Mes: noviembre 2017

LA CIUDAD DE LEÓN, GUANAJUATO, SEDE DE LA 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO

Por: Alejandro Laborie Elías, critico de teatro

 

La ciudad de León, Guanajuato, será la sede de la 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO (MNT), que se llevará a cabo del 23 de noviembre al 2 de diciembre, con la participación de 39 puestas en escena y alrededor de 1500 actores. Incluirá propuestas representativas de 18 entidades federativas: Sonora, Guanajuato, San Luis Potosí, Ciudad de México, Baja California, Querétaro, Oaxaca, Puebla, Jalisco, Tamaulipas, Durango, Chihuahua, Yucatán, Nayarit, Aguascalientes, Quintana Roo, Chiapas y Veracruz.. La selección se realizó con base en cuatro líneas curatoriales: Cuerpo e identidad, Cuerpo y territorio, Cuerpo y poder y Cuerpo y heteronomía.

 

Durante la presente edición se presentarán las cinco puestas en escena ganadores de las muestras regionales de 2017, convocadas en cada una de las cinco zonas culturales en las que está dividido el país, organizadas por las instancias culturales de las entidades federativas así como de la Dirección de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal. Por primera ocasión se llevará a cabo un laboratorio de crítica teatral y periodismo cultural intitulado MUESTRA CRÍTICA, con el objetivo de que un grupo de practicantes de las citadas expresiones exploren el contexto y el público vinculados con las puestas en escena que se representarán en el encuentro. Se explicó que los participantes son aquellos que hen contribuido en las dos anteriores ediciones con reportajes, críticas, entrevistas y otros textos.

 

Dentro de las actividades paralelas tendrán lugar el Tercer Encuentro de Reflexión e Intercambio (ERI), el Sexto Encuentro de Programadores y Gestores y las Jornadas preparatorias para el Tercer Congreso Nacional de Teatro, a realizarse en 2018, en una sede aún por definir. Tito Vasconcelos y Marco Antonio Pétriz recibirán la Medalla Xavier Villaurrutia durante la función inaugural y Martina Tosticarelli el Premio Internacional de Ensayo Teatral por su trabajo RETÓRICAS DE LA VULNABILIDAD, “pensado en el cuerpo desde la ruptura en la escena contemporánea”.

 

Los generales de la  MNT -como dato curioso la primera versión se realizó en León, por lo que después de casi cuatro décadas retorna a la ciudad que la vio nacer- fueron dados a conocer en conferencia de prensa, llevada a cabo en el Palacio de Bellas Artes, de la Ciudad de México. Roberto Vázquez (Vinculación Artística de la Secretaria de Cultura del gobierno federal) comentó que se trata de un espacio que generará comunidad y resaltó es la manifestación más importante del teatro en el país; Alberto Lomnitz (Coordinación Nacional de Teatro del INBA), mencionó la relevancia itinerante de la MNT, una de sus principales características y agregó es un acercamiento del país a un lugar específico, en este caso León, con la representación nacional del teatro; a su vez dijo que las obras fueron seleccionadas por un grupo cuya dirección artística estuvo a cargo de Luz Emilia Aguilar Zinser, Mario Cantú, Sonia Couoh; Luis Mario Moncada y Sara Pinedo.

 

Antonio Crestani (Secretaría de Cultura, gobierno federal) dio a conocer que la dependencia aporto siete millones de pesos para la realización de la MNT; hizo hincapié en la invitación que se les extendió a 64 dramaturgos menores de 35 años de edad para asistir y tengan un contacto directo con los involucrados en el ámbito nacional, se alimenten de las experiencias de éstos y a la postre enriquezcan el arte teatral.

 

León, Guanajuato espera a los teatrófilos del 23 de noviembre al 2 de diciembre y ser parte de la gran fiesta que convoca a lo más representativo del quehacer escénico de la República Mexicana.

 

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Violeta Isfel doña Ines

Zorrilla, autor de El Tenorio cumple 200 años de nacido

Mariano José de Larra tuvo una vida medianamente atrevida, dejó esposa e hijos por una bella aventurera, cuando ella le dice que ya no lo ama, él se suicida, dejó escrito un drama, Macías; en los funerales, un joven de veinte años se adelanta a la comitiva y pronuncia un elogio en verso, era José Zorrilla (1817-1893), de Valladolid, español fecundo e improvisador, quien dejó varios dramas que se fueron haciendo célebres: El zapatero y el rey, otros y, por supuesto, Don Juan Tenorio, que está inspirado en el de Tirso de Molina; otro de Dumas padre, en las Ánimas del purgatorio de Merimée; dicen los expertos que son desiguales sus obras y muestran la evidente prisa por escenificarlos. Todos ellos pertenecen a la época del Romanticismo, que permite predominen los sentimientos, no el racionalismo y menos la ilustración.

Así nace el gusto que existe por la novela rosa y sus desnaturalizadas hijas: las telenovelas. La versión de Don Juan Tenorio de Tirso de Molina permite que el maloso galán acepte hundirse en el averno; en tanto que en el de Zorrilla, por un arrepentimiento de último minuto, salva su alma, dicen que el amor de doña Inés es el que logra el portento.

Este año toca a Violeta Isfel interpretar a la novicia que está a punto de profesar; en el Teatro Venustiano Carranza; a Miguel Alonso le toca ser don Juan, Martha Ofelia Galindo será doña Brígida y Eugenio Bartilotti es Ciutti, para mencionar a los principales. Los nombres más sonados cada año han sido los intérpretes de estos personajes que han adquirido el carácter de legendarios en México, a pesar del feminismo que todo critica, por ejemplo, dicen que el ajedrez es juego de machos; nunca se les ha ocurrido diseccionar a Don Juan Tenorio como una serie de eventos pedro infantescos: los dos apostadores acosan a sus enemigos, matan y les roban sus pertenencias, conquistan a muchas mujeres y finalmente deberán hacer algo inusual, el jefe de Ciutti, aplica la máxima seducción a la bella jovencita a punto de ser monja formal. Una tradición que anuncia la llegada de las pastorelas.

La huida de Quetzalcóatl

La huida de Quetzalcoatl

En el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario, se presenta un texto juvenil de Miguel León Portilla. Anuncia serán solo 30 funciones, lo que es llamativo, como en La tempestad, donde López Tarso expresó: “¿quieren perder dinero?” Porque en 30 no se recupera ningún proyecto, la tomó Ortíz de Pinedo, acortándola un poco y tuvo público. Así que por lo apretado de la agenda no continuará. Me parece que la música new age, el vestuario tiene una estilización personalísima, que a muchos ha gustado, en lo personal no me pareció memorable; así como las ideas filosóficas que reiteran “el aquí y ahora” en excesivas ocasiones. Eliminando algunas de estas líneas quedaría más eficiente el avance.

Es admirable el entusiasmo por dar vida escénica a un texto de León Portilla, imagino que una gran parte de las ideas del montaje (y texto) es de la directora, lo que permite atisbar en un símbolo que nos hace recibir la frase: “solo vamos a soñar”, como avance esotérico de esta serpiente que se va emplumando para dirigirse al sol, hacia la iluminación deseada. Véala para que usted tome su punto de vista, ante la constante invasión de temas extranjeros en nuestra cartelera.

Sí, podría cambiar de teatro, quizá la escenografía podría volverse minimalista y, claro, viajar a festivales internacionales.

MEDEA (INTROSPECCIÓN DEL ¿POR QUÉ?)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
Imágenes tomadas de Facebook de la página de Martina Sivori

 

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Medea, mítico personaje, asesinó a sus hijas para castigar a Jasón, quien la abandonó por una “puta” corona. En un acto de introspección -desde la perspectiva dramatúrgica del chileno César Farah- y con el propósito de fundamentar, tomando como punto de partida su niñez, el por qué del infanticidio.
Si bien la mitología en muchos casos tiene elementos históricos, en buena medida es producto de la fantasía, no por ello el vocablo mito se usa como sinónimo de fingido o de mentira. El autor que hoy nos ocupa se recrea en su imaginación, en lo que pudo pensar, sentir y, por lo mismo, vivir Medea. Trata de dar una visión de sus conductas como la traición y el asesinato, más que justificar pretende explicar. Se podrá estar de acuerdo con él o discrepar, no por ello deja de ser interesante escucharlo, caminar junto con sus planteamientos y meditar sobre la posibilidad psicológica de sus argumentos. Describe una relación poco común con su padre, un tanto patológica con matices de temor y rencor entre ambos y al mismo tiempo de respeto, claro, cada uno con su peculiar forma de entenderlo, así como su relación sentimental con Jasón.
Farah opta por el monólogo. Es sabido que éste tiende a caer en lo discursivo, en lo narrativo, este caso no es la excepción. La actriz comparte la esencia del íntimo pensar con el espectador en forma directa y llana; por fortuna hay múltiples escenas inmersas en la actuación, se olvida al auditorio y vemos al personaje solo frente a sí mismo, debatiéndose en un duelo existencial entre el ser y el deber ser. Sentencia: “Nada queda en la vida, solo el camino que conduce a la muerte”. El por qué, la respuesta queda abierta.

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El autor asume la dirección de su creación dramática. Una escenografía consistente en una plataforma circular en alto, en realidad son dos, la segunda no es un círculo perfecto y menor en sus dimensiones; un círculo pintado hacia el proscenio rodeado parcialmente por unas velas. Tal vez, que conste que solo tal vez, sean los círculos que encierran a Medea, más que física emocionalmente. Sin embargo, tratándose de una compañía en gira en muchas ocasiones la escenografía es improvisada, no es la original, se adaptan a lo que los organizadores pueden proporcionar, no sé si sea el caso. Por otra parte, el vestuario, supongo, sí es diseño original, es desconcertante: al inicio en lugar de una mujer del mundo helénico da la impresión -al menos a mí- de una oriental, después de vedette, para efectos prácticos es intrascendente.
Ahora vayamos a lo mejor: la actriz, Marina Sivori. Durante el desarrollo va de menos a más, al máximo. Dominio del lenguaje corporal, incluyendo episodios replicando a un primate. Los clímax llegan solos, los hace un deleite, una invitación a la compasión. Con elegancia proyecta el erotismo -abundante por cierto- que marca la dirección. Libra la parte del texto pronunciada en inglés, mismo que está fuera de lugar y no aporta nada. Manipula un títere que representa al padre, dialoga con él, dos en uno, lo hace tan natural que en verdad el progenitor cobra vida escénica. Su rostro, de Martina, transmina la desolación como una cicatriz perpetua.
Dos funciones en la Ciudad de México, por ella, Martina, hubiéramos deseado una temporada, bueno, se aplica aquello de que: “de lo bueno, poco”. Así aconteció con la producción del Centro Experimental de Arte Tessier (Chile), en la Sala Novo.

EFIGIES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Teatro El Milagro es uno de los centros culturales independientes que más promueve la creación escénica. Desde su fundación, las producciones que presentan han sido de indiscutible calidad. Se han preocupado por abrir sus puertas a propuestas de creadores independientes sin importar si son conocidos o no. Así mismo, han albergado a producciones de diversas ciudades del territorio nacional, permitiendo así que quienes vivimos en Ciudad de México conozcamos el teatro que se realiza en los demás estados de la República Mexicana, al mismo tiempo que los grupos foráneos ven la reacción del público de otras latitudes.

Tanto su Consejo Directivo y Artístico conformado por Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi, David Olguín y Gabriel Pascal, como su administración, a cargo de Eduardo Pascal, apoyan e incentivan a todo proyecto que consideren de interés teatral.   Por ello, dentro de su programación habitual, cada año incluyen diversos ciclos especiales, como, por ejemplo, el denomindo Teatro Emergente, que tiene varios propósitos: (i) contribuir a la renovación de cuadros en nuestro teatro; (ii) confirmar propuestas escénicas diferentes; (iii) dar cuenta de la importancia que vienen cobrando las novísimas generaciones de dramaturgos, directores y actores mexicanos, y (iv) brindar al público la oportunidad de ver estas nuevas propuestas.

Dentro del séptimo ciclo de Teatro Emergente de Teatro El Milagro se presentó Efigies, paráfrasis colectiva a Robert Thomas, dramaturgia y dirección escénica de Ramiro Galeana Mellín.

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Efigies está inspirada principalmente en ocho Mujeres; es la obra que hizo famoso en todo el orbe a Robert Thomas, escritor francés, actor y director de cine, a quien distingue el suspenso que imprime a sus comedias, lo cual en cinematografía es denominado thriller. Después de cosechar grandes éxitos con Piège pour un homme seul (Trampa para un hombre solo), de la cual Alfred Hitchcock compró los derechos, Robert Thomas escribió Huit femmes (Ocho mujeres), misma que fue llevada por François Ozon a la pantalla y luego llegó al teatro en múltiples montajes. En México fue intitulada como La Ronda de las Arpías.

Es así como surgió Efigies, que es una paráfrasis colectiva a Robert Thomas, por ser inspirada en Ocho mujeres, y por ser resultado del trabajo colectivo conjuntando ideas, imágenes y textos de William Shakespeare, Pier Paolo Pasolini, François Ozon, Ramiro Galeana Mellín y del elenco.

En su dramaturgia, Ramiro reduce el número a la mitad y en lugar de ser ocho son cuatro mujeres. Con el título, Ramiro implica que las protagonistas se han erigido una imagen convencional para sí, a fin de no dejar ver cómo son en realidad. La historia es abordada como una ligera comedia de enredos y narrada en tono fársico, dando relevancia al suspenso inherente a la trama. El texto de excelente factura.

La función da inicio con un prólogo en el que cada personaje resume sus características principales. En una residencia apartada de a ciudad la señora de la casa se dirige a la habitación de su marido. Louise, su empleada doméstica, la detiene y le dice que cerró con llave la habitación porque que descubrió que el señor Orlando está muerto. La señora trata de abrir, pero le es imposible. La llave se ha extraviado. Se le ve contrariada. Hace tiempo que ella y su esposo duermen en habitaciones separadas y, de hecho, planeaba abandonarlo precisamente ese día. Quería verlo para despedirse.

Aún no salen de la sorpresa cuando llegan Patricia -hermana del difunto- y Sue -su hija-. ¿De qué habrá muerto el señor Orlando?, ¿acaso se trata de un asesinato? Poco a poco se van develando secretos e intimidades. Lo cierto es que cada una de las cuatro mujeres tiene un motivo válido para querer que Orlando muriera. Otro sospechoso pudiera ser Leo del Olmo, amigo cercano de Orlando y quien, al parecer, era cercano a algunas de las damas en cuestión.

En su montaje, la apuesta de Ramiro Galeana Mellín es por la fuerza energética de un buen desempeño actoral. Su labor de dirección es impecable. Mantiene buen ritmo, el desplazamiento de sus actrices es preciso y constante. Combina con acierto la expresión y la corporalidad, y explora técnicas diversas como quiebres Brechtianos, apartes -para que los personajes digan lo que piensan-, y teatro de sombras.

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El elenco de Efigies está conformado por Amaranta Getino (Sue, la hija de Orlando), Paloma Mireles (Louise, empleada doméstica), Dulce Galván (esposa de Orlando), y Érika Pérez (Patricia, hermana de Orlando). Todas ellas encarnan bien a sus personajes. Su labor corporal e histriónica es formidable.

El resto del equipo creativo está integrado por: Antonio Beltrán en diseño de iluminación, Mahatma Ordaz e Isaac Barrios en asesoría de iluminación, Issac Barrios en diseño y realización de pintura escénica, Rafael García Vera en diseño sonoro, Edson López Ledesma en diseño gráfico, Pili Pala y Ulises Dávila en fotografía.

El Milagro, Escena Doble y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del programa México en Escena del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, presentan Efigies, paráfrasis colectiva a Robert Thomas.

Si ya viste Efigies, seguro querrás verla de nuevo. Si no la has visto, no pierdas la oportunidad de verla en su nueva temporada. Es una historia interesante, plena de suspenso, una mezcla de novela gráfica de los años 50 y elementos del género policial, con estupenda dirección y entrañables actuaciones. Además de tratar de resolver quién será la asesina… o el asesino, reirás a carcajadas. Es muy grato ver un montaje fresco tan bien logrado por un joven apasionado del quehacer teatral y de un gran equipo conformado por elenco y creativos que muestran su compromiso y entrega.

Efigies se presenta los domingos a las 13:00 horas en la Sala Julián Carrillo de Radio UNAM, ubicada en la calle de Adolfo Prieto número 133, colonia del Valle -cerca de la parada Amores del Metrobús-, Ciudad de México. ¡La entrada es libre! Su temporada concluye el domingo 10 de diciembre de 2017.

LA DIVINA ILUSIÓN: “AMO EL TEATRO PORQUE NO ES MI VIDA”

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía tomada de la página de Facebook de Pilar Boliver

 

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Soy un apasionado del teatro. En múltiples obras me he visto reflejado en algún(os) personaje(s), en una situación, en una forma de ser. Nunca había caído en la cuenta, como lo sentencia el canadiense Michel Marc Bouchard, que “amo el teatro porque no es mi vida”. No he sido víctima de patrones explotándome en una fábrica, tampoco abusado por un pederasta; no he padecido un adoctrinamiento religioso que me lleve al perjurio, a mentir sin importar las consecuencias para otros o me haga perder la dignidad; no he sido privado de mi libertad física, menos psicológica en grado patológico, ni he sentido el fallecimiento de un hijo por trabajar en la producción de artículos suntuarios. Ahora soy consciente que amo el teatro porque no es mi vida.

Esto y más aborda el texto La divina ilusión, del dramaturgo antes citado. La obra nos retorna a un pasado (Quebec, 1905), lo cierto es su desgraciada actualidad en cualquier país de Europa, América, Asia o África. Provoca, sin piedad o consideración alguna, si el arte, en este caso el teatro, puede concientizar a la sociedad, no solo denunciar sino transformación. Frases contundentes: “El miedo es el enemigo del talento” o “El peligro de la sumisión es cuando se vuelve costumbre” o “No hay forma de cambiar al mundo”. Esta última me deja ciertas dudas, creo que el teatro si bien no ha hecho en alguna medida una revolución social, en otra sí ha contribuido a mejorar el entorno cuando éste ha estado inmerso en la injusticia. De hecho, desde Platón se le tenía pavor a los actores porque invitaban a pensar, lo cual es problemático para los gobernantes.

“En diciembre de 1905, en Quebec -Canadá-, Michaud, un joven seminarista en búsqueda de éxtasis dramático, dedica su primera obra a su ídolo, la divina Sarah Bernhardt, la cual, tal como un haz de luz intempestivo, acaba de llegar a su ciudad sombría. La divina ilusión es la fábula del encuentro entre esta actriz mética y este joven en pérdida de la inocencia y que toma conciencia de los sufrimientos de su época” (Bouchard).

Si bien hay un dejo muy marcado de pesimismo y no precisamente un final feliz, a la postre hay un chispazo de esperanza en y del ser humano. Teatro en el teatro, éste como un medio artístico con el propósito de mostrar y demostrar las debilidades de la aldea global, a través de un poblado en particular. Mucho sarcasmo, por extraño que parezca, humor, una anécdota dramatúrgica con valores y antivalores éticos, un cuestionamiento abierto y directo al clero, a los empresarios, al poder en general.

Boris Schoemann asume el reto de la dirección. Un trazo limpio a pesar de contar con diez actores en escena en un espacio tan reducido como es La Capilla. A cada uno le explota las características propias de sus personajes, simultáneamente unos en un tono, otros en uno diferente. Nunca pierde la atención y el interés del público, a pesar de que el desarrollo transcurre en cerca de tres horas. Aun cuando es una obra complicada, fácil de caer en lo panfletario, Boris dramatiza -en el correcto significado- a la perfección. Un reparto integrado por varias generaciones y formaciones, todos cohesionados como equipo.

Pilar Boliver, Miguel Conde, Miguel Corral, Dali González, Gabriela Guraieb, Olivia Lagunas, Constantino Morán, Carmen Ramos, Servando Ramos, Eugenio Rubio y Mahalat Sánchez, todos espléndidos, deleite para quienes gustan de la buena actuación. Todos destacan, de ellos emanan actitudes y pensamientos que convierten el teatro en arte con posibilidades reales de la toma de conciencia por parte de los espectadores.

La divina ilusión, enseñanza de las posibilidades del escenario como instrumento perturbador y al mismo tiempo provocador de hilaridad, se representa en La Capilla (Ciudad de México), hasta el 21 de noviembre, lunes y martes a las 20:00 horas

BIANCO SU BIANCO (UNIVERSO LUMÍNICO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de Adriana Hernández y Roma Antigua

 

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La luz es un protagonista del teatro, puede ser elemental o de lo más complejo. Cuando es protagonista, es un atractivo visual, plástico, permite crear la atmósfera, no solo física, dar vida a emociones, sentimientos… Esto último aconteció en Bianco su bianco, escrita y dirigida por un artífice del quehacer teatral mundial: Daniele Finzi Pasca. En México, su propuesta más conocida y reconocida es Ícaro, un sueño que lleva a un individuo a “volar”, ¡su imaginación está más allá de la realidad! La producción que hoy nos ocupa representó a Suiza en el marco del Quinto Encuentro Internacional de Clown, con varias sedes en la Ciudad de México, y fue seleccionada para la inauguración.

Bianco su bianco, en palabras de Adair Rodríguez es “un espectáculo poético-lumínico con reminiscencias circenses, repleto de significados que encuentran su razón de ser en el alma. Desde mi perspectiva, consiste en el gozo de un universo lumínico que engalana un poema de texto, una historia surrealista, conmovedora, apasionante, envuelta en lo onírico, en el más estricto sentido del vocablo. Cito: “Un espectáculo donde la estética de la compañía se mide con el vértigo de la simpleza, una simpleza que en este caso estará cargada de pequeñas emociones”. (Programa de mano). A fuerza de insistir, el aspecto lumínico es parte de lo emocional, cautiva, aprehende la atención; para bien o para mal -en ciertas escenas- realza el texto, en otras éste sucumbe ante la fantasía de decenas de bombillas, múltiples estrellas frente a un público deslumbrado.

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Helena Bittencourt (brasileña) y Goos Meeuwsen (holandés) protagonizan el poema dramatúrgico, una excelente combinación de teatro y clown, de oralidad narrativa y circo (acrobacia y malabarismo). Contada la historia por una actriz y un técnico respaldándola con el propósito de crear imágenes que apoyan lo filosófico de la creatividad de Daniele. Malabares con sombreros, máscaras (hipopótamo y cerdo), coreografías, las extremidades inferiores interpretan música; el telón negro al fondo se abre, da paso a un ciclorama violeta y posteriormente blanco; guitarra tocada en vivo y un largo etcétera. Una historia conmovedora, relaciones humanas y lo que conllevan; la enfermedad como un peligro real para destruir la felicidad; una mujer ante la muerte, el desenlace… un público más que atrapado, impresionado ante el mundo ficticio hecho realidad, claro, teatralmente hablando. A ambos intérpretes se les reconoce y admira su esfuerzo para transmitir en español la larga anécdota, principalmente a Helena; Goos, un polifacético, multidisciplinario y, tanto o más importante, su alegría palpable en todo momento, no es fácil hacer “tonterías” en forma inteligente.

El Quinto Encuentro Internacional de Clow inició con el pie derecho, la alegría y la hilaridad serán un bocado suculento para los amantes del género. Además se han programado clases magistrales y talleres que se llevarán a cabo en el Centro Cultural Helénico de la Ciudad de México. Otras sedes son: Centro Nacional de las Artes, Foro Milpa Alta y Anglo Arts Centre. Para conocer fechas y horarios consultar por Internet sus respectivas carteleras.

BARATARIA. ESTADO DE MÉXICO (METÁFORA ENTRE EL QUIJOTE Y LA REALIDAD MEXICANA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía del Facebook

 

 

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Uno por uno ingresan los espectadores, no al área de butacas, directamente al escenario. Lo primero que ven es una larga mesa, de varios metros de longitud que después se convertirá en una pasarela, alrededor de ésta el director y once actores, al son del primero -con su tableta checando noticias y estadísticas-, los segundos, unos maquillándose, otros atisbando periódicos, otros en apariencia distraídos, uno más con una escoba rodeando la mesa, usa aquella como si fuera un caballito de juguete. El director lleva la batuta, la voz cantante, intentos de disertaciones, en algunos casos con sarcasmo, sobre la situación de nuestro México; están centrados en los malos acontecimientos, en lo deplorable de la política, la violencia, la impunidad… Parte del público es convidado a sentarse a la mesa, el resto en las gradas, da la sensación de una irrupción cuando están por comenzar un análisis de texto.

De pronto se escucha: “tercera, tercera llamada…”. Se explica se trata de la lectura de una obra, no será una puesta en escena por varias razones, no se dicen cuáles, cada uno con el texto en mano. Paso a paso se adentran en una analogía tomando como base Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra, además se incluyen citas de Sófocles, Cervantes, Shakespeare, Hobbes, Jesús Silva Herson Márquez, Jorge Volpi, Hugo Gutiérrez Vega, entre otros.

Barataria, ínsula a la que llega a gobernar Sancho Panza, imaginada por Cervantes en el Quijote. El gobernador nunca ha leído un libro, sus habitantes son desempleados, ilusos, buscan como salida el autoempleo, una analogía entre ese lugar y nuestro país, en concreto, el estado de México, tal vez no sea Sancho sino un Nieto de él.

Ahora bien, de cuál obra estamos hablando: Barataria. Estado de México, dramaturgia y dirección del maestro Benjamín Cann, comisionada por el XLIV Festival Internacional Cervantino en 2016, con motivo de los 400 años del deceso de Cervantes. Por demás atractivo y con inteligencia motivar a que el respetable se adentre en el proceso creativo, ser parte de la mesa de trabajo en forma íntima, casi involucrarse con lo que acontece en escena, en torno a los actores y su espacio de preparación. Una especie de juego, hilaridad emanada del humor negro, del pesimismo, de la desgracia sin vislumbrar esperanzas; música en vivo, himnos, por momentos cuadros plásticos, pictóricos; deja de ser un ensayo, adquiere las dimensiones de una lectura dramatizada y entra de lleno a una representación con todas las de la ley.

Una propuesta diferente, original, creativa, producto de la imaginación de un talento, tanto como autor y como director, por parte de Benjamín. Lo acompañan en una brevísima temporada en la Ciudad de México, Rodrigo Murray (Don Quijote) y Norma Angélica (Sancho Panza), Julieta Ortiz, Jacobo Lieberman, André Guerrero, Carmen Madrid, Michelle González, Natalia Madera, Andrés Zuno, Pablo Valentín y Ricardo Fastlicht. Todos acordes a la dirección de Benjamín, sin embargo, el alma del sui géneris montaje o lectura dramatizada, con las peculiaridades ya descritas, son Rodrigo y Norma Angélica.

Esta breve “temporada”, de tan solo tres fines de semana, concluye el 12 de noviembre, con funciones a las 16:00 y 19:00 el sábado, y 18:00 horas el domingo.

 

EL HOMBRE SIN ADJETIVOS

Texto de Naomi Sotelo Dimas

Fotografía de Alejandra Cao

 

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¿Cómo delimitamos la locura?, ¿qué divide a los locos de los cuerdos? El grupo Sino Teatro nos invita a plantearnos estas preguntas por medio de la obra El hombre sin adjetivos, una tragicomedia de Mario Cantú, presentada todos los jueves de noviembre en el Foro Cultural La Saturnina, ubicado en el centro de la ciudad.

Bajo la dirección de Nancy Trujillo, se presenta la historia de Diana, Isaac y Millán, tres extravagantes e irreverentes compañeros, que con sus padecimientos casi hipocondriacos, sus frustraciones extrañas, traumas de la infancia y peculiares opiniones sobre temas como la muerte, el amor y la locura, generan una comedia ácida que cuestiona estos temas y cómo son llevados en su vida diaria (y en la nuestra).

“La locura es una cuestión de consenso” abre el personaje de Millán, en una especie de stand up, donde reflexiona sobre el poder de los políticos, de los religiosos; ¿y si estuvieran locos? La locura puede provocar muchas preguntas muy interesantes. Después de este pequeño monólogo nos introducimos en la vida de sus tres protagonistas y la extraña relación que llevan entre ellos.

A raíz de un accidente provocado por Millán, los tres se embarcan en un viaje a un funeral, y en el camino ocurren varias eventualidades y situaciones desafortunadas e incómodas que generarán tensión, confusión y confesiones entre ellos. Con diálogos muy ágiles, que de primer momento parecieran carentes de sentido, pero que van unificando los mundos internos de cada uno de los protagonistas, la historia finaliza con un giro bastante inesperado. También destaca la participación de tres actrices para el personaje de Diana, así como la iluminación y el manejo del espacio, pues hay varios momentos donde los actores bajaron del escenario.

La Saturnina, ubicado en Carranza 110, centro, es la sede de esta puesta en escena, que se presenta todos los jueves del mes de noviembre, a las 9:30 de la noche.

 

EL BURGUÉS GENTIL HOMBRE

Texto y foto por Ana Leticia Romo García

 el burgues

El 14 de octubre de 1670 se estrenó de El burgués gentilhombre, una comedia ballet (compuesta en prosa y dividida en cinco actos) estrenada por la compañía de Molière. Hoy considerada como representativa del teatro galo del siglo XVII por difundir las problemáticas más importantes de la sociedad europea, incluyendo ciertas denuncias y referencias irónicas[i].

Al ingenuo señor Jourdain, un rico burgués, solo le falta ser correspondido por una marquesa llamada Dorimena; para seducirla, necesita tener conocimientos sobre buenos modales y un título nobiliario para sentirse como un auténtico y distinguido aristócrata. Así, contrata a diversos personajes, tales como sastres y maestros especializados en distintas ramas del arte, quienes pretenden sacar de este aspirante a aristócrata el mayor beneficio posible en materia económica.

En ese contexto, su hija sufrirá las consecuencias de la personalidad de su padre, quien obstaculizará sus deseos de contraer matrimonio con Cleonte por no tener condición de noble. Pese a la postura obstinada de Jourdain, poco tiempo después, gracias a una serie de episodios absurdos puestos en marcha por Covielle, el lacayo de Cleonte, todos los involucrados en esta historia terminarán satisfechos, ya que mediante una gran farsa, lograrán burlar al ignorante e ingenuo Monsieur Jourdain.

La obra adaptada y dirigida por Juan Manuel Bárcenas, también difunde sarcasmos y denuncias actuales, utilizando la sátira y la exageración de actuación, dándole a esta comedia un toque muy mexicano. La obra con un excelente y gran elenco: Pedro Rubén González, David Cabello; Sergio Alfonso Alonso, Erszebet García, Jesús López, Gerardo Garibay, entre muchos otros, y además música en vivo. Se presentará en el Foro La puga de los Arquitos el próximo fin de semana (viernes-sábado y domingo). ¡No se la pierdan!

 

[i] https://es.wikipedia.org/wiki/El_burgu%C3%A9s_gentilhombre

LA HUIDA DE QUETZALCÓATL (IMPRESIONANTE)

Texto y fotos por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Quetazalcóatl2Muchos soñamos con no perder nuestra capacidad de asombro, pero si fuéramos presas de la apatía frente al hecho artístico y estético, un remedio es asistir a la puesta en escena de La huida de Quetzalcóatl, la cual merece con justicia el calificativo de impresionante. A partir de una dramaturgia del maestro Miguel León-Portilla, único texto dramático escrito por el historiador a la edad de tan sólo 29 años. “Una conmovedora disertación filosófica en la voz del mítico sacerdote Ce Acate Topietzin Quetzalcóatl, uno de los personajes históricos más ambiguos y contradictorios de Mesoamérica”.

Continuo citando: “Sacerdote y rey de Tula, a quien se recuerda como el gran protector, gestor y desarrollador de las artes, la arquitectura, la orfebrería y la cerámica, una especie de héroe espiritual y cultural”. Semblanza que creo es de la autoría de Mónica Raya, adaptadora, cabeza de la labor de investigación en escena y, enhorabuena, responsable de conjuntar a un talentoso equipo creativo en torno al montaje, enumerar cada uno de sus integrantes requeriría un gran espacio, simplemente un reconocimiento para todos los artistas, actores, acróbatas y bailarines, en total 160 participantes.

Una propuesta donde la palabra -las ideas filosóficas- tienen un gran peso, es la fuerza de la reflexión: solo quienes se consagran a lo que hoy se llama cultura pueden ser dioses en la tierra como Quetzalcóatl. Mónica, en su adaptación hace más ligero el lenguaje, suprime la densidad original, dicho por ella misma. A la par, lo verdaderamente impresionante es la puesta en escena. Loable en el más amplio sentido del término es el manejo del espacio a cargo de la propia Mónica, con la colaboración del diseño escenográfico digital de Ary Ehrenberg y Medusa Lab. Más que impresionante, de fondo una pirámide sugerida, ahí cobran vida una serie de imágenes, imposible describirlas con simples palabras, algo similar a un caleidoscopio, a la vez ahí reptan serpientes, vuelan seres míticos…; los colores, la belleza plástica es inigualable, espectacular, marco para filosofar sobre la realidad y mito de Quetzalcóatl. Además cuatro estructuras movibles con las mismas características visuales. Una mecánica teatral con grandes requerimientos tecnológicos, un “espejo” se apodera del espacio en forma fenomenal, en él Quetzalcóatl descubrirá su verdadera imagen, su esencia.

Quetzalcóatl1En escena, danzantes y acróbatas con atavíos esplendorosos, inundados por el colorido, tal vez una recreación de cómo fue en realidad. El maquillaje facial y la pintura corporal una ensoñación; el desplazamiento es una danza de principio a fin, los que están en escena hablan con sus movimientos, con sus manos, con su gesticulación. Del “cielo” descienden los danzantes aéreos, en “tierra” los toltecas danzan con frenesí. Diálogos profundos, disertaciones a cargo de Quetzacóatl y Axcantéotii (dios del tiempo), en medio de la acción dramática. Una invitación para descubrir o redescubrir de qué y por qué huyó el mítico personaje y el que al final se convirtió en una estrella. Un universo sonoro, tanto en efectos como musicalización, complementan el mundo onírico, una versión moderna del realismo mágico. El elenco, encabezado por Muriel Ricard y Juan Carlos Vives, igual de impresionante.

Si Mónica tenía en su haber méritos teatrales para su reconocimiento, con este montaje se consagra como una de los máximos pilares del teatro mexicano. Por mi parte quedé conmocionado, solo lamento no encontrar las palabras -creo no las hay- para describir y transmitir la belleza intrínseca y extrínseca de La huida de Quetzalcóatl. La temporada culminará el 10 de diciembre, los jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en el Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México.