Mes: agosto 2017

CON MARTÍ: VERSOS DE CUBA, CANCIONES DE LIBERTAD

Información FIC

El primer legado universal de José Martí está en Guantanamera, una canción construida a partir de algunos de sus “versos del alma”. Este éxito internacional de sabor cubano es parte esencial del espectáculo que el músico cubano radicado en España, Óscar Gómez, presentará en el 45 Festival Internacional Cervantino: Martí: versos de Cuba, canciones de libertad.

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Lo único que pretendo con este espectáculo es hacer una semblanza del poeta, del hombre y del revolucionario”, dijo Gómez en rueda de prensa donde dio a conocer los detalles de su presentación en el Cervantino.

“A Martí lo acusaron de cobarde porque hablaba pero no actuaba, y la primera vez que se subió a un caballo lo mataron, lo cual es muy triste porque en todos los conflictos debe haber gente que piense, que escriba, diga y deje un legado. No solamente los soldados ganan la guerra”.

Después de leer toda la obra literaria de José Martí, Gómez tomó como influencia el libro Versos sencillos (considerado como una de las mejores obras del poeta) y su apego a la música autóctona cubana para crear un espectáculo multidisciplinario, que reivindicara la labor literaria del pensador que buscaba una Cuba libre y demócrata.

“Yo creo que son textos tan hermosos, tan directos, sencillos y cargados de verdad, que bueno, he intentado que la música simplemente los muestre como son, y que a la gente le lleguen”.

“Martí: versos de Cuba, canciones de libertad, es algo que llamo concierto dramatizado, porque no es un concierto, no es un musical al uso, es un concierto con actores, en donde vamos a escuchar fragmentos del libro de Martí”, detalló el productor cinco veces ganador del Grammy.

A través de un espectáculo de una hora y media de música continua, actuación, audiovisuales, rima en décima y canto, Gómez quiere presentar al mundo moderno, la aún vigente ideología de un hombre que en el siglo XIX estaba en contra del poder absolutista y las fuerzas políticas represivas.

“No pretendo aleccionar ni pretendo dar un mensaje específico de ninguna clase, como autor, como poeta, como músico, no quiero dar ningún mensaje; el objetivo es que se conozca el mensaje de Martí, que sigue siendo válido hoy en día, porque el mensaje de la libertad y de los derechos humanos creo que es importantísimo que prevalezca, y ojalá que los políticos tomen esa palabra”.

“Soy cubano, yo crecí con el pensamiento de Martí desde niño, y entiendo que es uno de los pilares de la poesía y del espíritu de América Latina”.

Mientras las 18 canciones que componen el espectáculo están formadas por fragmentos de los potentes y honestos textos de Martí, la dramatización a cargo de Luis Turel y Guadalupe Lancho (actriz con quien estrenaron el espectáculo y se reúne al ensamble para sus presentaciones en México), así como la rima del decimero Roy Pinatel, añaden segmentos de la vida personal del escritor, que lo plasman también como un ser humano emocional y con errores.

“Parece que gustaba mucho a las mujeres porque era un hombre con mucho talento, por así decirlo; no se parecía a George Clooney pero parece que tenía un gran atractivo, de otro tipo”, bromeó Gómez.

Según el músico y productor cubano radicado en España, Martí no fue un hombre ejemplar ni como esposo ni como padre, porque estaba muy centrado en su objetivo de vida y su objetivo poético.

Con un ensamble musical formado por Iván “Melón” Lewis, Mario Carrillo, Yuvisney Aguilar, Diego Mendiboure, Maureen Choi y Patxi Pascual, Óscar Gómez, también director del Clazz Continental Latin Jazz Festival, presentará sus composiciones originales y la excepcional Guantanamera en el FIC con dos funciones, primero el jueves 19 de octubre en la Explanada de la Alhóndiga de Granaditas, y después, en la Calzada de las Artes, en León, el viernes 20. Ambas presentaciones a las 20:00 horas.

Su participación en el Festival significa el estreno en América de Martí: versos de Cuba, canciones de libertad, un espectáculo suscrito y digno representante de Revoluciones, uno de los ejes temáticos de esta edición.

“Veo que éste es un festival maravilloso y yo estoy muy, muy orgulloso de que el primer estreno en América Latina sea en el Cervantino, porque además creo que va a significar un pasaporte importante para nuestro espectáculo”.

“Me produce una sensación de envidia enorme, ojalá que España tuviera un festival de la envergadura del Cervantino”, concluyó Óscar Gómez.

LA PIEL DE VENUS (DIFÍCIL DISTINGUIR ENTRE REALIDAD Y APARIENCIA)

Texto y foto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

En muchas ocasiones las personas se encuentran ante un conflicto, a veces en forma consciente, en la mayoría inconscientemente, como es el hecho de no distinguir entre la realidad y la apariencia. Por este laberinto de confusiones, tal vez sin salida, nos atrapa David Ives -en la actualidad radica en Nueva York- a través de La piel de Venus, bajo la dirección de Angélica Roel.

En el fondo es una disertación dramatúrgica sobre el poder, el sexo y las relaciones sadomasoquistas; todo se permite: insultos, vejaciones, golpes, pérdida de la dignidad… humillar es gratificante, igual ser humillado. En ganar se juega la existencia.

la peil de venusEstamos frente a un estudio teatral -como ya se mencionó- de la naturaleza humana, la deplorable, sin embargo, no es un tratado psicológico. Como se expresa en alguna escena: “vamos al teatro para vivir pasiones”, hecho que no sucede en forma habitual en la cotidianidad. Una joven cuyo carácter no es más que la ausencia del mismo, igual se puede decir del varón. Conclusión: “Tanto en el amor como en la política, solo uno debe tener el poder”, aun cuando se alterne, claro está, predominará, según las circunstancias, el conocido como dominante.

Angélica Roel asume las limitaciones del Teatro La Capilla, sobre todo el espacio, concibe una puesta intimista, los espectadores son intrusos de la pervertida relación. Una escenografía realista y sencilla (un diván, un escritorio, una mesita para la cafetera, y tazas y objetos de utilería). Su planteamiento no cae en la vulgaridad o escenas obscenas, tan solo plantea la trama, proyecta en forma precisa cómo el dolor puede producir placer. Eso sí, lleva a los actores a situaciones límite, tanto física como emocionalmente, hay una gran exigencia en estos rubros, por fortuna sus actores salen más que avantes.

Gerardo Trejoluna y Gabriela Zas dan un concierto actoral, interpretan por nota, convierten el montaje en una sinfonía, las palabras adquieren musicalidad terrorífica, si se quiere; al final el público ha gozado de un concierto teatral bajo la batuta de Angélica, como si en verdad todo aconteciera en una sala de conciertos. Los espectadores, en completo silencio, de principio a fin, a pesar de ver a un hombre y a una mujer convertidos, alternadamente, en un martillo lastimando y en un yunque dejándose lastimar.

Tomás, director de teatro, está en busca de una actriz para interpretar a un personaje que se vea de unos 24 años de edad, protagonista a la postre de un texto del citado antes. Terminadas las audiciones del día y a punto de partir, se le aparece Wanda, ésta ha llegado tarde, sin embargo, se las ingenia para representar el rol. El director-autor- asume el papel masculino. Una joven quien conoce y ha estudiado -la explicación se descubre durante el desarrollo- al personaje. En una vuelta de tuercas ella se convierte en la directora y el otro obedece las instrucciones y caprichos de aquella. En concreto: dos entes en un mundo inexplicable, pero en muchas ocasiones real, el submundo de los sadomasoquistas. Al final…

La piel de Venus se representa en temporada hasta el 17 de septiembre, los viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en La capilla (Coyoacán, Ciudad de México). Es una producción realizada con el estímulo fiscal de la Ley de Impuesto sobre la Renta.

LA DESOBEDIENCIA DE MARTE (LA ADMIRACIÓN Y LA DESCONFIANZA)

Texto y foto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

Movidos por la admiración y la desconfianza reúne, en el año 1600, a los astrónomos Tycho Brahe y Johanes Kepler -53 y 28 años de edad, respectivamente-; el motivo era descifrar las órbitas de los planetas de nuestro sistema solar. En principio es uno de los temas abordados por Juan Villoro en su más reciente texto dramatúrgico, el cual lleva por título La desobediencia de marte, dirigida por Antonio Castro y las interpretaciones actorales de Joaquín Cosío y José María de Tavira.

Marte

Es importante comentar que Juan Villoro es uno de los más destacados dramaturgos contemporáneos. Esta obra tiene muchos aspectos a destacar: primero, hay una conjunción de tiempos en el transcurso de las diferentes escenas, unas acontecen en 1600, otras en 1917; hay teatro en el teatro, dos actores se reúnen a ensayar una obra protagonizada por los dos científicos antes mencionados; hay una serie de enfrentamientos entre lo racional y lo empírico, y hay un desdoblamiento del experimentado en el joven, esto último si mi lectura es acertada. Descuente el espectador un discurso sobre astronomía, por el contrario, hay dósis de humor y una carga de emociones que conllevan a tomar conciencia sobre lo que acontece en el fondo de estos dos seres, hombres de ciencia, sin embargo, tan humanos como cualquiera de nosotros. Dos genios, quienes transformaron el conocimiento, abordados desde la perspectiva del autor. Queda, al menos en mi caso, inquietud sobre qué llevó al maestro Villoro a abordar esta temática y crear los hipotéticos diálogos entre ambos científicos. Otra gran propuesta dramatúrgica y, lo más importante arriesgada, tanto en forma como en fondo.

Antonio Castro, pilar de la dirección mexicana, parte de una escenografía casi minimalista (Damián Ortega): un escritorio-cama, un pizarrón con cálculos físico-matemáticos y algunos objetos astronómicos. El lenguaje se clarifica, son su concepción; los dos actores sacan a flote sus grandes cualidades histriónicas gracias a la concepción escénica del director. Conjunta maravillosamente a un actor experimentado con uno de la nueva generación, logra la empatía y la puesta se convierte en una obra de arte teatral.

Joaquín Cosío, un deleite, el teatro es su medio natural, la cinematografía su modus vivendi. Formidable en su caracterización de Tycho Brahe, tanto en los momentos de seriedad como en los de humor, sarcasmo e ironía. Desde su llegada a la Ciudad de México su carrera ha ido en ascenso hasta convertirse en uno de los actores más buscado por los productores y admirado por el respetable, es una garantía en cualquier reparto.

Por su parte, José María de Tavira es ya una realidad, de una joven promesa se ha consolidado como un gran actor, crea una simbiosis perfecta con Joaquín, Kepler cobra vida a través del actor-científico, recordemos que hay teatro en el teatro. Da gusto ver y reconocer a José María como un representante de las nuevas generaciones que están alimentando las artes escénicas mexicanas.

La desobediencia de marte se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México), hasta el 1 de octubre, los viernes a las 20:30, sábados: 18:00 y 20:30, y domingos 17:00 y 19:30 horas.

EL CRUCE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Aquello de “la ficción supera la realidad” ya no resulta aplicable. En la época en que vivimos nuestra realidad es tan terrorífica y desesperanzadora que la ficción no puede superarla. Cada día cuando escuchamos o leemos las noticias nos vamos inquietando más y más al enterarnos de asaltos, asesinatos, secuestros, violaciones, feminicidios, venta de drogas, guerras de poder, funcionarios que hurtan recursos y/o no hacen frente a sus responsabilidades, quema de vehículos, ajustes de cuentas, fraudes, trata de blancas, violencia intrafamiliar, maltrato a los animales, abusos de todo tipo, en fin, la lista es interminable. Poco podemos hacer para evitar todo esto, pero hay gente que se esfuerza por elevar una denuncia social desde su trinchera.

P1160568Alejandro Román es uno de los dramaturgos más galardonados del país. Alejandro oriundo de Cuernavaca, Morelos, es un hombre que ama a su país y que se compromete con sus entornos y las situaciones que afectan a la sociedad. Esto lo refleja en su creación teatral. Desde que comenzó su trayectoria la mayoría de sus obras han sido premiadas. Tiene en su haber varios Premios Nacionales de Dramaturgia. Por lo general, la inspiración le llega a Alejandro de hechos reales.  Realiza investigaciones exhaustivas y se documenta, para luego construir sus relatos, a fin de que luzcan veraces. Con sensibilidad logra que sus personajes sean muy humanos y en buena medida les concede la voz de quienes de una u otra forma transitaron los sucesos que relata.

Entre sus obras más destacadas recordamos Línea de fuego, Cuerpo caído, Ánima sola, Aullido de mariposas, Perlas a los cerdos y Tiradero a cielo abierto, mismas que han sido llevadas a escena. En fechas recientes presentó su libro Los fusilamientos, en el cual entrelaza en forma magistral tres historias -una de España y dos de México-.

A partir de la toma de poder del nuevo presidente del vecino país y sus fuertes declaraciones de construir un muro gigantesco y de repatriar a mexicanos que viven allá en forma ilegal, ha puesto en boca de todos el tema de la migración. Hemos sabido de tristes historias de familias que son separadas, de jóvenes que han llegado, incluso, al suicidio luego de ser deportados, otros que han huido, se están escondiendo o se han trasladado a ciudades llamadas santuario, para evitar la deportación o, por lo menos, demorarla. Hace muy poco se supo de un tráiler que fue abandonado en un estacionamiento de un centro comercial en una ciudad de Texas, Estados Unidos de Norteamérica. Dentro fueron encontradas 39 personas, de las cuales 25 eran originarias de nuestro país. Al momento del hallazgo, algunos habían muerto, otros fueron hospitalizados.

P1160575La migración es una temática que Alejandro Román abordó hace años en El cruce. Lo sorprendente es que uno de los relatos incluidos en esta obra es muy similar a lo ocurrido al tráiler encontrado hace tan solo unos días. En esta ocasión, Alejandro anticipó dicha tragedia en blanco y negro.

La compañía TATUAS (Taller de Teatro de la Universidad Autónoma de Sinaloa) fue fundada hace más de tres décadas a instancias de la institución educativa, como parte de sus programas de formación artística y difusión cultural. Inicialmente la dirección recayó en el maestro Óscar Liera. Dentro del marco del Festival Cultural Sinaloa 2015. Una nueva época, TATUAS llevó a escena El cruce, de la autoría de Alejandro Román.  Fue tal el éxito que agregaron la obra a su repertorio y, desde entonces, la han presentado tanto en Sinaloa como en otros territorios. Ahora, por primera vez, la traen a la Ciudad de México.

El cruce está integrado por cinco relatos. Cada uno de los protagonistas hablará con toda honestidad sobre su caso particular, como por ejemplo: cuál fue el motivo que lo impulsó a cruzar la frontera, cuántas veces la ha cruzado, hacia dónde se dirigió, cómo lo logró, qué dificultades enfrentó, cuánto extraña a sus familiares, cuáles son sus expectativas, de qué tiene miedo. Son tres hombres -Sergio, Saúl y Richard-, una mujer -Alondra- y un niño -Nicolás-. Salvo Alondra y Nicolás, que interactúan en cierto momento, los relatos son narrados a manera de monólogo cual si se tratara de su autoconfesión. Como siempre, Alejandro Román nos ofrece un texto de buena factura que capta el interés del público de principio a fin.

El montaje por parte de TATUAS es formidable. Lázaro Fernando ofrece una estupenda labor, tanto en dirección como en musicalización. Aprovecha a fondo el espacio, su trazo escénico es fluido, cuida mucho la estética visual y sonora, así como el desempeño actoral. Mantiene un ritmo preciso.

P1160599El elenco está conformado por: Sebastián Sahagún (Nicolás), Genaro Sahagún (Sergio), Miriam Valdez (Alondra), David Zatarain (Saúl) y Armando Silva (Richard).  Todos ellos despliegan sus habilidades histriónicas y su capacidad corporal para dotar de una gama de matices a sus respectivos personajes.

Leo Salgado hace un pulcro trabajo de escenografía. Con tan solo cinco bloques de madera multifuncionales, arena, unas cuantas ramas y algo de agua logra el entorno idóneo. La bien suministrada iluminación está a cargo de Armando Silva en el diseño, y  Vladimir Bojórquez en el aspecto técnico. El apropiado vestuario es de la Compañía TATUAS y la coreografía la proporciona Georgina Gutiérrez.

La producción es de la Universidad Autónoma de Sinaloa (UAS). El cruce es presentada por el Centro Nacional de las Artes.

Detrás de la migración hay personas que se aventuran a cruzar la frontera con el anhelo de brindar un mejor futuro a sus seres queridos. No son solo cifras, sino seres humanos. El cruce te brinda la oportunidad de conocer los más íntimos pensamientos de cinco de ellos. No dudes en acompañarlos. Impactante texto, estético montaje y entrañables actuaciones. Gran trabajo de creadores teatrales sinaloenses. ¡Apresúrate porque la temporada está por concluir!

El cruce se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábado a las 19:00 horas y domingo a las 18:00 horas en el Foro de las Artes dentro del Centro Nacional de las Artes, ubicado en la Av. Río Churubusco, número 79 -casi esquina con Calzada de Tlalpan-, colonia Country Club, Coyoacán, Ciudad de México. La localidad tiene un costo de $100.00. Los jueves es de $30.00. Adolescentes y adultos. La temporada concluye el domingo 13 de agosto de 2017.

LA SEMILLA (LA MEMORIA COMO POSIBILIDAD DEL FUTURO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

Una frase, insertada en el programa de mano, me recordó el título de una de las grandes novelas mexicanas, Los recuerdos del porvenir, de Elena Garro; ésta reza: “Hacemos una puesta en común para una construcción otra de nuestro presente; confiamos en la memoria como base de nuestra posibilidad de futuro”. Nada que ver el título y fondo de la obra literaria con lo expresado por Édgar Chías y Gabriela Ochoa,  como antesala de La semilla, simplemente una proyección mental de mi parte.

Chías, como autor, Gabriela, como directora, nos presentan a Olinda, una muchacha huyendo de algo; la siguen los problemas de los que se quiere apartar; busca llegar a algún lugar donde se pueda estar en paz. ¿A dónde ir si todo lo que la rodea está en ruinas? Una joven con problemas en medio de un desastre.

Por otra parte, más allá de la apertura actual en cuestiones sexuales y el apoyo de la ciencia para concebir un hijo sin importar la edad, sigue siendo escandaloso -planteado en el texto- que una abuela se enamore de su nieto y tengan una hija mediante una matriz alquilada. Como dice Chías: “la vida y el mundo no se distinguen por la congruencia”. Olinda, en un camino en busca de respuestas que la aparten de su destino trágico. Ella se considera maldita desde siempre, por la huella de los errores de otros.

Chías representa una generación de dramaturgos irreverentes con relación al “clásico” teatro mexicano, digamos el de la segunda mitad del siglo XX en adelante. Discutido por unos, admirado por otros. En La semilla, obra que hoy nos ocupa, el autor se basó en un hecho real que encontró en Internet, el amor carnal de una abuela hacia su nieto. La concibió en dos planos: narradores hablando directamente al público y los personajes dialogando entre ellos. Incluye largos monólogos. En el subtexto encontramos el desastre como algo heredado, la aberración del devenir humano; la falta de valores entre los integrantes de la sociedad. Reiterando, hay varios planos y se aparta por completo de lo lineal. Estamos frente a una tragedia moderna, centrada en lo existencial. Hay toques de humor (negro) y por increíble que parezca hay una esperanza a futuro. Lo único criticable -al menos desde mi perspectiva- es que los personajes, en un momento dado, hablan como si fueran los sobrinos del Pato Donald, esto es, uno empieza la frase, otro la continúa y así hasta concluirla.

Gabriela Ochoa, junto con Jesús Hernández, sitúan el desarrollo en una escenografía sui géneris: unas ruinas al fondo (pasado) y hacia el proscenio un espacio más moderno (presente), sugerido por el diseño del piso; además del empleo de un ciclorama a partir del multimedia. Gaby comprende la intención dramatúrgica y la lleva a buen puerto; propuesta pausada con buen ritmo, más si tomamos en cuenta se trata de un texto denso, complicado, una distracción es la perdición para el espectador. Bien por la directora.

Surya Macgrégor, Mahala Sánchez, Raúl Briones y Sofía Sylwin integran el reparto. Las dos primeras, excelentes, sobre todo en sus respectivos monólogos; cautivan con cada palabra que pronuncian. Raúl intrascendente, tal vez por ser así su personaje, no tiene mayor relevancia. Sofía, bien, a secas, mucha entrega y pasión, lamentablemente forzadas, en varias de sus intervenciones en lugar de proyectar desesperación mediante su voz, o angustia… se dedica, literalmente, a gritar.

La semilla se representa en el Teatro El Granero (Ciudad de México), jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos a las 18:00 horas, hasta el 15 de octubre.

D´EVOLUCIÓN

Texto y fotos por Sandra Sánchez Pineda

DEVOLUCION_1Viernes 28 de julio, Foro La Puga del Centro Cultural Los Aquitos, D´Evolución, obra presentada por la compañía Lúdica Teatro, la cual nos trasmite la evolución del ser humano en constante movimiento y su constante cambio como signo inequívoco de la creación ¿y de la evolución?

Con una propuesta multidisciplinaria que conjuga teatro, danza, multimedia y canto, Lúdica Teatro arremete y se mete a fondo en las emociones de los intérpretes, gente como usted y yo, demostrando que por más evolucionados que creamos estar, nuestras emociones suelen dominarnos, porque esto es parte del ser humano.

DEVOLUCION_2Buen dominio escénico y gran plasticidad en los movimientos de los intérpretes; la escenografía diseñada para que los actores puedan desplazarse libremente, con apenas telas enmarcando el espacio donde confluye la escena; no se cuenta más que con el cuerpo para expresar el sentir del individuo y el sonido de la voz que canta, así como la ayuda de multimedia a la hora en que cada actor descubre ante nosotros lo que quiere realizar en la vida, su objetivo de vida, sus sueños y logros.

Este tipo de puesta en escena es de aquellas que hacen reflexionar al espectador, así que la idea es ir con una mente abierta y receptiva, dispuesto a dejar que sus sentidos y emociones hablen por sí mismos, y logren empatizar con los personajes en escena, interpretados por Cuitláhuac González, Lucía Bayona, Betzabé Ortiz y Ricardo Pérez.

D´Evolución se estuvo presentando los viernes y sábados del mes de julio. Si no le vio, le recomiendo apreciarle el viernes 25 de agosto en el Teatro Morelos, ya que será parte de la Muestra Estatal de Teatro a celebrarse del 17 al 27 de agosto.

DIVORCIADAS, EVANGÉLICAS Y VEGETARIANAS

Texto y fotos por Sylvia M. Ríos Casanova

divorciadasInició nueva temporada la divertida puesta en escena Divorciadas, evangélicas y vegetarianas de la compañía Entrepirenas Producciones, con las actrices Lourdes Delgadillo, Gal Dorado y Laura Elisa Silva, bajo la dirección de Isabel Estrada. Con la emoción del inicio de una nueva temporada, las tres protagonistas de esta historia brillaron por su entusiasmo y por su actuación al representar cada una a una mujer con su historia de vida, muy diferentes entre sí, pero que en el fondo unidas por su condición en la búsqueda del amor, la felicidad y un mejor destino.

Con una buena respuesta del público, que casi llenó este acoger recinto, esta historia nos hizo reír por algunas de las jocosas situaciones que afrontan sus protagonistas, sin embargo, esta historia en el fondo nos envía mensaje de diversos temas como la violencia de la pareja, el abandono, la depresión, la soledad, no obstante ello, el mensaje final es valioso, vital y esperanzador.

divorciadas2Esta obra es de la autoría de Gustavo Ott, reconocido dramaturgo, novelista y periodista venezolano, cuya obra se ha traducido a diversos idiomas y cuya presentación en el escenario precisamente fue con esta comedia Divorciadas evangélicas y vegetarianas, en 1989.

El escenario, sencillo, con un biombo ingenioso que da las locaciones requeridas de la historia, con un vestuario apropiado, muy buena sonorización y, en general, excelente ritmo, puntualidad de inicio; sin duda, un montaje local profesional y con calidad que como público se aplaude, agradece y, claro, se recomienda.

No se pierda Divorciadas, evangélicas y vegetarianas en el Foro La Saturnina todos los sábados hasta el 07 de octubre, a las 21:00 horas. Reservaciones al (449) 119 1470.

DISNEY, SHAKESPEARE Y TÍTERES EN ESCENA

Texto y fotos por Julieta Orduña Guzmán

Frozen

Varias de las compañías escolares han sido fundadas en estos años; sin embargo, hay una que se ha distinguido año tras año por sus musicales y me refiero a la Secundaria General Número 3, Congreso de Anáhuac. Este año presentaron en su ceremonia de graduación generación 2014-2017, un fragmento de la película Frozen, de Disney, adaptada a teatro musical.

frozen_localFue un gusto ver a estos jovencitos que aparte de aplicarse en sus estudios académicos, la parte artística no la dejaron atrás y demostraron el talento que tienen con voz, actuación y ejecución de los instrumentos, bajo la dirección musical del maestro Marín y su Orquesta Águila y sol, quienes acompañaron la obra teatral que, por cierto, fue dirigida por el maestro Gerardo Sánchez, coreógrafo y teatrista local.

La compañía de esta escuela cambia su elenco cada generación, y ya son varias en las que han presentado una cantidad de montajes como: El cascanueces, Violinista en el tejado, El mago de Oz, El rey León, La bella y la bestia, El pequeño Frankestein; además, ha sido objeto de varias nominaciones en los Premios A Escena, otorgándole en 2011 uno como Mejor Musical Escolar por  El rey León. ¡Felicidades a todo este gran equipo y la cultura presente en esta escuela!

Mucho ruido y pocas nueces

William Shakespeare, dramaturgo, director, actor, ha sido inspirador de muchos talentos escénicos, todo un personaje del siglo XVI; sus tragedias y comedias han sido representadas por todo el mundo y también llevadas a la pantalla grande. De esta obra, en particular, no se tiene registro de haber sido presentada en Aguascalientes en los últimos dos siglos, así que fue un agasajo ver esta peculiar historia que en aquel tiempo, quizá, fue un escándalo por el tema que aborda: el empoderamiento de la mujer en terrenos donde solo el varón estaba inmerso, como era el caso de los equipos de esgrima.

Mucho ruido y pocas nueces forma parte de una trilogía de comedias: Como gustéis y Noche de reyes, y su argumento fue tomado de la versión del escritor italiano Mateo Bandello, del canto V de Orlando furioso y de una de las obras de Shakespeare, Romeo y Julieta[i].

En esta ocasión la Compañía Municipal de Teatro del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC) y Producciones Niebla de Recreo mucho ruidodeciden trabajar en este gran proyecto, el cual fue adaptado por Javier Malpica. El elenco tuvo un casting de jóvenes egresados de las licenciaturas de teatro y algunos actores con trayectoria en el ámbito teatral, como David Nava y Julio Montes; la dirección fue de Rodolfo Guerrero, y como su asistente, José Concepción Macías Candelas. Fue una corta temporada en junio y parte de julio, y aunque las lluvias suspendieron algunas funciones, el público respondió al llamado y abarrotó el espacio, por lo que se programaron dos escenificaciones más en la Caja Negra de la Universidad de las Artes.

Los personajes fueron interpretados por Rocío Alférez como Hero, una chica optimista, llena de vida y sin complejos, siempre con el apoyo de su padre interpretado por David Nava, quien la impulsa a ser una gran deportista en la esgrima (deporte que en aquel tiempo -siglo XVII- era para varones). En el equipo de esgrima se encuentra  Benedicto, el actor es Omar Adair, conocido también como Omar Godínez, quien fue egresado de la carrera de actuación de la UAA y ahora está trabajando en la Ciudad de México; su más reciente trabajo fue en la obra Bozal, del gran director Richard Viqueira. La participación de Omar fue destacada interpretando a un joven extrovertido y libre en sus convicciones hasta que conoce a Beatriz (Mariela Romero), cuyo personaje es la prima de Hero, y al igual que ella decide ser parte del equipo de esgrima. El amor, la valentía de las mujeres y la difamación hacia la mujer hace que esta obra sea tan actual sin importar el siglo en que haya sido escrita; el final fue modificado para darle un toque certero que varias mujeres aplaudieron. No debe olvidarse la escenografía, donde -como una pasarela- desfilaron los personajes, así como el teatro del cuerpo, que le dio vida y ritmo a ese texto en verso escrito por ese gran dramaturgo. A Shakespeare hay que leerlo y verlo cuantas veces sea posible, y este proyecto en particular fue un regalo, valdría la pena que se programara en festivales de teatro y que vean el talento que existe en nuestro estado. ¡Felicidades a todo el elenco y que sigan más temporadas de Mucho ruido y pocas nueces!

Títeres Bocho

titeres bochoAmbrosio Muñoz Alcalá, director del grupo más longevo de Aguascalientes, con más de 80 años de existencia, presenta entre su repertorio a sus títeres, los cuales lo han acompañado desde su infancia y ahora les da vida llevándolos a escuelas y espacios alternativos. En el programa Tardes de café fue invitado junto con su hermano Zenaido Muñoz para presentar una función de la obra El sueño del niño rico, en el que da un mensaje a todos los pequeños para ser caritativos y ayudar a los que menos tienen. La función fue todo un éxito y en la misma estuvieron amigos, familiares y público en la Casa de las Artesanías. Al final se dio un reconocimiento a estos dos grandes maestros de teatro, se partió pastel y se realizó una tómbola.

[i] https://shakespeareobra.wordpress.com.

“TODO LO QUE SEA PARA QUE LA GENTE SE DIVIERTA”: TEO GONZÁLEZ Y LA INDIA YURIDIA

Texto y fotos por Sandra Sánchez Pineda

TEO Y YURIDIA_1OKSí, Teo González y la India Yuridia se presentaron el pasado 29 de julio en el Palenque de la Feria y su presentación no pasó desapercibida para la gente de Aguascalientes, quienes acudieron al llamado de estos dos excelentes y profesionales comediantes que hacen de la risa una forma de vida, los cuales nos hicieron pasar un rato muy agradable por espacio de casi cuatro horas.

La rueda de prensa muy animada, no podía ser de otra manera teniendo a Teo y a la India Yuridia juntos, y a la comediante regiomontana, Edith Murrieta, quien abrió el show y por espacio de alrededor de una hora mantuvo al público entretenido con sus chistes, comentarios, así como con las canciones que cantó, además de que se notó la interacción que logró con los presentes.

Al cabo de ello, llegó el turno a la India Yuridia, quien, como es su costumbre, salió con todo y a los hombres les tocó que les dijera sus cosas, en el sentido más sincero y divertido, justo como ella es, arrancando la franca carcajada del respetable, ¿acaso por acordarse de que alguna vez se pasó por una situación similar?, el caso es que tanto hombres como mujeres disfrutaron de la actuación de esta singular mujer que lo mismo que cocina se preocupa por la modernidad, o por las vanidades de las mujeres, así como por las problemáticas del acontecer diario de las mujeres con sus maridos, en una palabra: una mujer de su tiempo.

TEO Y YURIDIA_3OKY dejando el ambiente prendido, aparece en el escenario el comediante guanajuatense Teo González, contando un sinfín de chistes, mismos que incluyen a mujeres, hombres, gallegos, gangosos, por allí le pedían chistes de niños fresas o juniors que no contó, pero su espectáculo realmente hizo que el público disfrutara de su presencia.

Debo decir que en este tiempo en que abunda la comedia a base de groserías o del doble sentido, que –incluso- suena vulgar, estos dos comediantes reúnen una cualidad: una comedia que es divertida sin ser grosera ni prosaica, con respeto hacia el público, y eso es de agradecer y aplaudir.

TEO Y YURIDIA_6OKPara cerrar el espectáculo, reunión de tres: la India Yuridia y Edith Murrieta juntas con Teo González, en una sana competencia por ver quién responde con qué, el final perfecto para una noche de risa y carcajada plena. ¡Esperemos que estos dos talentosos comediantes regresen pronto a Aguascalientes!

 

 

Rueda de prensa con los medios

Durante la misma, y antes de salir al escenario, los comediantes dijeron sentirse muy motivados por estar nuevamente en la entidad y que iban a hacer todo lo que fuera necesario para que la gente se divirtiera y saliera llena de energía positiva.

TEO Y YURIDIA_2OK

La India Yuridia manifestó la gran admiración y respeto que siente por la trayectoria de Teo González, y comentó que a su paso y a su modo, ella va siguiendo su propio camino, y ante la oportunidad de verlos a los dos juntos en el escenario, Teo manifestó, entre risas, que era una amenaza.

Acerca de que ambos representan a la antigua y nueva comedia, y que por estar juntos en un espectáculo, hayan podido recibir alguna crítica, Teo contestó que: “la comedia es atemporal, no hay antigua ni actual, aquí el objetivo es divertir al público; tú puedes ver una película de Cantinflas de los años 50s y se sigue viendo porque es comedia que, inclusive, es actual, habla de política y es lo mismo; entonces no es que ahora la moda sea el stand up, porque al final de cuentas yo jamás me he vendido como stand up, pero el 40% de mis shows es stand up,… yo siempre lo he hecho y cuento chistes, y hago imitaciones…”.

TEO Y YURIDIA_5OKLa India Yuridia, por su parte, dijo ser conferencista, porque no cuenta chistes ni hace stand up, pero sí se acopla a la comedia de Teo, porque como dicen por allí: “renovarse o morir”, y lo que verdaderamente es importante dentro de este ambiente de violencia en que vivimos, es mantener la risa de la gente, ofrecerle alegría, por lo menos un ratito, y que se olvide de sus problemas.

Edith Murrieta, quien abre el show de estos queridos comediantes, comentó que estar con Teo y con la India Yuridia era estar con grandes maestros de la comedia en México, y recalcó su orgullo por estar en el Palenque de la Feria de San Marcos.

De si el show sería el mismo que el presentado la vez pasada en el mismo escenario, La India Yuridia señaló que los problemas que ella manifiesta en su show son los mismos de siempre, y que el duelo que al final del evento tienen los dos (Teo y ella) se va incrementando día a día, logrando cerrar con broche de oro el evento.

Por otro lado, Teo manifestó que en el escenario ellos no compiten, comparten el escenario, como buenos compañeros, y que los temas abordados son tratados sin agresión, porque su objetivo es divertir a la familia, tocando picardía y doble sentido, pero con respeto.

Teo comentó que no le ha dado ningún consejo a La India Yuridia, ya que ella nació para hacer comedia, y que él no es nadie para dar consejos. Además señaló que La India Yuridia, a pesar de ser joven, es una veterana de la comedia, no una novata; una mujer que ha ido creciendo y madurando; mujer inteligente y muy capaz que interpreta a una india, que está a la vanguardia en la comedia en México. Por último, La India Yuridia dijo que lo que pretende con su interpretación de una indígena es que el público vea que cualquier persona, sin importar su apariencia, se puede superar y aprender.

 

ALICIA BAILA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

Texto y fotos por Sandra Sánchez Pineda

ALICIA_1El pasado sábado 5 de agosto en el Auditorio DIMO se presentó la obra Alicia baila en el país de las maravillas, un espectáculo de fin de curso que incluyó ballet y teatro interpretado por la compañía Estudio Danza Cuerpo en Movimiento.

Con más de 30 integrantes en escena, dentro de los cuales se incluyen pequeñitas que deben contar con apenas tres años de edad hasta jovencitas que descubren en el ballet una disciplina que las compromete con su arte, dieron un evento que demostró el entusiasmo pero, sobre todo, la disciplina que el ballet requiere en más de 30 cuadros pintados de las hermosas, coloridas y estilizadas imágenes que distinguen a una bailarina de ballet, además nos dio oportunidad de ver el trabajo que debe ser desarrollado desde pequeña por una ejecutante.

ALICIA_4Las chicas que interpretaron a Alicia y a la Reina de corazones hicieron una labor notable en su desempeño, porque no solo bailaron sino también actuaron, pero en cuanto a la ejecución debo señalar que quien interpretó a la Reina de corazones dio muestra amplia de sus dotes como bailarina, con una hermosa y delgada figura que se distinguía al momento de girar (fouetté) o de hacer el arabesque, lo cual fue enmarcado por las bellas escenografías diseñadas para tal ocasión. En cuanto a la actuación, el desempeño de la chica que interpretó a Alicia muy bien, ya que supo darle matiz a su actuación y aun por mucho que bailara, su voz nunca se oyó cansada o sofocada, mientras que una recomendación para la chica que hizo de la Reina de corazones y es que evite gritar al momento de decir sus parlamentos, pues eso hizo que no pudiera entenderse lo que decía.

ALICIA_2El evento contó con una colorida y bien trabajada escenografía; el vestuario de pequeñas y jovencitas bailarinas lució hermoso y bellamente colorido; los cambios de luces le dieron el realce y contraste necesario a la escena, únicamente, me parece, el escenario lució pequeño para la presentación de algunos cuadros en los que el número de integrantes fue de 18 o 20 bailarinas, pues se les veía amontonadas; un escenario más amplio habría hecho lucir mejor la escena.

Por otro lado, debo señalar lo cansado que fue permanecer tres horas sentada durante esta función (de las 18:30 a las 21:30 horas), derivado de lo extenso que fue la puesta en escena y que hizo que varias personas salieran del lugar antes de que terminara la función; como sugerencia, acortar el tiempo de la obra ayudaría mucho en incluir cuadros realmente necesarios. Dentro de estas tres horas hubo una pausa debido a que una persona de tramoya, al realizar su trabajo, sufrió un desmallo, lo cual fue atendido por los paramédicos del lugar, al parecer, sin ninguna otra complicación, hecho que quien nos habló al micrófono hizo parecer insignificante (o al menos así se percibió), al señalar que no nos preocupáramos, ya que ninguna de las niñas había sufrido contratiempo alguno, que había sido personal de tramoya, por lo que, me parece, hay que cuidar cómo se dicen las cosas.

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Como ya señalé, fue un evento que pese a lo accidentado que fue, lo cual también incluye la entrada tarde al evento debido a falta de organización, fue una presentación que mostró buena ejecución y el amor que las ejecutantes sienten por el arte que representa el ballet. ¡Enhorabuena a los maestros que hicieron posible que estas chicas lograran hacer lo que mostraron en el escenario; felicidades a las ejecutantes por su entrega!