Autor: Eugenia Galeano

¡NO SOY GORDA!

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Foto cartel promocional

NO.SOY.GORDAAntaño nadie se preocupaba por cuidar la línea, cada quien se conformaba con ser como era. Cuando la comercialización surgió, todas las mujeres querían verse como modelo de pasarela, sin pensar que algunas de esas modelos se han sacrificado tanto que han llegado hasta perder la vida, víctimas de la bulimia o la anorexia, o del exceso de ejercicio. En realidad, la belleza no estriba en los kilos. Cualquier persona puede verse bien aunque tenga sobrepeso. En el arte, el pintor colombiano Fernando Botero se hizo famoso al reflejar gente de grandes dimensiones en sus cuadros. De cualquier modo, en gustos se rompen géneros y hay quienes prefiere a los gorditos que a los flaquitos.

Lo peor que puede hacer una persona es obsesionarse con su peso. Aquellos hombres que son machistas, desprecian a sus mujeres si es que engordan, les ponen sobrenombres y las humillan, cuando lo único que consiguen es que ellas, además de padecer de sobrepeso, caigan en la ansiedad, misma que hace que, en lugar de adelgazar, engorden más y más.

María Chayo, egresada de un taller de dramaturgia impartido por Estela Leñero, decidió escribir ¡No soy gorda!,a fin de dar voz a Airam, su protagonista, una hermosa mujer con algo de sobrepeso que está cansada de escuchar lo que opinan los demás. Si bien el texto tiene estructura, por momentos gira sobre su propio eje y resulta un poco reiterativo. Lo bueno es que el mensaje se transmite claramente: la actitud significa mucho para el individuo y los estereotipos carecen de importancia.

Para hacerse cargo de la dirección escénica fue convocado Morris Savariego, quien en su intento de aligerar la escenificación imprime tal celeridad que no da un solo momento de quietud a su actriz, sin tomar en cuenta que en ocasiones menos es más. El montaje es acertado, combina técnicas teatrales como tragicomedia, cabaret, stand-up comedyy reality show. El espacio es aprovechado a fondo. Con unas cuantas prendas se logra una extensa diversidad, una cabeza de maniquí basta para representar a uno que otro alternante de Airam.

Lo que hace que¡No soy gorda! sea algo verdaderamente especial es el histrionismo de la hermosa Paola Izquierdo, quien con su gracia nata y experiencia hace una creación teatral de su personaje Airam que resulta magistral, haciéndola intuitiva, vital, fortalecida, simpática y divina. Con cada expresión, cada movimiento, logra que el público esté al pendiente de qué sucederá y no queda otra que adorarla.

El resto del equipo creativo está conformado por Mario Marín en escenografía; Adriana Olivera en diseño de vestuario; Abimael Méndez en iluminación; Héctor Barbone y Alfonso Zarco en música y diseño sonoro; Edson Martínez en movimiento escénico; Pablo Corkidi en video y fotografía; Eduardo Barrera en diseño gráfico; Pamela Rendón/Innsite en difusión y promoción; Guillermo Mondlak en coproducción; Luis Montalvo en producción ejecutiva y asistencia de dirección; Adriana Rentería en asistencia de dirección y producción; Andrés Mota en asistencia de escenografía; Leobardo Hernández y Ana Lilia Villarreal en asistencia general; Yeana González López en registro y memoria de la temporada, y Antonio Pérez / Construcciones Escénicas en construcción de escenografía. Sin duda, un gran equipo de creadores comprometidos con el proyecto.

Quedan cordialmente invitados a ver ¡No soy gorda! Una actuación sobresaliente siempre es grata. Queda uno reconciliado con la vida. No hay que vivir dilucidando ecuaciones entre lo que pesas y la edad que tienes. Vivir siempre es maravilloso. Arma un grupo y vayan a entretenerse con esta obra y después tómense un café o una copa para intercambiar impresiones. Ten por seguro que se la pasarán muy bien y tendrán tela de donde cortar.

¡No soy gorda! se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 19:00 horasy domingos a las 18:00 horas en el Foro a poco no, ubicado en la calle República de Cuba, número 49, a espaldas del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Centro Histórico, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $165.00 pesos, con descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 27 de mayo de 2018.

HISTORIAS DE CIUDAD (Volumen Uno)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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La cartelera teatral de la Ciudad de México es muy amplia y variada.  Entre tantas opciones, queda a criterio del espectador qué es lo que desea ver.  Se puede elegir por historia, por título, por género teatral, por grupos, por elenco, por director, por productores, por recomendación, por duración, por ubicación y hasta por precio.  En la actualidad, las producciones que integran la cartelera van de lo más espectacular a lo minimalista.  Lo multidisciplinario ha tomado un importante lugar en la preferencia del público.  Lo musical siempre es bien recibido.  También depende del estado de ánimo del momento, tal vez se quiera uno ir a divertir, reflexionar, desentrañar un misterio, concientizarse, llorar, pasar el rato, ver en persona al actor o actriz favorito, o simplemente ver teatro.

 

Cada día surgen nuevas tendencias y se abren espacios.  Definitivamente, México es un país donde muchas personas apuestan por el teatro, a pesar de todas las dificultades que se tienen que sortear para producirlo, costearlo y presentarlo.

 

Hace ya casi una década en España, a raíz de una crisis económica, Miguel Alcantud creó el concepto microteatro, con el propósito de autogenerar trabajo para dramaturgos, directores, escenógrafos, músicos, actores, actrices, equipos técnicos, así como acercar más el teatro al público.  Fue tal el éxito que casi de inmediato el formato comenzó a replicarse en otros países.  En el nuestro, fueron Alejandra Guevara y Andrea Novelo quienes abrieron las puertas de MicroTeatro México y, desde entonces, gracias al empeño y esfuerzo de estas dos brillantes mujeres ha sido y continúa siendo la mejor opción en la capital mexicana para la presentación del concepto microteatro.

 

Por la respuesta del público al formato, muchos se han sumado a adoptarlo.  Además de varios grupos que se han dedicado a realizarlo, resulta ideal para presentar trabajos de varios dramaturgos al concluir un taller.  En este caso se encuentra el Taller de Dramaturgia impartido por Estela Leñero, quien, para la celebración de su décimo aniversario, hace un par de años, presentó “Claustrofobia“, al cual describió como “proyecto inédito de teatro en circuito“, conformado por cinco obras breves que se escenificaban en varios espacios de El Círculo Teatral.

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Una de las obras que formaban parte de “Claustrofobia” era “Permanencia no voluntaria” de la autoría de Vicente Ferrer, dramaturgo egresado del Taller de Dramaturgia de Estela Leñero.  Es posible que Vicente Ferrer se haya sentido atraído por el concepto, pues, ahora, ya por su cuenta, lo ha adoptado para presentar HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, con tres obras breves escritas por él:  SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA.  Vicente Ferrer indica que sus tres obras engloban las consecuencias que puede traer una mala decisión y va de lo más divertido a lo absurdo, para terminar en tragedia.

 

Los tres relatos contenidos en HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno van de menos a más.

 

El primero es SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR, un texto con poca estructura, que capta una entrevista de trabajo.  El carácter de los personajes no está definido –si alguien quiere imponerse, no se distraería maquillándose y si una persona tiene interés en ser contratado, no respondería llamadas durante la entrevista–.  La obra versa sobre Reynaldo, quien atraviesa serias dificultades económicas y le urge conseguir un empleo.  Lo malo para él es que Bárbara, la entrevistadora, le pone un montón de trabas que Reynaldo procura ir sorteando.  ¿Logrará obtener el ansiado puesto Reynaldo?

 

La magia teatral se produce cuando el espectador entra de lleno a una convención y con los ojos de la imaginación ve aquello que no existe.  Por ejemplo, algún personaje menciona que están dentro de un palacio y aunque éste no exista, el público cree que allí está.  En el montaje de HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, ocurre lo contrario.   Ante lo evidente, el público se sale de la ficción en forma inmediata .  En el primer relato, es imposible que alguien crea que la barba y el bigote son reales si lucen tan artificiales.

 

En cuanto a la dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer, no se nota un trazo escénico definido.  Los desplazamientos no se ven naturales,  los integrantes del elenco andan algo perdidos, sus cambios de humor son abruptos, gritan a todo lo que da a la menor provocación.  Pareciera que el único propósito es alcanzar un poco de jocosidad.

 

El segundo es CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA.  El texto está estructurado y capta la atención del público.  Todos sabemos que en la vida real no ocurre lo que en los cuentos que terminan con el consabido “fueron felices para siempre“, lo difícil viene con la convivencia cotidiana.  Sólo con amor pueden soportar los defectos del otro y adaptarse a la vida en común.  Toda pareja llega al altar con un cúmulo de ilusiones, pero éstas corren el riesgo de desvanecerse si el otro no cumple con las expectativas.

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Gonzalo y Carla acaban de contraer matrimonio y están deseosos de dar inicio a su luna de miel.  De entre todos los obsequios recibidos, uno de los que más complació a Carla fue la suite nupcial que sus padres le reservaron para la noche de bodas, pero Gonzalo le tiene preparada a Carla una sorpresa que a él le parece algo romántico.   Pronto saldrá a la luz que los dos tienen ideas muy distintas sobre dónde y cómo comenzar su vida en pareja.

 

En relación con el montaje, aplica el mismo comentario que hicimos con respecto a que el público se salga de la ficción.  Toda novia quiere lucir lo más bella posible el día de su boda.  Resulta fuera de lógica que la novia traiga pantalones y sweater abajo del vestido de novia y, para colmo, ambos en color negro, siendo que hay novias que se cambian hasta cuatro veces con tal de verse esplendorosas.

 

Para este relato, la labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable.  El trazo escénico es consistente.  La coreografía está bien diseñada y el ritmo es preciso.

 

El tercer relato es LA FURIA, una historia de suspenso que atrapa al espectador de principio a fin.   Adriana Duarte no ha logrado esclarecer un caso donde una menor está involucrada.  Como está dispuesta a encontrar al responsable para que sea castigado, solicita la ayuda del prestigiado psiquiatra Orestes Konstantellos.  La acción comienza cuando Adriana llega puntual a su cita con el doctor Konstantellos.  Durante su entrevista, se irán develando ciertos secretos del pasado de ambos.

 

Los respectivos elencos de SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA están conformados por:  Xilonen Yumei (Bárbara, entrevistadora)  y  Juan de Dios Mastachi (Reynaldo, aspirante al  puesto de trabajo),  Sussana Vidal (Carla, la novia)  y  Jhovanni Raga (Gonzalo, el novio),  Jessica Espinosa (Adriana Duarte)  y  Elián Cuenca (Orestes Konstantellos).   Xilonen y Juan de Dios caen en la exageración,  Sussana y Johovanni ofrecen buenas interpretaciones.  Elián se esfuerza, pero no alcanza la emotividad de su personaje, en tanto que Jessica dota a Adriana de variados matices, logrando que sea convincente.

 

La labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable, como en el caso anterior.  Está bien administrado el desplazamiento actoral.  Buen manejo del suspenso.  Ritmo exacto.

 

Los tres relatos cuentan con musicalización y sonido administrados por Vicente Ferrer.  La iluminación es suministrada por Arturo Vega.  El vestuario es de Vicente Ferrer y la Compañía.

 

El estético diseño y RP son provistos por @AgenciaLadoA / Alicia Garzón.  La fotografía es de Gabriela Alarcón.

 

Si quieres conocer un nuevo foro, aprovecha para

 

Anímate a conocer estas HISTORIAS DE CIUDAD – VOLUMEN UNO, obras breves sin pretensiones, entretenidas.  Puedes aprovechar si vas de compras al complejo que tiene en Polanco una de las tiendas más conocidas de México, ya que el Foro donde se presentan está por allí.  Para mayor referencia, queda enfrente de una tienda de artículos de oficina.  Además, tendrás oportunidad de conocer un nuevo Foro Cultural.

HISTORIAS DE CIUDAD

Volumen Uno

se presenta los sábados a las  19:00 horas en el

CAFÉ K-OZ

Foro Cultural

ubicado en la calle Séneca , casi esquina con Homero, colonia Polanco

Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $250.00 y para

personas con credencial vigente de maestros, estudiantes e INAPAM, de $200.00

La temporada concluye el sábado 2 de junio de 2018

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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 Los mexicanos tenemos la suerte de tener un país multicultural, de muchos colores y paisajes hermosísimos.  Nuestras playas son admiradas por nacionales y extranjeros, pero también hay desiertos, montañas, volcanes, bosques, la vegetación es abundante, en varios sitios crece en forma salvaje y no por ello es menos llamativa.  Existen numerosos pueblos mágicos y rincones insospechados.  Visitarlos todos es casi imposible.  Así mismo, nuestros ancestros nos legaron edificaciones espectaculares que han sido estudiadas por miles de arqueólogos de todo el mundo.  El arte también tiene un lugar relevante.  No sólo podemos presumir de la obra de grandes pintores, muralistas, escultores, arquitectos, sino que hasta en los poblados más apartados encontramos artesanías bellas y originales.  Al igual que no podríamos abarcar el territorio entero, tampoco sería posible leer todo lo que han escrito nuestros insignes autores o poetas, ni conocemos todos los hechos históricos de nuestra nación.  Los libros de historia destinados a las escuelas sólo consignan aquello que alguien consideró lo más importante y hay tal cantidad en las bibliotecas que no sabemos cómo elegirlos.

 

Martín López Brie encontró una parte de nuestra historia que es muy poco conocida.  Supo que durante un tiempo hubo una red de espionaje nazi.  Le sorprendió tanto saberlo que llevó a cabo una investigación exhaustiva de la cual sacó un estudio muy completo, fundamentado con documentos, confesiones oficiales y literatura.  Martín López Brie nació en Buenos Aires, Argentina, pero reside en México desde hace mucho tiempo, es egresado de la licenciatura en historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Su formación como dramaturgo la obtuvo a través de talleres impartidos por prestigiados autores mexicanos y extranjeros.  Se ha desempeñado como dramaturgo, vestuarista, iluminador y director de escena.  Entre los reconocimientos y premios a que se ha hecho acreedor, podemos mencionar:  Premio Nacional de Dramaturgia Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2005 por “Orfico Blues“, Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda 2007 por “El crimen del Hotel Palacio“,  y  Premio Bellas Artes Baja California de Dramaturgia 2016 por EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO y es precisamente esta última la que contiene su relato sobre el espionaje nazi.

 

Ante tanta información recabada, Martín López Brie decidió convertirla en dramaturgia, su primer reto a vencer fue hacer una síntesis, prueba que superó en forma extraordinaria mediante una estructura excepcional.  A fin de no hacerla sólo informativa, creó una historia de varios personajes, donde sólo son tres los protagonistas, para darle calor humano la revistió de triángulo amoroso y para hacerla amena la enmarcó en un formato de historieta o, como se le dice coloquialmente “comic“.    EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO capta el interés del espectador de principio a fin, las características de los personajes están delineadas en forma clara y firme, las referencias históricas se van develando de poco a poco.  La trama versa sobre la red de espionaje nazi vinculada con el tráfico de recursos naturales y la explotación de minas clandestinas, básicamente de mercurio –de ahí el título–.  Estaban involucrados en dicha explotación altos mandos de las fuerzas armadas y Secretarios de Estado del país, así como celebridades de Hollywood y magnates internacionales.  Este suceso se dio en los tiempos en que estaba en auge en México el sinarquismo, movimiento político, social y cultural nacionalista mexicano fundado en 1937 en León, Guanajuato por un grupo de jóvenes activistas nacionalistas y católicos inspirados en los movimientos de tercera posición en Europa, en particular, por el falangismo español.

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José Ortiz Muñoz, apodado “El sapo” es un matón a sueldo.  Fue contratado para eliminar a unos sinarquistas.  El sapo suele decir “mato por gusto y mato por encargo“, así que todo aquel que le estorbe, deberá cuidarse.  Dolores Toral es una joven enigmática, aparentemente recatada, muy inteligente y trabajadora que sabe cómo conseguir beneficios.  Patrick Brice, por su parte, es dibujante.  Su trabajo consiste en hacer retratos hablados, pero su anhelo es triunfar con una historieta.  De hecho, ya tiene una terminada, la intituló “El Culebra“, lo que le falta es dinero, así que necesita de un editor o de alguien que le brinde patrocinio.  El sapo llega un día a la jefatura de policía y pide que el señor Brice le haga un retrato hablado.  La imagen que surge en el papel es el rostro de Dolores.  ¿Para qué quiere ese retrato El sapo?

Más tarde, Brice conoce a Dolores y se siente atraído por ella, juntos planean desenmarañar misterios y toman un tren.  Lo que no saben, es que El sapo viaja en el mismo transporte.  Los tres habrán de correr aventuras y peligros en el trayecto.

 

Martín López Brie asume la dirección de su propio texto y ofrece un trabajo impecable.  Su trazo escénico sustenta el concepto integral, excelente balance entre acción y pausas, buen aprovechamiento del espacio, coreografía variada, sincronización exacta de imágenes multimedia, la cual sorprendentemente es manejada por el propio elenco, ritmo preciso.

 Otro acierto es el elenco.  Los tres integrantes ofrecen un trabajo espléndido en lo histriónico, lo corporal, lo expresivo y lo vocal.  Cada uno de ellos dota a su respectivo personaje de una amplia gama de emociones.  Sofía Beatriz López da vida a Dolores Toral o Lolita, mujer perspicaz que utiliza sus encantos para sus propios fines,  Ángel Luna es el soñador dibujante Patrick Brice, en tanto que el polifacético Alejandro Morales encarna a El Sapo, un terrible, pero carismático sanguinario.

 La escenografía e iluminación fueron diseñados por Fabiola Hidalgo, quien captó la esencia y desarrolló un entorno estético e idóneo para el relato.  El diseño de vestuario es de Indira Aragón, quien retrató fielmente el estilo usado en esa época tanto para los caballeros como para la dama.  La edición musical es por parte de Mike Brie con un atinado diseño sonoro que coadyuva con la acción.

 La producción ejecutiva es de Adriana Ruíz,  la asistente general es Silvia Abogado,  el diseño gráfico es de Diego Guadarrama,  el Community Manager es Eduardo Noguera  y la fotografía es de Marco Lara.

 La producción es de la Cía. Teatro de Quimeras, presentado por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

 El proyecto fue producido con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- para Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales.

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 Quienes tuvieron oportunidad de ver EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO conocieron un poco más de la historia de México y se enteraron de cómo funcionaba la red de espionaje nazi.  Teatro de calidad, en un formato original.  El Sapo, Lolita y Brice fueron acompañados por los espectadores en sus correrías, mientras disfrutaban de un interesante relato, montaje dinámico, excelente dirección y memorables actuaciones.

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO cubrió una exitosa segunda temporada en el Teatro Benito Juárez ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc, Ciudad de México.

 

LOS CAMINANTES

Texto y fotos por :  Eugenia Galeano Inclán

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Todos nos hemos congratulado de los avances en ciencia y tecnología que ha habido.  Sin embargo, no todos los inventos son buenos.  Por ejemplo, las drogas han provocado grandes daños.  Las armas químicas y nucleares ocasionan desastres de gran magnitud.  El plástico que sorprendió a todos por la practicidad que ofrecía, a la larga, se ha convertido en un grave problema.  En su momento, nadie se detuvo a pensar que el plástico tarda miles de años en degradarse.  La tendencia a tomar agua en abundancia  perjudicó aún más.  Ahora, hay millones de botellas de plástico por todas las superficies del planeta que no sólo no se degradan sino que han ocasionado la muerte de animales de tierra y agua.  Otro invento nocivo fueron los químicos que se rocían, provenientes de las industrias de productos de limpieza y de cosméticos, los cuales dañan la capa de ozono.  Por otro lado, el calentamiento global aumenta día con día.  Así mismo, cada vez hay más especies en extinción.  Enfrentamos una situación crítica y a pesar de que existe más información al respecto y todos tratamos de tener mayores precauciones, lo cierto es que los daños causados al ecosistema no hay modo de revertirlos.  Si a eso sumamos, la contaminación ambiental, las guerras en distintos sectores, las guerrillas internas en muchos países, la posibilidad de que se agote el agua, y muchos problemas más, la situación pudiera pasar de crítica a caótica, caso en el cual el fin del mundo no estaría tan lejano.

 

Ante tal preocupación, Verónica Musalem quiso escribir algo ubicándolo cerca del fin del mundo y fue así como surgió LOS CAMINANTES.  Verónica Musalem es una mujer culta, inteligente, talentosa, observadora, sensitiva, amante de la naturaleza y consciente de los daños a la ecología.  Obtuvo su título de Licenciada en Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM–.  Se ha desempeñado como dramaturga, directora, guionista y docente.  A pesar de ser netamente mexicana, se podría decir que es ciudadana del mundo porque ha viajado a muchos países por estudios, trabajo o placer, pero jamás se ha olvidado de sus raíces a las que honra y respeta.  Utiliza su fina pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.

 

LOS CAMINANTES está situado en la selva oaxaqueña.  En su texto, Verónica describe la belleza de la vegetación con su verde natural, salpicado de vivos colores.  Durante algunos meses ha estado desarrollando este proyecto a través de un laboratorio, donde cada uno de los participantes tiene la posibilidad de hacer sugerencias que una vez aprobadas, Verónica va integrando al relato.

 

La hecatombe se aproxima.  La gente se está desplazando hacia las selvas.  Para poder comer, tienen que ir de caza o de pesca.  Román y Ernesto, dos indígenas, están hambrientos y se disponen por la cacería.  De pronto, aparece  un venado.   Román es el que trae el arma, así que se supone que es quien debe cazarlo, pero al tenerlo en la mira, queda asombrado con la majestuosa belleza del ejemplar y no se atreve a quitarle la vida.  El venado escapa.  Ernesto se enoja con Román.  Sin darse cuenta, Román es picado por un alacrán.  El efecto del veneno lo sume en un delirio.  Habla de una “nueva conquista” y que tienen que hacerse de armas para combatir al enemigo.  Ernesto se limita a seguirle el juego, ya que no podría trasladarlo a un hospital ni brindarle otro tipo de ayuda.

 

Muy cerca de donde están Román y Ernesto, anda Anabela, hermosa, sensual y enigmática, quien antes era bailarina en un bar.  Anabela ha aprendido a defenderse, es aguerrida, empoderada, nada le causa temor y no se deja de nadie.  En su cuerpo tienen más de media centena de tatuajes alusivos al arácnido de mayor tamaño y, por ello, le apodan “La Tarántula“.    Sabe hechizar a los hombres, conoce infinidad de técnicas de seducción y las utiliza para su provecho.  Lo que ella no sabe es que Mauricio y Julián, dos matones a sueldo andan tras de ella.

 

Como el trabajo aún está en proceso, ni ustedes ni yo sabremos en qué termina la historia sino hasta que la presenten formalmente en temporada.  Planean concluirla en plena selva oaxaqueña y ya tienen programadas tres funciones en el CASA -Centro de las Artes de San Agustín Etla, ubicado en San Agustín Etla, Oaxaca para el mes de octubre del presente año, en tanto que en noviembre cubrirán una temporada en la Ciudad de México.

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Como dramaturga, Verónica Musalem ofrece un texto estructurado que capta el interés de principio a fin.  Sus personajes, como siempre, bien delineados, cada uno con características particulares, representativos de diversos estratos sociales, algunos de buen corazón, otros no tanto.  Abarcan tres funciones distintas, igual son narradores que actúan o dan a conocer lo que piensan.  Según Verónica, la naturaleza es un personaje más dentro de la obra, “que enloquece y cuestiona todas las creencias” de los protagonistas.

 

En cuanto a su labor de dirección, Verónica Musalem creó un trazo escénico preciso y dinámico, lleno de simbolismos y magia, donde se fusiona lo humano con la naturaleza ambiental.

 

La labor histriónica y corporal de todos los integrantes del elenco es estupenda.  Katia Tirado es Anabela, La Tarántula.  Luis Ernesto Verdín es Román, el joven sensible.  Javier Sánchez es Ernesto.  Edward Coward es Julián  y  Luis Villalobos es Mauricio, ambos, matones a sueldo.   Destaca la interpretación de Katia Tirado, actriz y performancera no sólo por ser la única fémina sino por la intensidad que imprime a La Tarántula.

 

Parte fundamental para el relato es e diseño sonoro.  Alejandro Andonaegui crea la composición y ejecuta la música en vivo en su teclado.  Alejandro es parte del laboratorio y ha estado improvisando la música en forma consistente a la acción de cada momento.

 

El resto del equipo creativo está conformado por:  Musa-Colibrí-Producción  y  Producción Escénica S.E. en producción general,  Erika Medina y Erick Saúl en producción ejecutiva,  y  Mariana Hernández Reskala en registro y bitácora.

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LOS CAMINANTES es una obra escrita por Verónica Musalem durante la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en el año de 2014.

 

Para quienes amamos el teatro, resulta muy atrayente ver el desarrollo de un proyecto.  No todos los dramaturgos nos permiten conocer el proceso, así que esta es una oportunidad muy especial para que ustedes se acerquen al inicio de LOS CAMINANTES.  Los personajes no tienen nada que perder, se está terminando el mundo, podrían sucumbir o esforzarse por lograr un nuevo comienzo a partir de cero.   Es un relato interesante, con fabulosa dirección, estupendas interpretaciones y un entorno musical privilegiado.  Corran a verla, sólo queda una función de la brevísima temporada de trabajo en proceso.

 

LOS CAMINANTES

se presenta el martes 24 de abril de 2018

a las 19:00 horas en el

FORO CASA DE LA PAZ

ubicado en la calle Cozumel número 35, colonia Roma Norte

Ciudad de México.

 

La entrada es libre, pero hay que hacer reservación previa,

ya que el cupo es limitado.

Reservaciones por correo electrónico o por teléfono a:

reservateatrouam@gmail.com

LAST MAN STANDING

 

Texto y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

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A la mayoría de los mexicanos les gustan los deportes.  Esto se comprueba con los tiempos que las televisoras dedican a la transmisión de todo tipo de deportes.  En general, son los hombres quienes más ven los programas deportivos, pero también hay mujeres que los disfrutan.  Desde luego, el deporte que más adeptos tiene es el futbol.  Hay quienes se conforman con ver partidos, en tanto que otros lo practican cada vez que pueden, aunque sea en plena calle.  Los que son muy aficionados son capaces de dejar de lado responsabilidades, compromisos familiares, personales o con amigos, con tal de ver algún partido que les parezca importante.  Desde la niñez van surgiendo sus preferencias deportivas y, en algunos casos, llegan a convertirse en pasión.  Después del futbol, el deporte que ocupa el siguiente sitio es el boxeo.

 

México se distingue por haber tenido grandes boxeadores -Julio César Chávez,  Salvador Sánchez,  Juan Manuel Márquez,  Ricardo “Finito” López,  Raúl “el Ratón” Macías,  Marco Antonio Barrera, Daniel Zaragoza,  Miguel Canto, Vicente Saldívar y Rubén “el Púas” Olivares, entre otros.  Algunos de ellos han llegado a ser verdaderos ídolos nacionales.

 

En los Juegos Olímpicos de la antigüedad, el pugilato fue introducido en el año 668 A.C.  En aquel tiempo, no se contaba con una reglamentación determinada.  Los rivales eran elegidos al azar, sin importar su peso y competían en un terreno de arcilla arenosa.  Los jueces del combate designaban al ganador.  En nuestra era, el boxeo entró a formar parte de los Juegos Olímpicos hace catorce años, en 1904.  Durante ocho años solo podían participar hombres.  Fue hace apenas seis años en que se permitió la participación de la mujer en el boxeo olímpico.

 

A la fecha, México ha ganado trece medallas en la disciplina de boxeo en Juegos Olímpicos, mientras que, en la de futbol, sólo una.

 

Los detractores del boxeo dicen que es inhumano ver a dos contendientes golpearse y que en este deporte se pone en peligro la integridad física y, peor aún, existe riesgo de muerte.  El boxeo puede agradar o no y cada quien decide si quiere verlo, sin embargo, a diario enfrentamos una contienda constante.  Cada quien libra sus propias batallas y corre riesgos.  Hay que estar en alerta para protegernos de accidentes, asaltos, contingencias, enfermedades, o ser blanco de deslealtades, envidias, traiciones.  Si queremos algo hay que luchar por ello.  La vida misma es un campo donde luchamos por concretar nuestros anhelos y por subsistencia.

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LAST MAN STANDING (EL ÚLTIMO HOMBRE EN PIE) es una idea concebida por Jorge Maldonado, egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, en el área de dirección y actuación.  Cuando concluyó el texto de LAST MAN STANDING, Jorge Maldonado decidió aliarse con David Psalmon, para encomendarle la dirección escénica del proyecto. David Psalmon, nacido en Francia, egresado de dos universidades de París, donde obtuvo su licenciatura en Letras Modernas y Sociología, para luego obtener una Maestría y un Posgrado en Teatro.  David reside en México desde el año 2000 y es fundador del Colectivo TeatroSinParedes y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- (2016-2019).  Es así, como toca a estos dos hombres de teatro convertir el escenario en un ring.

 

Según se lee en el programa de mano LAST MAN STANDING “es un proyecto de investigación escénica que busca indagar la relación existente entre el box, el teatro y la idiosincrasia mexicana, a través de un estudio realizado acerca de los orígenes del box, su llegada a México y su interrelación con los espectadores como fenómeno social”,  lo describen como un “simulacro boxístico para actores“,  y concluyen diciendo:  “A este proyecto no le interesa la espectacularidad del boxeo sino las historias de aquellos que no han tenido otra opción, para salir adelante, que lanzarse al ruedo y dar todo en el ring y por el ring.  ‘A fin de cuentas el vencedor es, siempre, el último hombre en pie’.”

 

El texto de Jorge Maldonado es de estructura sólida, capta el interés absoluto del espectador.  Se trata de una narrativa que expone las similitudes y diferencias entre el boxeo, el teatro y la vida.  Jorge entrelaza en forma eficaz las tres temáticas.  Por los fundamentados datos que incorpora, es evidente que llevó a cabo una investigación exhaustiva de todo lo referente al mundo pugilístico –reglas, rituales, fama, triquiñuelas, espectacularidad, lo turbio, la fama, lo duradero, lo efímero, así como el comportamiento de boxeadores, entrenadores, autoridades, público–.  A pesar de que se citan varias estadísticas, esto se dosifica en tal forma que no es un compendio aleccionador sino entretenimiento puro.

 

Por su parte, la labor de dirección que realiza David Psalmon es extraordinaria.  El montaje sitúa al espectador justo frente a un ring.  Su trazo escénico es creativo y consistente.  Aprovecha a fondo el espacio del foro en forma integral.  La coreografía está bien diseñada y eficazmente ejecutada.  Balancea en forma precisa acción y pausas.  Añade espectacularidad con algunos congelamientos en que los participantes permanecen estáticos mientras se formulan ciertas acotaciones.  Presta particular atención al manejo de voces, de modo que su elenco, además de tener buena dicción, explora tonos, inflexiones, matices e, incluso, impostaciones.  Asombroso el respeto que inculca hacia el cuadrilátero, donde las cuerdas no serán traspasadas en momento alguno durante la función.  Las imágenes que aparecen en el dispositivo multimedia son oportunas y sirven para ilustrar la narrativa.  Propicia la interacción con el público en forma espontánea.  Logra que la magia teatral esté presente en la puesta en escena.

 

La acción de LAST MAN STANDING da inicio con comentarios que interrelacionan el teatro con el box, para luego hacer referencia a una de las peleas más famosas en toda la historia del boxeo.  Ocurrió en septiembre de 1923 cuando se enfrentaron el estadounidense Jack Dempsey y el argentino Luis Firpo.  Para darnos una idea del drama que se vivió en esa contienda, la misma tuvo una duración de poco menos de cuatro minutos y en tan corto tiempo hubo once caídas o knock downs, como se les llama en el argot pugilístico.   De allí en adelante, el relato se va diversificando, a fin de compartir con el espectador una original apología entre el box, el teatro y la forma en que se vive en nuestro país.  Se develan datos precisos, algunos insólitos, como que el boxeo es un mundo reservado para los hombres, prueba de ello es que al decir el “último hombre en pie” se excluye a las mujeres, sin dejar de lado que en las peleas de campeonato la paga para una boxeadora apenas alcanza el tres por ciento de la paga que se fija para un boxeador.

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En el elenco participan Gilberto Barraza,  Rubén Olivarez,  Miguel Ángel Barrera,  Carmen Coronado  y  Christian Diez.  Su excelente desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión denota que conforman un equipo muy comprometido que se sometió a un riguroso entrenamiento, tanto para mejorar su condición física, como para ejecutar con eficacia y precisión las coreografías.  El resultado es que ofrecen lo mejor de sí mismos en beneficio del montaje.  En particular, destacan Rubén Olivarez por la forma tan natural en que realiza su interpretación y por la emotividad que imprime a su personaje,  Carmen Coronado por dar el toque femenino a un mundo tan masculino  y  Christian Diez por sus actitudes de divo del boxeo.

 

Sergio López Vigueras crea el diseño de escenografía e iluminación.  En ambos rubros, la labor de Sergio es acertada.  La escenografía provee el entorno idóneo, con superficies a varios niveles, unos casilleros de función dual donde también se proyectan imágenes y diversos implementos propios del deporte de los púgiles.  La iluminación bien distribuida e impartida.

 

Daniel Hidalgo Valdés crea el diseño sonoro, mismo que engalana el montaje.   La producción sonora es de Planet Audio,  Miriam Romero es la encargada del videoarte y el dispositivo multimedia, con imágenes que sirven para referenciar o realzar ciertos momentos durante la función.

 

María Ortiz es la diseñadora de vestuario, el cual abarca tanto la ropa deportiva y calzado usualmente utilizada por los boxeadores, como la fastuosidad de los trajes de árbitros, manejadores y cronistas.  Se contó con el apoyo de Guadalupe Velasco de Industrias Reyes, S.A. de C.V. (Cleto Reyes), fabricantes de ropa pugilística especializada.   así mismo, es atinada la peluquería.

 

Miguel Ángel Barrera y Carmen Coronado, aparte de estar en el elenco, se encargaron de diseñar la coreografía y el movimiento escénico, parte fundamental para el lucimiento de los participantes.

 

La producción es de la Secretaría de Cultura y del Colectivo TeatroSinParedes.

 

Idali Osnaya es productora ejecutiva  y  Eréndira Luna asistente de producción.

 

Existen personas a las que tal vez nunca les haya interesado ver una función de box, pero, si gustan del teatro y vieron LAST MAN STANDING, la disfrutaron muchísimo.  Es un trabajo redondo, en el que todos y cada uno de los detalles fueron cuidados con minuciosidad.  Un montaje fabuloso que entretiene, conmueve y lleva a la reflexión.  Les aseguré que no verían sangre, pero sí sudor, compromiso y esfuerzo.  Texto interesante, y un equipo que entrega cuerpo, alma y corazón al proyecto.

 

Ojala algún productor en Aguascalientes pueda llevarla a esa Ciudad, para que todos nuestros queridos lectores la disfruten tanto como lo hicimos en Ciudad de México.  Los aplausos fueron apoteóticos.  Se requiere que alguien se las lleve.  ¡Suerte!

LAST MAN STANDING

concluyó el domingo 22 de abril de 2018 su muy exitosa temporada en

TEATRO EL GRANERO XAVIER ROJAS

del Centro Cultural del Bosque

FURIA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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A diario nos enteramos de asaltos, secuestros, desaparecidos, violaciones, feminicidios, pederastia, trata de blancas, narcotráfico, asesinatos, corrupción, saqueos, robo de combustible, trifulcas, discriminación y mucho más. Quisiéramos escuchar noticias amables, pero sólo hablan de candidaturas o tragedias. Nos preocupan la inseguridad, las injusticias, los abusos y nos indigna la impunidad. La verdad, estamos hartos de tanta violencia. Vivimos con miedo. A veces, preferimos no salir para no correr riesgos, a pesar de que dentro de casa también podríamos enfrentar algún peligro. La situación nos ha rebasado y nos provoca constante estrés. Nuestras emociones están alteradas. La desesperanza nos acecha al no vislumbrar solución alguna. A nivel personal, tratamos de protegernos lo más posible, pero, en general, percibimos un caos ante el cual no sabemos si llorar, enmudecer, gritar o caer en FURIA.

 

La poeta, actriz, dramaturga y directora mexicana Xandra Orive eligió esta temática para su más reciente obra intitulada FURIA, en la que engloba muchas voces que expresan enojo, miedo, hartazgo, angustia, a través de un texto certero escrito con la pasión que acostumbra. Las palabras son tajantes impregnadas de dolor e ironía, con tintes de humor negro. Las voces de FURIA retratan la realidad que se vive en nuestro país hoy día. Se escucha la voz de los que se sienten en “toque de queda“, la de los jóvenes que buscan “muchos orgasmos, menos compromisos“, la de los que actúan con falta de conciencia y ésta deriva en embarazos no deseados o abortos, la de otros que, en su desesperación, llenan “el vacío con más vacío“, la de quienes se dejan llevar por los mensajes subliminales de los anuncios publicitarios y consumen cuanto producto les ofrecen, y hasta aquel que infortunadamente le toque “tragar las balas“, sólo por citar algunas.

 

Xandra Orive se autodefine como constructora de ficciones, alada, con poemas sobre la piel y múltiple brillo de estrellas en los ojos. La fundadora de Onírica Escena es una mujer sensible, consciente de la problemática que nos rodea, ella habla de frente y sin miramientos. Al igual que nos conmovió con su obra “Luna” donde el protagonista era un joven de corazón noble que gustaba de trasvestirse y sólo anhelaba la felicidad, ahora, en FURIA, Xandra nos confronta a un caótico panorama.

 

Trasladar un texto a escena no es tarea fácil. Hay que comprender a fondo la idea del autor, captar la esencia y traducirla a lenguaje teatral, visualizar el espacio idóneo y balancear acción y pausas. Todo esto, desde luego, aparte de los demás elementos necesarios, como, por ejemplo: recursos financieros, elenco, escenografía, iluminación, vestuario, equipo humano y técnico.

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En lo que respecta a FURIA, el texto presentaba mayor grado de dificultad que el común, en virtud de que no hay personajes ni estructura definida y menos aún acotaciones. Por un lado, Xandra Orive deja en total libertad al director que lleve a escena el texto, pero, por otro lado, también habrá de ser quien busque resoluciones. Es muy probable que FURIA sea guiada por una fulgurante estrella porque cayó en manos de Isaac Pérez Calzada y la hizo llegar a buen puerto.

 

Isaac Pérez Calzada es un hombre muy comprometido con la escena mexicana, se ha desempeñado como actor, músico, director escénico y dramaturgo. En fechas recientes se anotó un gran éxito con “Dicen que me parezco a Santa Anna … ¡Y ni guitarra tengo!“, de la cual fue coautor junto con la destacada actriz Paola Izquierdo. Un montaje muy divertido de corte cabaretero, pero cuyo texto fue el fruto de una exhaustiva investigación histórica y musical.

 

En forma atinada, Isaac Pérez Calzada optó por hacer de FURIA un montaje unipersonal, concentrando todas las voces, pero diferenciándolas mediante prendas y accesorios. Lo engalanó con un imaginativo diseño coreográfico muy variado y un diseño sonoro consistente. Así mismo, puso especial atención en los tonos de voz e inflexiones que debía usar su actriz. El resultado es una puesta en escena dinámica y entretenida que en cierta forma contrasta con la fuerte temática, construyendo el marco idóneo para FURIA. La labor de dirección por parte de Isaac Pérez Calzada es extraordinaria.

 

Así mismo, Isaac Pérez Calzada diseña el espacio escénico acertadamente. El entorno preciso en un espacio casi vacío, donde sólo se ve una silla y un maletín que contiene todos los elementos necesarios. Estético, práctico y versátil.

 

La joven Fernanda Díaz-Infante es la actriz que pronuncia todas las voces. Su falta de experiencia la suple con responsabilidad y arduo esmero por hacer un buen papel.De la mano de su director, ofrece al público un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.

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Complementan el equipo creativo: Lucía Elena Aguilera en asistencia general y Juan Carlos Contreras en diseño gráfico.

 

Siempre es grato ver buen teatro. FURIA es un montaje brillante para el cual Isaac Pérez Calzada despliega sus conocimientos y experiencia en su creatividad y Fernanda Díaz-Infante aporta su frescura juvenil y capacidad para mostrarse polifacética. Isaac logró un artístico equilibrio entre lo trágico y lo teatral. Es teatro independiente que se hace por amor al arte, por lo cual te recomiendo que tu donativo sea de lo más que puedas dar, a fin de que te sientas tan satisfecho de lo que donas como de lo que te presentan. ¡No dejes de ver FURIA!  Te comento que su temporada original estaba prevista para el mes de marzo, sin embargo, por el éxito que ha tenido, la extendieron a todo el mes de abril.

 

 

FURIA

se presenta los viernes a las 20:00 horas  en el FORO CONTIGO AMÉRICA ubicado en la Arizona 156, colonia Nápoles, Ciudad de México. Donativo voluntario consciente. Duración aproximada:  60 minutos. La temporada concluye el viernes 27 de abril de 2018. Abril 2018

 

 

JOSEFINA, LA GALLINA PUSO UN HUEVO EN LA COCINA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1190121Vaca 35 Teatro en Grupo, es una “Agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral”. En su fundación sus integrantes recién habían concluido sus estudios y, desde entonces, Vaca 35, comandada por Damián Cervantes ha perseguido sus objetivos. A la fecha están cumpliendo su décimo primer aniversario; su repertorio es reducido, pero en su haber cuentan con numerosas distinciones y reconocimientos. Sus proyectos han traspasado fronteras y, particularmente, en España han logrado grandes éxitos que los han mantenido allá por largas temporadas e, incluso, una alianza para la coproducción del proyecto: Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido, Gastronomía Escénica, donde además de rendir un entrañable homenaje a seres amados que han dejado huella, ya sea vivos o ausentes, compartían un regio banquete con los espectadores, degustado alimentos preparados en escena. Esta propuesta fue estrenada en Fira Tàrrega, para luego presentarse en diversos escenarios de aquel país, y luego traerla a México al FITU Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-2016.

Vaca 35 se fue dando a conocer poco a poco, pero con paso firme. En sus comienzos presentaron el Loco amor, viene, del destacado autor Jorge Ibargüengoitia, a cuyo montaje le imprimieron un estilo de teatro de calle, escenificándolo en espacios alternativos. A partir de entonces, la mayoría de sus producciones provienen de creación colectiva por parte de los integrantes del grupo, con algunas excepciones, como: Los equilibristas, de la autoría de David Gaitán. En su búsqueda de identidad como grupo, han explorado diversas formas de hacer teatro. Es probable que sus dos obras más representativas sean: Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar, donde entremezclaron ficción con vivencias de los integrantes de la agrupación, y Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar, inspirada en Las buenas, de Jean Genet, en la que lo primero que impactaba al público era el fuerte contraste en la fisonomía de las dos actrices.

Con el apoyo del programa México en Escena, en conjunto con Teatro El Milagro y Área 51 Foro Teatral, Vaca 35 Teatro en Grupo está brindando apoyo a artistas escénicos y grupos teatrales nacionales, que estén principiando, para lo cual se diseñó: La Vaquita, y ya van en su tercera convocatoria. En la primera, resultó ganador el Colectivo Berenjena con la obra Asatia, en tanto que en la segunda, el Colectivo Cromagnon, con Musth ¿Testosterona?=Violencia?

P1190141La propuesta más reciente de Vaca 35 Teatro en Grupo es trabajar en proyectos unipersonales propuestos por sus integrantes. Cada quien contará alguna historia o vivencia, crearán colectivamente el montaje y se dirigirán unos a otros. El primero de estos proyectos es Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, interpretado por José Rafael Flores, bajo la dirección de Diana Magallón.

Actualmente Vaca 35 tiene una residencia en Un Teatro, donde presentarán algunas de sus obras, así como la obra del Colectivo Cromagnon.

Josefina, la gallina puso un huevo en la cocinaes un tratado sobre la soledad. De entrada, el actor argumenta que, aun cuando parezca difícil de creer, es una gallina. Explica que su nombre de pila es José, pero, como es gallina, entonces, habrá de cambiarlo a Josefina. Cuál si los espectadores fueran sus invitados, habla con ellos en forma directa. Una vez que se siente en confianza, les comparte anécdotas de su vida, de cómo se dio cuenta de que era un ave de corral, aunque “quisiera haber sido golondrina” para surcar los cielos. Luego pasa a describir la importancia que tiene para él cada huevo que ha puesto. De hecho, los colecciona, igual que las personas acumulan recuerdos, experiencias, sensaciones. En forma graciosa capta la atención del público, haciéndolo entrar en la convención de que es una gallina y resulta divertidísimo verlo emular los movimientos de ave de corral.

El texto es de buena estructura, se trata de un recuento de lo vivido y, a través de recuerdos va de la niñez al presente. Al igual que en toda la gente, la memoria guarda todo tipo de eventos, algunos agradables, otros regulares y varios que sería preferible olvidar. Paulatinamente van develándose remembranzas de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, incluso, pensamientos íntimos que no es fácil sacar a la luz.

Para ser la incursión de Diana Magallón en la dirección escénica, su trabajo es bastante bueno. El trazo escénico es variado, denotando su compromiso con el proyecto y su esfuerzo por darle lucimiento. Su apuesta principal es por la corporalidad, la cual está bien planteada y ejecutada. Incluye desplazamientos originales y elementos consistentes con la narrativa. Divide los momentos gratos de los incómodos: los primeros son enunciados, en tanto que los segundos se leen mediante subtítulos proyectados en una pantalla con dispositivo multimedia. Lo desafortunado es que a pesar de que el texto desplegado es crucial para el relato, la iluminación con lámparas led difumina las letras, dificultando su lectura. Cabe hacer notar que, independientemente de los subtítulos, las imágenes proyectadas en pantalla son emotivas. El ritmo es un poco irregular, hay ciertas pausas algo prolongadas. Un gran acierto es la inclusión de música en vivo, la cual siempre privilegia las puestas en escena, así como las breves interacciones entre actor y músico.

El trabajo actoral implica dar vida a personajes ficticios. Para la creación de un personaje, el actor o actriz tiene que comprender las características definidas por el autor, hacer investigaciones, determinar características, intuir su comportamiento, escudriñar lo que piensa o siente y prestar piel, voz, cuerpo y corazón para expresar ese sentir. En el caso de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, el trabajo es a la inversa, lo cual implica mayor número de riesgos. En este proyecto, salvo por la caracterización de gallina, José Rafael Flores ha de transmitir sus propios pensamientos, sentimientos y emociones. José Rafael sale airoso de los retos y ofrece al público un trabajo entrañable, con honestidad y valentía. Loable su histrionismo, corporalidad y en lo vocal.P1190125

La participación de Alberto Rosas ejecutando virtuosamente su acordeón provee un brillo muy especial a la escenificación. El músico y docente Alberto Rosas, además de sus estudios y el dominio de varios instrumentos, cuenta con una amplia trayectoria en la música, el diseño sonoro en artes escénicas y la composición musical.

Natalia Sedano diseña el espacio y la iluminación. Crea el entorno idóneo con elementos consistentes al relato y da una bella estética visual al espacio. Su iluminación está bien distribuida. Complementan el equipo creativo: Mari Carmen Ruíz, en asistencia de dirección, y Damián Cervantes, en asesoría de montaje y dirección. La producción es de Vaca 35 Teatro en Grupo, A.C.

Aprovecha esta oportunidad única de conocer los secretos de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina. El relato mantendrá tu interés y te divertirás mientras ves los graciosos movimientos de una gallina, quien te mostrará su colección de huevos que ha puesto, te alegrará con su canto candenche, más aún, si se toma una copita de tequila, hasta se acicalará frente a ti. Original montaje de Vaca 35 con una interpretación que recordarás por mucho tiempo. Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, es una de las producciones de Vaca 35 dentro del marco de su residencia en Un Teatro, Ciclo de vacas, gallinas y elefantes.

Josefina, la gallina puso un huevo en la cocinase presenta los miércoles a las 20:30 horas en Un Teatro, ubicado en Nuevo León número 46, colonia Hipódromo Condesa, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $200.00 pesos. Para personas con credencial vigente: $150.00.Concluye temporada el miércoles 25 de abril de 2018.

DO NOT DISTURB. LA JUSTICIA ES CIEGA (EL CONCEPTO DE JUSTICIA ESTÁ EN RECONSTRUCCIÓN)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1190266Resulta paradójico que aun cuando en la época actual continúa habiendo discrepancias sobre la equidad entre hombre y mujer, los antiguos griegos hayan dado el protagonismo a la mujer en varias de sus tragedias. Nos presentaron a mujeres de gran fuerza que lucharon por sus ideales o por su propia causa, como Agripina, Antígona, Clitemnestra, Electra, Fedra, Helena, Lilit, Medea, Pandora, Penélope. Con el tiempo, todas ellas han sido fuente inspiradora para escritores y dramaturgos.

De Medea y Antígona se han hecho incontables montajes. Han sido tantos que, en ocasiones, al espectador le da algo de flojera ver uno más. Piensan, si ya conozco la historia, ¿qué gano con verla de nuevo? Los que eso piensan, no están tomando en cuenta que cada creador da tintes distintos a su obra y, dependiendo del enfoque que le den, puede surgir algo no sólo diferente, sino excepcional.

Tal es el caso de Do not disturb, es un proyecto dual que aborda las tragedias de Medea y Antígona. Comencemos por el título, que es idóneo, Do not disturb significa No molestar. Tanto Medea como Antígona molestaron a sus semejantes, al infringir preceptos familiares, sociales, religiosos, morales y/o civiles.

Medea, de la autoría de Eurípides (480 a.C.-406 a.C.), se estrenó en el año 431 a.C. Medea simboliza lo que una mujer puede hacer cuando los celos se apoderan de ella.  Ante el repudio de su esposo Jasón, Medea enloquece y fragua su venganza llegando a extremos insospechados. Aparenta estar de acuerdo con la boda de Jasón, quien contraería nupcias con la hija de Creonte, rey de Corinto, para provocar la muerte de la novia, la del padre de ésta y la de los hijos que había procreado con Jasón, es decir, sus propios hijos.

P1190272Antígona fue escrita por Sófocles (496 a.C-406 a.C.), la cual se representó por primera vez en 442 a.C. Hija de Edipo y Yocasta, Antígona acompañó a su padre ciego cuando se dirigía a Colono. Creonte, rey de Tebas, ordenó que los cadáveres de sus hermanos quedaran insepultos. La joven incumplió la orden del rey y se enfrentó a todo aquel que se opusiera a permitirle dar debida sepultura a sus seres queridos, pues así se lo dictaba su conciencia. Su desacato hizo que la condenaran a ser enterrada viva. Ella prefirió quitarse la vida.

La idea original de Do not disturb, La justicia es ciega (el concepto de justicia está en reconstrucción) fue concebida por Jéssica Sandoval Miranda, destacada coreógrafa y bailarina mexicana, a partir de Medea y Antígona. En tanto que Medea tomó la justicia en sus manos, Antígona primero desobedeció a la justicia y luego huyó de ella. Do not disturb es creación de Jéssica Sandoval Miranda, quien también asume la dirección. El montaje no queda constreñido a un foro teatral, sino que, para su representación, todo el inmueble fue intervenido.

En lugar de un programa de mano, al espectador se le entrega una hoja. En el anverso aparece una sinopsis que indica que “Do not disturb es una experiencia inmersiva basada en las historias de Medea y Antígona”, así como una sinopsis y el croquis de las plantas baja y alta del recinto, en tanto que en el reverso se indican los créditos del equipo creativo. La propuesta es más coreográfica que oral, en virtud de que casi no hay parlamentos y, en cambio, la acción es constante.

La acción comienza en el Bar Grecia, con la presencia de todos los participantes de Do not disturb, quienes interactúan con el público, formulando preguntas, a fin de entablar conversación. Creonte, rey de Tebas, es el animador, en tanto que Medea y Antígona también suben al escenario y cantan. Este es uno de los dos sitios donde el público podrá sentarse, toda vez que de ahí en adelante habrá de deambular siguiendo a la protagonista de su elección. Se le otorga la opción de decidir si sigue a Medea o a Antígona.

P1190277Las dos historias tienen un elenco principal, aun cuando algunos participan en ambas, en forma alterna. En la de Medea, los ejecutantes son: Gabriela Rosero (Medea), Miguel Ángel López (Creonte, rey de Corinto) y Raúl Mendoza (Jasón), mientras que en la de Antígona, Penny Pacheco (Antígona), Andrea Rivas (Ismene, hermana de Antígona) y Rafael Balderas (Creonte, rey de Tebas).

Les comento sobre Medea, toda vez que fue el personaje que elegí seguir, pero estoy segura de que el relato de Antígona ha de ser igual de interesante.

En el caso de Medea, luego del bar, se pasa al comedor de un palacio con una mesa de gran longitud, para luego ir a una playa de Corinto, donde hay un altercado dancístico entre Medea y Jasón, para luego tratar de reconciliarse en una discreta mesa situada en una esquina. Para estos momentos, el espectador está inmerso en la aventura y aún quedan sitios por recorrer, como un salón lleno de espejos, un tribunal, un ático o desván y algo más.

Ambas producciones cuentan con coreografías verdaderamente impresionantes, creadas por Jéssica Sandoval Miranda, algunas vigorosas, otras suaves, todas estéticas y ejecutadas con singular eficacia. La parte final es en el foro del teatro, en el cual se vuelven a reunir todos los participantes.

Cada uno de los integrantes del elenco realiza un formidable desempeño corporal, dancístico y de actitud. Todos denotan su compromiso con el proyecto y ejecutan las coreografías en forma brillante. Destacan: Gabriela Rosero (Medea), de exótica belleza, mirada fuerte, armoniosa figura y larga melena, bailarina y coreógrafa, originaria de Ecuador y residente en México. Miguel Ángel López (Creonte, rey de Corinto), por su impactante presencia escénica y su siempre luminoso desempeño histriónico y corporal. Penny Pacheco (Antígona), bella, misteriosa, de esbelta figura, cantante y actriz oriunda de Tamaulipas, quien también se ha dedicado al Punk Rock y, según sus propias palabras, considera que “su trabajo está en el límite entre la técnica y la intuición, así como entre la música y el teatro físico”.

El resto del equipo creativo está conformado por Mauricio Ascencio M., en diseño e intervención de espacios;Luis Felipe Tapia, en composición musical; Ro Banda en adaptación; Sebastián Sánchez Amunátegui en colaboración artística y Raúl Mendoza en coordinación técnica.

P1190311 (3)Un montaje realmente digno de verse. Una idea extraordinaria, un proyecto diseñado con talento y llevado a buen puerto. Un edificio intervenido en forma integral. La actual es su tercera temporada, así que no pierdas la oportunidad de experimentar una forma sinigual de presenciar teatro, en medio de lienzos de plástico, tablones, muebles, piedras y mucho más. Te sugiero mantener tus ojos bien abiertos para poder apreciar todo, pues hasta en paredes y techos encontrarás palabras, mensajes y mucho más. Disfruta al máximo tu recorrido por la antigua Grecia. Apúrate porque esta temporada es muy breve y sólo les restan cuatro funciones. Recuerda que si quieres ver las dos historias, tendrás que ir en dos días distintos.

Do not disturb se presenta sábados a las 19:00 horas ydomingos a las 18:00 horas en Un Teatro, ubicado en la calle de Nuevo León número 46, colonia Condesa, enfrente del Parque España, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 15 de abril de 2018.

PEQUEÑAS INFIDELIDADES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Es probable que el tema sobre el que más se ha escrito sea el amor y esto se debe a que es parte fundamental en la vida del ser humano. A lo largo de nuestra vida vamos experimentando distintos tipos de amor, comenzando con el de la madre, que es el más puro e incondicional, y otros muchos como el del padre, hermanos, determinados familiares, ciertos amigos y maestros. Sin embargo, aun estando rodeados de cariño, el amor al que más particular atención le brindamos es al romántico que nos ilusiona y ante cuya fascinación todos hemos sucumbido.

Puede ser que de niños jueguen a ser novios, pero es en la adolescencia cuando comienzan los flirteos y se sienten “mariposas en el estómago”. Tal vez nos anima la primera referencia que escuchamos respecto del amor de pareja: en los cuentos infantiles el príncipe o la princesa se enamoraban y el relato concluía con aquella frase de “… y vivieron felices para siempre”. Nada más alejado de la realidad porque el amor tiene que ser cuidado y cultivado para no extinguirse. Justo al momento de vivir juntos sobrevienen dificultades.

En la etapa de la conquista, nos desvivimos por agradar a quien nos interesa. Procuramos ocultar defectos y nos mostramos dispuestos a todo. Una vez que nos dan el “sí” nos permitimos ser como somos. Durante el noviazgo la pareja tiene oportunidad de conocerse, pero en forma relativa. No es sino hasta que viven juntos cuando se conocen a fondo. Es ahí cuando salen a relucir costumbres, defectos, manías, fobias y mucho más. Es trabajo de dos esforzarse cada día por lograr un equilibrio. Para adaptarse uno al otro, habrá que hacer ciertas concesiones, siempre y cuando éstas no impliquen sumisión ni sacrificio. Si existe amor suficiente, todo será más fácil.

Lo que sucede dentro de un hogar, sólo es sabido por quienes lo habitan. Hay cosas intolerables. La violencia intrafamiliar es una de estas. Los maltratos, humillaciones, coartar la libertad, falta de compromiso o de lealtad son otras. Un tema muy sensible es la infidelidad, toda vez que hiere profundamente a quien la padece. Sólo unos cuantos están dispuestos a perdonarla.

En Pequeñas infidelidades, Mario Diament capta lo que ocurrió dentro del hogar de Emma y Alejandro durante su matrimonio y lo comparte con el público.

Mario Diament se ha desempeñado como dramaturgo, periodista, narrador, ensayista, guionista y docente. Diament nació en Buenos Aires, Argentina, pero ha vivido en Israel y en las ciudades estadounidenses de Nueva York y Miami. A lo largo de su trayectoria ha recibido diversos galardones y reconocimientos, entre estos, el Premio Konex, Diploma al Mérito a las Letras, el cual le fue otorgado en 2014 por la Fundación Konex, institución dedicada a premiar la excelencia argentina y sudamericana, al considerar a Diament uno de los cinco mejores escritores de teatro del período 2004-2008.

En Ciudad de México conocimos a Mario Diament gracias al montaje Cita a ciegas, de su autoría, bajo la dirección de Barclay Goldsmith, el cual se llevó a cabo en El Círculo Teatral, que tan diestramente manejaron Alberto Estrella y Víctor Carpinteiro y en el cual vimos obras entrañables, como ésta. Con un elenco de primera línea: Fernando Becerril, Silvia Mariscal, Ángeles Marín, Luis Cárdenas y Marcia Coutiño, Cita a ciegas tuvo un éxito tan rotundo que cubrió varias temporadas a lo largo de años. Cita a ciegas, Diament se inspiró en Jorge Luis Borges. El personaje principal era un escritor ciego que solía pasar las tardes en la banca de un parque. Los demás personajes iban por casualidad al parque y conversaban con el escritor. Les inspiraba confianza y terminaban contándole cosas íntimas que no querían comentar en sus respectivos entornos. Las historias iban entrelazándose poco a poco y tocaba al espectador ir armando el rompecabezas. En esos relatos había mucho del consabido “si hubiera”, de casualidades y de oportunidades, fueran aprovechadas o no. Cita a ciegas es una verdadera joya teatral y quienes la vimos jamás la olvidaremos.

Mario Diament es un sagaz escritor que utiliza su intelecto y sensibilidad para profundizar en el sentir humano. Define con precisión a sus personajes y expone su psicología. La pericia con la que estructura sus relatos es incomparable. Los parlamentos son claros y contundentes, salpicados de dosis de emotividad, ironía y sentido del humor. Otra de sus características es que gusta de sorprender al espectador.

La acción de Pequeñas infidelidades da inicio al aparecer Emma, una mujer muy bella, de esbelta figura y radiante mirada. Está ahí para mostrar un departamento. Ella no se dedica a asuntos inmobiliarios, pero una amiga suya le pidió que la sustituyera para atender a un cliente potencial. Tremenda sorpresa se lleva Emma al ver llegar a Alejandro, el hombre del que se divorció hace veinte años y a quien no había vuelto a ver desde entonces. Ambos son adultos y se sienten capacitados para manejar la situación. Emma actúa profesionalmente y le muestra el espacio conforme a las indicaciones de su amiga. El ambiente está impregnado de emotividad y de preguntas. Comienzan a conversar y aprovechan para ir indagando sutilmente, cual si necesitaran saber cuáles fueron los aciertos o errores en los que cada uno incurrió y que finalmente los llevaron a terminar un matrimonio de siete años. La plática va dando giros insospechados y se torna más íntima y candente.

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La finísima pluma de Mario Diament atrapa al espectador de principio a fin, podría decirse que el suspenso va en constante aumento. Los temas de conversación van de lo cotidiano a lo trascendental. El espectador conocerá los detalles de la vida en común de esta pareja desde la perspectiva de cada uno de ellos. Aunque es evidente que Emma y Alejandro tienen enfoques diametralmente distintos respecto de ciertas cosas, se amaron, convivieron y mantuvieron una relación por años.

Un texto tan incisivo y brillante tiene que ser traducido a lenguaje teatral por un director con talento e intuición que lo comprenda a fondo para entregarlo al espectador en plenitud. Víctor Carpinteiro utiliza sus conocimientos y experiencia para lograr un montaje esplendoroso. Su trabajo es impecable. Su trazo escénico es fluido, buen diseño de desplazamiento, aprovecha bien el espacio y el ritmo es exacto.

La primera actriz, Ángeles Marín, da vida a Emma, dotándola de una amplia gama de matices. Su labor histriónica es magistral. En ocasiones le bastan una mirada o un gesto para que el público sepa lo que está pensando Emma. Ricardo Bianchi encarna a Alejandro, captando su recia personalidad, su natural egoísmo, pero también su encanto. La corporalidad de ambos es formidable, al igual que sus expresiones faciales y tonos vocales.

Mónica Kubli es la diseñadora de escenografía e iluminación. La labor de Mónica en ambos rubros es acertada. Provee el entorno adecuado e imparte la iluminación en forma propicia. Cristina Sauza es la diseñadora de vestuario. A Ángeles la hace lucir sofisticada con un vestido de original diseño y fina confección de gran caída. En tanto que el atuendo de Ricardo es entre casual y ejecutivo, de corte elegante. Complementan el equipo: Jazmín Maceda como asistente general, Gerardo Vázquez como asistente de producción, Leticia Olvera en fotografía, y Alicia Garzón / @Agencia Lado A como RP y diseño. La producción de Pequeñas infidelidades es de Ángeles Marín y Luis cárdenas White (Al Producciones).

La propuesta de Pequeñas infidelidades fue concebida en El Círculo Teatral, donde fueron sus primeros ensayos. Lamentablemente, como todos sabemos, el inmueble de El Círculo Teatral resultó fuertemente dañado por el sismo del 19 de septiembre de 2017. Nos emociona que este gran proyecto llegue a buen puerto a pesar de las adversidades. Muchas personas se han dado a la tarea de reconstruir El Círculo Teatral. No podríamos mencionar a todos, pero lo cierto es que los que más se han esforzado en esta tarea son Víctor Carpinteiro y Ángeles Marín. Nuestro respeto y admiración sincera para ambos. Muestra de esto es que Víctor ha convertido su propio hogar en sala de ensayos, además de que en su faceta de director, ha estado trabajando incansablemente junto con Ángeles Marín en tres obras distintas al mismo tiempo: Delirio 3:45 am, de Verónica Musalem; La danza circular de María, de Medardo Treviño y Pequeñas infidelidades. Para extender más sus representaciones, hasta idearon llevar el teatro a casas particulares. Es muy grato saber que aunque el inmueble no puede utilizarse, el corazón de El Círculo Teatral continúa latiendo.

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Todos sentimos curiosidad por saber lo que hacen las demás personas, así que no te pierdas esta oportunidad única de escuchar toda la conversación entre Emma y Alejandro. Ellos no se darán cuenta de tu presencia, así que hablarán con total confianza, se dirán muchas verdades y saldrán a relucir cosas de las que ni sus más allegados se enteraron. Lo que digan te mantendrá al borde del asiento y te sacará suspiros. Pequeñas infidelidades es imperdible. Una gema más de la pluma de Mario Diament, engarzada por Víctor Carpinteiro y pulida por Ángeles Marín y Ricardo Bianchi.

Pequeñas infidelidades se presenta jueves y viernes a las 21:00 horas en La Teatrería, ubicada en Tabasco número 152, colonia Roma, Ciudad de México. La temporada concluye el viernes 4 de mayo de 2018.

PECADOR

Partes I y II  de  III

 

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

 

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Todo ser humano tiene anhelos y para lograrlos se fija metas.  Si el objetivo es adquirir un inmueble o comprar el auto de sus sueños, tendrá que ahorrar o pedir préstamos para poder hacerlo.  Si se trata de comprar algo más sencillo, como un traje, un vestido, un par de zapatos o una joya, bastará con esforzarse en reunir el dinero suficiente.  Mientras esté dentro de nuestras posibilidades, más tarde o más temprano, habremos de lograr el objetivo.  En cuanto a educación, seguiremos nuestra vocación y cursaremos la carrera que nos permita trabajar en lo que deseamos.  Sabemos que mientras más estudios tengamos, mejor nos desempeñaremos como profesionales.  La práctica nos ofrece grandes enseñanzas, al igual que los libros y los colegios.  Lo difícil es alcanzar un objetivo cuando éste depende de terceros y no enteramente de nosotros.  Por ejemplo, cuando aspiramos a un trabajo determinado, lo más común es que seamos entrevistados por un desconocido y durante el tiempo que éste nos brinde no siempre es posible convencerlo de que somos el candidato ideal para el puesto.

 

Este incómodo momento es el que José Alberto Gallardo plasma en su más reciente obra PECADOR – Partes I y II de III.

 

José Alberto Gallardo es egresado de la Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, con especialidad en Dirección Escénica.  Luego que recibió su título, José Alberto complementó su formación con diversos cursos y talleres en dirección escénica, dramaturgia, movimiento y entrenamiento actoral con destacados maestros como  Daniel Veronese,  Víctor Viviescas,  Frank Micheletti,  Piotr Borowski (en Varsovia, Polonia),  Eugenio Barba,  Bruno Bert,  Aladino R. Blanca,  Diego Piñón  y  Natalia Traven,  entre otros.

 

A lo largo de su vida profesional, José Alberto Gallardo se ha desempeñado como actor, director, dramaturgo y docente.  Siente predilección por propuestas interdisciplinarias. En todas sus facetas una de sus características es su compromiso con cada proyecto.  Como actor se ha dedicado básicamente al teatro, pero también ha trabajado en algunos proyectos cinematográficos.

 

Por citar sólo algunas de sus interpretaciones, recordamos:  “Medea“, versión y dirección de Germán Castillo,  “Cuacoyótl“,  “Cartografía Especializada”  y  “Macbeth: Ciudad Insomnio” estas tres bajo la dirección y coreografía de Jaime Camarena,  “Woyzeck“, bajo la dirección de Agustín Meza, “Por favor no mande riñones por correspondencia“, bajo la dirección de Richard Viqueira -donde José Alberto desplegó sus habilidades corporales,  “Se rompen las olas” de Mariana Villegas, bajo la dirección de Gabino Rodríguez,  “Sumergibles” de Daniela Zavala.

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En 2016 incursionó en la danza bailando en “Resonancias” con integrantes del Centro de Producción de Danza Contemporánea -CEPRODAC-, bajo la dirección de la destacada coreógrafa Rossana Filomarino, con quien después trabajó conjuntamente en “Disecciones“, un espectáculo completo donde la danza, lo acústico y lo visual convergieron, para el cual se reunieron tres grandes talentos: Rossana Filomarino en el diseño de coreografía y la dirección,  José Alberto Gallardo ejecutando el unipersonal dancístico y aportando los textos de su autoría,  y  Rodrigo Castillo Filomarino creando una composición musical vibrante que dio relieve a cada movimiento, acompañando al intérprete con música en vivo.

 

Como director, a la fecha, lleva casi una treintena de puestas en escena y, como dramaturgo, ha escrito casi cuarenta obras tanto para Teatro como para Danza.  Es fundador y director del Teatro de la Brevedad.

 

Sus dramaturgias derivan de exhaustivas investigaciones, tiene una fina pluma, buen manejo del lenguaje y define la psicología de cada personaje que crea.  Ha presentado producciones en Alemania, Argentina, Argelia, Colombia, España, Ecuador, Polonia, República Dominicana, Senegal, Venezuela y México; así como en importantes Muestras Teatrales, como el Festival Internacional de Teatro de Santo Domingo, Festival Internacional de Teatro de Manizales, Festival de Teatro Iberoamericano de Bogotá, el Festival de México FMX y la Muestra Nacional de Teatro, entre otros.

 

En tanto que en “Cayetano Ordóñez o África” José Alberto hizo referencia a la migración Afro-Europea, relatando la historia de una mujer sospechosa de haber asesinado a su esposo, migrante africano, pero, a la vez, de algún modo rindió homenaje a la tauromaquia, toda vez que Cayetano Ordóñez era un legendario torero de los años 30, adentrando al espectador en el ritual que para un torero implica vestir un traje de luces, en “Breve silbido desde el exilio”, utilizó su poética para escenificar lo que se vive ante una enfermedad terminal,  y  en  “Oír aullar una vez a los lobos” mostró aspectos íntimos de un matrimonio cuya relación presenta resquebrajamientos,  ahora lleva a escena PECADOR – Partes I y II de III para poner ante los ojos del espectador lo que sucede entre una entrevistadora intimidante y un candidato de carácter débil.

 

El trabajo de José Alberto Gallardo le ha hecho acreedor a diversos premios y reconocimientos, entre los que destacan:  el Premio Internacional de Literatura –Dramaturgia- Sor Juana Inés de la Cruz 2013, ser Becario del FONCA en el Programa Jóvenes Creadores 2011-2012,  y  Mención Honorífica en el Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera 2007.

Como docente, José Alberto Gallardo fue catedrático del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM (2014),  de la Licenciatura en Actuación del Centro Morelense de las Artes (2009), además de haber impartido diversos talleres de actuación, dramaturgia y creación escénica en varios Estados del territorio nacional.  De 2009 a 2011 fue Director de Difusión Cultural del Tecnológico de Monterrey en su Campus Santa Fe.

PECADOR – Parte I – Una importante empresa de inversiones de capitales de riesgo tiene vacante el cargo de Director de Riesgos de Diversos Capitales.  La acción comienza cuando una ejecutiva de dicha empresa está esperando a uno de los aspirantes al puesto.  Ante la entrevistadora, se presenta el señor Domínguez, quien sabe que tiene un excelente currículum vitae.  Ha cursado tres carreras -administración, ingeniería y economía financiera.  Aunque dejó trunca su carrera de administración, cuenta con dos licenciaturas y una maestría, además de que ha ideado una estrategia para mejorar notablemente el mercado del arte.  Si bien, en lo profesional está más que capacitado, en lo personal siente inseguridad.  Le molestan unas manchas que tiene en la piel, está atravesando una crisis matrimonial y ha sido diagnosticado con TOC -trastorno obsesivo compulsivo-.  La entrevistadora es una mujer empoderada que se aprovecha de su posición para imponerse.  Tan pronto percibe las debilidades del señor Domínguez, no cesa de intimidarlo y él se muestra sumiso.

En PECADOR – Parte II, dado que el señor Domínguez no quedó conforme con la entrevista y piensa que es el candidato ideal, decide atraer a la entrevistadora a un terreno que ella no domine, a fin de convencerla que es él quien debe obtener el puesto.  ¿Logrará su objetivo?.   De cualquier modo, tendremos que esperar a ver PECADOR – Parte III para conocer el final de la historia.

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José Alberto Gallardo, hombre talentoso, sensible y buen observador, en plena madurez artística, aplica sus conocimientos y experiencia para lograr un texto muy completo en el que combina lo humano, lo profesional, lo personal, el teatro, el arte, la burocracia, fortalezas, debilidades y actitudes, con el cual capta y mantiene el interés absoluto del espectador en todo momento.  Desde mi particular punto de vista, a través de PECADOR – Partes I y II de III, José Alberto Gallardo ofrece una lección de vida. Las circunstancias, el comportamiento o lo cotidiano sitúan al ser humano en una rueda de la fortuna.  Igual se está arriba que en medio o abajo.  La vida da muchas vueltas y nadie tiene derecho a intimidar a sus semejantes.  En cualquier momento, el karma puede invertir los papeles, o bien, si se actúa con inteligencia y sin precipitación siempre existirá la posibilidad de encontrar una salida.

En cuanto a la dirección, José Alberto también brinda un trabajo impecable.  Su trazo escénico es fluido, aprovecha a fondo tiempo y espacio, balancea bien acción y pausas, la coreografía es acertada y el ritmo preciso.

Manuel Domínguez y Mariana Villegas dan vida a él y a ella, respectivamente.  El trabajo histriónico, corporal, expresivo y vocal de ambos es formidable, al posesionarse de sus personajes, dotándolos de emociones y haciéndolos convincentemente humanos.

Privilegia el montaje proporcionando el entorno idóneo la música original y el diseño sonoro por parte de Rodrigo Castillo Filomarino.  La programación QLab también es provista por Rodrigo Castillo Filomarino.  Incluyen la canción de John Cale “Whaddya mean by that?” (¿Qué quieres decir con eso?).

La bien impartida iluminación es creación de Rodrigo Castillo Filomarino y José Alberto Gallardo.

Giselle Sandiel brindó asesoría de vestuario.

Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

Un singular duelo donde los contendientes sólo pueden esgrimir palabras.  Tal vez tu apoyo brinde algo de ánimo al señor Domínguez para sortear la incómoda entrevista de trabajo. o que te solidarices con él al recordar alguna experiencia propia, pero lo que puedo asegurarte es que te conmoverá un montaje original con parlamentos interesantes, atinada dirección, entrañables actuaciones y sonoridad consistente.  Apresúrate porque la temporada actual es brevísima y ya sólo les quedan tres funciones.  Compra tus boletos con anticipación pues el aforo es limitado.

 

PECADOR – Partes I y II de III se presenta martes a las 20:30 horas,  y  miércoles a las 18:00 horas  en el

TEATRO EL MILAGRO ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $160.  Para estudiantes, maestros, INAPAM, estudiantes y maestros de teatro con credencial vigente y vecinos de la colonia Juárez, es de $80.

 

La temporada concluye el miércoles 4 de abril de 2018.