Autor: Alejandro Laborie

EL ÁNGEL EXTERMINADOR (IMAGINACIÓN SURREALISTA)

EL ÁNGEL EXTERMINADOR (IMAGINACIÓN SURREALISTA)

  Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Facebook del The Metropolitan Opera

El ánel exterminador - copia

 

Después de asistir a una función operística, un grupo de personas se reúnen en la mansión del matrimonio Nobile, todo marcha en orden hasta que empiezan a suceder hechos extraños. Transcurre la cena, los brindis, sin embargo, se percatan de la imposibilidad de abandonar el salón, inicia un encierro físico y paulatinamente emocional, perturbador y fatal.

 

Lo anterior es la introducción de la ópera EL ÁNGEL EXTERMINADOR ( THE EXTERMINATING ANGEL), música de Thomas Adés, libreto en inglés de Tom Cairns, basado en el guión de Luis Buñuel y Luis Alcoriza para la película del mismo nombre dirigida por el propio Buñuel. El Auditorio Nacional fue la sede de la transmisión en vivo desde el MET de Nueva York (en pantalla gigante de alta definición, con subtítulos en español), en el marco de la Temporada 2017-2018 del The Metropolitan Opera.

 

La imaginación surrealista de Buñuel engalanada con el bel canto y la creación del compositor Adés. Atrapados en una habitación donde se combina la realidad con la fantasía, más bien con el delirio; los personajes suponen que todos en el exterior están muertos por eso no son rescatados; consideran que tan solo con su fuerza de voluntad podrán salir; una repugnante casa, no quieren ver al Exterminador; sienten que están ahí desde siempre; encontrar la llave que abre la puerta a lo desconocido.

 

La música, obvio, es fundamental en la producción de una estética minimalista, el histrionismo es esencial, las voces lo más relevante, todo bajo la dirección de escena de Tom Cairns. La sobriedad escenográfica, alejada de la parafernalia, los vestidos de gala de las damas y la elegancia de los fracs de los caballeros -desgastándose mientras se prolonga el encierro- y una iluminación precisa para un medio ambiente idóneo para el estilo del punto de partida.

 

Quince seres presas del miedo, del desconocimiento, de lo irracional, de la psicosis, de las pasiones, de lo erótico y de la muerte. Imágenes en escena, imágenes en la mente de los espectadores, fascinación ante el surrealismo. Ya se mencionó que no es una producción espectacular como acostumbra el MET, sin embargo, cautivadora, provoca compasión y desesperación por lo vivido, por la forma en que cada uno de los individuos enfrentan con perplejidad la situación delirante. Hambre y sed se unen a ese mundo a ese mundo de la realidad de los sueños, si se permite la expresión.

 

Dan voz a estos desgraciados seres convertidos en entes: Amanda Echalaz, Chistian Van Horne, Audrey Luna, Sally Matthews, Sir John Tomlinson, Joseph Kaiser, Sophie Bevan, Alice Coote y David Portillo, entre otros. Llevan a escena las pasiones, a la imaginación surrealista de Luis Buñuel. La ópera EL ÁNGEL EXTERMINADOR, se estrenó el 28 de julio de 2016, en el Haus für Mozart de Salzburgo.

 

La siguiente transmisión en el Auditorio Nacional (Ciudad de México) se llevará a cabo el 27 de enero, a las 12:00 horas, toca el turno a TOSCA, de Puccini.

 

DESPUÉS DE LA LLUVIA (AMOR PATÉTICO Y PATOLÓGICO)

 

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen de DESPUÉS DE LA LLUVIA (Bajada de la página de Facebook de la producción)

 

Después de la lluvia - copia

Toda obsesión por naturaleza es negativa, cuando ésta se da con relación a la pareja, cuando el sentimiento sale de control, cuando lo más sublime del ser humano, esto es, el amor, nada más doloroso que sucumbir ante lo patológico y convertirse en un ser patético. Ella, una mujer dispuesta a todo con tal de recuperar al ser amado; Él, indiferente, pedante, hastiado, incómodo ante el acoso; una dualidad entre el amor y el desamor.

 

Así son los personajes de Santiago Arena en DESPUÉS DE LA LLUVIA, obra en donde un encuentro casual -bajo una tormenta- lleva a un hombre y una mujer a revivir su pasado, obvio hay momentos en que ambos se dicen sus verdades, lo que en el subconsciente ven en el otro. Lazo que dejó cicatrices. Ella al borde de la histeria; Él inmerso en un ego igual de enfermizo. Un texto con grandes pretensiones, el resultado final es intrascendente, frases sueltas, algunas pueden despertar cierto interés, en su conjunto para el olvido. Escena tras escena no hay avance, desde el inicio se percibe como única verdad que no hay nada entre ellos, tal vez nunca lo hubo. El desenlace predecible, inclusive por ahí de la mitad del desarrollo se intuye. Las retrospectivas no aportan nada para explicar, de no ser el adulterio, por qué llegaron a ese punto. Una obra no apta para feministas, la mujer en el suelo, el varón pisoteándola.

 

Al desastre dramatúrgico hay que agregar la dirección de Rocío Belmont, deprimente, un ritmo y un tono semilentos, diálogos a cámara lenta, somnolienta la puesta, afortunadamente en 40 minutos despacha al público. Una “escenografía” paupérrima, vestuario fuera de lugar, por momentos los protagonistas son una taza de café y una copa de vino. La directora hace una retrospectiva de cómo era el teatro en el siglo pasado, unos apagones prolongados, no comprende que los segundos se pueden convertir en minutos en un escenario, se podría entender por cambios de escenografía, explicaría pero no justificaría, aun cuando ésta no varía ni un ápice; hay “cambios” de vestuario, por ejemplo una falda por un pantalón, con ello, según ella, hay traslados en el tiempo y de lugares.

 

Pero, ahí no acaba el desastre. Las “actuaciones” son para llorar. Christian Ramos, sin presencia, sin carácter, cero emotividad, parece un espontáneo, alguien que saltó al ruedo (escenario) a lidiar un toro sin capote.. Tatiana de Real tiene instantes buenos, sobre todo cuando es víctima de las crisis emocionales, su trabajo lo único medio rescatable del fallido montaje.

 

En concreto, no hay texto ni dirección, menos actuación, sin embargo quien no tenga nada mejor que hacer puede acudir a La Teatrería (Tabasco 152, Col Roma, Ciudad de México), los jueves a las 20:30 y sábados a las 21:00 horas, hasta el 22 de diciembre. Claro, luego lamento que no me inviten al teatro comercial cuando en verdad lo debería agradecer, al menos en casos como éste.

 

POR CHINGAR (VIGÉSIMA NOVENA TEMPORADA DE MICRO TEATRO MÉXICO)

Por: Alejandro Laborie Elías , crítico de teatro

Imagen de la obra: 15 pasajeros dijeron, y cartel promocional de la temporada

 

 Por Chingar_ligero

 

 Micro Teatro México presenta su vigésimo novena temporada, en su conjunto se intitula POR CHINGAR, esto es, todas las obras participantes giran en torno a esta temática. Verbo por demás sugestivo, irreverente y, por qué no, con un morboso atractivo. En varias ocasiones hemos explicado la dinámica de esta variante teatral, sólo me limitaré a comentar se trata de representaciones es un escenario no mayor a 15 metros cuadrados, duración de 15 minutos máximo y 15 espectadores. En esta oportunidad hablaremos de tres: LA SEXXXION, 15 PASAJEROS DIJERON e INMACULADA CONCEPCIÓN.

 

Gayo Figuera, autor y director, ofrece una erótica comedia del absurdo políticamente incorrecta. Un psicólogo dispuesto a brindar un terapia de pareja. Ambos pacientes con antecedentes dignos de dos orates: Paco, futbolero de corazón , fanático de Mc Donald’s, su heroína Gatubela; Elena (La Nena) 22 años de edad, su primer novio un monaguillo, le encanta depilarse todo el cuerpo… Tal vez quien requiere la sesión terapéutica es el doctor, no ellos o… los tres. Ella perdió la virginidad con un plátano verde, él con un pollo crudo. Todo el ámbito existencial de la pareja se conoce por un monólogo del galeno. El título un juego de letras y un “símbolo” erótico: LA SEXXXION (La sesión). Joseba Hernández (psicólogo), Tamara Niño de Ribera (Elena) y Carlos Reséndiz (Paco), un trío provocador de risa mediante la confusión, sus actitudes, minutos de caos en el escenario (interior del consultorio, con la musicalización del Bolero, de Ravel), desquiciados que apelan a la cordura de los intrusos frente a ellos. Tamara es la chispa del montaje.

 

15 PASAJEROS DIJERON, dramaturgia y montaje de Martha Athie, nos introduce a un avión, un desesperado tipo amenaza con estallar una bomba. El resto de los pasajeros, incluyendo un “perro” ven como sus vidas dependen de ganar o perder un juego, igual al que se transmite por televisión: 100 MEXICANOS DIJERON. En principio hay una serie de incongruencias, cobran “sentido” a medida que llega el desenlace. No hay escenografía, unos trazos dibujados en la pared recrean la supuesta aeronave. La propia Martha Athie, combinación interesante de seriedad y comedia, Carlos Gavira, Fortina Maldonado y R. Mussi dan vida a la singular anécdota. Un cuarto de hora para divertirse y desenmarañar el juego dentro del juego, con un final inesperado, lógico dentro de la loquera dramatúrgica.

 

Por último, INMACULADA CONCEPCIÓN. Una relación sexual casual conlleva a una serie de confusiones, éstas provocan la hilaridad. Dos actrices españolas en una charla la cual adquiere matices melodramáticos y de comedia; confesiones, llamadas telefónicas pueden cambiar la existencia de la dos amigas, una de ellas embarazada a pesar de ser… Paula Serrano y Ester Gombau, ambas junto con el público disfrutan al máximo la trama, escrita por Borja Texeira y dirigida por Critian Magaloni.

 

Cabe aclarar que en las tres propuestas hay alternantes, los créditos citados son de quienes me tocó ver. La temporada POR CHINGAR se lleva a cabo en Micro Teatro México (Roble 3, Col. Santa María la Ribera, Ciudad de México).

 

Noviembre 2017

LA CALAVERA DE CRISTAL (VIAJE MÍTICO DESDE UN MUSEO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

 Cartel publicitario de La calavera de cristal

 

la calavera de cristal-ligero

Los museos, como los teatros o las iglesias, por citar sólo algunos, son espacios siempre rodeados de leyendas, de fantasmas, de historias inspiradoras de curiosidad o de temor. Producción Escénica y Lab Teatro llevan a escena La calavera de cristal, adaptación de la novela gráfica del escritor Juan Villoro, publicada en 2011 e ilustrada por Bef, quien en esta ocasión es el diseñador del cartel publicitario del montaje. Los responsables de la versión escénica son Helena Tinoco y Mario Rendón. En principio es acertada e invita a adentrarse en ese mundo donde el mito y la realidad coinciden en un punto de encuentro, sin descontar que, sobre todo, en el inicio cae de lleno en lo narrativo, donde fantasía e historia se confabulan, ya sea para meditar sobre el tema, sea en forma exclusiva para divertirse.

La adaptación está pensada, en primera instancia, para infantes, sin embargo, hay partes que no considero sean asimilables y son poco atractivas para niños de pequeña edad. Esto último porque hay varias escenas demasiado didácticas y otras que requieren de una explicación sencilla, como es el caso de una disertación breve, si se quiere, de la diferencia entre una leyenda y la historia. La trama se lleva a cabo en el interior de una sala del Museo Nacional de Antropología, ahí coinciden una vendedora de souvenires (recuerdos) y un guía del recinto. Las circunstancias los conducirán a través de un viaje a la ciudad maya de Yaxchilán, en busca de la mítica y misteriosa Calavera de cristal. Hay un personaje, invisible en el escenario, presente en el desarrollo, Julo Rodríguez Plata, piloto aviador, por cierto, pereció en un accidente aéreo, quien es esencial para fundamentar y entender el planteamiento histórico del maestro Villoro.

Enrique Aguilar, en su calidad de director, propone un sinnúmero de elementos: teatro de sombras, títeres de diferentes técnicas, escenografía mínima, más sugerente que recreativa, multimedia y música en vivo, teclados y percusiones, apoyado en una iluminación sencilla, resaltando los apagones y encendidos; vestuario cotidiano, inclusive, medio fársico. Los actores caracterizan varios personajes y, en forma lamentable, se recurre al clásico empleo de algún adorno corporal para el cambio de protagonistas. La propuesta es de altibajos, digamos que la primera parte, en una división arbitraria, se desarrolla toda en el proscenio y dirigiéndose directamente al público, por fortuna en la otra mitad hay más acción y el desplazamiento escénico como el ritmo son más teatrales.

Las actuaciones están a cargo de Helena Tinoco, Mario Rendón y Alejandro Piedras. Mucha entrega, sin embargo, en muchos momentos gritan sin razón de ser y, al menos en la función de prensa, demostraron capacidades para improvisar. Deben ser más alegres porque deben tomar en consideración que eso es lo que captura la atención de los pequeños.

Producciones Escénicas y Lab Teatro invitan todos los sábados hasta el 16 de diciembre al Teatro La Capilla, Coyoacán, Ciudad de México, a las 12:30 horas.

MONALISA (ACUMULAR POR NECESIDAD EXISTENCIAL)

Texto y foto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

MonalisaAcumular objetos, de la índole que sea, puede ser bien visto, es el caso de los coleccionistas, sin embargo, puede ser negativo cuando se hace por necesidad existencial, entendida ésta como una obsesión, obvio, estamos frente a un síntoma patológico y patético, más bien irracional. El sonorense Roberto Corella, autor de la dramaturgia intitulada Monalisa, nos presenta a una mujer, Ella, recogiendo todo lo que encuentra en su andar, lo embodega en su casa, la convierte en un mal oliente basurero, retacada al grado de impedirle ingresar y verse en la necesidad de pernoctar en el patio.

Lo anterior no tendría mayor relevancia, la anécdota es por sí misma intrascendente, sin embargo, todo cambia cuando se asume un sentido de metáfora y, en forma simultánea, de analogía. Ella, una muerta hablando desde el más allá o una viva muriendo en forma paulatina. Una antigua maestra, hace pequeñas remembranzas de su hermana, de su madre, de su amiga, del significado de un arcoiris. Los recuerdos la atormentan, en su psicosis continúa acumulando todo tipo de cosas, es la forma de evadirse. Ella es, era, rara, enigmática… pero siempre sonreía, pasaba días en vela, cinéfila, le agradaban las películas profundas, esas donde la gente se busca a sí misma y no se encuentra. Ella decidió su destino, lo llevará a cabo después de un profundo análisis de su vida.

Ella no está sola en el mundo sombrío, hay un Él, un taxista que la lleva al cine, a un hotel, a… y de retorno… La pone al descubierto frente a los espectadores, les narra al detalle, entre otras cosas, su pensar, la carga emocional por unos niños fallecidos en una guardería, entre otros temas. A Él lo agobia la desaparición de su hijo, lamenta la violencia que padece su entorno. Dos seres abatidos, presente el esbozo de la sonrisa, presente la Monalisa. Un texto complicado, psicológico, dramático, denso y profundo; representativo del quehacer dramatúrgico de Sonora. Bien escrito, bien desarrollado, bueno el desenlace. Interesante y cautivadora relación entre ambos personajes, el hecho de que el autor nos lo bautice y dejar su identidad en Ella y Él, le da una directriz de universalidad.

Rennier Piñero, de origen español, dirige. Junto con Beatriz Noriega (escenografía y vestuario) y Lupillo Arreola (iluminación) saturan el espacio con un sinnúmero de cajas de plástico, de esas que venden las grandes tiendas de autoservicio, en ellas se van acumulando… todo lo que metafóricamente cabe en la mente de Ella y, en parte, la de Él. Un vestuario tan desalineado como las existencias de los dos; una penumbra, oscuridad espiritual; proyección, casi desapercibida, de fragmentos de películas, más que una ambientación, el conjunto representa lo más íntimo, la esencia de un devenir, de un vacío lleno de cosas.

Paquita Esquer y Roberto Corella asumen con parsimonia a los personajes. Ella susurra y también se violenta. Él narra, el contacto es emocional, no físico. Realizan en forma óptima la introspección, sienten y mueren, al mismo tiempo dan vida a tan singulares seres en el escenario. Conmueven… incomodan, provocan, dan todo como actores.

Monalisa se presentará durante tres semanas (parece que este lapso se ha puesto en boga en la Ciudad de México), hasta el 26 de noviembre, en el Foro de las Artes, del Centro Nacional de las Artes, los jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

LA CANTANTE CALVA (LO DESHILVANADO EL HILO CONDUCTOR)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la actriz Gabriela Murray

Eugéne Ionesco, uno de los máximos exponentes del teatro del absurdo, es llevado a escena con su obra La cantante calva, en la que desnuda y pone en evidencia la hipocresía y decadencia de la sociedad inglesa de la posguerra. El teatro del absurdo es uno de los más difíciles y complicados de lograr: lo ilógico debe ser lógico, lo superficial profundo, la palabra en apariencia sin sentido debe tener contenido y, por absurdo que parezca y si se me permite la expresión, lo que en apariencia es un conjunto deshilvanado a la postre es el hilo conductor.

la cantante clava2                                                  Gabriela Murray como la Sra. Smith en La cantante calva

El dramaturgo hace mediante un juego inteligente y audaz un análisis, un juicio crudo de las relaciones, costumbres y convenciones. El teatro del absurdo en general, este texto en particular, deja al descubierto el problema de la comunicación entre los seres humanos, problemática de actualidad, la tecnología -celulares, tabletas y computadoras- cada vez nos convierten en personas solitarias y con problemas para interrelacionarnos cara a cara. En concreto, por antonomasia este género gira en torno a la imposibilidad de la comunicación.

Ionesco juega con el respetable, lo lleva por un laberinto de confusiones: lo mismo de tiempo como de lugares y personajes; éstos últimos dan la sensación de despistados, de orates, cada uno con su onda. Una introspección social a través de dos matrimonios a los cuales se les puede aplicar la frase: “contigo pero solo(a)”; además una sirvienta y un bombero, éste sin sentido su aparición dramatúrgica y escénica, otra vez solo en apariencia. Sin darle más vueltas, estamos frente a una obra maestra con carácter de universal. Mientras tanto, La cantante calva peinándose.

El montaje bajo la dirección de Jesús Díaz, quien opta por un ritmo semilento, pausado, prolongados silencios; las pausas y silencios refuerzan lo absurdo. Un dibujo escenográfico y una iluminación que no se entromete en el enredo, así es el diseño de Bobby Watson. Complementa la atmósfera la música original de Hazael Rivera. Un objeto se convierte en otro protagonista: un reloj. Su carátula sede el paso, aparece un magnífico títere frente a un piano, excelentemente manipulado, musicaliza y da las campanadas de la hora. El teatro de sombras, en una breve aparición, cierra el círculo mágico. El director se vale de lo antes citado, sin embargo, su propuesta se centra en el trabajo actoral.

Gabriela Murray -Gaby como se le conoce en el medio- cautivadora como la señora Smith, esto no sorprende, pues posee cualidades histriónicas más que conocidas y reconocidas, inclusive, más allá de nuestras fronteras; capaz de provocar un caos mediante una pasmosa calma; para un ojo avizor es la médula de la puesta; no requiere adulación, su presencia y esencia hablan por ella. Arturo Reyes, el señor Smith, desfachatez y elegancia, distraído y concentrado, claro, el personaje, se desenvuelve en el género con soltura, hace la mancuerna ideal con Gaby. Complementan el reparto: Alicia Zárate, Judith Cruzado, Gilberto Dávalos y Omar Ramírez.

La cantante calva se representa en una nueva “temporada” (las comillas tienen su razón de ser porque solo serán tres fines de semana) en la sala Xavier Villaurrutia, Ciudad de México, hasta el 26 de noviembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas. La compañía Teatro del Exilio requiere del apoyo del público con su asistencia porque la producción no está apoyada por el Instituto Nacional de Bellas Artes, están trabajando a porcentaje de taquilla.

140 (57 DRAMATURGOS EN ESCENA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de José Jorge Carreón

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Richard Viqueira, un hombre de teatro cuyo reto fundamental, al menos eso creo, es sorprender, casi siempre en forma irreverente al respetable. En su más reciente propuesta parte de una interrogante: ¿Qué tan corta puede ser una obra de teatro? Tomó como punto de partida los 140 caracteres a los que estaba limitado el uso del twitter -desde hace unos días son 280-, y le solicitó a varios dramaturgos escribieran un texto con ese condicionamiento. 57 respondieron a su convocatoria, número que ahora es llevado a escena en un solo montaje. Temáticas diversas: la violencia, las relaciones humanas, sobre el mismo teatro y un interminable etcétera. Variados los géneros y los estilos; procedencias de diferentes escuelas y generaciones; la única coincidencia entre ellos: todos son mexicanos (salvo excepción, si se toma en cuenta la nacionalización). Inédito el hecho de partir de un twitter, éste por naturaleza es para ser leído, en este caso y de ahí lo interesante, para ser dramatizado. Nadie puede negar se trata de un sui géneris teatro experimental, “obras” breves, brevísimas, diez, 15, tal vez 20 segundos cada una y la que sigue. Esta idea original de Richard es una muestra más de su audacia por innovar, siempre con el propósito, para bien o para mal, de sorprender, podrá gustar o no, lo cierto, no pasa desapercibido.

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Él dirige su experimento. Ocho actores multidisciplinarios y una cantante encaramada en una columna de varios metros de altura, acompañada de un bajo interpretado por ella misma. Una escenografía de un gran atractivo visual: una plataforma con 90 casillas (blancas y negras), 9X10, unas pocas más que un tablero de ajedrez, muchas de éstas son compuertas, por ellas aparecen y desaparecen los múltiples personajes que caracterizan cada uno de los involucrados en escena; haces de luz, un medio ambiente de ensueño, mágico; efectos sonoros y lumínicos. En la plataforma pasa de todo: movimientos corporales con características marciales, actos de magia, erotismo, violencia, danza aérea, coreografías -incluyendo un tango-, acrobacia… se satisfacen todas las fantasías de los dramaturgos. Por mencionar solo algunos: Silvia Peláez, José Ramón Enríquez, Jaime Chabaud, Édgar Chías, Ximena Escalante, Elena Guiochins, Enrique Mijares, Luis Mario Moncada, Verónica Musalem, Alejandro Román, Antonio Zúñiga…

140 Autor: Varios. Dirección e idea original: Richard Viqueira. Elenco: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Vestuario: Ricardo Loyola. Productora Residente Teatro UNAM: Jaqueline Ramírez.

Los participantes en la plataforma son más que actores, arriesgan el físico -siempre exigencia de Richard-, una concentración mental llevada al límite, bailarines; como maquinarias de reloj le dan continuidad a las breves obras, éstas en su conjunto llevan por título 140. El montaje no admite errores, menos improvisaciones. El espacio escénico cobra vida propia, los ocho orates se entregan sin tapujos, sin miedos a las locuras de Richard. Sí, éste es un loco del teatro, está consciente y cuerdo de que lo experimental tiene altas posibilidades de fracasar, a él no le importa, no le quita el sueño, por el contrario, eso lo motiva, hace de sus pesadillas una realidad. El elenco artístico lo conforman: Valentina Garibay, Rocío Damián, Jennifer Sierra, Marisol Osegueda, Pastor Aguirre, Benjamín Castro y Gustavo Schaar. El equipo de creativos lo integran: Espacio escénico original: Mario Marín del Río y Richard Viqueira. Escenografía: Mario Marín del Río. Iluminación: Ingrid SAC. Escenofonía: Edwin Viqueira. Diseño de vestuario: Ricardo Loyola. Asistentes y realizadores: Realización de escenografía: Antonio Pérez / Constructores Escénicos. Asistente de vestuario: Marina Guash. Realización de vestuario: Leticia Gasca Laurent.

140 se representa en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, Ciudad de México, hasta el 10 de diciembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

SALOMÉ (SUBVIERTE EL CONOCIDO RELATO BÍBLICO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de SALOMÉ, producción del National Theatre Live

Una de las mujeres más conocidas de la antigüedad es Salomé, protagonista de uno de los episodios siempre presentes en el consciente o subconsciente de los cristianos, aún de quienes no profesan las diferentes vertientes de esta(s) religión(es). La historia la condena por haberle pedido la cabeza de Juan El Bautista en una charola de plata a Herodes, a cambio de complacerlo con la interpretación de una danza y, tal vez, algo más.

SaloméEn el teatro la versión más conocida y representada es la de Óscar Wilde. La que hoy nos ocupa es la de Yaël Farber, originaria de Sudáfrica, reconocida como una gran directora y varias veces galardonada por sus propuestas. Si bien la historia de Salomé ha sido contada desde varias perspectivas, ahora acontece en un ámbito subversivo: “Una nación desértica invadida. Una huelga de hambre. Una chica cuya misteriosa danza cambiará el rumbo del mundo. Esta nueva versión subvierte el conocido relato bíblico, situando a la mujer que llamamos Salomé en el centro de una revolución”: Programa de mano.

Farber, apoyada con la dramaturgia de Drew Lichtenberg, basa su relato en diferentes fuentes y crea la suya propia. Hay mucho de política, de la esclavitud de un pueblo, de la opresión…, sin embargo, algo que en apariencia sería un tema secundario y es de vital importancia, es el teje y maneje, negociaciones entre los miembros del sanedrín y los jerarcas romanos, unos ceden, los otros imponen. Una serie de puntos de vista, lo cierto es que estamos frente a lo subjetivo que puede ser la Historia; una Salomé respetada y al mismo tiempo despreciada. Por otra parte, en realidad hay muchas incógnitas sobre el personaje, inclusive no se conoce su verdadero nombre y se especula sobre su destino final. La propuesta, proyectada en el marco de la Temporada 2017-2018 del National Theatre Live, con sede en el Lunario (Ciudad de México) es, desde una óptica, revolucionaria, cuyo epicentro es Salomé. Interesante texto y excelente puesta en escena; el primero causó polémica al final entre los asistentes; el segundo convenció a la mayoría.

Farber se rodea de un reparto multinacional, de hecho predominan los diálogos en inglés, pero algunos son en otros idiomas, esto no representó mayor inconveniente porque se proyecta con subtítulos. Una escenografía mínima, iluminación inmersa en la penumbra, luz directa al foco escénico, así se logra el encuentro de ideas mediante imágenes plásticas, que recuerdan a Rembrandt. Es lamentable que haya muchas tomas netamente cinematográficas, diluyen la magia del teatro. Escenas en un entorno circular en su mayoría, una metáfora de la última cena. En muchos casos lo político y lo religioso con un lenguaje poético, tanto oral como escénico. Hay dramatismo sin exabruptos, un ritmo constante, desplazamiento por el entarimado similar. La musicalización y las coreografías fundamentales, además de cantos místicos y percusiones en vivo.

Una versión, reiterando polémica, la puesta en escena brillante a pesar de la penumbra. Los teatrófilos agradecidos con estas oportunidades para conocer y apreciar las producciones del National Theatre Live. El Lunario albergará las proyecciones de la presente temporada con Ángeles en América 1 (diciembre 3 de 2017 y enero 15 del 2018), Ángeles en América 2 (enero 28 y 29 del 2018), Yerma (febrero 11 y 12) y ¿Quién le teme a Virgina Woolf? (marzo 11 y 12).

 

UNDER CONSTRUCTION (TODO POR SATISFACER LOS DESEOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la compañía Davai Group

Under construction

A más de alguno le ha pasado, y le pasará, que después de una noche de farra despierte sin saber qué aconteció, dónde se estuvo, en ocasiones, ni con quiénes se trasnochó. Puede ser angustiante o simplemente dejar pasar el hecho, evitar remordimientos de conciencia, a veces la ignorancia es un buen remedio. Pasar el baño, satisfacer las necesidades fisiológicas y… por qué no, desear una exquisita taza de té, hacer todo con tal de satisfacer ese deseo. La compañía Davai Group, procedente y representando a Israel, nos deleitó con su espectáculo Under construction, en el marco del 5o. Encuentro Internacional de Clown, que se lleva a cabo en la Ciudad de México.

Sorprendente, alegre, inmerso en el humor blanco, provocador de interminables risas, carcajadas, la pantomima como medio de expresión; la creatividad da vida a objetos manufacturados con diversos elementos chatarra de origen, a la postre en escena un ventilador que sirve para todo menos para proporcionar aire fresco, se transforma en un tocadiscos; teléfonos celulares hechos con…. lo que se quiera, por sí mismos creaciones sui géneris; instrumentos musicales nada convencionales; todo es un deleite para crear a través de la ficción un mundo donde todo es permitido menos evitar ser parte de la capacidad de asombro.

Creación conjunta de la compañía, caracterizada por Vitaly Azarin, Losha Gavrielov y Fyodor Makarov. Tres actores-mimos, sus cuerpos y expresiones faciales se convierten en un lenguaje, en su medio de comunicación e interactuación con los espectadores, el arte del diálogo sin la palabra, el silencio verbal, pareciera imposible que con la corporalidad se puedan provocar emociones, sentimientos, inclusive, exclamaciones de lamentación entre los asistentes cuando le ocurre una situación desafortunada a alguno de los personajes. Un vestuario estrafalario, un maquillaje sencillo pero eficaz, tres personas que con su sola presencia conllevan a la hilaridad. Una escenografía de lo más sencilla, es la atmósfera estrambótica para desarrollar una historia que no es historia, son más bien situaciones, proyección de emociones, lo importante es que son vividas desde la butaquería.

Grato ver a un grupo de israelitas incitando a disfrutar la vida por medio del arte, nada como olvidarse de la cotidianeidad, de los problemas y poder reír con una propuesta que cumple cabalmente con los fines del Encuentro. Davai Group se aleja de lo convencional, la irreverencia es una de sus características, un juego de principio a fin. El programa de mano los presenta originarios de Israel, aun cuando tengo entendido, sin que sea una afirmación categórica, son oriundos de la antigua Unión Soviética, para el caso es lo de menor importancia. El Teatro Helénico fue sede de la segunda y última representación. Lo que debemos agradecer a los organizadores del 5o. Encuentro Internacional de Clow es el alto nivel de los espectáculos programados.

 

LA CIUDAD DE LEÓN, GUANAJUATO, SEDE DE LA 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO

Por: Alejandro Laborie Elías, critico de teatro

 

La ciudad de León, Guanajuato, será la sede de la 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO (MNT), que se llevará a cabo del 23 de noviembre al 2 de diciembre, con la participación de 39 puestas en escena y alrededor de 1500 actores. Incluirá propuestas representativas de 18 entidades federativas: Sonora, Guanajuato, San Luis Potosí, Ciudad de México, Baja California, Querétaro, Oaxaca, Puebla, Jalisco, Tamaulipas, Durango, Chihuahua, Yucatán, Nayarit, Aguascalientes, Quintana Roo, Chiapas y Veracruz.. La selección se realizó con base en cuatro líneas curatoriales: Cuerpo e identidad, Cuerpo y territorio, Cuerpo y poder y Cuerpo y heteronomía.

 

Durante la presente edición se presentarán las cinco puestas en escena ganadores de las muestras regionales de 2017, convocadas en cada una de las cinco zonas culturales en las que está dividido el país, organizadas por las instancias culturales de las entidades federativas así como de la Dirección de Vinculación Cultural de la Secretaría de Cultura del Gobierno Federal. Por primera ocasión se llevará a cabo un laboratorio de crítica teatral y periodismo cultural intitulado MUESTRA CRÍTICA, con el objetivo de que un grupo de practicantes de las citadas expresiones exploren el contexto y el público vinculados con las puestas en escena que se representarán en el encuentro. Se explicó que los participantes son aquellos que hen contribuido en las dos anteriores ediciones con reportajes, críticas, entrevistas y otros textos.

 

Dentro de las actividades paralelas tendrán lugar el Tercer Encuentro de Reflexión e Intercambio (ERI), el Sexto Encuentro de Programadores y Gestores y las Jornadas preparatorias para el Tercer Congreso Nacional de Teatro, a realizarse en 2018, en una sede aún por definir. Tito Vasconcelos y Marco Antonio Pétriz recibirán la Medalla Xavier Villaurrutia durante la función inaugural y Martina Tosticarelli el Premio Internacional de Ensayo Teatral por su trabajo RETÓRICAS DE LA VULNABILIDAD, “pensado en el cuerpo desde la ruptura en la escena contemporánea”.

 

Los generales de la  MNT -como dato curioso la primera versión se realizó en León, por lo que después de casi cuatro décadas retorna a la ciudad que la vio nacer- fueron dados a conocer en conferencia de prensa, llevada a cabo en el Palacio de Bellas Artes, de la Ciudad de México. Roberto Vázquez (Vinculación Artística de la Secretaria de Cultura del gobierno federal) comentó que se trata de un espacio que generará comunidad y resaltó es la manifestación más importante del teatro en el país; Alberto Lomnitz (Coordinación Nacional de Teatro del INBA), mencionó la relevancia itinerante de la MNT, una de sus principales características y agregó es un acercamiento del país a un lugar específico, en este caso León, con la representación nacional del teatro; a su vez dijo que las obras fueron seleccionadas por un grupo cuya dirección artística estuvo a cargo de Luz Emilia Aguilar Zinser, Mario Cantú, Sonia Couoh; Luis Mario Moncada y Sara Pinedo.

 

Antonio Crestani (Secretaría de Cultura, gobierno federal) dio a conocer que la dependencia aporto siete millones de pesos para la realización de la MNT; hizo hincapié en la invitación que se les extendió a 64 dramaturgos menores de 35 años de edad para asistir y tengan un contacto directo con los involucrados en el ámbito nacional, se alimenten de las experiencias de éstos y a la postre enriquezcan el arte teatral.

 

León, Guanajuato espera a los teatrófilos del 23 de noviembre al 2 de diciembre y ser parte de la gran fiesta que convoca a lo más representativo del quehacer escénico de la República Mexicana.