Mes: noviembre 2017

LAS BURBUJAS URBANAS LLEGARON A AGUASCALIENTES

Texto y fotos de Sandra Sánchez Pineda

BURBUJAS_1¿Quieres lograr la intimidad al presenciar el teatro de calle? Desde 2009, Nicolás Alvarado, como productor y dramaturgo, viene presentando un espectáculo denominado Burbujas urbanas, las cuales son, literal, dos burbujas de acrílico, las cuales te recuerdan a las esferas de nieve que se venden como souvenir, y en el interior de ellas los actores representan monólogos. Este concepto ha formado parte del Dramafest, el Festival Internacional de Dramaturgia Contemporánea que se lleva a cabo en la Ciudad de México y en otras ciudades.

Dicha propuesta, producida por Teatro de Babel: Aurora Cano y Nicolás Alvarado, salió de la Ciudad de México y vino a Aguascalientes el pasado sábaBURBUJAS_2do 11 de noviembre, a las 12 horas, en el Parque de beisbol Rodolfo Landeros, ubicado en un fraccionamiento popular, al oriente de la ciudad, en donde se presentaron cuatro monólogos que tuvieron al público de principio a fin.

El primero de los monólogos le correspondió a María Aura con Definiciones de libertad, de Nicolás Alvarado, en donde Sandra, una vedette de cabaret, se enamora de un poeta, quien solo escrBURBUJAS_3ibe versos de amor a políticos comunistas. Para continuar con Instrucciones para vivir en México (también de Alvarado), donde Leticia Huijara muestra su experiencia actoral para presentarnos a Pamela (quien, por cierto, es amiga de Sandra), en un interesante monólogo que nos habla de los discursos políticos, haciendo una parodia de ellos.

El siguiente monólogo: Perorata puberta, de David Gaitán, actuado por el mismo, nos hizo pensar en nuestros años de adolescencia y/o juventud, cuando todo se ve de un modo dramático, yéndonos de un extremo al otro, disertando una perorata de cosas que pasan por nuestra mente. Y para terminar, Flojito y cooperando, de Édgar Álvarez, una pieza que mostró la actuación fresca y fluida de José Luis Saldaña, quien al tratar el tema de los asaltos y la inseguridad en las grandes ciudades, logró conectar perfecto con el público presente, niños y adultos.

Cabe comentar que las burbujas son estructuras que en su base tienen una cabina de audio, manejado por un operador, de allí que los actores se oigan perfectamente, y al estar ellos encerrados en las mismas, hace que la gente preste atención al discurso y se concentre en los pocos elementos escenográficos que presenta.

BURBUJAS_5Mención, a parte, merece el hecho de que al llevar estas propuestas de teatro a lugares donde el público no acostumbra ver teatro, como fue en el presente caso, hace que la gente se acerque de manera espontánea al teatro, lo vea, lo paladee, e inserte en ellos la curiosidad por el mismo, fomentando y creando públicos. Fue realmente motivador ver a los pequeños preguntándome por la obra, y a uno de ellos señalando: “está bueno”, refiriéndose al último monólogo, en un paso más por llevar teatro a las comunidades. ¡Esperamos que siga habiendo más de estas propuestas teatrales en nuestra ciudad!

PRODUCCIÓN MEXICANA DE LA ÓPERA RUSALKA SE PRESENTA EN EL TEATRO COLÓN DE ARGENTINA

Información Conaculta

En el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, se escenifica una adaptación de la producción de la puesta operística Rusalka, montada en 2011 en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, por la Ópera de Bellas Artes del INBA.

rusalkaBajo la dirección escénica de Enrique Singer, arropados por la escenografía de Jorge Ballina, la iluminación de Víctor Zapatero y el vestuario de Eloise Kazan, la Orquesta y el Coro estable del Teatro Colón, han ofrecido una serie de presentaciones de la ópera de tres actos de Antonin Dvorak los días 7, 10, 11 y 12 de noviembre. La última función es hoy martes 14 de noviembre.

Gracias a la reciente incorporación de la Ópera de Bellas Artes a la Asociación Internacional Ópera Latinoamérica, explica Lourdes Ambriz, directora artística de la Ópera de Bellas Artes, directores de naciones de Iberoamérica se han puesto en contacto con otros colegas, lo que ha propiciado la ampliación de lazos de cooperación.

Comentó que en el caso específico de Rusalka, el Teatro Colón ya tenía un tiempo de querer montar la obra. “Habían estado buscando una producción en Europa. Cuando tuvimos una reunión de la Ópera Latinoamericana llevé algunas imágenes de las producciones de la Ópera de Bellas Artes, vieron la de Rusalka, y les encantó la propuesta”.

La cantante y gestora cultural destacó que el equipo creativo de México viajó a Argentina para el montaje de la puesta. Describió que la obra de México se desarrolla dentro de un mundo cerrado, acuático y mágico.

“La imaginación de Jorge Ballina lo llevó a idear elementos que complementaban la estética de la escenografía. Empleó una paleta de colores muy intensos que nos remiten a la noche, a los amaneceres, y ciertas tonalidades que son parte fundamental de la narrativa de la obra”, comentó.

Lourdes Ambriz calificó como de gran relevancia estos intercambios, ya que permiten que el trabajo de los escenógrafos, iluminadores, vestuaristas y directores sean conocidos al exterior.

“El trabajo de los cantantes siempre ha sido reconocido fuera de México y se les contrata mucho. Queremos mostrar que además de las voces, en la Ópera de Bellas Artes hay mucho trabajo creativo y valioso que se desarrolla por personas muy talentosas”.

En 2011, Rusalka significó el debut en ópera del director de escena Enrique Singer, quien viajó a Argentina para el montaje de esta puesta que contó con dos elencos.

“El maestro Singer regresó muy entusiasmado. Calificó como una experiencia grata el volver a montar la obra en otro espacio, completamente diferente a nuestro teatro. Para él y los demás creativos ha sido una grandiosa experiencia. Yo creo este intercambio fue una manera de enriquecer su labor y esfuerzo.

“Estamos muy orgullosos de que se haya presentado una obra de manufactura mexicana. Ahora toca que a México llegué la producción del Teatro Colón, que planteamos sea Adriana Lecouvreur, de Francesco Cilea”, adelantó Ambriz.

La última función de la ópera Rusalka, adaptación checoslovaca del cuento de la Sirenita, y una de las óperas más representadas en la historia de la República Checa, será transmitida a través de teatrocolon.org.ar/en-vivo, hoy a las 17:00 horas, tiempo del Centro de México.

En dicha función se contará con las voces de Ana María Martínez en el rol de Rusalka y de Dmitry Golovin como el Príncipe. En esta adaptación de la producción del Teatro de Bellas Artes, México, tendrá la batuta el canadiense Julian Kuerti. Acompañarán la Orquesta y el Coro Estables del Teatro Colón.

 

MARIACHI IMPERIAL AZTECA DE AGUASCALIENTES NOMINADO AL GRAMMY LATINO 2017

Aguascalientes, Ags., lunes 13 de noviembre de 2017

Boletín No. 169

MARIACHI IMPERIAL AZTECA DE AGUASCALIENTES

NOMINADO AL GRAMMY LATINO 2017

  • La nominación es en la categoría Mejor álbum de música ranchera-mariachi por su producción discográfica Aún estoy de pie
  • El Instituto Cultural de Aguascalientes apoya y promueve el talento de las agrupaciones locales, patrimonio de las tradiciones mexicanas

La agrupación aguascalentense Mariachi Imperial Azteca se encuentra nominada a los premios Grammy Latino edición 2017, en la categoría de Mejor álbum de música ranchera/mariachi por su producción discográfica Aún estoy de pie.

mariachi imperial azteca 02Con 12 años de trayectoria musical, tiene en su haber la producción de cuatro discos, así como presentaciones en reconocidos festivales, ferias y escenarios a lo largo del territorio nacional al lado de los máximos exponentes de la música vernácula, como Vicente Fernández Jr. y Antonio Aguilar hijo.

Los integrantes de la agrupación asistirán el próximo 16 de noviembre a la Gala de la 18a edición de este reconocido certamen que premia a lo mejor de la música latinoamericana, que tendrá lugar en la ciudad de Las Vegas, Estados Unidos y que se transmitirá en vivo vía streaming a través del portal del Grammy en la dirección https://www.latingrammy.com/es/live.

Durante la rueda de prensa para anunciar esta nominación, la directora del Instituto Cultural de Aguascalientes (ICA), Claudia Patricia Santa Ana Zaldívar, mencionó que la institución a su cargo ha dispuesto todo el apoyo para estos talentosos músicos, ya que la encomienda del ICA es precisamente apoyar el talento artístico y promover tanto las tradiciones como el patrimonio tangible e intangible de la entidad.

Asimismo, señaló que en el próximo mes de diciembre, el Mariachi Imperial Azteca ofrecerá una gala de concierto en conjunto con infantes integrantes de la Orquesta Esperanza Azteca.

Finalmente, comentó que los aguascalentenses podrán disfrutar de esta producción discográfica titulada Aún estoy de pie, misma que le ha valido la nominación al Mariachi, ya que a partir de este lunes estará a la venta en la tienda Ártica de la Casa de la Cultura.

Cabe destacar que en la misma categoría donde se encuentra nominado el Mariachi Imperial Azteca, también tienen presencia grupos tanto de México como de Estados Unidos, entre los que destacan Flor de toloache, Nocturna majidaIssa, Mariachi herencia de México y el Mariachi oro de américa.

LOS MOTIVOS DEL LOBO

Texto y foto por Julieta Orduña Guzmán

Los motivos del lobo, puesta escénica presentada en el Foro Benito Juárez, los viernes 6, 13, 20 y 27 a las 19:00 horas, y los sábados 7, 14, 21 y 28 a las 18:00 y 20:00 horas.

los motivosCuenta la historia de una familia típica de la Ciudad de México, pero ésta en particular oculta un gran secreto que después de 17 años no ha sido revelado, y busca salir a la luz. Basada en un hecho real ubicado en la capital mexicana en el año de 1959, en el cual Rafael Pérez Hernández encerró a su familia durante 15 años en la famosa Casa de los macetones, este hecho fue adaptado la película El castillo de la pureza, así como narrado en múltiples libros y trasladada a la obra Los motivos del lobo, escrita por Sergio Magaña.

La historia comienza con Eloísa Donoju, cuando dos de sus hijos, Azul y Libertad, se encontraban jugando en el piso mientras que su hija mayor, Fortaleza, trataba de inmortalizar su imagen con el vestido de novia, ya que nunca tuvo en retrato como tal con este mismo.

Más adelante en la obra podemos ver las reacciones de su familia ante la llegada de Martin Goulfe, en el mismo momento que su hijo Lucero se encontraba cantando la canción de Bésame mucho, que aprendió en una de sus escapadas al exterior. Martín comete un acto de violencia contra él golpeándolo fuertemente en la mejilla para, posteriormente, retirarse a su habitación; Eloísa, indignada, sigue a Martín para reclamarle ante lo sucedido en la sala.

Martín comenta los motivos del encierro hacia su familia, diciendo que sus hijos son puros y buenos, intentando protegerlos de lo que él hace llamar Las fauces de la sociedad, señalando que los ha educado bien y les ha dado buena literatura, no son casualidad los nombres de sus hijos, ya que todos tienen un significado profundo.

Lo que desencadena el nudo en la obra es el hecho de que Martín dejara la puerta abierta un día, y así lograra entrar Magdalena Valencia, una vecina curiosa, a entregar una carta proveniente del hermano de Eloísa, cuyo nombre es Pedro. Al enterarse Martín de este hecho, prohíbe la entrada de este mismo.

Eloísa, en un momento de resignación, cree que las cosas volvieron a la normalidad, hasta que encuentra a sus hijos Fortaleza y Lucero, Libertad y Azul besándose en la sala, hecho con el que estalla y reclama a Martín por la llave, con lo que nos enteramos de que Eloísa ha tenido una llave durante nueve años, volviéndose cómplice de su marido.

La obra engloba temas tabú, entre ellos, incesto, secuestro, violencia, machismo, esclavismo, antiguas costumbres en familias, temas que sin duda alguna darán de qué hablar pero recuerda, siempre que la puerta esté abierta.

“NO HICIMOS LA OBRA PARA INTELECTUALES, NI PARA TEATREROS, LA HICIMOS PARA LA GENTE EN GENERAL…”, EDUARDO GÓMEZ

Texto por Julieta Orduña Guzmán

elenco estudio depresionEstudio de una depresión, la propia y la de los más cercanos, es la puesta en escena que representará a nuestra entidad el 1 de diciembre en la 38 Muestra Nacional de Teatro a realizarse en la ciudad de León, Guanajuato. La dramaturgia fue ganadora del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA) en Aguascalientes, cuyo autor es Roberto Belmont, la dirección a cargo de Eduardo Gómez, la música de Mauricio Caballero y la producción de Mariana Rosales y Carlos Rocha. En entrevista con el director, y a unos días de presentarla en la Muestra Nacional de Teatro (MNT), esto fue lo que nos dijeron:

¿Cuáles fueron los inicios de este proyecto escénico?

Se inició en octubre del 2015; fue como parte del acuerdo que se tenía con la beca del PECDA, y después tuvimos una temporada en la Caja negra con nueve funciones, en febrero y marzo del 2017, y ha sido un año de intenso trabajo. Actualmente llevamos 27 funciones; programadas 10 para Aguascalientes y otras 10 para la Ciudad de México, 20 en total para el próximo año.

Estamos muy orgullosos la comunidad teatral y su público que hayan sido elegidos para asistir a la Muestra Nacional de Teatro este año, y sabemos que no es nada fácil, porque hay una convocatoria tremenda de grupos en toda la República, y eligen a los mejores y eso nos da mucho gusto. 

Sí, para nosotros fue una sorpresa cuando estábamos en la Muestra Regional y nos sorprendió ver varias obras dignas de ser elegidas para ir a la muestra; para mí fue un encuentro muy enriquecedor encontrarnos con teatreros de lenguajes muy similares al nuestro, lenguajes muy novedosos.

Estudio de una depresión es un trabajo que consiste no solo en actuación, técnica corporal, la música -que es creativa-, los efectos que la acompañan. Se nota un trabajo muy integral, redondo y tratar ese caso tan especial que es la depresión.     

Para nosotros ha sido un viaje; empezamos ensayando en un pequeño cuarto de 2×1 metros, y ahorita se ha convertido en un fenómeno para nosotros. Lo que el grupo  trata de hacer en escena es divertirnos responsablemente, con ética. Queremos que el público sienta la emoción que sentimos y la energía que pasamos cada uno de nosotros en el escenario, es algo muy bonito. Yo me divierto mucho cuando estamos haciendo la obra.

Si se pensaría que por el título de la obra Estudio de una depresión, nos llevaría a llorar o recordar malos ratos, pero se deja un mensaje muy lindo, al final de cuentas todos hemos sentido la depresión, pero no llegar a una depresión excesiva que nos lleve a una tragedia.

Claro, de hecho al inicio de la obra, porque la transcribimos varias veces, nuestros textos eran en realidad depresivos, eran muy grises y un día entre los tres nos dimos cuenta que estábamos haciendo totalmente lo contrario a lo que queríamos nosotros, que cuando terminara la obra saliera la gente con esperanza, saliera contenta, saliera con una sonrisa y decidimos hacer una retranscripción de la obra para cuestiones de energía, sobre todo, y al final resultó este producto que a la gente le gusta y hay una sinergia muy interesante que se da entre público y nosotros.

Ya fueron a dos muestras, la Estatal y la Regional, pero viene el banquete principal que es la Muestra Nacional, ¿qué resultados esperan en este encuentro?, alguna crítica de los intelectuales o público exigente.

Sí, quizá algo de eso. En la Muestra Regional publicaron una crítica de la obra y  cuando la estábamos leyendo comentamos: “Finalmente es la percepción de alguien que va al teatro, pero no es la percepción del público en general”. No hicimos la obra para intelectuales, ni para teatreros, la hicimos para la gente que ha venido a verla, para el público de la calle, para niños, para nuestra familia, para gente en general, ya si el público “conocedor” que es la gente del teatro, los actores o los directores la ven está bien; asimismo, vamos a las obras con un prejuicio de “a ver si me gusta, qué vamos a ver”, nosotros nos hemos dado la chance de ir a ver obras de nuestros colegas para aprender, dejar atrás esta ideología de por qué hago teatro voy a ir a ver las obras para prejuzgarlas, menospreciarlas, más bien los que nos dedicamos a hacer teatro nos debemos de juntar y, al contrario, hacer un colectivo, hacer una retroalimentación, pocas veces lo hacemos.

Has dado en el punto clave y de acuerdo contigo, dejemos atrás todas esas situaciones que aquejan a los artistas como egolatría, envidia, soberbia, etc., y entregarse al público, finalmente son los que pagan un boleto, los que quieren ver su trabajo y los demás sí importan, pero no tanto, las muestras deben ser otra cosa.

Sí, cuando fuimos a la Muestra Regional se vivió una atmosfera bien bonita, todos los grupos eran bien entregados, bien abiertos, todos compartíamos muchas cosas; se dio un ambiente muy interesante en la muestra que no se ha dado aquí, por ejemplo, en la Muestra Estatal se ha dado como choques que el teatro debería ser lo contrario, un sistema de comunicación, de vinculación pero, Bueno, nosotros desde nuestras trincheras hacemos lo que nos toca.

Les deseamos mucha suerte en la próxima MNT y esperamos nueva temporada de Estudio de una depresión, la propia y la de los más cercanos.

MONALISA (ACUMULAR POR NECESIDAD EXISTENCIAL)

Texto y foto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

MonalisaAcumular objetos, de la índole que sea, puede ser bien visto, es el caso de los coleccionistas, sin embargo, puede ser negativo cuando se hace por necesidad existencial, entendida ésta como una obsesión, obvio, estamos frente a un síntoma patológico y patético, más bien irracional. El sonorense Roberto Corella, autor de la dramaturgia intitulada Monalisa, nos presenta a una mujer, Ella, recogiendo todo lo que encuentra en su andar, lo embodega en su casa, la convierte en un mal oliente basurero, retacada al grado de impedirle ingresar y verse en la necesidad de pernoctar en el patio.

Lo anterior no tendría mayor relevancia, la anécdota es por sí misma intrascendente, sin embargo, todo cambia cuando se asume un sentido de metáfora y, en forma simultánea, de analogía. Ella, una muerta hablando desde el más allá o una viva muriendo en forma paulatina. Una antigua maestra, hace pequeñas remembranzas de su hermana, de su madre, de su amiga, del significado de un arcoiris. Los recuerdos la atormentan, en su psicosis continúa acumulando todo tipo de cosas, es la forma de evadirse. Ella es, era, rara, enigmática… pero siempre sonreía, pasaba días en vela, cinéfila, le agradaban las películas profundas, esas donde la gente se busca a sí misma y no se encuentra. Ella decidió su destino, lo llevará a cabo después de un profundo análisis de su vida.

Ella no está sola en el mundo sombrío, hay un Él, un taxista que la lleva al cine, a un hotel, a… y de retorno… La pone al descubierto frente a los espectadores, les narra al detalle, entre otras cosas, su pensar, la carga emocional por unos niños fallecidos en una guardería, entre otros temas. A Él lo agobia la desaparición de su hijo, lamenta la violencia que padece su entorno. Dos seres abatidos, presente el esbozo de la sonrisa, presente la Monalisa. Un texto complicado, psicológico, dramático, denso y profundo; representativo del quehacer dramatúrgico de Sonora. Bien escrito, bien desarrollado, bueno el desenlace. Interesante y cautivadora relación entre ambos personajes, el hecho de que el autor nos lo bautice y dejar su identidad en Ella y Él, le da una directriz de universalidad.

Rennier Piñero, de origen español, dirige. Junto con Beatriz Noriega (escenografía y vestuario) y Lupillo Arreola (iluminación) saturan el espacio con un sinnúmero de cajas de plástico, de esas que venden las grandes tiendas de autoservicio, en ellas se van acumulando… todo lo que metafóricamente cabe en la mente de Ella y, en parte, la de Él. Un vestuario tan desalineado como las existencias de los dos; una penumbra, oscuridad espiritual; proyección, casi desapercibida, de fragmentos de películas, más que una ambientación, el conjunto representa lo más íntimo, la esencia de un devenir, de un vacío lleno de cosas.

Paquita Esquer y Roberto Corella asumen con parsimonia a los personajes. Ella susurra y también se violenta. Él narra, el contacto es emocional, no físico. Realizan en forma óptima la introspección, sienten y mueren, al mismo tiempo dan vida a tan singulares seres en el escenario. Conmueven… incomodan, provocan, dan todo como actores.

Monalisa se presentará durante tres semanas (parece que este lapso se ha puesto en boga en la Ciudad de México), hasta el 26 de noviembre, en el Foro de las Artes, del Centro Nacional de las Artes, los jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

LA CANTANTE CALVA (LO DESHILVANADO EL HILO CONDUCTOR)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la actriz Gabriela Murray

Eugéne Ionesco, uno de los máximos exponentes del teatro del absurdo, es llevado a escena con su obra La cantante calva, en la que desnuda y pone en evidencia la hipocresía y decadencia de la sociedad inglesa de la posguerra. El teatro del absurdo es uno de los más difíciles y complicados de lograr: lo ilógico debe ser lógico, lo superficial profundo, la palabra en apariencia sin sentido debe tener contenido y, por absurdo que parezca y si se me permite la expresión, lo que en apariencia es un conjunto deshilvanado a la postre es el hilo conductor.

la cantante clava2                                                  Gabriela Murray como la Sra. Smith en La cantante calva

El dramaturgo hace mediante un juego inteligente y audaz un análisis, un juicio crudo de las relaciones, costumbres y convenciones. El teatro del absurdo en general, este texto en particular, deja al descubierto el problema de la comunicación entre los seres humanos, problemática de actualidad, la tecnología -celulares, tabletas y computadoras- cada vez nos convierten en personas solitarias y con problemas para interrelacionarnos cara a cara. En concreto, por antonomasia este género gira en torno a la imposibilidad de la comunicación.

Ionesco juega con el respetable, lo lleva por un laberinto de confusiones: lo mismo de tiempo como de lugares y personajes; éstos últimos dan la sensación de despistados, de orates, cada uno con su onda. Una introspección social a través de dos matrimonios a los cuales se les puede aplicar la frase: “contigo pero solo(a)”; además una sirvienta y un bombero, éste sin sentido su aparición dramatúrgica y escénica, otra vez solo en apariencia. Sin darle más vueltas, estamos frente a una obra maestra con carácter de universal. Mientras tanto, La cantante calva peinándose.

El montaje bajo la dirección de Jesús Díaz, quien opta por un ritmo semilento, pausado, prolongados silencios; las pausas y silencios refuerzan lo absurdo. Un dibujo escenográfico y una iluminación que no se entromete en el enredo, así es el diseño de Bobby Watson. Complementa la atmósfera la música original de Hazael Rivera. Un objeto se convierte en otro protagonista: un reloj. Su carátula sede el paso, aparece un magnífico títere frente a un piano, excelentemente manipulado, musicaliza y da las campanadas de la hora. El teatro de sombras, en una breve aparición, cierra el círculo mágico. El director se vale de lo antes citado, sin embargo, su propuesta se centra en el trabajo actoral.

Gabriela Murray -Gaby como se le conoce en el medio- cautivadora como la señora Smith, esto no sorprende, pues posee cualidades histriónicas más que conocidas y reconocidas, inclusive, más allá de nuestras fronteras; capaz de provocar un caos mediante una pasmosa calma; para un ojo avizor es la médula de la puesta; no requiere adulación, su presencia y esencia hablan por ella. Arturo Reyes, el señor Smith, desfachatez y elegancia, distraído y concentrado, claro, el personaje, se desenvuelve en el género con soltura, hace la mancuerna ideal con Gaby. Complementan el reparto: Alicia Zárate, Judith Cruzado, Gilberto Dávalos y Omar Ramírez.

La cantante calva se representa en una nueva “temporada” (las comillas tienen su razón de ser porque solo serán tres fines de semana) en la sala Xavier Villaurrutia, Ciudad de México, hasta el 26 de noviembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas. La compañía Teatro del Exilio requiere del apoyo del público con su asistencia porque la producción no está apoyada por el Instituto Nacional de Bellas Artes, están trabajando a porcentaje de taquilla.

140 (57 DRAMATURGOS EN ESCENA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de José Jorge Carreón

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Richard Viqueira, un hombre de teatro cuyo reto fundamental, al menos eso creo, es sorprender, casi siempre en forma irreverente al respetable. En su más reciente propuesta parte de una interrogante: ¿Qué tan corta puede ser una obra de teatro? Tomó como punto de partida los 140 caracteres a los que estaba limitado el uso del twitter -desde hace unos días son 280-, y le solicitó a varios dramaturgos escribieran un texto con ese condicionamiento. 57 respondieron a su convocatoria, número que ahora es llevado a escena en un solo montaje. Temáticas diversas: la violencia, las relaciones humanas, sobre el mismo teatro y un interminable etcétera. Variados los géneros y los estilos; procedencias de diferentes escuelas y generaciones; la única coincidencia entre ellos: todos son mexicanos (salvo excepción, si se toma en cuenta la nacionalización). Inédito el hecho de partir de un twitter, éste por naturaleza es para ser leído, en este caso y de ahí lo interesante, para ser dramatizado. Nadie puede negar se trata de un sui géneris teatro experimental, “obras” breves, brevísimas, diez, 15, tal vez 20 segundos cada una y la que sigue. Esta idea original de Richard es una muestra más de su audacia por innovar, siempre con el propósito, para bien o para mal, de sorprender, podrá gustar o no, lo cierto, no pasa desapercibido.

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Él dirige su experimento. Ocho actores multidisciplinarios y una cantante encaramada en una columna de varios metros de altura, acompañada de un bajo interpretado por ella misma. Una escenografía de un gran atractivo visual: una plataforma con 90 casillas (blancas y negras), 9X10, unas pocas más que un tablero de ajedrez, muchas de éstas son compuertas, por ellas aparecen y desaparecen los múltiples personajes que caracterizan cada uno de los involucrados en escena; haces de luz, un medio ambiente de ensueño, mágico; efectos sonoros y lumínicos. En la plataforma pasa de todo: movimientos corporales con características marciales, actos de magia, erotismo, violencia, danza aérea, coreografías -incluyendo un tango-, acrobacia… se satisfacen todas las fantasías de los dramaturgos. Por mencionar solo algunos: Silvia Peláez, José Ramón Enríquez, Jaime Chabaud, Édgar Chías, Ximena Escalante, Elena Guiochins, Enrique Mijares, Luis Mario Moncada, Verónica Musalem, Alejandro Román, Antonio Zúñiga…

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Los participantes en la plataforma son más que actores, arriesgan el físico -siempre exigencia de Richard-, una concentración mental llevada al límite, bailarines; como maquinarias de reloj le dan continuidad a las breves obras, éstas en su conjunto llevan por título 140. El montaje no admite errores, menos improvisaciones. El espacio escénico cobra vida propia, los ocho orates se entregan sin tapujos, sin miedos a las locuras de Richard. Sí, éste es un loco del teatro, está consciente y cuerdo de que lo experimental tiene altas posibilidades de fracasar, a él no le importa, no le quita el sueño, por el contrario, eso lo motiva, hace de sus pesadillas una realidad. El elenco artístico lo conforman: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. El equipo de creativos lo integran: Espacio escénico original: Mario Marín del Río y Richard Viqueira. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Escenofonía: Edwin Viqueira. Diseño de vestuario: Ricardo Loyola. Asistentes y realizadores: Realización de escenografía: Antonio Pérez / Constructores Escénicos. Asistente de vestuario: Marina Guash. Realización de vestuario: Leticia Gasca Laurent.

140 se representa en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, Ciudad de México, hasta el 10 de diciembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

SALOMÉ (SUBVIERTE EL CONOCIDO RELATO BÍBLICO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de SALOMÉ, producción del National Theatre Live

Una de las mujeres más conocidas de la antigüedad es Salomé, protagonista de uno de los episodios siempre presentes en el consciente o subconsciente de los cristianos, aún de quienes no profesan las diferentes vertientes de esta(s) religión(es). La historia la condena por haberle pedido la cabeza de Juan El Bautista en una charola de plata a Herodes, a cambio de complacerlo con la interpretación de una danza y, tal vez, algo más.

SaloméEn el teatro la versión más conocida y representada es la de Óscar Wilde. La que hoy nos ocupa es la de Yaël Farber, originaria de Sudáfrica, reconocida como una gran directora y varias veces galardonada por sus propuestas. Si bien la historia de Salomé ha sido contada desde varias perspectivas, ahora acontece en un ámbito subversivo: “Una nación desértica invadida. Una huelga de hambre. Una chica cuya misteriosa danza cambiará el rumbo del mundo. Esta nueva versión subvierte el conocido relato bíblico, situando a la mujer que llamamos Salomé en el centro de una revolución”: Programa de mano.

Farber, apoyada con la dramaturgia de Drew Lichtenberg, basa su relato en diferentes fuentes y crea la suya propia. Hay mucho de política, de la esclavitud de un pueblo, de la opresión…, sin embargo, algo que en apariencia sería un tema secundario y es de vital importancia, es el teje y maneje, negociaciones entre los miembros del sanedrín y los jerarcas romanos, unos ceden, los otros imponen. Una serie de puntos de vista, lo cierto es que estamos frente a lo subjetivo que puede ser la Historia; una Salomé respetada y al mismo tiempo despreciada. Por otra parte, en realidad hay muchas incógnitas sobre el personaje, inclusive no se conoce su verdadero nombre y se especula sobre su destino final. La propuesta, proyectada en el marco de la Temporada 2017-2018 del National Theatre Live, con sede en el Lunario (Ciudad de México) es, desde una óptica, revolucionaria, cuyo epicentro es Salomé. Interesante texto y excelente puesta en escena; el primero causó polémica al final entre los asistentes; el segundo convenció a la mayoría.

Farber se rodea de un reparto multinacional, de hecho predominan los diálogos en inglés, pero algunos son en otros idiomas, esto no representó mayor inconveniente porque se proyecta con subtítulos. Una escenografía mínima, iluminación inmersa en la penumbra, luz directa al foco escénico, así se logra el encuentro de ideas mediante imágenes plásticas, que recuerdan a Rembrandt. Es lamentable que haya muchas tomas netamente cinematográficas, diluyen la magia del teatro. Escenas en un entorno circular en su mayoría, una metáfora de la última cena. En muchos casos lo político y lo religioso con un lenguaje poético, tanto oral como escénico. Hay dramatismo sin exabruptos, un ritmo constante, desplazamiento por el entarimado similar. La musicalización y las coreografías fundamentales, además de cantos místicos y percusiones en vivo.

Una versión, reiterando polémica, la puesta en escena brillante a pesar de la penumbra. Los teatrófilos agradecidos con estas oportunidades para conocer y apreciar las producciones del National Theatre Live. El Lunario albergará las proyecciones de la presente temporada con Ángeles en América 1 (diciembre 3 de 2017 y enero 15 del 2018), Ángeles en América 2 (enero 28 y 29 del 2018), Yerma (febrero 11 y 12) y ¿Quién le teme a Virgina Woolf? (marzo 11 y 12).

 

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Lluvia de homenajes y reconocimientos a Miguel Sabido

teatrikando_Miguel Sabido

La Agrupación de Periodistas Teatrales (APT) le dio el máximo reconocimiento hace pocos años, pues Miguel Sabido es muy respetado y querido en todos los ambientes teatrales; ahora lo recibirá en la Fundación Miguel Alemán Velasco, el otro será en Bellas Artes. He convivido con él lo mismo en el Festival Amantes del Teatro (del ITI UNESCO), congresos Internacionales, que en programas televisivos (como el nuestro en astl.tv) donde lo invitamos para hablar de su reciente libro El teatro ritual que describe la íntima influencia entre las ceremonias prehispánicas (Moros y cristianos, El juicio final, Coloquio de la adoración de los reyes, Fiesta de muertos, entre otras) y el teatro novohispano.

Primero se escenificaron los autos sacramentales utilizados para evangelizar a los naturales de América, deben contener El arrullo al niño que nace, pedir y dar posada, la escenificación de los momentos cumbre del viaje a Belén; al representarse dentro de los templos su carácter era sobrio. El más antiguo es el auto de los Reyes magos, que describe el nacimiento y llegada de Melchor, Gaspar y Baltazar hasta el pesebre. Algún día se arriesga a salir a la plaza pública, donde se toman libertades narrativas, empiezan las burlas contra las autoridades del lugar y personajes famosos, que son ahora la esencia misma de la pastorela.

Los personajes prototípicos son Bato y Pancho, pastores que sirven para las escenas cómicas, son holgazanes o borrachos, un diablo serio, otros malosos, perversos o afeminados, siempre muy tramposos. Por supuesto, encabezan el viaje María y José, luego se dan las escenas obligatorias, como el nacimiento del niño Jesús, la adoración, con villancicos y la llegada de los Reyes magos.

Tomás Urtusástegui terminó su obra número 440

Tomás Urtusástegui me mandó una pastorela nuevecita: Dime por whats cuando nazca. Todo sucede en el Metro, las estaciones son Belén y Nazareth, los pastorcitos y diablos son substituidos por jóvenes citadinos que compran videos pirata, otros venden música que tocan con sus mochilas y todos comen las fritangas que se expenden en las estaciones. Todo el contexto es totalmente chilango, para que al final se reproduzcan las escenas bíblicas, con el respeto que cada director le quiera asignar, villancicos y versos divertidos. Felicidades al maestro Miguel Sabido y a Tomás Urtusástegui.

Notas breves

El actor Agustín Arana, mediante una llamada, informó en un programa de TV que estuvieron en una ciudad de provincia Alejandra Procuna, Aleida Núñez, Candela Márquez, Julio Camejo y Ricardo Franco y dieron funciones de Una noche de locuras con la productora Lenni Neri y todo quedó nebuloso, ahora no la encuentran…

Roxana Chávez dirige Dálmatas al rescate

Con un elenco de primera: Lalo el Mimo, Gloria Izaguirre, Gary Riva, Augusto de Paolo, Mario Alberto Rodríguez, Selene de Portugal, Alexis González, estarán en el Teatro las Torres de Satélite, desde el domingo 19 noviembre 2017.

La talentosa Roxana es garantía de calidad, así que hay que ver en vivo un grupo de perros entrenados que darán vida a una historia muy apropiada para nuestros niños.