Autor: Eugenia Galeano

BUENAS PERSONAS

 

Por   Eugenia Galeano Inclán

Fotos Cartel promocional

 

Cartel-BUENAS.PERSONAS

Desde el momento en que se acaricia la idea de tener un hijo, los padres comienzan a hacer planes para el bebé. Entre sus prioridades están que sea saludable, educado y gente de bien. A partir del nacimiento, se esforzarán lo más posible por criar a su vástago en ese sentido. Desde luego, cada quien tiene su propia perspectiva respecto de lo que significa ser una buena persona, pero, en general, se considera que lo sean quienes son educados, honestos, amables con sus semejantes, leales, compasivos, estudiosos, trabajadores, comprensivos, colaborativos, etcétera.  De hecho, todos quisiéramos que los demás nos vieran así y es por eso que abundan los que se hacen pasar por buenas personas sin serlo.

 

El que alguien sea gente de bien no depende sólo de los principios que les inculquen los padres, pues a lo largo de la vida todo tiene cierta influencia, como puede ser el entorno, el carácter, las compañías, las experiencias positivas o negativas, los sucesos y las vivencias.    Para colmo, no todo aquel que es una buena persona tiene asegurado el éxito, ya que esto se relaciona directamente con las circunstancias y las oportunidades.

 

Para abordar esta temática, David Lindsay-Abaire escribió BUENAS PERSONAS / GOOD PEOPLE.  El autor nació en Boston, Massachussetts, Estados Unidos de América, es egresado de la Academia Juilliard, el Sarah Lawrence College, el Eugene O’Neill Theater Center,  y la Milton Academy y se ha desempeñado como dramaturgo, guionista y letrista.

 

David Lindsay-Abaire se dio a conocer poco antes de cumplir los 30 años, con “Fuddy Meers“, su primera obra, misma que fue concebida durante un taller en la Convención Nacional de Dramaturgos llevada a cabo en el Centro Teatral Eugene O’Neill en 1998, y estrenada en el Manhattan Theatre Club de Off-Broadway, bajo la dirección del director escénico Lloyd Richards.  El éxito fue tan contundente que se mantuvo en cartelera poco más de tres años en diversos foros.

 

Desde entonces, sus éxitos se han sucedido uno al otro y se ha convertido en uno de los más destacados dramaturgos estadounidenses contemporáneos.  Ha recibido toda clase de nominaciones, reconocimientos y galardones durante su trayectoria, entre los cuales está el Premio Pulitzer del año 2007 por su obra “Rabbit Hole” (La Madriguera del Conejo).

 

La trama de BUENAS PERSONAS versa sobre cuán distinta puede ser la vida de dos personas que nacieron en el mismo barrio y pasaron juntos su niñez y adolescencia, para luego tomar diferentes rumbos.

 

La acción comienza cuando Margarita llega tarde a su trabajo en una tienda de productos económicos en Ciudad Netzahualcóyotl.  El supervisor la reprende y le dice que ha estado defendiéndola y cubriéndola, pero que sus superiores saben que casi siempre llega tarde y, por lo tanto, se ve obligado a despedirla.   A Margarita se le viene el mundo encima, es madre soltera y el motivo de sus retardos es que su hija es discapacitada, no la puede dejar sola y tiene que esperar a que llegue alguien a cuidarla.  La bebé nació prematura y al darse cuenta de que requeriría de cuidados especiales, el esposo la abandonó.  Se siente perdida, no sabe cómo podrá solventar su vida y la de su hija sin un trabajo seguro.   Llega muy agobiada a su vecindad y lo platica con Jenni, su mejor amiga, quien le aconseja que vea a Miguel, un amigo de ambas al que no han visto durante años.  Saben que Miguel llegó a ser un médico de prestigio, así que tal vez pudiera dar trabajo a Margarita, o bien, recomendarla con alguien.

 

Margarita se queda pensando en la sugerencia de Jenni, pero, la verdad, le da pena presentarse de pronto ante Miguel, ya hace mucho tiempo que se distanciaron y no sabe cómo la recibiría.  Cuando avisa a la casera que no podrá seguirle pagando por cuidar a su hija, ésta le recuerda que no sólo le debe dinero por los cuidados, sino que también está atrasada con la renta, así que si no cubre rápido sus adeudos, tendrá que desalojarla.  Ante este panorama, Margarita, en total desesperación, decide buscar a Miguel.

Foto.promocional

El texto de BUENAS PERSONAS es estructurado con un alto contenido social y  humano.  Capta el interés de principio a fin.  Los personajes están perfectamente bien delineados y cada uno expresa su sentir.

 

La labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Su trazo escénico es impecable.  Equilibra acción y pausas, el desplazamiento es constante, los cambios de escenografía los realizan los  intérpretes en forma fluida y casi imperceptible.  Dimensiona el espacio para crear distintos entornos.  Todo está bien coordinado y el ritmo es preciso.   Cada creador va adoptando su propio método a su estilo. En mi opinión, Diego del Río da importancia relevante a su elenco, además de elegirlo por su trayectoria y capacidades, pone particular atención a su habilidad de expresión.  El rigor lo aplica en cuanto a que no se conformen con representar un personaje sino que se transformen en éste, que en lugar de aparentar sentir, sientan.  En todos sus montajes, la emotividad que se alcanza en escena es impresionante y su energía envuelve a todo el público.

 

El maravilloso elenco está integrado por Arcelia Ramírez como Margarita,  Odiseo Bichir como Miguel,  Montserrat Marañón como Jenni,  Concepcion Márquez como la casera,  Cuauhtli Jiménez como el Supervisor de la tienda,  y  Fabrina Melón como la esposa de Miguel.  Cada uno de ellos ofrece un trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión digno de toda loa, desplegando una amplia gama de emociones matizadas.  Arcelia es la madre que lleva a cuestas una pesada carga, trabajadora incansable y dispuesta a todo con tal de no desamparar a su hija.  Odiseo es Miguel el acaudalado médico especialista en cirugía estética que ha dejado atrás su pasado de barrio, sin olvidar sus raíces.  Montserrat es la simpática amiga que se toma las cosas a la ligera y siempre encuentra el lado amable.  Concepción es la mujer mayor necesitada de dinero, para lo cual administra el edificio y hace manualidades.  Le encanta jugar al Bingo.  Es algo mal hablada, pero dice las groserías con tal gracia que resulta adorable.  Cuauhtli es el hombre de buen corazón que ha escalado una posición en su trabajo, pero le duele tener que imponer sanciones.  Fabrina es una mujer elegante, hija de diplomáticos que ha recorrido el mundo sin perder su carácter dulce, agradable y compasivo.

 

La traducción del texto a nuestro idioma fue realizada por Milena Pezzi y Diego del Río.  La adaptación la hicieron Paula Zelaya cervantes y Diego del Río.

 

La práctica, lucidora y multifuncional escenografía es de Javier Gerardo Ángeles, la bien distribuida iluminación es de Matías Gorlero, el idóneo vestuario es de Estela Fagoaga.

 

El diseño de audio es de Carlos Ruíz,  el asistente de dirección es Jhovardy Vences,  la asistente de iluminación es María Vergara,  el diseño de poster es de Mariana González – TOCA.

 

La coordinación de vestuario es de Trama & Drama vestuario y producción, S.C.,  los asistentes de vestuario son Miriam Quijano, Saira Lagunas y Sergio Mirón, y las texturas y arreglos de vestuario son de Saira Lagunas y Rafael Rosales.

 

Production Stage Manager: Max D’Luna,  Stage Manager: Diego Gutiérrez,  Producción Playhouse: David Cortés, Regina Arruti, Paola Vega y Majo Ceballos.  Fotografía: Oscar Ponce.  Relaciones Públicas y Prensa: Violeta Gaytán.  Administración:  Irene Porras y Tere González.

 

Los productores son Carlos M. Vidaurri, Daniel Delgado y Tatiana Reyes Retana.

 

La producción de BUENAS PERSONAS es de PLAYHOUSE Entertainment.  Los productores asociados son:  Oscar Schwebel y Tania Ordoñez.

 

Acompaña a estas BUENAS PERSONAS que son gente como tú, como yo, con defectos y virtudes, a quienes la vida no ha brindado las mismas oportunidades.  Tienen alegrías y tribulaciones, pero libran sus batallas personales sin perder anhelos ni esperanzas.  Ellos te confiarán sus sentimientos.   Un montaje muy cuidado en todo aspecto, teatro de la más alta calidad que te llevará a reflexionar y a una mejor comprensión del ser humano.

 

BUENAS PERSONAS

se presenta viernes a las 21:00 horas

sábados a las 17:30  y  a las 20:45 horas

y  domingo a las 17:30 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en la calle Lucerna número 64,

colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos, con intermedio de 15 minutos

Costo de la localidad:  $500

Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018

 

CIUDAD MONSTRUO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 ciudad ligero

 

Los que nacimos y hemos vivido toda la vida en la capital de la República Mexicana, estamos acostumbrados a su grandiosidad, sin embargo, quienes vienen de otros lugares del territorio nacional sea de visita o por un cambio de residencia quedan impactados ante sus dimensiones y llega a parecerles una CIUDAD MONSTRUO.  En efecto, nuestra gran capital es de gigantescas proporciones por su tamaño y por su población.  La Ciudad de México ocupa el cuarto lugar entre las más pobladas de todo el mundo.  Es también la que ofrece más oportunidades y donde se encuentra la mayor diversidad.  En contraposición a esto, son muchos los riesgos a que están expuestos sus habitantes, sin dejar de lado el que las capas tectónicas de su subsuelo están en constante movimiento y el peligro de un sismo siempre está latente. Todavía tenemos fresco el recuerdo del sismo más reciente que está por cumplir un año de haber ocurrido, mismo que fue de graves consecuencias.

 

Enrique Olmos de Ita, quien se desempeña como dramaturgo, crítico de teatro, narrador, divulgador de ciencia y es el creador del concepto “Neurodrama“, que define la relación entre las artes escénicas y las neurociencias cognitivas, decidió escribir CIUDAD MONSTRUO, una obra cuya temática es lo que se experimenta ante un sismo.

 

A partir del texto original concebido por Enrique Olmos de Ita, José Alberto Gallardo lleva a escena CIUDAD MONSTRUO.  José Alberto es un hombre sensible, comprometido con el teatro, su trayectoria abarca sus distintas facetas como actor, director, dramaturgo y docente, también ha incursionado en el baile y tiene predilección por los proyectos interdisciplinarios.

 

Para el montaje de CIUDAD MONSTRUO incorpora una original propuesta que consiste en que los integrantes de su elenco estén acompañados por pequeñas figuras realizadas a semejanza de cada uno de ellos.  Su labor de dirección la desempeña en forma brillante, su trazo escénico es limpio, las acciones y las pausas están balanceadas, la corporalidad está bien diseñada, dimensiona el espacio en diferentes niveles y el ritmo es preciso.

 

La acción ocurre en un edificio y los personajes son los inquilinos.  Carolina es una joven de 30 años que vive sola, bella, autosuficiente, parece tener la vida resuelta.  Alma apenas tiene 17 años, está atravesando momentos difíciles, ya que acaba de perder a su mamá y tiene que encontrar la forma de seguir adelante.  Don Manuel es el dueño del edificio, a sus 50 años siente que ha desperdiciado su vida, que no ha perseguido sus sueños por estar administrando el edificio y quisiera buscar nuevos horizontes, Xicoténcatl es el ingeniero que se encarga del mantenimiento y reparaciones del edificio, está acostumbrado a hacer trabajos donde se le llame, a la hora que sea, por lo cual, en ocasiones, desatiende a su familia.   Un gato que es fiel acompañante de la señora Manini, una señora que a causa de su edad enfrenta “la devastación de su organismo” y cuya movilidad es limitada.

 

En un día cualquiera, los habitantes del edificio están en sus asuntos cotidianos cuando don Manuel aprovecha la oportunidad para anunciarles que está cansado de que se retrasen con la renta y, por lo tanto, venderá el edificio.  Aún no asimilan la idea de perder su vivienda cuando escuchan la alerta sísmica y sobreviene un sismo.  Cada uno de ellos reacciona en forma distinta, por un lado, está su instinto de supervivencia y, por el otro, la reflexión personal de cómo han llevado su vida.

 

El elenco ofrece una formidable labor histriónica y corporal. Cada uno de ellos encarna a su personaje en forma emotiva, dotándole de los matices necesarios y salen avante del reto de interactuar con la figurita que los representa y con el público.  Frida Astrid es Carolina,  Michelle Betancourt es Alma,  Pedro Mira es don Manuel,  Manuel Domínguez es el ingeniero Xicoténcatl,  y  Damián [Cordero es el gato de la señora Manini, que es la única representada únicamente por una figura.

 

ciudad ligero2

El acertado diseño de escenografía e iluminación es de Félix Arroyo.  El entorno adecuado lo aporta la música original y diseño sonoro de Rodrigo Castillo Filomarino, el diseño de vestuario es de Giselle Sandiel.

 

La producción ejecutiva es de David Castillo, el gerente de producción es Pablo Abitia,  el Asistente de Dirección es Jorge Valdivia,  y  el asistente de producción, Raúl Morquecho.

 

Prensa:  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint),  redes sociales:  Adria Castro e Irina Máximo,  diseño gráfico:  Dayán Martín Camacho  y  Héctor Lara.

 

ciudad ligero3

CIUDAD MONSTRUO es presentada por Cía. Helecho producciones y 25 Producción, así como por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

Este proyecto teatral nacional es realizado con el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión (Efiartes-Efiteatro)

 

Quienes asistieron a las funciones pudieron mirar detrás de los muros de este edificio, conocieron a los inquilinos y los acompañaron en el momento del sismo. Una obra que te lleva a reflexionar sobre tu propia vida.  Lo cierto es que todos estamos expuestos a una desgracia, un accidente, una enfermedad o un fenómeno de la naturaleza.  Lo mejor que podemos hacer es tener nuestros asuntos arreglados, disfrutar el día a día y tratar de tomar las prevenciones a nuestro alcance.  Al igual que en la ciudad puede haber devastación, reconstrucciones o construcciones nuevas, todos tenemos oportunidad de reconstruirnos a cada momento.  CIUDAD MONSTRUO cubrió una muy exitosa temporada en el TEATRO BENITO JUÁREZ de la Ciudad de México, la cual acaba de concluir el domingo 9 de septiembre de 2018.

LA EXAGERACIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200779Algunos dicen que el teatro refleja la vida, en tanto que otros bromean sobre algún conocido que hace teatro en su vida cotidiana. ¿Cuál es tu opinión al respecto? Lo cierto es que hay mucho de la vida en el teatro y viceversa. Hoy comentaremos sobre una obra donde la vida y el teatro se entrelazan, se fusionan y se complementan.

Después de haber egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde estudió Lengua y Literatura Hispánicas, así como Letras Inglesas en el Sistema de Universidad Abierta (SUA), David Olguín adquirió su formación teatral en el Centro Universitario de Teatro (CUT) al cursar la carrera de Actuación y diversos talleres de dirección escénica con Ludwik Margules y, posteriormente, obtener el grado de Maestría en Estudios Teatrales con especialidad en Dirección Escénica en la Universidad de Londres.

Su larga trayectoria se diversifica en varias disciplinas. En el ámbito teatral es altamente reconocido por su dramaturgia y trabajos de dirección escénica. También hay un libreto de ópera escrito por David. Además de los montajes de sus propias obras, ha llevado a escena obras de diversos autores nacionales e internacionales.

En lo cultural se ha desempeñado como escritor, narrador, traductor, ensayista y guionista. En lo editorial cuenta con muchas publicaciones tanto de sus propias obras, como en antologías de otros autores. Dedicó casi tres años a la coordinación editorial, la escritura y la selección general de textos del libro Alejandro Luna Escenografía. Así mismo, es coautor de los libros de memorias de Olga Harmony y Hugo Gutiérrez Vega, así como de Teatro Mexicano del siglo XX. Ha sido becario del Centro Mexicano de Escritores, del FONCA, del Consejo Británico y del Fideicomiso México-Estados Unidos. Desde 1992 es editor de Ediciones El Milagro y a partir de su designación en el año 2005 es tutor de la Fundación para las Letras Mexicanas. En la docencia ha colaborado en diversas instituciones. Actualmente es profesor y coordinador de la maestría en Dirección Escénica en la ENAT.

P1200784En 1991 David Olguín, Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi y Gabriel Pascal fundaron Teatro El Milagro, una asociación cultural independiente que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. El Consejo Directivo y Artístico de Teatro El Milagro está conformado por quienes lo fundaron, en tanto que la Administración está a cargo de Eduardo Pascal. A la fecha, el Teatro El Milagro es un foro consolidado que se preocupa por ofrecer calidad a sus espectadores y, por esto, ha ganado muchos adeptos.

A lo largo de su camino en el teatro David Olguín ha recibido múltiples galardones y reconocimientos. Sus cualidades humanas y profesionales lo hicieron merecedor a ingresar a la Academia de Artes. Además de poseer una vasta cultura y considerable capacidad creativa, es un trabajador incansable que en cada proyecto se compromete al máximo. Ahora, David se encuentra en plena madurez artística y profesional.

Su más reciente obra es La exageración, a través de la cual David Olguín concibe un particular universo teatral. Si bien, el tema central es el teatro, en gran medida habla sobre la vida misma. En la ficción creada por David los fundamentos descansan sobre hechos de la vida real, tan es así que los nombres de los personajes son los mismos de quienes los interpretan y de aquellos a quienes hacen referencia. La anécdota es una discusión que surge en un ensayo. Los participantes son un actor consagrado y una jovencita que trabaja como asistente de dirección. El director no ha llegado, así que la joven muy en su papel, con ánimo de quedar bien en su trabajo, se atreve a decir al actor que está exagerando el tono, lo cual no sorprende al actor y, además, lo indigna. A partir de esto se desarrolla la trama. Los personajes entran en pugna y cada uno de ellos defenderá su postura sin concesión alguna. El asunto de La exageración sólo abre la discusión entre los contendientes, quienes luego abordarán diversas cuestiones.

P1200785 (2)El texto de La exageración va mucho más allá de la anécdota inicial.  Lo evidente es la brecha generacional tan amplia que existe entre los protagonistas. Mientras que Mauricio, el actor, cuenta con una larga trayectoria, mucha experiencia sobre las tablas y múltiples vivencias, María del Mar o Marimar apenas inicia su carrera y le falta mucho por vivir en lo personal y en lo profesional. Además de esto, habrá un confrontamiento entre las técnicas teatrales tradicionales y las vanguardistas. En cuanto a los intereses individuales, los dos tienen aspiraciones muy distintas.

Durante la discusión, se van develando detalles del carácter de Mauricio y del de Marimar, poco a poco se sabrá cuáles son sus anhelos, sus frustraciones, sus objetivos, su forma de pensar. En tanto Mauricio afirma: “sirvo al teatro, no me sirvo de él“, Marimar sentencia “no creo en nada“.

El brillante texto de David está plagado de frases contundentes con respecto al quehacer teatral y sobre la vida. Para diversión del espectador, incluye algunas anécdotas reales que en su momento sólo fueron conocidas por quienes las presenciaron. Se hace algunas alusiones a grandes creadores teatrales, como Ludwig Margules, Juan José Gurrola, Alejandro Luna y, desde luego, Gabriel Pascal y David Olguín. El relato capta el interés desde su inicio y a medida que avanza, la atracción va en aumento.

La labor de dirección por parte de David Olguín es extraordinaria, su trazo escénico es pulcro, logra un equitativo balance entre la parsimonia de la madurez y el ímpetu de la juventud, sus coreografías son de buen diseño, cada acción y cada pausa son administradas en forma precisa.

El primer actor, Mauricio Davison, y la actriz María del Mar, Náder Riloba, ofrecen al público una labor histriónica, corporal y vocal formidable, dotando a sus personajes de marcada emotividad.

P1200789Gabriel Pascal enmarca el montaje con una idónea escenografía a base de fina madera y añade unos cuantos elementos escenográficos. Así mismo, su iluminación es muy acertada tanto en distribución como en intensidad.

Coadyuva para el entorno requerido el diseño sonoro, que incluye los temas La historia de un actor desconocido IV, Vals de despedida, Agonía Tango IV, El maestro y Margarita Tango, cuya composición musical es de Alfred Gariévich Schnittke (1934-1998). La fotografía es de blenda. La producción es de Teatro El Milagro.

Una puesta en escena absolutamente imperdible que se disfruta a fondo. El pasado y el presente frente a frente, vibrando y pujando para defender con todo el corazón sus respectivos puntos de vista en un cuadrilátero que representa teatro y vida. No se trata de quién ganará porque el triunfador indiscutible será el público. La exageración es de esas obras que convocan a la reflexión y que se quedan para siempre en la memoria del espectador.

La exageración se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas, sábado a las 19:00 y   domingo a las 18:00 horas en el Teatro El Milagro, ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 26 de agosto de 2018. Duración: 120 minutos. El costo de la localidad es de $250. Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente: $160. Vecinos de la colonia Juárez, maestros y estudiantes: $60.00 pesos.

THE ARCHITECTURAL BODY

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Cartel del espectáculo

Cartel-THE.ARCHITECTURAL.BODYEn México al igual que en otros países del mundo, para quienes se dedican al arte el camino es difícil, sobre todo, para quienes lo hacen en forma independiente sin contar con apoyo de recursos financieros, patrocinadores, becas o productores. Sólo aquellos que nacen con una vocación definida y que están dispuestos a sortear todo tipo de obstáculos logran expresar su arte. Uno de estos artistas lo es sin duda Francisco Rojas, destacado bailarín y coreógrafo mexicano. Desde pequeño supo que la danza era lo suyo y se entregó a ésta en cuerpo y alma. Para lograr su objetivo de vida ha cursado múltiples estudios en instituciones de prestigio mundial, como la Royal Academy of Dance, Vasar College de Nueva York en Estados Unidos de Norteamérica, el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid, España; Stepson Broadway con Willy Burmann, Rafael Bonachela en Sydney, Australia y el Ohad Naharin’s Gaga Studio de Tel Aviv, Israel, entre otros.

En su desempeño profesional ha sido solista de la Compañía Nacional de Danza de 2004 a 2009 y de 2011 a 2013. Es el primer mexicano en haber participado en el Australian Ballet y bailarín huésped del Sydney City Youth Ballet, así como Maestro de Ballet en el Center of Dance Development of Australia,  artista residente en Fundación Casa Wabi en 2016 y Residente Coreográfico con los maestros Wayne Mc Gregor CBE y Rusell Maliphant (quien retirara a la prima-ballerina Sylvie Guillem) en el Royal Ballet de Londres, Inglaterra.

En 2013 fundó Convexus Ballet Contemporáneo, que es un proyecto independiente dedicado a las técnicas actuales de danza artística como expresión de arte contemporáneo. Desde esta plataforma, Francisco Rojas ha creado las producciones coreográficas: Proporción áurea,  Identity I, II y III (Identidad I, II y III),  The joy of the evident (La alegría de lo evidente), Ámala, El tiempo perdido no vuelve, Contrapunto,  Run! (¡Corre!), La viuda alegre: reposición coreográfica para la Ópera de Bellas Artes y The architectural body.

Francisco Rojas creó The architectural body (El cuerpo arquitectónico) durante la residencia coreográfica que realizó en Londres. Francisco tomó como inspiración la escultura clásica y los trazos de tres de los más insignes maestros Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti), Leonardo da Vinci y Auguste Rodin. Para su creación, Francisco retomó los capítulos del libro Leonardo da Vinci, de la autoría de Walter Isaacson y realizó varias visitas a las exposiciones Rodin at the Met (Rodin en el Met) y Rodin and the art of ancient Greece (Rodin y el arte de la antigua Grecia) en el Museo Británico. El propósito de Francisco fue el de traducir las disciplinas visuales al lenguaje del ballet contemporáneo mediante movimientos que deconstruyeran la técnica clásica para reorganizar el movimiento geométrico del cuerpo.

Una vez que tenía casi delineada la coreografía de The architectural body, Francisco Rojas convocó a Eduardo Garcilazo para que realizara la composición musical y a Daniela Toscano para que produjera un video. Al trabajar en conjunto estos tres creadores hicieron que The architectural body se convirtiera en un concepto integral innovador y pleno de arte.

En sus propias palabras, Francisco Rojas describe a The architectural body como: “El escenario es una metáfora de la sala del museo donde los bailarines dan vida a la escultura en virtud de los impulsos sonoros. The architectural body es una pieza abstracta, cuya narrativa no lineal, permite al espectador una libre interpretación poética“. Por su parte, Eduardo Garcilazo comenta: “Desarrollé una acústica electrónica para sintetizador y cuerdas; consiste en una obra escrita en dos actos, divididos en cinco movimientos, a partir de las contraposiciones argumentarias de la danza de Francisco, pues es una pieza ex-profeso“.

The architectural body es una propuesta artística donde danza, música e imagen van de la mano, complementándose entre sí. La coreografía está conformada por diferentes técnicas y disciplinas que van de lo clásico a lo más actual. Sobre el escenario se ven splits, giros, estiramientos, deslizamientos, flexiones, contorsiones, ballet en puntas y mucho más. Todos y cada uno de los movimientos tienen su razón de ser y los bailarines los ejecutan en forma magistral. La sincronía con la música y las imágenes resulta impresionante. Los cuadros se suceden unos a otros, los hay de solos, duetos, tríos, cuartetos y grupales. En ciertos momentos predomina la vertiginosidad, en tanto que en otros la acción es pausada y hasta estática cual si fueran esculturas vivientes, o bien, seres que emergen de enormes marcos cual si fueran pinturas. La belleza estética se manifiesta en todo momento.

Queda claro que Francisco Rojas pone el corazón en su arte y se rodea de gente dispuesta a entregarse en igual forma.

Los jóvenes con formación clásica y contemporánea que participan en The architectural body son los bailarines Debby Alarcón, Bryan Basantes, Ana Laura Bustamante, Sergio Nájera, Annie Ponce de León, Erick González Santiago, Carlos Hamshire y el propio Francisco Rojas, ya que funge como coreógrafo, director y solista. Todos ellos desempeñan su labor con particular destreza y pasión.

El vestuario fue diseñado por Marcela Barragán, en forma muy consistente con el concepto, para lo cual utiliza leotardos de fina tela elástica con base en negro, franjas asimétricas blancas y negras, y un toque de vivos colores en rojo, azul, vino o amarillo, dejando en total libertad las extremidades.

La escenografía es creación de Rodrigo Velarde, quien enmarca el montaje proveyéndolo del entorno propicio al recrear la sala de un museo. La iluminación está bien impartida y tiene muchas variaciones.

El video es de Boutique Creativa in The Mood y Daniela Toscano. Imágenes sorprendentes que dotan de luminosidad la escena mediante franjas, formas geométricas y figuras diversas de movilidad constante. La producción es de Convexus Ballet Contemporáneo.

The architectural body es una propuesta muy bien lograda por parte de un equipo comprometido y apasionado. Se trata de un espectáculo dancístico de la más alta calidad que permite ver la danza contemporánea desde una perspectiva distinta, ejecutada a la perfección por jóvenes con bellos y ejercitados cuerpos.

The architectural body cubrió con rotundo éxito la brevísima temporada que tuvo del viernes 10 al domingo 12 de agosto de 2018 en el Teatro El Milagro de la Ciudad de México. Durante los tres días se agotaron las localidades.

ACUÑA EL DE LAURA MÉNDEZ

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200689Uno de los milagros más grandes es sin duda el del alumbramiento y, en general, son pocos los que pueden presenciarlo. De hecho, aún las madres, figuras imprescindibles en el acontecimiento, si requieren de una cesárea o se presenta una emergencia lo viven, pero anestesiadas. Son afortunados quienes han estado cuando alguien da a luz, o bien, aquellos que han visto nacer a alguna mascota, y hasta los que sólo lo ven mediante una filmación, es un gran momento de la vida real.

Lo cierto es que todo inicio de algo bueno es motivo de alegría y celebración. ¿Te gustaría presenciar la lectura de un texto recién escrito? Para hacerlo, no necesitas ser alguien cercano a un dramaturgo, ya que a través de un nuevo programa Boris Schoemann, su equipo creativo y el Teatro La Capilla te brindan esta oportunidad.

Como sabes, el Teatro La Capilla es uno de los espacios más antiguos en la Ciudad de México, el cual fue fundado por Salvador Novo en el año de 1953 cuando convirtió en teatro una pequeña capilla de la otrora finca El Carmen. A partir del año 2001 la Compañía Los Endebles, A. C. bajo el mando de Boris Schoemann tomó las riendas del Teatro a Capilla con el propósito de continuar la labor de Salvador Novo en cuanto a presentar montajes, tanto de dramaturgos consagrados como de nuevas voces.

A la fecha el Teatro La Capilla es un referente del teatro contemporáneo, en donde confluyen puestas en escena locales, nacionales e internacionales. Allí también se imparten talleres diversos. Además, cuentan con una editorial bastante conocida y una popular Cafetería.

Entre las nuevas actividades implantadas por Boris Schoemann, actor, dramaturgo, director escénico, traductor y docente, se encuentra el programa que inicialmente fue llamado Inéditos, para luego cambiar su nombre a Irrepetibles, planeado para dar a conocer obras de reciente concepción. Para que una obra participe en este programa, el autor debe aplicar a una Convocatoria y esperar el resultado que será emitido por el Comité Seleccionador del Teatro La Capilla, integrado por Itzel Lara, Gabriela Guraieb, Daniel Bretón y Adriana Morales.

Para el período entre mayo de 2018 y marzo de 2019, el Comité Seleccionador eligió un total de once obras para ser leídas dentro del Programa Irrepetibles. El título le va muy bien, puesto que cada texto jamás será igual a como se lee por vez primera, en virtud de que los autores van dispuestos a aceptar sugerencias por parte de sus invitados especiales que fungen como sinodales, del elenco y del público en general.

El Ciclo actual de Irrepetibles comenzó con la Sesión 1, cuando el sábado 19 de mayo de 2018 se llevó a cabo la primera lectura de la obra Ulises en cuerpo presente de Eduardo Castañeda, en tanto que en la Sesión 2, sábado 6 de junio, tocó el turno a Sólo somos capuchino y yo de Tania Vázquez.P1200707

El sábado 21 de julio, en la Sesión 3 presenciamos la primera lectura de Acuña el de Laura Méndez de la autoría de Dorte Jansen.

Dorte Jansen nació en Laatzen, Distrito de Hannover, Alemania, y reside en la Ciudad de México desde hace tiempo. Tiene estudios en la Universidad Philipps de Marburgo, estado federado de Hesse, Alemania, en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Veracruzana de Xalapa, Veracruz.  Es una apasionada del teatro que se desempeña como dramaturga. Ha llevado a escena varios de sus textos de teatro para niños. En lo personal es una mujer jovial, estudiosa, sensible, gran observadora y siempre dispuesta a ayudar al prójimo.

Para Dorte, Acuña el de Laura Méndez implica un doble estreno, marca la primera lectura de su obra ante el público y su incursión en la dramaturgia para todo público. La sinopsis con la que Dorte describe Acuña el de Laura Méndez es la siguiente “Dos poetas: Manuel Acuña y Laura Méndez (1953-1928). El primero famoso por su Nocturno y su espectacular salida del mundo, a través del suicidio. La segunda, la escritora mexicana más destacable del siglo XIX y hasta hoy una desconocida. Acuña el de Laura Méndez contesta en tono fársico a preguntas tan elementales como: ¿de qué sirve el amor romántico?, ¿por qué las mujeres necesitan siempre a un hombre para ser felices? y ¿todos los hombres son patéticos?”.

En uno de los diversos diplomados que tomó Dorte, en el material de trabajo se encontraba parte de la obra de la poeta Laura Méndez. A Dorte le impactó su escritura y se preguntó por qué no era más conocida. A partir de esto, Dorte investigó la obra de Laura Méndez y también su vida personal. Fue así como se enteró de que la poeta había estado profundamente enamorada del reconocido Manuel Acuña. Todo esto hizo que tuviera la inspiración de escribir algo sobre la escritora que le había impactado.

Laura María Luisa Elena Méndez Lefort nació en 1953 en una enorme hacienda en Amecameca, Estado de México. Cursó estudios en el Conservatorio de Música en la Escuela de Artes y Oficios para Mujeres. Antes de que Laura cumpliera los veinte años, el poeta saltillense le dedicó un poema intitulado A Laura-Epístola y lo leyó en público. Para ese entonces, Laura ya escribía poemas y organizaba veladas literarias en su casa, al lado de su hermana Rosa. A partir de ese momento, Laura y Manuel iniciaron una relación amorosa que duraría varios años.

El poeta Manuel Acuña era brillante y sus poemas le hicieron ganar popularidad, más no ingresos. Vivía con Laura y ella estaba tan enamorada que con gusto asumía todos los gastos. En tanto que para Laura Manuel era el amor de su vida, él solía tener aventuras y no estaba dispuesto a comprometerse. Por su parte, Laura era muy productiva, además de su faceta de versificadora, era una narradora nata y publicó varios libros. Por algún tiempo se dedicó a la labor periodística y sus publicaciones aparecían en los diarios capitalinos de mayor difusión. Trabajó arduamente en educación, incluso fue comisionada para representar al gobierno mexicano en congresos sobre educación celebrados en diversos países europeos. Fundó la Revista Hispano Americana en la ciudad de San Francisco, California, E.U.A. Se dice que era quien hacía los más preciosos esbozos biográficos de personajes de su época. Atrapó la atención de gran parte de la población y aumentó las ventas del diario El mundo cuando su novela El espejo de Amarilis apareció publicada, dosificándola en 43 entregas.

En Acuña el de Laura Méndez, Dorte se enfoca en acontecimientos de la vida personal de Laura Méndez. Le da voz a Laura para describir su sentir respecto de sus amores, sobre todo, el de Manuel Acuña, a quien el espectador verá a través de los ojos de Laura. Cuando más amor sentía Laura por Manuel se dio cuenta de que estaba embarazada. Se alegró muchísimo y con entusiasmo se lo comunicó a Manuel. Lamentablemente a él no le hizo gracia alguna y lo tomó como pretexto para alejP1200711arse de Laura. Esto la devastó y tuvo que afrontar su embarazo en total desolación. Poco después, quizá con intención de restituir su honor, Laura aceptó contraer nupcias con el mejor amigo de Manuel, el periodista y poeta precursor del modernismo, Agustín Fidencio Cuenca Coba, con quien habría de procrear siete hijos.

El texto de Dorte Jansen para Acuña el de Laura Méndez es de buena estructura y capta la atención de principio a fin. Su mayor mérito es dar a conocer a la valiosa Laura Méndez, de quien José Emilio Pacheco afirmara que, para muchos, fue la mejor poeta del siglo XIX. En el mundo intelectual se reconoce la aportación literaria de Laura Méndez y más aún las aportaciones que hizo en materia pedagógica, toda vez que al aplicar teorías modernas a la práctica educativa se logró un gran avance. Es loable que Dorte rinda este homenaje a uno de los grandes valores de las letras mexicanas, sin dejar de lado que a pesar de sus sufrimientos personales, Laura continuó trabajando con ahínco y dedicación.

En la lectura de Acuña el de Laura Méndez participaron: Florencia Ríos como Laura Méndez,  Isaac Weisselberg como Manuel Acuña,  Gabriela Guraieb como la doncella de la casa de Laura Méndez y  Hasam Díaz como Agustín Cuenca. Algunos de ellos interpretaron otros personajes de menor relevancia. Todos ellos aportaron una excelente dicción y diversos matices para dar mayor emotividad al relato.

Al finalizar la reunión, la primera en tomar la palabra fue Nora Coss, la flamante ganadora del Premio Bellas Artes Juan Rulfo 2018 para Primera Novela con su Nubecita. Con voz clara y directa señaló a Dorte aquello que podría redireccionarse o mejorarse. Luego, también dieron sus recomendaciones Marianella Villa y Laura Uribe, así como algunos de los integrantes del elenco, por ejemplo, Florencia Ríos aludió a la experiencia de leer ciertos fragmentos de poemas dentro de un texto. Así mismo, personas del público externaron opiniones y, para concluir, Itzel Lara, dramaturga, integrante del Comité Seleccionador y editora de los Textos de La Capilla pronunció acertados consejos. Dorte tomó nota de todas las sugerencias y esperamos que pronto salga a la luz la versión definitiva de Acuña el de Laura Méndez y su correspondiente montaje.P1200741

La velada concluyó con un grato convivio donde todos los asistentes charlaron, tomaron té o mezcal y degustaron finas galletas.

Si quieres asistir a la Sesión 4 del Programa Irrepetibles tienes que estar al pendiente de las publicaciones del Teatro La Capilla en las redes sociales o entrar de vez en cuando a su página de internet. Es una experiencia novedosa ver nacer un texto y resulta enriquecedor escuchar en un diálogo abierto opiniones diversas al respecto.

La primera lectura de Acuña el de Laura Méndez se llevó a cabo el sábado 21 de julio de 2018 en la Sala Novo Coyoacán, Ciudad de México.

KYBALIÓN (LA ILUMINACIÓN SÓLO ES POSIBLE SI DEJAS DE SUFRIR)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

kibalion ligero

En estos tiempos tan violentos en que nos cuesta trabajo escuchar los noticieros porque la mayor parte de su contenido se refiere a guerras, asaltos, secuestros, narcotráfico, ajustes de cuentas, fraudes y muchas cosas más que quisiéramos que no pasaran, la gente ha tratado de refugiarse en la fe y cada quien elige un camino para afianzarla. Se puede acudir a religiones, disciplinas, estilos de vida, retiros, temazcales, convivencias, meditación, misticismo, lectura de libros emblemáticos o de autoayuda. La búsqueda de la fe se hace apremiante en momentos en que un profundo sufrimiento agobia a alguien por la pérdida de un ser querido, un accidente, una enfermedad grave o un suceso violento o doloroso.

 

Mientras resulte útil, cualquier camino es válido. Los católicos encuentran paz leyendo pasajes de la Biblia, los cristianos se apartan de tentaciones y tratan de llevar una vida más espiritual. Los intelectuales acuden a la lectura. Existe un vasto acervo cultural consistente en libros escritos por sabios, maestros o expertos.

 

Entre los sabios, se encuentra Hermes Trismegisto, un personaje histórico que algunos asocian al sincretismo del dios egipcio Dyehuty [Tot, en griego] y el dios heleno Hermes. En tanto que la traducción de Trismegisto del griego es Hermes, el tres veces grande, al latín sería Mercurius ter Maximus (Mercurio los tres mayores). En la literatura ocultista se refieren a Hermes Trismegisto como el sabio egipcio, paralelo al dios Tot. Trismegisto creó la alquimia y desarrolló un sistema de creencias metafísicas, al que más tarde nombrarían hermetismo. Según algunos pensadores medievales, Hermes Trismegisto fue un profeta pagano que anunció el advenimiento del cristianismo. Se le atribuye haber realizado los estudios de alquimia conocidos como la Tabla de Esmeralda, que habría de ser traducida del latín al inglés por Isaac Newton. También es quien realizó los estudios que derivaron en el Corpus hermeticum, consistente en una colección de veinticuatro textos sagrados escritos en lengua griega que contienen los principales axiomas de las tendencias herméticas.

kibalion ligero2

La obra cumbre del alquimista místico Hermes Trismegisto es El Kybalión, documento del siglo XIX que resume las enseñanzas del hermetismo, también conocidos como los siete principios del hermetismo, los cuales son:

  1. Mentalismo. El Todo es mente; el universo es mental.
  2. Correspondencia. Como es arriba, es abajo; como es abajo, es arriba. Afirma que este principio se manifiesta en los tres Grandes Planos: el Físico, el Mental y el Espiritual.
  3. Vibración. Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra.
  4. Polaridad. Todo es doble, todo tiene dos polos; todo, su par de opuestos: los semejantes y los antagónicos son lo mismo; los opuestos son idénticos en naturaleza, pero diferentes en grado; los extremos se tocan; todas las verdades son medias verdades, todas las paradojas pueden reconciliarse.
  5. Ritmo. Todo fluye y refluye; todo tiene sus períodos de avance y retroceso, todo asciende y desciende; todo se mueve como un péndulo; la medida de su movimiento hacia la derecha es la misma que la de su movimiento hacia la izquierda; el ritmo es la compensación.
  6. Causa y efecto. Toda causa tiene su efecto; todo efecto tiene su causa; todo sucede de acuerdo con la ley; la suerte o azar no es más que el nombre que se le da a la ley no reconocida; hay muchos planos de causalidad, pero nada escapa a la Ley.
  7. Género. El género existe por doquier; todo tiene su principio masculino y femenino; el género se manifiesta en todos los planos. En el plano físico es la sexualidad.

kibalion ligero3

Sergio Rüed egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien se desempeña como actor, director y dramaturgo, escribió su más reciente obra inspirándose en El Kybalión de Hermes Trismegisto, y a manera de homenaje la intituló Kybalión. Es probable que al concebir su propuesta una de las intenciones de Sergio Rüed haya sido la de difundir los siete axiomas dictados por Trismegisto, en virtud de que divide su relato en siete cuadros y para marcar el inicio de cada uno de estos, el axioma correspondiente es enunciado.

 

El relato de Sergio Rüed gira en torno a un pasaje de la vida de Luis Fernando Pérez Casas, joven mexicano, que sufrió una de las tragedias más dolorosas que existen. Su pequeño hijo, Jaime, fue secuestrado, para después ser encontrado muerto, a pesar de haberse pagado el rescate. Fernando no pudo soportar el dolor ni supo manejarlo, se encerró en sí mismo, abandonó a su esposa, dejó trabajo y clases, para refugiarse en la meditación en silencio. La gente lo apoda El Buda de la Condesa, y tiene un gran número de seguidores, entre quienes sienten compasión y/o admiración por él.

 

Han transcurrido siete años desde entonces. Su caso quedó abierto y no se ha castigado a nadie, hasta un día en que le llaman por teléfono para decirle que atraparon a uno de los secuestradores y que deberá presentarse en la jefatura de policía para dar su testimonio en un careo con el maleante. Fernando está contrariado, quiere seguir en su encierro, no le interesa salir, pero Lucy, su esposa, insiste en que es necesario que acudan. De pronto, alguien toca a su puerta. El inesperado visitante dice ser Lucifer. ¿A qué viene el mismísimo diablo en estos momentos?

 

El texto de Sergio Rüed es de buena factura, los parlamentos son fluidos y la historia capta el interés de principio a fin. A un hecho trágico le infunde la luz esperanzadora de principios sabios para la canalización del sufrimiento, además de añadirle tintes de humor. Sus personajes están bien delineados con defectos y virtudes.

 

Sergio Rüed ofrece un trabajo de dirección impecable, su trazo escénico es consistente con la narrativa. El desplazamiento y corporalidad del elenco están bien diseñados. Hay equilibrio entre acción y pausas. El ritmo es preciso.

 

En cuanto al montaje, les bastan unos cuantos elementos para crear un entorno pleno de símbolos esotéricos, como la mano de Fátima, Buda, tercer ojo, elefante. Coadyuva con el ambiente de paz el estético video que se proyecta sobre el techo con bellas y pertinentes imágenes bien seleccionadas. El acompañamiento de las cuerdas de una guitarra, un flautín y la sonoridad de un cuenco metálico transportan al espectador al mundo de los protagonistas.

 

El trabajo histriónico y corporal por parte del elenco es acertado. Adrián Alarcón es Luis Fernando, Sergio Rüed es el demonio y Yun Flores es Lucy, esposa de Luis Fernando.

 

Equipo creativo: Sergio Rüed es dramaturgo, director escénico y actor. Adrián Alarcón, actor y editor de imágenes y video; Yun Flores, actriz y asistente de producción; Claudia Aragón, actriz y asistente de dirección; Yun y Claudia alternan el personaje de Lucy. La producción es de la Compañía Madre Coraje.

El misticismo ha iluminado el camino de muchos seres humanos, quienes acuden a ver esta obra reciben una caricia al espíritu al escuchar los siete axiomas que ayudan a canalizar el sufrimiento, además de entretenerse con la historia de Luis Fernando y Lucy que intentan sanar la herida que les dejó la pérdida de Jaime. Teatro mexicano de calidad llevado a buen puerto por un equipo de jóvenes con talento, entusiasmo y compromiso hacia el teatro y la sociedad.

 

Kybalión acaba de culminar sus representaciones en la Ciudad de México. Su primera temporada fue en el Teatro La Capilla y la segunda en la Sala Novo, ambas con éxito rotundo y llenos totales.

 

 

Nota para los productores de la bella ciudad de Aguascalientes

 

Estimados señores Productores, les sugerimos llevar esta obra a los hermosos hidrocálidos, para que disfruten plenamente de este gran montaje. En virtud de que la producción es sencilla, que son pocos los integrantes del elenco y que ellos mismos se multiplican en los diversos campos creativos, consideramos que su contratación ha de ser accesible.

AMOR ES MÁS LABERINTO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

amar ligero2

El idioma es algo que nos identifica y nos permite comunicarnos. El español o castellano es una lengua romance del grupo ibérico y uno de los seis idiomas oficiales de la Organización de las Naciones Unidas. En la literatura universal, destacadas obras han sido escritas en idioma español. Para los grandes autores, además de su talento personal, el idioma es la herramienta más importante que tienen a su alcance. En la medida que sepan utilizar dicha herramienta, darán más lucimiento a su escritura.

 

Con el propósito de que se haga un buen uso del idioma, los encargados de educación se han preocupado por crear programas escolares tendientes a enseñar desde los primeros años lo relativo al manejo del lenguaje hablado y escrito. Desde luego, cada quién habrá de aprovechar los conocimientos adquiridos según sus capacidades. Además de lo que se aprende en las aulas, leer es muy útil para ampliar el vocabulario y profundizar en las virtudes del idioma. En nuestro país ha habido diversas corrientes para incentivar la lectura.

 

Los literatos y la gente culta se esmeran en honrar la palabra utilizándola de la mejor manera posible. Sin embargo, existe gente que no le tiene aprecio, incluso, hay quienes optan por utilizar modismos, apócopes, anglicismos o expresiones coloquiales para su comunicación cotidiana. Con el tiempo pareciera que la importancia de hablar y escribir bien ha ido perdiendo importancia.

amar ligero

Es una lástima que con el surgimiento de las redes sociales, el detrimento del idioma se haya agravado. Con tal de ahorrar espacio y tiempo, los jóvenes han inventado una peculiar jerga que en ocasiones resulta siendo incomprensible y eso sin mencionar los constantes errores ortográficos.

 

En fin, hemos de sentirnos orgullosos de nuestro idioma que ocupa el segundo lugar como lengua materna en el mundo y el tercero en internet. No podemos cambiar las costumbres juveniles de nuestros tiempos, pero sí continuar disfrutando del buen español a través de la lectura y de ver buen teatro. En estos días está en cartelera una obra inspirada en la escritura original de la mexicana Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, a quien conocemos como sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695). Una de las más prominentes autoras de todos los tiempos, mujer que se dedicó a enaltecer el idioma español tanto en la poesía como en la prosa. Sor Juana es considerada como la máxima figura del Barroco Español, su obra es plena de sabiduría filosófica. Se le acostumbra nombrarla como la Décima Musa. El acervo cultural que legó a la humanidad incluye dos obras teatrales. Una es Los empeños de una casa y la otra es Amor es más laberinto.

 

Es un verdadero deleite acudir a la escritura de una autora tan eminente. Amor es más laberinto es una comedia de enredos y confusiones ambientada en el mundo clásico. Las protagonistas son Ariadna y Fedra, dos jóvenes hermanas que, como todas las jovencitas, sueñan con el romanticismo y están en busca del amor, para lo cual están más que dispuestas a recorrer cualquier camino. Por azares del destino se internarán en la profundidad de ciertos laberintos, como puede ser un baile de máscaras donde nadie sabe quién es quién o transitar por calles oscuras cuando aún no había luminarias y poco se alcanzaba a ver. Teseo, príncipe de Atenas, deambula por los mismos lugares que ellas, ¿cuál de las dos hermanas robará el corazón a Teseo?

amar ligero3

Los creadores de la propuesta actual de Amor es más laberinto, la describen de la siguiente manera: “Atenas se encuentra bajo el dominio de Creta. El rey Minos exige que cada año siete jóvenes sean entregados para morir en el laberinto del Minotauro, como venganza por la muerte de su hijo. -Este año Teseo, el príncipe de Atenas, ha sido elegido como una de las víctimas. Ya en Creta, las hijas del rey -Ariadna y Fedra- se enamoran de él”.

 

El brillante texto de sor Juana Inés de la Cruz es uno de los clásicos que todos debieran leer. Para la adaptación del proyecto actual, Gilberto Guerrero, Paola Izquierdo y Ortos Soyuz se inspiraron en la obra homónima de sor Juana Inés de la Cruz, combinándola con textos de Fray Juan de Guevara, para luego actualizar ciertas circunstancias, respetando los textos originales. El relato es divertido y capta el interés del público de principio a fin. La dirección por parte de Gilberto Guerrero es impecable. Su trazo escénico es acorde, buen balance entre acción y pausas, buen aprovechamiento del espacio.

 

El desempeño histriónico y corporal del elenco es un buen trabajo de equipo. Destaca la interpretación de las ilusionadas hermanas por parte de dos de las mejores actrices jóvenes del teatro mexicano, quienes engalanan a sus personajes con su capacidad, experiencia, belleza y gracia natural. Ariadna es encarnada por Paola Izquierdo, mientras que Fedra es representada por Sonia Franco. Minos es Fermín Zúñiga, Lidoro es Gersón Martínez, Baco es Fernando Memije, Teseo es Ortos Soyuz, Racimo/Tebrando son Ginés Cruz, Laura es Alheí Abrego, Atún es Fabián Varona y Cinthia/Licas son Darinka Olmedo.

 

El resto del equipo creativo: La producción es de la Dirección de Teatro UNAM, el diseño de escenografía e iluminación de Arturo Nava, el diseño de vestuario de Cristina Sauza, la musicalización de Salvador González de la Vega, la coreografía de Evelia Kochen, los combates fueron impartidos por Ramón Cadaval, la productora es Ana Luisa Alfaro, en asistencia de escenografía está Sonia Flores y en asistencia de dirección Natalia Guerrero. Participan en el montaje Compañía Perro Teatro y Delirio Teatro. La temporada actual es presentada por el Sistema de Teatros.

amar ligero4

Siempre es grato revisitar a los grandes clásicos de la literatura universal y más aún que sean representados por jóvenes talentosos y comprometidos con el buen teatro. Un dinámico montaje, la dicha de escuchar nuestro idioma en su máxima expresión, situaciones divertidas expuestas con acierto. El espectador se adentró en los recovecos que afrontan Ariadna y Fedra tratando de encontrar a su pareja ideal.

 

Amor es más laberinto acaba de culminar su segunda temporada con gran éxito. La primera temporada fue en Teatro UNAM y la segunda en Sala Novo, ubicada en Coyoacán, Ciudad de México.

CONSÍGUEME UNA VIDA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

IMG_0016Suele decirse que las mujeres somos complicadas, pero, en lo personal, yo diría que la vida es un poco más complicada para nosotras. Existen muchas diferencias entre hombre y mujer, la más relevante, tal vez sea, que las mujeres son las únicas que pueden generar vida. Para los hombres convertirse en padres proviene de un momento de placer, en tanto que para las mujeres consiste en nueve meses de gestación y toda una vida de cuidados y amor. Hubo épocas en que la maternidad era algo casi obligatorio para las mujeres, quienes eran educadas sólo para dedicarse al hogar, ni siquiera se les permitía estudiar para ser profesionistas. Una vez que se casaban, todos comenzaban a preguntar en qué momento vendría el primer bebé. Afortunadamente, hoy en día, la mujer ya está en posición de tomar sus propias decisiones en cuanto a estudio, trabajo, parejas y maternidad. De cualquier forma, continúan existiendo ciertas complicaciones exclusivas para el llamado sexo débil, por ejemplo: menos oportunidades para la obtención de un puesto de trabajo, menores salarios en comparación con los ofrecidos al sexo opuesto, ser la principal encargada de la organización del hogar, lo cual duplica sus actividades, ya que luego de sus compromisos laborales habrá de realizar labores hogareñas. Casi todas las mujeres han demostrado ser aptas para lidiar con ello, sin embargo, una cosa es la capacidad para realizar varias tareas y otra el estrés que se acumula para tener todo a punto. Cuando la carga que llevamos a cuestas nos agobia, puede ser que estemos deseosas de “tirar la toalla“. Mientras esto sea sólo momentáneo, no hay de qué preocuparse, pero si sucede constantemente, habrá que buscar ayuda.

La casa productora Drama Cero fue fundada en 2017 por Ana Francis Mor, Shoshana Turkia, Adela Jalife y Antonio Arámburu. El nombre de Drama Cero conlleva su propósito, que es, según ellos afirman: “el de producir teatro sin drama y con buen ondeo”. Consígueme una vida es la obra con la que Drama Cero inicia actividades escénicas.

IMG_0019Para Consígueme una vida la autora, Adela Jalife, construye una ficción sobre el universo femenino con sólidos cimientos de realidad y la estructura en forma tal que aun cuando los personajes son diversos, algunos son alter egos de la protagonista. El tema central es la crisis que atraviesa una bella y exitosa psicoanalista, que ha llegado al hartazgo de su cotidianeidad y las presiones. Su único deseo es huir, aunque sea por la puerta falsa. En consistencia con la premisa de Drama Cero, Adela hábilmente trastoca la tragedia en comedia y aborda temas variados que atañen a la mujer y que son de interés general. El relato mantiene el interés del público de principio a fin.

La acción inicia cuando Eva Liliana ha tomado la decisión de suicidarse. Algo que parece inexplicable, pues pareciera que tiene todo para ser feliz, es muy guapa, en su profesión le va muy bien, su hogar y consultorio es un lujoso pent-house, pero se siente infeliz, tal vez esté hastiada, decepcionada o deprimida. El caso es que se quitará la vida.  Por fortuna, una llamada interrumpe el fatal acontecimiento. Una de sus pacientes le pide ayuda, da algunos consejos y vuelve a su cometido. Mientras persiste en su intento, llega Diego Armando, un visitante celestial que asegura ser todopoderoso, Eva Liliana lo pone a prueba pidiéndole: Consígueme una vida, ante lo cual Diego Armando le brindará la oportunidad de conocer el sentir íntimo de otras mujeres, a fin de que ella pueda ponerse en los zapatos de cada una para determinar cuál es la vida que le gustaría tener. ¿Qué vida elegirá Eva Liliana? Será la de la mujer para quien el matrimonio y la maternidad son lo más importante, preferirá ser una sensual y fogosa amante o bien lo que anhela es ser una mujer empoderada sumida en negocios y dinero.

Ana Francis Mor acude a su talento, experiencia y sensibilidad para crear el montaje y, además, en forma acertada le añade música, dotándolo de mayor vivacidad. El resultado es formidable. La labor de dirección por parte de Ana Francis es extraordinaria. Su trazo escénico es dinámico. Distribuye acción, pausas, baile, canto y música con equilibrio. Aprovecha a fondo el espacio y lo dimensiona. Diseña un concepto integral y lo lleva a buen puerto.

IMG_0033Eva Liliana es interpretada por Gabriela de la Garza, revistiéndola de una amplia gama de matices, además de sorprender con su entonada voz, ya que es la primera vez que Gabriela canta en un escenario. Diego Armando/Dios es encarnado por Pedro Kóminik, con su innata vis cómica y su privilegiada voz. La esposa/madre es la carismática Laura de Ita, maravillosa en su rol. La amante es Muriel Ricard, con toda su sensualidad y gracia, así como su melódica voz. La mujer de negocios es Daniela Schmidt, luciendo muy alfa, fría y despiadada. La labor histriónica, corporal y vocal de todos los integrantes del elenco es simplemente formidable y, por si fuera poco, la belleza de todos es un lujo.

El diseño sonoro es de Tareke Ortiz, la escenografía y la iluminación son de Érika Gómez,  la coreografía es de Talía Loaria y el vestuario es creación de Rafael Villegas y Raymundo Sánchez. En sus respectivas áreas cada uno de los creativos logra un trabajo formidable en beneficio del montaje. La producción es de Drama Cero, la producción general de Shoshana Turkia.

Sabemos bien que el “felices para siempre” no existe. Para ser feliz hay que trazar metas y lograrlas, rodearse de gente positiva, atesorar momentos gratos y recordarlos en momentos oportunos y alejarse de todo aquello que dañe o disguste. En Consígueme una vida no cambiarán tu vida, pero sí tu perspectiva. En forma lúdica y muy divertida harán que veas tu propio entorno en forma mucho más placentera. Embárcate en esta gran aventura musical donde todos y cada uno de los que integran el equipo han aportado talento, capacidad y habilidades. Una bocanada de aire fresco para oxigenar tu problemática habitual.

IMG_0043 (2)¡No te la pierdas! Te sugiero que compres tus boletos con anticipación porque el éxito ha sido tan espectacular que en todas las funciones tienen lleno total. De hecho, se vieron precisados a extender la temporada inicialmente programada.

Consígueme una vida se presenta viernes a las 20:30; sábados a las 17:30 y a las 20:00, y domingos a las 18:00 horas en el Foro principal del Teatro Shakespeare, ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa -cerca de la estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México. La duración aproximada es de 120 minutos. El costo de la localidad es de $380.00 pesos. Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 23 de septiembre de 2018.

INFIELES FAMOSOS INFAMES

Por  Eugenia Galeano Inclán

 

Cartel-INFIELES.FAMOSOS.INFAMES

En tanto que la mayoría de los refranes o dichos populares encierran sabiduría, algunos se han vuelto obsoletos, por ejemplo, aquel que dice “crea fama y échate a dormir“.  En el pasado tal vez fuera así, pero en la actualidad es tan difícil ganar fama como mantenerla.  Esto aplica en particular a quienes se dedican al medio del espectáculo.  Igual se vuelven famosos de la noche a la mañana por un golpe de suerte si les ofrecen un gran proyecto, tienen oportunidad de aceptarlo y despliegan su talento y aptitudes para realizar un excelente trabajo.  Si todo sale bien, se habrán dado a conocer de inmediato,  Una vez en la cima, lo disfrutarán al máximo.  Sin embargo, la fama puede ser efímera, y se requiere de estar en lucha constante lucha para conservarla.  Lo peor es que aún para quienes logran mantener la fama por años, llega el momento en que dejen de llamarlos, si se presenta algún cambio en sus capacidades, su apariencia o simplemente por edad.  En estos casos, ellos estarán tan acostumbrados a la fama que harán hasta lo imposible por conservarla.

 

Este es el tema que eligió Neil LaBute para su obra “The money shot” (El disparo de dinero), la cual para su presentación en México ha sido renombrada como INFIELESFAMOSOS INFAMES.

 

Neil LaBute nació en 1963 en Detroit, Michigan, Estados Unidos de América.  Se desempeña como director de cine, guionista y dramaturgo.  Es un gran observador, delinea el carácter de sus personajes con precisión, sus textos son brillantes, siempre con subtextos salpicados de crítica, ironía y humor ácido.  Sus parlamentos son fluidos y muy directos.  Desde su primera obra dio de que hablar, sobre todo, entre conservadores que no estaban de acuerdo con sus audaces temas.  Con el tiempo se ha convertido en uno de los autores más destacados en la dramaturgia norteamericana contemporánea.  Tanto en cine como en teatro sus elencos han incluido a actores y actrices de fama internacional.

Foto.(2)

INFIELES FAMOSOS INFAMES versa sobre una cena que ha sido organizada para hablar de un tema delicado relacionada con una propuesta que acaban de recibir, la cual podría hacer reavivar la fama de dos de los presentes.  Los cuatro son distintos entre sí, lo único en que coinciden es que todos son bellos.  Las anfitrionas son Karen y Beverly, los invitados Steve y su esposa Missy.  Karen es una actriz exitosa que recién “salió del closet” al enamorarse de Beverly, quien siempre se ha asumido lesbiana y su talento lo desarrolla detrás de cámara en trabajos de edición cinematográfica.   Steve es lo que coloquialmente se llama un “macho alfa“, ególatra por naturaleza.  Ya ha cumplido 50 años, pero se esfuerza en asegurar que sólo tiene 48.  Fue un actor famoso que se encuentra en decadencia, aunque, desde luego, él no lo acepta, convenciéndose a sí mismo -y a los demás- que no es que no tenga ofertas de trabajo, sino que no le ha llegado una buena oferta.  Se ha casado varias veces, se le nota que es misógino y prepotente.  Hace apenas once meses que está al lado de su esposa actual Missy, una joven despampanante a quien le dobla la edad.  Missy también es actriz, ama y admira a Steve y considera que con él aprenderá mucho de la carrera.

 

Mientras Karen, consciente de que su trabajo ha ido disminuyendo, ha optado por explorar sus habilidades de comercialización de productos, Steve sigue aferrado a esperar el llamado que le convenga.  De algún modo, como la generalidad de las personas, todos ellos usan máscaras para no dejar ver su sentir íntimo.

Foto.(4)

En la lujosa mansión de Karen, ante una vista maravillosa de las colinas y el muy fotografiado letrero Hollywood situado en el Monte Lee en el distrito de Hollywood Hills, durante la charla previa a la cena, se  abarcarán temas tan diversos como beneficios y molestias de la fama, vida en pareja, racismo, homofobia, intolerancia, dietas, ejercicios, costumbres, terapias, dinero, apariencia física, intelectualidad.  Sus opiniones, convicciones y actitudes harán que poco a poco se vayan develando detalles de la personalidad de cada uno de los allí reunidos.

 

El estructurado texto de Neil LaBute capta el interés del espectador de principio a fin en INFIELES FAMOSOS INFAMES. Sorprenden las vueltas de tuerca que se dan a cada momento.  Una reunión aparentemente casual va tornándose complicada.

 

La dirección corre a cargo de Juan Ríos y Angélica Rogel, ambos comprometidos con el teatro y meticulosos en su quehacer.  La labor conjunta resulta admirable, su trazo escénico es pulcro, la acción constante, la corporalidad acertada y el ritmo preciso.

Foto.(5)

La labor histriónica y corporal del elenco también es notable.  Los cuatro realizaron una atinada creación de sus respectivos personajes.  Francisco de la O interpreta a Steve, situándolo en el justo medio entre atractivo y odioso.  La bella Sophie Gómez encarna a Karen, mujer distinguida con mucho glamour.  La hermosa Valeria Vera da vida a Beverly, inteligente, talentosa, segura de sí misma, de lo que sabe, hace y piensa.  La fascinante Ela Velden es Missy, quien pareciera una actricita atolondrada, pero en realidad es una chica muy perspicaz.

 

El resto del equipo creativo está conformado por:  Tere Uribe en diseño de escenografía, aportando el entorno ideal.  Marian Celis en diseño de vestuario, proveyendo atuendos muy acordes para resaltar la idiosincrasia de cada personaje.  Antonio Peña y Ramón Cadaval imparten combate escénico  Jocelyn Chacón en asistencia de producción.  Einar González en fotografía.  Pablo González en asistencia de fotografía,  Daniel Petris en diseño de arte.  Patricia Trujillo en diseño gráfico y publicidad.  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas.  Carlos Martínez – Prensa Danna en prensa.  Alejandra Vidal es manager y contenido digital.  María José Santana en diseño y animación de material digital.  Patricia Villarejo es la Community Manager..  Alma Campuzano en coordinación de lanzamiento.  Sofía Sereno en promoción y patrocinios.

 

Productores:  Arturo Barba,  Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar.  Productora Asociada: Sophie Gómez.  Producción Ejecutiva:  Fabiola Núñez.  Directora de Producción de la Rama de Teatro:  Mónica Bravo.

 

La producción es de La Rama Teatro – Sofía Sereno y Denisse Prieto.  La producción administrativa de Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo.   La contabilidad la lleva José Guadalupe Miranda.

 

Todos los productores, actores y creativos del montaje de INFIELES FAMOSOS INFAMES dedican su temporada a la memoria de la señora Fela Fábregas, lamentando profundamente su partida y dedicándole su trabajo como un homenaje sincero a su legado, memoria y amorosa labor.

 

Quedas cordialmente a presenciar todo lo que ocurres en la cena de cuatro INFIELES FAMOSOS INFAMES.  A todos nos gustaría mirar a través de una ventana lo que ocurre en una lujosa residencia y conocer el sentir y pensar de aquellos adinerados que han alcanzado la fama.  La diversión está garantizada, tal vez identifiques a algún conocido tuyo que sea como ellos,  Entretenimiento que te lleva a la reflexión.  Teatro mexicano de excelente factura.

 

INFIELES FAMOSOS INFAMES

se presenta viernes a las 20:30 horas

sábado a las 18:00 y 20:30 horas

y  domingo a las 17:00 y 19:30 horas  en el

TEATRO VIRGINIA FÁBREGAS

ubicado en la calle Joaquín Velázquez de León número 29,

colonia San Rafael, Ciudad de México

La duración es de 90 minutos

El costo de la localidad es de $500

Descuentos acostumbrados para maestros, estudiantes  e

INAPAM con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 29 de julio de 2018

 

 

 

AQUELLO QUE PARECEMOS (#LaTragediaDelOso)

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

 

aquello ligero

En estos tiempos las redes sociales ocupan el punto de encuentro más popular entre los jóvenes.  Cada día son más utilizadas para comunicarse, compartir imágenes o transmisiones en vivo, informar si vas al gimnasio, a un buen restaurante, a una fiesta, al igual que si sólo recorres alguna calle o experimentas una nueva receta en casa.  Muchos también las usan para conocer gente.  Agregan amigos aún sin conocerlos y sin pensar que tal vez nunca los verán personalmente.  Hay hasta quienes buscan el amor.  Si bien existen sitios especialmente diseñados para encontrar parejas, desde cualquier red se pueden mantener conversaciones que pudieran ser tendientes a entablar una relación.

 

Es difícil que los jóvenes tomen conciencia de que en la comunicación virtual no hay garantía alguna de estar ante una persona real o que esté actuando con honestidad.  Es fácil suplantar a alguien, crearse una personalidad ficticia o mostrar fotografías de cualquier otra persona.  Peor aún, se debe tomar en cuenta que hay maleantes con dobles intenciones que se han especializado en crear aplicaciones para delinquir y se dedican a hackear cuentas, recaudar dinero, reclutar gente con engaños, cometer fraudes y muchas cosas más.

 

Si nos llevamos decepciones con personas que conocemos de hace tiempo, imaginemos qué puede suceder con personas que sólo dicen lo que quieren decir sin darnos oportunidad de verlas a los ojos o de leer su lenguaje corporal.  Lo más probable es que sean muy distintos a lo que se espera y que lo que buscan es sacar provecho.

 

El caso es que las redes son parte de nuestra realidad y es imposible sustraerse a éstas.  Aun cuando no las utilices, sabes de qué se tratan, toda vez que en las noticias escuchas que famosas estrellas,  importantes personajes y hasta presidentes envían tweets (mensajes).  La dramaturga Jimena Eme Vázquez, mujer consciente de su actualidad, decidió escribir AQUELLO  QUE PARECEMOS #LaTragediaDelOso para llevar el mundo del Twitter al Teatro.  Para hacerlo, construyó su relato a base de tweets, aplicando el lenguaje propio de la red, donde abundan los hashtags (etiquetas) y las opiniones de los “amigos“.  Tomó como inspiración un hecho de la vida real que fue tendencia en redes -la historia del oso de cumbres-.  El protagonista, cuyo seudónimo en Twitter es “El Oso” conoció a una joven a través de la red y se enamoró perdidamente de ella, tanto así, que tomó la decisión de abandonar a su esposa e hijas con tal de seguir a Tamara, al considerarla el amor de su vida.

 

Tal vez él estaba cansado o aburrido de su vida y tomó como pretexto perseguir un ideal.  El caso, es que perdió todo lo que había construido por un ideal.  ¿Qué garantía tiene él de que su amor cibernético sea realmente lo que él cree.  Nuestros antecesores se guiaban por dichos populares, ¿será que son ciertos? , alguno de estos es:  “más vale malo por conocido que bueno por conocer“, pero al Oso no le preocupa, puesto que está seguro que alcanzará la felicidad una vez que se reúna con su amada.  La pregunta sería ¿qué sucederá si Tamara ni siquiera existe?.

aquello2 ligero

El texto de Jimena Eme Vázquez está estructurado y narra la historia, como ya lo mencionamos, mediante mensajes.  Si se lee, no hay problema para seguir la trama, sin embargo, el reto era trasladarlo a escena.  Fernando Reyes en su rol de director venció airosamente el reto.  Su trazo es muy fluido.  Enmarcó el texto de Jimena en forma consistente al relato.  Al ser éste cibernético, Fernando diseñó varios cuadros a manera de ventanas, lo cual le permitió presentar diversos planos para que varios personajes interactuaran, incorporó música rock en vivo y algunas imágenes que rememoran fotografías de perfil de los participantes.

 

Según comenta Fernando Reyes, la puesta en escena es creación colectiva.  Pidió a su elenco que aportara sugerencias y él se encargó de aceptar las más convenientes para armar el montaje.  El resultado es una obra dinámica tan vertiginosa como lo son las redes sociales, con todo el ímpetu de los jóvenes de hoy en día.  Las coreografías son coordinadas y estéticas, el ritmo preciso.  La labor de Fernando como director es estupenda.

aquello ligero 3

El elenco está conformado por:  Juan Pernas – Quique Zavala / el protagonista,  Allan Aullet – @OsoAnalfabeta,  Gabriela Montiel – TantaMora,  ATA – @RicardoTresTres,  Adonay Guadarrama – @ElYagoClaudio,  Alejandra Reyes – @MacarronBeth / Lady Bea,  Daniel H. Gómez – @ErreVancouver,  y  Denis González Noriega – @OfeliaWilliams, un grupo de jóvenes muy entusiastas, comprometidos con el teatro que ofrecen un gran trabajo histriónico y corporal.

 

Complementan el equipo creativo:  María José Bernal en Twitter,  los Hermanos Bárcenas en Soundtrack,  Miguel Moreno e Iván Sotelo en diseño de iluminación,  Daniela Moreno en asistencia de iluminación,  y  Heidy Polo en asistencia de dirección.  Así mismo, participan:  Estefanía Villa en coreografías, Juan Pernas, Allan Aullet y Adonay Guadarrama en realización de escenografía,  Santiago Ulloa en diseño gráfico,  y  Rosa María Trujillo en difusión y prensa.

 

La producción es de Sobredosis, un grupo teatral fundado en 2011 que inició actividades con un cortometraje y que a la fecha, además de éste, ha producido siete obras de teatro.

aquello ligero4

Empápate del mundo virtual acompañando a estos chicos deseosos de hacer teatro.  Es muy loable que las nuevas generaciones de creadores expresen su sentir explorando nuevos temas que están tan presentes en la actualidad y que para muchos han llegado a ser imprescindibles.  Un buen trabajo de equipo en un montaje original llevado a buen puerto. Te anticipo que disfrutarás sentirte en medio de este torbellino a ritmo de guitarra eléctrica, percusiones, canto femenino, galanes y bellas chicas.

 

AQUELLO QUE PARECEMOS

#LaTragediaDelOso

se presenta los sábados a las 20:00 horas en el

FORO LA NABE

ubicado en José María Vértiz número 86,

colonia Doctores, Ciudad de México

La duración es de 80 minutos

El costo de la localidad es de $200

Descuentos acostumbrados para maestros, estudiantes, INAPAM y vecinos de la zona

con credencial vigente

 

La temporada concluye el sábado 21 de julio de 2018

 

Julio 2018