Mes: marzo 2019

ESTRATEGIA DIGITAL DE LA FNSM 2019

Información Patronato de la Feria.

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El presidente del Patronato de la Feria Nacional de San Marcos, Jorge López Martín, anunció que como parte de la estrategia digital para la edición de este año de la verbena más importante del país, en pocos días estará disponible la app San Marcos 2019, a fin de facilitar la experiencia de los visitantes y brindarles más oportunidades de diversión, entretenimiento y seguridad.

 

“Seguimos trabajando para perfilar la edición 2019 como la más segura y con el programa cultural, artístico, deportivo y de espectáculos más completo de los últimos años, que existan muchas alternativas para todo tipo de públicos y gustos; con la implementación y uso de más tecnología, nuestros visitantes podrán vivir la feria a través de una experiencia más ágil, dinámica, y funcional”, precisó el funcionario estatal.

 

La app San Marcos 2019 es la primera en su tipo en Latinoamérica, estará habilitada con tecnología de proximidad de manera que con precisión y de forma segura, entregará mensajes directos a los dispositivos móviles de los feriantes según su ubicación; la aplicación estará disponible en los próximos días para equipos con sistema iOS en la App Store, mientras que para Android en Google Play.

 

Finalmente, López Martín refirió que en tiempo real, quienes descarguen la app en su celular, podrán acceder a diversas promociones, información turística, programa general de la feria, cartel de toros, Palenque, Foro de las Estrellas, cartas de restaurantes, ofertas de centros nocturnos, entre otros además de contar con un botón de pánico que reforzará las medidas de seguridad para los feriantes.

 

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

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SUGEY ABREGO ES LA ROMPEHOGARES

Bajo el sugestivo nombre de La Rompe hogares se presenta un monólogo en el teatro Enrique Lizalde, de Coyoacán. Los sábados a las 20:30 hs. Es destacable la dirección de Abril Mayett que logra la ilusión de estar viendo a muchas actrices, que dialogan entre si, que se quitan y ponen diversos atuendos para maravillarnos con su talento y ductilidad.

Es fuerte el mensaje que lanza a los espectadores y espectadoras, va diseccionando con humor negro, rosa y blanco, la relación que se da entre un hombre y la “otra”, que al principio creen que nadie les verá, luego les entra la preocupación por ser percibidos y todo cambia. Es una cirugía de las relaciones extramaritales que empiezan con un “Mi esposa no me comprende”, “Estoy por divorciarme” etc. etc. Hasta llegar a momentos que hacen reir por lo extraño de los argumentos, por lo sinceros o falsos que son ¡y lo creen las inocentes! O hacen como que lo creen porque no se pueden desprender de esa relación calificable de tóxica (como tóxico es el coñac, pero eso si, muy rico) A la vez que va cambiando frecuentemente de ropa, aditamentos, para mantener la ficción de que estamos frente a varias mujeres.

Muy recomendable monólogo que, sin duda, hará ver viejos a los que ya están en escena.

 

LA VERDURA CARNIVORA, Abril Mayett

 

Uno de los temas difíciles es de los niños de la calle, la niñas aun más.  Bueno, pues hace reir a raudales esta chica con el dificil tema, por el poder que demuestra al interpretar diversos personajes y caracterizaciones, así como al énfasis que otorga a la narración rápida o pausada, con voz tenue o vibrante, ademán amplio o contenido.

En el mismo teatro Enrique Lizalde, se puede ver antes del monólogo de Sugey, los sábados a las 18:30 horas.

 

CASI NORMALES

 

Con las actuaciones de Susana Zavaleta, Federico Di Lorenzo, Mariano Palacios, Maria Penella, Hector Berzuna y otros actores, logran dar vida a un tema ciertamente difícil: la esposa de Federico que es Susana cae en depresión e intenta suicidarse. La solución que le dan los médicos es rotundamente discutible, pues le hacen perder casi toda su memoria.

Casi Normales es una producción muy cuidadosa, no hay coreografías, pero el aspecto vocal es bellísimo y poderoso. La escenografía esta diseñada de tal manera que le da un sabor cinematográfico.

Teatro Aldama, fines de semana. Muy recomendable. Seguiremos hablando de este montaje.

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Analicemos: Los huevos de mi madre

Se presenta en el Xola, es una mezcla de monólogo-concierto llevado por Botero con intervenciones graciosas de Lupita Sandoval, por lo demás el texto es interesante, sin llegar a ser obra teatral. Verá usted, se dice que somos educados por la madre en todo, incluso en materia conyugal, afirman que una progenitora tiene una visión especial ante un hijo: la esposa es terriblemente mala, flaquita y no sabe guisar ni economía doméstica. Pero no es el tema. Sólo se reduce a hablar en broma de que la casi exesposa es flaquita y varios adjetivos muy mexicanos que se expresan cuando no nos cae bien la esposa. En esto es aceptable la serie de escenas vía telefónica que sostiene con el hijo; de mayor fuerza son los momentos cantados, lo que lo convierte en recital de canciones con un tema “del amor no correspondido” ya que la esposa quiere el divorcio y el no.

Si tomamos en cuenta que Botero canta muy bien y las canciones son el hilo conductor, es bueno el resultado; la parte de Lupita Sandoval que otros días hace Nora Velázquez, garantiza diversión sin límites. El efecto sobre el público es abrumador, aplaude y compra los discos y botones que venden, es una verdadera fiesta la que logran al hacer ver la influencia de la madre sobre el hijo, que nunca sabremos si tuvo que ver con la decisión de la ex. No le cuento más, para que haya sorpresas, que las hay, en la narrativa de la obra: Los huevos de mi madre, hace referencia a que ella -la madre- asegura que nadie guisa mejor los blanquillos que ella y al gusto del vástago sufriente. Se presenta los martes en el Xola.

 

Lucrecia en el regreso

El tema del amor, la decepción y sus consecuencias está muy frecuentado, por lo que cuando veo un trabajo como “Lucrecia en el regreso” de Viridiana Montegudo y dirigido por Fernando Martínez Monroy, no me queda más que decir guau. En el lobby nos recibe un stand up de Ernesto Hernández que más o menos pasa la aduana del género. Después una chica hace las veces de intermediaria para soltarnos de plano el divertido monólogo que se presenta en el foro de Apeiron Teatro, ubicado en Dr. Vestís 1054. En Narvarte, un foro nuevo, chiquito, quizá cien butacas, cafetería, también es escuela.

Es un buen manejo del cuerpo y las sorpresas teatrales; cantando razonablemente bien para divertirnos por casi hora y media. El texto es el consabido amor imposible o posible a medias, lo que quiero destacar es el ingenio para refrescar algo que está muy visto y en gran parte de las ocasiones se cae en la escasa creatividad de decir lo mismo que ya se ha visto N cantidad de veces. Felicitaciones a la autora-actriz se le ve llena de vida teatral, con enfoque que no es exactamente el cabaret berlinés, pero podría dar la sorpresa de inaugurar el cabaret narvartiano, enhorabuena.

 

CÁLLATE Y REMA (Instrucciones para morir)

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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Cuando se inventó el plástico, pensaron que era una maravilla, su uso se diversificó en tal forma que no existe un solo hogar donde no haya algún artículo plástico.  Transcurrió mucho tiempo para que se percataran de que su degradación es demasiado lenta, por lo cual, no puede desecharse y de lo nocivo que ha sido para la ecología.  Esto aunado a los experimentos nucleares, al uso de atomizadores, la tala desmedida de los bosques, la contaminación, acumulación de basura  y otros problemas similares han  ocasionado que nuestro planeta enfrente severos riesgos y esté en grave peligro.  Los efectos ya son notorios, el calentamiento global hace estragos con cambios climáticos que no sucedían antes, en diversos lugares hay escasez de agua, muchas especies en peligro de extinción, la fauna marina está muy afectada.  Hoy en día estamos conscientes de que el mundo no es eterno y se han implantado campañas para su conservación del mundo.  Algunos sólo compran productos ecológicos, otros optan por cambiar su tipo de alimentación, varios pretenden rescatar animales, hay quienes siembran árboles, en fin, cada quien trata de ayudar en algo, pero lamentablemente el daño ya está hecho y no pueden ser revertidos.

 

Dejó de ser un tema de ciencia ficción para convertirse en una realidad.  Es algo tan preocupante que no podemos dejar de pensar en ello.  El dramaturgo Julián Robles utiliza la dramaturgia como vehículo para trasladar al espectador a un mundo distinto a través de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, ubicando el relato después de ocurrida la extinción.  En el universo concebido por Julián Robles, quedan unos cuantos sobrevivientes y todo luce muy diferente.    Por ejemplo, en lugar de acudir a un hospital, la gente va a los cementerios a buscar “refacciones” para sí mismos, o bien, para hacer que sus antepasado vuelvan a la vida, ellos se sienten “en los albores de su inmortalidad“, saben que “desde la extinción, nadie ha vuelto a oler a un muerto fresco“, podría ser que el cielo esté abajo y el infierno arriba y lo único que les queda claro es que “¡Morirse cansa!“.

 

Los personajes de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir son “un poeta musulmán, homosexual y suicida; una mujer hebrea enloquecida por su salud: y una madre pía, castrante y olvidadiza“.  En la sinopsis de la obra se lee:   “Dos seres aterrados con la idea de la extinción buscan en las ruinas de lo que alguna vez fue un cementerio aquello que les permita continuar siendo inmortales. Ninguno de los dos conoce la muerte, pero le temen igual que los antepasados que están a punto de devolver a la vida. … Sin embargo, la esencia que rescatan del pasado no les sana el miedo a morir. Perdidos en un océano que parece no tener fin, están condenados a descubrir, como todos, la absurda inutilidad de su propia existencia“.

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El texto de Julián Robles atrapa el interés de principio a fin, es de buena estructura.  Algunos parlamentos son repetitivos, pero pudiera ser que esto es para remarcar lo cíclico de la vida.  La temática es variada:  el miedo a morir, la anhelada inmortalidad, las distintas creencias sin importar la religión que se practique, ya que alude a la fe en general, al catolicismo y al judaísmo, al igual que a rituales, cartomancia o hechicería. También habla de relación filial, amor, compañerismo.  Del subtexto podría entenderse que cada quien vive la vida a su manera, en tanto que todos tenemos dudas, temores, anhelos.

 

El montaje de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir por parte del maestro Ricardo Ramírez Carnero privilegia el texto de Julián Robles, lo redimensiona y lo hace mucho más interesante.  Aun cuando los personajes son varios, estos son interpretados por una actriz y un actor, es decir, dos protagonistas, pero atinadamente, Ramírez Carnero integra a un tercer protagonista con un músico en escena, quien acompaña el montaje en todo momento con un sintetizador, uno que otro instrumento rústico, y su voz para emitir cantos o sonidos en forma muy pertinente y oportuna.

 

La labor de dirección por parte de Ricardo Ramírez Carnero es extraordinaria, su trazo escénico es creativo, entrelaza los relatos en forma idónea, confía en la capacidad histriónica de su elenco para transmutarse en los varios personajes en forma instantánea, aprovecha el espacio a lo largo y a lo alto.  Igual los integrantes del elenco suben, bajan o se adentran en fosas o cuevas subterráneas con cubiertas triangulares, para luego reaparecer, con lo cual infunde una dinámica muy peculiar.  El ritmo es preciso.

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Ángeles Marín y Ricardo Cárdenas White ofrecen al público una formidable labor histriónica, corporal, vocal y expresiva.   Para esta interpretación Ángeles deja del lado el glamour, mas no su destreza y sensibilidad para dar vida a los personajes y dotarlos de una amplia gama de emociones.  Luis también encarna a sus personajes de manera muy convincente.

 

La composición musical y la ejecución en vivo por parte de Juan Pablo Villa contribuye a la creación del entorno idóneo.

 

Arturo Nava es quien diseña la escenografía y la iluminación.  En ambos rubros su labor es estupenda.  La escenografía es espectacular, un armazón metálico de tamaño monumental con escaleras y distintos niveles y varias fosas en el piso que aluden a la simbología triangular que une al cielo con la tierra.  La iluminación bien distribuida y acorde al momento que transcurre.

 

Teresa Alvarado se luce con el diseño de vestuario, utilizando prendas atemporales que uniforman a los tres protagonistas, para lo cual utiliza fina confección, colores neutros, telas gruesas y ligeras de buena caída, cortes asimétricos, flecos insospechados, cuerdas y amarres.

 

El resto del equipo creativo está integrado por:   Héctor Ortega en diseño de cartel y gráficos, así como en fotografía general;  Fernando Reyes Reyes es asistente de dirección;  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint) en difusión y prensa;  Adria Castro en redes sociales;   Coizta Grecko en realización de spot y video;  Perla Tinoco y Marcela Bretón son asistentes de producción;  Sonia Flores Morales es asistente de escenografía e iluminación;  Joana Núñez es asistente de vestuario;  Ixchel Sosa, Karla Gutiérrez y Ángel Estrada en texturización de vestuario;  Alberto Gz. en texturización de utilería;  Juan M. Vargas, Fernando Vargas, Víctor Vargas,  Jesús González, Jesús Argenis, Alejandro Cancino, Valentín Flores, Diego Rodríguez en realización de Escenografía;  Yesenia Olvera en realización de vestuario;  Perla Tinoco, Marcela Bretón y David Castillo en utilería.

 

EEK Producciones son productores asociados;   Alberto Robinson y Marco Guevara son gerentes de producción;  David Castillo es el productor y coordinador general.

 

CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR ( EFIARTES – EFITEATRO).

 

Para Ricardo Ramírez Carnero, Luis Cárdenas White y Ángeles Marín trabajar en esta obra representa un regreso al lugar de sus inicios, toda vez que los tres son egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes -ENAT- del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  El universo concebido por Julián Robles para CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, donde todo parece estar al revés, te lleva a reflexionar sobre la posibilidad de que el mundo termine y lo mejor es callarse, es decir, no distraerse con nimiedades, resentimientos ni temores y siempre remar hacia horizontes nuevos.  En lugar de ser instrucciones para morir, lo son para vivir, pues debemos disfrutar al máximo cada minuto de vida.  Un texto interesante, un montaje espectacular, actuaciones entrañables, música propicia.  Aventúrate a acompañar a estos seres que han sobrevivido a la extinción y aprovecha que el precio es accesible.

 

CÁLLATE Y REMA

Instrucciones para morir

se presenta de miércoles a viernes a las 20:00 horas,

sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas en el TEATRO SALVADOR NOVO

dentro del CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES

ubicado en Avenida Río Churubusco número 79 -esquina con Calzada de Tlalpan-

Colonia Country Club Churubusco Ciudad de México
Clasificación: A partir de 15 años

FESTIVAL UNIVERSITARIO DE TEATRO 2019 (MADRE CORAJE)

Por Ana Leticia Romo García. Fotografía de Miryam Almanza

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A iniciativa de los alumnos de teatro de la Universidad de las artes, para hacer y vivir el teatro, se creó este primer festival del lunes 4 al viernes 8 de marzo cuyos objetivos son: crear comunidad escénica, aprovechar los espacios de la Universidad y crear lazos con otras Universidades.

La inauguración se amenizó con la participación del público y una banda de juglares y acróbatas, posteriormente trasladaron a los asistentes a otro escenario (atrás de la cafetería) donde se presenció la obra Madre coraje y sus hijos de Bertod Brecht, obra ubicada en la guerra de los treinta (1618-1648) en donde el dramaturgo, hace una crítica severa contra la guerra, el comercio, los intereses, haciendo una triste estampa de la sociedad mercantilista.

Así Madre coraje, es la historia de una comerciante ambulante, quien pierde a sus hijos en la guerra y solo Claudia la muda, es la única heroína que se mantiene pura a pesar de las vicisitudes de la guerra. Como todas las obras de Brecht, sátira y crítica social donde los personajes llenos de ideas obligan al espectador a sacar sus propias conclusiones.

La obra estuvo a cargo de los alumnos del 6º C, bajo la dirección de la maestra Lucero. Buen manejo de escenario, buena actuación, caracterización y vestuario, aunque la musicalización y los cantos deben de trabajarse mucho más.

¡Felicidades por esta excelente propuesta y que se haga tradición!

 

EL TEATRO MUSICAL EN MÉXICO: MAURICIO CEDEÑO

Por Miryam Almanza
Mauricio Cedeño es actor, director y productor de Guadalajara, Jal. Una de sus pasiones es el teatro musical, mundo en el que se desenvuelve con éxito al grado de convertir a esta ciudad, junto con la CDMX, en generador de puestas en escena exitosas en este género. Hace algunos días estuvo en Aguascalientes para compartir su experiencia en un importante taller, y A Escena tuvo la oportunidad de platicar con él de este y otros temas. Les dejamos aquí su entrevista.

 

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ADIÓS AL LLANERO SOLITITO

Por Julieta Orduña

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Una mujer sola.  Tercera Llamada 2015.

Un hombre que trascendió por su espíritu de lucha y entrega por el teatro social fue, sin duda, Enrique Cisneros, quien nació en el Distrito Federal en 1948. Director, dramaturgo y promotor indiscutible del teatro callejero. En su carrera profesional era conocido como El llanero solitito o El llanero solitario, sin embargo, paradójicamente, nunca estaba solo, al contrario, reunía un nutrido grupo de espectadores en cada función que presentaba. Tuvo como maestros a Enrique Ballestés, Sergio García, Enrique Buenaventura, Augusto Boal y Luis Valdez.

Su concepto de teatro independiente era muy claro: El concepto de teatro independiente o el concepto de teatro popular son conceptos que están muy desprestigiados. Nosotros somos independientes del Estado y de la burguesía, pero somos dependientes de las organizaciones de trabajadores, de las organizaciones de campesinos”.[i]

Cisneros intervino en las dos expresiones de estudiantes que marcaron un parteaguas, en una opresión estudiantil y trabajadora ante el sistema capitalista: “Estuvo presente en las manifestaciones que se llevaron a cabo en 1968 y también la rebelión de 1971, estos fueron los dos detonantes que lo llevaron a ser activista y promover un movimiento que llevará a la destrucción del sistema capitalista (un sistema de explotación del hombre por el hombre) y en pro a la construcción de un mundo socialista”. [ii]

Se inicia como dramaturgo con Pinches estudiantes y poco después figuran El chocolate, La represión infantil, Buscando al pueblo, La fábrica de los pilletes, Nacionalismo revolucionario, ¡Ay, calacas! y El campeón.

Sus procesos de aprendizaje iban más allá de un aula, no se daba en una escuela, sino a través de funciones: “Nuestros detractores nos atacan sin haber visto siquiera media docena de las obras que hacemos (…) Nosotros sabemos con quién es nuestro compromiso y eso es suficiente”. [iii]

En 1974 forma el grupo Poca Madre en el Barrio de Tepito y tiempo después crea otros grupos La Biznaga, y Positivo y Negativo: “Somos un movimiento cultural con posiciones definidas”. Funda los periódicos: El chido y El machete, y es autor del libro testimonial Si me permiten actuar.

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Reconocimiento Enrrique Cisneros. Aguascalientes 2015.

Con sus proyectos artísticos callejeros impulsó el Centro Libre de Experimentación Teatral y Artística de la UNAM (CLETA), colectivo cuyo objetivo era fomentar el arte y la promoción cultural alternativa: “Cuando se integra en el CLETA (Centro de Experimentación Teatral y Artística) en 1973. En ese tiempo no se permitía las expresiones que cuestionarán al régimen”, señala uno de sus alumnos Rogelio Guerra Espinoza.

Su quehacer escénico lo llevó a realizar huelgas de trabajadores, en escuelas, pueblos y barrios, de acuerdo con la problemática de estas huelgas. La Casa de Lago fue un motor para realizar sus trabajos escénicos, comprometidos siempre por la sociedad marginada. En su andar llegó a los 50 años de lucha incansable en su labor de teatrista callejero.

El maestro llevó su trabajo por todo el país, y Aguascalientes no fue la excepción, siendo invitado, en su última visita, por el promotor y fundador del Centro Cultural Tercera Llamada, Jaime Muñoz, en octubre de 2015, fecha en que se le rindió un homenaje, después de su presentación con la obra de Darío Fo: Una mujer sola. Asimismo, en el 2016, por parte de la compañía Utopía Urbana de la Ciudad de México, llevaron a escena La represión infantil, de su autoría, cumpliendo más de 3,000 representaciones de la obra y se develó placa en Tercera Llamada.  .

Descanse en paz, maestro Enrique Cisneros “El llanero solitito”.

 

 

Fuentes consultadas:

Diccionario mexicano de teatro Siglo XX, Edgar Ceballos, Escenología, 2013. p.115

https://www.jornada.com.mx/ultimas/2019/03/02/fallece-enrique-cisneros-201cel-llanero-solitito201d-2857.html

Archivo A Escena.

 

[i] PINEDA BALTAZAR. Miguel Ángel. Colección Periodismo Cultural. México, 1995.

[ii] Entrevista Rogelio Guerra E./ Programa A Escena, RADIO UAA, 5 de marzo de 2019.

[iii] Idem.

FUIMOS HÉROES

Por Eugenia Galeano Inclán

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Según un dicho popular, el hombre debe ser “feo, fuerte y formal“. En primer lugar, no todos son feos, los hay guapísimos y más ahora que acuden al gimnasio y ya no es mal visto que cuiden su físico con productos antes reservados para mujeres; en cuanto a fuertes, eso proviene de que se divide a los dos sexos en fuerte y débil, y por lo que respecta a formales, es la referencia a que antiguamente se suponía que eran la parte responsable del hogar, a quienes les tocaba toda la carga económica en aquellos tiempos en que la mujer sólo se dedicaba al hogar. Con el tiempo, ciertos paradigmas han ido quedando obsoletos. En la realidad, los hombres, más que fuertes y formales, se sienten héroes, lo son cuando logran un objetivo, cuando conquistan a una bella mujer, cuando meten un gol, cuando el equipo de su preferencia gana un partido.

A pesar de que continúan vigentes algunos arquetipos de discriminación hacia la mujer, hay un día en que ella se convierte en la reina absoluta: el día de su boda. La novia es la estrella de la fiesta. Además de todos los arreglos pertinentes al evento, como la lista de invitados, dónde se llevará a cabo, qué alimentos, bocadillos y bebidas se servirán, los arreglos florales, la música, etcétera, la novia tiene que elegir el vestido, decidir el peinado, maquillaje, accesorios, someterse a tratamientos de belleza, ya que sabe que todas las miradas se centrarán en ella y, por supuesto, quiere mostrar la mejor versión de sí misma en esa fecha tan importante.

Hasta ahora, dado que la novia se llevaba todos los comentarios, no nos habíamos detenido a pensar qué siente el novio en el día de la boda. El actor, escritor y director Alfonso Cárcamo utiliza su dramaturgia para revelar a través de Fuimos héroes el sentir íntimo del novio a pocas horas de la boda, junto con todas sus incertidumbres y temores.

Alfonso Cárcamo es egresado de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Varias de sus obras han sido presentadas en importantes festivales tanto en México como en el extranjero. También tiene una amplia trayectoria desarrollando series para diversas cadenas de televisión.

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En la sinopsis de Fuimos héroes, se lee: “Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos y quienes creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, hacen lo que pueden para convencerlo. Juntos revisan su historia de amistad, desnudan las razones que tuvieron en aquellos momentos en que tomaron la decisión más importante de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia”.

El texto escrito por Alfonso Cárcamo es de buena estructura y capta el interés de principio a fin. Delinea con precisión la forma de ser de sus tres protagonistas, diferentes entre sí, pero como han sido amigos por muchos años, se conocen a fondo, se quieren y se comprenden. Comparten la pasión por el fútbol. No siempre están de acuerdo y en ocasiones casi se van a los golpes por defender sus ideas, pero se detienen ante la amistad que los une. Para la narrativa utiliza lenguaje propio de los hombres, con algunas palabras altisonantes, lo que hace que el público sienta que está presenciando escenas de la vida real. Entre los temas que se abordan están amor, atracción, fidelidad, matrimonio, paternidad, logros, frustraciones, temores, compromiso, hijos, etcétera.

La acción comienza cuando Emilio se está vistiendo para su boda, tiene dificultades en hacer el lazo de su corbata, pero lo más preocupante es que no está tan seguro del paso que va a dar. Pareciera que está por arrepentirse. Pedro y Vicente tratan de convencerlo de no dejar plantada a Patricia, aun cuando saben que Emilio siempre ha proclamado que sería un eterno soltero. Pedro alude a la felicidad que ha alcanzado con Inés, su esposa, mientras Emilio recuerda momentos vividos con Susana, una mujer que siempre le ha atraído. En tanto que Vicente dice que al menos él no tendrá esas confusiones, dado que es homosexual y sus historias de amor son diferentes.

La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable y hace gala de su amplia experiencia al crear un trazo escénico de precisión. Saca a flote lo mejor de la calidad histriónica de su extraordinario elenco. Balancea pausas y acción. Aprovecha a fondo el espacio. El ritmo es acertado.

La labor histriónica, corporal, vocal y expresiva de los tres protagonistas es estupenda. Ellos son Leonardo Ortizgris (Emilio),  Tizoc Arroyo (Vicente)  y  Mauricio Isaac (Pedro).

Ingrid SAC es la encargada del diseño de escenografía, iluminación y vestuario. Realiza un trabajo formidable en sus tres rubros. El dispositivo escénico creado por Ingrid SAC no sólo es bello, lucidor y práctico sino tan funcional que son los protagonistas quienes producen los cambios, mismos que son diversos, con lo cual también queda evidenciada la versatilidad escenográfica. La iluminación está perfectamente administrada,  y  el vestuario es idóneo, hace que los personajes se vean muy elegantes en sus atuendos de boda y, en contraste, que luzcan casuales en ropa informal, sin olvidar los logos de sus equipos favoritos.

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Miguel Hernández coadyuva con su diseño sonoro a marcar las transiciones de tiempo que hay en el relato. El resto del equipo creativo está conformado por Sheila Flores en diseño de producción y producción ejecutiva; Miguel Alejandro León es asistente de dirección; Lauro Longoria es asistente de producción ejecutiva; Mirna Peña en diseño de imagen; Corina Rojas-Pop Comunicación en difusión y promoción; iQ Acosta & Co. en relaciones públicas; Isa Ramos-Strave Digital Marketing en redes sociales; David Flores Rubio en fotografía; Juan Carlos contreras-Aicon Media en videoproyecciones; Carlos Dávila es asesor financiero; Cacumen Teatro en producción general; Pierre Tatarka en realización y dirección de video promocional; SERO Construcciones en realización de escenografía y Pedro Martínez García en realización de vestuario.

Fuimos héroes es presentada por la Secretaría de Cultura mediante el Centro Cultural Helénico y por Cacumen Teatro, productora que fue fundada y es dirigida por Tizoc Arroyo.

Esta es una gran oportunidad para presenciar una plática entre amigos y conocer los pensamientos más íntimos de los hombres, todo aquello que les preocupa, lo difícil que es llevar a cuestas los estereotipos de masculinidad y sus temores a dar el paso definitivo al compromiso. Te divertirás y comprenderás mejor el punto de vista masculino. Seas hombre o mujer, pasarás un rato muy entretenido con una historia interesante, un fabuloso montaje y actuaciones plenas de veracidad. ¡No te la pierdas!

Fuimos héroes se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:00 horas y domingos a las 17:00 y 19:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución número 1500 -cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México. Duración aproximada: 75 minutos. Costo de la localidad: $300.00 pesos. La temporada concluye el domingo 24 de marzo de 2019.

 

ÍCAROS

Texto y fotos por Ana Leticia Romo García

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Es una puesta en escena de los alumnos de octavo semestre de la Universidad de las Artes, como una de las varias obras presentadas en el Festival Universitario de Teatro (FUT).

Basada en los mitos mitológicos de la antigua Grecia, esta propuesta nos muestra la historia del laberinto de Creta y cómo los personajes  tienen distintos dilemas en él. Se encuentra tanto una historia principal como pequeños monólogos que involucran cuentos clásicos con un mensaje de crítica social de fondo. También experimenta con el trabajo corporal e interacción con el público.

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La obra tiene una interesante dinámica respecto al escenario; pudimos ver a los actores a diferentes niveles de altura. La iluminación, vestuario, utilería y maquillaje tuvieron gran importancia para ponernos en contexto y gracias a que los actores nunca salían de escena siempre había un lugar entre el público donde podíamos apreciar la obra.

Disfruté ver este montaje pues tenía de todo: momentos de comedia, de reflexión y tensión. Personalmente, me dejó con ganas de saber más sobre futuros proyectos de la Universidad de las Artes.

II ENCUENTRO DOLORES CASTRO: LITERATURA, CRÍTICA Y CREACIÓN

Texto y fotos por Ana Leticia Romo García

Cuento mex_Liliana Pedroza_YACon motivo de festejar el Día de la Mujer, los días 7 y 8 de marzo se realizó, a iniciativa de Marcela Zárate (idea, coordinación, logística y curaduría), el II Encuentro Dolores Castro. Literatura, crítica y creación. Con tres conferencias magistrales y ocho mesas de trabajo.

Las participantes provenientes de toda la república hablaron de mujeres literatas, de su obra, de sus  motivaciones y enseñanzas, donde la narrativa, poesía, dramaturgia y ensayo de las autoras se hizo visible como homenaje y transgresión sobre el ocultamiento que el sistema patriarcal ha hecho de las mujeres en todo sentido durante siglos. Por años, las mujeres han sido invisibilizadas y menospreciadas en todos los ámbitos (deporte, ciencia, arte y, por supuesto, literatura). Por eso espacios como este son importantes para hacer evidente y rescatar la obra creativa de tantas autoras conocidas como anónimas.

Hablando de las conferencias magistrales, Liliana Pedroza comentó acerca de sus tesis doctoral, que consiste en un Catálogo de Cuentistas Mexicanas, en donde su visión triplicó el número de autoras frente a los catálogos tradicionales realizados por “expertos, casualmente varones”. En otra conferencia, Alethia Alfonso evidenció la obra poética de Lupe Gómez, quien rescata a la naturaleza versus el urbanismo, y ocasionó un interesante debate sobre el rescate de las lenguas indígenas y su cosmovisión.Lety_Liliana Pedroza_YA

El evento terminó, con broche de oro, con la deliciosa participación de la misma Dolores Castro Valera, una mujer de 96 años, quien con una lucidez soberbia, nos llevó de viaje por su vida hablando de su historia, viajes y amigos, a fin de contextualizar cómo, cuándo y con qué se logra el proceso creativo de una gran artista y mujer.

Imposible describir y resumir todo el acervo intelectual y emocional de tan interesante evento, donde el talento de muchas mujeres se vio plasmado en sus palabras, ensayos, pláticas y puntos de vista. Esperemos que este encuentro tenga muchas versiones y llegue a hacerse necesario y tradicional en esta tierra de letras. Agradecer a Claudia Santa Ana (Directora del Instituto Cultural de Aguascalientes)  y a Claudia Quezada (Coordinadora del CIELA-Fraguas) por la sede, el apoyo y sus palabras de clausura y por hacer realidad este delicioso encuentro.