Mes: febrero 2018

MARÍA KATZARAVA REPRESENTARÁ LA VOZ HUMANA

Información Conaculta

LVoz Humana

Una tristeza infinita se cuela por el cable del teléfono, el amor se vuelve una locura insoportable a través de una llamada, un viaje al precipicio del dolor es parte de la trama de La voz humana, ópera que será interpretada por la reconocida soprano María Katzarava, este 11 de febrero en el Conjunto de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara.

 

En entrevista, María Katzarava señala que La voixe humaine, obra creada hace 60 años por Francis Poulenc y considerado un clásico contemporáneo, logra que el espectador se conecte, de alguna manera, con el abismo sentimental de la protagonista.

 

María Katzarava menciona que La voz humana, creada a partir del libreto teatral de Jean Cocteau, es una pieza de una fuerte tensión dramática para la cantante y el pianista, Abdiel Vázquez: “Debemos tener una gran comunicación, él hace el rol del varón, es un monólogo pero la música funge como las respuestas del amante, mismas que a todos nos toca interpretar”.

 

Los cables telefónicos que atraviesan la escenografía creada por Paolo GianiCei responden, según la intérprete, al enredo que el personaje tiene por dentro y a la inestabilidad emocional: miedos, locura, amor, desamor y odio, todos esos sentimientos cruzados entre los amantes.

 

María Katzarava, quien fue ganadora del concurso Operalia en 2008, cuenta con una sólida carrera que la ha llevado a presentarse en múltiples recintos de Europa y Asia, debido a su capacidad vocal y desempeño escénico; alternando con destacados figuras como Plácido Domingo y Andrea Bocelli.

 

Sobre su participación en el Conjunto de Artes Escénicas, en Guadalajara, ciudad en la que debutó hace 16 años, la soprano dice estar más tranquila, pues en este lugar tiene mucho público que ha seguido con atención su trayectoria: “Espero que esta obra llena de matices de colores y sentimientos tenga el mismo recibimiento que ha tenido en otras partes como el Palacio de Bellas Artes, donde la presenté en 2016”.

 

Para Katzarava, quien se ha presentado en los más prestigiosos escenarios del mundo, como el Teatro Scala de Milán, es muy importante enaltecer a México en cada recinto donde se presenta. Este 2018 llevará su talento a Estocolmo con la ópera Tosca; a Berlín donde cantará Juana de Arco, y a Suiza donde llevará el rol de Aída.

 

La voz humana se presentará en el Conjunto de Artes Escénicas, ubicado en el Centro Cultural Universitario de la Universidad de Guadalajara, este domingo 11, a las 18:00 horas.

TEATRIKANDO

Barataria, estado de México

Un gran trabajo escrito y dirigido por Benjamín Cann, tiene un equilibrio perfecto: escenografía, vestuario, música, atrezzo, fotos proyectadas, así como actuaciones, ritmo y sorpresas a lo largo de las acciones. Barataria, Estado de México alude a la ínsula que le prometió El Quijote a Sancho Panza, para que la gobernara con la sabiduría que otorga pertenecer a las clases más bajas de España. Tangencialmente vemos escenas que trazó Cervantes para que viajemos al estado de México, escucharemos palabras y sucesos propios de nuestro México, promesas políticas, traiciones, sugerencias, descabezados, no debo contar más de esta ingeniosa forma de irnos involucrando en una narraturgia especial, hay un caballo en escena, música de acordeón, canciones, acciones improvisadas con alguien del público y usted se queda sorprendido al pensar “Yo la pude haber escrito”, si, todos quisiéramos hacer denuncias y bromas sobre los temas que nos vuelven locos en cuanto empieza los noticieros. -Hacer reír con tantas malas noticias, es algo que pocos pueden lograr-

Vemos a Arantxa Marchant, Rodrigo Murray, Andrés Zuno, Jorge Zárate, Alejandro Calva, Carmen Madrid, Dalilah Polanco, Omar Medina, Norma Angélica y otros artistas. Destaca el poder de los comediantes Zárate, Murray, Calva, Medina, para que se logre el deslumbrón fársico este año 2018, lleno de pigmentos partidistas. Foro Shakespeare.

Han Thies Lehmann en Coyoacán

Está en México el autor de varios libros en los que transforma la visión que teníamos del Arte Dramático, dio conferencias y talleres, en los cuales escuchamos que: “La tragedia tiene poco en común con el teatro propiamente dramático, como Shakespeare, era importante clasificarlo en sus contextos y formas, lo que deja enseguida sin una ubicación nítida los montajes a partir de Beckett y Ionesco, de ahí que propuse llamarle teatro posdramático al que se está creando y viendo por todo el mundo” La traducción del libro buscó aclarar estas ideas, aunque se advirtió “toda traducción es una reinterpretación” Dijo Lehmann “El texto teatral no es efímero, el montaje si” lo que parece señalar una línea de vida distinta para uno y otro. Ejemplificó con videos textos conocidos, dichos con otra forma, ambientación y percepciones, logra así dar vida a un fresco resultado. El libro está a la venta en Paso de Gato, Coyoacán.

Debiera haber obispas

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Se estrenó en Coyoacán este clásico moderno, producto de la pluma (no había PCs) de Rafael Solana (1915-1992). Una vez más nos acercaron al costumbrismo del jarocho. Susana Alexander y Roberto D´Amico dieron vida al obispo y Matea, que hacen cera y pabilo de los moradores de esa pequeña ciudad. No se la pierda, siempre es útil una buena noche de carcajadas.

 

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

La exposición de Piedad e Hilda Márquez fue inaugurada por Gerardo Quiroz

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cada año, las pintoras Hilda y Piedad hacen una exposición colectiva en el Centro Cultural Veracruzano. Este año cortó el listón inaugural el productor y actor Gerardo Quiroz, ya que fueron compañeros de preparatoria Hilda y él; así que en el discurso inaugural se dedicó a enaltecer las artes escénicas, tanto como las plásticas, pues él mismo tiene una escuela de actuación. La fundadora del Studio, Piedad Barradas de Márquez, habló de la importancia de cultivar las aficiones del alma: acrílico, óleo, acuarela, porcelana, porque permiten alejarse del stress y desarrollar amor por la humanidad.

Al finalizar el recorrido por la excelente muestra, el productor de La era del rock se llevó una grata sorpresa, la maestra Hilda Márquez le regaló un retrato al óleo que lleva su firma y refleja la juventud del actor. Una feliz noche de plática, donde las artes demostraron que rebasan cualquier frontera y deben seguir trabajando unidas.

Debiera haber obispas llega al Rafael Solana

En este mismo Centro Cultural entra Debiera haber obispas del veracruzano Rafael Solana, en el teatro que lleva su nombre; seguramente usted recuerda que esta comedia la actuaron Ofelia Guilmáin, Anita Blanch, Carmen Montejo y Gloria Marín, con gran éxito. Este 2018 la veremos con Susana Alexander y Roberto D´Amico encabezando el elenco. El tema es muy conocido: en una ciudad pequeña muere el sacerdote, quien tuvo una asistente, corre la voz que ha escuchado todos los secretos de confesión que se han hecho ahí, imagínese usted, mejor no le cuento más, para que vaya descubriendo las sorpresas! Vea fechas, horarios y acuda a divertirse con esta primera dama de la escena, que domina el drama lo mismo que la comedia. Le vimos hace poco Instrucciones para una muerte feliz, y demostró que los mexicanos nos reímos con lo que a otros causa otras emociones. Ahí mismo regresa Aeroplanos con Ignacio López Tarso y Aarón Hernán, ¡no se la pierda!

La función del Teatro en la sociedad

En el Foro de la Comedia, Foco, se lleva a cabo el X Rally Teatral que incluyó mesas de debate acerca del Arte Dramático, estuvieron Fabián Pazzo (actor y maestro), Luis Felipe Díaz Barriga (psicoanalista), Benjamín Bernal (periodista), Marta Zamora no alcanzó a llegar debido a un llamado. Se fue desglosando el temario, por supuesto, Luis Felipe habló de los resortes ocultos en la personalidad, que permiten sentirnos atraídos o rechazados por cierta obra y en eso radica su trascendencia. Fabián abordó múltiples temas, incluso, la necesidad de tener asesoría mercadotécnica y psicológica a tiempo. El autor de esta columna habló de la historia de la comunicación, que llevó a que naciera el arte dramático, así como los temas de moda en cada década, muestra lo que autores, directores y actores, afirman, necesita cierta sociedad en cada uno de los siglos.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Primer Generación de la Academia López Tarso

ILT y su muñeco

Acabamos de ver Petición de mano, Aniversario y El oso, del genial Anton Chejov, tercia de obras breves para festejar que una generación completó sus estudios en la Academia de Arte Teatral que lleva el nombre del más insigne actor de nuestro país. Así que en el Teatro Coyoacán vimos los trabajos de Yael Salazar, Minerva Ferrer, Fabiola Rivera, Antonio Bratoeff y Alhelí Verber, apoyados con una buena escenografía, iluminación adecuada, música y sonidos bien pensados, bajo la dirección de Leticia Montaño, quien –además- cabeza del CAILT.

Pasaron un video con semblanzas de los muchachos de esta primera generación, así como las prácticas que realizaron de teatro, cine y televisión. Durante el acto formal para entregar los diplomas dijo don Ignacio López Tarso: “Deben tener paciencia y persistencia, porque en ocasiones tienen todo firmado, pero hay que esperar. El teatro es lo fundamental y creo que un actor que está preparado para teatro, puede hacer televisión o cine, eso es cosa de sentido común, tener en lugar de un escenario una cámara, no es una ciencia. El teatro es la base de todo actor. Ustedes se inician con un muy buen pie derecho con estas obras maravillosas de Chéjov.”

La señora Leti Montaño fue presentando a los maestros de las diferentes especialidades: teatro, cine, televisión, imagen personal, danza, coreografía, vestuario, que son las herramientas básicas que deberán utilizar e incrementar toda su vida. Estuvieron esa noche Napoleón Glockner y Juan Ignacio Aranda (El señor de los Cielos, Bajo Terapia), esposo de Leti Montaño. ¡Felicitaciones a todos!

Cuarteto de una pasión, en la Sala Xavier Villaurrutia

Dirige Salvador Garcini en el Foro Xavier Villaurrutia con Olivia Collins, Jéssica Decote, Fernanda Vizuet y Alex Sirvent. Seguro usted ya escuchó acerca de este montaje (logró así doble campaña de difusión). Un grupo de actores y autores cuestionó: ¿Actores de televisa en un espacio cultural? Pss. También han estado Joaquín Cosío, Julieta Egurrola, Juan Carlos Colombo, Verónica Langer, Luisa Huertas, por citar a los más recientes y están al mismo nivel de popularidad. En fin, periódicamente se ven estos brotes a través de las redes sociales. Pasando a la obra, es el intento de crear un texto no lineal para mostrar las diferentes fases decisivas en nuestra vida, para quienes estudian metafísica (quántica); en algún lugar del universo creamos alternativas de vida en cuanto a que pensamos hacer esto o aquello, les podríamos llamar multiuniversos.

Quizá hacer algún recorte al texto le ayudaría a fluir mejor; en el estreno hubo nerviosismo en las actrices, lo que restó frescura al avance de las acciones. Olivia Collins interpreta a alguien que podría ser dios, nuestro inconsciente o la matemática pura al servicio de un espíritu robado a Matrix. Es un trabajo interesante, con algunos ajustes será perfeccionada para trasladarse a festivales, foros del sur o centro del ex DF.

KING

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Continúa el Ciclo de Teatro Isabelino, proyecto conjunto de la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), y el elenco de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), donde se están presentando obras dirigidas por quienes cursan la citada Maestría.

Una de las características por las que el insigne autor William Shakespeare ha trascendido a través del tiempo y el espacio es la forma en que profundiza en la psicología de sus personajes. No se limitó a crear historias interesantes, sino que supo reflejar el sentir íntimo de quienes las viven, logrando con esto que el lector y/o espectador se vea reflejado al experimentar lo mismo que alguno de los protagonistas, en algún momento de su vida.

Para su examen del primer año de la Maestría en Dirección Escénica que cursa Daniel de la O toma como inspiración El Rey Lear (King Lear), una de las obras más emblemáticas de Shakespeare, y la presenta bajo el título de King.

Daniel de la O es escritor, dramaturgo y psicoterapeuta. Inició su trayectoria dramatúrgica con Salida Exit, para luego obtener reconocimientos con Voces de un asesino de cara larga y sin sonrisa, con la que se hizo merecedor del primer lugar del Concurso Nacional de Composición Dramática de Monólogo Víctor Hugo Rascón Banda 2004. Después ha escrito algunas obras alusivas a las distintas fases del duelo, de entre las cuales destaca Negación, donde tocó fibras muy sensibles del ser humano. Por su formación en psicoterapia, al igual que Shakespeare, es un autor que pone particular atención al estado anímico de sus personajes.

En el material promocional, se describe a King con las siguientes palabras: “Bienvenido al mundo de los locos. El socio fundador de la corporación King cree que es un rey y ha decidido repartir su poder entre sus hijas, solo para descubrir que es un miserable esclavo de la naturaleza y de los elementos”. En King, Daniel de la O conserva los nombres de los personajes como aparecen en la versión original. En cambio, el protagonista no es un monarca sino el rey de una muy exitosa corporación. La historia versa sobre un hombre que desea dividir sus riquezas y propiedades entre Goneril, Regan y Cordelia, sus tres hijas, pero, a causa de una confabulación e intrigas, excluye a una de ellas. Por otro lado, el mejor amigo de King también está atravesando serias dificultades con sus hijos Edwina (legítima) y Edmund (bastardo). La pregunta es si ambos padres tomarán o no buenas decisiones con respecto a sus bienes y sus descendientes.

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Si tomamos en consideración que los recién egresados de la maestría no cuentan con patrocinios, están haciendo maravillas al utilizar su ingenio en lugar de grandes recursos financieros para escenografías, vestuario y demás implementos que se requieran en escena.

El texto de Daniel de la O es de buena factura, conserva la trama original, añadiéndole una amplia gama de estados anímicos, donde igual hay momentos dramáticos que terroríficos o caricaturescos. En cuanto a su labor de dirección tiene muchos aciertos y uno que otro tropiezo. No se ciñe a lo tradicional y combina diversas técnicas. Se arriesga con ciertas innovaciones: prescinde de diseño sonoro y lo sustituye mediante golpecitos, tronidos, chiflidos, coros, pisadas y mucho más provenientes de los intérpretes, reserva la primera fila del foro para su elenco, de tal modo que cuando están fuera de foco dan la espalda al público, pero continúan en sus personajes ejecutando algunas acciones alternas, dimensiona bien los espacios e incluye multiplicidad de voces, traslada la historia a nuestra época y tomando en cuenta de la importancia que tienen los teléfonos celulares hoy en día, los incluye. Resuelve atinadamente la ceguera de uno de los personajes. En cambio, con el uso de materiales orgánicos se ensucia tanto el escenario como el vestuario. Su trazo escénico es de buen diseño, el desplazamiento actoral es fluido, las coreografías son pertinentes. El ritmo es irregular, va de más a menos, al principio es dinámico y hacia el final algo lento, para recuperarse al cierre.

El montaje tiene una estética particular. Para crear el entorno de King, a Michelle Anides, diseñadora de escenografía, le basta una escalera, cajas de cartón y enormes lienzos de papel de buen grosor. Anabel Ortega diseña un vestuario muy versátil utilizando prendas de uso común. El diseño de iluminación es de Bárbara Riquelme, a base de penumbras con apoyo en luces ajenas a las que se acostumbran en teatro.

Encabeza el elenco Óscar Flores, quien da vida a King, aportándole numerosos matices, haciendo gala de su larga trayectoria como actor. Óscar ofrece un espléndido desempeño histriónico, corporal y vocal. Destacan las bellas Leonora Cohen (Regan) y María del Mar Náder (Edwina), por sus interpretaciones y por el manejo de sus respectivas voces, mismas que impostan y modulan, a fin de que se escuchen totalmente distintas. Ana Lucía Robleda (Cornelia) conmueve como la hija amorosa. Gustavo Linares se muestra polifacético. Vicente Eduardo Cervantes (Kent) e Isabel Balboa (Goneril) logran buenas interpretaciones. Adrián Carreón (Edmund) tiene altibajos en su labor histriónica.

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Complementan el equipo creativo: David Olguín, Ricardo Díaz, Gabriel Pascal, Ignacio Escárcega y Lydia Margules como asesores, e Isabel Balboa como asistente de dirección.

La producción es de Grupo Máquina de Guerra. King es presentada por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Arte Teatral, la Maestría en Dirección Escénica de la ENAT y Teatro El Milagro.

King ofreció al espectador un póker de reyes -un inmortal autor, un comprometido dramaturgo y director, un personaje controversial y un experimentado actor-, y muchos aprovecharon la oportunidad, ya que su brevísima temporada tuvo localidades agotadas. El Ciclo de Teatro Isabelino continúa, así que puedes ver alguna de las obras restantes. ¡Consulta la cartelera!

La cita es en Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.

EL SUEÑO DE…

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Acaba de concluir el Ciclo de Teatro Isabelino, dentro del cual se presentaron obras que constituyen el examen del primer año de quienes cursan la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). El cierre estuvo a cargo de Édgar M. Vega con El sueño de…, a partir de Sueño de una noche de verano del insigne autor inglés William Shakespeare (1564-1616).

Sin lugar a dudas, Sueño de una noche de verano es la comedia más divertida de Shakespeare, a base de enredos y confusiones. Constituye una de las primeras obras donde hay teatro dentro del teatro, se entremezclan las vidas de dos parejas jóvenes con amores correspondidos o frustrados, algunos seres del mundo de las hadas juegan con los sentimientos de éstos y se producen desenlaces inesperados. Édgar M. Vega realiza una versión muy juvenil para plasmar la diversión que contiene la obra original. En el programa de mano la describe como: “Una serie de intenciones terribles se colocan en un complejo entrelazado de historias y universos que componen una de las comedias más brillantes de Shakespeare”.

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De inicio, el público es albergado en una sala con un entorno fantástico, no se sabe si es un paisaje nevado o un bosque con hojarascas blanquecinas. Unos actores no muy experimentados -de aquellos que en algún tiempo se denominaron “cómicos de la legua”, debido a que iban de pueblo en pueblo montando espectáculos al aire libre llevando el teatro a comunidades apartadas- están dando los últimos detalles a la presentación de Príamo y Tisbe, para la cual fueron contratados. Dado que en esa época no era permitido tener actrices, uno de ellas habrá de caracterizar a Tisbe. Por allí deambula Puck, un duende experto en hechizos de naturaleza traviesa y juguetona. Puck siempre está atento a las órdenes de Titania, la reina de las Hadas, casada con Oberón.

En el plano terrenal pasean por el bosque: Lisandro, Hermia, Demetrio y Elena, jóvenes impetuosos llenos de amor. Hermia y Lisandro están muy enamorados, su problema es que para resguardar su amor habrán de escaparse, pues el padre de Hermia no acepta a Lisandro y quiere casarla con Demetrio. Por casualidad, Helena se entera de esto y trata de aprovecharlo para atraer hacia ella a Demetrio, pues lo ama.

El texto de Édgar M. Vega es ligero, con picardía y mantiene el interés de cómo terminarán esta serie de enredos. Es loable el ingenio para la creación de un espacio fuera de lo común, pues produce el efecto de que el público entre en la convención de estar en algo irreal. La labor de dirección por parte de Édgar M. Vega es impecable. Su trazo escénico es dinámico, juvenil y divertido. El aprovechamiento de espacio es absoluto, hay acción a todo lo largo del foro, fuera de éste y hasta en las paredes. Las coreografías son ágiles, con toques gimnásticos. Lo único en contra es que con tanto movimiento se pierden algunos fragmentos del texto. El ritmo es preciso.

El elenco está conformado por un grupo de jóvenes que se esmeran por dar lo mejor de sí mismos en el escenario. Ellos son: Luis Miguel Moreno (Oberón/Otto), María Balam (Titania), Aglaé Lingow (Puck), Tony Corrales (Lisandro), Belén Mercado (Hermia), Alberto Juárez (Demetrio), Amelia Holguín (Elena) y Óscar Alatriste (Bottom). Dejan ver que se comprometieron con el proyecto al mismo tiempo que lo disfrutaron.

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Complementan el equipo creativo: Sara Alcántar, con su bien impartida iluminación; Anabel Ortega (vestuario colorido de fina confección: para las damas vestidos vaporosos tipo helénico, de buena caída, y para los caballeros, variedad de estilos); Martín Acosta brinda asesoría en dirección, Ricardo Díaz, Ignacio Escárcega y Gabriel Pascal fungen como asesores; Ivonne Lemoine provee asesoría en dramaturgia, Karen Anzures es asistente de dirección y Diana Mayela Martínez Vega se encargó de la realización de la estilizada cabeza de burro.

El sueño de… fue presentada por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Arte Teatral, la Maestría en Dirección Escénica de la ENAT y Teatro El Milagro.

El público que acudió al cierre del Ciclo de Teatro Isabelino, en el Teatro El Milagro, a ver El sueño de… rio a carcajadas, despejándose de sus dificultades cotidianas al adentrarse en un mundo fantástico, en un montaje pleno de dinamismo y diversión. En El sueño de… encontraron la versión más juvenil de Sueño de una noche de verano.

 

LOS PREMIADOS DEL XV ANIVERSARIO DE A ESCENA (PARTE III)

Texto por Julieta Orduña, Marcela Mondragón y Sandra Sánchez

Fotos Clara Martínez

 

En esta entrega presentaremos las entrevistas a los premiados cuyas obras destacaron por sus aportaciones o premios recibidos, así como de las instituciones que han apoyado a las artes y de invitados especiales.

 

Instituciones

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MIM. Esta casa productora tiene una trayectoria 15 años; fundada por Fernando Macías y Clara Martínez, han realizado varios proyectos para promover la cultura del estado y del país. En entrevista, nos dan sus impresiones como ganadores de los premios A Escena, Fernando Macías: “Lo que es grabar cultura me enamora; uno de nuestros trabajos fue filmar el Festival del Desierto, y se cubrió el Circo Du Soleil y aprendes mucho, y esto te lleva a otros rincones del planeta”. Por su parte, Clara Martínez, señala: “Hemos también explotado la parte de la fotografía y me he especializado en foto del quehacer teatral, aparte, porque es una actividad que comparte con A Escena (AE). Vamos creciendo y madurando con AE, consolidando este proyecto. MIM Producciones es un modum vivendum, pero que también nos ha enriquecido mucho como personas y especialmente como pareja”.

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Beatriz Romo. Bailarina profesional de ballet y fundadora del Conservatorio de las Artes, con una trayectoria 15 años: “Iniciamos en 1996 en Avenida Universidad 1009, segundo piso, y ahorita estamos en Antonio Caso número 214, nuevas instalaciones. Han pasado varias generaciones y miles de satisfacciones de ver alumnas y regresan, extrañan, alumnos que bailan en la CDMX o en la Escuela Superior de Monterrey. Tenemos grupos que nos han posicionado en las muestras de danza, concursos, clases abiertas. Ver como se forma su cuerpecito desde los 3 años hasta los 18, y ver sus logros día a día son satisfacciones enormes”, y reafirma: “seguir preparándonos por la disciplina de la danza clásica y que no se prostituya este arte”.

 

Obras

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Estudio de una depresión: la propia y la de los más cercanos. Del grupo La Última Fila, los cuales se organizaron y crearon este montaje que ha trascendido. Roberto Belmont menciona: “No hacemos teatro para teatreros, queremos hacer teatro para la gente […] llegar realmente a la gente que necesita ver el teatro”. Acerca del año 2017, señaló que fue un gran año, un año de reencuentros entre Eduardo Gómez y él, compañeros desde la licenciatura de teatro. Ese año fue el de reencontrase con el teatro que pretendían hacer cuando entraron a la carrera, reencontrase con Eduardo como compañero, amigo, creador, como director, reencontrase con Mauricio Caballero, con quien había tenido una banda cuando estaban más chicos, y la obra es como reencontrarse con el pasado, con las depresiones, con los dolores, un año sorprendente. Le encanta hacer la obra, porque aunque dicen que el teatro no es terapia, sí que sirve. No es como terapia en sí, más bien como compartir lo vivido, y decir: “hay gente que la ha pasado peor que uno, y personas que la han pasado mejor, pero es simplemente compartir lo vivido, y si uno se conecta con algo, qué bien, y tomar en cuenta que la vida es muy bella y hay qué vivirla”.

“El mensaje de la obra es esperanzador y saber que no estamos solos. La obra es una oda a la amistad, es decirle al otro: aquí estoy y adelante, y vamos a caminar juntos. La filosofía de la Última fila es trabajar para el otro, nunca para uno, y cuando es así las cosas resultan; el mundo funcionaría mejor si pensamos siempre por el otro”, así lo manifestó. Hay proyectos en puerta y se unen a la compañía otros miembros, Daniela Jerez y Victoria Franco, bailarinas. Están armando una obra para niños, así como un monólogo y un biodrama. También comentan: “Es bello que se reconozca el trabajo, pero el teatro es otra cosa. El Teatro y las historias que se comparten van más allá de un reconocimiento, aunque están muy agradecidos. Cuando fue lo de la Muestra Regional, más que el ganar por ganar es lindo saber que se va a poder ir a otro estado a compartir la historia, que se van abriendo puertas”.

Roberto concluye: “No hacemos teatro para teatreros, queremos hacer teatro para la gente”; ese es parte del lema de Última fila. Los nuevos proyectos no sean importantes para la gente de teatro, para los críticos, no para la gente exclusiva del arte, quieren llegar realmente a la gente que necesita ver el teatro; si hay que dar gusto a alguien, el gusto se lo dan ellos, si les encanta a ellos, esperan que le encante a la gente.

sandrakarina

Escuela para zombies (radioteatro para sordos y oyentes). Fue un proyecto que le representó a Sandra Karina Romo el mayor reto en su carrera profesional. Todo empezó cuando le dijeron que los sordos no podían hacer radio y ella se empeñó en demostrar lo contrario. Un proyecto que le costó mucho trabajo, un proyecto de prueba y error. Ella nunca pensó que la gente sorda no pudiera hacer radio y lo comprobó con el programa de radio, hecho con sordos para oyentes, que fue con el que ganó en la Bienal Internacional de Radio, y de inmediato surgieron muchas preguntas de las personas que lo escuchaban: ¿cómo los sordos pueden hacer radio?, y ahí fue cuando ella realizó el radioteatro, proyecto que metió a Bellas Artes, del cual salió becada, y que se denominó: Escuela para zombis, radioteatro hecho con sordos y gente oyente para sordos y oyentes. La gente que va al radioteatro puede estar en vivo, como se hace un radioteatro, y disfrutar y ver cómo los sordos pueden hacer radio.

Acerca de la interacción entre el público y el radioteatro, Sandra Karina comentó que los chicos están muy contentos de que se les tome en cuenta para un proyecto así. La primera vez que se presentó, los chicos no tenían ni idea, le siguieron la corriente a la directora, además estaban muy chiquitos cuando fue el programa de radio, y de repente decirles que se iba a hacer en vivo, ellos no podían creerlo, y en las entrevistas ellos comentaban que nunca los tomaban en cuenta, porque siempre piensan que por su discapacidad no pueden hacer nada y la gente se equivoca. Así que verles en escena, con esta discapacidad, a la gente les sorprende: “Sí, es muy conmovedor, porque la gente llora cuando les ve, y siempre se está al pendiente de la reacción de la gente, de cómo toma el radioteatro, y eso llena de energía al grupo, entusiasmada comenta Karina.

En este 2018, el radioteatro tiene una función, de la cual pronto informará Sandra Karina: “Lo que sí se va a ver con las nuevas generaciones del Centro de Educación Diferencial Especializada para Sordos, que son los niños con los que se trabaja, nuevos proyectos en los que esas nuevas generaciones puedan participar”.

El ser reconocida en Aguascalientes le representa algo maravilloso, porque no se lo esperaba, y eso de que: “nadie es profeta en su tierra, sí es cierto, y aparte que un programa radiofónico tan importante, que lleva 15 años al aire, y que para ella la radio es sumamente importante, la hace sentir muy contenta, y a la vez le hace recordar que hay que seguir adelante, y que esas palmaditas en la espalda le dicen que se está en el lugar correcto, con los pies en la tierra, yendo por lo que sigue: Siempre será muy gratificante que lo reconozcan a uno”.

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Los niños de Morelia. Ganadora de la Muestra Estatal de Teatro y con mención honorífica en la Muestra Regional de Teatro, el grupo Quinta Tierra conformado por estudiantes de la licenciatura de teatro de la Universidad Autónoma de Aguascalientes recibió este reconocimiento: “No esperábamos ganar nada, de hecho ni idea que fuéramos a recibir algo. Es emocionante, porque siendo un grupo universitario que todavía no egresamos llegamos lejos y sin ninguna intención de lucro, ni siquiera de ser reconocidos, simplemente hacer el teatro por el teatro”.

 

Invitados especiales

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Alberto Gómez. A Escena tuvo una hermosa noche de celebración y gala festejando su XV aniversario. Para ello, el equipo de conducción estuvo a cargo de Yadhira Sánchez y Alberto Gómez, quien conocido como “Beto”, tuvo a bien compartirnos algunas de las experiencias que los medios de comunicación le ha dejado como parte de su carrera. Siendo un periodista con una larga trayectoria, 27 años han permitido que Beto tenga una hermosa cosecha llena de logros y reconocimientos, pero, sobre todo, con orgullo nos cuenta: “la mejor de mis satisfacciones es hacer lo que más me gusta, pues desde que decidí estudiar comunicaciones, no he hecho otra cosa”. Así mismo, y como es de esperarse, en toda carrera se encuentran obstáculos que, como parte del crecimiento en su andar, han servido de aprendizaje, pero sobre todo expresa: “Cuando yo empecé a estudiar no había redes sociales; por tanto, el mayor de mis retos era actualizarse”, frase que deja una gran enseñanza, respecto de atravesar por este tipo de transiciones en nuestra profesión, como una oportunidad de trascender y de obtener excelentes resultados.

Finalmente, Beto abrió su corazón al compartirnos que uno de los programas en los que ha trabajado y que más ha aportado en su vida se titula Hilos de plata, del cual, con un toque de nostalgia, expresa: “Ojalá ese programa se retomara, pues en ese me vería yo para ser parte de él cuando llegue a los 60, pues la principal de las enseñanzas es el conocer a las personas, y saber que todos vamos y llegamos a esa edad, y que muchas veces no planeamos lo que vamos a hacer en esa etapa de nuestra vida.”

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Víctor Meza. Productor de radio UAA y padrino de develación de la placa de los quince años de A Escena, un colega de radio y, en ocasiones, nuestro operador del programa señaló: “A Escena no solo es una producción de radio, sino un complejo de medios que se han posicionado tan bien que la escena teatral de Aguascalientes ya espera los premios. Se les reconoce, se les admira y compiten también, que es lo importante y no es nada más y ya, ellos esperan ser seleccionados para esos premios”. Víctor ha sido testigo de esta historia de la radio en que A Escena ha estado presente: “En Aguascalientes no se abren muchos espacios de comunicación a nuevas propuestas de los actores y en A Escena se sienten como en casa, y se ha hecho algo tan en familia y que da sustento al periodismo cultural, porque la gente no lo ve como una barrera sino como un aliado para estas grandes producciones. A Escena se ha encargado de posicionarlos porque les da reconocimiento, les da apertura y difusión. Es un logro de mucha gente, iniciaron dos personas (Clara y Julieta), y se han unido otras gentes muy entusiastas y trabajadoras”.  

 

Con esto finalizamos estas entrevistas donde se refleja las opiniones y sentires de los protagonistas del XV  aniversario de A Escena.

Opiniones en el Face:

    • Felicidades, y gracias por la eterna y hermosa labor… Gracias y felicidades por estos bellos 15 años y por todo su apoyo. Marcela Morán.
    • Muchas gracias Julieta, Clara y todo el equipo. Gran esfuerzo durante 15 años. Mi respeto a su entusiasmo y generosidad. Abrazos. Sandra Rosales.
    • Agradezco el premio… fue un día muy hermoso que voy a guardar en mi memoria toda mi vida. Muchas gracias, que Dios los colme de bendiciones en todo momento. Respiré pasión, entrega, amor… qué emociones tan hermosas y que me dejan mi alma embriagada de las disciplinas de las bellas artes. Beatriz Romo.
    • Gracias por este reconocimiento… Gracias a todos los Mitoteros que han acompañado este sueño… Que la vida nos otorgue más aventuras y que la danza siga uniendo seres con luz… Gracias danza, gracias vida. Diana Venegas.
    • Gracias A Escena por esta distinción. Gracias por su persistencia y resistencia. Gracias a cada uno de nuestros colegas y amigos, y amigos que han sido parte de la historia de Lotería Teatro durante estos 10 primeros años.
    • Gracias A Escena por mi reconocimiento como actriz de teatro en mi tierra, el merito Aguascalientes. Una noche increíble adonde además de mis papás, me reencontré después de muchos años a mis primeros maestros de teatro. Me emocioné hasta las lágrimas. Paulina Vega Garza.

 

 

LOS PREMIADOS DEL XV ANIVERSARIO DE A ESCENA (PARTE II)

Texto por Julieta Orduña, Marcela Mondragón y Sandra Sánchez

Fotos de Clara Martínez

 

Continuamos con las entrevistas de los premiados del Aniversario de A Escena, en su décima quinta edición; toca el turno a los creadores que han tenido trayectorias de 15, 20 y 25 años.

 

Creadores

marcelamoran

Marcela Morán. En la celebración del XV aniversario de A Escena, se contó con la presencia de Marcela Morán, quien se mostraba, evidentemente, emocionada por el reconocimiento a sus 25 años de trayectoria en el ámbito teatral. Marcela compartió con nosotros lo siguiente: “El reto más importante de mi carrera se va fincando por épocas, hoy, es ser una artesana del personaje; me apasiona cómo ir haciendo los detalles y la carne que no soy yo. Tengo un libro por terminar que se llama: La deformación orgánica del actor, donde habla de cómo el cuerpo del actor no se transforma sino se deforma en otra forma, y luego regresa”. En una muestra genuina del amor a su profesión, Marcela se ha propuesto compartir su experiencia con las nuevas generaciones y con aquellos quienes han decidido aprender e involucrarse en las artes teatrales, con la creación de nuevos proyectos, como una cafetería cuyo concepto es netamente teatral, así como una escuela que estará operando próximamente, entre otras cosas, nos reveló ser fan de Arístides Vargas, como gran dramaturgo que es.

Se mostró evidentemente sensible al expresar un mensaje dirigido a las nuevas generaciones teatrales y expresó: “Yo creo que el teatro no es un abastecimiento de necesidades emocionales, ni de ego, ni autoestima, el teatro es el arte más necesitado por el humano para saberse humano… es mucho trabajo para que solo sea ego, es que nos hace humanidad y no podemos ocultarlo”.

Marcela inició en los grupos Perplejo Azul, Óntico, después fundó el grupo que ha tenido varios nombres: Teatro Ombligo, Teatro del Ombligo, Ombligo Teatro y, actualmente, Arte Escénico El Ombligo con 11 años de trayectoria. Del grupo Informativo A Escena comentó: “A Escena inició con un grupo de mujeres emprendedoras que han decidido darle un lugar a la proyección teatral en los medios masivos de comunicación, y lo más lindo es que han sido incansables. Con este tiempo no han desertado y ahora son un grupo numerosísimo”. Actualmente, tiene cuatro espectáculos y produce una obra de teatro cabaret, cada mes, en su espacio Teatro Café.

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Paulina Vega Garza. Actriz, con trayectoria de 11 años, y ganadora del Premio Nacional Ser, entusiasmada, señaló: Ustedes vieron mis inicios, mis pininos en el teatro, ya con trayectoria de 11 en teatro, cine y telenovelas. Obtuve el premio nacional Ser por la categoría Estrellas de México; fui reconocida con grandes actores en trayectoria de 40 y 50 años, figuras como Vanessa Baucher, Cinthya Klitbo. Viene una serie de televisión, ya con rol entre los protagónicos, tengo propuestas de microteatro”. Paulina ha estado seis años en la CDMX y recordó en uno de los premios de A Escena le dieron el premio a la mejor campaña Marketing por la Dama de Negro.

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Alan Paniagua. Escenógrafo que, con 10 años de trayectoria, ha sido reconocido por los grupos de Aguascalientes y a nivel nacional. Recibió el premio que le otorgó la UDG (en 2017: Mejor Escenografía 2017 de los Premios del Publico, otorgado por Artes Escénicas y Cultura UDG, por la obra musical National pastime), quien señaló: “Realmente para el público se hacen las cosas. Las instituciones dan su apoyo y los recursos, pero el público es el mejor jurado”. Y dio su versión acerca de la obra ganadora: “El musical no es un género que la gente busque mucho, pero se sabe que es uno de los más completos, uno de los más queridos por el público”.

Acerca de ser premiado en el XV Aniversario de los Premios A Escena, dijo sentirse muy honrado, porque es un grupo informativo que cuenta con XV años, lo cual no ha sido fácil, y que en estos años se ha apoyado al ámbito teatral, desde un montaje de bajo formato hasta uno de gran producción: “A Escena siempre está apoyando a todos los géneros teatrales, a todos los grupos, no hacen menos a nadie, y eso se agradece mucho. Y que todo el grupo informativo brinde un premio es importante porque A Escena es público, que junto con los creadores teatrales ha ido aprendiendo”.

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Iván Gómez Peñalver. Acerca de su dinámica actividad cultural como director, actor y maestro de teatro, inmiscuido en actividades a favor de la lectura, en salas de lectura, llevando a cabo obras para niños, jóvenes y adultos, Iván nos comentó: ¿Qué es para mí la cultura?, es parte de mi vida. Cada cosa que hace, lo hace como si fuera parte de él, es su sangre la que corre. Hay una satisfacción que tiene con las personas que trabaja, niños, jóvenes o adultos, los compañeros de trabajo, ver los resultados en escena y la respuesta del público es lo que lo hace a él, lo que le llena, lo que le tiene vivo. “Las cosas que uno deja en las personas eso es lo que le hace sentir que uno está presente. La cultura no es solamente dedicarte al teatro, a la música, la cultura es todo, hay que tratar de que sea un conjunto de todo. Que el hecho artístico esté en todas las manifestaciones. No se puede ser un artista de una sola rama, se tiene que ser un artista de todo. Estamos llenos de cultura, donde quiera que se mire, y eso hay que llevarlo a la escena, a la vida, hay que disfrutarlo, transmitírselo a los demás, porque un pueblo culto es un pueblo libre, mientras más cultura se tenga, más libre se podrá ser de pensamiento, de acción, de palabra, de decir las cosas, de tener lógica en lo que se dice, de tener fe en lo que se dice y transmite”, y eso es lo que Iván hace.

Acerca de sus nuevos proyectos, destacó que con el Grupo de Teatro del Instituto Tecnológico de Aguascalientes (ITA), del cual es fundador y con quienes lleva siete años, inició bien el 2018 yendo al Encuentro de los Amantes del Teatro en Ciudad de México, el cual dejó una gran experiencia, tanto para sus alumnos como para él. Dentro del mismo tecnológico, realiza también los Ensambles artísticos, con los temas: Hechos, mitos y leyendas de Aguascalientes. Además, con todos los maestros de teatro de los tecnológicos están haciendo un proyecto denominado Los hombres inútiles, un montaje que une fuerzas. También está su grupo de bailes de salón Águilas doradas, con quienes tiene un proyecto de baile para la Feria de San Marcos.

El programa y los proyectos de A Escena han sido una experiencia en estos 15 años de como la comunidad teatral de Aguascalientes se ha ido consolidando; les ha dado posibilidades a muchas personas que, por muchos años, no se habían reconocido y eso le ha dado un plus, y ha repercutido para que comunidad teatral piense en realizar trabajos mejores. Los planteamientos desde el punto de vista artístico han crecido, y él está sorprendido de que se le haya reconocido 20 años de trabajo artístico en Aguascalientes, porque el artista no hace las cosas para que se le reconozca, pero el recibir un premio marca una pauta para seguir trabajando, esforzarse, prepararse, de realizar nuevos proyectos, de buscar nuevos planteamientos, de formar gente, de hacer que el teatro sea un eslabón fundamental en la cultura, y no solo el teatro sino todas las áreas, como la lectura, la música.

Felicita al grupo informativo A Escena por mantenerse durante estos 15 años, y haber reconocido a lo largo del tiempo a actores con los que Iván ha trabajado, y eso le da a él mucho gusto, pues permite que la comunidad teatral se vaya afianzando, que aquellos que se están formando en las universidades se den cuenta que hay un aparato que los está midiendo, que es un gran premio porque es del estado, y eso se tiene que mantener por otros 15 años.

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César Alejandro. Quien fue el artista que engalanó las piezas musicales del aniversario interpretando algunas melodías y covers de su nuevo disco, comentó: “Este premio significa 15 años de carrera artística; es mucho trabajo, picar piedra y poco a poco van cayendo los frutos de tu trabajo; es un momento muy bonito de mi carrera y qué mejor simbolizarlos con este reconocimiento de A Escena”.

 

 

 

LOS PREMIADOS DEL XV ANIVERSARIO DE A ESCENA (PARTE I)

Texto por Julieta Orduña, Marcela Mondragón y Sandra Sánchez

Fotos de Clara Martínez 

 

Con motivo del XV Aniversario de A Escena, en la antesala de sus premios, se dio una sesión de fotos y entrevistas con los premiados, a los que en esta ocasión se les otorgó un reconocimiento por su trayectoria. La cita fue en el lobby del Teatro Antonio Leal y Romero, el pasado 27 de enero de 2018. Este reportaje estará dividido en tres partes: Compañías, Creadores, Instituciones y Obras.

 

Compañías

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La Secta Minúscula de los Viajeros Frecuentes. Compañía dirigida por Juan Manuel Bárcenas, se le otorgó premio por sus 10 años de fundación. Esta agrupación, por lo regular, cada dos años presentan un estreno. El director señaló el aprendizaje que ha tenido con esta compañía: “El público ha ido conociendo el lenguaje que al grupo, en lo particular, lo caracteriza. Hemos abierto fronteras y después de 10 años seguimos trabajando, y consecuentemente seguir trotando por el mundo”.

Titiritín. Por su parte, el maestro Gilberto Romo Breceda, quien ha formado un grupo de niños y jóvenes desde hace 45 años, comentó: “Con el grupo Titiritín son ya 38 producciones, y se han realizado a través de 45 años con una participación de miles de niños entre prescolar, primaria y secundaria. Son niños que se les va formando en el arte dramático y toda la escuela participan activamente en las producciones”. También nos señaló que están preparando la producción de la obra El príncipe de Egipto, la cual contará con 250 artistas en escena.

Asimismo, Israel Romo, también integrante de Titiritín platicó acerca de su actividad teatral en la Ciudad de México; mencionó que cautivan mucho los proyectos que se llevan de cada lugar, y que se observa mucha competitividad en el ambiente teatral de la capital, lo cual motiva a seguir trabajando, y que se están manifestando varios proyectos, entre ellos: La pastorela barroca, del mtro. Tito Dreinhüffer, una tradición en la Ciudad de México, en la que participan actores aguascalentenses; él participó en una temporada, además de Marisol Paredes y el mtro. Daniel Abundis, entre otros, así como personalidades, entre las que se puede mencionar a la maestra y gran actriz Lucía Guilmáin, con la posibilidad de poder traer este trabajo a Aguascalientes. Respecto de la competitividad y del trabajo con actores profesionales, comentó que su aprendizaje ha sido significativo respecto del trabajo profesional que el actor debe encarnar, destacando los aspectos básicos de la disciplina, como la puntualidad y las ganas de estar allí. De su experiencia con la primera actriz Lucía Guilmáin, dijo que ella es muy humana, observadora y apoya a los jóvenes actores. Felicitó al grupo informativo A Escena, de quien oye sus programas vía Internet, y que desde Ciudad de México ha sido importante ver estas dos vertientes: hacer teatro en un estado y hacerlo en una ciudad cosmopolita. Mencionó que A Escena se ha encargado de difundir al talento teatral de Aguascalientes, y puntualizó: “Lo más significativo, además de compartir escena con grandes actores, es la disponibilidad que ellos tienen para mostrar sus enseñanzas”.

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El Mito. Diana Venegas, una artista que además de la pasión que le inyecta a sus espectáculos de danza contemporánea, es una gran promotora de este arte, organizando festivales internacionales, dio las gracias por el reconocimiento al trabajo realizado en 12 años de labor artística continua de una agrupación de Danza. En estos años han trabajado en un gran laboratorio por el que han pasado muchas personas; los integrantes de El Mito Danza han crecido juntos, aquéllos que están y los que alguna vez pertenecieron a dicha agrupación y que han contribuido con su talento. Como cualquier grupo, han pasado altas y bajas, pero su proyecto siempre ha sido muy claro: la expansión de la Danza y la investigación de la Danza contemporánea, por ello cada obra y cada momento es único y lo valoran. Diana, como fundadora del grupo El Mito, está sumamente agradecida con todos sus colaboradores, sus bailarines, y con toda la gente que está a su alrededor, entre ellos, gente que ayuda en visuales, en música, su fotógrafo personal: “El Mito es mucho más que los propios bailarines […] El Mito está en uno de sus mejores momentos de su vida artística, ya que se tienen participaciones no solamente a nivel local, nacional, sino internacional”, afirma la maestra, y finaliza: “Hay muchos proyectos en puerta, los cuales se han estado trabajando: una segunda temporada de Vitruvio, la máquina y el hombre, para febrero”. Esta agrupación se va a Nicaragua con la obra del Vitruvio, y ya tienen propuestas que se darán a conocer en su momento, las cuales tienen que ver con una contribución de la danza de Aguascalientes, hacía el país, además de la sexta edición del Festival Internacional de Danza Contemporánea, en octubre de este año.

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Mayeos Producciones. Integración dirigida por Rafael Paniagua, director reconocido por sus producciones de teatro musical, y por ser fundador de Microteatro Aguascalientes, comentó que han sido 10 años de Mayeos Producciones y 10 de residencia en Aguascalientes, lo cual le dice que empezó con el pie derecho en Aguascalientes, entidad que le ha dado mucho, porque le ha permitido desarrollar muchos proyectos que en el Distrito Federal hubieran sido imposible llevar a cabo; le ha permitido conocer muchas personas talentosas, le ha dado amigos, le ha dado bendiciones en general. En la entidad comenzó sus proyectos con una obra que trajo del DF, en la que integró a dos actores de la localidad: Carlos Velasco y Pepe Velasco, y a partir de ello han sido 10 años de no detenerse, de hacer muchas cosas, de disfrutar, de muchas oportunidades en trabajos propios, en trabajos donde lo invitaron a participar, para instituciones culturales, de ecología, Capama, el Instituto Estatal Electoral, en fin, un camino recorrido muy largo. En estos momentos es un periodo de reflexionar y, finalmente, volver a empezar con más cosas que ofrecerle al público.

Uno de sus próximos proyectos en el 2018: Manchas, rayas y nada. Agradece la labor realizada por A Escena, ya que admira el trabajo realizado, el valor, la perseverancia y el hecho de que A Escena se tome la molestia de voltear a ver lo que se hace de manera local y gusten de reconocerlo, más allá de quién es el mejor o quién es peor, porque: “Todos buscamos reconocimiento en esta vida, quien diga que no es porque no está siendo congruente, y mucho menos cuando se dedican a la escena, porque es lo que se busca, el reconocimiento, y cuando alguien lo entrega, lo mejor que puede hacerse es ser genuinamente agradecido y bendecir a esas personas o a esa institución, y desear que sigan adelante, porque atrás vienen muchos otros que seguramente van a sentirse muy bien cuando reciban un reconocimiento de A Escena”.

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Lotería Teatro. Como sinónimo de un excelente equipo de trabajo, Lotería Teatro no podía faltar para recibir el reconocimiento que A Escena le otrogó por 10 años de trabajo, y en entrevista, Martín Layune, fundador y director de este grupo, compartió cómo han ido conformándose al pasar de los años, encaminándose en espacios alternativos, abiertos y teatro para niños donde, es importante mencionar, ha sido de suma relevancia las ideas y aportaciones de todo el equipo, así como de la integración de compañeros que participan en otros grupos. Respecto del reto más importante que ha tenido Lotería Teatro, Lourdes Delgadillo señaló: “Es mantenerse en el agrado del público local, principalmente, pues sin afán de vanagloriarnos, Lotería Teatro ha sido profeta en su tierra, porque nuestro trabajo ha sido bien recibido por nuestro público, los niños que nos siguen, la gente que nos sigue en cada temporada ha sido porque les gusta lo que hacemos, porque lo hacemos con mucho cariño, mucha honestidad y tratamos de ser lo más profesionales posible”.

Así mismo, para identificar el tipo de trabajo que realiza Lotería Teatro, Juan Manuel Bárcenas mencionó: “Somos teatreros, pero también somos pastoreleros… muchos grupos montan pastorelas, pero saben que nosotros vamos a estar ahí en la calle cada año presentando una”. Para finalizar, Paola Riverman compartió, como primicia, que próximamente estarán presentando un montaje infantil con marionetas titulado: La escalera mágica, del que cabe mencionar, es el proyecto con el que Lourdes Delgadillo se hizo merecedora del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico (PECDA).

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Grupo Escolar de Teatro Preparatoria Francisco I. Madero. Con una trayectoria de 15 años de arduo trabajo fomentando las artes escénicas en los alumnos de la preparatoria Madero, Luis Fernando Pérez Chiu asistió en compañía de un equipo de alumnos, para el recibir el reconocimiento otorgado en el XV aniversario de A Escena. Luis Fernando mencionó, con orgullo, el reto principal que como maestro ha tenido en estos 15 años de trabajo con los alumnos: “Hacer conocer el teatro a los jóvenes de preparatoria, amar el teatro y llevarlo a escena con todo el respeto que se merece el escenario, con más de 42 puestas en escena y trabajando con nuevos proyectos para este semestre”. Por otro lado, consciente de que los alumnos no se dedican netamente al teatro, Luis Fernando señaló la forma en que se impulsa a que los jóvenes crean que tienen toda la capacidad para proyectar en el teatro el mensaje que quieren transmitir: “La base, desde el inicio, es que el joven es tan capaz como cualquier adulto, y que ellos tienen que darse la oportunidad de hacer eso, crecer es el elemento que ellos tienen en puerta, entonces, si se atreven con las artes escénicas a subirse a un escenario, a romper sus propios miedos, presentarse frente a la gente, creo que se les deja un aprendizaje para toda la vida”.

En breves palabras, los alumnos externaron, orgullosamente, su agradecimiento y reconocimiento al esfuerzo y labor que su profesor realiza con ellos en cada puesta en escena, y en la preparación que conlleva cada ensayo, cuyos resultados se muestran en las obras que se presentan ante el público. Luis Fernando compartió con A Escena la presentación de dos proyectos en los que actualmente se encuentran trabajando: Circunstancia, que se hará en el mes de abril en el Foro Mar y Castañón del colegio, y del cual es importante mencionar, se estrenó en 2011 y fue premiado por A Escena; así mismo, el estreno de Madre no te vayas, el cual se presentará en el mes de junio en el Teatro Aguascalientes.

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Pregoneros Teatro. Con 10 años de trayectoria, Pregoneros Teatro hizo presencia en el evento con la participación de Xicoténcatl Domínguez, director y productor del grupo, y Yadira Torres Briseño, quien compartió en entrevista con A Escena lo siguiente: “Nuestro reto principal ha sido la constancia, ante todo, seguir trabajando a pesar de recortes, en la difusión y promoción de las obras”. Pregoneros se ha aventurado a trabajar con temas sociales como violencia de género, feminicidio, desmitificando las ideas del amor romántico que es un nuevo proyecto que tiene que ver con jóvenes. Al hablar de temas tan controversiales como el feminismo, Yadira expresó: “La importancia de hablar de estos temas y utilizar todas estas cuestiones en las cuales estamos inmiscuidos como las desapariciones y la violencia sistémica en la cual estamos, es importante plasmarlas porque a fin de cuentas, estamos viviéndolas y hay que cuestionárnoslo”.

Por otro lado, Xicoténcatl mencionó sus satisfacciones en el teatro: “Con más de 20 años trabajando en teatro y 10 años en Grupo Pregoneros, del teatro todo ha sido satisfacción; yo había estudiado otra cosa, el teatro me atrajo y sigo en él”. Finalmente, como parte de la proyección futura que tiene Pregoneros, Yadira externó: “Es importante destacar que el grupo busca otras formas de hacer teatro, hacerse como un lenguaje propio y, sobre todo, inmiscuirnos diferentes teatralidades y seguir en la cuestión de temas sociales, porqué es pertinente hacer teatro y para quiénes, la pertinencia es algo que nos estamos cuestionando continuamente y todos nuestros proyectos deben de tener esa idea, que tengamos un mensaje qué llevar y que a final de cuentas ese mensaje nos ayude a repensar”.

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Tranvía Teatro. En esta entrega de reconocimientos no podía faltar un grupo tan especial como Tranvía Teatro, fundado en 1987, y que cuenta con una trayectoria de 30 años ininterrumpidos en el ámbito teatral; por ello, en representación de Pepe Domínguez, Leonardo Ponce hizo presencia en el evento, donde se hizo reconocimiento a la hermosa labor que han realizado, enfocando e impulsando, entre otras cosas, al teatro infantil. La participación que Tranvía ha dedicado al teatro para niños, les ha permitido desarrollarse en otro tipo de teatro, labor que ha rendido sus frutos en otros países, razón por la que Pepe Domínguez no pudo asistir a la entrega del reconocimiento que A Escena les entregó durante esta celebración.

Leonardo compartió cuál ha sido la mayor de las satisfacciones en esta interacción que tienen con el público infantil: “Como actor, no pueden faltar las anécdotas en las que tratábamos que los niños se transformaran en el personaje, que ayudaran a él y meterlos en el drama, generando en ellos la confianza y el gusto en los papás, y que vieran que era teatro de calidad; pero lo más emocionante es al final, cuando te acercas al niño, rompes esa barrera, y vengan, saluden a los actores [a los personajes] y se acercaran todos los niños que estaban ahí”. El actor comentó de su regreso a los escenarios para el mes de abril con un nuevo proyecto, y concluyó: “El teatro es una actividad fantástica que te lleva a la imaginación, a la creatividad y, sobre todo, a la diversión; te hace pensar, analizar todo lo que está a tu alrededor”. Finalmente, a todos esos niños que de alguna forma se interesan en las artes escénicas dejó un pequeño consejo: “Que hagan lo que les divierte, lo que les gusta, que se acerquen con nosotros o a cualquier grupo de teatro para que desarrollen todas sus habilidades; los niños dentro de un escenario son maravillosos, pueden salirse del guion y crear cosas maravillosas, son muy naturales, que permiten darle esa frescura que el teatro necesita”.

ALGO DE POESÍA

Colaboración por Ignacio Velasquez

Fuente; http://www.jornada.unam.mx/2018/02/07/cultura/a03n1cul

Fuente; http://www.jornada.unam.mx/2018/02/07/cultura/a04n1cul

 

fernando pessola

Fernando Pessoa

Fernando Pessoa escribió a través de uno de sus heterónimos más recurrentes, Álvaro de Campos, que todo arte es una forma de literatura, porque todo arte consiste en decir algo. Desde esa convicción, el poeta e intelectual más sobresaliente del siglo XX, en Portugal, reflexionó e impulsó los movimientos vanguardistas en su país natal, que crearon sus propios códigos, escuelas y tendencias estéticas, y en ningún caso se dejaron arrastrar por el influjo que llegaba de París, entonces capital del arte mundial. Portugal, de la mano de Pessoa, construyó sus propias corrientes artísticas, como el paulismo, el interseccionismo y el sensacionismo.

Agitador de la vida cultural

El universo literario e intelectual de Pessoa era tan prolífico, en parte, porque siempre defendió que un hombre para ser respetable tiene que contradecirse varias veces al día. Él mismo adoptó varias voces a través de sus heterónimos, que a lo largo de su vida fueron 130 personajes o nombres inventados, a los que incluso les hizo sus propias cartas astrales y cada uno tenía su particular forma de escribir y sus inquietudes bien definidas. Estas fragmentaciones, que Pessoa atribuía a su desorientación existencial, eran capaces de mostrar las contradicciones intrínsecas que deben guiar el arte, según defendía el poeta.

Si hay un texto que explica por qué Pessoa se interesó tanto por las vanguardias y por dejar escritas propias reflexiones sobre el devenir del arte en los albores del siglo XX, es el siguiente, que atribuyó a su heterónimo Álvaro de Campos, el que utilizaba para referirse precisamente a los movimientos artísticos de la época: Todo arte es una forma de literatura, porque todo arte consiste en decir algo. Hay dos formas de expresar, hablar y callarse. Todas las artes, salvo la literatura, son proyecciones de un silencio expresivo. En todas las artes que no sean la literatura hay que buscar la frase silenciosa que contienen, o el poema, o la novela, o la obra teatral. Con esto basta hasta que lo demás se presente.

Pessoa, quien murió en 1935 a los 47 años y tras haber publicado solo un libro en vida, fue un incesante agitador de la vida cultural y artística no solo de Lisboa, sino de todo Portugal, ya sea a través de sus conferencias, sus escritos en revistas y diarios o sus cartas a pensadores o críticos de la época. Él estaba convencido de que el arte es una interpretación de la vida. Todo arte que no sea misterioso errará el sentido de la vida. Esa idea la asumieron otros artistas, sobre todo pintores y escenógrafos, que orbitaron en torno a las ideas, escritos y propuestas expresivas del poeta que, paradójicamente, nunca escribió sobre pintura, pero que construyeron un movimiento fugaz, con señas de identidad propias y poco conocido para el gran público, que emergió cuando Portugal dejaba atrás un pasado colonial.

 

Es decir, el paulismo, el interseccionismo y el sensacionismo nacieron en medio de un país empobrecido, sin prestigio y desmoralizado que Pessoa se empecinó en abrir a la modernidad mirándose en el espejo de las vanguardias parisinas que recorrían Europa, encarnadas en el cubismo, el futurismo y el orsismo. Pero mirando solo en el espejo de esas vanguardias y en ningún caso copiando sus manifiestos o sus atributos estéticos, sino dándose a la tarea de construir sus propios lenguajes, aprovechando precisamente la libertad creativa que trajeron las vanguardias al arte.

Pessoa no es exactamente un vanguardista. Entiende que hay nuevos lenguajes pero crea sus propios modelos que se alejan de las vanguardias de su tiempo. Así lo explicaba Pessoa: La base de todo arte es la sensación. Para pasar de la mera emoción sin sentido a la emoción artística o susceptible de volverse artística, esa sensación tiene que ser intelectualizada.

Lluvia oblicua*

Fernando Pessoa

I

Atraviesa este paisaje mi sueño de un puerto infinito

Y el color de las flores es transparente como las velas de grandes navíos

Que zarpan del muelle arrastrando en las aguas por sombra

Los bultos al sol de aquellos árboles antiguos…

El puerto que sueño es sombrío y pálido

Y este paisaje está lleno de sol por este lado…

Pero en mi espíritu el sol de este día es puerto sombrío

Y los navíos que salen del puerto son estos árboles al sol…

Liberado dos veces, me abandoné al paisaje a mis pies…

La figura del muelle es el camino nítido y tranquilo

Que se levanta y se yergue como un muro,

Y los navíos pasan por dentro de los troncos de los árboles

Con una horizontalidad vertical,

Y sueltan amarras al agua por entre las hojas una a una…

No sé quién me sueño…

De pronto toda el agua del mar del puerto es transparente

Y veo en el fondo, como una estampa enorme que allí estuviese desdoblada,

Este paisaje entero, hilera de árboles, camino ardiendo en aquel puerto,

Y la sombra de una nao más antigua que el puerto que pasa

Entre mi sueño del puerto y mi contemplación de este paisaje

Y llega hasta mis pies, y entra dentro de mí,

Y pasa hacia el otro lado de mi alma…

* Fragmento del poema Lluvia oblicua, de Fernando Pessoa, incluido en la exposición Pessoa: todo arte es una forma de literatura, publicado con autorización del Museo Reina SofíaColaboración