Mes: mayo 2018

UN HOMBRE, UNA MUJER Y UN PERRO

Entrevista por Julieta Orduña y Miryam Almanza

  • El público de Aguascalientes tienen un buen nivel de conocimiento, no es un público promedio… Ignacio Flores de la Lama.
  • Hace falta más disposición para que acudas constantemente al Teatro… Roberto Sosa.

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Hace unos días se presentó esta obra como parte de los festejos del décimo aniversario de la Universidad de las Artes. Con una gran afluencia en el Teatro Morelos, la compañía Caja Negra, encabezada por el director Ignacio Flores de La Lama y su reparto Daniela Zavala, Jorge Zárate y Roberto Sosa, dieron una gran función con un texto de la alemana Sibylle Berg.

Gracias al apoyo del financiamiento de EFITEATRO, la compañía inició una gira por varias ciudades del país: “Dimos una temporada en la Ciudad de México en la Teatrería, con funciones los sábados y domingos, y desde un principio se estableció que íbamos a dar 15 funciones en la Ciudad de México y 15 en otras ciudades de la República Mexicana. Ya estuvimos en Zacatecas, Guadalajara, y además de Aguascalientes vamos a visitar también Hermosillo, Morelia, Pátzcuaro, La Paz y Tijuana. Siempre es un gusto sacar el trabajo y compartirlo a todas las ciudades que se puedan”, señaló Roberto Sosa.

La obra trata sobre las relaciones humanas, en específico la de parejas que quieren encontrar a toda costa la felicidad y se complican la existencia, señala el actor: “El ser humano tiene todo para ser feliz y no es capaz de hacerlo. Me encanta la propuesta de la autora, es una dramaturga contemporánea alemana y ella plantea en su texto que el perro tenga una visión mucho más aguda respecto a las relaciones humanas. Me pare

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ce muy atinado y hace que nos rebote en algún punto porque todos hemos estado atados a una relación, o hemos atado a alguien en algún momento, y justo la felicidad está en saber soltar. Es un texto que me gusta y disfruto muchísimo porque habla de verdades humanas bien entrañables”.

La dramaturgia de Berg no se queda ahí, sino que va más allá de un diálogo de dos, entra un tercero que es un perro, señala el director: “Sí, el tema del conflicto de pareja no es nuevo de ninguna manera, creo que desde Adán y Eva, es un tema con el que hemos aprendido a vivir, la diferencia está en que la autora decide contar la historia desde la óptica del perro. Es la primera vez que vemos que un conflicto de pareja se cuenta desde la óptica de un ser que no es humano y viene siendo, según la obra, el que tiene más rasgos de humanidad; resultan ser más animales los otros que el propio perro, de los tres es el único inteligente y con sentido común”.

Sin duda, la comedia es uno de los géneros más difíciles, ya que se puede caer en los clichés, sin embargo, el tratamiento de esta obra nos deja un aprendizaje gracias al buen manejo de la técnica: “Cuando la comedia está bien escrita te plantea que a través del humor estás haciendo una profunda reflexión de la condición humana, y creo que ese es el gran acierto de este texto que cuenta con situaciones aparentemente cotidianas. Es interesante ver al público, hay parejas que conforme pasa la obra se van separando, o al revés”, afirma Sosa. A lo que coincide Flores de la Lama: “La obra tiene una falsa pista de diversión porque está montada en tono de comedia, pero si uno revisa la idea central, la imposibilidad de amor en la pareja, el desencanto, el autoengaño, porque inventamos que somos felices como una necesidad para no estar solos. Filosóficamente es una obra bastante fatalista, no luminosa ni mucho menos; sin embargo, está montada como comedia, en un tono lúdico, y entre risa y risa se asoma una verdad dolorosa, es decir, termina en ser una obra agridulce, amarga, porque no es una comedia ligera o de enredos, sin contenido filosófico, esta obra parte de un contenido con una afirmación dolorosísima que es el conflicto de pareja, pero con un tratamiento de tono de comedia”.

El reparto encaja perfectamente en el texto de la alemana y sin duda, es el requisito principal, ya que, sin gran escenografía, eso sí muy creativa, hace que la historia se desarrolle con un buen ritmo en hora y media, por lo que los actores y el público la disfrutan al máximo: “La obra tiene doble tono, señala Flores, es una puesta en escena bitonal, con tonos muy densos y brinca hacia lo más festivo. Es un desafío para los actores al caer de un género de comedia a otro mucho más denso, actoralmente es complicado”. Tanto Roberto Sosa como sus compañeros de reparto brillan en el escenario y Sosa señala a su vez: “Son un par maravilloso (refiriéndose a Daniela Zavala y Jorge Zárate), es un disfrute estar en escena con ellos, es de mucha generosidad saber que no sólo estás en el escenario con compañeros sino que siempre estamos conectados, no te sueltan, es muy disfrutable, es cuando el teatro ocurre y yo los quiero en lo personal, los disfruto en el escenario y los admiro. Es muy rico estar en escena con ellos”.

Como colofón, la pregunta obligada: ¿Cómo ves el teatro en México, Roberto?

“Hay de todo, grandes propuestas, por ejemplo, está El zoológico de cristal de Tenesse Williams, monólogos, textos gay, el repertorio de la Compañía Nacional de Teatro, musicales, teatro clásico, comedia, o sea, hay una oferta muy amplia de teatro de muy diversas características con propuestas escénicas interesantes, estéticas bien diferentes y finalmente es de lo que se trata, que haya propuestas diversas para que a partir de ahí podamos educarnos como espectadores, hay que ver mucho teatro para tener parámetros de referencia. Creo que el teatro en México tiene mucho qué ofrecer pero lo que faltan son espacios, todos estamos ávidos de tener espacios y queremos que las temporadas permanezcan más tiempo, también es verdad que necesitamos como espectadores educarnos, hace falta eso, más disposición para que acudas constantemente al teatro en todos sus niveles; ha habido muchos esfuerzos como el teatro escolar, teatro en tu comunidad, etcétera”.      

A su vez, el director nos comparte su opinión acerca del público aguascalentense: “Ya habíamos venido antes con esta compañía, presentamos Noroeste y Sumergibles. Aguascalientes nos encanta no sólo por su hermoso Teatro Morelos, hay muchas razones, este público suele ser muy atento, muy entregado, tienen un buen nivel de conocimiento, no es un público promedio, además, los técnicos son maravillosos. En total van a ser 30 funciones de la obra: Un hombre, una mujer y un perro, con el apoyo de EFITEATRO. Esperamos al finalizar esta primera temporada, reanudar en la Ciudad de México; es una obra aconsejada como terapia para cualquier pareja”. 

CUANDO LA TRAGEDIA Y EL HUMOR SE MEZCLAN (IDIOTAS CONTEMPLANDO LA NIEVE)

Texto y foto por Miryam Almanza

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En teatro, cuando leemos el nombre de Alejandro Ricaño en algún programa de mano, invariablemente nos remite a un texto que sabemos será “diferente” a lo que comúnmente vemos en un escenario, con personajes que representan situaciones a veces ilógicas pero tan cotidianas que rayan en el humor negro; así es su obra Idiotas contemplando la nieve, que presenta en corta temporada la Compañía Fernando Wagner, bajo la dirección de Omar Pacheco Jr.

Ocho personajes en escena llevan al público por situaciones patéticas como el secuestro y el asesinato para conseguir la cafetera de moda, o medir el nivel de pobreza en un hogar por el tipo de excusado que tiene, así corre la obra en diversos cuadros enmarcados por sentimientos como el dolor, la tristeza, la envidia, la desesperanza, hasta el momento en que se cuela la ironía y nos saca una sonrisa para amortiguar la tragedia, ¿o para acentuarla?

La obra gusta, ya que el texto definitivamente es muy bueno, y algunas de las actuaciones dan un buen soporte a la historia si tomamos en cuenta la novel dirección de Omar Pacheco hijo, sin embargo, lo que quiero es destacar el reto que asumió la compañía Wagner al representar una obra que ha sido exitosa y multipremiada en diversas partes del mundo, y además con autorización de su autor. Con esto la compañía refuerza su repertorio luego de 18 años de trayectoria en nuestra ciudad, y Omar, por su parte, afianza su preparación artística que estamos seguros le ayudarán a dar el salto al ámbito profesional, ya que el teatro lo lleva en la sangre.

HISTORIAS ECLÉCTICAS PARA TRANSEÚNTES

Texto por Miryam Almanza

Fotografías de Sylvia Ríos

historias (1)En plena Feria Nacional de San Marcos nos encontramos con un interesante proyecto de lecturas dramatizadas por actrices y actores de Aguascalientes que, basándose en un catálogo de 17 textos, deleitaron a quienes iban paseando por el corredor cultural. Historias eclécticas es una interesante intervención de la calle, de no más de 10 minutos, suficiente para sensibilizar a los oyentes con historias como La japonesa rusa, Certeza, Bichos del circo, Los niños muertos, La chingadera, Yang, La suerte de Kahlo Dant, El lugar equivocado, entre otras, que surgieron de la pluma de reconocidos escritores también de nuestra ciudad.

historias (2)La iniciativa es de Etna Valdivia, actriz y directora de teatro, quien en su constante superación artística nos ofrece nuevas maneras de disfrutar de esta disciplina y de la lectura, justo en los lugares por los que vamos pasando. No hubo pretexto para no escucharlos, aunque sí hicimos un poquito de esfuerzo ante el ruido que salía de los negocios y los puestos que había en la calle, pero igual chicos y grandes se acercaron a poner atención a las narraciones.

Historias eclécticas es apenas un trabajo en ciernes, pues además de intervenir las calles lo han hecho también en la Biblioteca Benjamín Manzo y en algunos otros espacios. ¡Ojalá pronto esté en centros comerciales, plazas, mercados y en todo aquel lugar donde haya alguien interesado en disfrutar de la lectura dramatizada!

TEATRO DE ATRIL PARA HACER COMEDIA (DIOS MÍO, ¡HAZME VIUDA POR FAVOR!)

Texto y foto por Miryam Almanza

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Se presentó en Aguascalientes la obra de teatro Dios mío, ¡hazme viuda por favor!, y como todas las que produce Rubén Lara, dejó en el público una reflexión, además de una sonrisa. El texto, original de Josefina Vázquez Mota, a través de lecturas dramatizadas, habla sobre las diferentes circunstancias que las mujeres enfrentan cuando viven con su pareja, mismas que en algún momento las llevan al punto de desear que él no existiera como una solución a la mayoría de sus problemas, ¿les suena conocido? Y no sólo eso, aborda también los prejuicios que la sociedad ha impuesto a las mujeres que, si bien han perdido a su compañero (no precisamente por asesinato, jeje), también se han atrevido a separarse de éste buscando una mejor vida, o simplemente han decidido permanecer solteras.

El elenco estuvo conformado por Helena Rojo, María Sorté, Ivonne Montero, Laura Carmine y Claudia Martín, todas excelentes actrices que representan a mujeres de diferentes generaciones en el escenario. La obra comenzó de menos a más; el público parecía inquieto, a veces reía, otras no, pero se fue adentrando en la trama hasta permanecer -en ocasiones- en una especie de extraño silencio, y nosotros pensábamos: ¿no les gustó la obra? ¿o se sentirán identificados con las diferentes situaciones que se narran?, todas describiendo lo difícil que es ser mujer en la actualidad, por el tipo de sociedad en que nos hemos convertido, porque la doble moral está siempre presente, y porque  juzgamos sin vernos primero a nosotros mismos.

Tal vez para algunos el tema es frívolo pero el público salió contento. Dios mío, ¡hazme viuda por favor!, se presentó en el Teatro Aguascalientes en dos funciones, producción de Rubén Lara y dirección de Abril Mayett.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

El zoológico de cristal, en El Helénico

Este mes vuelven a la cartelera Casa de muñecas, parte dos (directamente relacionada con la de HenrikIbsen, pero de Lucas Hnath, autor contemporáneo) y El zoológico de cristal, de Tennesse Williams, que tienen algunos temas en común: relatan historias familiares y hablan con cierto romanticismo. Ya hemos hablado de Casa de muñecas que es una historia original de Ibsen y que otro literato escribe una pretendida secuela, ¿válida o no?, es interesante verla en el Xola.

El_zoologico_de_cristal2El zoológico de cristal (Teatro Helénico) se desarrolla en la época de la gran crisis del 29 en Norteamérica; exhibe lo difícil que era obtener empleo y vemos el nacimiento de las ideas motivacionales que expresa uno de los personajes. Por su parte, la madre hace acrobacias verbales para empujar a su hijo a ganar más y, claro, tiene un especial esfuerzo hacia su hija, que quizá usted recuerde, a raíz de una enfermedad infantil, cojea y se ha convertido en introvertida. El hijo es amante de las letras, pero como a muchos humanos le cae la pesada maldición de trabajar en lo que hay, que es ser almacenista.

Esta obra es un caballito de batalla de los grupos profesionales y amateurs, así que el director se enfrenta a la necesidad de atraer un grupo profesional y refrescar, reinventar su montaje. Vimos a Blanca Guerra hacer una magnífica madre que trabaja en varias cosas para completar el ingreso familiar; Adriana Llabrés es la dueña de una colección de piezas ornamentales, de cristal –precisamente-, su hermano es Pedro De Tavira, sólido actor que con desenfado se mudará a quién sabe dónde; hay un olvidado amigo de la familia, David Gaitán, que tendrá momentos con buen ritmo y contraste. Mariano Palacios sustituye algunos días a Gaitán. Por lo que le he descrito, quizá usted pudiera pensar, ya entendí la obra: pues no. Williams ha escrito las escenas para ir armando dobles tramas, pensamientos ocultos, que irán entrelazándose para provocar varias sorpresas, que son el eje de las risas, usted dirá ¿pero de qué se rien? Pues sí, de lo extraños que somos los humanos, aferrándonos al de junto para no tener que vivir nuestro propio destino.

Vestuario muy normal, cumple su función; la escenografía un tanto extraña, al grado de que una escena en que el sillón recibe a dos personajes, derrumba los libros que la sostienen y les quita concentración para seguir con las acciones. Esto es debido a que hay una zona con declive, quizá de quince grados, capricho del escenógrafo, para no repetir literalmente las que vemos con alguna frecuencia, y no aporta nada novedoso. Adriana Llabrés es una jovencita lisiada, romántica, introvertida, entró fría, la vi ir mejorando cada minuto que pasaba. Las escenas de la madre con el hijo son rotundas, permite ir percibiendo la psique del joven, un escritor que encuentra en sus libros la pasión verdadera.

Cumplen todos en las respectivas escenas; el público genera expresiones que acompañan el avance melodramático de este clásico, que con Arthur Miller y Eugene O´Neill fundan la dramaturgia original de los Estados Unidos, donde es frecuente escuchar sobre el calor del sur, los migrantes, la crisis, las familias desintegradas. Dirige Diego del Río, que tiene un gran número de seguidores para sus trabajos. ¡No se la pierda!

¡NO SOY GORDA!

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Foto cartel promocional

NO.SOY.GORDAAntaño nadie se preocupaba por cuidar la línea, cada quien se conformaba con ser como era. Cuando la comercialización surgió, todas las mujeres querían verse como modelo de pasarela, sin pensar que algunas de esas modelos se han sacrificado tanto que han llegado hasta perder la vida, víctimas de la bulimia o la anorexia, o del exceso de ejercicio. En realidad, la belleza no estriba en los kilos. Cualquier persona puede verse bien aunque tenga sobrepeso. En el arte, el pintor colombiano Fernando Botero se hizo famoso al reflejar gente de grandes dimensiones en sus cuadros. De cualquier modo, en gustos se rompen géneros y hay quienes prefiere a los gorditos que a los flaquitos.

Lo peor que puede hacer una persona es obsesionarse con su peso. Aquellos hombres que son machistas, desprecian a sus mujeres si es que engordan, les ponen sobrenombres y las humillan, cuando lo único que consiguen es que ellas, además de padecer de sobrepeso, caigan en la ansiedad, misma que hace que, en lugar de adelgazar, engorden más y más.

María Chayo, egresada de un taller de dramaturgia impartido por Estela Leñero, decidió escribir ¡No soy gorda!,a fin de dar voz a Airam, su protagonista, una hermosa mujer con algo de sobrepeso que está cansada de escuchar lo que opinan los demás. Si bien el texto tiene estructura, por momentos gira sobre su propio eje y resulta un poco reiterativo. Lo bueno es que el mensaje se transmite claramente: la actitud significa mucho para el individuo y los estereotipos carecen de importancia.

Para hacerse cargo de la dirección escénica fue convocado Morris Savariego, quien en su intento de aligerar la escenificación imprime tal celeridad que no da un solo momento de quietud a su actriz, sin tomar en cuenta que en ocasiones menos es más. El montaje es acertado, combina técnicas teatrales como tragicomedia, cabaret, stand-up comedyy reality show. El espacio es aprovechado a fondo. Con unas cuantas prendas se logra una extensa diversidad, una cabeza de maniquí basta para representar a uno que otro alternante de Airam.

Lo que hace que¡No soy gorda! sea algo verdaderamente especial es el histrionismo de la hermosa Paola Izquierdo, quien con su gracia nata y experiencia hace una creación teatral de su personaje Airam que resulta magistral, haciéndola intuitiva, vital, fortalecida, simpática y divina. Con cada expresión, cada movimiento, logra que el público esté al pendiente de qué sucederá y no queda otra que adorarla.

El resto del equipo creativo está conformado por Mario Marín en escenografía; Adriana Olivera en diseño de vestuario; Abimael Méndez en iluminación; Héctor Barbone y Alfonso Zarco en música y diseño sonoro; Edson Martínez en movimiento escénico; Pablo Corkidi en video y fotografía; Eduardo Barrera en diseño gráfico; Pamela Rendón/Innsite en difusión y promoción; Guillermo Mondlak en coproducción; Luis Montalvo en producción ejecutiva y asistencia de dirección; Adriana Rentería en asistencia de dirección y producción; Andrés Mota en asistencia de escenografía; Leobardo Hernández y Ana Lilia Villarreal en asistencia general; Yeana González López en registro y memoria de la temporada, y Antonio Pérez / Construcciones Escénicas en construcción de escenografía. Sin duda, un gran equipo de creadores comprometidos con el proyecto.

Quedan cordialmente invitados a ver ¡No soy gorda! Una actuación sobresaliente siempre es grata. Queda uno reconciliado con la vida. No hay que vivir dilucidando ecuaciones entre lo que pesas y la edad que tienes. Vivir siempre es maravilloso. Arma un grupo y vayan a entretenerse con esta obra y después tómense un café o una copa para intercambiar impresiones. Ten por seguro que se la pasarán muy bien y tendrán tela de donde cortar.

¡No soy gorda! se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 19:00 horasy domingos a las 18:00 horas en el Foro a poco no, ubicado en la calle República de Cuba, número 49, a espaldas del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Centro Histórico, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $165.00 pesos, con descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 27 de mayo de 2018.

GRUPO DE TEATRO DE LAS UNIDADES DE EXPLORACIÓN ARTÍSTICA, OBTIENE EL SEGUNDO LUGAR EN CONCURSO NACIONAL DE PASTORELAS PENITENCIARIAS

Información IMAC

En el Centro de Reinserción Social para Mujeres se presentó Antipastorela, a cargo del Grupo de Teatro Libertario, la puesta en escena fue ganadora del segundo lugar del Concurso Nacional de Pastorelas Penitenciarias, certamen organizado por el Órgano Administrativo Desconcentrado de Prevención y Readaptación Social en conjunto con la Dirección General de Instituciones Abiertas Prevención y Readaptación Social de México.

El Grupo de Teatro Libertario está conformado por once mujeres privadas de su libertad que participan en el taller de teatro que se ofrece con el programa de las Unidades de Exploración Artística (UEA´s) operado por el Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC).

El taller a cargo de la maestra Paola Barona Ramírez se imparte en esta institución desde agosto del 2017; a partir de esta fecha once mujeres participan en las clases que se ofrecen dos veces por semana en sesiones de dos horas; el grupo ha realizado dos presentaciones, la primera un dispositivo escénico con monólogos de la vida de mujeres representativas de México que se efectuó dentro de las actividades del Día de Muertos.

Para su segunda presentación trabajaron durante un mes y medio.Antipastorela se desarrolla bajo la lógica de una tradicional pastorela, pero en un contexto de proceso penal, con un guion escrito por una de las internas. Durante la obra se utilizan términos que se manejan dentro del espacio, haciendo uso de crítica y comedia.

Estos espacios son una oportunidad en que las internas pueden plantear algunas de las situaciones que se presentan durante el año, con bromas sobre las comidas, las rutinas y las realidades que se viven día a día en la prisión.

Por medio del teatro penitenciario, ejercen la libertad de expresión que de alguna manera se vuelve motor y dinámica para ellas; mediante el taller se trabaja en recuperar la sensibilidad y en la sororidad, que es fundamental para la reinserción y la generación de un momento de paz y de relación sin violencia.

FRANCISCO ARAIZA LLEVA CANCIONERO ITALIANO DE HUGO WOLF

Información Conaculta

franciscoAraizaJVL_9527bEl tenor mexicano Francisco Araiza, acompañado de la soprano croata Marija Vidovic y del pianista ruso Alexander Pashkov, presentó la noche de este jueves en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes el Cancionero italiano de Hugo Wolf, compositor alemán que dibuja la conquista de la mujer amada, el gozo del enamoramiento y el desencuentro, con una riqueza de matices emotivos, y expuestos de forma original por los protagonistas de este recital.

Presentada por el Instituto Nacional de Bellas Artes por medio de Coordinación Nacional de Ópera, la puesta muestra a uno de los artistas líricos mexicanos más importantes de la historia en su faceta de recitalista, en la que su trabajo es considerado espléndido y emblemático.

El tenor mexicano, acompañado de dos músicos con la pericia y experiencia necesarias para este conjunto de canciones de gran complejidad, mezcla del folclor italiano con el arte alemán, deleitó por cerca de dos horas a los asistentes, entre los que se encontraba la Secretaria de Cultura, María Cristina García Cepeda.

El Cancionero italiano fue compuesto por el alemán Hugo Wolf a partir de las traducciones hechas por el escritor Paul Heyse de cuatro colecciones de la lírica popular italiana de mediados del siglo XIX, concentrándose en el género rispetto: octavas decasilábicas o endecasilábicas, todas ellas de tema amoroso.

Concebido para interpretarse de manera conjunta por dos cantantes, que encarnan a los amantes, con el acompañamiento de un pianista que por momentos parece formar parte del romance, el recital dio inicio con su primera parte, conformada por 24 canciones, creadas entre 1890 y 1891.

Luego del intermedio, Francisco Araiza, acompañado por la croata Marija Vidovic y el ruso Alexander Pashkov, interpretó las 22 canciones de la segunda parte del ciclo, que fueron compuestas por el músico alemán en 1896.

Los tres músicos brindaron una velada musical inolvidable en el recinto cultural más importante de nuestro país, en lo que fue la cuarta presentación de esta obra de Wolf en México.

Originario de la Ciudad de México, Francisco Araiza recibió 1988 el título Kammersäger de la Ópera de Viena y desde 1977 fue miembro permanente de la Ópera de Zúrich. El versátil cantante se ha presentado con las compañías de ópera más renombradas del mundo y ha sido merecedor de numerosos premios nacionales e internacionales.

Su fructífera carrera lo ha llevado a los más importantes teatros y festivales. Cuenta con una discografía referencial para todos los amantes y profesionales de la lírica. En 2016, fue creada en su honor la Cátedra Francisco Araiza, cuya sede es el Conservatorio Nacional de Música de la Ciudad de México.

Durante esta presentación, en el Palacio de Bellas Artes, lo acompañó la soprano croata Marija Vidovic, quien es egresada de la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena, y poseedora de la voz, técnica y conocimientos estilísticos capaces de dotar de los colores y matices que su personaje requiere.

Vidovic ha cantado en los teatros más importantes del orbe y ha acompañado a Francisco Araiza en sus interpretaciones del Cancionero italiano en la República Mexicana.

Los cantantes fueron acompañados por el pianista Alexander Pashkov, egresado del Conservatorio de Leningrado y postgraduado del Conservatorio de Petrozavodsk. Es ganador del reconocimiento Joven Talento en el Primer Concurso de Piano Ippolitov-Ivanov en Moscú y del concurso de piano de la Gartow Stiftung, de Hamburgo, Alemania. Se ha presentado en importantes escenarios del mundo bajo la batuta de destacados directores, como Valeri Gergiev y Alexander Titov.

Alexander Pashkov colabora desde 2016 con el maestro Araiza en las cátedras de canto que éste imparte, y con quien compartió el escenario del estreno en México del Cancionero italiano, en el Festival Internacional Cervantino, en octubre de ese año.

NO SOY LO QUE SOY (TRATADO ESCÉNICO SOBRE LA ENVIDIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, presidente de APT

 

no soy lo que soy

La envidia, en términos generales, es desear lo que otro es o tiene, ya sea por su posición social o por sus bienes materiales o, peor tantito, por no ser el hijo consentido y un largo etcétera.

 

Lo anterior es el fondo de la obra NO SOY LO QUE SOY, dramaturgia y dirección de Roberto Eslava, a partir de textos de W. Shakespeare, John Milton y Lord Byron. La pregunta es; ¿se puede desarrollar una puesta en escena en torno a la envidia con hilaridad? La respuesta es sí. Cinco actores y un músico nos hacen disfrutar en forma amena y al mismo tiempo reaccionar frente a un estímulo mental que todos hemos sentido y padecido.

 

Si por envidia entendemos tristeza o pesar por el bien ajeno o emulación del deseo, tal vez honesto pero no correcto y sobrepasar esa frase de “siento envidia de la buena”, es digno de apreciar que este grupo en forma multidisciplinaria nos haga reírnos, de nosotros mismos a través de un tema tan delicado y a la vez poco tratado como tal. Se rompe la cuarta pared, literalmente, el público tiene la oportunidad de participar, opinar, inclusive en contra de lo dicho. Es una puesta en escena en la que la libertad de expresión es una realidad.

 

Montaje alejado de lo convencional, de hecho acontece en el sótano del teatro Julio Castillo, con capacidad de butaquería improvisada para unas 40 personas. El espacio se convierte en un protagonista, el director lo aprovecha al máximo, su imaginación trasgrede y al  mismo tiempo conlleva a los espectadores a un mundo imaginario y real, si se permite la expresión.

 

Una puesta lúdica, a más de alguno lo sorprenderá, ¿es teatro, es una “instalación escénica”…, es una forma diferente o alternativa de creación, queda en cada espectador su conclusión, lo cierto es una manera diferente de hacer teatro, en lo personal fue de mi agrado y me dejó muchas cosas en que pensar, desde la envidia hasta lo que es una propuesta innovadora.

 

Definida como una cantata parateatral sobre la envidia, Pilar, Irene, Jaklyn, Luis y Medin convocan a una experiencia diferente para fortuna del público en el teatro Julio Castillo (Ciudad de México), hasta el 10 de julio, lunes y martes a las 20:00 horas

FELA FÁBREGAS, LA SRA. TEATRO (1931-2018)

Texto por Julieta Orduña

 

No son muchas las mujeres que se dedican a ser productoras teatrales, se van más por el lado creativo (actrices, directoras, técnicas, etc.); sin embargo, una de ellas ya hizo historia en el teatro nacional, su nombre: Rafaela Salinas de Fábregas, mejor conocida como Fela Fábregas, quien acaba de fallecer y deja un legado a las futuras generaciones. Fela fue esposa del Manolo Fábregas, conocido como El Sr. Teatro, ambos decidieron hacer empresa y fundaron los teatros Manolo Fábregas, San Rafael, Virginia Fábregas y el Centro Cultural Manolo Fábregas, en los cuales, además de aportar una cartelera de calidad, daban trabajo a compañías -en su mayoría- con el giro de teatro comercial o musical. Algunas de sus obras con mayor éxito fueron Violinista en el tejado y El diluvio que viene.

 

Fela fue originaria de Nuevo Laredo, Tamaulipas, y conoció a Manolo en Monterrey; se casaron y tuvieron 50 años de matrimonio. Él le enseñó el amor al Teatro, heredado por sus padres y su abuela, doña Virginia Fábregas. Tuvieron cinco hijos: Manuel, Virginia, Martha, y los actores Rafael y Mónica Sánchez Navarro.

 

Una mujer muy inteligente en los negocios, se especializó en la organización, administración, relaciones públicas, y el complejo de los teatros de los Fábregas fueron atendidos y supervisados por ella. En una de las entrevistas que le hicieron, señalaba: El mantenimiento de los teatros es una locura. En 2007 me puse a regalar y tirar escenografías del San Rafael, y me dolían las rodillas como una respuesta sicosomática. En 2008 pasó lo mismo con lo que había en el Manolo Fábregas”.

 

La Sra. Fela también incursionó como autora, y en los 10 años del aniversario del Teatro Manolo Fábregas, se dio a la tarea de realizar una memoria, con testimonios, fotos de los artistas y técnicos que habían pasado por este importante espacio. Para 1990 hizo el segundo libro y en el 2009, el tercero.

 

Una mujer con un gran amor al Teatro, a su familia y empresaria excepcional. Algunas de sus amistades y personalidades escribieron en redes sociales despidiéndose de ella:

“Estoy muy triste; murió mi amiga querida, Fela Fábregas. Le mando un abrazo con todo cariño a sus hijos. Qué Dios la reciba en sus brazos (Maxine Woodside). “Lamento el fallecimiento de la señora Fela Fábregas. Mi más sentido pésame para sus familiares y amigos. Una pérdida irreparable para el teatro mexicano” (Javier Poza). “Murió doña Fela Fábregas. A su familia, mi solidaridad y mi cariño”. (Víctor Trujillo). “Con un: Cómo le va, mijo?, me saludó desde 1999. Gracias, Sra. Fela Fábregas, por abrir las puertas de sus teatros en varias ocasiones hasta lograr un sueño tan grande como La Fierecilla tomada en el San Rafael”. (Guillermo Wiechers). “¡Que doloroso momento! Mis condolencias a toda la familia de mi admirada y querida Fela Fábregas. Honrar su legado, su amor al teatro y a la profesión es lo que nos toca. Mi amor, cariño y agradecimiento a ella y un abrazo a todos sus hijos y nietos. ¡La vamos a extrañar siempre!” (Morris Gilbert).

 

¡Descanse en paz, Sra. Teatro!

 

Fuentes consultadas:

https://www.elsiglodetorreon.com.mx/noticia/411349.fela-fabregas-historia-para-teatro.html

Http://www.teatron.mx/

https://.proceso.com.mx

https://regeneracion.mx/

https://m.facebook.com/story.php?story