias, cursos y talleres de teatro, estética e historia de teatro en diversos países de Europa, de Centro y Sur América, en Estados Unidos y en Cuba. En 2006 la Secretaría de Educación Pública le otorgó el Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes. Es miembro del Consejo Mundial de las Artes de la Comunidad Europea y ha sido becario del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). En su trayectoria ha montado más de sesenta obras y ha escrito trece. Actualmente dirige la Compañía Nacional de Teatro.

Teatro UNAM convocó a Luis de Tavira para su proyecto de llevar a escena Pequeños zorros, de la autoría de Lillian Florence Hellman (1905-1984), dramaturga y guionista, nacida en Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos, la cual creció en Nueva York, en el seno de una familia judía convertida al cristianismo. Muchos de sus parientes eran excéntricos y avaros. Se dice que Lillian Hellman se inspiró en ellos para forjar sus personajes. En 1934 tuvo su primer éxito con La hora de los niños (The Children’s Hour), la cual fue reintitulada en español como La calumnia. Tras su representación en teatro, la obra fue adaptada y llevada al cine en dos ocasiones, bajo los títulos de Esos tres y La calumnia, esta última protagonizada por Audrey Hepburn y Shirley MacLaine.  Otro de sus grandes éxitos fue Los pequeños zorros, la cual también se adaptó y fue llevada a la pantalla bajo el título de La loba, con Bette Davis en el papel estelar.

 

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Lillian Hellman tenía un fuerte compromiso político con las causas izquierdistas. Se desempeñó también como crítica teatral y como profesora en las prestigiadas Universidades de Harvard y Yale. Entre los galardones que obtuvo, se encuentran el Premio del Círculo de Críticos en Drama de Nueva York (New York Drama Critics Circle Award) y la medalla de oro de la Academia de Artes y Letras por Logros Distinguidos en Teatro (Academy of Arts and Letters for Distinguished Achievement in the Theater).

Luis de Tavira y José María de Tavira reescribieron una versión de Pequeños zorros de Lillian Hellman. La obra versa sobre una familia aristocrática del sur de los Estados Unidos, en tiempos de la postguerra. Luego de los estragos de la Segunda Guerra Mundial muchas fortunas desaparecieron o quedaron menguadas. Los aristócratas hacían hasta lo imposible por preservar las apariencias y trataban de vivir en la misma forma pero, para esto, les hacían falta recursos económicos. En esta categoría se encuentran los hermanos Ben, Óscar y Regina Hubbard, quienes harán todo por obtener dinero. Para ellos sólo importa el fin, los medios no les tienen sin cuidado.

Un texto de precisa estructura, interesante de principio a fin.  Una historia donde salen a la luz los más oscuros resquicios de la ruindad humana que conlleva avaricia, codicia, despreocupación por los demás, sed de poder, además de problemas de alcoholismo, violencia intrafamiliar, engaños, un amor idílico, racismo, disimulos, docilidad y dominio. Gente que se aprovecha de quien sea en su propio beneficio.

El montaje enmarca consistentemente la época y la historia.  Alejandro Luna, arquitecto, escenógrafo, catedrático y académico mexicano con múltiples reconocimientos en su haber, diseña -en forma creativa- la escenografía e iluminación de Pequeños zorros, representando la casa de una familia adinerada con una impresionante escalinata y elegante decorado, incluyendo un espejo a través del cual se ven algunas escenas. La labor de Alejandro Luna en los dos rubros es magistral.

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El vestuario bien diseñado para ubicar la época y perfectamente confeccionado con finas telas de excelente caída. Las prendas son vistosas y coloridas, algunas muy hermosas. Como siempre, Luis de Tavira busca la excelencia teatral y la logra, tanto en la dirección escénica como con el equipo que le apoya en esta representación. Capta en tal forma la atención del espectador, que éste no siente las tres horas de duración, con dos intermedios.

La labor histriónica, corporal y expresiva del elenco es formidable. El público queda convencido de que está hurgando en la vida cotidiana y los ocultos pensamientos de los personajes. Arturo Ríos es Ben Hubbard, Juan Carlos Vies es Óscar Hubbard,  Yulleni Pérez Vertti es Birdie Hubbard -esposa de Óscar,  Pedro de Tavira Egurrola es Leo Hubbard -hijo de Óscar y Birdie-,  Stefanie Weiss es Regina Giddens, Raúl Adalid es Horacio Giddens -esposo de Regina-, Ana Clara Castañón representa a Alexandra Giddens -hija de Horacio y Regina-, Rodolfo Guerrero es el Sr. Marshall, en tanto que Marisol Castillo es Addie y José Antonio Becerril Cal -empleados domésticos-. La producción es de Teatro UNAM.

Aun cuando se trata de una historia de época, los defectos y virtudes del ser humano no evolucionan con el tiempo, así que tal vez encuentres personas similares a los Giddens en nuestros tiempos. Una historia que te mantiene pendiente de lo que está por ocurrir. Un montaje de gran belleza plástica, actuaciones entrañables, dirección precisa. No pierdas la oportunidad de acudir a ver esta obra. Te enterarás de quiénes son los zorros y de sus oscuras intenciones. Recuerda que los jueves el costo del boleto es de sólo $30.00 pesos.

Pequeños zorros se presenta jueves y viernes a las 19:00 horas, y sábados y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Santa Catarina, ubicado en Jardín Santa Catarina número 10, Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 9 de octubre de 2016.

 

LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS

LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS

Texto y fotos Eugenia Galeano Inclán

Todos los seres humanos tenemos miedos. Lo mejor es tratar de superarlos, pero hay algunos que agobian demasiado. Las mujeres, en particular, sienten miedo del parto, pero el temor no es nada comparado con el que sentirán si a sus hijos les ocurriera algo malo. En ocasiones, esta preocupación llega a adquirir tintes enfermizos, y  en su afán de proteger a sus pequeños, pueden caer en excesos.

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Esto es lo que ocurre a Irene, uno de los personajes de La ciénega de las garzas, obra escrita por Camila Villegas Amtmann, quien obtuvo su Licenciatura en Economía en la Universidad Iberoamericana (UIA), para luego estudiar Creación Literaria en la Sociedad General de Escritores de México (Sogem) y obtener su maestría en Letras Modernas en la UIA. Ha tomado muchos talleres, entre los que destaca el del Royal Court Theatre. Recibió una residencia artística en Banff Centre of the Arts en Canadá, donde escribió la obra que ahora nos ocupa.

La intención de Camila es abordar situaciones contemporáneas. Siempre ha abordado temas sociales y es clara su preocupación por niños, gente en desamparo e injusticias.  En 2011 estrenó Nos lleva el tren, la cual resultó ganadora en un certamen organizado por Conaculta y Sogem en el marco de la conmemoración del Bicentenario. Después, cosechó éxitos con Instrucciones para jugar de memoriaJacinto y Nicolasa, Finea en el Papaloapan, y Lluvia de alegrías, entre otras. Se ha desempeñado como dramaturga, productora e investigadora teatral. Es cofundadora de Tepalcate Producciones y miembro de El Arce Colectivo Escénico.

Su texto de La ciénega de las garzas es de excelente factura, narra una historia en forma lúdica entrelazando lo real con lo onírico y capta el interés absoluto. Eleazar e Irene gozan de un matrimonio bien avenido, tienen una hija, Amelia, que es hermosa, inteligente y soñadora. El hermano de Irene es titiritero y cuenta a Amelia relatos apoyándose en sus títeres. Esto le fascina a la niña, tanto como el atole de avena que acostumbran darle de cenar. Con lo que escucha, la pequeña echa a volar su imaginación y a veces hasta se figura ser un ave.

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Su padre es norteño y su madre costeña. En tanto que Irene nació entre flamingos, Eleazar entre garzas. Viven en Guachochi, una población de Chihuahua, donde abundan las garzas que viven en masas de agua estancada y poco profunda, en la que crece vegetación acuática, a veces tan densa que se torna pantanosa.

Es momento de que Amelia inicie su escuela, pero a Amelia le preocupa la inseguridad. Le da terror que su hijita tenga un accidente o que alguien la moleste.  Este miedo se ha acrecentado por una pérdida que acaba de sufrir. Su ideal sería mantenerla bajo sus faldas y no permitir que le ocurra nada. Esto no es normal y podría poner en peligro su maravilloso hogar.

Para La ciénega de las garzas, Camila vuelve a convocar a Alberto Lomnitz, con quien trabajara anteriormente en Jacinto y Nicolasa. Alberto realiza una labor de dirección impecable y creativa, con muy buen ritmo, aprovechando adecuadamente el espacio y diseñando movimiento constante. Asimismo, Alberto diseña tanto la escenografía como la iluminación, acertando en ambos rubros. El montaje es de belleza plástica, vegetación, rocas y garzas (títeres de varilla o de guante). La combinación de música, títeres y metáforas escénicas es digna de admiración.

El trabajo histriónico, de expresión y corporal es espléndido. Harif Ovalle da vida a Eleazar, un norteño franco, para quien la familia es de suma importancia. Teté Espinosa es Irene, una costeña encantadora, que ama a su hija por sobre todas las cosas y, por lo mismo, la sobreprotege. Valentina Rivera es la preciosa Amelia, niña vivaz y juguetona.  Los tres son más que convincentes. Adicionalmente, Harif toca la guitarra y Teté ofrece su entonada y melodiosa voz, ya sea acompañada por acordes de guitarra o a capela. Majo Ovalle alterna funciones con Valentina.

El entorno musical es de Leonardo Soqui, quien compuso canciones y música original especialmente para la obra. Paloma Arredondo es la encargada del entrenamiento actoral de las niñas. El apropiado y variado vestuario es creación de Estela Fagoaga.  Héctor Pérez Juárez se hace cargo de la escultura y el atrezzo. Gerardo Ballester realizó los títeres de garzas voladoras. Alejandra Lomnitz y Alberto Lomnitz diseñaron los títeres adicionales y las máscaras. El diseño gráfico es de Benjamín Becerra.  Pamela Rendón en difusión y medios. Javiera Núñez en asistencia de dirección.  Everardo Trejo en producción ejecutiva.

La producción es de Tepalcate Producciones, A. C., producción teatral realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFITEATRO).

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Un relato sencillo que confronta la felicidad con el miedo. Te encantará conocer a esta familia que aun cuando vive fuera de una ciudad ajetreada como la nuestra, también enfrenta problemas y temores. Bello texto, gente sencilla y honesta, una niña tierna y simpática que nos roba el corazón, creativo montaje, formidable dirección y estupendas actuaciones. ¿Qué esperas? Acude a ver La ciénega de las garzas, teatro de calidad.

La ciénega de las garzas se presenta los lunes a las 20:30 horas en el Foro la Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución número 1500,  colonia Guadalupe Inn, cerca de la estación del metro Barranca del, Ciudad de México. Para adolescentes y adultos. La temporada concluye el lunes 24 de octubre de 2016.

 

FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO

FESTIVAL MUNDIAL DEL BOLERO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Con el apoyo de la Secretaría de Cultura mediante el Sistema de Teatros, el Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México AC. UNESCO – UNAM – ICOMOS – INAH – CULTURA DGCP. Patrimonio Cultural Inmaterial (PCI), se llevó a cabo el Primer Festival y Congreso Mundial del Bolero con sede en México.

Todos y cada uno de nosotros llevamos en el corazón, por lo menos, un bolero. Si bien el bolero tuvo su auge en los años 50, es un género musical que se mantiene en el gusto del público. Muchos cantantes se hicieron famosos al interpretar un bolero, en tanto que muchos otros han recurrido al bolero para impulsar sus carreras, como por ejemplo, Luis Miguel, quien siendo aún muy joven y ya famoso, grabó varios discos con boleros de antaño.

El bolero ha tenido grandes exponentes y, pensando en esto, el Festival Mundial del Bolero rindió homenaje a tres de ellos: Armando Manzanero, Lucho Gatica y Marco Antonio Muñiz. El programa fue planeado de tal forma que cada día correspondía a un homenajeado y los artistas invitados eran distintos.

El primer día se homenajeó a Armando Manzanero. Lamentablemente, ese día no pudimos asistir, por lo que la presente nota se refiere a los siguientes días.

El segundo día se homenajeó a Lucho Gatica. Luis Enrique Gatica Silva, mejor conocido como Lucho Gatica, nació en Rancagua, región de O’Higgins, Chile, en 1928. Es una de las figuras más emblemáticas del bolero. A la temprana edad de 13 años comenzó a cantar en la radio de su pueblo natal, a dúo con su hermano. En 1943 grabó su primer disco de acetato, acompañado por las guitarras de dos de sus amigos. Se trasladó a Santiago de Chile dos años después y se matriculó en un instituto de Hermanos Maristas. Más adelante, quería obtener un título técnico, para ejercer como mecánico dental, pero su hermano lo llevó a la Radio y, a partir de ese momento, se dedicó íntegramente al canto, no obstante lo cual obtuvo su título unos cuantos años después. En la década de los 50, en Chile se impuso el bolero sobre el tango como género musical favorito.

En Santiago, Lucho conoció a la cantante cubana Olga Guillot. Los éxitos comenzaron a llegar. Para 1956 Lucho inició una gira internacional. Cantó en Venezuela y luego en México, donde lanzó las canciones: No me platiques, Tú me acostumbraste y Voy a apagar la luz. Lucho decidió residir en México y en 1960 contrajo matrimonio con la mexicana María del Pilar Mercado, cuyo nombre artístico es Mapita Cortés. Procrearon cinco hijos. Tras 18 años, se divorciaron y Lucho se ha casado dos veces más. De esos matrimonios, Lucho tuvo una hija en cada uno, así que, en total, tiene siete hijos.

El Festival Mundial del Bolero dio inicio con la entrega de un enorme diploma a nombre de Lucho Gatica, el cual fue recibido por sus familiares, toda vez que él se encuentra un poco delicado de salud. El diploma fue entregado por Graciela Margaona, Cecilia Mota y Rodrigo de la Cadena, quienes integran el Consejo Directivo del Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México.

Las canciones no se hicieron esperar y comenzó el desfile de vocalistas. Abrió la parte musical del festival, Andrea del Carmen, cantando Angelitos negros. El dueto de Los Bribones, que marcó toda una época, formado por Nacho Irigoyen y Fernando Ocampo fue representado por la segunda generación -Genaro Fernández y Raúl Irigoyen-, quienes interpretaron Mil besos y la melodía que los identifica: Sentencia. Daniel Herrera, muy conocido en México por medio de la televisión, entrelazó dos temas con base en: Contigo, de Chico Novarro.

Siguió un segmento con leyendas vivas del bolero, a las cuales también se les entregó un diploma. Con 74 años de trayectoria, apareció Marilú -la muñequita que canta- con un popurrí que incluía: Siempre viva. Luego vino Jorge Fernández, quien algunas veces cantó a dúo con Agustín Lara, para interpretar: Rosa y Señora tentación. Cerrando el segmento, llegó Irma Carlón, intérprete favorita de Vicente Garrido, para cantar: Todo y nada, y un dueto con el anfitrión del festival, Rodrigo de la Cadena, quienes sorprendieron al público cantando distintas canciones a la vez, una de las cuales era: Tú me acostumbraste.

El programa continuó con un sexteto, el ensamble de músicos Vocalis, cuyos integrantes son hijos de Roberto Pérez Vázquez (violines de Villa Fontana) y Mario Ruiz Armengol, que deleitaron al público con sus armoniosas voces interpretando: No me platiques más -tema icónico de Lucho Gatica-, Encadenados, y La puerta. Otra segunda generación, esta vez del conjunto Los Dandys, originalmente formado por Armando Navarro, Güicho Cisneros, Luis Segura y Joaquín Ruiz, cantaron: Tres regalos y su tema emblemático: Gema.

Acto seguido, el segmento internacional, con invitados de otros países. Representando a Ecuador: Egberto García con Somos. De Costa Rica, Rony con Lluvia en la tarde.  Desde Paraguay, Porfirio Zapattini con Recuerdos de Ypacarai. De Colombia, Mario Bustillo con De lo que te has perdido, quien además de agradecer la invitación, se dijo feliz de por fin vivir en un país libre, gracias al recién firmado acuerdo entre el gobierno colombiano y las FARC. Paisano del homenajeado, Patricio Aguilera con Vanidad. De Panamá, Fabio Martínez con Inolvidable y Tiemblas.

De nuevo, figuras de México. Chacho Gaytán con sus dos cantantes: la mezzosoprano Itia Domínguez y el tenor Óscar Roa, con voces privilegiadas, interpretaron: Bésame y Júrame, respectivamente, mientras que Chacho no sólo tocaba el piano, sino que dirigía a músicos e intérpretes. El popular Humberto Cravioto cantó Solamente una vez.

El cantante que tantos éxitos cosechó en el Festival OTI, Yoshio, interpretó Total y Virgen de medianoche, dando cuenta clara de que conserva en forma impecable su prodigiosa y cálida voz.  Al terminar su intervención, departió con el público, bromeando y conversando.

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Para cerrar, apareció una cantante retirada desde hace tiempo de los escenarios, Olga María, con mucho sentimiento y portentosa voz cantó: Tú me acostumbraste.  Compartió con el público una anécdota relacionada con el homenajeado. Dijo que en el año de 1958, cuando Lucho tenía algunas presentaciones con la madre de ella, la famosa Olga Guillot, Lucho mandó traer de Los Ángeles, California, al compositor y pianista René Touzet. Después del ensayo, se fueron juntos a un coctel. Olga Guillot acababa de divorciarse del actor Alberto Insúa y mucho se habló en los medios de la separación. René Touzet se acercó a Olga Guillot y le dijo: “Olga, ahora que se ha quedado sola ¿piensa volver a enamorarse o no?“, a lo que Olga respondió: “Maestro, yo estoy enamorada de usted“. René Touzet no supo qué decir y optó por retirarse.  Era hombre de pocas palabras. Al día siguiente, cuando iban a comenzar otro ensayo, en el momento en que René vio a Olga, la llamó y le preguntó: “¿reitera o rectifica lo que dijo anoche?“. Olga, en tono firme, respondió: “¡Lo reitero!“. René confesó haber pasado toda la noche despierto, pensando en lo que escuchó el día anterior y componiendo la melodía: La noche de anoche, misma que procedió a interpretar Olga María, con amor infinito hacia sus padres y su excepcional historia de amor.

El segundo día el homenaje fue para el lujo de México, Marco Antonio Muñiz, nacido en Guadalajara, Jalisco en 1933, se le conoce también como El embajador del romanticismo, la tesitura de su voz es de barítono y alcanza notas graves de gran poder. Comenzó su trayectoria profesional formando parte del inolvidable grupo Los Tres Ases, con quienes grabó ocho discos de larga duración. En 1959 optó por ser solista y los dos temas con los que comenzó: Luz y sombra, y Escándalo, que tuvieron un éxito inusitado. Es un artista consolidado y reconocido en muchas partes del mundo. Para nosotros es uno de los intérpretes más emblemáticos del país.

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Por cuestiones de salud, Marco Antonio Muñiz no pudo asistir a su homenaje. Su hijo Coque Muñiz, querido por todos, fue el encargado de recibir el diploma conmemorativo. Se suponía que Coque sólo iba a recibir la presea y se retiraría, pero el público casi exigió con gritos y aplausos que cantara. Coque, generosamente, accedió y deleitó a los asistentes entonando Escándalo y El despertar, recibiendo cálidos aplausos.

Por el escenario desfilaron artistas nacionales y extranjeros, cantando temas que alguna vez fueron éxitos en la voz de Marco Antonio Muñiz, así como uno que otro estreno.

En el plano internacional estuvieron presentes: Camilo Blanes de España, a quien el público ovacionó al igual que lo hacía con su padre Camilo Sesto. Radha Kunja, una hermosa joven de Panamá, elegantemente ataviada con un vestido rojo y largos guantes. Camilo Mederos de Cuba. El grupo de virtuosos cantantes Trenors de Venezuela. Robertha de Perú, en su regreso a nuestro país, a quien el público brindó calurosos aplausos recordando sus éxitos de antaño.

Entre nuestros compatriotas, se presentaron: Salvador Rivera, la Dinastía Correa,  Ricardo Caballero, Álvaro Carrillo jr, todos ellos entonando canciones que fueron coreadas por el público.

Lyn May interpretó Tengo ganas de un beso, para luego bailar una exótica danza, haciendo gala de su flexibilidad y sorprendiendo a todos.

Gil Rivera aprovechó la ocasión para estrenar dos temas de su autoría intitulados: Debí matarte ayer y Te hicieron para amarme, cuya letra compartió con los asistentes al incluirla en un pequeño programa de mano que entregaban a la entrada.

Astrid Haddad, con su peculiar personalidad, siempre dando particular atención a la cultura mexicana mediante sus vestuarios, llegó ataviada con un elegante vestido cuya capa semejaba un pavo real y portando un abanico hecho con plumas de dicha ave, consistente con su interpretación de Hastío, cuya letra dice: “Como un abanicar de pavos reales en el jardín azul de tu extravío, con trémulas angustias musicales se asoma en tus pupilas el hastío“. Luego se despojó de la capa, para interpretar: Tiempo, de Renato Leduc.

Otro de los integrantes de la dinastía Muñiz, Rodolfo Muñiz, con un timbre de voz portentoso, interpretó varios temas en forma muy emotiva.

José Cantoral, hijo de Roberto Cantoral, compartió un tema que compuso para su padre, dejando conmovido al auditorio.

Uno de los más grandes boleristas del país, el gran cantante Carlos Cuevas, también estuvo presente, interpretando temas muy populares de Marco Antonio Muñiz.

Mención especial merece la fabulosa Orquesta Mexicana del Bolero bajo la dirección de Enrique Ríos, virtuosos músicos con estudios, dedicación y compromiso, que acompañaron a todos los participantes durante los tres días que duró el Festival Mundial del Bolero.

El último día del Festival Mundial del Bolero se ensombreció un poco por la lamentable noticia del fallecimiento de Juan Gabriel. Sin embargo, Rodrigo de la Cadena, principal organizador y anfitrión del evento, dijo que había muerto el hombre, pero que debíamos dar la bienvenida a la leyenda y, atinadamente, al principio del festival, pidió al público un minuto de aplausos para el Divo de Juárez y, para el final, improvisó una emotiva conmemoración en su honor donde todos los participantes unieron sus voces para interpretar un tema de la autoría de Juan Gabriel, y con este entrañable cierre se clausuró el Festival Mundial del Bolero.

Fueron noches deliciosas, con entrañables Boleros, letras que son verdadera poesía y melodías que todos hemos escuchado y que algún recuerdo traen a nuestra memoria.  Una experiencia maravillosa, como estar en una larguísima serenata. Un evento perfectamente organizado que tuvo teatro lleno los tres días. Felicitaciones al Instituto para la preservación y fomento del Bolero en México, por su organización, dedicación y logros en el Primer Festival Mundial del Bolero. Esperamos que sea sólo el comienzo y que cada año continúe celebrándose hasta convertirse en una tradición. El Festival Mundial del Bolero se presentó en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México, el viernes 26, sábado 27 y domingo 28 de agosto de 2016.