Mes: octubre 2017

5º ENCUENTRO INTERNACIONAL DE DANZA CONTEMPORÁNEO

Texto y fotos por Ana Leticia Romo García

 

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Con motivo de los festejos del aniversario de la ciudad, se llevó a cabo el 5º Encuentro Internacional de Danza Contemporáneo, del 11 al 14 de octubre del año en curso. El jueves se presentó Trazos continuos de Ags.; La polaquera de Xalapa; Luz corpórea de Pachuca; Zona cero de Culiacán y Le calacs de Querétaro. Muy interesante las propuesta de cada grupo, donde Trazos continuos mostró un cuadro de despedida. La polaquera escenificó un encuentro con el sol usando, y como música, la percusión del cuerpo; Luz corpórea de Pachuca, un cuadro de nuestra cotidianeidad. Zona cero de Culiacán, mostró una danza gimnástica destacándose por ser un único bailarín y Le calacs utilizó carrizos para describir metafóricamente las barreras que se tienen al entablar un encuentro con el otro. Excelente poder ver un conjunto de propuestas para darnos ideas del quehacer y desarrollo de la danza contemporánea en nuestro país. ¡Ojalá se repita cada año!

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El viernes hubo función estelar con el grupo de Ceprodac, (Centro de producción de danza contemporánea) con la coreografía Now(h)ere de Yeri Anarika, la cual es una fuerte crítica a la ciudad y sociedad de la Ciudad de México, que ferozmente traga el tiempo y la vida de los ciudadanos apresados en una trampa de vida o muerte.

Una delicia estética de dos horas, donde el espectador forzosamente se cuestiona si estamos haciendo las cosas bien, gracias al lenguaje corporal de los excelentes bailarines que interpretaron a un personaje surgido de sí mismos. Gran oportunidad para poder ver una función de primer nivel. ¡Enhorabuena por acercar la danza a nuestra comunidad!

INVITAN ICA Y UNIVERSIDAD DE LAS ARTES A LA REAPERTURA DE LA SALA DE INMERSIÓN

Aguascalientes, Ags., jueves 12 de octubre de 2017

Boletín No.150

  • El espacio multimedia -localizado a un costado del Museo Espacio- abrirá sus puertas a infantes este viernes a las 10:00 horas
  • Su propósito es la incidencia en el desarrollo intelectual, el aprendizaje significativo y la adquisición de conocimiento de cultura general

El Instituto Cultural de Aguascalientes (ICA) a través de la Universidad de las Artes y la Secretaría de Cultura, invitan a la reapertura de la Sala de Inmersión, localizada a un costado del Museo Espacio, dentro del Macro Espacio para la Cultura y las Artes (MECA) y que tendrá lugar este viernes 13 de octubre a las 10:00 horas.

El proyecto está dirigido primordialmente a la población infantil en un rango de edad de  6 a 12 años y público en general, con el fin de difundir el patrimonio artístico y cultural entre los menores; consta de un espacio multimedia en donde se proyectarán videos  en pantallas de 180 grados.

El proyecto operará de lunes a viernes en un horario matutino, y está dirigido a escuelas desde preescolar a bachillerato, con énfasis en primaria, tanto de instituciones educativas públicas como primarias con previa cita.

Este recinto está acondicionado con sonido binaural o tridimensional, por lo que gracias a esta característica basada en guiones auditivos, musicales y de sonidos, se pretenden elevar y alterar las ondas cerebrales de nuestro organismo para lograr un estado mayor de concentración y relajación.

Asimismo se abordan temáticas de cultura general, del patrimonio natural, artístico y cultural del estado y el país, orientadas a incidir en el desarrollo intelectual, creativo y social de los niños, que pretenden ser inspiración para el desarrollo de niños y que estén asociados con conocimientos de cultura general, activación del pensamiento, de la creatividad, valores sociales, de comportamiento y en especial de trabajo en equipo, donde se incentive a procesos creativos, de análisis, interpretación, diálogo y significación.

Con esta oferta educativa, el ICA incrementa su esfuerzo por llevar acciones de educación artística a la educación formal, propiciando una generación de ciudadanos comprometidos con su entorno y patrimonio, gracias al aprendizaje significativo que brinda la experiencia de esta sala.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

En el Foro Contigo América vea Comala.com

Se reestrenó con cambios favorables: ahora hasta con una escena de magia negra, se menciona al machista Trump, los conflictos de última hora entre feminismo vs machismo. El elenco: Noé Nolasco y Kizai Maldonado (ambos a punto de estrenar un filme con DSC_1046Ofelia Medina), la conductora de TV Yelitza Puchi, Gustavo Moreno, Javier Roal, Sandra Galaviz y Carlos Torres dan vida a un texto actual, pues por más que hagan siempre acaban en pelea abierta, descarada y sin cuartel. En este caso, en medio de carcajadas. Así que el director: Noé Nolasco saca diez en la conducción.

Se trata de movernos a un momento reflexivo a través de la risa. Así que en el Foro Contigo América vimos esta narración solvente, divertida y ligerita en que brillan el cantinero, las chicas y Noé; la pasamos bomba con hora y media de datos, controversias, luchas antiguas, pero también modernas, para hacer que tomemos un punto de vista, ¿quién está más lejos de la verdad, el ultra feminismo o las radicales feministas? La primera escena nos muestra una ceremonia mágica para dominar al género masculino. ¡Qué miedo!

El Brujo mayor de México, Antonio Vázquez, al final hizo un círculo mágico para que esta obra logre sus objetivos: evitar mayores desmanes en esta Tercera Guerra Mundial que pronostica el autor, o sea yo. Una de las actrices, la venezolana Yelitza Puchi, ha trabajado la parte energética del mensaje para que puedan vivir en paz ambos géneros, ella es tarotista internacional.DSC_1074

El autor ha constatado diariamente en los diarios que el pleito crece en vez de apaciguarse, por eso es mejor reír ante los diarios enfrentamientos; ha escrito este trabajo con el claro objetivo de que no acabe en un país solo para mujeres o para hombres.

Cada miércoles se puede ver en Arizona 156, colonia Nápoles, a las 8:00 de la noche. Vaya con sus amigos y amigas para ir a discutir después frente a una taza de café: ¿quién tiene la razón?

Ayudemos a reconstruir el Círculo Teatral de Alberto Estrella, que duró 13 años

En Veracruz 107, colonia Condesa, acudimos a presenciar un acto inusual: la comunidad artística unida, en este caso para solicitar que ayudemos con dinero a la reconstrucción de este foro en el que han estado muchos talentos. Leyeron el texto de Medardo Treviño: Cynthia Klitbo, Ángeles Marín, Luis Gatica, Luis Manuel Ávila, Beatriz Moreno, Julieta Egurrola, Marta Zamora, entre casi treinta celebridades del mundo artístico. Todo fue sobre la banqueta, no se puede adentro.

Protección Civil ha realizado visita y estudios al inmueble que antes ocupó Silvia Pasquel con su escuela, y dijeron que debería demolerse, así que estuvimos en este performance, para realizar un acto literario frente a los amigos y la prensa, era domingo en la mañana y no llovió, todos con un fervor casi religioso gritaron: ¡Ni un teatro menos! aunque en este caso no había una autoridad a la cual reclamar, como en otros casos: el Blanquita, Teatro Casa de la Paz, el Polyforum, el Hipódromo Condesa; contra las fuerzas naturales nuestras voces son ecos, que solo los poetas como Treviño han dominado para este acto filantrópico, desde poquito aceptan, porque todo suma.

PETER PAN (VOLVER A SER NIÑO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen tomada de la página de Facebook de NTC

El teatro por antonomasia es mágico y ensoñador, cuando estos calificativos se conjugan en el escenario nos dan la posibilidad a los adultos de retornar a la mejor etapa de nuestra existencia: la infancia; volver a ser niños(as), olvidar las cargas y responsabilidades cotidianas, quedar inmersos en el mundo onírico, la fantasía hace posible lo imposible, la ficción es realidad, ambos mundos en una simbiosis emocionante e inolvidable.

Peter Pan_nacBajo la producción del National Theatre Live se proyectó en el Lunario (Ciudad de México) Peter Pan, del dramaturgo británico J. M. Barrie. El personaje fue concebido con un rol secundario en una novela; después fue llevado al teatro en 1904, y en 1911 fue el centro de la novela Peter Pan y Wendy; en 1953 Walt Disney lo consagró a través de la cinematografía.

La historia es sencilla: Peter Pan entra en la recámara de Wendy, la niña lo ayuda a recuperar su sombre. El líder de los niños perdidos (desconocen el paradero de sus mamás), le enseña a volar, a desafiar la gravedad, el requisito es recordar un buen momento vivido. La lleva junto con sus hermanos al País del Nunca Jamás, donde varios niños y Garfio los reciben. La aventura inicia.

Sally Cookson dirige el texto de Barrie -dramaturgia, como se entiende y maneja en Europa, a cargo de Mike Akers-, todo lo convierte en un deleite para la imaginación, lo visual se regodea en las mentes de los adultos-niños y, claro, de los infantes dispuestos a disfrutar las tres horas de duración. Está presente la estética de las marionetas, la danza aérea, Peter y compañía vuelan, cables y cuerdas a la vista y al mismo tiempo invisibles; convierte lo complicado en aparente sencillez. Montaje minimalista, el escenario desnudo, unas “cajas”, el entarimado decorado pictóricamente, unas estructuras sostienen las poleas que permitan el desplazamiento por el aire, los cables se deslizan con el personaje y contrapeso de seres humanos, no hay maquinaria de por medio; el barco de Garfio (éste interpretado por una mujer). Música en vivo, canciones que convierten algunas escenas en un musical. Los efectos “sencillos” crean la fantasía. Sin embargo, Sally sostiene no es mágico o de ensueño el lugar propuesto.

Las actuaciones son de primer nivel, histrionismo, acrobacia y sensibilidad en cada uno de los que participan. Anna Francolini, cautivadora, impresionante, en concreto, excelsa como Garfio; de igual forma se puede considerar a Madeleine Worall como Wendy y la destacada personificación de Paul Hilton caracterizando a Peter Pan. La hilaridad y ternura emanan de Ekow Quartey.

Autor, directora, elenco, creativos convierten el escenario en un cuento para el recuerdo, dan paso a un teatro donde todo lo mundano queda fuera del recinto, los espectadores son transportados, literalmente, a otra dimensión, si los personajes vuelan, la mente de los asistentes surcan los aires con ellos; la inocencia y la alegría se convierten en esencia, experiencia que solo el teatro alcanza.

El Lunario será sede de la proyección, en el marco de la temporada 2016-2017 del National Theatre Live, de Salomé, los días 12 y 13 de noviembre; le seguirán Ángeles en América, 3 y 4 de diciembre, y enero 28 y 29.

LA SEMILLA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Desde nuestra niñez asociamos la semilla con vida. Esto se debe a que, para que los niños tomen mayor conciencia de la naturaleza, en las escuelas acostumbran hacer el ejercicio de que cada niño experimente el sembrar una semilla -por lo general, en un vaso-, la cuide, la riegue y compruebe cómo comienza a crecer una plantita.  Conforme crecemos, nos damos cuenta de que las semillas no solo se relacionan con las plantas sino con la vida en general de muchas especies del reino animal, incluidos, desde luego, los humanos. A través de múltiples investigaciones, la ciencia ha logrado determinar, incluso, el ADN, y hoy en día se sabe mucho más de sus componentes.

P1160948Así mismo, ya sea en literatura o en pláticas, la gente suele referirse metafóricamente a la semilla de alguien, tanto por aspectos físicos como circunstanciales. Por ejemplo, ciertas familias tienen una cierta predisposición a sufrir enfermedades, o bien, son propensos a sufrimientos. En el caso de enfermedades, obviamente, se debe a la genética heredada. En cambio, si se tratara de accidentes, es común achacarlo al karma y, por el contrario, si se trata de actividades delictivas se atribuye a hogares disfuncionales o simple falta de educación o cuidado.

De cualquier modo, toda semilla es el punto de partida de algo. También de la inspiración. En el caso de La semilla, a Édgar Chías le bastó tener conocimiento de una noticia fuera de lo común. Se trataba de una abuela y su nieto que se encuentran sin saber del parentesco que los une, dado que no se conocen, luego se enamoraron y deciden coronar su amor con un hijo. Algo bastante extraño que a cualquiera impactaría, pero que en la mente de Édgar Chías provocó el deseo de desarrollar una historia. Si ya era extraño que conforme a la clásica tragedia griega, Edipo desposara a su madre, resulta más sorprendente el amor entre abuela y nieto.

El texto de Édgar Chías aborda un universo básicamente femenino. Las protagonistas son abuela, madre, hija y una socióloga interesada en el caso. El único actor complementa la trama cuando se requiere de un elemento masculino. Tanto el relato como la estructura cautivan al espectador. La estructura que utiliza Édgar Chías es similar a la de las series, es decir, va proporcionando información poco a poco mediante entregas. Sin orden cronológico, el tiempo va y viene entrelazándose. Toca al público estar atento para captar el panorama completo y lograr una mejor comprensión. Se supone que en el caso de La semilla, ésta consiste en un estigma que hace que las mujeres de esa familia se enamoren de quien no deberían. Sin embargo, la hija parece estar determinada a romper la tradición y comenzar a partir de cero, despojándose de su pasado, aun cuando esto implique romper todo tipo de lazos. El relato abarca diversos temas como el uso de la tecnología, el amor, la pasión, la infidelidad, el abuso infantil, las relaciones familiares, las decisiones personales y los momentos claves para sucumbir o escapar.

P1160951Como de costumbre, Édgar Chías da gran relevancia al sentir interno de sus personajes, el cual delinea meticulosamente con su fina pluma. En cuanto al montaje, para cualquier director es un reto traducir a lenguaje teatral lo escrito por Édgar, en virtud de que es un autor que no incluye acotaciones, dando por igual libertad y dificultad a quien lo lleve a escena. En lo que respecta a La semilla, Gabriela Ochoa no solo vence el reto sino que se perfila como una de las mejores directoras de escena en México por su formidable trabajo de dirección. Enmarca el relato en un entorno atemporal en tres planos, donde la acción se dimensiona, añade ejercicios corporales fuera de lo común que llegan hasta a poner de cabeza a alguien del elenco, y las escenas fuertes las maneja con tal delicadeza que el espectador se percata de lo que sucede, sin necesidad de presenciar algo chocante o grotesco.

La acción comienza cuando una mujer completamente desnuda camina por una carretera. ¿Qué le habrá ocurrido a esta joven para atreverse a salir a la calle sin siquiera vestirse?  Se revelará más tarde que se trata de Olinda, una chica que estuvo estudiando un tiempo en el extranjero y cuando regresó a su casa ciertas circunstancias hicieron que se enterara de “la huella… el testimonio de los errores de otra generación”. En un momento dado, piensa para sí que “el tren de tu vida y la mía se impactaron y descarrilaron”. 

El elenco está conformado por: la bella Surya Mcgrégor, interpretando a dos personajes, la socióloga y la abuela; Mahalat Sánchez encarnando a la sensual madre,  Raúl Briones como los personajes masculinos y la hermosa Sofía Sylwin dando vida a Olinda, la joven tierna con tremenda fuerza interior. Las tres actrices hacen gala de sus dotes histriónicas y corporales, en tanto que Raúl hace bien su trabajo, pero, quizá por su personaje, ocupa un plano alterno sin lucimiento.

El resto del equipo creativo lo integran: Jesús Hernández en diseño de escenografía y de iluminación, Mario Marín del Río en diseño de vestuario, Genaro Ochoa en música original y diseño sonoro, Carolina Garibay en asistencia de dirección, Miguel Romero en producción ejecutiva, Axela Valadez en asistencia de vestuario, Idalí Osnaya y Josué Cabrera en asistencia de producción, Edmundo Luján en difusión y relaciones públicas,  Elda Mar y Campo Escénico en realización de vestuario; Macedonio Cervantes, Eusebio Cervantes, Jaime Lule, Leonardo Ramírez, Roberto Águila, Rodolfo Cruz, Juan Carlos Cruz, Jorge Ramírez, Luciano Martínez, Jaime Mejía, Noé Hernández, Iván Cervantes y Campo Escénico en realización de escenografía; Passo de Gato en pintura escénica,  Jessica Alvarado en administración de TeatroSinParedes.

P1160952La semilla es presentada por la Secretaría de Cultura,  Conejillos de Indias, Teatro en la Margen y TeatroSinParedes.

Entérate de todo lo que Olinda descubre acerca de su familia en esta original historia escrita por Édgar Chías, experimentado y talentoso dramaturgo, bajo la dirección de la sensible Gabriela Ochoa, mientras disfrutas de las entrañables actuaciones de tres hermosas mujeres: Surya Mcgrégor, Mahalat Sánchez y Sofía Sylwin, acompañadas de Raúl Briones. Saldrás con la esperanza de que se puede romper con todo aquello que te lastime si tienes la intención de renacer. Teatro de calidad realizado por un extraordinario equipo. ¡No te la pierdas! Apresúrate, solo quedan unas cuantas funciones.

La semilla se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas,  y domingos a las 18:00 horas en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, sin número, Bosque de Chapultepec -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 15 de octubre de 2017. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos; para Gente de Teatro: $45.00. Jueves al Teatro: $30.00, Viernes al Teatro en bici: $45.00 pesos. Descuentos acostumbrados con credencial.

LA ESPERA (TESTIMONIO DE CUATRO EX CONVICTOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía tomada de la página de Facebook de la Compañía

Teatro, más bien dramaturgia testimonial no es novedad, sin embargo, en La espera lo sorprendente es asistir a la escenificación de la confesión pública de cuatro ex convictos, quienes desnudan sus almas, aceptan en forma abierta su culpabilidad, espiritualmente están tranquilos y han encaminado sus vidas en el marco del quehacer teatral. Un cuarteto cuyos actos delictuosos estuvieron inmersos en la violencia, misma de la cual fueron víctimas durante la privación de su libertad.

la esperaRobo de automóviles, violación, homicidio… sin embargo, la esperanza, la espera, por ejemplo del día en que se recobrará la libertad, para ellos, según su testimonio, este estado puede producir alegría, inclusive, hay quienes llegan a “amar” la prisión; creer que el amor es un lugar a donde se puede llegar y a pesar de eso estar consciente que delinquir es perder lo que se tiene y lo que se quiere. Quedar sin familia, perder o alejado de la esposa e hijo, sufrir la marginación en el más estricto sentido del término.

Conchi León, responsable de la dramaturgia y la dirección, comenta: “Esta obra es una historia de libertad, de espera, de esperanza. Un grito que traspasa todos los muros porque el teatro nos permite eso, hablar de la verdad por muy siniestra que ésta sea”. No hay amarillismo, hay sinceridad, no hay morbo, hay comprensión, no hay condena, hay reivindicación. El texto está cimentado en el monólogo, cada uno narra sus antecedentes, las circunstancias, el delito cometido, las penalidades físicas y, sobre todo, saber que habrá un mejor porvenir. Obvio, hay momentos en que interactúan, son compañeros del mismo destino, ahora camaradas en el escenario.

Como directora, Cochi opta por el minimalismo, solo emplea objetos en forma simbólica: trompos -juguetes- que representan que la vida gira y ellos con ella; un vehículo y un carrito, padre e hijo… Deja abierta la idea: ¿qué hacer al salir libre? La respuesta tanto o más dolorosa que la misma prisión, la incertidumbre total. Se le debe reconocer a León su habilidad para hacerlos actuar, darles confianza, perder el miedo al escenario y enfrentarse al público describiendo su devenir delincuencial. No los obliga a tal o cual actitud, explota su sensibilidad, la toma de conciencia y su arrepentimiento; los convierte en actores, cautivos antes, cautivadores ahora. Ellos son Javier Cruz, Ismael Corona, Feliciano Mares y Héctor Maldonado.

Ahora bien, cómo llegaron al teatro. El Foro Shakespeare, por iniciativa de su directora, Itari Marta, patrocina un programa de rehabilitación en el penal de Santa Martha Acatitla consistente en la formación de actores internos y externos de manera profesional a través de talleres teatrales y pedagógicos generando puestas en escena de impacto social, abiertas al público interno y externo. Cinco antiguos reclusos formaron la Compañía de Teatro Penitenciario, uno de sus resultados es la obra que hoy nos atañe, recomendable en muchos sentidos, entre otros el reconocimiento de su valor y capacidad de reivindicación.

La espera los espera en el Foro Shakespeare, Espacio Urgente 2 (Ciudad de México), lunes, martes y jueves a las 20:30 horas.

GRACIAS FRANCA, GRACIAS DARÍO Y EXPOSICIÓN DE CAROLINA RAMÍREZ

Texto y foto por Ana Leticia Romo García

Darío Fo, dramaturgo y transgresor, igual que su pareja, Franca Rame, dieron al teatro muchas obras en contra de la injusticia, la discriminación y la desigualdad. Con esta perspectiva, el maestro Rafael Güero Juárez, con guión y dirección, realizó un montaje con las actrices Norma Rubio y Mónica Pedroza desarrollando dos historias de mujeres vinculadas al narcotráfico, donde el espectador presencia el horror de una realidad presente en nuestro país, sin dejar de brindar una opción de cambio cuando las circunstancias favorecen el destino.

IMG_7304El formato incluyó una introducción acerca del feminicidio y las biografías de los escritores para entonces dar inicio a la puesta en escena. Buen montaje que se presentó en el Teatro Leal y Romero los días 12 y 13 de octubre a las 19:00 horas.

Así mismo, en el lobby se presentó algo de la obra pictórica de Carolina Ramírez con temas de violencia contra las mujeres, haciéndonos consientes de los alcances de terror y salvajismo que predomina en el mundo del narco y de los feminicidios; sin embargo, Carolina logró expresarlo con hermosura y sentido estético.