Autor: Alejandro Laborie

NUMANCIA (TRAGEDIA EN VOZ DE LOS POBRES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen compartida por Iván Romo en la página de Facebook de la CNT

 

Numancia

Juan Carrillo, director de Numancia, considera que Miguel de Cervantes Saavedra, autor del texto, pone la tragedia en voz de los pobres, aspecto con el que adquiere, conserva, un carácter contemporáneo. La puesta en escena que hoy nos ocupa parte de una versión de Ignacio García. Un pueblo débil es asediado por las legiones romanas, hay que elegir entre morir con dignidad o vivir en el sometimiento; una “batalla” donde los muertos -todos los habitantes de Numancia- son víctimas de la inanición, de la privación de la existencia por sus seres queridos para evitar el sufrimiento de sus existencias y el cautiverio, por actos heroicos, por el suicidio…

Una lección -muy avanzada para su época- a través de una lucha social para reivindicar los derechos de hombres, mujeres y niños, hecho que sucede en varios lares del orbe en la actualidad y, en cierto grado, en nuestra República Mexicana. La derrota es la victoria, solo moral si se quiere; la victoria es la derrota ante la ineficiencia de aplastar la voluntad férrea mediante las armas.

La producción corre a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y el Festival Internacional Cervantino (FIC). El estreno se llevó a cabo en 2016 en la edición XLIV del FIC para conmemorar los 400 años del fallecimiento del dramaturgo español. La obra fue escrita hacia 1585 con el título El cerco de Numancia. Esta versión está modernizada, y aun cuando está presente el verso, se pronuncian expresiones como “hijos de la chingada”.

Carrillo hace una dirección impecable, por una parte conjuga a sus actores sin caer en lo homogéneo, salvo momentos donde los legionarios se posesionan de la escena o el pueblo tras la muralla; por la otra parte, aprovecha las cualidades de quienes llevan los protagónicos, a cada uno le brinda el personaje que le corresponde, su selección individual embona con maestría en el todo escénico.

Es de considerarse la importancia fundamental, esencial, crucial, de Jesús Hernández, diseñador de escenografía e iluminación; crea un mundo físico, es indiscutible, más allá de eso hay un contexto dramático, estructuras (muralla exterior y parte del interior de la ciudad), éstas adquieren personalidad propia, las tonalidades lumínicas no reflejan, son la vivencia de la tragedia; ambas propuestas dignas de ser recordadas por siempre, complementan en semejantes condiciones, el vestuario de Jerildy Bosch y el maquillaje de Mario Zarazúa, sin pasar por alto la excelsa sonorización de Valeria Palomino. Un montaje para la semiótica: carretillas (de las usadas en la construcción) simbolizan, entre otros, escudos; una sustancia negruzca y líquida, la sangre; unas telas son espadas; un “bulto”, un cuerpo humano… Todo el equipo creativo se confabula para que el espectador se sumerja, penetre las profundidades del infierno: hambre-enfermedad-muerte.

Veintiseis actores de la CNT, todos dando lo mejor de sí mismos. Del conjunto destacan, sin apartarse de la unidad grupal: Andrés Weiss, Rodrigo Vázquez, Arturo Beristáin, Óscar Narváez, Érika de la Llave y Pauilana Treviño.

Numancia, en brevísima temporada en el teatro Julio Castillo, Ciudad de México, hasta el 17 de diciembre, jueves y viernes a las 20:00, sábado 19:00 y domingo 18:00 horas.

LAS AVENTURAS DE BURATINO (TÍTERES Y ACTORES, SIMBIOSIS ESCÉNICA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotos tomadas de la página de Facebook de Teatro Muf

 

Buratino

Nacido en Bulgaria, adoptado por México, Mihail Vassilev ha entregado su estancia en nuestro país para enaltecer, difundir y promover, marcar con tatuaje en niños y adultos la magia y el arte de los títeres. Gracias a sus inquietudes, pasiones y gestiones, durante 20 años tuvimos la oportunidad de apreciar y conocer a las mejores compañías del mundo, a los más destacados, a los virtuosos manipuladores, aquéllos quienes convierten un objeto inanimado en un ser vivo que trastoca lo más profundo de nuestro ser y dejan huella en nuestra existencia.

Más allá de su labor como promotor, tiene su propia compañía, Teatro Muf, con la que ha recorrido innumerables escenarios. El más reciente, el Teatro Sergio Magaña, donde represento Las aventuras de buratino, de Aleksey Konstantinovich Tolstoy, “espectáculos de calidad con títeres y marionetas de hilo -sistema de manipulación indirecta- hechas en Bulgaria -diseñados junto con la escenografía por Silva Bachvarova- que conmueven y hechizan al espectador”.

Mihail -responsable de la adaptación, dirección e iluminación- logra que el artefacto del títere adquiera vida en el escenario, con la salvedad de superar limitaciones propias del actor, como desafiar la gravedad o salvaguardar la integridad corporal, superar el miedo escénico, suspenderse en pleno vuelo, etcétera. Es cierto, los actores-manipuladores- dan voz y movimiento, el títere al cobrar vida se convierte en una especie de mimo. Propone teatro en el teatro. Se puede pensar que sus títeres manipulan a los actores, tienen consciencia plena, protagonizan la anécdota, la fábula, son los personajes mismos.

Buratino1

Una historia y adaptación sencillas, tanto en forma como en fondo. Madera y tela, obvio, hilos, son el foco escénico; los personajes conviven con los integrantes humanos, se mezclan en una dualidad que adquiere unidad. La trama es importante, más la magia de quienes la crean, aprehenden a los pequeños y grandes espectadores. No hay teatrino, un farol, un par de espejos, gazas, un pequeño templete, animales, dan contenido a la fábula, dos acróbatas y un artesano fabricante de marionetas; pareciera largo el listado, la verdad con pocos elementos, un gran espectáculo. Hoy no contaremos la historia, busquemos una llavecita de oro que abre la puerta a la libertad.

Guillermina Pérez, Lory Fuchs (Argentina), Leobardo Márquez y Miguel Ángel Morales invitan a sus dos próximas presentaciones en el Foro de las Artes (Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México), el sábado 16 y domingo 17 de diciembre, a las 13:30 horas, oportunidades para convivir con Buratino, personaje principal del libro La llave de oro.

BULBERRY (TEATRO DE CIENCIA FICCIÓN)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Reza el manifiesto de la última humanidad, año 3028: “…El individualismo, la falta de conciencia y la evolución tecnológica se han juntado para separarnos…”. La sentencia suena interesante, despierta la curiosidad de cómo o por qué se llega a la hecatombe, más si es la premisa de una obra publicitada como teatro de ciencia ficción. Ignoro si por pudor, prudencia o descuido, el volante no contiene crédito de autoría de Bulberry.

Antes de entrar de lleno al tema, me pregunto: ¿Es ético escribir sobre un texto del cual no entendí casi nada? Es obvio, no fue por ignorancia o falta de atención, simplemente no escuché la mayor parte, dos actores sin voz, susurraban, aun cuando la puesta es el aire libre, no hay excusa que los justifique. Entre lo poco que capté, más bien escuché, la humanidad y nuestro planeta están a punto de sucumbir; un científico -más joven que la juventud- ha encontrado una forma de inmunidad, algo así como la inmortalidad para quien se somete al tratamiento, en este caso una muchachita. Se habla de una destrucción, un viaje a otro planeta para la preservación, los bolcheviques -digamos los malos- tras… Lo cierto, una dramaturgia pobre en imaginación, desgastada, sin interés alguno, con todos los requisitos para pasar al olvido, reiterando en favor de quien sea el autor(a), la mayor parte no la oí.

Stephanie León es mucho lo que hace como directora, de hecho visualmente hay cierto atractivo mediante una estructura con iluminación propia (foquitos tipo navideños). Sin embargo, valga la expresión, es directora no maga, no puede transformar en actores a dos jóvenes carentes de la menor idea del escenario. Manuel Delgado Piazola y Lenday Gámez, el primero plano, sin entonación, sin emotividad, sin volumen de voz, sin todo lo que se quiera agregar; la segunda, por el estilo, digamos que sus deficiencias son menos alarmantes pero igual de peligrosas para el fracaso rotundo.

En fin, Bulberry, un atentado contra la salud -física y mental- por presentarse al aire libre con el clima gélido que azota a la Ciudad de México, áreas verdes del Centro Nacional de las Artes. Las próximas funciones del 8 al 10 de diciembre a las 20:00 horas.

DIVORCIO EXPRESS (EL RENCOR INVERSAMENTE PROPORCIONAL AL AMOR)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen de Divorcio express, tomada de Facebook

Daniela Jaimes, autora de Divorcio express, sostiene que el rencor es inversamente proporcional al amor, lo cual nos da a entender que el primero prevalecerá con más intencidad cuando se da la ruptura. Sin embargo, durante el desarrollo, los protagonistas desean odiar a sus respectivas ex parejas cuando en realidad ambos quisieran la reconciliación: ella no divorciarse y que su marido le rogara el perdón; él sueña con una posibilidad similar, a pesar de que quien lo abandonó haya fallecido.

Divorcio expressTanto el texto como la dirección de Jesús Delgado se ubican en el o bien o mal llamado “teatro comercial”. Sin ser un tratado de psicología, sí hay un planteamiento serio de los diferentes arquetipos de género, sin descontar una buena dósis de humor catártico. Por ejemplo, cuando ella enumera todo lo que una mujer debe, así en imperativo, pasar para agradar y siempre con la imagen de guapa y delgada; el hombre explica la dificultad para entender a las féminas, requiere palabras no insinuaciones o símbolos. Lo curioso, las disertaciones surgen del encuentro de una mujer abandonada por su cónyuge, él, abogado quien le lleva el documento para la disolución de su matrimonio. La trama, por necesidad dramatúrgica, nos adentra en sus experiencias de vida.

Jesús Delgado asume su puesta sin mayores complicaciones escenográficas, sencillez realista, la sala de un departamento; el trazo merece reconocimiento y el ritmo se mantiene durante toda la escenificación; atención e hilaridad siempre presentes en los espectadores.

Diana Carranza y Julio Casado identificados con las situaciones y, sobre todo, con la psique de los personajes; bien actuada con base en el formalismo que conlleva a la risa, raro en una comedia de carácter comercial. Durante un poco más de una hora el público los disfruta, un montaje recomendable para quienes buscan en el teatro un momento de diversión. Aclaro, no es una obra de arte, sí una propuesta digna.

Divorcio express tiene como sede La Teatrería (Col. Roma, Ciudad de México), los martes y miércoles, hasta el 20 de diciembre a las 20:30 horas.

LA CANTANTE CALVA (IONESCO EN VERSIÓN ESPAÑOLA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de testro

Imágenes de La cantante calva, a cargo de Estudios zero teatre

Cantantecalva1Eugéne Ionesco, dramaturgo con reconocimiento universal, autor de El rey muere, Rinoceronte y La cantante calva, por mencionar algunas de las más relevantes, es uno de los más destacados representantes del teatro del absurdo -lo que en apariencia es contrario a la razón- y pareciera ser eso, lo cual no es correcto porque se necesita una buena dósis de inteligencia y manejo de la palabra para incursionar con éxito en este estilo.

Es probable que en México la obra más conocida y representada de este autor sea La cantante calva. Con tan solo tres funciones en la Ciudad de México -lamentablemente unos cuantos teatrófilos los elegidos- fue sede de una versión española a cargo de la compañía Estudio zero teatre procedente de Palma de Mallorca, bajo la dirección de Pere Eme Mestre. Una propuesta más que afortunada, explota en forma idónea el humor especial de Ionesco; con el acento y algunas palabras propias de la península Ibérica. La puesta es jocosa, siempre la hilaridad a partir de la formalidad, los actores inmersos en esa seriedad provocadora de la alegría del espectador. La representación se dio en una pequeña superficie -Carretera 45 Teatro-, por tanto, de manera intimista, teatro de cámara, contacto personal con los integrantes del elenco, una impecable, pulcra y certera dirección, siempre pendiente del más mínimo detalle, la esencia del texto de principio a fin.

cantantecalva2El reparto integrado por talentosos actores: Pepa Ramón, Dominic Hull, Lourdes Erroz, Imma Villalonga, Xim Vidal y el propio Pere Eme Mestre. Todos un trabajo de conjunto, cada uno aportando sus particulares dotes histriónicos, sin embargo, la participación de Pere es cautivadora, en especial por su expresión facial, tiene algo -en el buen sentido- para provocar humor fino, por momentos es el foco escénico.

Un detalle especial, muy bien logrado, con exquisitez, es el cierre de la puesta en escena: en unos cuantos segundos, en cámara rápida, se representa la obra completa, el gozo del público es innegable e indescriptible.

Un atinado acierto de Carretera 45 Teatro y de su director artístico, Antonio Zúñiga, en programar y dar cabida a compañías internacionales como Estudio zero teatre.

 

CASA DE MUÑECAS (LA TRISTE REALIDAD DE MUCHAS MUJERES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

Foto de Adriana Hernández

casamuñecas                                                       Escenografía de obra Casa de muñecas, de Gabriel Pascal

Henrik Ibsen, el más destacado dramaturgo de origen noruego, es considerado el padre del realismo contemporáneo e iniciador del teatro de tesis y del teatro social. Entre sus obras más connotadas están Peer Gynt, Brandt, Espectros y Casa de muñecas, esta última de la que hoy nos ocuparemos.

Es considerada una de los textos más representativos de la dramaturgia universal. Aborda la triste realidad de la mayoría de las mujeres sin importar su nivel de educación, estado económico o condición social; presas del dominio impuesto por los varones, sometidas a la esclavitud del hogar, de los compañeros de trabajo, del padre, esposo o de cualquier patán que invada su entorno personal y social.

Más que una denuncia, la prosa de Ibsen es un reflejo en el escenario, un intento -casi desesperado- para tomar conciencia de la situación, en principio no hay recetas o remedios fáciles, sí, hacia el final, de determinaciones, de fuerza de voluntad y de carácter para alcanzar la libertad existencial, obvio, casi siempre ante un logro hay un sacrificio.

Surge la interrogante sobre si el texto es de actualidad, la respuesta es un rotundo sí. En nuestra época pareciera exagerado que una mujer sucumba por haber falsificado una firma en un pagaré, a pesar de estar cumpliendo con sus obligaciones, con el propósito de una buena causa y ocultar su acción al beneficiario, a cambio sufrirá el escarnio social e injustas reclamaciones, infundios por parte de quien dice amarla y haberle dado todo… lo material. La anécdota ubicada en su tiempo nos puede parecer creíble, ahora no tanto, lo importante es el subtexto, el fondo de la temática.

Mauricio Jiménez -a quien considero el mejor director mexicano del minimalismo escénico- da un giro en su estilo y conjuntamente con la creatividad de Gabriel Pascal, opta por una escenografía hiperrealista -la sala de un departamento- en medio de una gran estructura, ésta simboliza la jaula de oro donde se transgrede la dignidad de Nora. La puesta se fundamenta en el valor de la dramaturgia, a ésta le da tono y ritmo pausado, casi a cámara lenta, pusilánime, como si el tiempo no transcurriera en el interior de esa habitación, como si los personajes estuvieran pasmados, ensimismados ante sus situaciones; las relaciones entre ellos están remarcadas, aún en los casos de crisis actúan con una calma impresionante, una actitud casi pasiva. No hay forma de no involucrarse con lo que está pasando frente a uno. Mauricio se encarga de inmiscuir a todos de forma sutil, es una dirección de actores.

La complicidad con la intencionalidad, con la estética y los tiempos escénicos se complementa con las actuaciones de Andrea Salmerón (Nora), Moisés Arizmendi (Torvaldo), Erando González (Dr. Robles), Olga González (Cristina) y Francisco Mena (Conrado). Todos en su conjunto asumen las directrices de Mauricio, en verdad dignos de reconocimiento, en especial Moisés -indudablemente el mejor- y Erando -un monstruo del histrionismo, en apoyo vital de la propuesta-. Antes de concluir, debo decir que el espectador se enfrentará a un montaje que de igual manera será aprobado o rechazado, esto con base en el ritmo y el tono.

Casa de muñecas se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre y del 5 de enero al 4 de febrero del 2018, los viernes a las 20:30, sábados 17:00 y 20:00, y domingos 18:00 horas.

COSAS RARAS (LA MUERTE OCULTA LA LOCURA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de la puesta en escena de Cosas raras, tomada de la página de Facebook de Olivia Lagunas

CosasrarasEs frecuente, no solo en México sino en todo el orbe, ocultar, desaparecer y hasta “matar” a un pariente cuando éste se ve afectado de sus facultades mentales. Sin embargo, se puede internar a la esposa en un psiquiátrico para que los hijos no la vean en un estado deplorable, triste, lamentable, en concreto, evitarles la angustia del padecimiento de su madre. Lo interesante es si es válido urdir un deceso ficticio; se aplica aquello de si el fin justifica los medios.

Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, mejor conocido como LEGOM, obtuvo el Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niños 2016, con la obra Cosas raras. En ella hay un encuentro y desencuentro con el amor, el juego, la infancia, los silencios, la ausencia, los secretos, la fraternidad, la cosmogonía de los pequeños y, por qué no, la aracnofobia. La Nena y Beto han perdido a su mamá, en las circunstancias antes mencionadas, viven con su padre, quien un día no retorna a su casa. Los hijos se dan a la tarea de buscarlo, en su odisea descubren una serie de cosas raras en torno a su progenitor, a la postre se les revelará que su madre vive. Crecen, cada uno tomó caminos distintos, involuntaria y voluntariamente, y…

LEGOM es un dramaturgo inteligente, audaz, todos los temas que atañen al ser humano le son propios. Tiene un peculiar estilo, es irreverente, no tiene miedo a la crítica, una característica peculiar en él es el manejo y dominio del humor álgido, esto lo hace interesante, profundiza y en forma paralela hay una catarsis permanente, provoca a la razón, al sentimiento y al buen humor. Si lo anterior lo hace un autor buscado por los teatristas, de igual forma lo es por parte de los espectadores. En el caso de Cosas raras sigue su estilo, el “morbo” nace cuando se conoce al público al que va dirigido: niños y adolescentes. Lo logra con un lenguaje propio y accesible sin caer en lo fácil o lugares comunes. Un gran texto, punta de lanza para tomar conciencia de que la niñez y la juventud mexicanas son personas pensantes.

Para un maestro de la dramaturgia nada mejor que un maestro de la dirección escénica: Hugo Arrevillaga. Sin duda, un pilar en este rubro, comparte con LEGOM lo inteligente, audaz, propositivo, lejos de los convencionalismos, en estricto sentido, un creador del quehacer teatral. Junto con Auda Caraza (escenografía), Roberto Paredes (iluminación) y él mismo (escenografía y vestuario), Hugo crea una atmósfera para resaltar emociones, sentimientos, sacar a flote el subconsciente y volverlo consciente. Le basta una cantidad indeterminada de cascos (vidrio) de Coca-cola, unas rejas, de esas en las que se transportan los refrescos, una caja con forma de prisma en vertical simboliza un ataúd y una silla la figura paterna. Loable que no viste a sus niños con pantaloncillos cortos o con un vestidito, ropa común y corriente, a esto hay que agregar que no hablan como bobos, sino como lo que son: seres racionales con inquietudes. Por primera vez en su trayectoria escénica prescinde de cualquier tipo de musicalización. Afortunada la niñez y sus familiares cuando disfruten la propuesta del maestro Hugo.

Olivia Lagunas y Adrián Vázquez, fuera de serie, impresionantes, dos niños interpretados por dos histriones, no requieren caracterizaciones, hacen de sus movimientos una coreografía permanente, se desenvuelven con naturalidad, obvio, solo dos actores con su experiencia y dones aprovechados pueden convertir a dos adultos en la Nena y Beto, seres humanos en pleno descubrimiento de su entorno.

Cosas raras tendrá una corta temporada en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre, sábados y domingos a las 13:00 horas.

ELEFANTE (ÓPERA EN ESPACIO MÍNIMO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Internet

elefanteSi por ópera entendemos -en su significado más simple- una representación teatral con acompañamiento orquestal, el canto como su principal protagonista, sin descontar la danza, artes plásticas… estamos frente a la conjunción de todas las bellas artes. Sin embargo, en nuestro país esta expresión artística tiene muy poco público, las temporadas -por llamarlas así en forma pretenciosa- en el Palacio de Bellas Artes, máximo recinto cultural nacional, no exceden de cinco o seis funciones. Tal vez, solo como especulación, una de las razones es que la mayoría son interpretadas en idiomas extranjeros, la gente -por desgracia- es perezosa para leer la sinopsis y el subtitulaje la más de las veces es un distractor.

Ante esta situación, es digno de toda loa la labor de la compañía Los socios del ocio, abocada a la promoción y difusión del bel canto, nada más y nada menos que entre los infantes. Así, nos encontramos con Elefante, ópera en espacio mínimo, propuesta que concluyó su más reciente temporada -con teatro lleno- en el Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México). La dramaturgia a cargo de Mauricio Jiménez Quinto y Luis Felipe Lozada, la dirección escénica de Sofía Sanz y Jorge Reza.

Cinco ancianos, recluidos en un asilo, pasan sus últimos días, su forma de “matar el tiempo” es contando cuentos -cantando y actuando- historias, una competencia para decidir cuál es la mejor. Mitología, un gran maestro; un panteón cuyos moradores son niños muertos; un reino lejano donde el odio y el rencor estuvo a punto de acabar con todo, y… Narraciones imbuidas en mundos mágicos, oníricos, odiseas invaden la mente y el alma de quienes escuchan, por sí solas cada uno de los temas contiene valores humanos.

Si agregamos las voces de cinco hombres y una mujer entregando lo mejor de sus dones vocales, acompañados por un teclado -piano y clavecín-, movimientos corporales -coreografías-, todo en su conjunto da lugar a un gozo estético impactante. Ellos definen la propuesta como una ópera en espacio mínimo, literalmente es cierto. Cero escenografía, los cuerpos se convierten en todo lo imaginable, transforman lo invisible en una realidad óptica en un espacio de pocos metros cuadrados. Hay que confesar, admitir en forma sincera, no hay palabras para describir lo que este grupo de creadores logran en el escenario y, lo más importante, provocar la admiración, la alegría a través del arte, aprehender a niños y adultos.

Los magos de Elefante son: Virginia Álvarez (soprano), Jairo Calderón y Mauricio Jiménez (tenores), Galo Balcazar y Luis Felipe Lozada (bajos), Kevin Arnoldo y Ángel Luna (actores), Jaime Pullés y Emmanuel Vieyra (instrumentistas). Amenazan, para fortuna del arte operístico teatral con nuevas propuestas, desde ahora quedamos a la espera.

LA VERDURA CARNÍVORA (VÍCTIMA DE SUS PROPIOS INSTINTOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías

Imagen de La verdura carnívora, tomada de la página de Facebook de Abril Mayett

laverduracarnívoraUno de los grandes placeres provocados por el teatro es la alegría, reír, disfrutar con lo que pasa en el escenario, olvidar los problemas cotidianos y creer que todo es felicidad. Este es el caso que se vive con el monólogo La verdura carnívora, dramaturgia y dirección de Abril Mayett, donde por contradictorio que parezca la hilaridad emana de una mujer víctima de sus propios instintos.

La autora narra la historia de una vegetariana involuntaria llamada Verdolaga, quien debido a su carencia económica nunca tuvo la carne a su alcance. Su vida experimenta un giro muy drástico cuando se enamora de Milanesas, un boxeador aficionado, quien le rompe el corazón. La sinopsis, como debe ser, generaliza. El personaje -al inicio de la obra- está por dar una charla ante un auditorio que ha asistido al Centro de Rehabilitación Social, donde está recluida, con el propósito de compartir su experiencia del por qué está privada de su libertad y, al mismo tiempo, reducir su condena cuatro meses por hacerlo. Un ser marcado por la tragedia desde el día que vio la luz primera en un basurero, abandonada, víctima de abusadores(as), quienes se cruzaron en su desafortunado camino. Lo más interesante es cómo va cobrando venganza, se desquita de lo recibido, urde planes inteligentes, sin ensuciarse las manos se deshace de los victimarios, claro, en una de esas la suerte no la acompañó. Ante este breve resumen, ¿no es increíble que el público ría durante una hora y media? Hay mucho ingenio, humor negro, albures finos, situaciones chuscas por sí mismas, la ingenuidad y la racionalidad se unen.

Hay que reconocer la dirección de la propia Abril, en principio no es tan fácil como podría suponerse, son múltiples las ocasiones de la autotraición -por llamarle de alguna forma-, con más riesgo cuando ella es la intérprete del monólogo, aunado a la ausencia de un(a) asistente de dirección. El reto se incrementa cuando el minimalismo escenográfico se manifiesta en su máxima expresión, solo un huacal para…

Como actriz merece todo el respeto porque si bien todo está centrado en Verdolaga, aparecen otros personajes en escena, les da vida con cambios de voz y diversos gestos faciales. Convincente, goza la narración, hace de la desgracia una fiesta teatral, si se me permite la expresión.

Lamento haber respondido a su invitación cuando solo resta una función -30 de noviembre a las 20:00 horas, en el Teatro Coyoacán, Enrique Lizalde, Ciudad de México-. Desde este espacio le extiendo una sincera disculpa. Ante sus valores intrínsecos y extrínsecos La verdura carnívora pronto tendrá otra sede en la capital de la República Mexicana como en las entidades federativas.

PSICOSIS DECEMBRINA (EROTISMO NAVIDEÑO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional de Psicosis decembrina

PsicosisdecembrinaAsistimos al Quinto Encuentro de Psicóticos Anónimos donde cuatro “guías” dan terapia a un grupo (público) con la finalidad de ayudarlo a superar sus fantasmas mentales. Cuatro cuentos -monólogos- con una fuerte carga de erotismo, un poco menos de violencia, una especie de pornografía navideña se lleva a cabo alrededor de esta temporada tan significativa en muchos países del orbe.

En su conjunto se intitulan Psicosis decembrina, en particular: Esclava del teléfono, de Eloy Hernández; La amorosa, el santa erótico y Alicia en el país de las verguillas,  las tres de Hiram Molina. Este último en conjunto con Anabel Domínguez, responsables de la dirección. Como escenografía, un diminuto árbol de navidad, una banca y una piñatita, en verdad paupérrima.

Si no estoy en un error, este tipo de dramaturgias breves abordando temas en torno a la Navidad en forma irreverente, hasta irrespetuosa en ocasiones, surgió en la Ciudad de México con los Cuentos antinavideños por iniciativa de Boris Schoemann, mismos que gozan del gusto de un público cautivo. Retomando lo que hoy nos concierne, considero a Hiram Molina un autor imaginativo, inclusive, una de las mejores obras para niños en mi memoria, Asimov, fue escrita por él. En sus tres cuentos hay toques de humor, chispazos, pero no se sostienen -cabe aclarar que la hilaridad es una de las característica de esta modalidad-, mucha retórica, palabras y más palabras, llámese casualidad o una intención buscada y lograda, el texto rescatable es interpretado por él mismo.

Tres actrices, Leonora Cohen, Nora Castrejón y Anabel Domínguez, encargadas de los otros tres cuentos. Nora ha sido protagonista de excelentes montajes, indiscutiblemente tiene talento, sale avante en su participación, exprime el poco jugo de las fantasías sexuales y perversiones de su personaje. Leonora baila con el más feo, mucha entrega, pero el texto no da para mucho. La mejor en  este caso es Anabel, una mujer que nunca ha tenido sexo, pero el pene le provoca una serie de perturbaciones, las cuales cobran vida y cierta gracia por parte de quien la caracteriza.

En fin, no hay mucho más que agregar, Psicosis decembrina se presenta en el Espacio Urgente 2, del Foro Shakespeare (Ciudad de México), los viernes a las 20:45 horas, hasta el 29 de diciembre.