Mes: diciembre 2017

TITUS ÓPERA DE CÁMARA

Información Conaculta.

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Con la finalidad de revitalizar el género operístico a fin de acercarlo a un público joven, la compañía Ópera Portátil presentará los días 6 y 7 de diciembre, Titus, ópera de cámara contemporánea, en el Centro Cultural Helénico.

 

Compuesta por el uruguayo Guillermo Eisner, con libreto de Carla Romero, Catalina Pereda y Didanwee Ken, dicha propuesta parte de la primera y más violenta tragedia de William Shakespeare, Titus Andronicus.

 

La génesis de la violencia como promesa de paz, la destrucción total de la empatía es retratada en la puesta en escena en la que el eje central es el cuerpo de los intérpretes.

 

La ópera ejectuda en español, aunque cuenta con supertitulaje, está a cargo de las sopranos María Teresa Navarro (Titus), Catalina Pereda (Tamora) y Albina Goryachikh (Lavinia), los barítonos Raúl Román (Saturnino) y Vladimir Rueda (Aarón) y los tenores Mauricio Jiménez (Chirón y Demetrio), Ulises de la Cruz (Lucio) y Mario León (Bassanio y Nodriza).

 

La intención es invitar al público a sumergirse en una experiencia musical y estética que ofrezca diversas perspectivas para reflexionar en torno a la violencia, la misoginia y el racismo.

 

La decadencia de la sociedad se muestra por medio de la agresión en contra de las mujeres y de todo aquel que represente a la otredad.

 

En la historia, Titus Andronicus, gran general romano, regresa victorioso a Roma tras una larga guerra contra los godos, en la que ha perdido casi a todos sus hijos.

 

Para celebrar hace un sacrificio humano de un enemigo prisionero, hijo mayor de la reina Tamora, quien posteriormente se convierte en la nueva emperatriz de Roma, elegida por Saturnino, el sucesor del emperador recién fallecido.

 

La dirección musical es de Rodrigo Cadet y diversas corrientes de la música contemporánea conforman la estética sonora, la cual se enriquece con elementos del minimalismo y el expresionismo.

 

Esta tendencia reducida a lo esencial también se aprecia en la escenografía en la que sobresalen enormes telas que hacen alusión a los claroscuros de la sangrienta tragedia.

 

La puesta dirigida por Carla Romero, destaca por ser coreográfica, incluir elementos contemporáneos como la música electrónica y ofrecer un contexto armónico modal para las voces y atonal para la orquestación.

 

Titus es co-producida por el  Centro Cultural Helénico, el Instituto Nacional de Bellas Artes y la compañía Ópera Portátil,  beneficiaria de México en Escena, Programa de Apoyo a Grupos Artísticos Profesionales de Artes Escénicas del Fonca.

 

Titus se presentará este miércoles 6 y el jueves 7 de diciembre a las 20:30 horas respectivamente, en el Teatro Helénico del Centro Cultural Helénico, ubicado en Av. Revolución No. 1500, col. Guadalupe Inn. Localidades: $200.

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Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Casa de muñecas vuelve a la cartelera

Esta obra de Henrik Ibsen regresa con regularidad, en 1904 la actuó por primera vez en México la actriz italiana Teresa Mariani, Mercedes Navarro y Julio Taboada; Teresa Mariani (En el Arbeu, 1916) causó una verdadera conmoción porque contravenía la moral conservadora del momento. En 1940, las legendarias hermanitas Blanch la presentan exitosamente en el Ideal; en 1945, la escenifica Pita Amor; en 1976 con dirección de Dimitrio Sarrás, María Eugenia Ríos, Claudio Brook, Ada Carrasco, Graciela Doring (en el desaparecido Polyforum) y de cuando en cuando se han arriesgado a realizarla sin dejar algo impreso en nuestra memoria.

En su estreno (1879) fue contraria a la familia conservadora en boga, por lo que recibía alabanzas, poco a poco queda como una pieza de museo, llegará un momento que interesará solo porque el autor no consideraba haber escrito una obra feminista, como yo también lo creo, resulta una lectura más allá del texto. El reparto lo integran Moisés Arizmendi, Erando González, Olga González, Francisco Mena y Andrea Salmerón, con un ritmo lento, que finalmente le hace durar en exceso. Con la adaptación no me parece agreguen algo el vestuario y las tareas escénicas; hay rutinas y actitudes que no me convencieron, si yo le cuento que Nora se quita los zapatos de tacón veinte veces no habré exagerado, no entiendo qué quiso decir con esto el montaje. Si la obra es aceptada por la mente del público del siglo XXI, qué bueno, si no, para qué le ayudan.

La escenografía de Gabriel Pascal representa una Casa de muñecas (sugerida, deja ver el interior), se ven dos puertecitas y los cuartos posteriores, con no mucha utilidad; así que los actores hacen su mejor esfuerzo en ese espacio para mostrar la anécdota que usted probablemente conoce. Es un gran esfuerzo, dirigida por Mauricio Jiménez, que gusta a una parte del público, porque el elenco se entrega con entusiasmo. Acuda y lea antes o después la obra para que intercambiemos opiniones.

 

Pedro Kominik cautivó a su audiencia

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El Segundo Ciclo de Cabaret se realizó en el Galeón, estuvieron De príncipes, princesas y otros bichos, Dicen que me parezco a Santa Anna, entre otras; acudimos a ver La pasión según Lupe Lemper que dirige y actúa Pedro Kominik, con Gabriel Jiménez y Pamela Castañeda; le dan formato de Cabaret al recinto teatral, las butacas conviven con mesa y sillas, para sentirnos en un centro nocturno, también hay meseros, bocadillos y vino. La anécdota es sencilla, interpreta a una espía que en la Segunda Guerra Mundial canta, baila y seduce. La referencia a Ute Lemper es para darnos contexto: música, cabaret, canciones, bellas mujeres que guardan secretos. Con una buena producción, hace bromas, canta, baila, se mete con los políticos de moda (ahora que casi no se habla de candidateables y de políticos honrados), pasamos casi dos horas muy divertidos. Este ciclo que está rescatando el teatro de revista tiene como ingredientes canciones, elegancia, color, sensualidad y frases atrevidas, aunque es realmente familiar. La defensa de los derechos humanos es un tema que a todos nos inquieta y cuando se hace con humor inteligente, se aplaude con entusiasmo.

 

Notas breves

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Frida y Diego musicalizada. La talentosa Ana Hally estrena Diego y Frida, me gusta la biografía condensada de la pintora coyoacanense, en Reforma 169 (dentro del nuevo corredor cultural de la colonia Juárez), esta terraza de un hostal queda muy cerca de Insurgentes. Más adelante les haré una descripción de los valores del texto, canciones y, por supuesto, la muy bella voz de esta actriz, es una narración ilustrada con las pinturas de la Kahlo. Felicitaciones a Diego y Frida.

Bonanza cumplió 5,200 funciones

Arturo Amaro escribió Bonanza, acaba de cumplir 5,200 funciones en el Foro Off Spring; habla del bulling -que ahora creen se acaba de descubrir- cuando el teatro costaba 100 pesos en promedio, antes de que quitaran tres ceros a la economía, o sea, cien mil pesitos. También Arturo va cumpliendo seis meses con Canción rota para un perdedor fortuito. Pero de las tres obras, hablaremos en las siguientes columnas.

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Por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

 

Yo nunca lloro, ¿por qué soy teatrista?

Se trata de una idea nacida en Adelheid Female Economy, colectivo multidisciplinario con sede en Amsterdam, se llama Yo nunca lloro, textos e ideas adicionales de Laura Almela y Daniel Giménez Cacho. Ojalá regrese a la cartelera durante 2018 porque el año se acaba. Ellos nos van platicando detalles de su vida, otros son la estructura de la narrativa original, para convertir el foro El Milagro en algo parecido a un bar con cómodos sillones, como en casa, algunos de ellos son simples cojines enormes para descansar, ser jalados o acostarse sobre ellos. Estábamos como treinta espectadores,  -casi todos jóvenes- pero hubiéramos cabido, quizá, 60 cómodamente, la idea es que nos vayamos involucrando poco a poco, con algunas proyecciones multimedia que aportan datos humorísticos para hablarnos de ídolos, su validez y las extrañas conductas que vamos recibiendo en casa, la familia y con la(s) pareja(s). Platican acerca de su facilidad para llorar, gustos, sueños y fobias.

Los grandes dramas ya están escritos, por lo que mejor nos platican el propio, algo así como un constante deambular entre certezas y dudas vivenciales para que el espectador piense, se identifique: aquella experiencia con mi padre, mi madre, no se parecen en nada ¿o sí? Sin una estricta narrativa de principio-centro-fin y un personaje que asesina al otro, nos hacen sentir a gusto cuando mueven a alguien de aquí para allá, arrastran su sillón y al final nos regalan un bocadillo. Se parece un poco a los montajes ochenteros que reproducían las ideas de moda, como Erich Berne, que acababan casi en una terapia catártica.

Mínima escenografía, iluminación sin muchos adornos, de Gabriel Pascal. Acuda, la va a pasar bien desde los primeros minutos, no le cuento más, para que se sumerja en ese espacio del corredor cultural de la Juárez, que permite varias formas de representación escénica.

Macbeth vuelve a la carga

 

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Ahí cerca, en el Teatro Milán pudimos ver uno de los textos emblemáticos y más representados de William Shakespeare, el poder es la droga más poderosa de la historia y viene al caso en este periodo preelectoral, con las fuerzas del mal totalmente desatadas. Juan Manuel Bernal (Macbeth) tiene buen desempeño en esta versión no muy larga, para que Lisa Owen se exhiba como intensa y precisa en cada momento. El resto del elenco son Raúl Villegas (Macduff), Paula Watson (Lady Macduff y Bruja), Hamlet Ramírez (Banquo), Diego Jáuregui (Duncan), Miguel Santa Rita (Malcolm), Assira Abbate (Bruja) y Julián Segura (Ross). La primera parte (no hay intermedio) es un poco lenta, hay instantes en que la dicción no es perfecta, la segunda va tomando solidez para que veamos llegar las escenas de poderosa confrontación, dominar a los otros y poseer una corona sigue siendo el motor de los humanos, en los cinco continentes y todos los siglos. Se ha utilizado una escenografía sencilla, práctica, de Adrián Martínez, que permite tener varias profundidades sin necesidad de pérdidas de tiempo, también el vestuario de Mario Marín, sobrio, para bocetar el uso eterno de los símbolos de poder. El colorido, el conjunto utilizado, es bello. Así que acudamos a ver la pulcra dirección de Mauricio García Lozano y actuaciones de alto nivel.

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Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Develación de placa de la obra Bonanza

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La compañía de teatro Los bajos fondos devela placa por 5200 representaciones de la obra Bonanza… como en aquellos tiempos, de Arturo Amaro. “Benjamín Bernal en su intervención hizo notar que Arturo Amaro ha superado todos los problemas de los hacedores de teatro: autoridades difíciles. Costos ascendentes, no hay apoyo sino para los cuates, cuando se estrenó Bonanza era presidente Carlos Salinas de Gortari, el boleto promedio de teatro costaba cien pesos (hoy sin los tres ceros costaría cien mil pesos). Nacía Conaculta, que ahora es Secretaría, como quería CSG, ¿han apoyado el arte teatral o le dieron chamba a sus amigos? Por eso lo que ha logrado Arturo es una proeza, pocos han podido tener un teatro, estrenar sus obras, ganar, dinero, ser respetado y ahora llegar a 6,200 funciones”

Arturo Amaro celebró cinco años de trabajo

Un semestre de éxito con Canción rota para un perdedor fortuito, bajo la dirección de Benjamín Bernal, ¿de qué habla la obra? Hace muchos años nevó en la Ciudad de México, y un niño fue abandonado en una azotea del centro, en el frío de la noche. Esta imagen fue el punto de partida para que Arturo Amaro escribiera Bonanza, recuperación de la infancia perdida, evocada con aquella entrada musical del programa de televisión favorito de los niños de los sesenta… (Víctor Hugo Rascón Banda, Bonanza, Proceso, 1994). Bajos fondos, compañía fundada por el dramaturgo Arturo Amaro en 1988. Desde hace 29 años, Bajos fondos maneja un teatro legítimo con un lenguaje propio, una propuesta teatral con montajes comprometidos con la sociedad, buscando abrir los ojos a los espectadores, siempre muestra realidades, vidas y personajes existentes en nuestro mundo. El grupo de teatro independiente los Bajos fondos desde hace 29 años denuncia las violaciones a los derechos humanos a través de montajes como La agonía de la memoria, Rastro de restos, Indiciados por decreto, Nunca más contra el olvido y el silencio, Dormitorio z-o y Bonanza… como en aquellos tiempos relata la vida de tres niños enajenados con la serie de televisión Bonanza: La televisión juega un papel importante en sus vidas, así como la falta de atención de sus padres, la inocencia, la crueldad. Con el humor negro característico de Amaro se aborda la historia en las azoteas, llena de aventuras, pieles rojas, maldad y nieve, muchos son los temas abordados en el montaje, que con la misma facilidad hará reír y llorar al espectador. Develaron la placa alusiva: Estela Leñero, Benjamín Bernal, Gonzalo Valdés Medellín, Gustavo Suárez, para rendir homenaje a un gran teatrista y amigo.

PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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El amor es esplendoroso siempre y cuando sea correspondido. Si es unilateral, no hay nada que hacer. Peor aún, si alguna de las dos personas usa el amor para aprovecharse de la otra, sea mediante violencia, maltratos, humillaciones, robos, deslealtades o infidelidades, lo aconsejable es poner distancia de por medio y olvidarse del asunto. Sin embargo, no obstante que ambas personas estén en el mismo canal, habrá dificultades que superar, como por ejemplo, la rutina, el respeto a sus cosas personales, la distribución equitativa de gastos, la atención que se brinden el uno al otro y mucho más. El amor es como una planta que hay que cuidar y brindarle atención, regándola, podándola, aseándola.

Justo a partir de que existe cierta atracción, comienzan las incertidumbres, como por ejemplo: ¿le gustaré?, ¿cómo será su carácter?, ¿seremos compatibles?, ¿cuáles son sus preferencias? Un cúmulo de preguntas que el tiempo irá respondiendo. No existe garantía alguna, pero el amor arrastra hacia un precipicio y cualquier persona que lo sienta está dispuesta a lanzarse al vacío. La razón de esto es la convicción de que si el ser amado resulta el indicado, habrá de valer la pena. Si la atracción es irresistible, se busca estar en pareja.

La chispa del amor es poderosa y, en múltiples ocasiones, es una luz que ciega a quien la siente y también lo atolondra. Tan simple como aquello que dicen de “sentir mariposas en el estómago”. Lo que viene después, ni los interesados ni nadie lo pueden predecir.

El amor en pareja es el tema elegido por Mariano Rochman, un joven actor, director, dramaturgo y productor argentino, en su obra Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos. Mauricio Rochman es un apasionado contador historias. Estudió dramaturgia con importantes autores y directores internacionales, entre quienes destacan: Juan Mayorga, Guillermo Heras, José Sanchís Sinisterra, Sergi Belbei y Rafael Spregelburd.  Sus textos son muy estructurados y una de sus características es la forma en que delinea a sus personajes. Su intención no es crear súper héroes, sino seres humanos con virtudes y defectos, lo cual hace que para el público sea fácil identificarse con ellos, o al menos, pensar que conocen a alguien parecido. Todavía no cuenta con una larga trayectoria, pero prácticamente todas sus obras han sido exitosas.

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En particular, Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos, le ha dado al autor muchas satisfacciones, fue estrenada hace unos ocho años y ha sido representada en varios países y, en casi todas las funciones quien la ha protagonizado es el propio Mariano Rochman.

Para su montaje en nuestro país, se decidió hacer una innovación, aprovechando que el amor es universal y que no distingue género, raza ni edad. Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos se presenta en dos versiones distintas. En una de ellas, la pareja es heterosexual y en la otra, es gay.  Así que el público puede elegir la versión que desea ver, o bien, asistir a ambas.

Diego se siente atraído por alguien a quien encuentra casi a diario cuando va camino a su trabajo. No se atreve a hablarle, pero echa a volar su imaginación mientras trata de animarse a entablar una plática casual. De pronto, un día se produce el encuentro en forma casi accidental sin que Diego haya tenido que tomar la iniciativa. Este es el punto de partida hacia el torbellino. Ambos se habían estado observando y saben que la atracción es mutua, así que ya nada podrá detenerlos. Usarán sus cinco sentidos para conocerse. Uno de ellos es fotógrafo profesional, por lo que su horario es flexible, en tanto que el otro trabaja en un importante despacho de abogados y tiene que estar disponible a toda hora. A fin de estar juntos todo el tiempo y también por motivos de economía, Diego terminará viviendo con su pareja.

La trama concebida por Mariano Rochman capta el interés del espectador de principio a fin, con la ventaja de que los parlamentos son una combinación de lo que hablan entre ellos y los pensamientos de cada uno. Si quieres saber si el amor de Diego y su pareja resistirá los avatares de la convivencia cotidiana, tienes que ir a ver Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos.

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La labor de dirección por parte de Emmanuel Morales es loable. Su trazo escénico está pleno de dinamismo, utiliza coreografías para marcar el paso del tiempo, concede un lugar especial al sofá para dimensionar espacios, siendo éste desplazado por los propios intérpretes en forma ágil y discreta. Logra un buen balance entre acción y pausas. Aprovecha a fondo el espacio y el ritmo es fluido.

El elenco está conformado por Alfredo Gatica (Diego), María del Carmen Félix y Antón Araiza. Alfredo Gatica está en las dos versiones.  En la heterosexual lo acompaña María del Carmen Félix y en la gay, Antón Araiza. Me tocó ver la versión gay. Tanto Alfredo Gatica como Antón Araiza ofrecen un extraordinario trabajo histriónico y corporal. En particular, Antón, como de costumbre, está espléndido con la amplia gama de emociones que aporta a cada personaje que interpreta.

Édgar Sánchez es el responsable del diseño de escenografía e iluminación. Con unos cuantos elementos, de los cuales, desde luego, el principal es el sofá multifuncional, logra con acierto dar el entorno adecuado a distintos escenarios. Así mismo, distribuye atinadamente la luz y los oscuros momentáneos.

La gran diseñadora mexicana Brisa Alonso se luce haciendo lucir a los intérpretes.  Para el fotógrafo, crea un atuendo casual con una originalidad inusitada: una especie de camisa a dos tonos con chaleco integrado que muchos de los espectadores comprarían gustosamente. En tanto que al abogado le diseña un traje de fino casimir y excelente caída que lo hace ver como un verdadero príncipe. Sin dejar de lado las demás piezas, incluso de ropa interior. Como siempre, todas las prendas son de alta costura, de espléndida confección y de gran funcionalidad para las acciones requeridas.  Tengo la certeza de que la vestimenta de la actriz ha de estar igual de espectacular.

El mapping que sirve para ilustrar momentos determinados es creación de Lizo Zambrano. La fotografía y el diseño gráfico son de Javier Pérez Maya. La producción está a cargo de Mariel Granados y Mariano Ducombs, en tanto que Diego Cooper funge como asistente de dirección y producción.

Somos curiosos por naturaleza. En Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos podremos ver la historia de una pareja desde antes de que se conozcan, luego, cómo avanza su relación. Al principio, enamoradísimos el uno del otro. Después, cómo se va colando la rutina y aquellas diferencias en cuanto a intereses y responsabilidades que habían sido ignoradas por la fascinación vuelven a tomar importancia. Te enterarás de todo mientras te entretienes disfrutando de un montaje bien realizado con actuaciones entrañables. La temporada está por finalizar y solo quedan dos funciones, así que apresúrate a comprar tu boleto.

Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el Teatro NH, dentro del complejo del Hotel NH, ubicado en Liverpool número 155, colonia Juárez, Zona Rosa, Ciudad de México. Toma en cuenta que la entrada al teatro es por la calle de Amberes. La duración es de 90 minutos. La localidad tiene un costo de $350.00 pesos. Versión heterosexual, miércoles 13 de diciembre de 2017. Versión gay, miércoles 20 de diciembre de 2017.

NUMANCIA (TRAGEDIA EN VOZ DE LOS POBRES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen compartida por Iván Romo en la página de Facebook de la CNT

 

Numancia

Juan Carrillo, director de Numancia, considera que Miguel de Cervantes Saavedra, autor del texto, pone la tragedia en voz de los pobres, aspecto con el que adquiere, conserva, un carácter contemporáneo. La puesta en escena que hoy nos ocupa parte de una versión de Ignacio García. Un pueblo débil es asediado por las legiones romanas, hay que elegir entre morir con dignidad o vivir en el sometimiento; una “batalla” donde los muertos -todos los habitantes de Numancia- son víctimas de la inanición, de la privación de la existencia por sus seres queridos para evitar el sufrimiento de sus existencias y el cautiverio, por actos heroicos, por el suicidio…

Una lección -muy avanzada para su época- a través de una lucha social para reivindicar los derechos de hombres, mujeres y niños, hecho que sucede en varios lares del orbe en la actualidad y, en cierto grado, en nuestra República Mexicana. La derrota es la victoria, solo moral si se quiere; la victoria es la derrota ante la ineficiencia de aplastar la voluntad férrea mediante las armas.

La producción corre a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y el Festival Internacional Cervantino (FIC). El estreno se llevó a cabo en 2016 en la edición XLIV del FIC para conmemorar los 400 años del fallecimiento del dramaturgo español. La obra fue escrita hacia 1585 con el título El cerco de Numancia. Esta versión está modernizada, y aun cuando está presente el verso, se pronuncian expresiones como “hijos de la chingada”.

Carrillo hace una dirección impecable, por una parte conjuga a sus actores sin caer en lo homogéneo, salvo momentos donde los legionarios se posesionan de la escena o el pueblo tras la muralla; por la otra parte, aprovecha las cualidades de quienes llevan los protagónicos, a cada uno le brinda el personaje que le corresponde, su selección individual embona con maestría en el todo escénico.

Es de considerarse la importancia fundamental, esencial, crucial, de Jesús Hernández, diseñador de escenografía e iluminación; crea un mundo físico, es indiscutible, más allá de eso hay un contexto dramático, estructuras (muralla exterior y parte del interior de la ciudad), éstas adquieren personalidad propia, las tonalidades lumínicas no reflejan, son la vivencia de la tragedia; ambas propuestas dignas de ser recordadas por siempre, complementan en semejantes condiciones, el vestuario de Jerildy Bosch y el maquillaje de Mario Zarazúa, sin pasar por alto la excelsa sonorización de Valeria Palomino. Un montaje para la semiótica: carretillas (de las usadas en la construcción) simbolizan, entre otros, escudos; una sustancia negruzca y líquida, la sangre; unas telas son espadas; un “bulto”, un cuerpo humano… Todo el equipo creativo se confabula para que el espectador se sumerja, penetre las profundidades del infierno: hambre-enfermedad-muerte.

Veintiseis actores de la CNT, todos dando lo mejor de sí mismos. Del conjunto destacan, sin apartarse de la unidad grupal: Andrés Weiss, Rodrigo Vázquez, Arturo Beristáin, Óscar Narváez, Érika de la Llave y Pauilana Treviño.

Numancia, en brevísima temporada en el teatro Julio Castillo, Ciudad de México, hasta el 17 de diciembre, jueves y viernes a las 20:00, sábado 19:00 y domingo 18:00 horas.

LAS AVENTURAS DE BURATINO (TÍTERES Y ACTORES, SIMBIOSIS ESCÉNICA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotos tomadas de la página de Facebook de Teatro Muf

 

Buratino

Nacido en Bulgaria, adoptado por México, Mihail Vassilev ha entregado su estancia en nuestro país para enaltecer, difundir y promover, marcar con tatuaje en niños y adultos la magia y el arte de los títeres. Gracias a sus inquietudes, pasiones y gestiones, durante 20 años tuvimos la oportunidad de apreciar y conocer a las mejores compañías del mundo, a los más destacados, a los virtuosos manipuladores, aquéllos quienes convierten un objeto inanimado en un ser vivo que trastoca lo más profundo de nuestro ser y dejan huella en nuestra existencia.

Más allá de su labor como promotor, tiene su propia compañía, Teatro Muf, con la que ha recorrido innumerables escenarios. El más reciente, el Teatro Sergio Magaña, donde represento Las aventuras de buratino, de Aleksey Konstantinovich Tolstoy, “espectáculos de calidad con títeres y marionetas de hilo -sistema de manipulación indirecta- hechas en Bulgaria -diseñados junto con la escenografía por Silva Bachvarova- que conmueven y hechizan al espectador”.

Mihail -responsable de la adaptación, dirección e iluminación- logra que el artefacto del títere adquiera vida en el escenario, con la salvedad de superar limitaciones propias del actor, como desafiar la gravedad o salvaguardar la integridad corporal, superar el miedo escénico, suspenderse en pleno vuelo, etcétera. Es cierto, los actores-manipuladores- dan voz y movimiento, el títere al cobrar vida se convierte en una especie de mimo. Propone teatro en el teatro. Se puede pensar que sus títeres manipulan a los actores, tienen consciencia plena, protagonizan la anécdota, la fábula, son los personajes mismos.

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Una historia y adaptación sencillas, tanto en forma como en fondo. Madera y tela, obvio, hilos, son el foco escénico; los personajes conviven con los integrantes humanos, se mezclan en una dualidad que adquiere unidad. La trama es importante, más la magia de quienes la crean, aprehenden a los pequeños y grandes espectadores. No hay teatrino, un farol, un par de espejos, gazas, un pequeño templete, animales, dan contenido a la fábula, dos acróbatas y un artesano fabricante de marionetas; pareciera largo el listado, la verdad con pocos elementos, un gran espectáculo. Hoy no contaremos la historia, busquemos una llavecita de oro que abre la puerta a la libertad.

Guillermina Pérez, Lory Fuchs (Argentina), Leobardo Márquez y Miguel Ángel Morales invitan a sus dos próximas presentaciones en el Foro de las Artes (Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México), el sábado 16 y domingo 17 de diciembre, a las 13:30 horas, oportunidades para convivir con Buratino, personaje principal del libro La llave de oro.

VISITA A LA 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 2017 (MNT)

Por Marcela Mondragón

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Mi primer experiencia en la Muestra Nacional de Teatro MNT, misma que se llevó a cabo en la ciudad de León, Guanajuato, ha dejado una puerta abierta que incita al deseo de aprender y conocer más de todo aquello que se mueve tras bambalinas, en ella pude entender cuál es el objetivo del teatro, que por décadas ha significado una forma de expresión, y sin duda, como método de comunicación, del que muchos han sacado partido para ampliar, no solo su horizonte político e intelectual, sino cultural y artístico.

En este lugar aprendí (entre muchas cosas) que 38 años, se dicen fácil, sin embargo, este número representa una historia en la producción escénica en México; así mismo, que la MNT está conformada por una extensa comunidad teatral con un objetivo en común, pues como representantes del teatro mexicano, han decidido partir de las problemáticas y situaciones que aquejan a nuestro país, y apoyarse de la belleza de la expresión teatral para unirse en el grito de un mensaje, que luego se convierte en ese diálogo que parece difuminarse en las generaciones de la actualidad.

Para ello, es necesario hablar un mismo idioma, compartir instrumentos intelectuales y artísticos y ponerse de acuerdo en los temas que se tratarán; este encuentro fue pensado con el fin de identificar entre productores y actores las deficiencias que podrían evitar lograr su cometido, pues es por lo que muchos trabajan incansablemente; en esta muestra leí mediante la propaganda repartida entre el público, ¿cuál era su meta?: “Dar sentido discursivo al teatro para que dialogue con el público, haciendo uso de los instrumentos que le son propios: la escena y la poesía”.

De esta forma llegamos a la presentación de 38 puestas en escena con diversos temas de impacto pensado para todas las edades; la ciudad de León, Gto., fue testigo durante diez días de un reflejo del México que vivimos hoy. Presenciamos talleres, foros de discusión, espacios abiertos para la construcción del diálogo, mismos que sirvieron para documentar una propuesta ensayística, que servirá de aporte a la MNT en los temas a tratar en lo subsecuente.

Para finalizar, algunas de las obras que visitamos con el equipo de A Escena fueron: Siete, El inspector, Trans, UMA y Los delirantes; todas con un tema específico, que van desde la corrupción de los gobernantes y los conflictos de la infancia, hasta los problemas de equidad de género.

Este evento ha respondido a algunas de mis dudas acerca del trabajo que se realiza desde la logística, al análisis reflexivo y crítico de las obras que se exponen, así como la propuesta del mensaje proyectado. Es increíble ver el talento mexicano y el trabajo exhaustivo que se desempeña en cada ensayo.

Por mucho tiempo adopté la idea de que el acceso al teatro era demasiado costoso, sin considerar que mucho del trabajo que ahí se realiza tiene un valor incalculable, haciendo de lado aquello que va más allá de la butaca. México tiene un gran talento, el teatro adquiere otro significado para mí, pues en cada puesta en escena, el público recibe un mar de información representado en un diálogo hecho poesía, una escenografía y un mensaje que busca unificar criterios, resiliencia, sororidad y justicia. Entre muchas cosas más.

Para despedirme, puedo decir que la comunidad teatral ha adquirido una gran responsabilidad de comunicar a través del entretenimiento, sin embargo, aunque hay un trabajo extenso de investigación en la elaboración de cada obra, nos corresponde como público elegir con qué verdad nos quedamos, pues a mi punto de vista no podemos dejar una carga tan pesada a merced de terceras fuentes, pues “Nada sustituye lo que la historia, los libros, las investigaciones y algún reportaje periodístico puedan aportar como fuentes de información”, no debemos olvidarnos del intercambio de ideas en casa y compartir opiniones externas que siempre enriquecen lo que podamos ver en cualquier fuente de comunicación.

Con esto y un buen sabor de boca, me despido no sin antes decir que sin duda esperaré nuevamente otro año para visitar de nuevo la Muestra Nacional de Teatro; gracias al equipo organizador y a quienes comparten conmigo de su experiencia y amor por el arte, la cultura, el cine y el teatro. Pero sobre todo, gracias infinitas al equipo de A Escena que aporta tanto a mi carrera como periodista.

38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO: LEÓN, GUANAJUATO

Texto y fotos por Sandra Sánchez Pineda

Foto de Sylvia Ríos Casanova

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¿Qué es una Muestra Nacional de Teatro? Es eso, una muestra de las teatralidades que están hoy en día en la escena teatral de todo el país. Ya antes acudí a una, aquella que tuvo lugar en Aguascalientes hace dos años, y que fue la número 36, y este añp tuve la oportunidad de viajar a León, Guanajuato, a la edición 38 de esta muestra que para mí fue muy enriquecedora e ilustrativa, y en la que tuve la oportunidad de apreciar cinco obras: Sie7e, Trans, El inspector, Uma de papel y Los delirantes, cada una con diferente temática, pero con un mensaje que traspasa la piel y el alma, y se queda en tus ojos cuando te acuerdas de ellas.

Sie7e, que trata la problemática de los niños de la calle, con un texto crudo pero a la vez muy entendible para los jovencitos. Gran manejo corporal de los actores, y una iluminación que daba el ritmo a la acción, pero una mala dicción de los jóvenes actores, ya que no alcancé a apreciar buena parte de los diálogos.

Trans es, tal vez, una de las mejores obras que del género he presenciado, buen manejo de la información con datos actuales acerca del acontecer de las personas transgénero, excelente uso del multimedia como recurso para mostrar testimonios y situaciones de discriminación de este grupo, amén de las actuaciones tan intensas de parte de las dos actrices que nos van envolviendo en una reflexión, en un grito de desesperación y de un levantamiento de la voz por pugnar por el derecho a ser quien se decide ser, porque si uno no es quien en esencia es, ¿quién es uno?

El inspector, una obra dirigida por el connotado director David Olguín, que en tono satírico nos muestra la pérdida de valores y la corrupción que invade y envilece a la gente, un mal que recorre cualquier nación y que hoy tiene tanta vigencia como en el tiempo en que fue escrita por Nikolái Gógol, en 1836. Las actuaciones, bien, sin que a mi juicio se distinguiera alguien en particular, y algo cansada después del intermedio, muy posiblemente por el tono de voz de los actores.

Uma de papel, una puesta infantil que en verdad logró conectar con las emociones de los pequeñitos y también con los grandes; entrañable obra que tiene como protagonista a Uma, una niña que muestra su sentir hacia lo que vive y le rodea. Un trabajo que tiene sus bases en la pedagogía y en la creatividad de sus integrantes. ¡Emotivo trabajo muy recomendable para niños y aquellos que aún lo somos!

Los delirantes es una obra con temática homosexual, mediante la cual se cuenta la historia de discriminación y persecución que sufren los personajes en tres épocas diferentes. Interesante tratamiento el pasar de una época a otra, sin embargo, debes mantenerte muy atento porque los cambios de tiempo son tan sutiles que en un momento ya estamos oyendo la voz de otro personaje que está en otro contexto y en una época distinta.

Esas fueron las obras que vi. Cinco montajes, cinco obras que me dejan interesantes reflexiones.

Algo que para mí es importante comentar es que la muestra también te da la oportunidad de conocer a importantes personajes de la escena en México. Esta vez tuve la oportunidad de conocer en la fila para ver una de las obras a dos importantes personajes del quehacer teatral nacional: Boris Schoeman, director, actor, traductor y maestro de teatro, de nacionalidad francesa, naturalizado mexicano, y al dramaturgo, actor e investigador teatral, Mario Moncada. También tuve la suerte de ver y poder solicitarle una entrevista para A Escena al primer actor, con una trayectoria de 50 años, Tito Vasconcelos.

¡Por dos días, 25 y 26 de noviembre, viví y respiré Teatro!