Autor: Alejandro Laborie

VOLPONE (AVARICIA Y LUJURIA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro  

Imagen tomada de la página de la producción en Facebook

 

Volpone

La avaricia y la lujuria son considerados dos de los pecados capitales, ambos, en términos generales llevan aparejadas consecuencias negativas para quienes hacen de ellas un estilo de vida. Ben Jonson (Gran Bretaña, 1572-1637), uno de los más destacados dramaturgos de la época jacobina, retrata a la sociedad en la que le tocó vivir en Volpone (1605, hay quien la ubica en el año siguiente), mediante la sátira mordaz nos conduce por un mundo descriptivo de la ciudad de Londres y el entorno donde se desenvolvían sus moradores. Esta obra es la más representada del citado autor en el mundo.

El tiempo no pasa en balde y para los teatrófilos contemporáneos la trama puede parecer ingenua en su forma, sin embargo, el fondo conserva su valor y es actual. Ante lo anterior no sorprende que alguien decida adaptarla y llevarla a escena como ocurre en el caso de Rodrigo Hernández Tapia, quien también funge como director al frente de la Compañía Hatha Teatro. En verdad la versión deja mucho que desear, no aporta y sí quita a la esencia planteada por Jonson, porque, como ya se mencionó, se trata de una sátira mordaz, sin embargo, ahora estamos frente a una comedia, que en principio lo es, solo que negra y esto se pierde, simplemente se pretende provocar la carcajada, hecho que tampoco se consigue.

La dirección es poco afortunada: exceso de desplazamiento escénico, todos, absolutamente todos los actores se la pasan gritando de principio a fin, parecen más payasos -sin ofender al gremio-, ambos aspectos le dan al traste al montaje. Por si lo anterior no bastara para decepcionarse, la “escenografía”, una estructura de alcances mínimos, no recrea nada, ni en forma simbólica, y la madera corriente se vuelve en un estorbo a vencer, con unas salidas de escape convertidas en una tortura para el elenco, quien además se ocupa de su movilización. Un músico en vivo, teclado (de esos que tiene una manguerita y funciona con el aliento del ejecutante), más que un apoyo sonoro es un tormento auditivo para el respetable, llega el momento en que dan ganas de invadir el escenario y callarlo, curiosamente hay una escena simpática en que los propios actores callan al músico, claro, como parte del desarrollo.

En fin, Volpone y su codicia lo llevan, cuando está al borde de la ruina, a provocar y aceptar las falsas adulaciones de sus “amigos”, quienes lo frecuentan con la intención de ser nombrados sus herederos universales, porque creen que posee riquezas; su criado se convierte en su cómplice, como ya es sabido, todo el enredo se aclarará y cada uno de los protagonistas pagará por sus actos.

En suma, una propuesta intrascendente, para el olvido a corto plazo, pero para quien desee verla, la cita es en el Teatro El Granero, del Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México.

GROOMING (CIBERACOSO SEXUAL CONTRA MENORES)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional de Grooming (Tomado de la página de Facebook de la producción)

 

 

Grooming2

Grooming es el título del texto dramático del español Paco Bezerra cuya temática analiza el ciberacoso sexual contra menores de edad. Ahora bien, ¿de dónde salió el término y qué significa? Se trata de un eufenismo -como muchos emanados del lenguaje cibernético-, proviene del inglés “to groom” cuyo significado puede ser “cepillar” o “preparar”. Lo anterior se traduce en el acoso sexual del que son víctimas los infantes y adolescentes a través de las redes sociales en Internet. La obra, a su vez, menciona, sin profundizar, sobre las parafilias o desviaciones sexuales “escondidas detrás de la pantalla de un celular o de un monitor de computadora”.

 

Un texto de denuncia y concientizador, se desliza por la línea imaginaria que divide la dramatización teatral de la moral demagógica y de la retórica didáctica. El espectador se enfrenta y confronta ante la ignorancia o la indiferencia, por qué no de ambas, del hecho que va en aumento en todo el orbe., estatus en el que están inmersos los adultos, los padres, de quienes caen en las garras de esos depredadores navegantes en las redes mediante la invención de identidades.

 

El lenguaje no es técnico, por completo comprensible para todo público; ágil, inteligente, con giros inesperados en la trama y una conclusión sorpresiva; una sui géneris serie de ideas oscilantes entre la metáfora y la crueldad literal de las palabras; éstas se vuelven crueles al ser llevadas a escena y al mismo tiempo hacen trabajar a la razón, la indiferencia se transforma en una toma de conciencia. Se puede considerar a partir de esto último no estar frente a una propuesta para divertirse sino para pensar y, por qué no, transformar a las personas en humanos reales.

 

La dirección está en manos del español Eduardo Fuentes. Opta, por lo que ya está en boga en el teatro de “arte” en México, por el minimalismo, la escenografía se reduce a una banca, una alfombra simulando el pasto de un parque, un farol y un montículo de tierra que cobrará un significado especial hacia el final. Ante lo anterior, exige todo de su elenco, los lleva -junto con los personajes- a situaciones límite, sin embargo, no hay exabruptos, maneja con precisión la violencia, la manipulación ideológica; el desplazamiento o el trazo es mínimo, pausado, sin olvidar la importancia de las expresiones faciales y corporales; cada uno de los protagonistas sacan de lo más profundo e íntimo de sus ser las patologías que los asechan. Aprovecha en forma acertada el multimedia para recrear un chateo.

 

Una actriz española avecindada en nuestro país y un actor mexicano: Alba Alonso y Carlos Aragón. Ambos experimentados, con participaciones relevantes en el teatro, como lo demuestran en esta ocasión. No es un duelo actoral, se complementan, cada uno de pie para darle relevancia a todo el desarrollo; los dos explotan el lado oscuro de sus respectivos personajes; le dan sentido a cada palabra, a cada actitud, a todo el planteamiento de Paco Bezerra.

 

GROOMING, puesta apoyada por el programa Iberescena, se representa en breve temporada -ocho funciones- en el Foro Shakespeare (Ciudad de México), hasta el 5 de diciembre, los martes a las 20:45 horas.

LA DESCARGA AÚN NO SE HA COMPLETADO (LA INCAPACIDAD DE PENSAR Y ACCIONAR)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de facebook de la producción

 

la descarga

El mundo contemporáneo, con todos sus avances tecnológicos y científicos, se cree es la panacea, sin embargo, para otros son la desgracia de las personas; las consecuencias de la segunda postura es la incapacidad de pensar y accionar con libertad. Ambos puntos de vista, más el segundo, son el eje en torno al cual gira La descarga aún no se ha completado, propuesta escénica de la compañía Teatro Entre2 (México-Francia), inspirada en textos de Michel Houellebecq y Patrick Chamoiseau.

La dirección y el elenco están a cargo de Arnaud Charpentier, Oliver Dautais y Francia Castañeda. Es discutible si es teatro, lo que sí es -a fuerza de repetir- una propuesta escénica. Cinco proyectores de filminas recrean todo lo imaginable: edificios, personas, abstracciones… Las imágenes se crean con múltiples materiales, algunas en relieve, y dibujos, básicamente con pincel, elaborados al instante, una gran habilidad y técnica a cargo de Oliver. Tres pantallas albergan la “escenografía”, donde se desarrollan los postulados en dos partes. La primera expone la perspectiva de Michel sobre algunas personas con un estatus alto y comodidades, quienes pagan un costo por “gozar” de ellas.

La segunda, adaptación de la novela El esclavo, hombre viejo y el perrazo (1997), de Chamoiseau: en una colonia tropical francesa, un esclavo negro huye a la selva, es perseguido por su amo y un feroz can. En este caso, las pantallas continúan como receptoras de las imágenes, sin embargo, se vuelve tediosa, aburrida, teatralmente intrascendente, es una lectura directa del libro, no hay la más mínima dramatización, los dos lectores sentados alternando párrafos.

El inicio de la propuesta despierta el interés, la curiosidad, en lugar de filminas se ponen utensilios y ahí se prepara una ensalada, posteriormente se degustará en medio de una plática. Durante el desarrollo hay planteamientos dignos de razonar, tales como: si el sometido no es consciente de su sometimiento; si el individuo se cuestiona más a sí mismo que a la sociedad; si cada uno es esclavo y amo en forma simultánea; el fracaso de las revoluciones a lo largo de la historia. En concreto, ¿podemos y queremos cambiar el estado de las cosas? En fin, mucha tecnología, lo plástico predomina, algo de interacción entre un actor y las imágenes, poca -casi nula- acción dramática. Jerónimo Zoé, teclado y percusiones en vivo.

La descarga aún no se ha completado se presentó en una única función, en el Foro de las Artes, en el marco del XLV Festival Internacional Cervantino en el Centro Nacional de las Artes (Ciudad de México). No hubo mucho interés, la asistencia fue regular y entre los asistentes las opiniones se dividieron.

PETER PAN (VOLVER A SER NIÑO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen tomada de la página de Facebook de NTC

El teatro por antonomasia es mágico y ensoñador, cuando estos calificativos se conjugan en el escenario nos dan la posibilidad a los adultos de retornar a la mejor etapa de nuestra existencia: la infancia; volver a ser niños(as), olvidar las cargas y responsabilidades cotidianas, quedar inmersos en el mundo onírico, la fantasía hace posible lo imposible, la ficción es realidad, ambos mundos en una simbiosis emocionante e inolvidable.

Peter Pan_nacBajo la producción del National Theatre Live se proyectó en el Lunario (Ciudad de México) Peter Pan, del dramaturgo británico J. M. Barrie. El personaje fue concebido con un rol secundario en una novela; después fue llevado al teatro en 1904, y en 1911 fue el centro de la novela Peter Pan y Wendy; en 1953 Walt Disney lo consagró a través de la cinematografía.

La historia es sencilla: Peter Pan entra en la recámara de Wendy, la niña lo ayuda a recuperar su sombre. El líder de los niños perdidos (desconocen el paradero de sus mamás), le enseña a volar, a desafiar la gravedad, el requisito es recordar un buen momento vivido. La lleva junto con sus hermanos al País del Nunca Jamás, donde varios niños y Garfio los reciben. La aventura inicia.

Sally Cookson dirige el texto de Barrie -dramaturgia, como se entiende y maneja en Europa, a cargo de Mike Akers-, todo lo convierte en un deleite para la imaginación, lo visual se regodea en las mentes de los adultos-niños y, claro, de los infantes dispuestos a disfrutar las tres horas de duración. Está presente la estética de las marionetas, la danza aérea, Peter y compañía vuelan, cables y cuerdas a la vista y al mismo tiempo invisibles; convierte lo complicado en aparente sencillez. Montaje minimalista, el escenario desnudo, unas “cajas”, el entarimado decorado pictóricamente, unas estructuras sostienen las poleas que permitan el desplazamiento por el aire, los cables se deslizan con el personaje y contrapeso de seres humanos, no hay maquinaria de por medio; el barco de Garfio (éste interpretado por una mujer). Música en vivo, canciones que convierten algunas escenas en un musical. Los efectos “sencillos” crean la fantasía. Sin embargo, Sally sostiene no es mágico o de ensueño el lugar propuesto.

Las actuaciones son de primer nivel, histrionismo, acrobacia y sensibilidad en cada uno de los que participan. Anna Francolini, cautivadora, impresionante, en concreto, excelsa como Garfio; de igual forma se puede considerar a Madeleine Worall como Wendy y la destacada personificación de Paul Hilton caracterizando a Peter Pan. La hilaridad y ternura emanan de Ekow Quartey.

Autor, directora, elenco, creativos convierten el escenario en un cuento para el recuerdo, dan paso a un teatro donde todo lo mundano queda fuera del recinto, los espectadores son transportados, literalmente, a otra dimensión, si los personajes vuelan, la mente de los asistentes surcan los aires con ellos; la inocencia y la alegría se convierten en esencia, experiencia que solo el teatro alcanza.

El Lunario será sede de la proyección, en el marco de la temporada 2016-2017 del National Theatre Live, de Salomé, los días 12 y 13 de noviembre; le seguirán Ángeles en América, 3 y 4 de diciembre, y enero 28 y 29.

LA ESPERA (TESTIMONIO DE CUATRO EX CONVICTOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía tomada de la página de Facebook de la Compañía

Teatro, más bien dramaturgia testimonial no es novedad, sin embargo, en La espera lo sorprendente es asistir a la escenificación de la confesión pública de cuatro ex convictos, quienes desnudan sus almas, aceptan en forma abierta su culpabilidad, espiritualmente están tranquilos y han encaminado sus vidas en el marco del quehacer teatral. Un cuarteto cuyos actos delictuosos estuvieron inmersos en la violencia, misma de la cual fueron víctimas durante la privación de su libertad.

la esperaRobo de automóviles, violación, homicidio… sin embargo, la esperanza, la espera, por ejemplo del día en que se recobrará la libertad, para ellos, según su testimonio, este estado puede producir alegría, inclusive, hay quienes llegan a “amar” la prisión; creer que el amor es un lugar a donde se puede llegar y a pesar de eso estar consciente que delinquir es perder lo que se tiene y lo que se quiere. Quedar sin familia, perder o alejado de la esposa e hijo, sufrir la marginación en el más estricto sentido del término.

Conchi León, responsable de la dramaturgia y la dirección, comenta: “Esta obra es una historia de libertad, de espera, de esperanza. Un grito que traspasa todos los muros porque el teatro nos permite eso, hablar de la verdad por muy siniestra que ésta sea”. No hay amarillismo, hay sinceridad, no hay morbo, hay comprensión, no hay condena, hay reivindicación. El texto está cimentado en el monólogo, cada uno narra sus antecedentes, las circunstancias, el delito cometido, las penalidades físicas y, sobre todo, saber que habrá un mejor porvenir. Obvio, hay momentos en que interactúan, son compañeros del mismo destino, ahora camaradas en el escenario.

Como directora, Cochi opta por el minimalismo, solo emplea objetos en forma simbólica: trompos -juguetes- que representan que la vida gira y ellos con ella; un vehículo y un carrito, padre e hijo… Deja abierta la idea: ¿qué hacer al salir libre? La respuesta tanto o más dolorosa que la misma prisión, la incertidumbre total. Se le debe reconocer a León su habilidad para hacerlos actuar, darles confianza, perder el miedo al escenario y enfrentarse al público describiendo su devenir delincuencial. No los obliga a tal o cual actitud, explota su sensibilidad, la toma de conciencia y su arrepentimiento; los convierte en actores, cautivos antes, cautivadores ahora. Ellos son Javier Cruz, Ismael Corona, Feliciano Mares y Héctor Maldonado.

Ahora bien, cómo llegaron al teatro. El Foro Shakespeare, por iniciativa de su directora, Itari Marta, patrocina un programa de rehabilitación en el penal de Santa Martha Acatitla consistente en la formación de actores internos y externos de manera profesional a través de talleres teatrales y pedagógicos generando puestas en escena de impacto social, abiertas al público interno y externo. Cinco antiguos reclusos formaron la Compañía de Teatro Penitenciario, uno de sus resultados es la obra que hoy nos atañe, recomendable en muchos sentidos, entre otros el reconocimiento de su valor y capacidad de reivindicación.

La espera los espera en el Foro Shakespeare, Espacio Urgente 2 (Ciudad de México), lunes, martes y jueves a las 20:30 horas.

DÉJAME ENTRAR (TERROR, SANGRE, ASESINATOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Fotografía del Facebook de la Producción

 

Déjame entrar

 

El género de terror tiene muchos seguidores y detractores, a unos les provoca fascinación a otros repulsión, lo cierto son pocas las ocasiones en ser llevado a escena en México. Hugo Arrevillaga, uno de nuestros más talentosos directores, nos brinda la oportunidad de adentrarnos en un mundo de sangre, asesinatos y vampirismo (ahora encarnado por una joven) en DÉJAME ENTRAR, una adaptación al teatro de Jack Thorne basada en la película y novela sueca de John Ajuide Lindqvist, traducción al castellano de Humberto Pérez Mortera, uno de los más destacados en este rubro.

 

En un bosque, de cualquier lugar, aparecen, inicialmente dos personas asesinadas, colgadas de los pies y desangrados, como si fueran puercos. Surge el pánico, el inspector de policía no tiene pista alguna. Un joven frecuenta el bosque, conoce a una muchacha, se entabla una afectuosa relación. Ella es protegida por un hombre preocupado por su alimentación. ¿La muchacha es un ser humano? Hasta aquí, de otra forma sería vender la trama.

 

Arrevillaga vuelve a sorprender, su imaginación no tiene límites, una de sus virtudes es rodearse de un equipo talentoso, cada uno de sus miembros representa de lo mejor en sus  especialidades. Su dirección hace  del terror una belleza, si se acepta la expresión. Hay violencia y ternura, asesinar para salvar, sentimientos encontrados…, todo conjugado en atractivos dramáticos y plásticos. Un ritmo pausado, pusilánime en la mayor parte del desarrollo, esto le da otra dimensión, no incurre en los lugares comunes, a fuerza de insistir el temor adquiere un atractivo teatral inusitado., no hay exabruptos. Sólo Hugo lo puede lograr, claro con el apoyo de Jorge Ballina (escenografía con diversos ángulos a través de espejos, modulares con los que recrea diversos lugares, unos cuantos “troncos” dan vida al bosque, eso sí, el movimiento escénico es constante); Ingrid SAC (iluminación tenue con un matiz de color, ambienta más allá de los sitios el interior de los personajes); Ariel Cavallieri (diseño sonoro) y Meme y Renato del Real (música original), trío que da realce a lo terrorífico mediante sonidos y notas ajenas a lo común del género, en particular si nos remitimos a la cinematografía. Hugo habla con sus propuestas, hasta el más neófito reconoce el valor de sus montajes, es indiscutiblemente un prodigio de la dirección.

 

Su elenco lo encabezan Saraswati Valladares y Diego Velázquez, dos jóvenes con proyección, disciplina, naturalidad, manejan con acierto lo emocional, transmiten el terror desmesuradamente, atrapan; Los acompañan otros siete actores, todos entregados y abocados a las directrices de Arrevillaga, todos colaboran para llenar y vaciar espacios y crear un concepto diferente del terror.

 

DÉJAME ENTRAR, magnífica oportunidad para los amantes del teatro hecho arte, se representa en el Foro Shakespeare (Ciudad de México, hasta el 26 de noviembre, los viernes a las 20:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 horas.

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE (GUERRA, ARTE, AMOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Aurora Cano (Facebook)

 Cervantes

 

A cuatro centurias de su partida corporal, los espíritus a través de sus legados literarios, Miguel de Cervantes y William Shakespeare siguen entre nosotros, ambos representan la cumbre de las letras universales, son conocidos y admirados en todo el orbe. Si bien sus obras son de una belleza indiscutible pos sus estructuras (forma), tan o más importantes son las ideas, los conceptos filosóficos, los temas bañados con la más pura estética de sus respectivos idiomas.

 

Una de las mujeres más talentosas en el ámbito teatral mexicano es Aurora Cano, actriz, directora, catedrática, productora, promotora; nada del quehacer teatral le es ajeno, destaca en todos los rubros citados. Ahora nos cautiva y deslumbra en la Ciudad de México con CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE -estrenada en 2016 en el marco del Festival Internacional Cervantino-, apropiándose con inteligencia de temas como la guerra, el arte, el amor, mediante un hipotético diálogo desde ultratumba entre los creadores del QUIJOTE y HAMLET. No se trata de un enfrentamiento, es un encuentro de filosofía y poesía, entre amor y mujer, valor y honor, letras y armas… Además Aurora actualiza con un juego de palabras, de parlamentos, el pensamiento renacentista al México contemporáneo, reiterando, en forma inteligente, sutil y elegante. Cito: “La anécdota versa sobre el gobernador de una ínsula que huye de los asesinos con los que tiene una deuda pendiente. De pronto, por efectos de una misteriosa tempestad, cruza a la dimensión del viento y la tormenta donde habitan dos viejos sabios -Cervantes y Shakespeare- cuidados por una mujer. El encuentro con estos hombres cambiará la idea que el gobernador tiene de sí mismo y del mundo”.

 

Estamos frente a un poema dramático, la ficción es más real que nunca, si se vale la expresión, varios planos se reúnen en el escenario, la pluma de Aurora se convierte en el arquitecto de la imaginación provocadora de discernimientos morales, toda una cosmogonía de vida: “Ofrecer un pequeño espacio de pensamiento y perturbación moral”.

 

La propuesta de Aurora cierra con broche de oro mediante su dirección: pulcra, ágil, amena, con toques de hilaridad; todo a su tiempo, el espacio permea la presencia de los personajes en medio de una escenografía simbólica y un vestuario realista (Mario Marín del Río), una exquisita banda sonora (Ignacio García), iluminación y video (Raúl Munguía), -el multimedia es fundamental en el desarrollo , ambientación y estética.

 

David Hevia -conmovedor iluso, peculiar concepto de la belleza- da vida a Cervantes y al Quijote, un trabajo que conduce al mundo onírico, digno de alabanza, de lo mejor en su larga trayectoria teatral. José Carlos Rodríguez -la razón, el ser centrado- en otra gran faceta, esplendorosa, una admirable contribución a las artes escénicas.

 

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE tiene como sede la sala Xavier Villaurrutia (Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México), jueves y viernes a las 20:00, sábados 17:00 y domingos 18:00 horas.

COMALA.COM (FEMINISMO VS. ULTRAMACHISMO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Crédito fotografía: Alejandro Bernal

 

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En el mundo y en todas las épocas -la excepción puede ser el matriarcado- las mujeres han sido víctimas, objetos de la prepotencia y preponderancia por parte de los hombres. Sin embargo, por ponerle una fecha, a partir de las décadas de los sesenta y setenta del siglo XX, se inició un movimiento, al menos en occidente, para reivindicar los derechos de las mujeres y alcanzar la igualdad. Los avances has sido muchos y no de forma igual en todo el orbe. Por ejemplo, el acceso al voto, a los derechos sociales, al aborto y un largo etcétera.

 

La discriminación persiste, las violencias física y psicológica contra el sexo femenino son reales; no hay igualdad de oportunidades para acceder a los puestos laborales de alto nivel, continúan los femenicidios, el abuso sexual, la trata de “blancas” y, nuevamente, un largo etcétera. la lucha entre el feminismo y el ultramachismo continúa, es cotidiana, todos somos parte de ella, sea en forma activa o pasiva. Por contradictorio que parezca, no son pocos los varones que consideran que algunas las mujeres se han sobre pasado en la reivindicación, inclusive ellos son quienes padecen la discriminación. Por ejemplo, la prohibición de abordar determinados vagones del Metro o camiones del servicio público exclusivos para damas; ver a una mujer puede ser motivo de una demanda por acoso sexual, así como decirle un piropo fuerte. A tal grado que ya no sorprende encontrar en Internet asociaciones en pro de la defensa de los derechos humanos de los varones.

 

Benjamín Bernal aborda el tema en COMALA.COM, texto cuyo punto de partida es la “tercera guerra mundial”, hombres contra mujeres y viceversa. Dos manifestaciones se llevan a cabo en la Ciudad de México, cada una abogando por sus intereses se género y enfrentando las razones por la defensa de sus prerrogativas. Mientras tanto en Comala, Nayarit, se reune un grupo de jóvenes -de ambos sexos- para conversar sobre la situación de la lucha. El texto da argumentos a favor y en contra de ambas posturas, múltiples ejemplos en uno y otro sentido, no toma postura. El autor se ve influenciado por su formación como abogado, inclusive cita a la Constitución Política de la República Mexicana. Hay una marcada inclinación en los ámbitos moral y ético, es discursivo y, en mayor o menor grado, didáctico; hay humor, tal vez la intención es tratar la temática a través del recurso de reírnos de nosotros mismos. Cabe comentar que originalmente se concibió como novela, el propio Benjamín la adaptó para el teatro.

 

La dirección de Noé Nolasco es desafortunada, pierde la hilaridad que caracteriza a una comedia, una producción paupérrima -una “escenografía” lamentable de M. Ángel Arteaga, sin imaginación y desaprovechando la mayor parte del espacio-, prepondetrancia del discurso y escasez de lo dramático, además un elenco con carencias de todo tipo. El final es, literalmente, una cursilería escénica.

 

Kizai Maldonado, Yelitza Puchi, César Real -el único salvable-, Javier Roal, Sandra Galaviz y Carlos Torres -éste para el olvido-, son los actores, todos junto con su director pierden la comedia y se adentran en la farsa grotesca. En concreto, una puesta intrascendente e injusta para el dramaturgo.

 

COMALA. COM se presenta en el Foro Contigo América (Arizona 156, Col. Nápoles, Ciudad de México), los miércoles del mes de octubre a las 20:00 horas.

 

Octubre 2017

 

TODOS SANTOS (¿CUÁNDO SE ESTÁ MUERTO EN VIDA?)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de Facebook de la actriz Mayra Sérbulo

 

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Hay quienes nacen con un destino, tal vez no determinado pero sí condicionado, para que su vida sea una tragedia de principio a fin. En nuestra sociedad contemporánea aún existen personas y grupos sociales condenados a ser marginados. Las razones pueden ser múltiples, lo cierto es que es una realidad. Uno de esos sectores son nuestras mujeres indígenas; ellas sufren la pérdida de identidad, sobre todo, cuando se incorporan a entornos ajenos a su idiosincrasia y costumbres; migrar por cuestiones económicas ante la falta de oportunidades en sus lugares de origen, y la discriminación, en ocasiones velada en otras abiertamente ante la indiferencia de sus semejantes.

A través de un conmovedor y bien escrito monólogo, mejor estructurado, Mónica Perea nos conduce por todos esos vericuetos que envuelven, absorben y fustigan a las mujeres indígenas. Uno de sus caminos dramatúrgicos es la poesía de la tragedia, emplea palabras, frases, ideas de una belleza indiscutible, por fortuna no incurre en el melodrama común y corriente, sensibiliza en forma emotiva, no se desgarra las vestiduras, no cae en la retórica, plantea, no da soluciones, denuncia, el teatro es su medio de expresión. El tema es desgarrador, una mujer -Ángeles- ha sido privada de todo, la ciudad es su refugio, al tiempo su cárcel existencial.

Surge una interrogante ante el planteamiento de Mónica: ¿Qué le espera a una mujer que busca sobrevivir pero no sabe si está muerta en vida? El hambre, el agotamiento del alma y del cuerpo siempre presentes… se necesita un milagro; éste se personifica en una mujer, quien la contrata como sirvienta; la situación mejora ligeramente, sin embargo, la explotación, la falta de respeto a su dignidad son la constante, como dice: “Dónde puede alguien encontrar seguridad, refugio?”… ¿en la guerrilla, en la pérdida de los seres amados arrebatados por tratar de reivindicar sus derechos?

Si el texto es de una estética admirable, éste se redondea con la actuación de Mayra Sébulo, originaria de Oaxaca, quien en su caracterización de Ángeles transpira sentimientos, dolor, rebeldía -el personaje se involucra en situaciones peligrosas pero necesarias para los marginados- y al mismo tiempo conmueve; si bien se trata de presentar una víctima no se desborda, le da voz a miles de mujeres. Hace de su cuerpo un lenguaje; la tonalidad de su voz admirable, inicia con un canto -acompañada por un guitarrista-; da paso a una coreografía de excelsa plasticidad, provoca el deseo de invadir el escenario y consolar a la sufrida mujer, tal vez lo más relevante, contagia dignidad, misma que nunca se debe perder, esto es difícil de explicar o describir con palabras, hay que sentirlo desde la magia de un trabajo actoral.

Sixto Castro, desde mi punto de vista, en esta ocasión no está a la altura del texto, sobre todo, su montaje tiene deficiencias tales como mantener durante un largo tiempo a su actriz esquinada -a la izquierda – en el proscenio, no la mueve de ahí, por tanto, el noventa y cinco por ciento del espacio queda a la deriva, desperdiciado, la verdad Mayra lo salva; sin una buena actriz su propuesta no fructificaría, además teniendo un guitarrista en vivo tiene la ocurrencia de meter una pista. Lo anterior solo trata de ejemplificar, no se trata de despedazarlo.

El monólogo Todos santos estará en temporada hasta el 30 de noviembre, los jueves a las 20:30 horas, en La Gruta del Centro Cultural Helénico, Ciudad de México.

TEATRO EN CORTO (MONTAJES INTIMISTAS, NUEVA TEMPORADA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía cartel promocional

 

Teatro en Corto2

De unos años a la fecha se ha puesto en boga una modalidad que ha cobrado popularidad o bien aceptación entre los teatrófilos, montajes en verdad intimistas, los espectadores, literalmente, a centímetros de los actores. En su primera versión está el llamado Micro Teatro, originario de España, hasta donde tengo entendido opera como una especie de franquicia en México. Ante el éxito aparecieron nuevas opciones -para algunos copias del modelo- entre ellas TEATRO EN CORTO, con sede en una remodelada casona de la colonia Nápoles, al frente de la cual está Lolita Cortés.

 

Ha iniciado la vigésima séptima temporada con nueve propuestas, diferentes géneros, variados estilos; actores y actrices afamados por la televisión y la cinematografía, otros empezando sus carreras. Obras breves de unos cuantos minutos en cuartos adaptados como espacios escénicos. En tiempos pasados un texto dramático se componía del planteamiento, desarrollo y conclusión, de ahí los tres actos habituales. En el caso que nos ocupa todo el proceso debe desarrollarse en 15 minutos, ese es el reto, unos lo logran otros fracasan en forma rotunda. De esta nueva temporada comentaremos tres obras: LA VISITA, BRINDEMOS, ABUELA y COSTUMBRES.

 

Kerim Martínez, quien repite con esta obra ante un éxito anterior, nos ofrece de su autoría LA VISITA, bajo su propia dirección junto con América Gabriel. Una mujer de la tercera edad siente que su vida romántica y sexual no ha terminado, a pesar de lo vivido con quien pretende continuar su existencia amorosa. La visita, inesperada, es de su hijo. Surge una plática entre cordial e incómoda, imbuida en el humor fino, cierta profundidad y motivos para tomar partido. Hay alternancia en el elenco, en mi turno Evangelina Martínez y Jorge Badillo. La primera deja constancia de su indiscutible histrionismo, como pocas pronuncia una majadería sin ofender al respetable, maneja el humor en forma natural, otro personaje al que le da prestancia en el escenario. El segundo no se achicopala, alterna dignamente, con carácter ante los hechos, con ternura filial cuando es el caso.

 

Todo un deleite y agrado encontrarse con Lupita Lara (alterna con Emilia Carranza), actriz quien goza de la simpatía y el cariño de su público, sin embargo, más allá de lo anterior, interpreta a una abuela de carácter fuerte, personalidad sólida, mujer decidida que no vacila ante las situaciones. Lupita proyecta todo esto en el escenario en BRINDEMOS, ABUELA, de Alejandro Karam, dirigida por Héctor Cruz. La historia no tiene nada de novedosa, de hecho el tema y, sobre todo, el desenlace ha sido tratado en múltiples ocasiones, sin embargo, se logra captar la atención y provocar la “sorpresa” de los espectadores. Al lado de Lupita, Juan Pablo Ruiz, momentos buenos otros sobre actuado, en unos pasión en otros exaltado.

 

COSTUMBRES, una relación enfermiza,sadomasoquista, la costumbre de compartir con quien se ama y se odia al mismo tiempo.. “El amor se convierte en pasión, la pasión en locura, la locura en obsesión y la obsesión en odio”. Así lo plantea María José Robles (autora e intérprete) quien deja en Luis Felipe Tovar la discreta o sencilla dirección. Tanto María José como Ricardo Baranda se entregan, sin embargo, no asumen con plenitud las características de sus personajes, de hecho hay momentos en que son inverosímiles, caen en la cursilería, habrá que ver a sus alternantes.

 

TEATRO EN CORTO se lleva a cabo en Yosemite 40, Col. Nápoles (Ciudad de México), de jueves a sábado a partir de las 20:00 y domingos desde las 19:00 horas, hasta fines de noviembre. Cada día hay oportunidad de ver un máximo de seis propuestas.