Mes: octubre 2017

HOMENAJE A ARTURO RÍOS: “CUANDO EL TEATRO ME ENCONTRÓ, ME ENCONTRÉ A MÍ MISMO”

Texto y fotos por Eugenia Galeano InclánP1130999

A lo largo de nuestra vida van sucediéndose encuentros con nuestros semejantes.  Desde que conocemos a alguien nos damos cuenta si hay empatía o antipatía. En ocasiones con el tiempo, esto se revierte y descubrimos cualidades en aquel que nos era antipático, o bien, defectos en quien nos simpatizaba, de tal modo que la primera impresión no siempre es determinante. Poco a poco vamos creando nuestra individual escala de afectos. Habrá muchos a los que estimamos, varios a los que queremos, unos cuantos a los que amamos y muy picos a los que admiramos sinceramente.  Quizás por esto, durante nuestra vida asistimos a numerosas reuniones con amigos o familiares, otras tantas para celebraciones o encuentros amorosos, pero, lo cierto, es que muy de vez en cuando asistimos a un homenaje y es que no cualquiera es merecedor de reconocimiento.

Debido a que el tiempo vuela, de esos pocos homenajes a los que asistimos, la mayoría son póstumos. Todo homenaje es loable y emotivo, pero los verdaderamente cálidos son los que se llevan a cabo con la presencia del homenajeado en plenitud de facultades. Esta es la única forma en que el evento sea disfrutado tanto por los asistentes como por el propio homenajeado.

Deberíamos hacer caso al poema que dio fama a la gran poeta sinaloense Ana María Rabatté, quien con En vida, hermano, en vida convoca a todos a expresar amor o admiración a las personas mientras viven. Créanme, los homenajes en vida son maravillosos e inolvidables.

Hace unos meses los directivos del Teatro El Milagro ofrecieron un homenaje al extraordinario actor Arturo Ríos. Para tal efecto, tanto el Consejo Directivo y Artístico de El Milagro, integrado por Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi, David Olguín y Gabriel Pascal, como su equipo administrativo y técnico, se dieron a la tarea de planearlo, organizarlo y llevarlo a cabo con todo cuidado, sin dejar un solo cabo suelto.  Con la debida anticipación prepararon el material, redactaron y enviaron las invitaciones correspondientes. Una vez más quedó demostrado que El Milagro no es solo un foro sino que es uno de los más gratos y cálidos espacios dedicados al quehacer teatral que existen, gracias a la fuerza humana, creativa, administrativa y técnica que lo respalda.

P1140006En la fecha y hora indicadas fueron llegando uno a uno los convocados. La primera sorpresa que nos llevamos es que era el propio Arturo Ríos, quien, con la sencillez que lo caracteriza, nos iba recibiendo sonriente a la entrada del Teatro, con un apretón de manos, un abrazo o un beso en la mejilla.

El evento dio inicio con unas palabras de bienvenida por parte de David Olguín, tras lo cual se proyectó un video muy completo y bien realizado, a través del cual el propio Arturo Ríos narraba su trayectoria profesional, incluyendo su curioso inicio en el teatro.

Resulta que Arturo no tenía definida su vocación. De hecho, casi no conocía el teatro.  Si alguien le hubiera preguntado a qué se quería dedicar, hubiera respondido: “quiero ser astronauta o fisicomatemático, o ya, de perdida, piloto de un jet.” 

En los tiempos del movimiento estudiantil del 68 era difícil estudiar y había reprobado todas las materias, excepto Literatura. Intentó estudiar Contabilidad, pero no le atrajo, así que optó por conseguir un trabajo a temprana edad. Apenas tenía 17 años cuando entró a la CFE (Comisión Federal de Electricidad). Por su juventud e inexperiencia, se desempeñaba como auxiliar de oficina. Entre las múltiples fotocopias que sacaba día con día, en una ocasión le encargaron sacar fotocopias del libreto de una obra de teatro para los aficionados que formaban parte del Taller de Teatro de la CFE. Arturo comenzó a sentir cierta curiosidad y, al momento de entregar las copias, fue invitado a asistir al teatro para que viera de qué se trataba.

Cuenta Arturo que “el día que entré al teatro, tuve una epifanía. Sala a oscuras, vacía, luz de trabajo. La atmósfera, el silencio, la oscuridad me atraparon. Fue cojo un regreso al útero, lugar primigenio, donde no hace falta nada.” 

Sobra decir que tan pronto como pudo, se integró al Taller de Teatro de la CFE y continuó en éste por algún tiempo, pero, simultáneamente, comenzó a hacer sus pininos en pequeñas obras ajenas al Taller. Por ejemplo, trabajó con Enrique Alonso “Cachirulo”, lo cual le encantó, puesto que se sentía como parte de un cuento. Luego, poco a poco, llegaron papeles más relevantes.

Formó parte de la CNT (Compañía Nacional de Teatro), en ese entonces comandada por Ricardo Pascual y Luis Gimeno. Dado que había sido alumno de Luis Gimeno, fue llamado junto con otros discípulos veinteañeros, para hacer papeles pequeños.

También trabajó en el Bar Guau (ubicado en la esquina de Altavista e Insurgentes en CDMX), bajo la dirección de Julián Pastor. En 1985 entró al CET (Centro de Experimentación Teatral) dirigido por Luis de Tavira. Luego a un proyecto del INBA (Instituto Nacional de Bellas Artes) con Martín Acosta. Comenta Arturo que, desde luego, no tenía el protagónico sino que ocupaba un lugar estratégico.

Comenzó a hacer teatro con Teresa Rábago. Allí, con la obra El otro exilio, la APT (Agrupación de Periodistas Teatrales) le otorgó un premio como mejor actor. A principios de los 80 fue cuando se integró al Taller del Sótano con José Acosta, Teresa Rábago y Rodolfo Arias.

En el video que se proyectó durante el homenaje, algunas personalidades vertieron su opinión con respecto a Arturo Ríos. He aquí parte de lo que dijeron:

P1140031Damián Alcázar: “Arturo es un actor de teatro de bajo presupuesto, de medio presupuesto y de alto presupuesto.”

Alberto Lomnitz: “La marca del buen actor se nota en el ensayo al ver cómo fija con precisión.”

Ana Graham: “Para mí, Arturo es el mejor actor de teatro.” Comentó que para Devastados, ella quería un actor capaz de hacer cualquier cosa. Arturo le dijo que le había gustado, pero lo consideraba demasiado violento, así que declinó la propuesta.  Ana perseveró en su intento hasta que logró integrar a Arturo en su elenco.

Laura Almela: “Arturo es un actor en toda la extensión de la palabra”, y agregó: “Ve esta grabación cuando estés viejito, en tu reposet.”

David Olguín: “Arturo, te mereces todo, gracias por tenerte en El Milagro.”

Antonio Castro: “Es un homenaje más que merecido.”

Joaquín Cosío: “Generoso obsequio de tu talento.”

Martín Acosta: “Eres el actor más valioso que he tenido.”

Juan Villoro: “Frases mías son mejores gracias a las entonaciones que Arturo les da (El Filósofo declara)”…”Encontrar a alguien que encarna el teatro”…”lo mejor del teatro que yo he escrito es porque lo representa Arturo Ríos.”

Con palabras en igual tono de aprecio y admiración, también participaron en el video David Hevia,  Emma Dib, Ignacio Ortíz,  Diego Jáuregui, Rubén Cristiani, entre otros.

Aparte de la vida laboral de Arturo Ríos se revelaron algunos aspectos de su vida privada y nos obsequiaron algunas anécdotas. Con la ingenuidad de los niños, en una ocasión su hermana mientras pelaba unos mangos tuvo una ocurrencia al ver un gusano y le dijo a Arturo: “Si no te lo comes, no quieres a mis papás”. Arturo no tuvo más remedio que comérselo para demostrar que amaba a sus padres. Comentó que su infancia fue feliz y que vivió rodeado del amor de sus padres y sus hermanos, a quienes, por cierto, causó tremendo asombro cuando les comunicó que se dedicaría a la actuación.

En su hogar, su mujer e hijo ya están acostumbrados a la profunda entrega de Arturo a su trabajo. Si tiene que aprender sus líneas en poco tiempo, es capaz de decirles  “Hagan sus planes, váyanse un mes de vacaciones porque en un mes tengo que tener listo el texto.”

Mención especial merece Ángela Pastor, quien tuvo a su cargo la realización del extraordinario video que resultó tan interesante y ameno para todos los asistentes.   Ángela investigó a fondo la trayectoria de Arturo, a fin de ilustrar con imágenes, carteles o programas de mano determinados momentos. Coordinó citas e hizo las entrevistas plasmadas. Finalmente, editó lo que había recopilado. Fue tan eficaz en su labor de que todos le dijeran algo, que logró captar hasta un sonoro ladrido ante el micrófono por parte del perro de casa de Arturo.

Al finalizar la proyección, se llevó a cabo la ceremonia para rendir el homenaje. El panel estuvo integrado por: Gabriel Pascal, David Olguín, Luz Emilia Aguilar Zinzer y  Enrique Singer.

El primero en hablar fue Gabriel Pascal. Luego algunos por parte de David Olguín, quien mencionó: “Desde Pedro Infante hasta Ingmar Bergman, Arturo ha recorrido todos los matices”…”tiene un gusto particular por lo intenso”… “Arturo nos recuerda la grandeza del teatro”…”tiene una pizca de neurosis que lo hace exigente consigo mismo y con los demás”…”ha sabido hacer del teatro un templo”…”su entrega es sublime.”

Luz Emilia Aguilar Zínzer, reconocida crítica teatral, preparó un largo discurso que llevaba en su tableta tecnológica, donde hizo numerosas referencias a literatura relacionada con el teatro y, en particular, con la actuación. Aseveró: “Arturo Ríos tiene ética. Encarna la defensa de la fe como parte de la duda y la incertidumbre. Tiene gran apertura a la complejidad de las expresiones humanas. Si uno quisiera escribir la historia del teatro, tendría que seguir la trayectoria de Arturo Ríos.”

Por su parte, Enrique Singer, Director de la Compañía Nacional de Teatro, no llevó documento alguno y prefirió hablar desde el corazón. Comenzó diciendo: “Trabajamos juntos en el Bar Guau y no éramos los mejores”. “Después trabajamos juntos en el CET e hicimos un pacto de amistad… realmente nos hicimos cómplices pero no solo en el teatro”. “La ética es algo que no se aprende, la ética es amor. Arturo Ríos me ha hecho reflexionar sobre la amistad, realmente me siento parte de su familia. Jugaba póker con sus papás (y les ganaba)”.

“Recordando a Platón en Diálogo sobre la amistad… solo sabe que la amistad es interesada. Me quedé pensando ¿Arturo qué me puede dar? Arturo me ha enseñado que la amistad es algo que va mucho más allá.”

Después de tan emotivas palabras, se procedió a develar una placa conmemorativa  (que ahora se encuentra colocada en la pared junto a las escaleras del Teatro El Milagro, por si desean verla).

Estaba previsto que develaran la placa Leticia Ríos y Mauricio Ríos -hermanos de Arturo- y  la gran actriz Laura Almela. Sin embargo, Laura, por cuestiones de trabajo, no pudo llegar y delegó el honor en Emiliano Ríos, hijo de Arturo.

Se leyeron unas líneas que Laura Almela dejó por si no lograba llegar, en las cuales felicitaba a Arturo con cariño. Leticia Ríos comentó “dentro de mi sencillez, sé lo grande que es Arturo”.

Para cerrar el acto, Arturo visiblemente conmovido y agradecido dirigió unas palabras a los asistentes. Entre otras cosas, dijo: “El arte es el presente y no se vuelve a repetir. El teatro es lo que más se asemeja a la vida misma. A veces es difícil porque le duele a uno el estómago o porque se peleó con la pareja. Mi vida cambió a partir del teatro. Cuando el teatro me encontró, me encontré a mí mismo. He podido explorar mis propios miedos, mis propias angustias… en el teatro viene uno a drenarse.”

“Agradezco a los organizadores, a los asistentes, a mi compañera Mónica Torres, a mi hijo Emiliano, a mis hermanos aquí presentes -Leticia y Mauricio-. Mis padres y mi hermana Alicia están en mi corazón.”

Sin lugar a dudas, Arturo Ríos es un actor prodigioso y polifacético que ha dado vida a cientos de personajes. Un hombre que descubrió su vocación por azares del destino, pero ésta le llegó con la fuerza de un huracán. Arturo Ríos vive y siente el teatro. Tras escuchar a tantas celebridades hablar con respeto, cariño y admiración de Arturo Ríos, cuán orgulloso debe sentirse Emiliano Ríos de su padre. Muy loable por parte de Teatro El Milagro ofrecer este homenaje tan oportuno, cálido y especial que jamás olvidaremos.

Con bocadillos y mojitos, cortesía del Bar Milán, comenzó un grato convivio entre homenajeado e invitados.

EL VIAJE DE LOS CANTORES DE HUGO SALCEDO

Texto y foto por Ana Leticia Romo García

En 1988, diez y ocho mexicanos oriundos de Pabellón de Arteaga y Ojo Caliente murieron de asfixia encerrados en un vagón con rumbo a USA. De esta tragedia trata la obra El viaje de los cantores, bajo la pluma de Hugo Salcedo, quien buscó con esta obra denunciar ante el mundo los todavía hechos inhumanos que suceden a los mojados, por intentar mejorar su situación. Llamado de atención a los gobernantes de ambos países, quienes creen que la vida humana es tan solo una cifra.

viajeLa obra dirigida por Concepción Macías y el elenco de la Compañía municipal de teatro, consta de diversos cuadros donde se va narrando el acuerdo de los traficantes, las mujeres que se quedan solas, la detención del tren, la angustia del encierro, el testimonio del único sobreviviente ante los agentes estadounidenses y el triste regreso de tan solo ocho cuerpos, uno de ellos sin identificar.

La obra se presentó como parte de los festejos del aniversario de la ciudad en el Teatro Morelos del 16 al 21 de octubre.

MEMORIA CRÍTICA

Texto por Julieta Orduña Guzmán

Fotografías de Sandra Sánchez Pineda

MASCARONES_1_okCon motivo de celebrar el encuentro del grupo Mascarones, grupo legendario, fundado en 1961 como grupo independiente por Humberto Proaño, José Luis Ortiz, Carlos Domínguez y Mariano Leyva. Su teatro tuvo la línea de ser contestatario ante las injusticias sociales, y realizaban sus presentaciones en foros diversos, distinguiéndose por el teatro de calle y su poesía coral.

Ante este hecho, el promotor Marco Vinicio, junto con su equipo de trabajo, decidieron invitarlos y darles un merecido reconocimiento, eligiendo el Teatro del Seguro Social (que por cierto este año cumplió sus 50 años). Fue una ceremonia muy emotiva estando presentes algunos de sus integrantes.

MASCARONES_5_okDespués de este hecho, siguió la puesta en escena Memoría crítica a cargo del dramaturgo Felipe Galván, quien también formó parte de Mascarones y ha recibido varios premios y distinciones en su labor escénica. Esta puesta es uno de sus más recientes trabajos, representado en varios foros de la República Mexicana, siendo de sus últimas funciones el Centro Cultural José Martí en la Ciudad de México.

Memoria crítica del grupo DeMentes, nos muestra la verdad de la vida y con una analogía como es el corazón, hace que se desaten varias emociones y pasajes históricos llevando al espectador a donde el auto quiere, a una reflexión del mundo en qué vivimos, el cual no ha cambiado a pesar de todos los esfuerzos, llámese religión y tecnología.´Con relación a esta última, los avances médicos han sido extraordinarios, ya que si se trata de trasplantes, casi todo se puede donar. En esta obra el corazón es el órgano que todos quieren y que algunos tuvieron la fortuna de obtenerlo mediante un trasplante.

Dos ángeles (o dos memorias) llevan la historia y narran que el primer trasplante fuMASCARONES_8 poner dos fotos mase en la época del Reich, y que a pesar de que este científico tuvo varios contratiempos para realizar su sueño, el corazón fue llevado hasta el otro lado del continente y llegó al individuo equivocado que, por cierto, vivía en la Casa Blanca. Este corazón le dio nueva vida pero también nuevos bríos de poder y destrucción, y se volvió a repetir la historia de aquel tiempo de nazis, matanza y venganzas.

La obra es una delicia verla, y en ella los actores Cayetano Martínez, Santiago Ávila y la actriz Elizabeth Guerra nos llevan a recorrer estas memorias, interactuando de vez en vez con el público, y con un ritmo donde el tiempo no corre, se disfruta. Actuaciones comprometidas, gran manejo del escenario, sin necesidad de tener gran escenografía y utilería, solo dos bancos, un perchero, algunos accesorios y una buena iluminación.

MASCARONES_14_okSe notó en este montaje el profesionalismo del grupo, la impecable dirección y, sobre todo, la genialidad de la dramaturgia. Una obra que hace falta que la vean más espectadores de esta ciudad, un llamado a las autoridades o promotores para que inviten al maestro Felipe Galván, ¡un gran personaje de la escena nacional!

SEGUNDO ENCUENTRO DE NARRADORES ORGANIZADO POR EL IMAC

Texto y foto por Ana Leticia Romo García

segundo encuentroAunque Aguascalientes se conoce mejor por su tradición poética, la narrativa también ocupa un lugar en las letras hidrocálidas, y en este sentir es que el IMAC en su ya tradicional estilo de brindar espacio para la pluralidad, convocó por segunda ocasión a la comunidad para realizar el Segundo encuentro de narradores. En esta emisión se contó con la participación de dos grupos; el primero para iniciados, comandados por el maestro José Luis Justes, y el segundo grupo para narradores más experimentados, comandados por la maestra Orfa Alarcón.

Durante la semana se trabajaron los textos tallereando, es decir, donde los participantes sugieren mejoras a los textos de los compañeros en todo sentido: puntuación, coherencia, verosimilitud, redacción, todo en aras de buscar mejorar el texto y con esto un aprendizaje invaluable para quienes gustan de escribir.

El encuentro terminó con la presentación del volumen impreso producto del primer encuentro de narradores, lo que motivó a los presentes a continuar trabajando y mejorando.

El encuentro se realizó como parte de los festejos organizados por el IMAC por el aniversario de la ciudad en el Teatro Morelos del 16 al 20 de octubre.

FESTIVAL DE LA CIUDAD, SEGUNDA PARTE

Información IMAC

Ensamble Soprani Dui

Soprani Duo (1)Se presentó en el Templo de Nuestra Señora del Carmen (San Marcos), como parte de los conciertos de cámara que se ofrecerán en diversas parroquias del municipio, en el marco de los festejos por el 442 aniversario de la Ciudad.

Jazmín Ethel Guerra Pérez y Teresita de Jesús López Aranda conforman Soprani Dui, un dueto de sopranos que iniciaron cantando en las calles de Aguascalientes, con el propósito de dar a conocer y promover el canto operístico mediante la música mexicana.

Acompañadas por un quinteto de músicos y bajo la dirección musical y arreglos propios del maestro y pianista, Jorge Díaz Zapata, contribuyen con su labor de resignificar y revalorar la música vernácula y de repertorio, haciendo presentes en cada concierto, a los compositores de la época de oro de nuestro México.

Durante este concierto participaron los músicos invitados Raúl Garza en la flauta, Noé Gallegos Cornejo en el contrabajo y Everardo Carreón en el violín.

Para continuar con los conciertos de cámara que se ofrecerán durante el Festival Cultural de la Ciudad, Alejandro Vázquez Zúñiga, titular del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC), detalló que el miércoles 18 de octubre a las 18:00 horas se presentará el Cuarteto Wolfang en el Templo de San Marcos; a las 20:30 horas el Dúo Angelus en el Templo de Ntra. Sra. de los Bosques. El jueves 19 de octubre a las 18:00 horas el Trío Piarchi en el Templo de San Marcos y el viernes 20 de octubre a las 18:00 horas el Cuarteto D’Capo en el Camarín del templo de San Diego y a las 20:15 el ensamble Estudio Suzuki en el templo del Campestre.

El gran silencio

El Gran Silencio (2)En la Línea Verde se presentó este grupo como parte de las actividades que se desarrollaron en diversos puntos del municipio en el marco de los festejos por el 442  aniversario de la Ciudad.

Miles de personas disfrutaron de la música que durante más de una hora la banda originaria de Monterrey interpretó con una variedad de estilos como rock, reggae, hip hop, música tradicional y cumbia.

Super Riddim Internacional, Cumbia poder, Lo que no fue no será, Sabes, Chuntaro Style, fueron algunos de los temas que compartieron con el público.

En el mismo escenario se presentó la agrupación colombiana Dr. Krápula y la banda local Santísima voladora, quienes tocaron con invitados como Sax, cantante de Maldita vecindad; Juan José Lozoya, y con integrantes de Here Comes the Kraken.

EL VIAJE DE LOS CANTORES

Texto por Julieta Orduña Guzmán

Fotos de Sandra Sánchez Pineda

Viajar y trasladarnos a lugares inimaginables, mágicos, conocer es una aspiración y deseo que todos hemos tenido, sin embargo, cuando se trata de hacer un viaje donde el hambre, las ganas de triunfar y tener una mejor vida son el impulso de muchas personas que no importando los desafíos o peligros que puedan tener en esa travesía  van hacia esa aventura sin saber si llegaran o no.

VIAJE CANTORES_7Así es de cruda y cruel esta historia que no es ficticia, ni novelada, es un caso de la vida real donde un viaje marca a 18 personas y las lleva a un destino fatal, donde la impunidad y la falta de voluntad de los gobiernos hacen que esa necesidad se dé en las masas. El viaje de los cantores está inspirado en la nota periodística publicada en 1987 por el diario La Jornada, acerca de la muerte de indocumentados que pretendían entrar clandestinamente a Estados Unidos, sin embargo, por estar encerrados en un vagón durante varias horas mueren a causa de la asfixia. Este hecho le dio la vuelta al mundo siendo señalada como la peor tragedia de México.

 

Hugo Salcedo, dramaturgo, se dio a la tarea de investigar y transformar esa nota en una lectura de dramaturgia, la cual fuera posible llevarla a la escena. Asimismo, José Concepción Macías Candela tuvo en sus manos ese texto y decidió trabajarlo en 1992 con el grupo Los mismos: “Esta obra la monté hace 25 años; consideró que era una obra que necesitaba tratarla con más sentido de responsabilidad y con más argumentos. En aquel tiempo trabajábamos más con la intuición y los buenos deseos y muchas ganas, pero con eso no es suficiente. En ese momento no trascendí el hecho, me documenté poco, no sabía el texto que tenía en mis manos, un texto muy cercano a nosotros.” Sin embargo, quince años después el director decidió volverla a retomar y con el apoyo de la Compañía municipal: “Merecía el texto ser representado en un marco que es el Festival de la Ciudad, con una compañía principal en un Teatro Morelos, con un reparto inédito en Aguascalientes.”

Sin duda, el hecho de formar parte de una Compañía municipal no es cualquier cosa, el reparto debe constar de profesionales con trayectoria y algunos egresados de las licenciaturas de teatro y así se hizo el casting: “No son los lumbrones ni nada pero es un reparto en el que confluyen varias generaciones. Invitamos a gente que son buenos actores, que aman el teatro y sabíamos que iban a dar este resultado. Hice un casting por invitación directa”. Varios de los actores y actrices han formado grupos independientes, son maestros algunos, y siguen con su vocación férrea de dar todo su talento al teatro como es el caso de Lourdes Delgadillo, actriz de este montaje: “Hago los personajes de Toña (la mujer 1) y es una de las mujeres del pueblo que se encarga de mostrar una de las caras, facetas que tienen algunas mujeres del pueblo para desprestigiar a otras de las mismas mujeres. El otro personaje es una ilegal. Chon quiso dibujar esta figura femenina porque la inmigración no solo es para los hombres, incluso también ya hay niños. Al final me toca ser una de las madres que reciben a los cuerpos de esa desgracia.”

Otro de los integrantes de este proyecto es Arturo Esquivel quien, por cierto, fue actor de la primera propuesta de El viaje de los cantores en los noventa: “Es una obra que me trae al pasado irremediablemente porque fue mi segunda puesta en escena cuando yo inicié en estos menesteres con la dirección de Chon y estaba chavito, yo era en ese momento el personaje de Chayo. En este montaje me da el maestro Chon la oportunidad de hacer un personaje con un gran reto, un monólogo.”

Pero no solo el autor, director y los actores son los protagonistas de esta historia llevada a escena, sino también la iluminación y lo sonorización son parte clave de la creatividad. En sonorización, Víctor Meza, quien con su experiencia como productor, operador y locutor de radio UAA, ha tenido en varias ocasiones la oportunidad de sonorizar varias puestas en escena y ésta no fue la excepción: “El proceso fue como de dos meses y medio. La sonorización y la iluminación son donde truena el látigo del chicote. El proceso de los actores tiene sus bases: empiezan conociendo el texto, trabajando en mesa, asumiendo el personaje, investigando y nosotros vamos a la par, pero estamos un poco en la oscuridad, estamos ya pVIAJE CANTORES_3ara que definan cómo va quedar  la obra montada y ya poder entrar nosotros en ese inter a investigar en ciertas directrices… el encargado, el director, y vamos hacer los sueños realidad del director con las aportaciones de los actores y nos toca darle el último retoque a todo este lienzo para que luzca”. Por su parte, Gilberto SantaColomba en la iluminación hace referencia a la complejidad del montaje, ya que el vagón es el punto de referencia:  “Justamente la iluminación del vagón fue pelea tras pelea entre escenógrafos, entre técnicos y yo como iluminador, el primer concepto era que el vagón iba a estar abierto, no iba haber puertas, ni estar cerrado y después se resuelve que estaría cerrado y tuve que buscar otra forma de luz  y meter la oscuridad para que el público pueda ver todas las acciones. El vagón fue un gran reto. Hicimos un diseño muy específico en ciertas áreas.”

Todos concluyeron que este montaje tiene que ser visto por muchos espectadores y acotar que no se celebra sino se conmemora este lamentable hecho acaecido hace 30 años: “Sabemos que Aguascalientes tuvo ese dolor por su gente de Pabellón, de otros lugares. Es un homenaje a aquellos que se nos adelantaron. Esta obra debe durar más tiempo, debe ser compartida, no es la gran propuesta, super elaborada, es un lenguaje llano, muy directo y es un trabajo muy profesional de todos los artistas. El texto es hermoso (…) estamos contando una historia que no es local sino más bien mundial, hicimos una investigación de campo  para estimular a los actores y que sientan desde el lugar donde fueron las cosas. Es mucha investigación y la trasmitimos a esta propuesta”, señala Macías Candelas.

Asimismo, el maestro Salcedo comenta al respecto: “Es una pena y una vergüenza mundial y nacional que todavía estemos contando historias como ésta, como autor por supuesto que me complace las representaciones que ha habido en todos estos años, las traducciones en inglés, francés, alemán, coreano, pero por otro lado me duele mucho sinceramente que tenga la obra esa triste vigencia. Tenemos que sacudir a nuestros gobernantes, tenemos que moverles el piso, gritarles fuerte para que escuchen que estas situaciones ya son insoportables. Hay un desdén, un desprecio del gobierno hacia los ciudadanos, hacia nuestros compatriotas, también de los gobiernos mundiales hacia los ciudadanos. Ya somos una sociedad más informada, más comprometidas y tenemos que alzar la voz y gritar muy fuerte, porque así como pagamos nuestros impuestos, somos seres humanos, también ocupamos ese respeto y esas responsabilidades de poder tener condiciones mejores de vida para ayudarnos  y quisiera que esto pasara de moda y algún día dijéramos “fíjate cómo era antes”, pero parece tristemente que no.”*

La camarería, el apoyo de los compañeros, la buena vibra la hacen sentir en la escena y así lo manifiestan los artistas: “Estoy fascinada con mis compañeros actores, es un cuadro que logró reunir el maestro Chon, ver a José Claro, Luis Antonio López. Es un trabajo hecho con mucho cariño, respeto y disposición, y el maestro reconoce nuestra experiencia, nuestro profesionalismo en la escena. El IMAC le ha apostado mucho a esta compañía, y poco a poco va creciendo en cuanto a calidad, como en cantidad. Somos 19 actores en escena. El teatro local tiene calidad, mucha pasión, ganas de ser visto”. Es un rencuentro de varias generaciones, así lo comentan Delgadillo y Esquivel.

No siempre se tiene la suerte de tener al dramaturgo en una función donde su trabajo es llevado a escena y en el caso de El viaje de los cantores se invitó a Hugo Salcedo y dio sus impresiones del trabajo reaVIAJE CANTORES_8lizado: “Conmovido por el impacto, por la respuesta de los espectadores con este estupendo trabajo. Muy contento que esta obra que es parte de Aguascalientes se haya podido ver aquí. Una excelente interpretación, un cariño y un respeto al texto, y que no queda solo ahí sino que se hace una propuesta estética, plástica, energética que todos la sentimos y la presentimos desde el primer momento, de los primeros acordes de esa canción que cala hasta ese final que es conmovedor. Ver las imágenes de este estupendo reportaje que hicieron, esta búsqueda de materiales, de documentos, ese vídeo es estremecedor, necesario y de memoria para que no olvidemos y queramos a los que se nos han ido.”

Así es, no olvidemos a todos aquellos que de alguna manera ya no están y que por azares del destino algunos se han convertido en mártires de hechos históricos que han sido repudiados por la sociedad. ¡Deseamos que El viaje de los cantores llegue a muchos espectadores, que viaje por todo el país y que sea un grito de lucha y concientización de almas!

 

* Entrevista realizada por Miryam Almanza.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 Presentó Benjamin Bernal el 2º. Volumen de La Crítica Teatral en México

 20171024_210029 cortada BEl día 24 de octubre 2017, en el Teatro Rodolfo Usigli, presentaron su reciente libro Pedro Kominik, cantante, actor y productor teatral, Malena Miranda, directora del mejor canal de TV por Internet (astl.tv) y Alejandro Ruiz Robles, fundador y director de astl.tv.

Pedro Kominik habló de la honestidad que se necesita para ejercer esta profesión gratuitamente y el conocimiento del Arte Dramático que muestra el autor. Malena Miranda es de Perú, donde ha visto años de pocos montajes y escasos empresarios especializados; le maravilla ver la riqueza de las propuestas de México, principalmente en la ciudad capital. Hacer periodismo especializado durante 35 años es una marca que pocos han logrado cumplir y ahora plasmar en sus libros. Alejandro Ruiz Robles, empresario y fundador de www.astl.tv, conductor del programa En tus propias palabras, dijo: “Cuando abrimos este canal de TV por Internet no imaginábamos la importancia que está tomando, ya que a los internautas les gusta llevar los programas en su móvil y tenemos una gran variedad: como Pedro Kominik, La Bogue, Nando Estevané, el mismo Bernal, para informar y evaluar el quehacer mexicano, que es muy rico y de calidad. Los libros de Benjamín Bernal han llenado un vacío que tenía el mundo cultural”.

El Violinista Vladimir Bendixen tuvo intervenciones selectas, con música teatral del medioevo. Alonso Sordo Noriega, connotado periodista, calificó de inusual un evento tan fino como éste, conducido por la actriz Laura Martínez Venegas. Contiene 15 entrevistas, 20 críticas a obras relevantes y varios ensayos históricos.

Benjamín Bernal es el presidente de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), con 35 años de vida, durante los recientes 15 años Benjamín la ha encabezado; además ha publicado varios libros y tiene en cartelera la obra Comala.com, que pasará al Teatro de la Universidad Obrera en el centro capitalino.

Hablemos de La no reeducable interpretada por Teresa Selma

El autor de esta narración por cartas es Stefano Massini, con Traducción de Miguel Aceves Tosti; música original de José de la Parra e iluminación del maestro Wilfrido Momox. El subtítulo de La Mujer no-reeducable también podría ser Monólogo sobre Anna Politkovskaya. Massini toma las entrevistas, artículos periodísticos y páginas del diario de una periodista comprometida. Afortunadamente nuestro país no ha vivido una opresión semejante, solo en cine hemos visto la que vive Chechenia, país con solo un millón cuatrocientos mil habitantes, férreo dominio militar ante los movimientos separatistas respecto a Rusia, país del que recibimos poca información y quizá nos llegue manipulada.

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La actriz venezolana mexicana nos tiene acostumbrados a la excelente calidad, en este caso se autodirige, lo que es peligroso, se pierde perspectiva para analizar al espectador, ¿siente lo que yo creo? Voz, ritmo e intenciones son las adecuadas, podría utilizar otros elementos para enriquecer el avance teatral; la iluminación con predominio de sombras dura largos minutos, la lámpara con desplazamientos es aceptable para dar ritmo cinematográfico.

El escritorio y sillas le estorban, en vez de permitir que fluya, medio metro adelante le facilitaría el trazo -usted notará que los movimientos de silla podrían ser más sencillos- en fin, son detalles que no han limitado la grata impresión (teatral) que reciben los admiradores de Teresa, para que usted perciba la terrible realidad de un país muy lejano; para que lo aproximemos y sea nuestro “otro”. Se presenta los domingos a las 18:00 horas en el Foco, Foro de la comedia, Tlacotalpan 16, colonia Roma. ¡Conocedores: acudan!

 

ESCOCIA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Como bien se dice: cada cabeza es un mundo“. Cada persona tiene sus propios pensamientos y percepción. Por ejemplo, al leer un libro o ver una película a la gente puede gustarle o no. Habrá quien diga que es excelente y quien opine que no le encontró cualidad alguna. Aparte de las preferencias individuales, también interviene nuestra situación emocional en ese momento, lo que estemos atravesando y las experiencias acumuladas, es decir, que ni nosotros mismos tenemos un gusto permanente o inquebrantable. Esto obedece a que el ser humano está en constante evolución y lo vivido cambia las perspectivas. Es probable que tú lo hayas comprobado si es que has releído uno de tus libros favoritos después de años. Igual te sigue gustando, pero el impacto ya no es el mismo. Tu enfoque ha cambiado y ves las cosas de otro modo.

escocia_gines cruzEn resumen, todo relato es captado según quien lo lee o escucha. En el caso del teatro, cada director percibe un texto conforme a su particular visión, estilo, experiencia y trayectoria. En consecuencia, fundamentará su montaje acorde a su propia visualización de la narrativa.

En ocasiones, nos ha tocado ver una obra en diferentes montajes. Lo común es que transcurran años entre una puesta en escena y otra, así que es difícil hacer una comparación. Ahora, dos jóvenes actores nos ofrecen la oportunidad de ver dos versiones de una obra al mismo tiempo.

Con la inquietud de generar un proyecto propio y explorar sus habilidades histriónicas y corporales,  Sonia Franco  y  Pablo Marín  se impusieron el reto de embarcarse en algo bastante aventurado e innovador. Elegir una obra, convocar a dos directores escénicos y actuar ambos en las dos propuestas.

Para este experimento, la obra elegida fue Escocia de la autoría de Gibrán Portela, joven dramaturgo y guionista mexicano. En cinematografía se dio a conocer por ser el coautor de dos de las películas que más premios han obtenido recientemente Güeros  y La jaula de oro, en tanto que en teatro se ha hecho merecedor, entre otros reconocimientos, del Premio Nacional de Teatro Joven Mancebo del Castillo en 2008 por Alaska y el Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido por Hay un lobo que se come el sol todos los inviernos.

Luego, fundaron la Compañía Pato Lobo, para la cual ésta es su primera producción. A fin de conseguir financiamiento, acudieron a una fondeadora, mediante la cual amigos, familiares y conocidos aportaron los recursos económicos que cada quien podía. Es así como en 2015 surgió y pudo concretarse el Proyecto Escocia.

Junto con el productor, Raúl Morquecho, Sonia y Pablo convocaron a Silvia Ortega Vettoretti y Ginés Cruz, ambos reconocidos, con amplia trayectoria y visión diametralmente opuesta sobre cómo traducir un texto a lenguaje teatral para llevarlo a escena.

La complejidad de la propuesta representó un monumental reto para los dos actores. Aquí no solo tienen que memorizar un texto sino matizar sus parlamentos en forma y ritmo distintos, así como ajustar su corporalidad en el transcurso de la obra bajo las órdenes de diferentes directores.

escocia_silvia ortegaLa historia versa sobre una joven que está huyendo. Teme por su vida. Había salido a divertirse, tomó de más y tuvo relaciones con un desconocido. Luego, se desató la violencia. Le asusta la sangre. La verdad, estaba tan ebria que no sabe con exactitud qué sucedió. A su mente solo llegan fragmentos aislados… golpes… gritos… balazos. Lo único que le queda en claro es que si no logra escapar, morirá. El peligro es inminente y está acechándola. Se encuentra en un lugar público, sucio, es probable que esté cerca de la carretera porque escucha el tráfico.

Observa su rostro en el espejo y se grita: “¡Concéntrate!“.  Está agotada, confundida y aterrorizada. Queda la duda: Si se comportara de otra manera, no estaría en este lío.  Acuden a ella imágenes pasadas y presentes, divaga. Se pregunta: “¿habrá futuro?“. No se da cuenta de que no está sola. Un hombre la ha estado mirando. No se conocen entre sí. Al parecer, él también huye. Como ella, está enfrascado en sus propias vivencias, incluso, rememora su primer amor cuando aún era niño. Por fin, sus miradas se cruzan. Tal vez este encuentro sea para hacerse compañía…

El texto de Gibrán Portela es interesante. A pesar de las ambigüedades -si la protagonista no sabe qué ocurrió, menos lo sabe el público-, el autor le da la estructura de un misterio a resolver, logrando con ello captar la atención del espectador, quien utiliza su imaginación para desenmarañar los hechos. El relato es en presente, pero viaja hacia otros tiempos, así como a lugares y situaciones distantes. La interacción entre los personajes es escasa, más bien cada uno de ellos está sumido en sus pensamientos, como suele suceder en momentos de crisis o desesperación.

El montaje de Ginés Cruz es psicodélico y vertiginoso, demandando gran destreza corporal de su elenco. Lo ubica en una especie de salón privado en un antro. La iluminación es tenue, casi ausente. Predominan los colores oscuros, sobre todo, el negro. La música es moderna y estridente. Por decirlo de algún modo, divide el escenario en dos partes y coloca al actor y a la actriz por separado. Dimensiona la comunicación en tal forma que aun cuando se supone que están conversando entre ellos, en realidad, están hablando de frente al público como si estuvieran monologando.

En cambio, el montaje de Silvia Ortega Vettoretti es pausado. Ella da particular relevancia a las palabras y cuida que sus actores tengan perfecta dicción y provean las inflexiones de voz requeridas, así como las expresiones y movimientos corporales pertinentes. Ubica la acción en un baño público. El espacio está muy iluminado. Un músico ejecuta en vivo su instrumento al lado del escenario, a fin de dar realce a ciertos momentos en forma estratégica.

Tanto Ginés Cruz como Silvia Ortega Vettoretti realizan un impecable trabajo de dirección, sus trazos escénicos son pulcros y definidos conforme a la percepción personal de cada uno.

El desempeño histriónico y corporal de Sonia Franco y Pablo Marín es extraordinario en ambos montajes. Debido a que el personaje de Sonia es el eje central de la historia y tiene más parlamentos, Sonia destaca en lo histriónico. Solo una actriz de su talla puede proveer de tantos matices a su personaje. Por su parte, Pablo hace gala de su corporalidad en el montaje de Ginés Cruz. Es un caso de esfuerzo extremo por parte del elenco, una exploración a fondo para medir la fuerza de sus capacidades profesionales y la de sus habilidades físicas.

Complementan el equipo creativo: Félix Arroyo en escenografía, David Ortiz en diseño sonoro y Gisel Sandel en diseño de vestuario. Todos con acertados trabajos. La producción es de la Compañía Pato Lobo.

escocia_gines2Estamos ante un proyecto ambicioso, cuyo camino estuvo plagado de dificultades a vencer, pero cuyo resultado, gracias a todos los participantes, fue llegar a buen puerto. En Escocia el gusto está en la diversidad. En mi opinión, no puede decirse qué un montaje sea mejor que otro, en virtud de que son tan distintos que no hay punto de comparación. Tanto el vanguardista como el clásico son estupendos. Aquí el que realmente sale ganando es el espectador.  En los foros en que se presentó Escocia anteriormente, la mecánica era un montaje por función, es decir, tenías que acudir diferentes días para poder ver ambos. En su temporada actual es la primera ocasión en que se representarán los dos montajes en una misma función, así que no pierdas esta gran oportunidad. Además de aprovechar el 2 x 1, verás una impactante historia en dos versiones distintas con actuaciones memorables. Primero verás la dirigida por Ginés Cruz y, tras un breve intermedio, la dirigida por Silvia Ortega Vettoretti.

Escocia se presenta viernes a las 20:00, sábados a las 19:00, y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Benito Juárez, ubicado en Villalongín núm. 15, colonia Cuauhtémoc -cerca de la Estación Reforma del Metrobús-, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $141.00 pesos, con descuentos acostumbrados para personas con credencia vigente. La temporada concluye el domingo 19 de noviembre de 2017.

 

 

 

 

ELEFANTES (POEMA DRAMÁTICO PARA INFANTES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía cartel promocional

ElefantesCristián David creó un poema dramático para niños y adultos, envuelto en una serie de simbolismos, metáforas y elementos de la fábula. Sube a un globo aerostático a los pequeñines y a sus familiares, juntos, personajes y espectadores, emprenden un viaje fantástico, una travesía imaginaria, donde cada uno sueña con lo que acontece en el escenario. Un hombre en completa soledad recibe la visita de una muchacha quien se convertirá en su copiloto, ambos son parte de un mismo pasado y ahora de un mismo presente, esperanza en un futuro, el olvido y el abandono abrirán una posibilidad a la reconciliación. Un texto para infantes, claro, no de cualquier edad, complicada para los muy pequeños, requiere de un cierta semiótica, aunque sea inconsciente, para ser parte de la odisea teatral.

El propio autor y Fernando Reyes se encargaron del diseño de escenografía, si el texto es un sueño, éste cobra realidad, se materializa en la cesta del globo y toda una serie de objetos, también con valor simbólico. En verdad todo transcurre en la nave o todo se traslada a la mente de quienes participan de la aventura. Si bien el globo no se levanta un solo centímetro del suelo, se tiene la sensación de cruzar por los aires, ser conducido por las ráfagas del viento. Más allá de lo anterior, es una historia colmada de humanismo, nada tendría sentido sin los valores intrínsecos que dan esencia a la naturaleza de las personas. Desear el olvido de la propia identidad y, por otra parte, buscarla como una necesidad existencial. ¿Se debe respetar la soledad y por igual el deseo del afecto y, por tanto, de la compañía? Respuestas que solo el espectador encontrará en lo más profundo de su devenir afectivo.

Pero, ¿qué tienen que ver los elefantes dentro de toda esta anécdota? Parte del texto se centra en un fábula La leyenda de los elefantes, misma en la que no profundizaré, para no descubrir la historia y su trascendencia, lo cierto es que enriquece la reflexión, el viaje va más allá de una simple aventura, le da contenido a la forma de pensar y el por qué lo hacen los protagonistas: un hombre y una muchacha. Éstos son personificados por Miguel Flores y Lucía Pardo, ubicados en un breve espacio, con diálogos pausados, dentro de una nave que en apariencia no tiene cosas buenas que ofrecer, en este medio se desenvuelven los actores. Miguel es un consagrado del y al teatro, da gusto verlo en un montaje para niños, es más que sabido la cantidad que lo desprecian y minimizan. Con una de las voces más teatrales que se puedan encontrar, Miguel es el idóneo para enaltecer la filosofía de cada una de las palabras y la esencia profunda del contenido de Cristián. Por su parte, Lucía caracteriza ad hoc a la joven que anda en busca de algo más que una odisea en globo, se percata que se puede hacer un viaje sin dar un solo paso. Juntos hacen una pareja exquisita, un deleite para los que se permiten echar a volar su imaginación. Se debe reconocer que es una producción que enaltece al teatro nacional, sobre todo, demuestra que el público es digno de este tipo de montajes y no de esos bodrios que ofrece, con recurrencia el teatro comercial.

Por mi parte, lamento haber asistido a una de las últimas representaciones en el Teatro Sergio Magaña, sin embargo, queda un fin de semana, 4  y 5 de noviembre, a las 13:00 horas, para deleitarse con este poema dramático.

EL SECRETO PARA ANOTAR GOLES

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

Secreto para anotar golesEl entorno se transforma paulatinamente, lo que ayer estaba vedado a las niñas y solo reservado a los varones, ha permitido que ellas incursionen en actividades hasta hace poco tiempo consideradas nada o poco femeninas. Una de ellas, el deporte, algunas disciplinas les eran negadas, como el fútbol, ya no digamos el boxeo.

Francisco Ibarra -autor y director- nos presenta a una niña, estudiante de secundaria, cuyo sueño es jugar fútbol. Claro, encontrará la reticencia de sus compañeros de escuela, los niños le hacen el fuchi, solo una amiga la alienta e impulsa, porque, curiosamente, la misma Karina, nombre de la protagonista, no cree en ella misma, vive la autodiscriminación, sin embargo, las circunstancias le pondrán una prueba, todo se resumirá en ganar o “morir”. Por fortuna, las cosas han cambiado y hoy día México cuenta con un gran número de ligas para niñas y adolescentes, y una profesional desde hace varios meses, con gran aceptación del público futbolero.

El texto es muy sencillo, tal vez hasta simple, en su estructura dramática, lineal, hasta cierto punto superficial, toques de humor, rasgos o aspectos morales, reivindicación de los derechos -en este caso de la niñez- y un final feliz más que predecible, más bien inmerso en la obviedad. Ignoró por qué se presenta en un horario para adultos, el público ideal serían los infantes como su público natural, en fin, cada quien sus estrategias.

Como director, Ibarra hace más atractiva su dramaturgia. Una coreografía de principio a fin, vistosa y efectiva, acompañada por percusiones, alientos y teclado eléctrico en vivo. Todo lo anterior se convierte en una fiesta, claro, en el escenario. Prescinde de una escenografía, iluminación básica, vestuario típico de niños deportistas: pantaloncillo corto, zapatos tenis, calcetas.

Cuatro actores: Daniela Bustamante, Carmen Rosas, Esteban Piña y Kevin Arnoldo. Hay que reconocerles su dedicación y entusiasmo, se entregan, con facilidad interpretan varios personajes, el esfuerzo físico con el que son exigidos está basado en su juventud y profesionalismo, bien desde esa perspectiva, en lo actoral hay algunas limitaciones, sin embargo, captan las intenciones de la dirección; hay un trabajo de conjunto, le dan vida, alegría y sentido a la dramaturgia.

Una breve temporada -esto ya parece pleonasmo, al menos en la Ciudad de México-, El secreto para anotar goles se presenta en Carretera 45 Teatro, Juan Lucas de Lassaga 122, colonia Obrera, metro San Antonio Abad, hasta el 19 de noviembre, los sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.