Mes: agosto 2017

DESPUÉS DEL ENSAYO (BERGMAN, SU RELACIÓN CON EL TEATRO Y LOS ACTORES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de la Compañía

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Ingmar Bregman, uno de los exponentes más destacados y relevantes del arte universal, en particular de la cinematografía, nos brinda su visión, más bien su relación con el teatro y los actores, un acercamiento a esta última expresión escénica, mediante Después del ensayo, bajo la dirección de Mario Espinosa.

Un director de teatro, Henrik, solo y su alma en el edificio teatral, como el título lo indica, al término de un ensayo y meditando sobre lo que vendrá en los siguientes días, es interrumpido de forma inesperada por una jovencita, Anna, quien pretende protagonizar la nueva puesta de El sueño, de August Strindberg. Una segunda mujer llega al lugar, Raquel, actriz veterana ya retirada. Hay un intercambio de ideas, conceptos y puntos de vista, de cada una de ellas, por separado, con el director, sobre el teatro. No es teatro en el teatro, al menos estrictamente hablando, más bien a partir de un sui géneris análisis de texto, entremezclando lo que el director pretende con el contenido y los personajes y lo que los actores visualizan y caracterizarían.

Interesante escuchar que un director organiza lo impensable, lo materializa, para que el público tenga la sensación de la espontaneidad; considerar al silencio del escenario como dar rienda suelta a un mundo fantasmal, espiritual si se quiere, realidad o sueño, producto de la magia del quehacer escénico, al menos desde mi lectura. Contar el sueño tal y como fue escrito a pesar de escenas en apariencia irrealizables. Se podrían escribir un sinnúmero de párrafos sobre el fondo de la obra, creo que con lo anterior se puede tener una idea generalizada del contenido, tratado a la vez con sencillez y profundidad por parte del autor.

El maestro Espinosa, en contubernio con su escenógrafa Gloria Carrasco, su iluminador Ángel Ascona y su diseñador de multimedia y sonorización, se inclina por un ritmo semilento, pausado, en lo personal me recordó el manejo del tiempo de la cinematografía europea, en ocasiones imitado por el mexicano, basta recordar que parte de la formación de nuestro director aconteció en Alemania. En forma atinada rompe la cuarta pared, le da un magnífico empleo sin discusión alguna al realismo y lujo de la escenografía y a cada nota proveniente del piano. Un gran elenco, en ocasiones es una ventaja, sin embargo, también puede ser una desventaja, Mario “convierte” a dos de los actores en un verdadero deleite, sin demeritar las cualidades propias de estos. Una obra nada fácil la hace accesible.

Un trío conformado por Julieta Egurrola, Juan Carlos Colombo y Sofía Espinosa. Los dos primeros sacan a flote, sin mayor problema y con una naturalidad impresionante, su experiencia, histrionismo, sobre todo, su talento convertido en arte. Por su parte, Sofía queda por debajo de los ya citados, tal vez por su juventud ante el reto de alternar con dos monstruos del teatro mexicano; por momentos no transmite mayor emocionalidad, plana, monorítmica de principio a fin, caracteriza a una rebelde pacífica, una provocadora pasiva, una chica moderna con comportamiento del pasado. Posee facultades, falta desarrollarlas, sé que voy a herir susceptibilidades pero son gages del oficio.

Empaparse en el enfoque de Bergman sobre el teatro y los actores, nada mejor que asistir a la sala Xavier Villaurrutia (Ciudad de México, atrás del Auditorio Nacional), hasta el 10 de septiembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

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Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

La última sesión de Freud en el López Tarso de San Ángel

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Imagine usted el mapa teatral del ex DF: la colonia San Rafael tiene un buen número de teatros, la Condesa, Roma y del Valle, otros muchos, comparten el liderazgo con San Ángel que tiene excelente oferta escénica. En el Helénico vimos hace tres años La última sesión de Freud, que realizó dos exitosas temporadas y ahora regresa a unos cuantos metros, al Foro López Tarso, que se encuentra frente a la Iglesia del Carmen. En esa primera temporada estuvieron Sergio Klainer y Dario T. Pie, quienes convencieron absolutamente.

Cambia el elenco, se pensó era un elenco difícil de convencer, pues hace pocos meses Luis de Tavira dejó la Compañía Nacional de Teatro, responsabilidad que le dejaba poco tiempo para otros temas. Completa el reparto Álvaro Guerrero que ganó premio de APT, por Bajo reserva, en la última obra que vi en la Sala Chopin (¿cerró definitivamente?) con Cecilia Suárez, obra que gozó de la simpatía del público, por el ritmo, actuaciones y, claro, el tema; la corrupción de los funcionarios en algún país que no existe, se confirma que “cualquier parecido con la realidad…”

Dirige José Caballero ambos proyectos, la escenografía corre por cuenta de Alejandro Luna, uno de los monstruos que ha producido la escena mexicana. Posiblemente usted sepa de qué habla la obra: el enfrentamiento verbal entre el autor de Las Crónicas de Narnia y el padre del sicoanálisis, es un encuentro ficticio, que construye Mark St. Germain, para ¿divertirnos? o ¿provocarnos?, con un juego de argumentos que tocan la existencia de Dios, las bondades y perversiones de la estructura eclesiástica y la post guerra; esta obra tiene una contexto especial porque todavía viven los bombardeos y buscan los refugios antiaéreos; las discusiones filosóficas tienen otro valor y las bromas relativas a las estructuras ideológicas que los sostienen, se mueven como las hojas de los árboles.

Sostiene este trabajo de director y actores la precisión en el manejo del texto, la creación de sus personajes, lento andar, hablar, el cáncer bucal es casi palpable; en tanto el escritor de historias fantásticas se mantiene firme en sus creencias. Por encima del debate dialéctico, están los trabajos individuales y el humor que han sabido extraer del libreto y el encuentro con dos amenazas, las bombas y la posible llegada de la hija de Segismundo. No deje de verla.

El Cruce (TATUAS) nos visita desde Sinaloa

Hay una gran evolución escénica en la mayor parte de los estados, por ejemplo, Veracruz y Querétaro, ahora nos visita Sinaloa, con muy buenos amigos. Es el grupo del Taller de Teatro de la Universidad Autónoma de Sinaloa, TATUAS, que fundan Fito Arriaga y Lázaro Fernando, que toman la obra de Alejandro Román para lanzar limón sobre una herida fresca: los migrantes, ¿por qué se van a los EUA? Sienten necesario tener un ingreso superior, correr riesgos y amar más a México cuando no lo está pisando. Así que en el Foro de las Artes, CENART, vimos un elenco y dirección maduros, Sebastián y Genaro Sahagún, Miriam Valdéz, David Zatarain y Armando Silva dan vida a esta propuesta estrenada hace varios años, pero que contiene una escena igual a la que acabamos de leer en los periódicos hace menos de un mes, relativa un a tráiler que sirvió de ataúd a varios connacionales. ¡Felicitamos a este grupo que ha dado funciones por toda la república y varios países!, debe usted saber que están cumpliendo 35 años de ser una compañía estable, lo que es un acto heroíco, porque muchos funcionarios han pasado. ¡Felicitamos a este colectivo norteño!

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Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Herodes hoy, Viqueira sigue rompiendo paradigmas

 

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Ya nos tiene acostumbrados Richard Viqueira a violentar las fronteras de la lógica (como en Psicoembutidos), de la acrobacia (Vencer al sensei), del espacio-color (Bozal), convertir una fuente en pantanos de Viet nam (Punzocortante), explorar las telarañas del idioma (Desvenar), ahora escenifica una idea excéntrica (fuera del centro, pero no excedida) en un pequeño espacio, para que Herodes enjuicie a un bebé: el fin es jalar la atención del público hacia el lanzamiento de cuchillos sobre tablas, que se deslizan por el piso o sirven de escudos. En cuanto se disuelve la preocupación por los riesgos escénicos hay que atender la anécdota, las palabras, fascinar con el miedo que sienten los gobernantes ante cualquier sujeto desconocido, pues podría ser peligroso a la larga, aunque hoy solo sea un bebé. Una anécdota asaz sencilla, se aborda con múltiples argumentaciones para que se puedan perseguir y acosar, sin un verdadero riesgo físico o retórico.

Interesante búsqueda estética en la que se perciben dos etapas: cuando me pregunto como espectador ¿qué riesgos afrontan?; otra, en que solo queda la rítmica verbal como vínculo ante las persecuciones, encuentros y el no contacto lógico con los otros personajes. Como siempre, hay pocos ejes: la búsqueda física, moverse ante lo azaroso, aunque he leído que cada comunicador le encuentra otros resortes secretos al montaje. Buen trabajo que puede usted ver en la Gruta del Helénico con Valentina Garibay, Georgina Rábago, Fernando Bueno y el mismo autor, todos se entregan con sus cinco sentidos al mítico juicio y sentencia. Cada vez se le complica más la vida a Richard, ¿cómo deslumbrar admiradores, a dónde lo llevará su próxima investigación escénica? -Anda buscando el santo grial en los escenarios-. ¡Véala!

Revista Blanco Móvil

Llega a mis manos la revista Blanco Móvil, editada con apoyos gubernamentales; son excelentes los contenidos que logra Eduardo Mosches, quien la dirige. El número 123 está dedicado a explorar la dramaturgia contemporánea, Fernando de Ita; Miguel Ángel Quemanin, Édgar Chias, Estela Leñero, Verónica Musalem, entre otros. También ha hablado de poesía, cuento, novela, en fin, puede consultar su hemeroteca en Internet, blancomovil.com.

La última sesión de Freud, versión 2017

Vuelve a la escena La última sesión de Freud, con otro elenco: Luis de Tavira y Álvaro Guerrero o Álvaro Guerrero con Luis de Tavira. La obra usted y yo la conocemos, porque estuvo en cartelera con Sergio Klainer y Dario T. Pie, no he visto la versión 2017, pero estoy seguro que provocará todo tipo de opiniones. De Tavira tiene el aspecto adecuado al cien por ciento y Álvaro Guerrero ganó el premio para mejor actor hace pocos años por Bajo reserva, si un montaje teatral pudiera tener una voz de “arrancan”, haríamos apuestas, ¿usted por quién vota?

Zaratustra llega a Coyoacán

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¿Qué es un clásico? Quizá sea un montaje del que todos hablan aunque no lo hayan visto y ni siquiera conozcan el tema. Así que en el teatro Rodolfo Usigili de Coyoacán veremos a Daniela Luján, Tzaitel Santini, Perla Encinas, Eduardo Jiménez, Alejandro Poggio, Andrea Durán, Lucía Huacuja, Jorge Lhehu, Axel Santos, Luis Fernando Romero y Lorena de la Torre (alternan). No nos los perderemos, iremos a disfrutarla. Toda comparación está fuera de lugar, porque cada montaje es único e irrepetible. La original fue vista en 1970, sí, largos años han pasado.

Notas breves

Broadway México estará el 15 y 22 de agosto en el Teatro Rafael Solana, incluye números musicales de El Fantasma de la Ópera, Sunset Boulevard, Miss Saigon, Hairspray, Wonderland, Calle 42, Todo se vale, Vaselina.

El elenco de La doble moral, que haría una gira por los EUA ha convocado a rueda de prensa para hablar de Raquel Rico ¿qué nos tendrán que decir? En breve usted lo conocerá: convocan Roxana Chávez, Gloria Izaguirre y Rocío Banquells.

NO SOY LO QUE SOY (CANTATA PARATEATRAL SOBRE LA ENVIDIA)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Traslapo Teatro es una compañía de jóvenes encabezada por Roberto Eslava, cuyo objetivo es encontrar nuevos lenguajes artísticos provenientes de la fusión de varias disciplinas. Sus montajes son producto de laboratorios de creación colectiva donde cada participante aporta sus ideas y sugerencias, las cuales son evaluadas y desarrolladas. Una vez que son aprobadas, Roberto Eslava procede a estructurarlas y a partir de éstas concibe la dramaturgia. Entre sus obras más exitosas se encuentran Spectrum -ofrenda teatral basada en Sonata de los espectros de August Strindberg, La rueda gira -ofrenda teatral basada en Sueño de August Strindberg-, Espejos -pieza basada en el filme Persona de Ingmar Bergman-, Laberintos, ¡Mañana maldecirán mi nombre!, La gravedad del silencio y El sueño de la oscuridad, mismas que han sido presentadas en nuestra ciudad, así como en festivales nacionales y en algunos festivales internacionales.

Para el caso de No soy lo que soy, el tema que pusieron sobre la mesa fue la envidia. ¿Quién no la ha sentido cuando menos en una ocasión? Se trata de un sentimiento irreprimible que aparece desde temprana edad. Puede ser provocado por un simple juguete, o bien, por algún atributo de alguien. En realidad, es algo que recorre las venas como un veneno. Lo más sabio es apreciar lo que tenemos y jamás envidiar a los demás.

Traslapo Teatro ubica la envidia en el mundo al que pertenecen: el teatro. _Conciben No soy lo que soy como una cantata parateatral sobre la envidia. _Engalanan la dramaturgia acudiendo a textos de autores relevantes como William Shakespeare, John Milton -poeta y ensayista inglés- y Lord Byron -poeta inglés-.

La envidia ha sido tratada desde diferentes perspectivas y puede aparecer en cualquier género literario, incluso en cuentos para niños. En el mundo actual debemos enfrentar ciertas exigencias cotidianas que antes no había, como por ejemplo, que todo corre deprisa, se trabaja mucho y el tiempo que nos toma trasladarnos de un lugar a otro, las dificultades del transporte público o privado a causa del intenso tránsito. En lugar de ir a visitar a un amigo como se hacía antes, la gente se ha refugiado en las redes sociales. Tener al alcance de la mano la comunicación, el compartir fotos, expresar estados de ánimo, recomendar sitios, y mucho más. Sin embargo, lo negativo de esto es que ha propiciado algo de confusión en cuanto a la identidad. Los jóvenes miden la aprobación de los demás a través de los “likes” -me gusta- que reciben. Si alguien los critica, se deprimen sin detenerse a pensar si existe fundamento o simple mala fe. _En fin, que las pasiones se viven más intensamente. Imagínense cuán desastroso podría ser sentir envidia sin tener una firme identidad.

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Todo esto lo contemplan en No soy lo que soy. La anécdota es sobre un grupo de actores que está preparando un montaje de Otelo. Los jóvenes habrán de interpretar a personajes tan definidos como Otelo, Desdémona y Yago. Mientras trabajan habrán de surgir dudas, cada quien tiene su ego y, a la vez, podrán sentir envidia del otro o elevarán su propia falta de identidad hasta sus personajes. Igual una joven dirá “a veces me siento más Yago que Desdémona”, aseverarán “el teatro es polvo … polvo son los sueños”, considerarán que las representaciones son “una pirámide de calumnias o mentiras”, alguien afirmará: “no le tengo respeto a nadie”, o bien, declarará: “no soy lo que parezco, no soy quien soy”. Lo cierto es que “la envidia suele disfrazarse engañando al envidioso mismo”.

Un juego de espejos donde el espectador podrá verse reflejado, toda vez que se manejan sentimientos humanos, íntimos.

Formidable la labor de Roberto Eslava en sus dos rubros, tanto en dramaturgia para recopilar las ideas del grupo y darles la estructura apropiada y, como director, explorando espacios y aprovechándolos a fondo, mantener un ritmo preciso y diseñar el trazo escénico en forma fluida desplegando variados elementos y recursos.

El elenco está conformado por: Pilar Couto (actriz que pregunta), Irene Repeto (actriz que anhela), Luis Ernesto Verdín (actor que odia), y Medín Villatoro (actor que intriga). Admirable la forma en que todos y cada uno abrazan el proyecto como partícipes de la creación colectiva y como intérpretes, aportando su capacidad histriónica y una sorprendente corporalidad. La música en vivo es provista por Mauricio Delgadillo.

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El resto del equipo creativo lo integran: Medín Villatoro, en asesoría en acrobacia y parkour -arte de desplazamiento-, Aarón Mariscales en diseño de Iluminación, Diana Muñoz en diseño de vestuario, Sandra Narváez en prensa y difusión, Cynthia Herrera en diseño gráfico, y Anna Taddei en fotografía.

Planta técnica: José Antonio López Hernández, jefe de Foro, y Celso Martínez Flores, técnico.

La producción es de Traslapo Teatro. Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el Programa México en Escena.

Déjate sorprender con las acrobacias, giros y piruetas de los actores y actrices de No soy lo que soy -cantata parateatral sobre la envidia-. Entra en la intimidad de un ensayo teatral, donde podrás ver todo lo que hacen y escuchar los temas sobre los que hablan. Forja tus propias reflexiones a partir de la representación. Teatro joven presentado con intensidad. ¡No te la pierdas!

No soy lo que soy (cantata parateatral sobre la envidia) se presenta jueves y viernes a las 18:00 horas en el Teatro El Milagro, ubicado en Milán número 24 -entre Lucerna y General Prim-, colonia Juárez, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $200.00. Descuentos acostumbrados con credencial. La temporada concluye el viernes 25 de agosto de 2017.

LA PURA IDEA EXCITA (HISTORIA(S) O SOLO UN JUEGO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto: Cartel promocional

La pura idea excita

 

Se da acceso al público, éste se encuentra con dos muchachos -varón y mujer- completamente desnudos. En forma inmediata, intuitiva, imaginé la desnudez no solo sería corporal sino algo más profundo, quitar el ropaje para penetrar en el alma, en el subconsciente, adentrarse en las mentes de dos seres cuyas fantasías quedarán al descubierto.

La pura idea excita, escrita por David Gaitán, es una obra que va más allá de contar una(s) historia(s), es un juego diabólico y demencial, un simulacro inmerso en lo onírico. Algo de sexo, pasión, sadomasoquismo, roces con el humor, una lucha donde gana… eso sí, una carga moralista, por tanto, una lucha entre el deber ser y el ser. Altas y bajas en las formas de pensar y actuar, por momentos ambivalentes y contradictorios consigo mismos, en concreto, muy cercano a un comportamiento bestial.

El texto no es fácil de digerir, de hecho en su inicio, al menos desde mi perspectiva, da la idea de un teatro del absurdo, palabras -contener, reprimir, mantener, desear- y frases deshilvanadas se expresan a manera de prólogo; éstas cobrarán sentido durante el desarrollo. Cabe enfatizar que no hay un planteamiento lineal, menos un final predecible.

Enrique Aguilar, en su calidad de director, propone -no hay de otra- su montaje en un espacio reducido, unos cuantos metros cuadrados. En principio el escenario podría ser considerado tipo pasarela, sin embargo, por la distribución del público es un foro isabelino en miniatura. Puesta en escena intimista apoyada con música en vivo: percusiones, saxofón y un director, éste último compositor de la musicalización original. Escenografía minimalista, tan solo una mesa, misma que en la mente del espectador está en diferentes lugares. Enrique presenta un montaje más que provocador, temerario, digno del teatro propositivo contemporáneo; muestra talento y gran sentido de la estética del cuerpo humano, nunca cae en la vulgaridad ni en escenas exabruptas, a pesar de la violencia emocional. Por contradictorio que parezca hay durante todo el transcurso mucho movimiento corporal, por momentos de trata, en forma literal de una coreografía; es curioso, en contraparte hay escasez de expresión facial. De todo lo anterior se desprende que los actores estén ocupados y preocupados más por lo externo que por lo intrínseco.

Obvio, el programa de mano contiene una sinopsis, sin embargo, como es de suponerse y lo dicho con anterioridad, no hay una historia que resumir, es una forma breve de ubicar sobre una parte de la naturaleza humana, Enrique la hace propia. La dirección es lo mejor del montaje.

David Daniel y Tamara Niño de Rivera protagonizan y, como ya mencioné, más ocupados y preocupados por el movimiento corporal, caen en lo monorítmico y quedan por debajo del texto y la dirección, sin embargo, hay que reconocerles su esfuerzo y entrega, dos palabras que pueden decir mucho o nada.

La cita para apreciar ese espejo donde podemos vernos a través de La pura idea excita, es en la Sala Novo (Coyoacán, Ciudad de México), los viernes, hasta el 25 de agosto, a las 20:00 horas.

MEJOLAT ISRAEL, GALA DE DANZA Y CULTURA HEBREA

Texto por Marcela Mondragón

Fotografía tomada del facebook de la compañía

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Como parte de una hermosa celebración de gala, el pasado domingo 13 de agosto en punto de las 19:00 horas, la Escuela de danza Exaltadores Mejolat Israel Aguascalientes realizó una presentación exclusiva para compartir la historia de la ciudad antigua de Israel.

 

Con un lleno total, el telón del teatro Aguascalientes se levantó dando lugar a la presencia de la presentadora y ministro Zachiel López, directora de la Escuela Exaltadores Mejolat Israel, en la ciudad de Coatzacoalcos, Veracruz, quien dio la bienvenida a un evento que no solo compartió un show de danza, sino algunos cantos en hebreo, degustación de bocadillos tradicionales, una pequeña galería de cuadros de aves, así como un largo recorrido en el escenario para conocer las ocho puertas que abren paso a la vieja ciudad amurallada de Jerusalén.

Fue entonces que en cada bloque, en voz de la ministro Zachiel, fueron detallados pequeños datos históricos de cada puerta representada como parte de la escenografía, de las cuales conocimos la puerta de Jaffa, puerta de los leones, puerta de Damasco, puerta de Sión, puerta de Dung, puerta de Heródes, puerta Nueva y, por último, la puerta Dorada.

En esta dinámica y de forma alternada, fueron presentados varios grupos de danza; de quienes es importante mencionar que algunas de sus integrantes, también alumnas, vinieron para participar en el show desde la ciudad de Coatzacoalcos, y otras más, participaron como alumnas de la escuela en este estado, y que al finalizar el evento, recibieron un diploma por su participación y constancia.

Fue así que en una presentación colorida y emotiva, la ministro Zachiel agradeció al público y a quienes se encontraban tras bambalinas, por su participación en la realización de dicho evento, haciendo hincapié que el objetivo principal era dar a conocer la música y la danza como parte de la preservación de la cultura en la historia hebrea.

Con éste ya es el segundo año consecutivo que la Escuela Mejolat, danza hebrea, presenta este show en Aguascalientes, pues ya cuenta con una trayectoria de seis presentaciones en la ciudad de Coatzacoalcos.

A Escena aplaude el esfuerzo realizado y agradece haber compartido esta hermosa historia hebrea como parte de una aportación cultural en nuestro estado. ¡No dejes de acompañarnos en los siguientes artículos que tenemos para ti!

 

 

 

DANZA EN ESTE VERANO

Texto y fotos por Ana Leticia Romo García

 

Del abismo al vacío, memorias de una fatalidad (Trazo continuo)

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Dentro del programa Noches de museo, el MECA (Museo Espacio) invitó el pasado miércoles 16 de agosto a la presentación del grupo Trazo continuo con el montaje Del abismo al vacío con coreografía de Efraín de la Rosa.

La danza moderna se caracteriza por utilizar novedades incluyendo expresión facial, voces, aunado a escenografías mínimalistas y coreografías estéticas que expresen el sentir actual del hombre en un mundo tecnificado sin que por eso se libere de la soledad, aun cuando se viva en grandes urbes llenas de personas indiferentes.

Con un título tan sugestivo, el grupo intentó con su montaje (interpretación de una servidora), expresar la desesperación humana de ser aceptado para liberarse de sí mismo. En un primer cuadro, la sorpresa fue ver danzar sin música, así como presenciar espasmos denotando la enfermedad humana del estrés que nos rodea y la intolerancia de los demás; en los dos cuadros siguientes los movimientos daban a entender la necesidad de pertenencia y el dolor del rechazo, ese que hace sentirse como lanzado a un abismo, al vacío, a la nada. En el último cuadro los bailarines ocultan el rostro para seguir indiferentes hacia la otredad. Al terminar, la directora del grupo invitó al público a retroalimentar, aunque sin éxito.

En mi humilde opinión, el Museo Espacio carece de un foro adecuado para estos eventos, ya que solamente la primera fila puede apreciar los montajes, que desde las siguientes filas, es imposible hacerlo. Pero aun así, hubo bastante público, lo que indica que ya existe un público cautivo para las noches de museos.

La la dance (Ada studio)

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El verano llega con las vacaciones escolares y cuando se abren por toda la ciudad los famosos cursos de verano. Algunos de ellos dedican ese tiempo a las artes, como el caso de Ada studio, que en un curso intensivo, logró montar un festival donde las pequeñitas y las adolescentes que participaron, pudieron mostrar lo aprendido.

El montaje constó de números de telas, ballet, contemporáneo y jazz. Por supuesto que el teatro se llenó de amorosos padres el pasado viernes 11, y fue muy grato ver a maestras preocupadas por sembrar en las pequeñas, el gusto por el baile.

ALGO DE POESÍA

Por Ignacio Velázquez

Fuente; https://www.poemas-del-alma.com/delfina-acosta.htm

 

delfina acosta

Delfina Acosta es una poetisa, narradora y periodista de origen paraguayo, nacida en Asunción en 1956. En 1986 se editó su primer libro Todas las voces, mujer…, el cual le mereció el Primer Premio Amigos del Arte, además de considerarse una obra de referencia. Hasta ese momento, algunas de sus poesías se habían incluido en la publicación Poesía itinerante, dirigida por el Taller de Poesía Manuel Ortiz Guerrero. Trabaja como columnista del diario ABC Color, a cargo de la crítica literaria de poetas y narradores paraguayos en el suplemento cultural. Entre sus poemarios publicados, encontramos La cruz del colibrí, cuyo prólogo fue redactado por la poetisa Gladys Carmagnola, Romancero de mi pueblo, ganador del segundo puesto del Premio Federico García Lorca, Versos esenciales, dedicado completamente a la memoria de Pablo Neruda, y Querido mío, premio Roque Gaona, muy bien recibido en su país.

Un día tú dijiste

Un día tú dijiste: soy feliz. La tienda azul del mar es mi camisa. Junté en mi percha todo de este mundo: el torso del océano y la brisa. Te fuiste a caminar alegremente por Chile entero dando Buenos días al vendedor de anzuelos y pescados, a la mujer inmóvil de la esquina, que abrió, feliz, sus ojos, al oírte, y abrió, también, de golpe, sus sombrillas, al sastre que lustraba un saco a cuadros, y a la virtuosa ronda de las niñas. Mas para ti no ha sido aquello mucho. Te diste a hablar también a las semillas de lo que luego fue un oscuro bosque, y aquel carbón del pobre vuelto chispa. Ah…, cuánto conversaste así Neruda. Qué alegre y corto se te puso el día. Y aún quisiste hablar con el silencio para escuchar el oro de su risa. Después de hacerse tarde regresaste a tu conciencia de una flor con firma. Cenaste. Te acostaste. Las estrellas en tu ventana, aguadas, sonreían.

  

El beso

Voy a contarte un cuento que otras saben. Las menos como tú jamás supieron. Era un juego de a dos pues se enfrentaban un rey hermoso y una reina a besos. Y érase que ella alegre se moría como última tecla en cada beso. Y él riendo tomaba con su boca un poco de su lengua y de su aliento. Pasó el verano bajo el puente chino, sopló el otoño y garuó el invierno, volvió la primavera y se marchó detrás de un par de niños aquel juego. Y érase esa mujer que aún lo amaba, y moría de pena, pero en serio. Y érase la tristeza en el ciprés la hora en que llovía en ese reino

Niño bello

En tu día de bodas, niño mío, arrancaré las flores de tu herida. Tu cutis sobre el mío hará caer del cielo en esa noche lozanía. Te limpiaré a la aurora con mi lengua y me odiarás fielmente cada día. Mi nombre harás rodar del río al mar. No le amarás aunque su amor le pidas a la mujer que dejará alargar por ti su cabellera de llovizna, y a la otra también, que trenzará sus bucles con malezas y gramillas. Deja niño que sea yo quien cause el mal irreparable en ti. Que digas que te he querido y que te quise más de lo que por quererte me querías

Costumbre perra

Si la hojarasca en niebla se convierte yo dejo la ventana y voy, amado, en busca de tus sábanas. Me acuesto con paños de mi fiebre en tu costado. Qué amor tan taciturno es este sueño: llegar ya tarde a noches de relámpagos, ya tarde a los ocasos, no morirnos cual árbol de oro viejo al pie de un astro. Mi sueño es solo un verso de crepúsculo, un lobo de ojos tristes reclinado sobre su mal pues se perdió en el bosque y el viento en sus oídos es engaño. Esta manera de quemarme el alma, este morirme sin haber sangrado, esta costumbre perra de quererte, este quedarme entera en tu costado.

LOS TONOS HUMANOS SE PRESENTA EN EL FIC CON EL CONCIERTO ENTRE LO SAGRADO Y LO PROFANO

Información del FIC

En el 2004 se creó en Puebla un pequeño ensamble dirigido a espacios y públicos reducidos, con la finalidad de interpretar, con réplicas de instrumentos y criterios históricos, repertorio musical proveniente desde la Edad Media hasta el Barroco español y novohispano.

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Este trío que se hizo llamar Los tonos humanos, converge una multitud de manifestaciones culturales de la época, provenientes de varios universos sociales, predominantemente, canciones estróficas a una voz con acompañamiento de bajo continuo o con tablatura para guitarra barroca.

El ensamble está integrado por la soprano Elisa Ávalos, primer lugar en el Concurso de canto Maritza Alemán y premios Gilda Morelli a la Mejor interpretación; Omar Ruiz García, flautista y violinista que comenzó su preparación en 1996 y desde el 2000 es director musical del ensamble de música antigua Concentus Virreinal, ahora Concentus Antiqua Música, y Manuel Mejía, laudista y guitarrilla renacentista, coeditor del libro Los sonidos de la lírica medieval hispánica y productor artístico del disco del mismo nombre.

Juntos se han presentado en el Castello del Buonconsiglio y la Abadía de San Lorenzo en Trento, Italia, como parte de la Semana del Patrimonio en Puebla, en el Festival de Música Antigua del Museo Nacional del Virreinato en Tepotzotlán, Estado de México, y participaron en la grabación de la banda sonora del largometraje animado La Leyenda de la Nahuala.

Los tonos humanos será parte del XLV Festival Internacional Cervantino con un programa titulado Entre lo sagrado y lo profano, que presentarán el viernes 13 de octubre en la Pinacoteca del Templo de la Compañía, a las 17:00 horas.

El repertorio que tienen preparado para Guanajuato consta de composiciones de Santiago de Murcia (1673-1739), Juan Vaeza (fl. 1662-1667), Juan Gutiérrez de Padilla (1590-1664), Antonio Salazar (1650-1715), pero, principalmente, obras del músico brasileño Gaspar Fernándes (ca. 1590-1644), asentado en Puebla de 1605 hasta su muerte en 1629, que, como maestro de capilla, su trabajo influyó fuertemente en sus composiciones con temáticas religiosas pero que además, pese a su brevedad, estas canciones son capaces de recrear cada uno de los personajes, tramas, historias, relatos, propiedades y situaciones arquetípicas que proliferaron en su tiempo.

Al finalizar la presentación musical se llevará a cabo una plática con los artistas en el mismo recinto.

LA BANDA DE ROCK DIONYSOS INAUGURA EL XLV FESTIVAL INTERNACIONAL CERVANTINO

Información FIC

La propuesta musical de Dionysos transita entre lo onírico y la realidad. Son sueños que el compositor y escritor Mathias Malzieu mezcla en un mundo plagado de monstruos y criaturas fantásticas que luego se convierten en sonidos.

La agrupación de rock fusión se fundó en 1993 al sur de Francia, en Valence. Desde entonces, todos sus integrantes: Elisabet Maistre “Babet” (voz, violín y estilófono), Mathias Malzieu (voz, ukelele y harmónica), Michaël Ponton “Miky Biky” (coros, guitarra, banjo, programador, glockenspiel), Eric Serra-Tosio “Rico” (batería, percusiones, silbato y coros) y Stéphan Bertholio “Stephano” (batería, percusión, silbato y coro), asumieron el apasionado compromiso con la originalidad que impregna todos sus proyectos.

Esta característica permea sus creaciones, arreglos y experimentos musicales, y se hace notable a través de la fusión de géneros, que va desde el blues de antaño hasta el hip hop, pasando por canciones infantiles, hasta crear algo que denominan, por su fuerza emocional y vínculo con el público: rock sísmico.

Dionysos funda su esencia, el equilibrio fundamental, en las letras que dan sentido a su música. Escritas por Mathias Malzieu, líder de la agrupación y novelista; las canciones, al igual que los libros de este artista, suelen estar llenas de criaturas mitológicas y monstruos envueltos en historias que los niños disfrutan y despierta la imaginación de los adultos.

La conjunción de energía musical y fantasía en la lírica, los avala para ser considerados como una de las bandas más inusuales de Francia en la última década. Al momento de celebrar 15 años de trayectoria, la principal revista francesa de música, Les Inrockuptibles, la consideró como “la mejor banda francesa en escena en el mundo”.

La música de Dionysos ha sido nominada varias veces en la categoría de Mejor Álbum de Rock del Año en los premios de música francesa Les Victoires de la musique. Han vendido cerca de 600 mil álbumes en su país; además, después de 22 años de su primer concierto, el grupo ha conseguido cuatro discos de oro. La agrupación participó también en la creación de la banda sonora de la película animada Jack y la mecánica del corazón, dirigida y escrita por el propio Malzieu.

La inauguración del XLV Festival Internacional Cervantino estará en manos de esta banda francesa que se presenta por primera vez en México, y que viste el escenario de sus presentaciones con relojes cucú y cajas musicales a modo de instrumento.

El espectáculo musical de Dionysos se realizará el miércoles 11 de octubre a las 20:00 horas en la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas.