Mes: septiembre 2017

ESCUADRÓN SUICIDA

Por Haydée Rivera

 escuadron

Verdaderamente es una película que me gustó mucho; el caso aquí es que no nos muestran a los súper héroes sino a los súper villanos, sí, es maravilloso, porque ellos son parte importante de las historias de los cómics y, en la mayoría de las ocasiones, resultan ser lo íconos más recordados por los amantes de esta temática.

El desarrollo de la historia es muy interesante, ya que estos villanos se encuentran recluidos en celdas de alta seguridad, pero su vida da un giro inesperado por unos instantes, ya que son solicitados por funcionarios de seguridad del gobierno para cumplir con una misión difícil y ultra secreta. ¡No puedes dejar de verla, te vas a divertir mucho!

Ficha técnica

Reparto: Will Smith, Jared Leto, Margot Robbie, Joel Kinnaman, Viola Davis, Jai Courtney

Dirección: David Ayer

Productor: Richard Suckle-Charles Roven

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Acción-Ciencia Ficción

Clasificación: PG13

REVOLUCIONES OFF

Información FIC.

revoluciones off_AMELIO ROBLES

El Festival Internacional Cervantino presentó este lunes, las cinco obras que integran el proyecto Revoluciones Off, mismas que abordan temas actuales a partir del teatro experimental, tradicional, musical, de cabaret y posmoderno.

 

En conferencia de prensa efectuada en el Salón de Usos Múltiples de la Biblioteca de las Artes del Centro Nacional de las Artes, la directora de Programación del FIC, Gabriela Morales, destacó que el Festival proyecta de esta manera el talento de jóvenes creadores e innovadores en el ámbito teatral.

 

Asimismo, Zavel Castro, coordinadora del proyecto, comentó que una de las características de estas compañías es trabajar con poca producción, lo que permite que se puedan instalar en espacios alternativos o abiertos. “Las obras tienen un discurso contestatario, que intenta nuevos modelos al despegarse de las fórmulas clásicas”, destacó.

 

Las compañías que participan en Revoluciones Off son Manada en Escena, Teatro Entre2, Translímite (alternativa-escénica), Aldo y Alan Diseño Escénico y Teatro bola de carne.

 

Los directores coincidieron en que es una oportunidad para generar cosas nuevas y también un reto que les dio posibilidades de investigar más a fondo en las historias que llevan a escena, pues algunas parten de la realidad y no tanto de la ficción.

 

“El poder presentar estas obras en cualquier lugar es muy revolucionario, al mismo tiempo que se vuelve enriquecedor dialogar desde un lugar abierto”, expresó Ricardo Ruiz Lezama, director de Manada en Escena.

 

Estas obras resultan innovadoras porque también incluyen otras expresiones en escena, como la música en vivo, baile e instalaciones. También hacen una crítica a temas actuales como el machismo o cuestiones de género, a los problemas que atañen a los jóvenes y a la identidad nacional a partir de la Revolución.

 

San Nonaka, a cargo de la compañía Teatro bola de carne, dirigida por Bernardo Gamboa, relata la vida de Kingo Nonaka, japonés que radicó en México y que se unió a las filas del ejército comandado por Francisco I. Madero. Después se unió al ejército de Francisco Villa y luego al de Álvaro Obregón. Acérrimo revolucionario fue condecorado como veterano en 1967 y falleció 10 años después.

 

Amelia… Coronel Amelio, es una obra que también parte de la Revolución mexicana, de la experiencia de Amelia Robles, quien luchó junto con Francisco I. Madero y Emiliano Zapata, bajo una identidad masculina, Amelio Robles. Es considerada la primera persona transgénero reconocida oficialmente.  La obra se mezcla con canciones y corridos, algunos compuestos en su honor, con interludios similares a los que se utilizaron en las carpas postrevolucionarias, con sus cómicos, sus bailes, su música y su desparpajo.

 

La obra Escuadrón justicia. La nueva utopía, escrita y dirigida por Ricardo Ruiz, aborda el tema de un Estado incapaz de resolver los problemas que aquejan a la sociedad, del hartazgo, la desesperación y la ausencia de justicia. Es un proyecto de la compañía Manada en Escena.

 

La compañía TransLímite (alternativa-escénica) presentará la obra Lobata. Teatro experimental para niños revolucionarios, que narra un momento decisivo en la vida de la mujer-lobo, joven hija de una revolucionaria, que se enfrenta a la disyuntiva de continuar con su familia o seguir su propio camino.

 

La descarga aún no se ha completado, de la compañía Teatro Entre2, es una obra que muestra el paisaje desolador de una sociedad en la cual los individuos son incapaces de accionar, de pensar y hasta de evocar algún deseo revolucionario.

 

Las cinco obras se estrenarán en el FIC 45 y al mismo tiempo se presentarán en el Centro Nacional de las Artes y en el FIC Maya.

CAPACITACIÓN A COLABORADORES DEL ICA

Información ICA.

capacitación a colaboradores del ICA (1)

Como parte de una serie de mecanismos y estrategias para el fortalecimiento de los servicios que ofrece el Instituto Cultural de Aguascalientes (ICA), especialistas en gestión y promoción cultural impartieron un curso de capacitación a los colaboradores de las 66 bibliotecas de los municipios, así como a coordinadores de museos y galerías.

 

El propósito de estos cursos es reforzar las vías de comunicación entre todos los integrantes del ICA, así como el de compartir a trabajadores del instituto, herramientas formativas que coadyuven a la exploración de nuevas formas creativas y cordiales en la prestación de un servicio de calidad, que invite a toda la  ciudadanía a participar con entusiasmo de las actividades artísticas y culturales que se ofrecen en Aguascalientes.

 

Durante su mensaje, la directora General del ICA, Claudia Patricia Santa Ana Zaldívar mencionó que estos talleres forman parte de una estrategia que estará dirigida a todo el personal y de la que ya han participado los docentes de enseñanza artística.

 

Agregó que en el marco del 50° aniversario de la dependencia, es importante que se logre poner en valor todo lo que representa este festejo, pues a lo largo de estas cinco décadas, el instituto cuenta con una de las infraestructuras culturales más importantes de todo el país.

 

“Tenemos las herramientas, la infraestructura, pero sobre todo la capacidad de organizarnos, y nos corresponde a estar a la altura de los retos que nos plantea el siglo XXI, como ofrecer servicios de calidad, que vayan de acuerdo a la modernidad y también a la comprensión de cómo hemos estado trabajando y qué tipo de gestión debemos hacer”, señaló la funcionaria.

 

Santa Ana Zaldívar finalmente comentó que “para afrontar estos retos se requiere de mucho esfuerzo y compromiso, pero también requiere algo que ustedes ya tienen que es mucha pasión y dedicación, que pongamos en valor estos 50 años, porque es en reconocimiento a la labor que han realizado y construido todos ustedes; eso es lo que queremos reconocer, que cada de nosotros tenemos la posibilidad de aportar algo siempre”.

TEATRIKANDO

hasta la china

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Hasta la China fueron a dar mis mechas con el ventarrón, Zaide Silvia Gutiérrez

Un extraño título de once palabras hace creer que veremos un montaje larguísimo, pero no. El autor ha obtenido en su tierra el Premio Israel de Literatura en 1988, el Premio Goethe de Literatura en 2005 y, tal vez, lo más apreciado por cualquier escritor: ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura. Se puede ver en La Gruta del Helénico, desde el pasado agosto de 2017, para que usted se pregunte desde su silla: ¿para dónde nos van a llevar el autor del texto y esta actriz completísima?, bueno, pues se toman de la mano y juntos nos impulsan a una búsqueda humorística.

La vida en pareja tiene muy variados caminos, algunos los inicia hoy, otros, mañana; quizá pensó alguno la semana pasada, pero nunca dio el primer paso. ¿Por qué cierto día estuvimos de acuerdo en ir a comer, pasear o cualquier diversión prototípica? Pero otro día decidimos que no. Abrimos la puerta a una alternativa que nos lleva al momento actual que nos mueve el piso. ¿Hubiera ido con su marido a ese viaje, donde conocería a la “otra” que quizá resultó más joven, delgada, atractiva…? -en tanto la personaje se cortaba el pelo como sugiere el título-.

Para manejar un monólogo hay que tener budinera y lanzar adentro: caminatas variadas, las más bellas u horribles voces que tengamos, ritmo y cadencia (Pepe Solé dixit), imaginería en polvo y también líquida para que brille este rico panqué dramático. He visto los trabajos de Zaide, el monólogo que dirigió magistralmente: La noche justo antes de los bosques (Abraham Vallejo) quedará como una muestra de los nuevos rumbos de los trabajos individuales. Se va a reír con un tema que todos quisiéramos abordar con esa ligereza y uso de elementos. Otto Minera dirige y muy bien. ¡No se la pierda, todos los miércoles hasta diciembre!

La nena, de LEGOM

la nena

La nena es de Luis Enrique Ortiz Monasterio (LEGOM), que actúan Evangelina Martínez y Laura Castro bajo la dirección de Ómar Olvera. Lo vi en el Círculo Teatral de Alberto Estrella, Veracruz 107, Col. Condesa, y salí contento porque no lo conocía y (ellas) habían ido al programa Ciberarte, tv por Internet, así que conocía el interior (la receta), me faltaba el manjar.

Algún texto de LEGOM no me ha gustado por reiterativo, pero La Nena tiene momentos extrañamente chocantes que me gustaron, si se tratara de dar recetas de cocina diría que “trazó una línea de acción, tomó otro rumbo, usó palabras y acciones fuera de contexto (aunque de alguna forma sí podrían estar ahí) para ir interesando a alguien -porque a todos realmente está difícil-. Así que nos llevan a un viaje guiado por el pasado de madre e hija, para que sepamos que el padre era el de los tamales, quien tras cometer un delito, sale de la cárcel, pero ya es travesti; sé que no entendió nada, pues no importa, hay poca lógica en este mapa, las risas se multiplican, en tanto esas damas pobres tienen una sirviente más pobre que intentará envenenarla. Para ir por partes: las actuaciones son limpias y medidas, la bizarra escenografía me gustó, iluminación y un juego de tenis retórico, através de vocablos de múltiples interpretaciones.

La lógica no ha estado presente al escribirse ninguna de las dos obras que he reseñado, pero, como en las clases de filosofía, recordemos que se prueba también mediante decir: “lo que no es”. De alguna forma usted saldrá muerto(a) de la risa después de esas dos muestras de dialéctica posmoderna.

Andrés Roemer será nombrado embajador de buena voluntad por la UNESCO

El director de La Ciudad de las Ideas recibirá esta selecta distinción directamente de Irina Bokova, directora general de la UNESCO, el 8 de septiembre, en París. El trabajo del Dr. Roemer destaca la importancia de la economía, así como de las emociones, difíciles de medir, pero importantes en su influencia, como hace evidente en sus libros. Otros embajadores de buena voluntad han sido: Rigoberta Menchú y Monserrat Caballé. Este dramaturgo mexicano ha ganado varias preseas de la Agrupación de Periodistas Teatrales. ¡Felicidades!

LAS MISERABLES

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Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Las Reinas Chulas es la denominación de una compañía mexicana de cabaret fundada en el año de 1998 por Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, actrices egresadas del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Foro de Teatro Contemporáneo. Las cuatro bellas y talentosas se han dedicado a ser creadoras, gestoras y promotoras del cabaret, plataforma que utilizan para hacer crítica social a partir del humor, la sátira, la farsa y la música. Creen firmemente en la transformación social, y a través del cabaret provocan la disidencia y la reflexión sobre temas de actualidad.

En 2005 cumplieron uno de sus sueños, al tener la oportunidad de dirigir un espacio para sus espectáculos, al cual denominaron Teatro Bar El Vicio, conocido también por sus seguidores como la catedral del Cabaret en México. Desde hace 15 años organizan el Festival Internacional de Cabaret, evento que año con año causa expectación, en virtud de que se presentan los mejores grupos nacionales y extranjeros, no solo en su local, sino en otros foros. Además de sus espectáculos, Las Reinas Chulas sistematizaron y crearon una metodología para la enseñanza del cabaret, así que también imparten talleres que han sido tomados por un considerable número de actores, actrices y grupos nacionales e internacionales.

Estas bellas y talentosas mujeres han llevado sus producciones a ciudades como Nueva York, Chicago, Buenos Aires, Rosario, Sao Paulo, Bogotá, Copenhague, Madrid y Berlín, logrando ser un referente del género tanto en nuestro país como en el ámbito internacional. A lo largo de su trayectoria y con más de 70 espectáculos de cabaret originales en su haber, todos escritos, dirigidos, actuados y producidos por ellas, han recibido múltiples reconocimientos y galardones, como, por ejemplo, ser becarias del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) en programas como: México en Escena e Intérpretes de Cabaret, o el apoyo otorgado por el Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas en el Programa IBERESCENA.

Independientemente de sus actividades artísticas, Las Reinas Chulas son el epicentro de un movimiento de artistas escénicos que dedican gran parte de su quehacer al activismo y a las causas sociales. El año pasado la Comisión de Derechos Humanos de la Ciudad de México les entregó un reconocimiento por sus iniciativas y logros en la construcción de una cultura de respeto a los derechos de las mujeres.

Ahora, Las Reinas Chulas han sido invitadas para regresar a su alma máter, la Universidad Nacional Autónoma de México, la UNAM. Desde luego, no es para estudiar, sino para presentar uno de sus espectáculos en uno de los foros del Centro Cultural Universitario. Para esta ocasión tan especial para ellas, eligieron Las miserables que, al igual que todas sus producciones, es escrita, actuada, dirigida y producida por ellas.

Por el título, podría pensarse que Las miserables está basada en la obra cumbre escrita por el político, poeta y escritor francés Víctor Hugo, y publicada en 1862, pero no es así, ya que de ésta solo tomaron el nombre, quizá para reflejar el sentir de las protagonistas por no ser tomadas en cuenta como mujeres y ciudadanas. En realidad, se inspiraron en la “Declaración de los Derechos de la Mujer y la Ciudadana” concebida en 1791 por la francesa Olympe de Gouges (1748-1793), cuyo seudónimo fue Marie Gouze, escritora, panfletista, filósofa política, feminista, abolicionista y, claramente, vanguardista. Al matrimonio lo calificaba como la “tumba de la confianza y el amor”. Varias de las obras de teatro que escribió eran en contra de la esclavitud de los negros y siempre se mantuvo firme en su lucha contra la abolición de la esclavitud, lo cual la dejó en mala posición, dado que el comercio de ultramar ocupaba un lugar preponderante en la economía francesa y su fuerza laboral estaba conformada por esclavos negros. Sus afrentas la llevaron a ser encarcelada por un tiempo. En el año de 1792 se pronunció en favor de los llamados Girondinos, diputados del departamento francés de Gironda que formaron el partido Girondino, grupo político moderado y federalista que se enfrentó violentamente al grupo de los Montañeses al principio de la Convención Nacional en Francia. Las autoridades consideraron a los Girondinos como una amenaza nacional. A Olympe de Gouges se le hizo un juicio sumario mediante el cual fue condenada y ejecutada en la guillotina.

Las Reinas Chulas ubican a Las miserables en los tiempos de la Revolución francesa pero, como en la ficción todo es posible, de vez en cuando se trasladan a su futuro, que es nuestro presente. En escena lucen enormes pelucas y están elegantemente ataviadas con vestidos largos vaporosos, encajes, cintillas, escarolas y finos adornos, o bien, más sensuales con corpiño y bloomers. Confabulan para intervenir la Carta Declaratoria del Hombre y del Ciudadano, a fin de dejar consignados iguales derechos para las mujeres. Su propósito es cambiar el destino de sus congéneres a partir del magno documento. Están dispuestas a todo. Si es preciso, lo robarán para enmendarlo.

 

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Para lograr su objetivo, proceden a ponerse de acuerdo sobre qué derechos les corresponden y las palabras que usarán para dejar la redacción clara y determinante. Mientras, igual conversan que ríen, bailan -incluso, cancán-, cantan melodías con letras poéticas o simples, como “volován/escargot/creme brulee/queso brie”, o bien, saldrán del clóset y hasta se abandonarán a la pasión. Siempre atenta a lo que hacen, está la “trabajadora del hogar”, a quien no le gusta le llamen de otra forma. Todo esto hablado dizque en francés -español con marcado acento-, uno que otro albur y salpicado con palabras altisonantes. De vez en cuando alguna referencia a temas que están en boca de todos en el México actual. En un cuadro representan uno de los sueños más acariciados de las féminas que es el derecho a votar. Hay que tomar en cuenta que es uno de los derechos que estuvo vedado para la mujer. En nuestro país, fue apenas en julio de 1955 la primera vez que una mexicana emitió su voto. Las policías Cindy y Mindy, conciudadanas nuestras, harán las delicias del espectador, pero cuidado con ellas, porque si alguien muestra mal comportamiento, podrían propinarle un garrotazo. Se proyectan videos diversos, algunos de conocidos comediantes, a modo de recalcar que la misoginia es un virus que lo invade todo: chistes, comerciales, canciones, declaraciones de algún cantante de moda, y más.

Lo único que desea cada una de las protagonistas es “ser mujer y ser feliz, con un futuro en libertad”, ¿acaso es mucho pedir?

Como siempre, Las Reinas Chulas ofrecen entretenimiento al público creando textos con base tanto en sucesos culturales como en temáticas contemporáneas y estructuran sus coloridos montajes con algo de multimedia, música, baile, canto y mucho humor. Acostumbradas al pequeño foro que tienen en su Teatro Bar El Vicio, para Las miserables tuvieron que ampliar su producción para presentarse en un teatro más grande y salieron airosas del reto, proveyéndola de la espectacularidad necesaria, sin perder la esencia que caracteriza su quehacer teatral.

El elenco está conformado por Las Reinas Chulas: Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, todas haciendo gala de sus dotes histriónicas, corporales y vocales. Su artista invitada es Fernanda Tapia, quien es conductora de televisión y radio -entre sus diversos galardones ostenta el de Mujer del Año en dos ocasiones 2008 y 2011-. Ha participado en varias producciones de Las Reinas Chulas. En esta oportunidad acentúa su vis cómica natural con la seriedad de su rostro. Mercedes Hernández alterna funciones con Fernanda.

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Los créditos por la dramaturgia, la dirección escénica, la escenografía y el vestuario corresponden a Las Reinas Chulas. La música original, así como los arreglos musicales son de Hernán del Riego. La música es interpretada en vivo por Yurief Nieves en el teclado. La iluminación es impartida por José Zvchilinski. La producción es de la Dirección de Teatro UNAM y Las Reinas Chulas.

Indiscutibles reinas del teatro cabaret y requetechulas, por eso son Las Reinas Chulas. Si las conoces, sabes de qué hablo y si no, ¿qué estás esperando?, te encantarán. No te pierdas Las miserables. Además de divertirte, podrás evaluar la misoginia en la que vivimos. Las Reinas Chulas, desde su trinchera, apuestan por un mundo mejor. Como espectadores, debemos apostar por lo mismo, contribuyamos con nuestro grano de arena siendo cada uno mejores seres humanos. No se trata de competencia, se trata de equidad. Todos somos seres humanos y merecemos los mismos derechos, responsabilidades y oportunidades. Igual y algún día logramos desterrar el machismo y la misoginia. Te sugiero tomar en cuenta que el éxito ha sido contundente y que el boletaje de las primeras funciones está agotado, así que apresúrate a comprar tu boleto.

Las miserables se presenta jueves y viernes a las 20:00, sábado a las 19:00, y domingo a las 18:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad Universitaria, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos, descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente. Jueves de $30.00 pesos. La temporada concluye el domingo 10 de septiembre de 2017.

LA NENA (NUEVA TEMPORADA EN EL CÍRCULO TEATRAL). DESAMOR ENTRE UNA MADRE Y UNA HIJA

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de Daniel Austria

 

La nena

Asistir a una representación teatral es uno de mis grandes gozos; éste se incrementa cuando puedo acudir por segunda ocasión, obvio, porque me encantó la propuesta en todos los aspectos que la integran, más cuando voy como un simple espectador, esto es, olvidarme de la libreta de anotaciones, estar al pendiente de todos los aspectos con la minucia de un cirujano periodístico, reitero, simplemente en calidad de uno más de los espectadores. Es una gran experiencia, disfruto el teatro como un niño con juguete nuevo, La nena, de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM), fue un deleite basado en lo antes expresado. Comparto nuevamente con mis lectores la nota que en su momento escribí en el mes de julio, ojalá los motive a ir al Círculo Teatral.

El citado autor domina y aborda prácticamente todos los géneros, sin embargo, destaca su manejo del humor, fino pero negro, lo que produce en el espectador la ambivalencia risa-sufrimiento. En La nena, un encuentro de desamor -casi llegando al odio- entre una madre y su hija. La primera, aparentemente, padece de cáncer terminal en el hígado, a ciencia cierta no queda claro por qué la noticia se la comunica su sirvienta, además el diagnóstico procede de un doctor quien perdió su licencia décadas atrás. Un encuentro físico, un desencuentro sentimental; reproches, injurias sin piedad alguna; el alcoholismo de la madre frente a la indiferencia de la hija; frustraciones, remembranzas de hechos traumáticos. En fin, una relación, como se dice en forma coloquial, de perros y gatos.

La dirección está a cargo del joven Ómar Olvera, pulcra, acertada, un gran trazo y aprovechamiento del espacio. Compenetrado con los personajes, con su psicología; a pesar de la trama nunca los lleva a exabruptos, la clama envuelve el caos emocional. Se inclina por una escenografía realista -Pedro Pazarán-, sin embargo, todo el escenario está invadido por naranjas, ahí se altera el realismo, el simbolismo de los cítricos queda a la deriva -al menos para mí-, desde mi particular punto de vista podría prescindir de ellos, nada se modificaría y la estética se sobre pondría. Un vestuario sencillo: la madre, un camisón; la hija, ropa casual; una iluminación casi fija, no por falta de creatividad sino por las limitaciones del espacio.

Las actuaciones corren a cargo de Evangelina Martínez (la madre) y Laura Castro (la hija). Evangelina, sencillamente impresionante; la actriz le da su tiempo a esa mujer mordaz, al personaje la maldad le brota por toda la piel, su histrionismo y experiencia hacen de su participación un deleite actoral; se compenetra con el género, proyecta la amargura y, sobre todo, la soledad -más emocional que física-, logra proyectar lo anterior con una mezcla de arrepentimiento e intento de reivindicación, lo cual enriquece al personaje, solo una histrión alcanza esos niveles.

Por su parte, Laura Castro alterna con Evangelina, acorde con los requerimientos del texto, no se amedentra frente a la primera actriz, en forma natural asume la indiferencia ante su madre en forma creíble. Es grato encontrar juventud y madurez, es de esperarse que los productores le den más oportunidades.

La nena se representa en el Círculo Teatral, Veracruz 107, Col. Condesa, Ciudad de México, los lunes a las 20:30 horas, hasta el 16 de octubre.

ENTRE LA BESTIA Y UN CIELO REPLETO DE ESTRELLAS

Texto por Eugenia Galeano Inclán

 

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El presidente del país vecino ha puesto en boga el tema de los migrantes a causa de sus fuertes declaraciones, pero la historia de estos data de hace siglos. Son seres que en forma valiente optan por buscar destinos alternos para tener lo que ellos consideran un futuro prometedor. No importa la edad que tengan ni si son solteros o ya tienen una familia por la cual responsabilizarse. Algunos intentan la vía legal, pero como es casi imposible conseguir permisos para trabajar del otro lado de la frontera, no les queda otro camino que cruzar ilegalmente, lo cual tampoco es fácil porque cada vez es más costoso. Juntan todo lo que pueden, ya sea ahorrando de sus ingresos o pidiendo préstamos a familiares y conocidos, y se embarcan en su aventura. Contactan a un “pollero” -persona que se compromete a cruzarlos y por más ilusiones que lleven en su mente y corazón, no tienen ni la menor idea de cuál será su destino. En tanto que unos mueren en el intento, otros son abandonados en el extranjero o ni siquiera llegan a cruzar la frontera. Los vehículos en que los trasladan son de todo tipo, pueden ser cajas de camiones de carga, cajuelas de automóviles o el tren que coloquialmente es llamado “la bestia”. En cualquiera de estos casos, el viaje no será nada cómodo, van hacinados, les falta el oxígeno, no tienen agua para calmar la sed. Debido a que no cuentan con pasajes, suben a la bestia estando ésta en marcha -si llegan a caerse, pueden morir, herirse o quedar mutilados-. Uno no se explica cómo es que están dispuestos a correr riesgos tan graves.

Lo cierto es que miles de personas pasan al otro lado en busca de una mejor remuneración, aunque sea trabajando en los campos de cultivo, de sol a sol, o en fábricas donde igual se les explota, a sabiendas de que son indocumentados y no tienen forma de buscar defensa alguna. Al final de sus largas jornadas, no les queda más que contemplar el cielo repleto de estrellas y convencerse a sí mismos de que han tomado una buena decisión y pronto podrán ofrecer una mejor vida a sus seres queridos.

El grupo teatral In Praeséntia aborda el mundo de los migrantes en su más reciente propuesta intitulada Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas. In Praeséntia fundado en 2014 por Édgar Quevedo y Mariana Arocena, tiene como propósito conformar una plataforma de creación que les permita la experimentación, exploración e investigación en el ámbito de las artes escénicas, teatro, danza, canto, performance, entre otras.

La dramaturgia de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es de Édgar Quevedo, actor, bailarín, nacido en Ciudad de México, cursó estudios de actuación para teatro en la Universidad Veracruzana y en El Círculo Teatral. Además de Édgar Quevedo, colaboraron en la creación del montaje: Mariana Arocena -nacida en Ciudad de México, egresada de la carrera de Teatro de la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo, Uruguay-. Roberto Mauricio Chi Pisté -nacido en Mérida, Yucatán, bailarín y coreógrafo-. Sandra Galeano -nacida en Montevideo Uruguay, actriz, mimo y bailarina, egresada de la Escuela de Teatro Puerto Luna de Montevideo, Uruguay-.

Los creadores de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas la definen como “un grito de denuncia, un repertorio de cuestionamientos a la aparente civilidad de las sociedades contemporáneas, un ejercicio para pensar la ‘otredad’ como reflejo de uno mismo. El relato principal será fragmentado constantemente por disgresiones y reflexiones sobre las condiciones en que viven y mueren miles de migrantes alrededor del mundo, así como sobre algunos acontecimientos históricos y cotidianos”.

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La anécdota versa sobre Lamia, una mujer que se siente rebasada por un vacío existencial. Ha luchado con todas sus fuerzas por conseguir lo que anhela, pero en ese camino le ha tocado sufrir tanto que considera como única opción salir por la puerta falsa. Cuando está a punto de suicidarse, pensando: “la filmación de mi vida se rebobina cuadro por cuadro”, vislumbra un nuevo horizonte. Su viejo amigo, Ernesto, llega a la ciudad para asistir a una conferencia sobre medicina forense y migración. Con este inesperado reencuentro, Lamia no solo salva su vida, sino que también conoce a Ernesto, un migrante que ha salido huyendo de su país a causa de la miseria y el abuso de poder.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es un proyecto donde convergen teatro, danza, música y multimedia. Se basa –fundamentalmente- en las habilidades teatrales y dancísticas por parte de los intérpretes. El diseño coreográfico va de la mano con el relato. Uno a otro se complementan para retratar el sentir íntimo de todo migrante, tras los horrores que atraviesan, como engaños, abusos, cansancio, hambre, sed, agresiones, abandonos y hasta violaciones, si logran sortear la muerte. La brusquedad de las caídas, al estilo danza butoh, propician que el espectador aprecie la dimensión de los múltiples golpes que recibe esta gente en busca de mejorar sus condiciones. Siempre con la esperanza de que “mis ojos dejarán de volverse agua… mis pies dejarán de ser raíces… revisaré más los escombros de mi pasado”.

Un concepto integral que es el resultado de la estructura del texto, la coreografía, la música, las imágenes y la ejecución escénica por parte de los creadores.

Los intérpretes que vemos en escena son: Mariana Arocena, Sandra Galeano, Roberto Mauricio Chi Pisté y Édgar Quevedo. Los cuatro brindan un formidable trabajo histriónico y una impresionante corporalidad. La sincronía que logran en todas las coreografías es algo digno de verse y más aún cuando a alguno de ellos le corresponde integrarse al grupo.

El equipo creativo está conformado por: Édgar Quevedo en dramaturgia y dirección, Roberto Mauricio Chi Pisté en diseño coreográfico, Malinali Ríos Vargas en diseño de iluminación y vestuario, Alephsus Valdés en música original y diseño sonoro, Lol-Ha Gutiérrez Bárcenas en producción ejecutiva y como facilitadora, Hill Díaz en diseño y realización de audiovisuales, La Fábrica en realización de escenografía, Gerardo Farías en el diseño de las sillas, Pamela Rendón Echeverría en relaciones públicas y prensa, Sofía Dorantes es Community Manager y Daniel Olivares en fotografía.

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Composición, grabación y mezcla del tema de la obra: Alephsus Valdés. Alessia Leiré, voz principal; charango y coros: Óscar Aburto; coros: Arwen Moemi, Tania Shoung, Shadé Ríos, Víctor de León, Roberto Mauricio Chi Pisté, Sandra Galeano y Mariana Arocena; grabado en: Zelman Nochlin Estudios.

De Teatro El Milagro, José Antonio López Hernández, jefe de foro y Celso Martínez Flores, técnico. La producción es de In Praeséntia arte escénico en colaboración con Territorio Cultural, A. C., Foráneo Danza y Ehecatl Teatro.

Un original proyecto interdisciplinario, donde el elenco tiene el reto de dominar tanto la palabra como la corporalidad. En ocasiones, el espectador, por distracción, se pierde algún corto fragmento de texto, pero con la contundencia de las imágenes que ofrece In Praeséntia no existe la posibilidad de que esto ocurra. ¡No te pierdas este trabajo realizado con talento, disciplina y compromiso! Apresúrate porque la temporada es muy breve.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas se presenta jueves y viernes a las 20:30, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas en El Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $250.00 pesos. Para personas con credencial vigente: $120.00. Viernes del espectador, estudiantes de teatro, maestros de teatro y vecinos de la colonia Juárez: $80.00 pesos. Reservaciones al correo: difusión@elmilagro.org.mx. La temporada concluye el domingo 9 de septiembre de 2017.

ENEMIGO DEL PUEBLO (LOS PREJUICIOS DAÑAN AL TEATRO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la Compañía Nacional de Teatro

 

El enemigo del pueblo1

En términos generales los prejuicios no son buenos, esto se aplica al teatro, asistir predispuesto puede ser una equivocación que conlleva consecuencias nefastas, a menos que se superen durante el desarrollo o conclusión de la puesta en escena. Si debo ser honesto estaba prejuiciado al acudir a ENEMIGO DEL PUEBLO, de Henrik Ibsen, en una versión y dirección de David Gaitán. De antemano sabía que había hecho modificaciones al texto, sobre todo a la estructura dramática original. En concreto, se redujeron los personajes a tan sólo seis; se deslizan hechos que rebasan en tiempo el final del siglo XIX donde transcurre la historia, y; por último, lo más alarmante: el cambio de carácter y forma de ser del Dr. Stockmann, personaje principal, quien pasó de un hombre bonachón originalmente a un misógino, agresivo y medio desadaptado con relación a su entorno familiar y social. La gran pregunta era: ¿Ante todas estas modificaciones qué quedaba de la esencia de Ibsen en esta versión mexicana? Una segunda interrogante: ¿No era más “fácil” elaborar un nuevo texto?

 

A través de dos hermanos, los Stockmann, uno el alcalde y el otro el doctor del pueblo. El primero representa lo público, el poder, el manejo de los recursos, la manipulación, la corrupción; el segundo, el interés de la comunidad, la salud como prioridad ante lo económico. Más que un conflicto político es ético. Profundiza Gaitán en conceptos, con una visión contemporánea, tales como la democracia, la censura y la autocensura de la prensa, el bien común, los derechos humanos. Además hay un análisis sobre las consecuencias al interior de una familia. En concreto; ¿qué se debe hacer?

 

 

El conflicto se centra en un balneario. Por un lado, desde su apertura ha aportado un importante ingreso económico en beneficio del poblado, sin embargo, sus agua son tóxicas, dañinas a largo plazo para la salud. ¿Se debe alertar, cerrar y remodelar? Se convoca a una asamblea pública, ahí se determinará el destino del conflicto.

 

Gaitán, más allá de mis prejuicios, logra una gran adaptación, moderniza el tema y lo enriquece con una visión conceptual contemporánea. Hay una buena dosis de humor, de ironía, de sarcasmo, esto es, a través de la hilaridad aborda la seriedad. Lleva a los espectadores mediante un hilo conductor congruente con cada personaje, invita a la reflexión, no en forma pasiva, por el contrario, el público -una parte- participa con unas pistolitas que disparan burbujas de jabón, éstas se utilizan cuando hay un comportamiento reprobable e inmoral por parte de los protagonistas, en particular del Dr. Stockmann.

 

Como director emplea el multimedia apoyado con voz en off, fundamentalmente para instruir sobre el uso y sentido de las pistolitas. Con la colaboración del gran maestro Alejandro Luna, se presenta una escenografía sobria, sutil y elegante: un mapa del barrio de Coyoacán, reproducción de uno elaborado en 1847 por espías estadounidenses. Una formidable y creativa iluminación. Juventud y experiencia se dan cita en el mismo escenario. Gaitán con maestría embona las diferentes, más bien opuestas personalidades, sin caer en lo panfletario -sólo en el discurso moralista de la conclusión-, conjuga las ideas políticas del socialismo y psicológicas del psicoanálisis, así como un severo cuestionamiento al capitalismo. Dramaturgo-director se encuentran estéticamente para beneficio del teatro.

 

Luis Rábago y Juan Carlos Remolina excelentes, sobre todo el primero, convincente, uno de sus mejores papeles en su larga trayectoria. Los acompañan Amanda Schmels y Astrid Romo quienes dan realce a la puesta cuando se vuelven protagonistas. Antonio Rojas encarna la corrupción, el cinismo, la avaricia, la inmoralidad, ni mandado a hacer. David Calderón sin pena ni gloria.

 

Este enfrentamiento entre lo público y lo privado, cuando dos posturas son válidas por contradictorias que parezcan entre sí, bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro, se escenifican en el Teatro de las Artes (Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México), hasta el 1 de octubre (excepto 15 y 16 de septiembre), de miércoles a viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

 

 

 

 

LAS HIJAS DE SU MADRE EN AGUASCALIENTES

Texto y fotos por Sandra Sánchez Pineda

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Con un Teatro de Aguascalientes casi lleno y un público que no paró de reír, así fue el ambiente vivido durante la presentación de la obra de teatro Hijas de su madre, montaje estelarizado por un gran elenco de actrices de teatro, televisión y cine, encabezadas por Patricia Reyes Spíndola, Consuelo Duval, Aída Pierce, Lourdes Munguía, Gina Varela y Adriana Fonseca, en sustitución de Aylin Mujica, todas ellas bajo la dirección de otra gran actriz: Ofelia Medina.

La puesta en escena es una comedia ligera que recrea un tema por demás común en estos días: la infidelidad, la cual recae en la persona de Emilio, esposo de Candela (Consuelo Duval). Así, en un día, Candela (personaje un tanto frívolo) se entera que en la vida de su marido existe más de una mujer, incluyendo a su mejor amiga, la neurótica abogada Begoña (Patricia Reyes Spíndola), pero aquí no para todo, a medida que las horas pasan, nuevas revelaciones salen a la luz creando el ambiente propicio para un crimen.

Como introducción a la obra, la participación de la excelente comediante, la señora Aída Pierce, nos condujo por el ambiente que priva en una sociedad como la mexicana, donde la corrupción de la clase política, de los partidos políticos y de la élite se hace tan evidente que –en ocasiones- no queda más que reír. Durante este tiempo también interactuó con el público, quien en todo momento se mostró receptivo ante las bromas de la comediante, quien a pesar de las palabras altisonantes utilizadas durante su diálogo, siempre fue muy respetuosa a la hora de bromear con los espectadores.

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En definitiva, una puesta en escena que dejó carcajadas y sonrisas en los presentes, y lo mejor: buenas actuaciones, sobre todo, de la primera actriz, Patricia Reyes Spíndola y de Aída Pierce, quienes dejaron asentada su trayectoria y experiencia sobre el escenario.

Nos da gusto ver que a pesar de ser una obra meramente comercial está bien escrita y actuada, cada actriz en su papel, en ningún momento se notó olvido en los diálogos y eso en verdad se agradece, sobre todo, porque hemos visto otros montajes de teatro comercial en los que a los actores se les olvidan sus diálogos y lo que hacen para salvar el momento es reírse o enseñar cuerpo, lo cual nos parece, es una verdadera falta de respeto para la gente que acude y paga por ver una puesta en escena.

Hijas de su madre, expresión coloquial para decir que las susodichas se pasaron de la raya, nos hizo pasar un muy buen rato y por ello la recomendamos, esperando que comedias con la calidad de esta vengan más seguido a nuestra ciudad.

HIJAS DE SU MADRE (RUEDA DE PRENSA)

Texto y foto por Julieta Orduña Guzmán

 

hijas su madre_rueda

La obra de teatro Hijas de su madre estuvo el pasado 6 de septiembre en el Teatro Aguascalientes con seis mujeres que han incursionado en teatro, cine y televisión: Aylín Mujica, Consuelo Duval, Patricia Reyes Spíndola, Aída Pierce, Lourdes Munguía y Gina Varela. En rueda de prensa, Munguía y Varela nos platicaron acerca de este montaje, así como de su trayectoria como actrices.

“Han sido nueves meses de estar juntas y nos hemos convertido en una gran familia. Con esta obra vamos a descansar los meses de noviembre y diciembre, y la retomaremos hasta enero”.

Se les cuestionó acerca de qué significaba el término: “Hijas de su madre”, un tanto fuerte, pero que llamaba la atención del público: “Todos los hombres y mujeres del mundo son Hijos de su Madre. Esto quiere decir: darte cierto valor, no permitir ciertas cosas. Estas hijas son rebeldonas y canijas. Son mujeres líderes, profesionistas y esposas. Aclarar, no es una historia feminista sino una historia de mujeres entre un grupo de amigas “un poco peculiares”, que se reúnen y van empoderándose, caminando hombro con hombro”.

Acerca de los personajes, resaltaron las actrices a una de sus compañeras, Aída Pierce: “Su personaje es el de la Procuradora, quien habla un poco de política, de lo que está pasando el día de hoy, y busca la manera de hacerlo gracioso y que el público se divierta e interactúe con ella; es muy creativa”.

Sin duda, la pregunta que no podía falta por parte de A Escena, acerca de su opinión acerca del teatro que se hace actualmente y su público, y Gina Varela comentó: “México tiene una de las carteleras más amplias del mundo; estamos igual que en España y Argentina con una cartelera teatral enorme, ya sea en el formato tradicional o en el formato del teatro corto que se está usando. El teatro no va nunca a morir, pero también nosotros tenemos que luchar por él todos los días y unirnos con los compañeros de la prensa para que la gente vaya al teatro. El teatro es cultura en cualquiera de sus modalidades, ya sea en formato corto, largo, teatro clásico y señalar que en México tenemos tanta variedad, con diferentes opciones para cualquier público”.

Por su parte, Lourdes Munguía comentó al respecto: “El teatro es un espectáculo del presente, en el cual convivimos con la gente, sin repetición, único para el espectador. El teatro me divierte y me da esa gotita que no deja de caer. La telenovela queda para siempre y el cine es eterno. El teatro siempre me ha mantenido vigente y activa”.

El cine es, sin duda, una bolsa de trabajo para los artistas, al igual que la televisión y señalaron:

“Sin duda, hay más apertura de trabajar en la televisión, hay más apertura con plataformas como Netflix y otras compañías extranjeras que buscan talento latino e invitan a los artistas a crear. La tv mexicana es grandísima; no existen técnicos como los de México, así como ambientadores. En México, la industria de la telenovela es la más grande, y ahora con esta apertura hay oportunidad de trabajo, para todos. Por parte del cine, en este momento estamos enfocadas en esta obra y consideramos que el cine mexicano es maravilloso”.

Una pregunta interesante que se abordó: ¿cuáles han sido sus mejores trabajos como actrices? Lourdes comentó: “Mi trabajo fue como protagonista en la telenovela Destino con Juan Ferrara y Así son ellos” ; por su parte, Gina aclaró: “Mi trabajo actual es mi favorito”.

Así concluyó esta rueda de prensa que se dio en un conocido restaurante con varios medios de comunicación y con la participación agradable de dos de las protagonistas de esta obra: Lourdes Munguía y Gina Varela.