Mes: octubre 2017

LOS LEONES DE LA SIERRA DE XICHÚ

Información IMAC

 

Leones de la Sierra de Xichú (1)

Grupo de música tradicional  mexicana, se presentaron en el escenario del Barrio de Guadalupe como parte de las actividades del Festival Cultural de la Ciudad.

 

El grupo originario del noreste de Guanajuato representa la tradición del Huapango Arribeño, un género similar a la trova o el corrido acompañado con música de vara.

 

“Tocamos dignamente lo mismo en escenarios que en ranchos y vecindarios o al ras del suelo igualmente con mucha o poquita gente, con buen audio o a pulmón” comentó Guillermo Velázquez, miembro co fundador de la agrupación musical, quien posteriormente  impartió una clínica musical titulada: “El huapango arribeño, una tradición en resistencia”. La charla dirigida a personas interesadas en la creación de versos y melodías relacionadas al huapango se realizó en el Archivo General Municipal.

 

Durante toda la semana en este escenario ubicado en el Jardín de Guadalupe  se presentarán grupos de música tradicional y danza folclórica a partir de las 18:00 horas.

 

ÁNGELES NEGROS

1Información IMAC

  

En la colonia Insurgentes se presentaron “Los Ángeles Negros” quienes lograron reunir a un público aproximado de ocho mil asistentes, siendo este el primer concierto masivo dentro de las actividades del Festival Cultural de la Ciudad.

 

“Déjenme si estoy llorando” fue la melodía con la que dio inicio el concierto, durante más de una hora la agrupación chilena deleitó al público con temas como “A tu recuerdo” , “Murió la flor”, “Debut  y despedida”, “Y volveré”.

 

El grupo nació en Chile a finales de 1967, para finales de 1968 se colocaron como los primeros lugares de popularidad en su país, sus éxitos han sido interpretados por Raphael, José José, Celia Cruz, Café Tacvba, El Gran Silencio, entre otros.

 

Los integrantes del grupo agradecieron al público en especial a los habitantes de la Delegación Insurgentes por su presencia y el cariño que mostraron durante este concierto “Estamos orgullos, es una satisfacción y alegría estar  en la Insurgentes, en Aguascalientes, esta fecha tan especial, queremos festejar 442 años de la Fundación de este linda y hermosa ciudad”.

VOLPONE (AVARICIA Y LUJURIA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro  

Imagen tomada de la página de la producción en Facebook

 

Volpone

La avaricia y la lujuria son considerados dos de los pecados capitales, ambos, en términos generales llevan aparejadas consecuencias negativas para quienes hacen de ellas un estilo de vida. Ben Jonson (Gran Bretaña, 1572-1637), uno de los más destacados dramaturgos de la época jacobina, retrata a la sociedad en la que le tocó vivir en Volpone (1605, hay quien la ubica en el año siguiente), mediante la sátira mordaz nos conduce por un mundo descriptivo de la ciudad de Londres y el entorno donde se desenvolvían sus moradores. Esta obra es la más representada del citado autor en el mundo.

El tiempo no pasa en balde y para los teatrófilos contemporáneos la trama puede parecer ingenua en su forma, sin embargo, el fondo conserva su valor y es actual. Ante lo anterior no sorprende que alguien decida adaptarla y llevarla a escena como ocurre en el caso de Rodrigo Hernández Tapia, quien también funge como director al frente de la Compañía Hatha Teatro. En verdad la versión deja mucho que desear, no aporta y sí quita a la esencia planteada por Jonson, porque, como ya se mencionó, se trata de una sátira mordaz, sin embargo, ahora estamos frente a una comedia, que en principio lo es, solo que negra y esto se pierde, simplemente se pretende provocar la carcajada, hecho que tampoco se consigue.

La dirección es poco afortunada: exceso de desplazamiento escénico, todos, absolutamente todos los actores se la pasan gritando de principio a fin, parecen más payasos -sin ofender al gremio-, ambos aspectos le dan al traste al montaje. Por si lo anterior no bastara para decepcionarse, la “escenografía”, una estructura de alcances mínimos, no recrea nada, ni en forma simbólica, y la madera corriente se vuelve en un estorbo a vencer, con unas salidas de escape convertidas en una tortura para el elenco, quien además se ocupa de su movilización. Un músico en vivo, teclado (de esos que tiene una manguerita y funciona con el aliento del ejecutante), más que un apoyo sonoro es un tormento auditivo para el respetable, llega el momento en que dan ganas de invadir el escenario y callarlo, curiosamente hay una escena simpática en que los propios actores callan al músico, claro, como parte del desarrollo.

En fin, Volpone y su codicia lo llevan, cuando está al borde de la ruina, a provocar y aceptar las falsas adulaciones de sus “amigos”, quienes lo frecuentan con la intención de ser nombrados sus herederos universales, porque creen que posee riquezas; su criado se convierte en su cómplice, como ya es sabido, todo el enredo se aclarará y cada uno de los protagonistas pagará por sus actos.

En suma, una propuesta intrascendente, para el olvido a corto plazo, pero para quien desee verla, la cita es en el Teatro El Granero, del Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México.

GROOMING (CIBERACOSO SEXUAL CONTRA MENORES)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional de Grooming (Tomado de la página de Facebook de la producción)

 

 

Grooming2

Grooming es el título del texto dramático del español Paco Bezerra cuya temática analiza el ciberacoso sexual contra menores de edad. Ahora bien, ¿de dónde salió el término y qué significa? Se trata de un eufenismo -como muchos emanados del lenguaje cibernético-, proviene del inglés “to groom” cuyo significado puede ser “cepillar” o “preparar”. Lo anterior se traduce en el acoso sexual del que son víctimas los infantes y adolescentes a través de las redes sociales en Internet. La obra, a su vez, menciona, sin profundizar, sobre las parafilias o desviaciones sexuales “escondidas detrás de la pantalla de un celular o de un monitor de computadora”.

 

Un texto de denuncia y concientizador, se desliza por la línea imaginaria que divide la dramatización teatral de la moral demagógica y de la retórica didáctica. El espectador se enfrenta y confronta ante la ignorancia o la indiferencia, por qué no de ambas, del hecho que va en aumento en todo el orbe., estatus en el que están inmersos los adultos, los padres, de quienes caen en las garras de esos depredadores navegantes en las redes mediante la invención de identidades.

 

El lenguaje no es técnico, por completo comprensible para todo público; ágil, inteligente, con giros inesperados en la trama y una conclusión sorpresiva; una sui géneris serie de ideas oscilantes entre la metáfora y la crueldad literal de las palabras; éstas se vuelven crueles al ser llevadas a escena y al mismo tiempo hacen trabajar a la razón, la indiferencia se transforma en una toma de conciencia. Se puede considerar a partir de esto último no estar frente a una propuesta para divertirse sino para pensar y, por qué no, transformar a las personas en humanos reales.

 

La dirección está en manos del español Eduardo Fuentes. Opta, por lo que ya está en boga en el teatro de “arte” en México, por el minimalismo, la escenografía se reduce a una banca, una alfombra simulando el pasto de un parque, un farol y un montículo de tierra que cobrará un significado especial hacia el final. Ante lo anterior, exige todo de su elenco, los lleva -junto con los personajes- a situaciones límite, sin embargo, no hay exabruptos, maneja con precisión la violencia, la manipulación ideológica; el desplazamiento o el trazo es mínimo, pausado, sin olvidar la importancia de las expresiones faciales y corporales; cada uno de los protagonistas sacan de lo más profundo e íntimo de sus ser las patologías que los asechan. Aprovecha en forma acertada el multimedia para recrear un chateo.

 

Una actriz española avecindada en nuestro país y un actor mexicano: Alba Alonso y Carlos Aragón. Ambos experimentados, con participaciones relevantes en el teatro, como lo demuestran en esta ocasión. No es un duelo actoral, se complementan, cada uno de pie para darle relevancia a todo el desarrollo; los dos explotan el lado oscuro de sus respectivos personajes; le dan sentido a cada palabra, a cada actitud, a todo el planteamiento de Paco Bezerra.

 

GROOMING, puesta apoyada por el programa Iberescena, se representa en breve temporada -ocho funciones- en el Foro Shakespeare (Ciudad de México), hasta el 5 de diciembre, los martes a las 20:45 horas.

LA DESCARGA AÚN NO SE HA COMPLETADO (LA INCAPACIDAD DE PENSAR Y ACCIONAR)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de facebook de la producción

 

la descarga

El mundo contemporáneo, con todos sus avances tecnológicos y científicos, se cree es la panacea, sin embargo, para otros son la desgracia de las personas; las consecuencias de la segunda postura es la incapacidad de pensar y accionar con libertad. Ambos puntos de vista, más el segundo, son el eje en torno al cual gira La descarga aún no se ha completado, propuesta escénica de la compañía Teatro Entre2 (México-Francia), inspirada en textos de Michel Houellebecq y Patrick Chamoiseau.

La dirección y el elenco están a cargo de Arnaud Charpentier, Oliver Dautais y Francia Castañeda. Es discutible si es teatro, lo que sí es -a fuerza de repetir- una propuesta escénica. Cinco proyectores de filminas recrean todo lo imaginable: edificios, personas, abstracciones… Las imágenes se crean con múltiples materiales, algunas en relieve, y dibujos, básicamente con pincel, elaborados al instante, una gran habilidad y técnica a cargo de Oliver. Tres pantallas albergan la “escenografía”, donde se desarrollan los postulados en dos partes. La primera expone la perspectiva de Michel sobre algunas personas con un estatus alto y comodidades, quienes pagan un costo por “gozar” de ellas.

La segunda, adaptación de la novela El esclavo, hombre viejo y el perrazo (1997), de Chamoiseau: en una colonia tropical francesa, un esclavo negro huye a la selva, es perseguido por su amo y un feroz can. En este caso, las pantallas continúan como receptoras de las imágenes, sin embargo, se vuelve tediosa, aburrida, teatralmente intrascendente, es una lectura directa del libro, no hay la más mínima dramatización, los dos lectores sentados alternando párrafos.

El inicio de la propuesta despierta el interés, la curiosidad, en lugar de filminas se ponen utensilios y ahí se prepara una ensalada, posteriormente se degustará en medio de una plática. Durante el desarrollo hay planteamientos dignos de razonar, tales como: si el sometido no es consciente de su sometimiento; si el individuo se cuestiona más a sí mismo que a la sociedad; si cada uno es esclavo y amo en forma simultánea; el fracaso de las revoluciones a lo largo de la historia. En concreto, ¿podemos y queremos cambiar el estado de las cosas? En fin, mucha tecnología, lo plástico predomina, algo de interacción entre un actor y las imágenes, poca -casi nula- acción dramática. Jerónimo Zoé, teclado y percusiones en vivo.

La descarga aún no se ha completado se presentó en una única función, en el Foro de las Artes, en el marco del XLV Festival Internacional Cervantino en el Centro Nacional de las Artes (Ciudad de México). No hubo mucho interés, la asistencia fue regular y entre los asistentes las opiniones se dividieron.

LAS 99 MONEDAS (QUERER MÁS, SER MENOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

 

99 monedas

Hoy día la moral se ha convertido en un estorbo para muchos seres humanos, el mercado de consumo y la globalización nos han conducido a una fatalidad: querer más es ser menos. Esto se traduce en obtener muchos bienes materiales, por supuesto, dinero, y alejarse de los valores hasta perder la dignidad. En torno a lo anterior, no en forma exclusiva, gira la temática de Las 99 monedas, un cuento o una fábula, lo que se quiera, producto de la dramaturgia de Noé Lynn Almada y dirección de José Acosta.

Un rey se encuentra afectado emocionalmente porque su paje es feliz, lo interroga, lo presiona, lo acosa para que le confiese cuál es el secreto para disfrutar de ese estado. Como respuesta escucha: “No tengo razones para estar triste”. Si bien no lleva una existencia paupérrima, él y su esposa tienen limitaciones, pero son felices. El rey les proporciona todo lo que les rodea, por ello no concibe que alguien pueda vivir de prestado. Llama al sabio del reino, éste le dice que el paje está satisfecho porque está fuera del “círculo” -no profundizo más sobre el significado del mismo, por razones obvias-, solo haciéndolo entrar en forma voluntaria cambiará su estado de ánimo. El Rey y el sabio trazan un plan, aparecen 99 monedas que conllevan a…

Noé nos introduce a la más pura dimensión onírica. Parte de una niña, ésta abre un libro, su contenido, un cuento, el cual se materializará en el escenario. De una forma sencilla e inteligente se adentra en un halo oscilante entre el misterio y lo mágico. Su texto es una odisea maravillosa, una fantasía dramática, es gozar de una fábula o cuento aleccionador, en el fondo enmarcado en la moral, de forma sutil, subliminal, lo bueno del ser humano predominará sobre la tentación, la avaricia, la ambición, el perdón reivindica a la humanidad, en este caso representada por el paje. Estamos ante una loa dramatúrgica, ante un ensueño de la creación teatral, una forma de soñar despierto, echar a volar la mente y cuerpo del espectador. Apartado de la retórica o de lo moralino, Noé escribió un texto de esperanza, concientizador, nunca demagógico, un deleite de historia, queda gravada para siempre en cada uno de los espectadores.

El blanco y negro -papel y palabras- son llevados a escena en forma magistral por José Acosta. Nada de parafernalia, el minimalismo adquiere sentido teatral. Literalmente no hay nada, bueno el libro(te) donde está inscrito el cuento y una casita de papel. Su dirección transmina la piel, corroe los huesos, trastoca el alma, en verdad da vida a lo onírico. La fantasía deja de ser irreal, estamos frente a ella, la vemos, la escuchamos, casi se puede tocar. Es una dirección de actores digna de toda alabanza. Iluminación basada en la penumbra, ambienta el universo del sueño, haces de luz emanadas de la simple creatividad de Patricia Gutiérrez; no menos acertado el diseño de vestuario de Teresa Alvarado.

María Teresa Garagarza (El Rey y Esposa) excelsa, un trabajo indescriptible con palabras, se posesiona de los personajes, hace suyo el escenario; en principio, una actriz, se da la metamorfosis, su cuerpo, su cara -en particular sus ojos- son emociones, incertidumbres, congojas, una alegoría total de la esencia del ser humano. Junto a ella, Rodolfo Árias (el Paje y el Sabio), un actor poseedor de un histrionismo indiscutible, tiene carácter en el sentido de darle fuerza a la debilidad, lo mismo saca a flote la locura e instantes antes o después ternura, un gozo en el escenario. El rol de La Niña a cargo de Adamaris Madrid.

Las 99 monedas, uno de los mejores montajes que he disfrutado en mi devenir teatral, se representa en el Teatro Santa Catarina (Ciudad de México), hasta el 22 de octubre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

TEATRO, TEATRO Y MÁS TEATRO

Texto y fotos por Julieta Orduña Guzmán

 

El misterio del circo donde nadie oyó nada

el misterio

Cuántas veces nos hemos preguntando si nos fallará algún sentido (vista, olfato, oído, etc.) y nuestra vida cambiara en algunos aspectos; si somos optimistas seguiríamos haciendo grandes proyectos, como el que realiza el grupo Seña y verbo, que tiene más de dos décadas. Con ellos nos damos cuenta que todo se puede si tienes un sueño. En la pasada Feria del Libro estuvieron en Aguascalientes y, como siempre, dieron una muestra de profesionalismo al crear interés por conocer algo más del lenguaje silente.

El misterio del circo donde nadie oyó nada fue la propuesta en esta ocasión, y mediante juegos y risas el público fue aprendiendo este abecedario unido con elementos circenses. Sin duda, Seña y verbo nos da una lección al incluir a todos sin importar alguna discapacidad, y el arte del teatro y del circo es mágico, ya que hace posible todo esto.

Pesadillas

pesadillas

La producción de Zombie Walk presenta en esta ocasión esta obra alusiva al mes donde se conmemora a los muertos; nos lleva al Panteón de La Salud a conocer una historia macabra y llena de suspenso. La dirección está a cargo de Julio Cervantes, quién ya ha tenido experiencia en este tipo de montajes, y hacer la acotación que no es nada fácil, ya que desde la caracterización, ambientación, sonorización, vestuario, etc., ya lleva sus riesgos, y digo riesgos porque si no se hace adecuadamente cae en lo no creíble, sin embargo, hay que resaltar que este no fue el caso, ya que desde que uno entra al recinto donde están reposando Los Hombres Ilustres de Aguascalientes, se siente una intranquilidad de no saber qué va a pasar. Destacar que los zombies son los que se llevan las funciones, con la advertencia de que ni ellos ni el espectador pueden tocarse, y ¡claro! el griterío no se hace esperar. La historia gira entre surrealismo -con algo de la vida cotidiana- pero siempre en torno a la muerte. La falta de valores y de no saber qué estoy haciendo aquí y hacia dónde voy es la trama principal. Sabemos que este tipo de producciones son dirigidas principalmente a los jóvenes que buscan lo sobrenatural; sin embargo, todo público está invitado (excepto los niños) que en mi opinión no es conveniente que vivan esta experiencia, y más vale que se queden en casita mientras sus papás conviven con los zoombies.

Pesadillas se presenta de jueves a domingo, hasta el 29 de octubre, de las 20:00 a las 24:00 horas, Panteón de la Salud.

El hostal de la locura

el hostal

Dicen por ahí que de músicos, poetas y locos todos tenemos un poco y sí, sobre todo, la locura es parte del ser humano; a veces nos dicen “estás loco” cuando hacemos algo que va en contra de la normalidad, empero, en esta puesta en escena todos están locos, porque cada “loco con su tema”. El hostal es administrado por unas jóvenes que aprovechando la ausencia de su tío deciden hospedar a quien se presente en ese lugar sin importar su apariencia o condición social y llevándose como consecuencia sorpresas con cada inquilino, al final y como conclusión, la obra encierra un mensaje. La compañía de teatro de la Casa Terán inicia con este trabajo, el cual es aceptado por el público. Teatro familiar, sin complicaciones, solo con el fin de divertir y que sea de sano esparcimiento. Prometen otra temporada, pero con una nueva producción.

FRIDA KAHLO DE VÍCTOR VÁZQUEZ

Texto y foto  por Ana Leticia Romo García

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Hay personajes que nos atrapan por su personalidad, historia e impacto sobre nuestro sentir, una de ellas es indiscutiblemente Frida Kahlo, pintora y militante del Partido comunista y, por supuesto, esposa de Diego Rivera. Frida una vez dijo: “Sufrí dos graves accidentes en mi vida… Uno en el cual un tranvía me arrolló y el segundo fue Diego”. El accidente de tranvía la dejó inválida físicamente y Rivera la dejó inválida emocionalmente.

De todo esto da cuenta la obra escrita por Víctor Vázquez y representada por Janis Guzmán el pasado sábado en el auditorio DIMO.

Y así durante la obra sabemos que Frida nació en Coyoacán, el 6 de julio de 1907, y murió el 13 de julio de 1954. A la edad de 18, sufrió graves heridas en un accidente de autobús. Paso alrededor de un año en la cama, recuperándose de roturas en su columna vertebral, hombros y costillas, una pelvis astillada y daños en el pie. Sufrió más de 30 operaciones a lo largo de su vida y durante su convalescencia empezó a pintar. Cuando tenía 22 años, se casó con el muralista mexicano Diego Rivera, 20 años mayor que ella. Sus pinturas, principalmente autorretratos y naturalezas muertas, eran deliberadamente ingenuas y llenas de colores y formas inspiradas en arte folklórico mexicano.

La dramaturgia también relata algo de su cuadro Autorretrato con traje de terciopelo, hecho para su novio Alejandro Gómez Árias, donde le explica que el mar del fondo es un símbolo de la vida y lo que la aleja de él, de la misma forma le pide que lo coloque bajo, para que la vea a los ojos. Cuando realizó esta obra solo tenía 19 años. En la obra, el autor intenta demostrar las rupturas emocionales de Frida por sus dos amores: Alejandro y Diego.

Buena actuación de Janis y una escenografía simple pero adecuada, sin embargo, la obra adoleció de una lentitud excesiva, que si a ello le aunamos la tardanza de inicio de más de 40 minutos, en definitiva, rebasó la paciencia del público. Y al final, cuando los actores pidieron una colaboración para fotografiarse con ellos, fue como se dice: “la gota que derramó el vaso”.

DE CARNE Y HUESO. FRIDA KAHLO: “AHORA ES PARA SIEMPRE”

Texto y foto por Jassive Martínez

 

De carne y hueso. Frida Kahlo_jassive

El grupo de teatro regiomontano La casa azul se presentó el pasado sábado 14 de octubre en el Auditorio Dimo. Este montaje nos descubrió a Frida Kahlo desde su juventud, antes de ser la esposa del Panzón (Diego Rivera), el inmortal autorretrato o la mujer fragmentada.

Este grupo de teatro independiente nos llevó hacía lo más íntimo de esta mujer tan representativa de nuestro país. El guión fue basado en una amplia investigación por parte de Víctor Vázquez, quien es el autor de la obra, y estuvo a cargo de la dirección y la actuación, dando vida a Alejandro González y Diego Rivera. Víctor nos platicó que este trabajo es el fruto de una profunda admiración hacia Frida Kahlo, siendo esta su cuarta obra sobre la vida de esta artista.

A Frida le dio vida la actriz Janis Guzmán, que con una grata habilidad nos dejó ver las alegrías, las ilusiones y las grandes decepciones de esta icónica mujer que amaba la vida con gran pasión, pero que al mismo tiempo con gran intensidad la sufría.

Esta única presentación en nuestro estado fue parte de la gira que están haciendo en algunos estados del bajío de nuestro país.

 

PIXEL

Por Julieta Orduña

Foto Conaculta

Pixel

  

La cartelera del Festival Cervantino es muy vasta y de gran calidad, y ha sido tanto su impacto que se ha extendido algunos espectáculos a otros estados o ciudades, como es el caso de León, Guanajuato. Ahí me trasladé al Teatro Bicentenario para ver un evento que con solo escuchar las acertadas críticas de genialidad y ovación que tuvo en el Cervantino, acaparó mi interés de ir a verlo a tierras guanajuatenses.

Pixel nos adentra en un mundo virtual donde todo es posible, donde la imaginación vuela y sin querer ya estás adentro, y el cuerpo se transforma haciendo lo imposible. Sus creadores digitales, Adrien Mondot y Claire Bardainne, tuvieron una charla con el director artístico y coreográfo Mourard Merzouki y le propusieron hacer una fusión de tecnología con danza.

De ahí surgió este experimento que se logró hasta llegar a un espectáculo de primer nivel, donde estos dos mundos se encuentran y crean lo ininmaginable. Historias van y vienen, no importa si las hay o no, es tener los sentidos al máximo y dejarse llevar por esas sensaciones que en la cotidianiedad no se preciben, quizá solo cuando estamos durmiendo.

Circo, artes marciales, artes plásticas, conjugadas con la danza contemporánea, hip hop, break dance, etcétera, hacen que este mundo vitual sea único y nunca olvidado, acompañado de la música electrónica, moderna y original que no puede faltar a cargo de Armand Amar como creador musical.

Si has visto la película Matrix y quedaste impactado por su realización, sin duda esta propuesta te recordará esa cinta donde lo virtual ya es parte de la existencia del ser humano y si se conjuga la danza, mucho mejor. Pixel estará próximamente en la Ciudad de México.