Autor: Eugenia Galeano

LA SEMILLA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Desde nuestra niñez asociamos la semilla con vida. Esto se debe a que, para que los niños tomen mayor conciencia de la naturaleza, en las escuelas acostumbran hacer el ejercicio de que cada niño experimente el sembrar una semilla -por lo general, en un vaso-, la cuide, la riegue y compruebe cómo comienza a crecer una plantita.  Conforme crecemos, nos damos cuenta de que las semillas no solo se relacionan con las plantas sino con la vida en general de muchas especies del reino animal, incluidos, desde luego, los humanos. A través de múltiples investigaciones, la ciencia ha logrado determinar, incluso, el ADN, y hoy en día se sabe mucho más de sus componentes.

P1160948Así mismo, ya sea en literatura o en pláticas, la gente suele referirse metafóricamente a la semilla de alguien, tanto por aspectos físicos como circunstanciales. Por ejemplo, ciertas familias tienen una cierta predisposición a sufrir enfermedades, o bien, son propensos a sufrimientos. En el caso de enfermedades, obviamente, se debe a la genética heredada. En cambio, si se tratara de accidentes, es común achacarlo al karma y, por el contrario, si se trata de actividades delictivas se atribuye a hogares disfuncionales o simple falta de educación o cuidado.

De cualquier modo, toda semilla es el punto de partida de algo. También de la inspiración. En el caso de La semilla, a Édgar Chías le bastó tener conocimiento de una noticia fuera de lo común. Se trataba de una abuela y su nieto que se encuentran sin saber del parentesco que los une, dado que no se conocen, luego se enamoraron y deciden coronar su amor con un hijo. Algo bastante extraño que a cualquiera impactaría, pero que en la mente de Édgar Chías provocó el deseo de desarrollar una historia. Si ya era extraño que conforme a la clásica tragedia griega, Edipo desposara a su madre, resulta más sorprendente el amor entre abuela y nieto.

El texto de Édgar Chías aborda un universo básicamente femenino. Las protagonistas son abuela, madre, hija y una socióloga interesada en el caso. El único actor complementa la trama cuando se requiere de un elemento masculino. Tanto el relato como la estructura cautivan al espectador. La estructura que utiliza Édgar Chías es similar a la de las series, es decir, va proporcionando información poco a poco mediante entregas. Sin orden cronológico, el tiempo va y viene entrelazándose. Toca al público estar atento para captar el panorama completo y lograr una mejor comprensión. Se supone que en el caso de La semilla, ésta consiste en un estigma que hace que las mujeres de esa familia se enamoren de quien no deberían. Sin embargo, la hija parece estar determinada a romper la tradición y comenzar a partir de cero, despojándose de su pasado, aun cuando esto implique romper todo tipo de lazos. El relato abarca diversos temas como el uso de la tecnología, el amor, la pasión, la infidelidad, el abuso infantil, las relaciones familiares, las decisiones personales y los momentos claves para sucumbir o escapar.

P1160951Como de costumbre, Édgar Chías da gran relevancia al sentir interno de sus personajes, el cual delinea meticulosamente con su fina pluma. En cuanto al montaje, para cualquier director es un reto traducir a lenguaje teatral lo escrito por Édgar, en virtud de que es un autor que no incluye acotaciones, dando por igual libertad y dificultad a quien lo lleve a escena. En lo que respecta a La semilla, Gabriela Ochoa no solo vence el reto sino que se perfila como una de las mejores directoras de escena en México por su formidable trabajo de dirección. Enmarca el relato en un entorno atemporal en tres planos, donde la acción se dimensiona, añade ejercicios corporales fuera de lo común que llegan hasta a poner de cabeza a alguien del elenco, y las escenas fuertes las maneja con tal delicadeza que el espectador se percata de lo que sucede, sin necesidad de presenciar algo chocante o grotesco.

La acción comienza cuando una mujer completamente desnuda camina por una carretera. ¿Qué le habrá ocurrido a esta joven para atreverse a salir a la calle sin siquiera vestirse?  Se revelará más tarde que se trata de Olinda, una chica que estuvo estudiando un tiempo en el extranjero y cuando regresó a su casa ciertas circunstancias hicieron que se enterara de “la huella… el testimonio de los errores de otra generación”. En un momento dado, piensa para sí que “el tren de tu vida y la mía se impactaron y descarrilaron”. 

El elenco está conformado por: la bella Surya Mcgrégor, interpretando a dos personajes, la socióloga y la abuela; Mahalat Sánchez encarnando a la sensual madre,  Raúl Briones como los personajes masculinos y la hermosa Sofía Sylwin dando vida a Olinda, la joven tierna con tremenda fuerza interior. Las tres actrices hacen gala de sus dotes histriónicas y corporales, en tanto que Raúl hace bien su trabajo, pero, quizá por su personaje, ocupa un plano alterno sin lucimiento.

El resto del equipo creativo lo integran: Jesús Hernández en diseño de escenografía y de iluminación, Mario Marín del Río en diseño de vestuario, Genaro Ochoa en música original y diseño sonoro, Carolina Garibay en asistencia de dirección, Miguel Romero en producción ejecutiva, Axela Valadez en asistencia de vestuario, Idalí Osnaya y Josué Cabrera en asistencia de producción, Edmundo Luján en difusión y relaciones públicas,  Elda Mar y Campo Escénico en realización de vestuario; Macedonio Cervantes, Eusebio Cervantes, Jaime Lule, Leonardo Ramírez, Roberto Águila, Rodolfo Cruz, Juan Carlos Cruz, Jorge Ramírez, Luciano Martínez, Jaime Mejía, Noé Hernández, Iván Cervantes y Campo Escénico en realización de escenografía; Passo de Gato en pintura escénica,  Jessica Alvarado en administración de TeatroSinParedes.

P1160952La semilla es presentada por la Secretaría de Cultura,  Conejillos de Indias, Teatro en la Margen y TeatroSinParedes.

Entérate de todo lo que Olinda descubre acerca de su familia en esta original historia escrita por Édgar Chías, experimentado y talentoso dramaturgo, bajo la dirección de la sensible Gabriela Ochoa, mientras disfrutas de las entrañables actuaciones de tres hermosas mujeres: Surya Mcgrégor, Mahalat Sánchez y Sofía Sylwin, acompañadas de Raúl Briones. Saldrás con la esperanza de que se puede romper con todo aquello que te lastime si tienes la intención de renacer. Teatro de calidad realizado por un extraordinario equipo. ¡No te la pierdas! Apresúrate, solo quedan unas cuantas funciones.

La semilla se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas,  y domingos a las 18:00 horas en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, sin número, Bosque de Chapultepec -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 15 de octubre de 2017. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos; para Gente de Teatro: $45.00. Jueves al Teatro: $30.00, Viernes al Teatro en bici: $45.00 pesos. Descuentos acostumbrados con credencial.

PAKA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Queda a libre elección del autor la temática que desea abordar, así como la estructura que dará al planteamiento, desarrollo y desenlace de su obra. Quienes escriben no se detienen a pensar si el texto será del agrado del público o no, sino que se basan en lo que necesitan expresar. Sin embargo, cuando el relato va dirigido al público infantil, sí tienen que tener en cuenta ciertos aspectos. El primero es captar la atención del pequeño, pues si no les interesa, su naturaleza hará que se distraigan y, tal vez, hasta que se quieran ir o se porten mal durante la función. Tampoco puede ser algo que les atemorice porque el resultado sería nefasto. Ellos están ávidos de conocer nuevas historias y son como esponjas, para bien o para mal, absorben todo aquello que ven o escuchan. En tiempos pasados, por lo general, las obras de teatro para niños eran adaptaciones de populares cuentos clásicos. Por fortuna, ahora hay personas que se esmeran en crear nuevos relatos más atrayentes. Los niños de hoy en día que viven la era digital desde su nacimiento y que tienen millones de ventanas que se abren ante sus ojos para ver el mundo ya no gustan de aquellos cuentos, les interesa más algo que los atrape, con lo que ellos de una u otra forma puedan identificarse.

Entre los autores que satisfacen estas nuevas expectativas de los chiquitines actuales se encuentra Verónica Maldonado Carrasco, egresada de la carrera de Literatura Dramática y Teatro, quien a lo largo de su trayectoria profesional se ha desempeñado como actriz, dramaturga, directora escénica, guionista y docente. A la fecha, tiene alrededor de una veintena de montajes, varios de los cuales están específicamente dirigidos a público infantil y juvenil. Algunas de sus obras más destacadas son: El Yeitotol, El viaje de Ulises, Valentina y la sombra del diablo, Segiz o la historia del príncipe dormido, Máquina 30000, Las batallas del desierto, De cómo el épico negrito y el valiente Monsieur Epicé evitaron otra guerra de los pasteles”. Ha sido merecedora de diversos premios, tanto nacionales como internacionales en dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Esto da cuenta clara de que Verónica es una persona sensitiva que sabe llegar al corazón del espectador y sus textos, además de tener buena estructura, provienen de investigación y esmero para ofrecer algo fundamentado.

En el material promocional de Paka, la trama se describe así: “Adolfo ha tenido una pesadilla, al despertar hace una pregunta: ¿puede un ratón crecer y crecer hasta ser un león y luego hasta convertirse en un dragón? El problema es que nadie puede responder esa pregunta, solo algo tan pequeño como un ratón”.

Al despertar sobresaltado por la pesadilla que tuvo, Adolfo busca compañía. Necesita que alguien lo consuele, que le dé un cálido abrazo. Recorre la casa y se da cuenta de que está solo. De pronto, escucha un pequeño ruido debajo de la cama de sus padres. Encuentra un paquete. Su curiosidad le indica abrirlo. Está a punto de hacerlo cuando su papá lo detiene con voz firme. Le dice que no debe abrirlo porque adentro hay un animal al que no le gustan los niños. Esto, lejos de calmar a Adolfo, lo inquieta mucho más, pero, a la vez, incrementa su determinación de abrir el paquete y lo hará tan pronto pueda.

Una vez que logra su objetivo, Adolfo supone que ese “animal” es el ratón de sus sueños y que éste crecerá y crecerá en forma desmedida. Esto lo atemoriza mucho. Lo bueno es que llega Ángel, un niño pálido de ojos tristes. Al conocerse, de inmediato congenian y se ponen a platicar y a jugar. Sin saberlo, Ángel llegó en el momento preciso para calmar a Adolfo.

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A través de Paka, Verónica Maldonado brinda esparcimiento a los pequeños, pero a la vez convoca a los padres a reflexionar si están prestando la debida atención a sus hijos. En el caso de Adolfo, si bien es un niño al que sus padres cuidan, educan y alimentan, a él le hace falta que le hagan más caso. En tanto que su papá está muy ocupado en el trabajo y su mamá considera más compañera a su hijita, Adolfo siente que lo están dejando algo de lado y la soledad se convierte en temor. Sus sentimientos dan rienda suelta a su imaginación y comienza a pensar si un pequeño ratón puede convertirse en un león y luego en un gigantesco dragón. Verónica Maldonado logra una espléndida labor en sus tres rubros. Su texto capta el interés de principio a fin. Como directora, balancea acción, dinámica y ritmo. En cuanto al concepto escénico, su montaje es espléndido, la autora y directora crea un universo pleno de metáforas, en un marco de estética teatral y gran colorido. Cada elemento tiene un simbolismo propio y definido. Como diseño sonoro utiliza una canción que alude a los nahuales provenientes de la cosmovisión mexica. Según la leyenda, un nahual puede desprenderse de su piel y transformarse en cualquier animal. En la letra de la melodía se escucha: “todos podemos ser nahuales chicos y grandes” … “si tú haces tratos con esa bestia vas a ganarte muchas molestias”.

La creatividad y eficacia están presentes en la construcción y en la manipulación de los títeres. No escatiman en cuanto a cambios para dar variedad, igual son pequeños que grandes, están sobre una mesa o caminan por el espacio escénico. También utilizan máscaras, guantes o varillas para que los demás personajes interactúen con los títeres. Los colores conllevan un significado. Estas criaturas, digamos, artesanales, emanan ternura y parecen tener vida propia.

Los encargados de la animación son Belem López y Mauricio Reyes, quienes ofrecen una extraordinaria labor histriónica, corporal y como manipuladores de los títeres, además de su excelente dicción y la matizada inflexión que dan a sus voces.

Complementan el equipo creativo: Ulil Antúnez en la música, Rocío Carrillo en el diseño de iluminación, Bruno Zamudio en asistencia de dirección y Paloma de la Riva en producción ejecutiva. La producción es de Teatro al Límite y Fundación Oeste.

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Paka es un proyecto bien diseñado y perfectamente logrado, detrás del cual hay un equipo muy comprometido que piensa en los pequeños como seres inteligentes y sensibles, para quienes el teatro más que una mera diversión puede ser una vivencia. Loable labor de todos y cada uno de los integrantes.

Paka acaba de concluir temporada en La Titería, donde tuvo tal éxito que prolongó su estancia. Sin embargo, les sugerimos estar muy al pendiente de las nuevas producciones de Teatro al Límite y Fundación Oeste, así como de la dramaturgia de Verónica Maldonado, para que lleven a sus niños, en virtud de que para ellos será una grata experiencia.

Igual los productores de Aguascalientes podrían contactar a Verónica Maldonado, a Teatro al Límite o a Fundación Oeste para llevar esta bella obra a los pequeñitos de su localidad.

FANTOMAS MONSTER (FANTOMAS CONTRA EL MIEDO Y EL OLVIDO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Por lo general, adoramos a los héroes. Desde niños quedamos fascinados ante las proezas de aquellos que poseen poderes especiales y que protagonizan cuentos, historietas, programas televisivos, películas, obras de teatro o series. Así mismo, en las clases de historia se nos muestra que sí existen héroes. Aun cuando no cuenten con poderes ni magia, quienes actúan con arrojo y valentía ante la adversidad merecen ser llamados héroes. Con el paso del tiempo, estamos conscientes de que no existen los poderes sobrenaturales, pero siempre habrá héroes, aun cuando sean anónimos y ni siquiera conozcamos sus nombres. Claro ejemplo de esto son todas las personas que se volcaron en las calles para brindar ayuda a los damnificados en los recientes sismos ocurridos los días 7 y 19 de septiembre.

Quienes vivimos en la Ciudad de México somos testigos presenciales de la forma en que la gente ha puesto alma y corazón en la búsqueda de sobrevivientes en los edificios derrumbados, en el rescate de los que lamentablemente perdieron la vida, en el apoyo a las brigadas de rescatistas profesionales, brindándoles café, sopa, tacos, tortas, agua o lo que sea para que comieran algo mientras realizaban sus labores, así como los grupos que se han organizado para hacer colectas tratando de reunir todo aquello considerado como indispensable para hacer más llevadera la vida de quienes perdieron su vivienda o resultaron damnificados.

Muchos integrantes del medio teatral no sólo han participado activamente en todo esto, sino que han adaptado ciertos foros para convertirlos en centros de acopio y, además, están llevando algo de diversión a los pequeños en albergues. Toda esta ayuda ha sido proporcionada en forma voluntaria y desinteresada, sin que nadie la pidiera. La gente acudió desafiando los peligros, poniendo en riesgo su propia salud y empeñando todo su esfuerzo físico y mental, olvidándose de comer y de dormir. Definitivamente, no podemos denominarlos sino como verdaderos héroes.

Entre los numerosos superhéroes ficticios se encuentra Fantomas, el protagonista de una historieta mexicana llamada Fantomas, la amenaza elegante que salió a la venta en 1960 y se hizo tan popular que las entregas quincenales se realizaron a lo largo de casi tres décadas. Fantomas era una especie de fantasma sin rostro, con una máscara informe muy blanca, con un atuendo negro muy elegante, cual si fuera a una ceremonia importante y con una enorme capa, que impartía de propia mano la justicia.   La historieta de Fantomas trascendió fronteras no sOlo ganó fama en México sino en Centro y Sudamérica. Los creadores de Fantomas, Guillermo Mendizábal y Rubén Lara se salieron de la Editorial Novaro porque ésta registró los personajes a su nombre en derechos de autor sin su consentimiento. Víctor Cruz lo siguió dibujando por más de 10 años, hasta mediados de los ochenta.

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Fantomas fue tan famoso que en 1975 Julio Cortázar escribió la novela Fantomas contra los vampiros multinacionales. Así mismo, fue retomado en algunas películas realizadas en otros países.

Fantomas fue conocido en el mundo y asociado a México como algo positivo, lo malo es que México también ha trascendido fronteras por cosas negativas, como lo es el caso de Ayotzinapa, del cual todo el mundo se enteró.

Ahora, creadores escénicos de Austria y México se reúnen para colaborar en un proyecto relacionado con Fantomas y con Ayotzinapa. Se trata de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido), una compilación de varias obras de teatro expresadas con apoyo en multimedia, cuya inspiración es Fantomas contra los vampiros multinacionales, novela de la autoría de Julio Cortázar.

Con el propósito de reflejar experiencias de activistas que se han visto afectados por el terror que provoca el Estado y la violencia de las transnacionales, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) fue construida a partir de testimonios de vivencias de artistas y activistas de México, Irán y Austria. En la propuesta participan actores, intérpretes, dramaturgos, artistas visuales, activistas, músicos y científicos de diferentes países, quienes exploran la importancia de los superhéroes hoy en día.

El episodio Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es la segunda producción en vivo de una novela gráfica que se sitúa entre el docuficción y el cómic, contextualizado en el México actual. Está ampliamente documentado, para lo cual los creativos consultaron en forma exhaustiva las siguientes fuentes: Gonzalo Matré: El regreso de Fantomas, la amenaza elegante, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México, 2013; Julio Cortázar sobre Fantomas, 1977; El Caso de Ayotzinapa: Una cartografía de la violencia-Proyecto de Forensic Architecture comisionado y llevado a cabo en colaboración con el Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF) y el Centro de Derechos Humanos Miguel Agustín Pro Juárez (Centro Prodh) para las familias de los 43 estudiantes desaparecidos, los heridos y asesinados de Ayotzinapa, y Tribunal Permanente de los Pueblos.

El relato versa sobre Alicia, una mexicana expatriada que trabaja en Viena en una oficina que se dedica a casos de trabajadores refugiados de Medio Oriente. En noviembre de 2014, a dos meses de los sucesos en Ayotzinapa, una cuestión de índole personal le hace necesario viajar de regreso a su país natal. Por casualidad, alguien le obsequia un ejemplar de la popular historieta Fantomas, la amenaza elegante.   Mientras la lee, piensa que tal vez México podría ser distinto si realmente existiera un superhéroe que impartiera la justicia a diestra y siniestra. Sin embargo ¿en qué forma podría ayudar Fantomas a la construcción de memoria y resistencia contra los poderes del miedo y el olvido? …

Por su parte, Fantomas está feliz de volver a la vida pública, aun cuando reconoce que, dado que su reaparición es 20 años después, tiene que lucir con algunos cambios por el paso del tiempo, como unos kilos de más, ciertas curvas que no tenía y que su rostro ya no es blanco sino rosa mexicano, lo cual le resulta más congruente por ser su país de origen.

Fantomas monster es un proyecto multidisciplinario de dos fases conformado por dos piezas multimedia, teatro en escena, documental, cómics publicados, clips de animación, página web, exposición y simposios. En ambas fases la figura de Fantomas es el hilo conductor. La primera parte fue estrenada en 2016. Esta fue contextualizada en Irán y denominada como Fantomas monster (Fantomas contra el poder en extinción). El performance se realizó con la colaboración de la artista y activista iraní Parastou Forouhar, quien radica en Alemania y cuyos padres fueron asesinados en 1998 por agentes del estado, motivo por el cual tiene relación estrecha con los “asesinatos en cadena” ocurridos en Irán.

La versión que se presenta en la Ciudad de México Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es un proyecto bien diseñado y perfectamente logrado. Tanto su concepto original como la dirección escénica corren a cargo de Gin Müller, dramaturgo, artista, activista queer, quien se ha especializado en explorar la interfaz entre la performance y el activismo político. Loable trabajo de Gin Müller en ambos rubros.

Participan en escena: Miriam Balderas, conmovedora como Alicia, la mujer que de pronto tiene que regresar a su país. Edwarda Gurrola, simplemente deliciosa, como un nuevo Fantomas, ahora pizpireto, algo presumido, medio protagónico, siempre intrépido. Kaveh Parmas encarnando a Kurosh, un doble agente, en quien es peligroso depositar confianza. Formidable labor histriónica y corporal por parte del elenco.

Complementan el equipo creativo: Jan Machacek en escenario y video, Katia Tirado y Gerardo Montes de Oca en investigación y dramaturgia, Postkaput (Víctor Martínez & Icetrip Estévez) en música, Adriana Olivera en vestuario, Franz Kapfer (de Austria) e Iván Cervantes (de México) en construcción del escenario, Oliver Stotz como videoprogramador, Tamara Wilhelm en sonido, Georg Starzner en gráficos impresos, Mauricio Garmona en asistencia, Rosario Hevia en producción, y Emiliano Escoto y Carlos Martínez Rentería en prensa.

Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es una producción de la Asociación para la Libertad del Movimiento (Verein zur Förderung der Bewegungsfreiheit) y brut Wien, con el apoyo de MA7 (Kulturabteilung der Stadt Wien), el Museo Universitario del Chopo, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y el Foro Cultural de Austria en México, así como Pulquería Los Insurgentes.

Siempre es interesante ver a México desde otras perspectivas. Este proyecto refleja dos caras distintas de México que han sido del conocimiento de habitantes del resto del mundo. Por un lado, una famosa historia y, por el otro, los tristes y vergonzosos sucesos de Ayotzinapa. Extraordinaria coordinación entre el hecho escénico, la historia, el multimedia, el sonido y la iluminación. Formidable montaje, entrañables interpretaciones. Es momento de que México unido luche contra el miedo y el olvido.   Por si fuera poco, las salas del Museo Universitario del Chopo albergan una exposición montada por los creadores de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) y obsequian un ejemplar especialmente diseñado y publicado para los espectadores. En una sola visita se tuvo acceso a obra de teatro, paseo por el museo y lectura para casa.

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A la función de estreno asistieron dos madres y una hermana de desaparecidos de Ayotzinapa, a quienes al final de la obra invitaron a pasar al escenario para que expresaran su sentir. Dijeron que la obra les había conmovido y hablaron sobre el dolor de haber perdido a un ser querido, la zozobra de no saber en dónde están y los esfuerzos que han realizado por conocer la verdad. Fue mucho muy emotivo escuchar cuando todo el público a una sola voz gritó: “Vivos se los llevaron, vivos los queremos”.

A causa de la situación de emergencia provocada por el sismo recién ocurrido en la Ciudad de México, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) no pudo cubrir la breve temporada de cuatro días que se había anunciado y únicamente fue posible asignarle dos funciones. Con gran éxito Fantomas monster – Fantomas contra el miedo y el olvido se presentó en el Foro del dinosaurio del Museo Universitario del Chopo. La entrada fue gratuita, pero se conminó a los asistentes a aportar un donativo en efectivo o en especie.

OLER LA SANGRE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Algo indispensable para disfrutar de la vida son nuestros sentidos. La percepción que tenemos a través de la vista, el gusto, el tacto, el oído y el olfato es lo que nos permite estar en contacto con el entorno y generar sensaciones que son guardadas en la memoria. Es así como desarrollamos la habilidad de recordar un rostro, un paisaje, algún platillo -lo que nos gusta o disgusta-, la música de nuestra preferencia, voces diversas y los olores de la naturaleza, las personas, las cosas.

Desde que se nace, los sentidos van evolucionando. Los recién nacidos no tienen la vista muy clara, dado que tienen que acostumbrarse al mundo exterior. El gusto también tardan en desarrollarlo, pues al principio solo pueden tomar leche. El tacto no les es importante porque aún no controlan sus movimientos. Al no conocer las palabras, les es difícil identificar las voces, más bien reaccionan a los ruidos. Algo que se cae o golpea, desde luego, los atemoriza. Para ellos, el sentido más importante es el olfato. Lo primero que conocen es el olor de su madre y se apegan en tal forma a éste que si la madre se ausenta, ellos lloran. Hace poco en las noticias comentaron de un padre que solía colocar junto a su hijo una prenda de ropa de su esposa, a fin de que el bebé no se inquietara mientras ella regresaba.

Cuando crecemos continuamos recordando los olores de nuestra niñez. Por ejemplo, al llegar a algún lugar nuestra memoria podría relacionar lo que en ese momento percibimos con algún olor del pasado, sin importar cuántos años hayan transcurrido. Nos entusiasman los aromas de la naturaleza -flores, hojas, árboles, pasto, tierra, mar, lluvia-. Identificamos el olor de fragancias como perfumes, productos de limpieza, medicamentos, etcétera. Los alimentos y bebidas se nos antojan más si huelen bien. Solemos decir: nada como el aroma del café en las mañanas o los guisos que preparaba la abuela. Ciertos olores tienden a provocarnos repulsión. El caso es que en nuestra mente quedan grabados miles de olores. Tal vez, lo que no nos hemos detenido a pensar es a qué huele la sangre.

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Ro Banda, dramaturgo, director y productor mexicano, aborda este tema en Oler la sangre. El relato comienza cuando Alo está en un momento de descanso en la cubierta del barco donde trabaja y, de pronto, en forma inexplicable, percibe olor a sangre y deduce que alguien ha muerto. Pensando que podría ser su abuela, se apresura a pedir permiso para ausentarse tan pronto lleguen a algún puerto. Apenas está en tierra va directo rumbo al lugar donde vivió su infancia. Alo sabe que tiene una hermana, pero no la conoce. Su madre lo llevó consigo cuando abandonó a su hija pequeña en casa de la abuela y es por esto que los hermanos jamás convivieron. Por su parte, Ale, hermana de Alo, ha vivido al lado de la abuela y cree que su madre ha muerto, pues nunca supieron nada de ella. Ale ni siquiera tiene conocimiento de la existencia de Alo. Tristemente, lo que Alo presintió es cierto. La abuela acaba de morir.

A través de la trama, Ro Banda explora la relación fraternal desde distintas perspectivas al retratar el reencuentro de estos dos hermanos tan distintos entre sí que crecieron apartados. El estructurado texto de Ro recorre una amplia gama de sentimientos que habrán de experimentar sus delineados personajes. Ro Banda elige una forma particular para narrar la historia, toda vez que además de la interacción y los argumentos, ciertas acotaciones y los títulos de algunos cuadros también son enunciados por sus protagonistas.

La labor de dirección por parte del propio autor es impecable. Aprovecha a fondo el espacio, el diseño del trazo escénico es equilibrado y fluido, algunas de las acciones sólo son marcadas, a fin de dimensionar las distancias, y mantiene un ritmo preciso. Sobre el escenario casi vacío, permite que la fuerza del relato recaiga sobre las dotes interpretativas de su elenco, apoyándose en acordes musicales que dan realce a los diversos estados anímicos por los que atraviesan los personajes.

Tanto Víctor Huggo Martín (Alo) como Adriana Llabrés (Ale) brindan una labor histriónica plena de emotividad, proveyendo a sus personajes de múltiples matices.

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El equipo creativo está integrado por: Ro Banda, en dramaturgia y dirección, Ximena Bonilla, Paloma Quintanal y Ro Banda en producción general; Iván Sotelo es el productor asociado, Ximena Bonilla y Paloma Quintanal en producción ejecutiva, Miguel Moreno en diseño escénico original, Isaías Martínez en adaptación de escenografía, Isaías Martínez en diseño de iluminación, Kevin Arnoldo en diseño de vestuario y texturización, Brandon Torres en música original y diseño de audio, Ariadna Díaz en diseño de maquillaje, Nathalie Anfuso en diseño gráfico y fotografía, Ulises Ávila en fotografía en escena, Jorge Coll en difusión y RP, Rogelio Treviño/La Silla Teatro en administración, Jaime Castillo en construcción de vitral y reloj, Rosa González e Israel Ayala en realización de vestuario, Víctor Huggo Martín en utilería de Alo, Jonathan Persan en asistencia de dirección, y Karen Casab en asistencia de producción y como stage manager.

Resulta interesante pensar que la consanguinidad es más fuerte que el tiempo y la distancia. Acompaña a Alo y Ale en su inesperado reencuentro. Mientras más se acerquen el uno a la otra, más se irán identificando. Un suceso natural es ilustrado por la sensitiva pluma de Ro Banda y sublimado por las cálidas interpretaciones de Víctor Huggo Martín y Adriana Llabrés, dentro del marco provisto por el equipo creativo. Además de entretenerte, te conmoverá y es probable que te lleve a valorar mejor tus propios lazos familiares. Apresúrate, quedan pocas funciones.

Oler la sangre se presenta los lunes a las 20:30 horas en el Teatro Helénico del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución, número 1500, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México. La localidad tiene un costo de $250.00 pesos, con descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente. La temporada concluye el lunes 18 de septiembre de 2017.

ENEMIGO DEL PUEBLO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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El poeta y dramaturgo Henrik Johan Ibsen (1828-1906) es uno de los autores más destacados del mundo y, por supuesto, el más importante de su país natal, Noruega.   Se considera que es de los que más han influido en la dramaturgia moderna como precursor del drama realista moderno y precedente del teatro simbólico. A través de su obra, Ibsen convoca a la reflexión sobre problemas individuales, políticos, sociales y económicos. En algún momento, los conservadores llegaron a calificar sus textos de escandalosos, por su forma de abordar sin tapujos temas delicados. Lo paradójico es que con el tiempo se convirtió en uno de los autores más representados. Entre sus obras más conocidas se encuentran: Peer Gynt, Las columnas de la sociedad, Casa de muñecas, Espectros, La dama del mar, Hedda Gabler y Un enemigo del pueblo.

Ahora, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) lleva a escena una adaptación de Enemigo del pueblo originalmente escrita por Ibsen y estrenada en Oslo Noruega en 1883. En los artículos promocionales de la CNT aparecen los siguientes cuestionamientos: “¿Es posible que una pregunta tenga dos respuestas aparentemente éticas, pero contradictorias? ¿Es aceptable el concepto de ética excluyente? ¿Estamos a la altura de las utopías que fantaseamos?”.

En Enemigo del pueblo se abordan conceptos como democracia, responsabilidad social, ética, corrupción, enriquecimiento, familia, poder, intereses públicos y privados, opinión pública y la forma en que ésta puede manipularse. El relato de Ibsen es atemporal, podría ocurrir en cualquier época, así como en cualquier lugar.

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La trama versa sobre lo que provoca en un pequeño pueblo la construcción de un balneario. Los habitantes están felices y aprovechan sus tiempos libres para ir allí y nadar. Con la nueva atracción, llega mucho turismo y esto beneficia la economía de muchos. Sin embargo, el doctor Luis Stockmann se da cuenta de que el agua del balneario está contaminada. Tras mandar a hacer varios estudios que confirman su descubrimiento, está dispuesto a pedir que cierren el balneario. Por supuesto, sabe que le será difícil cumplir su propósito. Comienzan los conflictos. Dentro de casa, su esposa le da la espalda y su hija se muestra indecisa a respaldarlo. En tanto que su mujer llega a decirle “eres una caricatura decadente”, el doctor Stockmann está convencido de que “en el mundo hay más mezquindad que sensatez”. Muchos intereses saldrán dañados y lo peor es que habrá de enfrentarse con su propio hermano que es el Alcalde, quien no sólo es de los principales promotores del balneario sino que se ha beneficiado en lo económico y en cuanto a popularidad. ¿Estará consciente el doctor Stockmann de que con su actitud podrían calificarlo de Enemigo del pueblo?

El encargado de la adaptación y el montaje es el exitoso actor, dramaturgo y director David Gaitán. Como todos los jóvenes actuales, David nació en un mundo donde la tecnología ocupa un lugar primordial y está acostumbrado a que en forma simultánea se abran distintas ventanas para tener múltiples dimensiones. Es probable que por esto, David tenga la característica de hacer que sus puestas en escena sean vistas por el espectador desde numerosas perspectivas.

En la adaptación de Enemigo del pueblo de Ibsen, David mantiene la esencia del relato y también la época. Si la hubiera modernizado, en lugar del periódico local hubiera habido redes sociales. Comprime el número de los integrantes del elenco de diez a seis, cambia algunos nombres, modifica el carácter de los personajes, por ejemplo, en la obra original, el doctor Stockmann es un hombre bonachón y simpático, mientras que ahora es violento, antisocial y algo misógino. Además de captar el interés del público de principio a fin, David dota de la apropiada relevancia a la postura de cada individuo y propicia la interacción del espectador de manera lúdica, ya que algunos de los asistentes a las funciones podrán tomar partido a favor o en contra del doctor Stockmann mediante pistolas de burbujas.

La labor de dirección por parte de David Gaitán es extraordinaria. Su trazo escénico es fluido, dinámico y variado. Explora conceptos visuales y nuevos lenguajes, como la coreografía que referencia a los tres monos sabios o místicos de no veo, no escucho, no hablo, a fin de representar la apatía y pasividad del pueblo. El ritmo es preciso.

Las interpretaciones están a cargo de: Luis Rábago (doctor Luis Stockmann), Amanda Schmelz (Amanda Stockmann, esposa del doctor), Antonio Rojas (Pedro Stockmann, el Alcalde), Juan Carlos Remolina (Aslaksen, editor del periódico local), Astrid Romo (Petra Stockmann, hija del doctor) y David Calderón (Hovstad, empleado del periódico). Todos ellos hacen gala de la amplia solvencia histriónica y corporal que requieren los beneficiarios del Programa de la Compañía Nacional de Teatro del FONCA. Siempre es grato ver actores que abracen cálidamente a sus personajes y que se desenvuelvan tan bien en escena. En este montaje destaca en forma particular Luis Rábago por la muy variada gama de emociones que infunde en el doctor Stockmann.

La escenografía e iluminación está a cargo del maestro Alejandro Luna, quien logra un trabajo espléndido en ambos rubros. Su iluminación es distribuida y matizada en forma idónea. Para el entorno, utiliza cicloramas impresos con mapas antiguos y una vetusta imprenta, además de colocar estratégicamente ojos de buey, de los cuales -el principal- ubicado en la parte superior, llama poderosamente la atención cual si nos ofreciera una mirada hacia el infinito.

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El resto del equipo creativo está conformado por: Mario Marín del Río en diseño de vestuario, Rodrigo Espinosa en diseño sonoro y Maricela Estrada en diseño de maquillaje y peinados. Acertada labor por parte de cada uno.

A ti te toca decidir si el doctor Stockmann es o no Enemigo del pueblo. Mientras tomas tu decisión, verás un espectacular montaje, donde cada personaje habrá de dar su opinión sobre temas de interés general, como la democracia, la política, la ética. Excelentes actuaciones plenas de matices. Tanto en lo creativo como en la escena podrás apreciar la fusión que logran distintas generaciones cuando se tiene talento, dedicación y compromiso. Además, la CNT hace que este proyecto sea accesible a todo bolsillo. ¡No te la pierdas!

Enemigo del pueblo se presenta miércoles, jueves y viernes a las 20:00, sábados a las 19:00, y domingos a las 18:00 horas en el Teatro de las Artes, dentro del Centro Nacional de las Artes, ubicado en Río Churubusco, número 79, esquina con Calzada de Tlalpan, colonia Country Club -cerca de la Estación General Anaya del Metro-, Ciudad de México. De miércoles a viernes, la localidad tiene un costo de $30.00. Sábados y domingos, de $100.00 pesos. La temporada concluye el domingo 1° de octubre de 2017.

AVISO: Con motivo de las fiestas patrias, no habrá función los días 15 y 16 de septiembre de 2017.

EL NAHUAL

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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En Notas anteriores, hemos comentado sobre el DRAMATURGIAS AMBULANTES, en donde cada mes participan uno o dos creadores para expresarse y mostrar su trabajo al público.  En el mes de septiembre toca el turno a dos destacados dramaturgos.  Ellos son:  Carlos Talancón con EL NAHUAL y Antonio Zúñiga con HISTORIAS COMUNES DE ANÓNIMOS VIAJANTES.

 

Carlos Talancón, actor y dramaturgo mexicano, se dio a conocer al resultar ganador en el séptimo Rally de Teatro Independiente con EL NAHUAL, monólogo escrito y actuado por él.  Tiempo después se anotó otro éxito con su obra “Últimas alucinaciones de un hombre muerto”, para luego impactar con “La Cría”, la cual fue tan bien recibida por el público que cubrió varias temporadas en distintos foros.

 

Ahora, ya con más seguidores, Carlos Talancón decidió regresar a su origen dramatúrgico, eligiendo EL NAHUAL para el Ciclo de DRAMATURGIAS AMBULANTES, lo cual es un acierto para que quien no la haya visto tenga oportunidad de hacerlo.

 

El título nos refiere al más allá, tema que nos resulta fascinante.  La muerte es vista de manera particular por los mexicanos.  Nosotros vemos el lado festivo de la muerte.  Una de las imágenes representativas de nuestro país es “La Catrina“, originalmente llamada “La Calavera Garbancera” creada por José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera, misma que es el esqueleto caricaturizado de una dama elegantemente ataviada.  Celebramos a lo grande el Día de Muertos, para honrar a quienes se han ido.  En ciertas poblaciones es una de las fiestas más importantes del año y, en los hogares se erigen altares de muertos, adornándolos con flores de cempasúchil -de intenso color naranja-, velas o veladoras y fotografías, crucifijos o imágenes de algún Santo o Virgen y, como ofrenda, agregamos aquello que disfrutaban en vida, como platillos, dulces, algún refresco, licor o vino y hasta cigarros, a fin de dejar constancia de que los recordamos con cariño.

 

Independientemente de estos rituales, nuestro país es conocido en todo el mundo por “jugar” con la muerte.  En ciertos aspectos, la usamos para reír.  Se hacen calaveras literarias para seres vivos, basta que rimen y sean divertidas.  En ellas se aluden características específicas de la persona a quien van dirigidas.

 

Esto ocurre desde nuestros ancestros, en la cosmovisión mexica los nahuales eran protegidos por Tezcatlipoca, el Señor de la Noche.  Según la leyenda, un nahual podía desprenderse de su piel y transformarse en una determinada criatura, es decir, cualquier animal.

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En el caso de EL NAHUAL de Carlos Talancón, sólo es el mote con el que decidieron llamar los vecinos a un joven que tristemente fue asesinado por equivocación.  Los homicidas lo confundieron con un narcomenudista que les debía mucho dinero.   De inicio, EL NAHUAL lee en voz alta una noticia que llamó su atención en un periódico:  ““Fuentes de la procuraduría confirmaron el hallazgo de seis cadáveres que ya habían fallecido y cuyos cuerpos muertos fueron encontrados sin vida en uno de los parajes del barrio conocido como el hoyo…”  El hoyo… si ése era mi barrio. Pinches escalofríos que era entrar ahí. Me cae que sólo hace falta poner un pie adentro pa’entender por qué lo llaman así… EL HOYO”  y es precisamente en El Hoyo donde se desarrolla la acción.

 

Se dice que quienes mueren en forma violenta o abrupta, no toman conciencia de que ya no están vivos y su alma continúa vagando por los lugares donde acostumbraba rondar.  Esto es lo que le sucede a EL NAHUAL.  Su ánima es la que compartirá lo que ve, lo que recuerda e, incluso, los planes que tiene.  Con lenguaje sencillo y coloquial irá narrando sus vivencias y será el espectador quien lo acompañe en sus remembranzas.  Se trata de un güero simpático, humilde, noble, sincero y amistoso que se dedica a la venta de pistaches, los cuales tuesta con todo cuidado para mejorar el sabor.  Relatará cómo vive la gente en El Hoyo o en La Ratonera y dará a conocer anécdotas e incluso secretos de su madrina Eduviges, de don Lupe, de la linda Arcelia, de Chuy, Mike, el Chanclas, el Natas y platicará cuál es la mayor gracia del Pipis.  De paso, aludirá a la bella “Demi Murr” o hará referencia a películas populares, como Avatar , o bien, a melodías como Thriller.

 

El texto de EL NAHUAL es de buena factura, las características del protagonista están bien delineadas y capta la atención de principio a fin.

 

La labor de dirección por parte de Luis Alcocer es formidable.  Su trazo escénico es solvente y variado.  Incorpora el uso de una manta que resulta multifuncional, dado que a lo largo de la función va transformándose en variados elementos.   Luis Alcocer también se encarga de la iluminación y lo hace en forma impecable.

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La música incidental es provista por Rodrigo Castillo Filomarino, quien como siempre, capta la esencia del montaje y logra el entorno idóneo.  En esta ocasión agrega con acierto sonidos cotidianos de la gran urbe.

 

Carlos Talancón logra un desempeño histriónico y corporal entrañable encarnando a EL NAHUAL.  Carlos utiliza distintos matices no sólo para retratar los estados anímicos del protagonista sino de todo aquel que interactúa con él durante la narrativa.

 

Complementan el equipo de EL NAHUAL:  Erick Saúl y Erika Medina en producción,  Aarón Zoé en diseño,  e  Irving Juárez en coordinación técnica.

 

¿A poco no se te antoja enterarte de todo lo que sucede en el barrio marginal El Hoyo?   Acompaña a EL NAHUAL en su transición entre vida y muerte.  Serás su confidente y te divertirás mucho.

 

 

EL NAHUAL

se presenta dentro del Ciclo de DRAMATURGIAS AMBULANTES

los miércoles a las 20:30 horas en el

CENTRO CULTURAL CARRETERA 45 TEATRO

ubicado en Juan Lucas de Lassaga número 122, colonia Obrera

–cerca de la Estación San Antonio Abad del Metro–, Ciudad de México

La temporada concluye el miércoles 27 de septiembre de 2017

TEATRIKANDO

hasta la china

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Hasta la China fueron a dar mis mechas con el ventarrón, Zaide Silvia Gutiérrez

Un extraño título de once palabras hace creer que veremos un montaje larguísimo, pero no. El autor ha obtenido en su tierra el Premio Israel de Literatura en 1988, el Premio Goethe de Literatura en 2005 y, tal vez, lo más apreciado por cualquier escritor: ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura. Se puede ver en La Gruta del Helénico, desde el pasado agosto de 2017, para que usted se pregunte desde su silla: ¿para dónde nos van a llevar el autor del texto y esta actriz completísima?, bueno, pues se toman de la mano y juntos nos impulsan a una búsqueda humorística.

La vida en pareja tiene muy variados caminos, algunos los inicia hoy, otros, mañana; quizá pensó alguno la semana pasada, pero nunca dio el primer paso. ¿Por qué cierto día estuvimos de acuerdo en ir a comer, pasear o cualquier diversión prototípica? Pero otro día decidimos que no. Abrimos la puerta a una alternativa que nos lleva al momento actual que nos mueve el piso. ¿Hubiera ido con su marido a ese viaje, donde conocería a la “otra” que quizá resultó más joven, delgada, atractiva…? -en tanto la personaje se cortaba el pelo como sugiere el título-.

Para manejar un monólogo hay que tener budinera y lanzar adentro: caminatas variadas, las más bellas u horribles voces que tengamos, ritmo y cadencia (Pepe Solé dixit), imaginería en polvo y también líquida para que brille este rico panqué dramático. He visto los trabajos de Zaide, el monólogo que dirigió magistralmente: La noche justo antes de los bosques (Abraham Vallejo) quedará como una muestra de los nuevos rumbos de los trabajos individuales. Se va a reír con un tema que todos quisiéramos abordar con esa ligereza y uso de elementos. Otto Minera dirige y muy bien. ¡No se la pierda, todos los miércoles hasta diciembre!

La nena, de LEGOM

la nena

La nena es de Luis Enrique Ortiz Monasterio (LEGOM), que actúan Evangelina Martínez y Laura Castro bajo la dirección de Ómar Olvera. Lo vi en el Círculo Teatral de Alberto Estrella, Veracruz 107, Col. Condesa, y salí contento porque no lo conocía y (ellas) habían ido al programa Ciberarte, tv por Internet, así que conocía el interior (la receta), me faltaba el manjar.

Algún texto de LEGOM no me ha gustado por reiterativo, pero La Nena tiene momentos extrañamente chocantes que me gustaron, si se tratara de dar recetas de cocina diría que “trazó una línea de acción, tomó otro rumbo, usó palabras y acciones fuera de contexto (aunque de alguna forma sí podrían estar ahí) para ir interesando a alguien -porque a todos realmente está difícil-. Así que nos llevan a un viaje guiado por el pasado de madre e hija, para que sepamos que el padre era el de los tamales, quien tras cometer un delito, sale de la cárcel, pero ya es travesti; sé que no entendió nada, pues no importa, hay poca lógica en este mapa, las risas se multiplican, en tanto esas damas pobres tienen una sirviente más pobre que intentará envenenarla. Para ir por partes: las actuaciones son limpias y medidas, la bizarra escenografía me gustó, iluminación y un juego de tenis retórico, através de vocablos de múltiples interpretaciones.

La lógica no ha estado presente al escribirse ninguna de las dos obras que he reseñado, pero, como en las clases de filosofía, recordemos que se prueba también mediante decir: “lo que no es”. De alguna forma usted saldrá muerto(a) de la risa después de esas dos muestras de dialéctica posmoderna.

Andrés Roemer será nombrado embajador de buena voluntad por la UNESCO

El director de La Ciudad de las Ideas recibirá esta selecta distinción directamente de Irina Bokova, directora general de la UNESCO, el 8 de septiembre, en París. El trabajo del Dr. Roemer destaca la importancia de la economía, así como de las emociones, difíciles de medir, pero importantes en su influencia, como hace evidente en sus libros. Otros embajadores de buena voluntad han sido: Rigoberta Menchú y Monserrat Caballé. Este dramaturgo mexicano ha ganado varias preseas de la Agrupación de Periodistas Teatrales. ¡Felicidades!

LAS MISERABLES

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Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Las Reinas Chulas es la denominación de una compañía mexicana de cabaret fundada en el año de 1998 por Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, actrices egresadas del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Foro de Teatro Contemporáneo. Las cuatro bellas y talentosas se han dedicado a ser creadoras, gestoras y promotoras del cabaret, plataforma que utilizan para hacer crítica social a partir del humor, la sátira, la farsa y la música. Creen firmemente en la transformación social, y a través del cabaret provocan la disidencia y la reflexión sobre temas de actualidad.

En 2005 cumplieron uno de sus sueños, al tener la oportunidad de dirigir un espacio para sus espectáculos, al cual denominaron Teatro Bar El Vicio, conocido también por sus seguidores como la catedral del Cabaret en México. Desde hace 15 años organizan el Festival Internacional de Cabaret, evento que año con año causa expectación, en virtud de que se presentan los mejores grupos nacionales y extranjeros, no solo en su local, sino en otros foros. Además de sus espectáculos, Las Reinas Chulas sistematizaron y crearon una metodología para la enseñanza del cabaret, así que también imparten talleres que han sido tomados por un considerable número de actores, actrices y grupos nacionales e internacionales.

Estas bellas y talentosas mujeres han llevado sus producciones a ciudades como Nueva York, Chicago, Buenos Aires, Rosario, Sao Paulo, Bogotá, Copenhague, Madrid y Berlín, logrando ser un referente del género tanto en nuestro país como en el ámbito internacional. A lo largo de su trayectoria y con más de 70 espectáculos de cabaret originales en su haber, todos escritos, dirigidos, actuados y producidos por ellas, han recibido múltiples reconocimientos y galardones, como, por ejemplo, ser becarias del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) en programas como: México en Escena e Intérpretes de Cabaret, o el apoyo otorgado por el Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas en el Programa IBERESCENA.

Independientemente de sus actividades artísticas, Las Reinas Chulas son el epicentro de un movimiento de artistas escénicos que dedican gran parte de su quehacer al activismo y a las causas sociales. El año pasado la Comisión de Derechos Humanos de la Ciudad de México les entregó un reconocimiento por sus iniciativas y logros en la construcción de una cultura de respeto a los derechos de las mujeres.

Ahora, Las Reinas Chulas han sido invitadas para regresar a su alma máter, la Universidad Nacional Autónoma de México, la UNAM. Desde luego, no es para estudiar, sino para presentar uno de sus espectáculos en uno de los foros del Centro Cultural Universitario. Para esta ocasión tan especial para ellas, eligieron Las miserables que, al igual que todas sus producciones, es escrita, actuada, dirigida y producida por ellas.

Por el título, podría pensarse que Las miserables está basada en la obra cumbre escrita por el político, poeta y escritor francés Víctor Hugo, y publicada en 1862, pero no es así, ya que de ésta solo tomaron el nombre, quizá para reflejar el sentir de las protagonistas por no ser tomadas en cuenta como mujeres y ciudadanas. En realidad, se inspiraron en la “Declaración de los Derechos de la Mujer y la Ciudadana” concebida en 1791 por la francesa Olympe de Gouges (1748-1793), cuyo seudónimo fue Marie Gouze, escritora, panfletista, filósofa política, feminista, abolicionista y, claramente, vanguardista. Al matrimonio lo calificaba como la “tumba de la confianza y el amor”. Varias de las obras de teatro que escribió eran en contra de la esclavitud de los negros y siempre se mantuvo firme en su lucha contra la abolición de la esclavitud, lo cual la dejó en mala posición, dado que el comercio de ultramar ocupaba un lugar preponderante en la economía francesa y su fuerza laboral estaba conformada por esclavos negros. Sus afrentas la llevaron a ser encarcelada por un tiempo. En el año de 1792 se pronunció en favor de los llamados Girondinos, diputados del departamento francés de Gironda que formaron el partido Girondino, grupo político moderado y federalista que se enfrentó violentamente al grupo de los Montañeses al principio de la Convención Nacional en Francia. Las autoridades consideraron a los Girondinos como una amenaza nacional. A Olympe de Gouges se le hizo un juicio sumario mediante el cual fue condenada y ejecutada en la guillotina.

Las Reinas Chulas ubican a Las miserables en los tiempos de la Revolución francesa pero, como en la ficción todo es posible, de vez en cuando se trasladan a su futuro, que es nuestro presente. En escena lucen enormes pelucas y están elegantemente ataviadas con vestidos largos vaporosos, encajes, cintillas, escarolas y finos adornos, o bien, más sensuales con corpiño y bloomers. Confabulan para intervenir la Carta Declaratoria del Hombre y del Ciudadano, a fin de dejar consignados iguales derechos para las mujeres. Su propósito es cambiar el destino de sus congéneres a partir del magno documento. Están dispuestas a todo. Si es preciso, lo robarán para enmendarlo.

 

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Para lograr su objetivo, proceden a ponerse de acuerdo sobre qué derechos les corresponden y las palabras que usarán para dejar la redacción clara y determinante. Mientras, igual conversan que ríen, bailan -incluso, cancán-, cantan melodías con letras poéticas o simples, como “volován/escargot/creme brulee/queso brie”, o bien, saldrán del clóset y hasta se abandonarán a la pasión. Siempre atenta a lo que hacen, está la “trabajadora del hogar”, a quien no le gusta le llamen de otra forma. Todo esto hablado dizque en francés -español con marcado acento-, uno que otro albur y salpicado con palabras altisonantes. De vez en cuando alguna referencia a temas que están en boca de todos en el México actual. En un cuadro representan uno de los sueños más acariciados de las féminas que es el derecho a votar. Hay que tomar en cuenta que es uno de los derechos que estuvo vedado para la mujer. En nuestro país, fue apenas en julio de 1955 la primera vez que una mexicana emitió su voto. Las policías Cindy y Mindy, conciudadanas nuestras, harán las delicias del espectador, pero cuidado con ellas, porque si alguien muestra mal comportamiento, podrían propinarle un garrotazo. Se proyectan videos diversos, algunos de conocidos comediantes, a modo de recalcar que la misoginia es un virus que lo invade todo: chistes, comerciales, canciones, declaraciones de algún cantante de moda, y más.

Lo único que desea cada una de las protagonistas es “ser mujer y ser feliz, con un futuro en libertad”, ¿acaso es mucho pedir?

Como siempre, Las Reinas Chulas ofrecen entretenimiento al público creando textos con base tanto en sucesos culturales como en temáticas contemporáneas y estructuran sus coloridos montajes con algo de multimedia, música, baile, canto y mucho humor. Acostumbradas al pequeño foro que tienen en su Teatro Bar El Vicio, para Las miserables tuvieron que ampliar su producción para presentarse en un teatro más grande y salieron airosas del reto, proveyéndola de la espectacularidad necesaria, sin perder la esencia que caracteriza su quehacer teatral.

El elenco está conformado por Las Reinas Chulas: Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, todas haciendo gala de sus dotes histriónicas, corporales y vocales. Su artista invitada es Fernanda Tapia, quien es conductora de televisión y radio -entre sus diversos galardones ostenta el de Mujer del Año en dos ocasiones 2008 y 2011-. Ha participado en varias producciones de Las Reinas Chulas. En esta oportunidad acentúa su vis cómica natural con la seriedad de su rostro. Mercedes Hernández alterna funciones con Fernanda.

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Los créditos por la dramaturgia, la dirección escénica, la escenografía y el vestuario corresponden a Las Reinas Chulas. La música original, así como los arreglos musicales son de Hernán del Riego. La música es interpretada en vivo por Yurief Nieves en el teclado. La iluminación es impartida por José Zvchilinski. La producción es de la Dirección de Teatro UNAM y Las Reinas Chulas.

Indiscutibles reinas del teatro cabaret y requetechulas, por eso son Las Reinas Chulas. Si las conoces, sabes de qué hablo y si no, ¿qué estás esperando?, te encantarán. No te pierdas Las miserables. Además de divertirte, podrás evaluar la misoginia en la que vivimos. Las Reinas Chulas, desde su trinchera, apuestan por un mundo mejor. Como espectadores, debemos apostar por lo mismo, contribuyamos con nuestro grano de arena siendo cada uno mejores seres humanos. No se trata de competencia, se trata de equidad. Todos somos seres humanos y merecemos los mismos derechos, responsabilidades y oportunidades. Igual y algún día logramos desterrar el machismo y la misoginia. Te sugiero tomar en cuenta que el éxito ha sido contundente y que el boletaje de las primeras funciones está agotado, así que apresúrate a comprar tu boleto.

Las miserables se presenta jueves y viernes a las 20:00, sábado a las 19:00, y domingo a las 18:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad Universitaria, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos, descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente. Jueves de $30.00 pesos. La temporada concluye el domingo 10 de septiembre de 2017.

ENTRE LA BESTIA Y UN CIELO REPLETO DE ESTRELLAS

Texto por Eugenia Galeano Inclán

 

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El presidente del país vecino ha puesto en boga el tema de los migrantes a causa de sus fuertes declaraciones, pero la historia de estos data de hace siglos. Son seres que en forma valiente optan por buscar destinos alternos para tener lo que ellos consideran un futuro prometedor. No importa la edad que tengan ni si son solteros o ya tienen una familia por la cual responsabilizarse. Algunos intentan la vía legal, pero como es casi imposible conseguir permisos para trabajar del otro lado de la frontera, no les queda otro camino que cruzar ilegalmente, lo cual tampoco es fácil porque cada vez es más costoso. Juntan todo lo que pueden, ya sea ahorrando de sus ingresos o pidiendo préstamos a familiares y conocidos, y se embarcan en su aventura. Contactan a un “pollero” -persona que se compromete a cruzarlos y por más ilusiones que lleven en su mente y corazón, no tienen ni la menor idea de cuál será su destino. En tanto que unos mueren en el intento, otros son abandonados en el extranjero o ni siquiera llegan a cruzar la frontera. Los vehículos en que los trasladan son de todo tipo, pueden ser cajas de camiones de carga, cajuelas de automóviles o el tren que coloquialmente es llamado “la bestia”. En cualquiera de estos casos, el viaje no será nada cómodo, van hacinados, les falta el oxígeno, no tienen agua para calmar la sed. Debido a que no cuentan con pasajes, suben a la bestia estando ésta en marcha -si llegan a caerse, pueden morir, herirse o quedar mutilados-. Uno no se explica cómo es que están dispuestos a correr riesgos tan graves.

Lo cierto es que miles de personas pasan al otro lado en busca de una mejor remuneración, aunque sea trabajando en los campos de cultivo, de sol a sol, o en fábricas donde igual se les explota, a sabiendas de que son indocumentados y no tienen forma de buscar defensa alguna. Al final de sus largas jornadas, no les queda más que contemplar el cielo repleto de estrellas y convencerse a sí mismos de que han tomado una buena decisión y pronto podrán ofrecer una mejor vida a sus seres queridos.

El grupo teatral In Praeséntia aborda el mundo de los migrantes en su más reciente propuesta intitulada Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas. In Praeséntia fundado en 2014 por Édgar Quevedo y Mariana Arocena, tiene como propósito conformar una plataforma de creación que les permita la experimentación, exploración e investigación en el ámbito de las artes escénicas, teatro, danza, canto, performance, entre otras.

La dramaturgia de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es de Édgar Quevedo, actor, bailarín, nacido en Ciudad de México, cursó estudios de actuación para teatro en la Universidad Veracruzana y en El Círculo Teatral. Además de Édgar Quevedo, colaboraron en la creación del montaje: Mariana Arocena -nacida en Ciudad de México, egresada de la carrera de Teatro de la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo, Uruguay-. Roberto Mauricio Chi Pisté -nacido en Mérida, Yucatán, bailarín y coreógrafo-. Sandra Galeano -nacida en Montevideo Uruguay, actriz, mimo y bailarina, egresada de la Escuela de Teatro Puerto Luna de Montevideo, Uruguay-.

Los creadores de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas la definen como “un grito de denuncia, un repertorio de cuestionamientos a la aparente civilidad de las sociedades contemporáneas, un ejercicio para pensar la ‘otredad’ como reflejo de uno mismo. El relato principal será fragmentado constantemente por disgresiones y reflexiones sobre las condiciones en que viven y mueren miles de migrantes alrededor del mundo, así como sobre algunos acontecimientos históricos y cotidianos”.

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La anécdota versa sobre Lamia, una mujer que se siente rebasada por un vacío existencial. Ha luchado con todas sus fuerzas por conseguir lo que anhela, pero en ese camino le ha tocado sufrir tanto que considera como única opción salir por la puerta falsa. Cuando está a punto de suicidarse, pensando: “la filmación de mi vida se rebobina cuadro por cuadro”, vislumbra un nuevo horizonte. Su viejo amigo, Ernesto, llega a la ciudad para asistir a una conferencia sobre medicina forense y migración. Con este inesperado reencuentro, Lamia no solo salva su vida, sino que también conoce a Ernesto, un migrante que ha salido huyendo de su país a causa de la miseria y el abuso de poder.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es un proyecto donde convergen teatro, danza, música y multimedia. Se basa –fundamentalmente- en las habilidades teatrales y dancísticas por parte de los intérpretes. El diseño coreográfico va de la mano con el relato. Uno a otro se complementan para retratar el sentir íntimo de todo migrante, tras los horrores que atraviesan, como engaños, abusos, cansancio, hambre, sed, agresiones, abandonos y hasta violaciones, si logran sortear la muerte. La brusquedad de las caídas, al estilo danza butoh, propician que el espectador aprecie la dimensión de los múltiples golpes que recibe esta gente en busca de mejorar sus condiciones. Siempre con la esperanza de que “mis ojos dejarán de volverse agua… mis pies dejarán de ser raíces… revisaré más los escombros de mi pasado”.

Un concepto integral que es el resultado de la estructura del texto, la coreografía, la música, las imágenes y la ejecución escénica por parte de los creadores.

Los intérpretes que vemos en escena son: Mariana Arocena, Sandra Galeano, Roberto Mauricio Chi Pisté y Édgar Quevedo. Los cuatro brindan un formidable trabajo histriónico y una impresionante corporalidad. La sincronía que logran en todas las coreografías es algo digno de verse y más aún cuando a alguno de ellos le corresponde integrarse al grupo.

El equipo creativo está conformado por: Édgar Quevedo en dramaturgia y dirección, Roberto Mauricio Chi Pisté en diseño coreográfico, Malinali Ríos Vargas en diseño de iluminación y vestuario, Alephsus Valdés en música original y diseño sonoro, Lol-Ha Gutiérrez Bárcenas en producción ejecutiva y como facilitadora, Hill Díaz en diseño y realización de audiovisuales, La Fábrica en realización de escenografía, Gerardo Farías en el diseño de las sillas, Pamela Rendón Echeverría en relaciones públicas y prensa, Sofía Dorantes es Community Manager y Daniel Olivares en fotografía.

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Composición, grabación y mezcla del tema de la obra: Alephsus Valdés. Alessia Leiré, voz principal; charango y coros: Óscar Aburto; coros: Arwen Moemi, Tania Shoung, Shadé Ríos, Víctor de León, Roberto Mauricio Chi Pisté, Sandra Galeano y Mariana Arocena; grabado en: Zelman Nochlin Estudios.

De Teatro El Milagro, José Antonio López Hernández, jefe de foro y Celso Martínez Flores, técnico. La producción es de In Praeséntia arte escénico en colaboración con Territorio Cultural, A. C., Foráneo Danza y Ehecatl Teatro.

Un original proyecto interdisciplinario, donde el elenco tiene el reto de dominar tanto la palabra como la corporalidad. En ocasiones, el espectador, por distracción, se pierde algún corto fragmento de texto, pero con la contundencia de las imágenes que ofrece In Praeséntia no existe la posibilidad de que esto ocurra. ¡No te pierdas este trabajo realizado con talento, disciplina y compromiso! Apresúrate porque la temporada es muy breve.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas se presenta jueves y viernes a las 20:30, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas en El Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $250.00 pesos. Para personas con credencial vigente: $120.00. Viernes del espectador, estudiantes de teatro, maestros de teatro y vecinos de la colonia Juárez: $80.00 pesos. Reservaciones al correo: difusión@elmilagro.org.mx. La temporada concluye el domingo 9 de septiembre de 2017.

POR NO (MICROTEATRO MÉXICO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Microteatro México acaba de arrancar su vigésima octava edición. Se dice fácil, pero no lo es. Microteatro México fue la primera que adoptó el concepto Microteatro creado en España el año 2009 por Miguel Alcantud, director de cine, teatro y televisión. Años después, continúa siendo la primera no solo por orden cronológico sino porque los demás espacios que han acatado el concepto no han logrado alcanzar la calidad de Microteatro México.

El éxito de Microteatro México es incuestionable. Día con día tiene más seguidores.  Para muestra basta un botón: En la función especial que llevaron a cabo para dar el banderazo a la actual edición intitulada Por no, una verdadera multitud se dio cita para ver a las celebridades que desfilarían por la alfombra. Destacadas personalidades de la farándula fungieron como padrinos de las obras que se presentan en la vigésima octava edición.

Esta destacada posición ha sido lograda a través del tiempo por Alejandra Guevara y Andrea Novelo, quienes comandan Microteatro México. Ambas mujeres son bellas, talentosas, creativas e incansables trabajadoras. Han puesto alma, piel y corazón en el proyecto, dedicándole todo el tiempo y esfuerzo que se requiera y le entran a todo.  Igual son productoras, directoras, constructoras, pintoras, vestuaristas, iluminadoras o lo que haga falta, a fin de tener todos los elementos más que listos para cada estreno, aún dejando de lado sueño o comidas. Son realmente admirables.

Desde el inicio del proyecto y hasta la fecha han sido y continúan siendo amables y cálidas con cuanta persona entra a Microteatro México, sin importar si son productores, directores, actores, técnicos, espectadores o reporteros. A quienes presentan sus obras les permiten subirse al barco y les brindan el apoyo que requieran, haciéndolos sentir como en casa. Igual a la prensa. Nos otorgan toda clase de facilidades para la realización de nuestro trabajo. Son encantadoras y hacen que para toda la gente sea un verdadero placer llegar a Microteatro México.

Al público lo orientan sobre las obras que hay en cartelera y les informan de las promociones a las que pueden tener acceso. Los horarios siempre son respetados y mientras se espera para ver las obras, la gente puede degustar golosinas o deliciosos bocadillos elaborados con ingredientes frescos y de primera calidad, o bien, tomarse aromático café, cervezas o vinos nacionales e importados, refrescos o aguas frescas recién preparadas.

En esta ocasión no se sigue una temática definida, en virtud de que Por no tiene infinitas posibilidades. Echa a volar tu imaginación y piensa cómo usarías Por no en una frase. Podría ser Por no haber hecho algo, Por no hacerlo, Por no estar en un lugar, Por no hacer caso, incluso el apócope que se utiliza coloquialmente para las películas subidas de tono. Los dramaturgos tuvieron mucha tela de dónde cortar jugando con las palabras Por no.

La cartelera va en aumento en cada edición. Al principio ofrecían 13 obras, más las dedicadas a los niños. Posteriormente, agregaron una sección de Debut que en la presente edición cambia su nombre a Intro, por considerar que es más consistente hablar de introducción que de debutantes. Lo bueno es que, como siempre, hay obras para todos los gustos. Así mismo, hay Miércoles de cine, Espectáculos de stand-up o Comediantes, Viernes de baile, talleres y pronto habrá Tienda en línea.

En la vigésima octava edición de Microteatro México-Por no, se presentan las siguientes obras: Sexo en grupo en la sala 1; ¿Y por qué no? en la sala 2; Sincero e incondicional en la sala 3; ¡Oh sí, sí! en la sala 4; Ser guapo no es fácil en la sala 5;  Pecador Porno en la sala 6; 15 segundos en la sala 7; Un buen día para volar en la sala 8; El casting en la sala 9; Deseo en la sala 10; Por no hacerme caso en la sala 11; Las delgadas paredes del feminista contemporáneo en la sala 12, y No quiero a nadie en la sala 13. En Intro, se presentan: Basura y No corras al altar.

Para niños: Di que no,  Black & white,  Fafner el dragón,  Mi amigo el trabajador social  y En las nubes.

A continuación, la microreseña de algunas de las obras que se presentan en la temporada Por no.

P1160755-SINC.INC(9)Sala 3, Sincero e incondicional. Escrita por Samuel González, bajo la dirección de Jorge Maldonado. Mediante un texto de buena estructura, Samuel nos narra la historia de una madre y un hijo que acaban de sufrir una gran pérdida. El jefe de familia acaba de fallecer. Aunque se siente abatida por el dolor, la madre sabe que debe seguir con su vida normal, haciendo la limpieza, cocinando y encargándose de las labores cotidianas.  Mientras está a solas da rienda suelta al dolor y llora desconsolada, pero, como buena madre, se hace la fuerte frente a su hijo, ocultando su pena, con tal de levantarle el ánimo y que entre ambos logren superar el duelo. Ella tiene la firme creencia de que solo las madres pueden brindar un amor sincero e incondicional. ¿Ustedes qué opinan?  ¿debe una madre aceptar todo por un hijo? o ¿existen ciertos límites? La madre es encarnada por Beatriz Luna, una actriz muy comprometida que siempre se adentra a fondo en sus personajes y los dota de una amplia gama de emociones. En tanto que el hijo es Samuel González, el propio autor. Ambos ofrecen una formidable labor histriónica y corporal, haciendo que sus interpretaciones sean inolvidables.

La labor de dirección por parte de Jorge Maldonado es acertada; crea el suspenso adecuado y mantiene buen ritmo. La escenografía es realista e ingeniosa -una cocina tradicional, cuyas dimensiones son distintas-. También participan en Sincero e incondicional: Yatzi Blonde como asistente de dirección y producción, Andy Candi como coordinadora de producción, Melanie Borgez en relaciones públicas, y Alejandro Vera en diseño. La producción es de SY.GB Producciones.

Sala 8, Un buen día para volar. De la autoría de Juan Carlos Araujo Boyce, bajo la dirección de Aleyda Gallardo. Juan Carlos Araujo Boyce está íntegramente dedicado al teatro, no solo como dramaturgo y escribiendo reseñas, sino también como productor a través de su compañía Araujillo Producciones, de la cual es cofundador junto con Ricardo Castillo Cuevas. En sus textos, Juan Carlos -con su fina pluma- suele abordar temas muy humanos y una de sus características es que toca fibras sensibles en el espectador. El relato de Un buen día para volar se ubica en un campo militar, donde dos, un general y un soldado, están hartos de todo lo que han padecido durante la guerra. Lo único que anhelan es que ésta termine. Su único escape es conversar sobre lo que harían si recuperaran sP1160696-UBDPV(10)u libertad, si pudieran regresar al lado de sus seres queridos. El soldado está construyendo una máquina con la intención de que puedan escapar en ese mamotreto, solo tendrán que esperar Un buen día para volar.

Entrañables interpretaciones que ofrecen Ulises Iturbe (el general) y Antonio Zacruz (el soldado). Su histrionismo y corporalidad son más que convincentes. Alternan funciones: Antonio Monroi e Isaac Weisselberg.

La dirección por parte de la primera actriz Aleyda Gallardo es impecable; la sensibilidad de Aleyda traduce a lenguaje teatral el entrañable texto de Juan Carlos, su trazo escénico es idóneo y el ritmo preciso. Mención especial merece la producción, en virtud de que se cuida hasta el más mínimo de los detalles en cuanto a entorno, vestuario, accesorios, utilería y elementos escenográficos. Ricardo Castillo Cuevas es el productor ejecutivo y el community manager. La bien impartida iluminación a base de penumbras es de Isaac Weisselberg. Complementan el equipo: Lilian Alzate en relaciones públicas y Jonathan Persan en diseño gráfico. La producción es de Araujillo Producciones.

Sala 10, Deseo. Escrita por Juan Manuel Torreblanca, bajo la dirección de Héctor Berzunza. En Deseo, Juan Manuel Torreblanca capta un tema actual: el Internet. Hay quienes lo utilizan para negocios, a fin de que les llueva dinero, en tanto que otros lo usan para fines románticos. Uno no alcanza a comprender lo rápido que viajan los deseos, las ilusiones y las fantasías a través del espacio cibernético. Es tan fácil presentarse bajo un perfil inventado, decir mentiras, engatusar o defraudar y, lo triste es que personas ingenuas se convierten en víctimas. A pesar de las alertas de peligro por parte de las autoridades que ya han tenido que crear una policía cibernética, o bien, por parte de los mayores, los jóvenes continúan siendo confiados. Los personajes de Deseo son tres: Una jovencita que se considera precoz y anhela ser una mujer fatal. Según ella, encontrará el amor, para lo cual se disfraza con pelucas, publica fotografías con ropa atrevida y dice ser liberada. Un joven que falsea un poco su información, quiere que se le considere mP1160740-DESEO(29)ás importante y adinerado de lo que es.  Finalmente, otro que de plano solo intenta sacar provecho.  ¿Quieres saber qué sucede en Deseo? Tienes una cita en la sala 10.

Estupenda labor histriónica y corporal por parte del elenco (alternando funciones)  Leonora Cohen, Ernesto del Cañal, Diego Garza, Jonathan Persan, Abraham Jurado y  Maite Piña. Nos tocó ver a Leonora Cohen, quien da vida a la chica en forma muy acertada, además de la buena interpretación, su bello rostro y la ternura que emana de sus ojos resultan ideales para el personaje.

El texto de Juan Manuel Torreblanca es de buena estructura e interesante. El destacado actor Héctor Berzunza, quien es prácticamente de casa en Microteatro México, toda vez que ha participado en muchas puestas en escena desde su apertura, es quien dirige el montaje. La labor de dirección por parte de Héctor es formidable.  Enmarca bien el texto, dimensiona el espacio y logra buen ritmo. Los demás integrantes del equipo son: María José Caballero en asistencia de producción, Ana Karen Orozco en escenografía e iluminación, y Jorge Medina en ilustración y diseño gráfico.

No te pierdas Por no en Microteatro México. Recuerda que debes apresurarte porque las temporadas son cortas. Hay obras para todos los gustos. Obtendrás entretenimiento, mientras te conmueves, reflexionas, te asombras, o simplemente, te ríes. Podrás ver tantas obras como quieras o visitar Microteatro México en varias ocasiones para abarcar toda la cartelera.

Las micro obras se presentan en la sede de Microteatro México, ubicada en Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México. Las matinés de Microteatro infantil es sábados y domingos, de 12:00 a 15:00 horas. Los costos son. Una micro obra por $70.00, Combo de tres micro obras por $180.00, y Abono general a $1,300.00 (20 obras a $65.00 cada una). Tu compra incluye una micro bebida de degustación. La edición Por no es en agosto/septiembre de 2017. Descuentos acostumbrados con credencial. Los boletos se venden en taquilla y en atrapalo.com.mx.