Autor: Eugenia Galeano

INFIELES FAMOSOS INFAMES

Por  Eugenia Galeano Inclán

 

Cartel-INFIELES.FAMOSOS.INFAMES

En tanto que la mayoría de los refranes o dichos populares encierran sabiduría, algunos se han vuelto obsoletos, por ejemplo, aquel que dice “crea fama y échate a dormir“.  En el pasado tal vez fuera así, pero en la actualidad es tan difícil ganar fama como mantenerla.  Esto aplica en particular a quienes se dedican al medio del espectáculo.  Igual se vuelven famosos de la noche a la mañana por un golpe de suerte si les ofrecen un gran proyecto, tienen oportunidad de aceptarlo y despliegan su talento y aptitudes para realizar un excelente trabajo.  Si todo sale bien, se habrán dado a conocer de inmediato,  Una vez en la cima, lo disfrutarán al máximo.  Sin embargo, la fama puede ser efímera, y se requiere de estar en lucha constante lucha para conservarla.  Lo peor es que aún para quienes logran mantener la fama por años, llega el momento en que dejen de llamarlos, si se presenta algún cambio en sus capacidades, su apariencia o simplemente por edad.  En estos casos, ellos estarán tan acostumbrados a la fama que harán hasta lo imposible por conservarla.

 

Este es el tema que eligió Neil LaBute para su obra “The money shot” (El disparo de dinero), la cual para su presentación en México ha sido renombrada como INFIELESFAMOSOS INFAMES.

 

Neil LaBute nació en 1963 en Detroit, Michigan, Estados Unidos de América.  Se desempeña como director de cine, guionista y dramaturgo.  Es un gran observador, delinea el carácter de sus personajes con precisión, sus textos son brillantes, siempre con subtextos salpicados de crítica, ironía y humor ácido.  Sus parlamentos son fluidos y muy directos.  Desde su primera obra dio de que hablar, sobre todo, entre conservadores que no estaban de acuerdo con sus audaces temas.  Con el tiempo se ha convertido en uno de los autores más destacados en la dramaturgia norteamericana contemporánea.  Tanto en cine como en teatro sus elencos han incluido a actores y actrices de fama internacional.

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INFIELES FAMOSOS INFAMES versa sobre una cena que ha sido organizada para hablar de un tema delicado relacionada con una propuesta que acaban de recibir, la cual podría hacer reavivar la fama de dos de los presentes.  Los cuatro son distintos entre sí, lo único en que coinciden es que todos son bellos.  Las anfitrionas son Karen y Beverly, los invitados Steve y su esposa Missy.  Karen es una actriz exitosa que recién “salió del closet” al enamorarse de Beverly, quien siempre se ha asumido lesbiana y su talento lo desarrolla detrás de cámara en trabajos de edición cinematográfica.   Steve es lo que coloquialmente se llama un “macho alfa“, ególatra por naturaleza.  Ya ha cumplido 50 años, pero se esfuerza en asegurar que sólo tiene 48.  Fue un actor famoso que se encuentra en decadencia, aunque, desde luego, él no lo acepta, convenciéndose a sí mismo -y a los demás- que no es que no tenga ofertas de trabajo, sino que no le ha llegado una buena oferta.  Se ha casado varias veces, se le nota que es misógino y prepotente.  Hace apenas once meses que está al lado de su esposa actual Missy, una joven despampanante a quien le dobla la edad.  Missy también es actriz, ama y admira a Steve y considera que con él aprenderá mucho de la carrera.

 

Mientras Karen, consciente de que su trabajo ha ido disminuyendo, ha optado por explorar sus habilidades de comercialización de productos, Steve sigue aferrado a esperar el llamado que le convenga.  De algún modo, como la generalidad de las personas, todos ellos usan máscaras para no dejar ver su sentir íntimo.

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En la lujosa mansión de Karen, ante una vista maravillosa de las colinas y el muy fotografiado letrero Hollywood situado en el Monte Lee en el distrito de Hollywood Hills, durante la charla previa a la cena, se  abarcarán temas tan diversos como beneficios y molestias de la fama, vida en pareja, racismo, homofobia, intolerancia, dietas, ejercicios, costumbres, terapias, dinero, apariencia física, intelectualidad.  Sus opiniones, convicciones y actitudes harán que poco a poco se vayan develando detalles de la personalidad de cada uno de los allí reunidos.

 

El estructurado texto de Neil LaBute capta el interés del espectador de principio a fin en INFIELES FAMOSOS INFAMES. Sorprenden las vueltas de tuerca que se dan a cada momento.  Una reunión aparentemente casual va tornándose complicada.

 

La dirección corre a cargo de Juan Ríos y Angélica Rogel, ambos comprometidos con el teatro y meticulosos en su quehacer.  La labor conjunta resulta admirable, su trazo escénico es pulcro, la acción constante, la corporalidad acertada y el ritmo preciso.

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La labor histriónica y corporal del elenco también es notable.  Los cuatro realizaron una atinada creación de sus respectivos personajes.  Francisco de la O interpreta a Steve, situándolo en el justo medio entre atractivo y odioso.  La bella Sophie Gómez encarna a Karen, mujer distinguida con mucho glamour.  La hermosa Valeria Vera da vida a Beverly, inteligente, talentosa, segura de sí misma, de lo que sabe, hace y piensa.  La fascinante Ela Velden es Missy, quien pareciera una actricita atolondrada, pero en realidad es una chica muy perspicaz.

 

El resto del equipo creativo está conformado por:  Tere Uribe en diseño de escenografía, aportando el entorno ideal.  Marian Celis en diseño de vestuario, proveyendo atuendos muy acordes para resaltar la idiosincrasia de cada personaje.  Antonio Peña y Ramón Cadaval imparten combate escénico  Jocelyn Chacón en asistencia de producción.  Einar González en fotografía.  Pablo González en asistencia de fotografía,  Daniel Petris en diseño de arte.  Patricia Trujillo en diseño gráfico y publicidad.  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas.  Carlos Martínez – Prensa Danna en prensa.  Alejandra Vidal es manager y contenido digital.  María José Santana en diseño y animación de material digital.  Patricia Villarejo es la Community Manager..  Alma Campuzano en coordinación de lanzamiento.  Sofía Sereno en promoción y patrocinios.

 

Productores:  Arturo Barba,  Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar.  Productora Asociada: Sophie Gómez.  Producción Ejecutiva:  Fabiola Núñez.  Directora de Producción de la Rama de Teatro:  Mónica Bravo.

 

La producción es de La Rama Teatro – Sofía Sereno y Denisse Prieto.  La producción administrativa de Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo.   La contabilidad la lleva José Guadalupe Miranda.

 

Todos los productores, actores y creativos del montaje de INFIELES FAMOSOS INFAMES dedican su temporada a la memoria de la señora Fela Fábregas, lamentando profundamente su partida y dedicándole su trabajo como un homenaje sincero a su legado, memoria y amorosa labor.

 

Quedas cordialmente a presenciar todo lo que ocurres en la cena de cuatro INFIELES FAMOSOS INFAMES.  A todos nos gustaría mirar a través de una ventana lo que ocurre en una lujosa residencia y conocer el sentir y pensar de aquellos adinerados que han alcanzado la fama.  La diversión está garantizada, tal vez identifiques a algún conocido tuyo que sea como ellos,  Entretenimiento que te lleva a la reflexión.  Teatro mexicano de excelente factura.

 

INFIELES FAMOSOS INFAMES

se presenta viernes a las 20:30 horas

sábado a las 18:00 y 20:30 horas

y  domingo a las 17:00 y 19:30 horas  en el

TEATRO VIRGINIA FÁBREGAS

ubicado en la calle Joaquín Velázquez de León número 29,

colonia San Rafael, Ciudad de México

La duración es de 90 minutos

El costo de la localidad es de $500

Descuentos acostumbrados para maestros, estudiantes  e

INAPAM con credencial vigente

La temporada concluye el domingo 29 de julio de 2018

 

 

 

AQUELLO QUE PARECEMOS (#LaTragediaDelOso)

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

 

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En estos tiempos las redes sociales ocupan el punto de encuentro más popular entre los jóvenes.  Cada día son más utilizadas para comunicarse, compartir imágenes o transmisiones en vivo, informar si vas al gimnasio, a un buen restaurante, a una fiesta, al igual que si sólo recorres alguna calle o experimentas una nueva receta en casa.  Muchos también las usan para conocer gente.  Agregan amigos aún sin conocerlos y sin pensar que tal vez nunca los verán personalmente.  Hay hasta quienes buscan el amor.  Si bien existen sitios especialmente diseñados para encontrar parejas, desde cualquier red se pueden mantener conversaciones que pudieran ser tendientes a entablar una relación.

 

Es difícil que los jóvenes tomen conciencia de que en la comunicación virtual no hay garantía alguna de estar ante una persona real o que esté actuando con honestidad.  Es fácil suplantar a alguien, crearse una personalidad ficticia o mostrar fotografías de cualquier otra persona.  Peor aún, se debe tomar en cuenta que hay maleantes con dobles intenciones que se han especializado en crear aplicaciones para delinquir y se dedican a hackear cuentas, recaudar dinero, reclutar gente con engaños, cometer fraudes y muchas cosas más.

 

Si nos llevamos decepciones con personas que conocemos de hace tiempo, imaginemos qué puede suceder con personas que sólo dicen lo que quieren decir sin darnos oportunidad de verlas a los ojos o de leer su lenguaje corporal.  Lo más probable es que sean muy distintos a lo que se espera y que lo que buscan es sacar provecho.

 

El caso es que las redes son parte de nuestra realidad y es imposible sustraerse a éstas.  Aun cuando no las utilices, sabes de qué se tratan, toda vez que en las noticias escuchas que famosas estrellas,  importantes personajes y hasta presidentes envían tweets (mensajes).  La dramaturga Jimena Eme Vázquez, mujer consciente de su actualidad, decidió escribir AQUELLO  QUE PARECEMOS #LaTragediaDelOso para llevar el mundo del Twitter al Teatro.  Para hacerlo, construyó su relato a base de tweets, aplicando el lenguaje propio de la red, donde abundan los hashtags (etiquetas) y las opiniones de los “amigos“.  Tomó como inspiración un hecho de la vida real que fue tendencia en redes -la historia del oso de cumbres-.  El protagonista, cuyo seudónimo en Twitter es “El Oso” conoció a una joven a través de la red y se enamoró perdidamente de ella, tanto así, que tomó la decisión de abandonar a su esposa e hijas con tal de seguir a Tamara, al considerarla el amor de su vida.

 

Tal vez él estaba cansado o aburrido de su vida y tomó como pretexto perseguir un ideal.  El caso, es que perdió todo lo que había construido por un ideal.  ¿Qué garantía tiene él de que su amor cibernético sea realmente lo que él cree.  Nuestros antecesores se guiaban por dichos populares, ¿será que son ciertos? , alguno de estos es:  “más vale malo por conocido que bueno por conocer“, pero al Oso no le preocupa, puesto que está seguro que alcanzará la felicidad una vez que se reúna con su amada.  La pregunta sería ¿qué sucederá si Tamara ni siquiera existe?.

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El texto de Jimena Eme Vázquez está estructurado y narra la historia, como ya lo mencionamos, mediante mensajes.  Si se lee, no hay problema para seguir la trama, sin embargo, el reto era trasladarlo a escena.  Fernando Reyes en su rol de director venció airosamente el reto.  Su trazo es muy fluido.  Enmarcó el texto de Jimena en forma consistente al relato.  Al ser éste cibernético, Fernando diseñó varios cuadros a manera de ventanas, lo cual le permitió presentar diversos planos para que varios personajes interactuaran, incorporó música rock en vivo y algunas imágenes que rememoran fotografías de perfil de los participantes.

 

Según comenta Fernando Reyes, la puesta en escena es creación colectiva.  Pidió a su elenco que aportara sugerencias y él se encargó de aceptar las más convenientes para armar el montaje.  El resultado es una obra dinámica tan vertiginosa como lo son las redes sociales, con todo el ímpetu de los jóvenes de hoy en día.  Las coreografías son coordinadas y estéticas, el ritmo preciso.  La labor de Fernando como director es estupenda.

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El elenco está conformado por:  Juan Pernas – Quique Zavala / el protagonista,  Allan Aullet – @OsoAnalfabeta,  Gabriela Montiel – TantaMora,  ATA – @RicardoTresTres,  Adonay Guadarrama – @ElYagoClaudio,  Alejandra Reyes – @MacarronBeth / Lady Bea,  Daniel H. Gómez – @ErreVancouver,  y  Denis González Noriega – @OfeliaWilliams, un grupo de jóvenes muy entusiastas, comprometidos con el teatro que ofrecen un gran trabajo histriónico y corporal.

 

Complementan el equipo creativo:  María José Bernal en Twitter,  los Hermanos Bárcenas en Soundtrack,  Miguel Moreno e Iván Sotelo en diseño de iluminación,  Daniela Moreno en asistencia de iluminación,  y  Heidy Polo en asistencia de dirección.  Así mismo, participan:  Estefanía Villa en coreografías, Juan Pernas, Allan Aullet y Adonay Guadarrama en realización de escenografía,  Santiago Ulloa en diseño gráfico,  y  Rosa María Trujillo en difusión y prensa.

 

La producción es de Sobredosis, un grupo teatral fundado en 2011 que inició actividades con un cortometraje y que a la fecha, además de éste, ha producido siete obras de teatro.

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Empápate del mundo virtual acompañando a estos chicos deseosos de hacer teatro.  Es muy loable que las nuevas generaciones de creadores expresen su sentir explorando nuevos temas que están tan presentes en la actualidad y que para muchos han llegado a ser imprescindibles.  Un buen trabajo de equipo en un montaje original llevado a buen puerto. Te anticipo que disfrutarás sentirte en medio de este torbellino a ritmo de guitarra eléctrica, percusiones, canto femenino, galanes y bellas chicas.

 

AQUELLO QUE PARECEMOS

#LaTragediaDelOso

se presenta los sábados a las 20:00 horas en el

FORO LA NABE

ubicado en José María Vértiz número 86,

colonia Doctores, Ciudad de México

La duración es de 80 minutos

El costo de la localidad es de $200

Descuentos acostumbrados para maestros, estudiantes, INAPAM y vecinos de la zona

con credencial vigente

 

La temporada concluye el sábado 21 de julio de 2018

 

Julio 2018

 

(DES)ARRAIGO

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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Entre los nuevos grupos de jóvenes deseosos de hacer teatro se encuentra la compañía Juego Teatro, la cual fue fundada en 2011 con el propósito de ser un espacio de creación para desarrollar proyectos a partir de la investigación.  Juego Teatro acaba de iniciar una residencia en el Teatro La Capilla y la primera propuesta que presentan es (DES)ARRAIGO, la cual describen como “Unipersonal para actriz y bailarina, orquesta y una bicicleta“.  Se sabe que la prueba de fuego para cualquier actor o actriz es el monólogo o un espectáculo unipersonal.  Estar solos en el escenario frente al público es un reto al que algunos aspiran y otros tantos temen.  Vencer este reto depende de sus habilidades personales.

 

Al igual que todos los trabajos de Teatro Juego, (DES)ARRAIGO) surge de la investigación de la importancia de las raíces en el ser humano.  Desde que nacemos echamos raíces con la familia y con nuestro entorno.  Sin embargo, cada quien debe buscar su propio camino en la vida y es entonces cuando se produce el (DES)ARRAIGO. Si bien el término se utiliza comúnmente para las plantas, pues significa arrancar de raíz una planta, pero también suele aplicarse a las personas que se alejan de sus orígenes.

 

En la sinopsis del programa de mano, se lee:  “Esta es tu vida, tuya y no de otras mujeres, sus enseñanzas ya no caben en ti, quieres forjar tu propia historia lejos de los tuyos porque el pasado estorba y el futuro está por escribirse.  Te fuiste porque querías ser alguien … pero no te acuerdas de quién“.

 

En determinado momento, todos hemos experimentado algún (DES)ARRAIGO o, al menos, hemos visto a alguien cercano en ese proceso.  En (DES)ARRAIGO se abordan diversos temas vistos desde el punto de vista femenino.  Una linda joven mira en forma directa al público para relatar su historia personal que puede parecerse a la de muchas mujeres.  Ha vivido con su madre y su abuela, pero. para labrarse un futuro por sí misma, se aleja de ellas con la maleta llena de ilusiones.  Dejar la zona de confort para enfrentarse al mundo requiere de valentía.  Con sencillez, hace un recuento de sus vivencias y sentir, compartiendo detalles de su día a día.  Es así como van aflorando recuerdos de la niñez y las sorpresas que le depara la gran ciudad. así como logros, alegrías y tristezas “después de que una se rompe, ya nada vuelve a ser igual“, pero nada la hará renunciar a sus anhelos y está dispuesta a portar con orgullo las “cicatrices” que le han dejado sus dolores porque ahora forman la “geografía de su cuerpo“. de paso, se dará cuenta de que ahora valora más el inmenso amor que le prodigan las dos mujeres más importantes de su vida y hasta degusta mejor los alimentos que preparan.

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La intérprete de (DES)ARRAIGO es Julieta Cano, quien ofrece un formidable trabajo histriónico y corporal al hacer un recorrido por diversas emociones.  Con su carisma se gana la confianza del espectador e inmediato para luego platicarles y bailar coordinadamente.

La música en vivo es provista por:  Fausto Balboa – sax tenor,  Jaime Martínez – contrabajo,  y  Esaú Vázquez – batería, además de hacer breves intervenciones al lado de Julieta.

La dramaturgia es de Mónica Perea.  (DES)ARRAIGO es un texto de buena estructura y capta el interés de principio a fin.

La labor de dirección por parte de Alicia González es estupenda, su trazo escénico es dinámico, entrelaza el lenguaje verbal con el corporal y la música, las coreografías están bien diseñadas y variadas, los movimientos son cadenciosos, lentos o vertiginosos, aprovecha equilibradamente el espacio  y  el ritmo es preciso.

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Complementan el equipo creativo:  Alejandra Escobedo en concepto escénico,  Fernanda García en producción,  Mariana Cantú en asistencia de dirección,  Paris Ramos en asistencia general,  Leonardo Yee en diseño gráfico  y  VORM en realización.

La única falla en este proyecto es la iluminación.  Su diseño no es acorde con lo que sucede en el escenario.  Tal vez en un afán de crear una iluminación artística, los bruscos cambios rompen con la candidez del relato, además de que no toman en cuenta la brillantez extrema de las nuevas lámparas led que al ser colocadas frente al público lo deslumbran y lastiman.

La producción es de Teatro Juego, con coproducción de Teatro en Bici.

Una simpática joven provinciana recibió cordialmente al público para contarle anécdotas sobre su (DES)ARRAIGO.  Los espectadores disfrutaron de su grata charla mientras transcurría un unipersonal multidisciplinario, al ritmo de cuerdas, instrumentos de viento y percusiones.  (DES)ARRAIGO) Cubrió con éxito su temporada que finalizó el jueves 28 de junio de 2018.

 

La residencia de TEATRO JUEGO en la

SALA NOVO

ubicada en la calle Madrid número 13

(casi esquina con Centenario)

>al fondo del inmueble donde está el Teatro La Capilla

Coyoacán,  Ciudad de México

continúa con las siguientes obras:

SOÑÉ UNA CIUDAD AMURALLADA – miércoles del 1° de agosto al 5 de septiembre de 2018

JUAN Y JULIA – sábados y domingos del 1° al 23 de septiembre de 2018  y

PADRE NUESTRO – sábados del 6 de octubre al 24 de noviembre de 2018

 

 

 

JUANA INÉS: PARÁFRASIS DE SÍ MISMA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200331Una de las autoras mexicanas más prominentes es, sin duda, Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, mejor conocida como Sor Juana Inés de la Cruz, quien naciera el 12 de noviembre de 1651 en un pequeño poblado -San Miguel Nepantla- del Estado de México y falleciera el 17 de abril de 1695 en la Ciudad de México. Desde muy pequeña mostró aptitudes extraordinarias. A la temprana edad de tres años aprendió a leer y para los ocho años ya había creado su primera loa, al poco tiempo su familia trasladó su residencia a la capital, donde la niña prodigio causó sensación. En su adolescencia era admirada por su inteligencia, erudición y habilidad para versificar. Era bienvenida en los más altos círculos sociales, incluso en la corte virreinal. En aquellos tiempos, no era bien visto que una mujer tuviera inquietudes intelectuales, así que ella optó por retirarse del bullicio y tomar los hábitos en la Orden de San Jerónimo.

Con el tiempo, Sor Juana se convirtió en una autora prolífica de una obra plena de sabiduría filosófica que abarcó variados géneros, metros, estilos y temas. Estaba muy consciente y orgullosa de la condición femenina y en forma avanzada a su época, se atrevió a encarar al género opuesto con su poema Hombres necios que acusáis. Así mismo, fue de las primeras mujeres en infundir en su obra tintes de sátira y toques de erotismo. Es considerada la máxima figura del Barroco español y conocida en todo el mundo; sus textos han sido traducidos a numerosos idiomas. Según sus biógrafos, su obra maestra es Primero sueño. Se le llama la Décima Musa mexicana.

P1200349Con el incremento de índices en violencia de género, los temas relativos a diferencias, diversidad y tolerancia se han puesto sobre la mesa en nuestros días, la actriz Karla Constantini realizó algunos estudios al respecto. Entre la bibliografía consultada estaba, desde luego, la obra de Sor Juana Inés de la Cruz y esto le inspiró para realizar un montaje a partir de sus textos como una forma de llevar al público a reflexionar sobre la violencia contra las mujeres. Fue así como se inició el proyecto conjunto de los grupos Teatro Estudio y Teatro Nómada. A partir de la prodigiosa obra de Sor Juana, a modo de laboratorio, fueron armando una puesta en escena interdisciplinaria combinando teatro, danza y música para hacer un recorrido por la vida, la obra y la pasión de la Décima Musa.

El resultado es Juana Inés: paráfrasis de sí misma, una propuesta que ofrece un viaje en la condición de ser mujer en distintos tiempos y lugares, un mosaico donde se escucha la palabra de Sor Juana con toda su filosofía, perspicacia y esplendor, se escenifican relatos de situaciones variadas que van desde enredos amorosos hasta aspectos de la implacable Inquisición, en un entorno lleno de simbología que capta el folklore y la idiosincrasia del mexicano con evocaciones de España. Igual se pueden ver reminiscencias del cuadro Las Meninas de Diego Velázquez que una alusión a la popular lucha libre. En la representación se diluyen las diferencias de género -un hombre puede vestirse de mujer o una mujer de hombre-. El son jarocho añade luminosidad.

P1200353Fernando Sakanassi y Ricardo Ruiz Lezama logran un texto muy estructurado que capta el interés de principio a fin. La labor de dirección por parte de ellos es extraordinaria, el trazo escénico es depurado y brillante, el movimiento constante, el espacio bien aprovechado, el ritmo fluido y la belleza estética que imprimen sorprendente.

El elenco está conformado por Karla Constantini, José Jaime Argote, María Balam y Darío Rocas, quienes ofrecen una estupenda labor histriónica, corporal y vocal. En la música de entrada intervienen Valeria Rojas Estrada, Raquel Palacios Vega y Violeta Romero.

Aportan su creatividad a este proyecto: Tenzing Ortega en espacio escénico; Ricardo Pérez-Imagina Entretenimiento, es escenógrafo resiente, diseño de iluminación y producción ejecutiva; Xicoténcatl Reyes en diseño Sonoro; Estela Fagoaga en asesoría y diseño de vestuario; la doctora Francesca Gargallo en asesoría en feminismo y nuevas masculinidades; Ulises Cancino en asesoría de los Siglos de Oro; Roxana Elvridge-Thomas en documentación sobre Sor Juana; Diego Piñón en movimiento ritual; Víctor Villasana en movimiento escénico; Rosalinda Ornelas en asesoría en canto; Alan Gasperín e Iris Marielle en asesoría en jaranas; Paloma Domínguez en asistencia de dirección; José Alberto Sigala e Iván Rodríguez en asistencia de producción; Christian Leal en diseño gráfico y Édgar Minjares en video. Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

P1200375Con Juana Inés: paráfrasis de sí misma queda demostrado que los jóvenes dedicados a la creación teatral están encontrando nuevas formas para expresar su arte.  Teatro Estudio y Teatro Novo sorprenden con este montaje de gran calidad. A punto de presentarse en la cuadragésima primera edición del Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro 2018 en España, cubrieron una breve temporada en el Teatro Sergio Magaña de la Ciudad de México.  Quienes vieron este proyecto tan bien logrado, no sólo disfrutaron la poesía, la música, las interpretaciones sino hasta el bello y original vestuario.

NADA QUE TEMER (APROXIMACIÓN TENTATIVA AL ESTUDIO DEL HOMBRE)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Desde el origen de la humanidad en el planeta Tierra, sus habitantes comenzaron a marcar las diferencias entre géneros. La mujer debía ser femenina y el hombre, masculino. Se impusieron ciertas normas de conducta que los padres aplicaban a partir del nacimiento de sus hijos. En tanto que en algunos aspectos se han logrado avances, en otros, se ha empeorado.

Se ha logrado superar la costumbre de que la mujer sólo podía dedicarse al hogar, no le estaban permitidos los estudios profesionales y ni siquiera podía votar. Hoy en día ya se puede ejercer el voto. En nuestro país, ese derecho apenas fue concedido a partir de 1953. El ingreso de la mujer a la educación superior ocurrió alrededor del año 1940. Sin embargo, el índice de inscripción de mujeres en aulas universitarias era bajísimo. Según los anuarios estadísticos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), entre sus estudiantes, las mujeres alcanzaban un 20.73% en el año 1940. Para el año de1950 este índice era de 18.26% y para 1960 de 17.62%. No fue sino hasta el año 1970 en que esos bajos índices comenzaron a subir.

En consecuencia, por el lado de la educación, hoy en día abundan las mujeres profesionistas que se encuentran trabajando activamente. Con respecto a la votación, ya no sólo pueden ejercer el derecho de votar sino también el de que se vote por ellas, puesto que también existen candidatas a puestos públicos. Se supone que en lo personal hay mayor libertad, ahora se puede decir públicamente que se es heterosexual, homosexual, bisexual, transexual o lo que uno desee ser, pero la diversidad tampoco es aceptada por todos, siempre hay partidarios y detractores. Lo cotidiano sería mucho más sencillo si todos nos viéramos unos a otros simplemente como seres humanos sin hacer diferencias. Con respeto, podríamos caminar juntos, apoyándonos, y las colaboraciones, alianzas o compromisos se darían mejor. Lo lamentable es que muchos no comprenden esto, son gente que se cierra y que tiende a la segregación, discriminando, sin ver a los demás como semejantes. Los arquetipos quedan tatuados en la mente de las personas y más que ser benéficos, perjudican seriamente.

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Mediante los noticieros, sabemos que la incidencia de crímenes de género se ha incrementado en forma alarmante. Además de la violencia que impera, esto podría ser una de las secuelas de los arquetipos aprendidos desde la primera infancia.

Lydia Margules, nacida en México, egresada del Núcleo de Estudios Teatrales (NET), con estudios de posgrado en París, Francia, fundadora y directora de la compañía Museo Deseo Escena desde 2006, ha dedicado gran parte de su vida al teatro. Por su sensibilidad y conciencia social gusta elevar las voces de otros desde su trinchera para sembrar una semilla en pro de un mundo equitativo. En esta ocasión, preocupada por la violencia de género, decidió hacer un análisis profundo al que denominó Aproximación tentativa al estudio del hombre. Para este proyecto, organizó un laboratorio teatral al cual convocó a un elenco masculino. Comenzaron con trabajo de mesa. Una vez definido lo que Lydia quería plasmar en escena, acudieron a literatura alusiva, entablaron conversaciones, intercambiaron ideas y estructuraron. Posteriormente, dieron inicio a ensayos.

De la literatura, tomaron como base el poema Yo soy el individuo -Soliloquio del individuo- escrito por Nicanor Parra, nacido en 1914, en una comuna precordillerana de la Provincia de Ñuble, en la Región del Biobío, Chile y fallecido en enero del año en curso. Nicanor Parra se desempeñó como poeta, matemático y físico. Se considera que su obra ha influenciado de manera profunda la literatura hispanoamericana. Durante su trayectoria obtuvo muchas distinciones como el Premio Nacional de Literatura en 1969 y el Premio Miguel de Cervantes en 2011, además de haber sido candidato al Premio Nobel de Literatura en varias ocasiones. Muchos de sus textos han sido traducidos a diversos idiomas. También se le conoce como el creador de la antipoesía.

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En el poema de referencia, Nicanor Parra describe la historia de la humanidad hablando en primera persona e incluyendo algunos pasajes autobiográficos.

Así mismo, la Aproximación tentativa al estudio del hombre de Lydia Margules fue intitulada Nada que temer,en honor al poema homónimo escrito por Jacques Prévert, en el que alude a los muertes y, entre otras cosas, dice:“sus muertos están bien muertos”.Jacques Prévert (1900-1977) fue un poeta, autor teatral y guionista cinematográfico francés.

Una de las características del trabajo de Lydia Margules es que da particular relevancia al lenguaje corporal. Es probable que en Nada que temerla corporalidad diga más que la palabra. Los textos propuestos por los participantes durante el laboratorio y compilados en la dramaturgia de Karla Villegas son cortos y se repiten una y otra vez durante la representación. Se refieren a la valentía, la fuerza viril y aluden a varios de los arquetipos de masculinidad. El principio y el final son tomados de Yo soy el individuo.  Las frases comienzan con:“ser hombre es  …”, o bien, “ser hombre tiene que ver …”, hablan de leña, fuego, sexo, puños, dolor, resistencia, lastimar y hasta de la postura que deben adoptar al sentarse.

El movimiento es constante. El elenco se desplaza a ritmo de estridencias musicales. Mientras enuncian sus parlamentos realizan sus rutinas personales. Las secuencias coreográficas son similares, pero individualizadas. Cual satélites en órbita, cada uno va por su lado. De vez en cuando parecieran tratar de arrancarse las ideas arcaicas. Hay que entender que tales ideas están arraigadas dentro de su ser y marcan su comportamiento que en ocasiones les es cómodo, pero en otras, les pesa, los lastima o les limita expresar su sentir. Para desecharlos se requiere de una catarsis profunda y dolorosa.

En las normas que enuncian hay de todo. Algunas son absurdas, como:“que los hombres tienen que saber construir y saber destruir”, otras no son ciertas del todo, como:“los hombres tenemos sexo, no hacemos el amor”, lo cual aplica en la mayoría de sus relaciones, pero no cuando están enamorados, y otras más son contundentes:“un mal hombre no es un hombre, es un animal”.

En escena tanto los recorridos como las palabras se superponen, igual que si se encontraran en una Torre de Babel. La energía que emana de las dinámicas coreografías envuelve al espectador y lo conduce a la reflexión de si debieran o no seguir vigentes las costumbres que han regido el ser masculino.

El elenco está conformado por: Alexandro Guerrero, César René Pérez, Marduk Serrano y Emilio Savini, quienes ofrecen un trabajo muy comprometido y corporalidad extraordinaria. Para ejecutar sus rutinas requieren de particular concentración, puesto que cada quien va por su lado, deben aislarse -al menos mentalmente- del movimiento de sus compañeros, además de lograr la sincronización entre parlamentos y rutinas. La individualización también se observa en el elenco, en virtud de que la fisonomía, complexión y edad son distintas entre ellos.

Equipo creativo de Nada que temer: Idea original de Lydia Margules y Karla Villegas. Dramaturgia de Karla Villegas. Puesta en escena, producción general, diseño de espacio e iluminación de Lydia Margules. Diseño de vestuario de Saúl H. Liera. Diseño sonoro de Ricardo Cortés. Asistencia de dirección y producción de Homero Hernández.

La presentación del trabajo en proceso de Nada que temer(Aproximación tentativa al estudio del hombre) se llevó a cabo en el Foro La Nabe, ubicado en José María Vértiz, número 86, colonia Doctores, Ciudad de México. Fue una fecha única y tuvieron teatro lleno. Al final de la función recibieron un cálido aplauso por parte de los asistentes, entre quienes se encontraban la maestra Rossana Filomarino, destacada coreógrafa y bailarina, y el primer actor Enrique Arreola. Para concluir el evento, hubo una charla entre los participantes y el público, donde relataron pormenores del proceso y hubo preguntas y respuestas. Lydia Margules explicó que el montaje aún no está terminado y que continuarán afinando detalles.

Nada que temer (Aproximación tentativa al estudio del hombre) será estrenada en octubre en el Centro Cultural Carretera 45 Teatro. Se trata de un trabajo bien diseñado y desarrollado por parte de un equipo comprometido con el teatro y los valores sociales. Así que estén pendientes de la cartelera teatral. Cuando vayan, inviten a amigos. Tal vez viendo desde fuera los obsoletos arquetipos del comportamiento masculino, opten por arrancárselos y ser ellos mismos. Todos anhelamos un mundo mejor donde prevalezca la equidad y deje de haber violencia de género.

EL JUEGO DE LOS INSECTOS, ÓPERA

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Foto cartel promocional

 

Hace casi un siglo, en 192|, los hermanos Josef Čapek y Karel Čapek escribieron una obra de teatro que intitularon Zeživotahmyzu (De la vida de los insectos o El juego de los insectos). Josef Čapek (1887-1945) fue un artista checo que se dedicó a la pintura, para luego ser escritor y poeta. A él se atribuye la invención de la palabra robot, una derivación del término robota, que en antiguo eslavo significa robota, así como del checo, idioma en el cual significa trabajo. La primera vez que fue usado el término robot fue en la obra teatral R.U.R. (Robots Universales Rossum) de la autoría de su hermano Karel Čapek (1890-1935), quien cursó estudios en filosofía y estética en la Universidad Carolina en Praga, Checoeslovaquia, para luego también estudiar en la Universidad Humboldt en Berlín, Alemania y en La Sorbona en París, Francia, y es considerado uno de los escritores más importantes en lengua checa del siglo XX. Así mismo, es uno de los precursores de relatos de ciencia ficción y se especializó en relatos fantásticos.

Cuando la dramaturga mexicana Verónica Musalem leyó El juego de los insectos quedó impactada, tanto que decidió escribir una adaptación libre del relato checo. Introdujo ciertas modificaciones a la historia original, cambió el final e incorporó algunas escenas adicionales. Por sus ocupaciones y prioridades laborales, dejó el texto guardado por años, con la esperanza de que algún día fuera llevado a escena. Verónica no imaginó que llegado el momento, el futuro deparara un montaje tan espectacular a su versión de El juego de los insectos.

La Compañía Nacional de Ópera reunió a varios talentos para la creación de una ópera excepcional. El juego de los insectos fue transformada en ópera por Federico Ibarra, tomando como base la dramaturgia de Verónica Musalem y se presenta bajo la dirección escénica de Claudio Valdés Kuri, uno de los directores con más talento y prestigio del país.

La anécdota de El juego de los insectos es sobre la búsqueda de nuevos horizontes. El ser humano siempre está en pos de encontrar algo distinto que sea mejor a su entorno. En este caso, un vagabundo desilusionado y harto de los problemas cotidianos, la contaminación, el tránsito, la sobrepoblación, la falta de dinero y un sinnúmero de dificultades decide adentrarse en el mundo de los insectos, con la esperanza de que en éste se sentirá más a gusto. En su recorrido, habrá de ver cómo viven diversos tipos de insectos -moscas, escarabajos, parásitos, grillos, larvas, mariposas, hormigas y otros-. Le sorprenderá saber que los insectos también tienen que lidiar con sus problemáticas.

El espectador acompaña al vagabundo en esta aventura fantástica, para encontrar similitudes y diferencias entre dos mundos que pudiera pensarse que son tan distintos, el de los humanos y el de los insectos. Ciertos vicios de conducta se ven en los dos mundos, por ejemplo, la superficialidad con que se comporta la juventud, los trabajadores que son dominados por sus superiores o por los poderosos, y la confrontación de la milicia.

Lo primero que verá es una especie de vivienda múltiple o comuna, donde priva el hacinamiento. Allí presenciará la historia de amor de un par de grillos -la muy embarazada reinita y su maridito- que justo acaban de llegar a su nuevo hogar. Más adelante, conocerá secretos de las mariposas, incluso, será testigo del proceso de metamorfosis de una crisálida. Así mismo, verá la maquinaria de industrialización de las trabajadoras hormigas. Cada etapa presenta momentos interesantes y divertidos que derivan en aprendizaje y propician la reflexión. Presentada en dos actos, esta ópera cuenta con un prólogo, tres escenas y un epílogo.Cuenta con la participación de más de 200 artistas, entre creadores, creativos, cantantes, músicos, bailarines, actores y actrices.

Las partituras fueron creadas en 2009 por Federico Ibarra, uno de los más destacados compositores mexicanos de ópera. El libreto de Verónica Musalem es tan complejo como interesante. La dirección por parte de Claudio Valdés Kuri es brillante y dinámica. Su trazo escénico es ágil, la distribución de su elenco y los cuadros es precisa, el desplazamiento está bien programado y muy coordinado. El ritmo es inmejorable.

El director concertador es Guido María Guida y su desempeño es excelente, delicado y energético. La escenografía concebida por Auda Caraza y Atenea Chávez es el marco perfecto para dar la espectacularidad requerida a un mundo fantástico, plasman la vivienda múltiple con mucho ingenio y todos los detalles tienen simbolismo, incluso, aparece por allí algo que semeja el nicho del Santo Niño de los Milagros, que se encuentra en la Iglesia de San Gabriel Arcángel del barrio de Tacuba en nuestra Ciudad, el único Niño Dios al que visten con uniformes de equipos de fútbol, uniendo la religiosidad con la pasión futbolera. El territorio de las hormigas tiene algo de vanguardismo cinematográfico y permite varios planos en forma simultánea.

El diseño de iluminación de Víctor Zapatero, como de costumbre, es magistral. La distribución y modulación de la luz crean tonalidades impresionantes que coadyuvan con la estética general.

Jerildy Bosch crea un diseño de vestuario muy variado y llamativo, prendas finamente confeccionadas a base de telas de todo tipo, algunas en tonos metálicos, otras que son uniformes para varios, así como gasas y mantas. En esta ocasión las vestimentas van acompañadas de algunas pelucas multicolores. El maquillaje tan importante para definir a los personajes es de Carlos Guizar. La coreografía es de Alicia Sánchez, quien se apoya en técnicas diversas que dotan a esta ópera de gran dinamismo. La danza aérea es de Bárbara Foulkes. El productor ejecutivo es Julián Robles. El director huésped del Coro es Alfredo Domínguez.

El elenco está conformado por: el primer actor Joaquín Cosío, quien da vida al Vagabundo, dotándolo de muchos matices y de su potente voz. Las mariposas son: el tenor Orlando Pineda (Félix), el barítono Enrique Ángeles (Otto), la mezzosoprano Rosa Muñoz (Clytia) y la soprano Dhyana Arom (Iris). En el mundo subterráneo están: la soprano Penélope Luna (Crisálida), el barítono Alberto Albarrán (señor Escarabajo), la mezzosoprano Gabriela Thierry (señora Escarabajo), el tenor Gerardo Reynoso (Parásito), el bajo-barítono Luis Rodarte (Mosca), el tenor Mauricio Esquivel (Larva), la soprano Cynthia Salazar (Señora Grillo) y el tenor Rogelio Marín (señor Grillo). Las hormigas son: el barítono Raúl Román (Ciega), el tenor Rodrigo Garciarroyo (Ingeniero), la mezzosoprano Norma Vargas (Ingeniera), el barítono Enrique Ángeles (Científico), el tenor Orlando Pineda (Mensajero), el tenor Joel Pérez (Soldado 1), el barítono Martín Luna (Soldado 2), el bajo-barítono Arturo López Castillo (Soldado 3) y el tenor Francisco Martínez (Soldado 4). Están en el Epílogo: la mezzosoprano Gabriela Thierry (Mariposa I), la soprano Dhyana Arom(Mariposa II) y la soprano Jacinta Barbachano De Agüero (Mariposa III).

Participan también: Fernando Huerta Zamacona como Cover de El Vagabundo. Los habitantes del mundo subterráneo son: Ana Lilia Corona, Cinthia Alonso Mejía, Evelyn Montes, Fernanda Vázquez Maya, Karla Corina Ponce Olvera, Leticia Vargas, Mabel Brito López, María de la Luz Chávez, Mariana Montero, Martha Lira, Paola Martínez, Patricia González, Patricia Ríos, Raquel Arriojeda, Regina Barrón de la Torre, Elizabeth de la Torre Pantoja, Rocío Nejapa, Rosario Alvarado, Virginia Hernández, Yunuén Castillo, Adolfo Rafael Romero, Alberto Meléndez, Bruno Valero, Eduardo Lezana, Héctor Hugo Añorve, Ian López Vázquez, Isaac Rodríguez Alonso, Jorge Ramos, Miguel Barrón, Frida Ríos Méndez, Sebastián Savil, Edy Santiago Torres Luna. La secretaria es Aline Lemus Bernal. Los sargentos son Erudi Minero, Maripaz Herrera, Patricia Caña, Iván Liera, Juan Manuel Loch y Santiago Ulloa. Los paramédicos: Bella Elvira Naya, María Belén Chávez  y Gerard Estrada. Los bailarines: Aislinn Jiménez Torres. Biaanidxi Toledo Cabrera, Indra Juvenal Saavedra, Irene Martínez Olivares, Lizet Huft Gaspar, María de Guadalupe Espínola Alcántara, Marisol Sarmiento Sánchez, Niuwe Bracamontes Somoza, Paola Jerónimo López, Paulina Juárez Muro, Yumana Tannous Akele, Diego Cardiel Castro, Fernando Barrera Cruz, Óscar Castellanos Acevedo, Ricardo Fábila Correa, Tomás Gómez Pereyra y Tristán Garrido Mendoza. Bailarines aéreos: Bárbara Foulkes, Marlene Solano Magdaleno y Nicolás Barmat. Orquesta y Coro del Teatro de Bellas Artes.

La Compañía Nacional de Ópera agradece a Pro-Ópera, A.C. por su apoyo para la realización del programa de mano.

El desempeño vocal de los artistas dedicados al bel canto que participan en esta ópera es extraordinario, cada uno de ellos cuenta con voz privilegiada y profesionalmente educada. Es una delicia escucharlos. El relato capta la atención de principio a fin. La espectacularidad y la estética están presentes en todo momento. Lo cierto es que El juego de los insectoses excepcional, en virtud de que es un proyecto desarrollado con creatividad, perfectamente planeado y muy bien logrado. Además, para orgullo nuestro es ciento por ciento mexicano, dado que todos sus integrantes son compatriotas. Es ampliamente recomendable, así que corre a comprar tus boletos, pues sólo quedan dos funciones.

La ópera El juego de los insectos se presenta el domingo 10 de junio de 2018 a las 17:00 horas y el martes 12 de junio de 2018 a las 20:00 horasen la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, ubicado en avenida Juárez, Centro Histórico, Ciudad de México.

SHALOM O LA MISERICORDIA DE BABEL

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Shalom.1A lo largo de la historia, el pueblo judío ha sufrido diversas persecuciones, siendo la más cruenta la que se denominó como el Holocausto durante el régimen nazi comandado por Adolf Hitler. En hebreo al holocausto se le dice Shoá, cuya traducción sería La Catástrofe. Se calcula que aproximadamente seis millones de judíos perdieron la vida durante el genocidio. La gente era transportada en trenes de carga hacia campos de concentración para su exterminio, el cual se llevó a cabo utilizando diversos métodos, como trabajos forzados, hambre, asfixia por gas venenoso, disparos, ahorcamiento, experimentos pseudocientíficos, tortura médica y golpes. Esto fue practicado desde finales del verano de 1941 hasta la primavera de 1942. Muy pocos lograron escapar de la muerte.

La afamada escritora y poeta alemana Nelly Sachs (1891-1970) enfocó su arte literario a dar voz a los judíos desaparecidos. Nelly Sachs comenzó a escribir poesía romántica cuando apenas contaba con 17 años. Durante la Segunda Guerra Mundial se exiló en Estocolmo, Suecia y, a partir de entonces, consagró su escritura a temas judíos. Su obra la hizo acreedora a numerosos galardones, siendo los más importantes: el Premio de la Literatura de la Federación de la Industria Alemana en 1959; el Premio Dreste de Meersburg en 1960; el premio Nelly Sachs de la Ciudad de Dormund en 1961; el Premio de la Paz que otorgan los Libreros Alemanes en 1965 y, para culminar su brillante trayectoria, el Premio Nobel de Literatura en 1966.

Una de sus obras más emblemáticas es “Eli: Un juego de misterio sobre el sufrimiento de Israel”, la cual sirvió de base a Ray Nolasco para concebir una versión libre denominada Shalom o la misericordia de Babel. Shalom -שלום- es una palabra hebrea que significa paz o bienestar. Se utiliza como saludo o despedida, a fin de desear salud, armonía, paz interior, calma y tranquilidad.

Shalom.2Dividida en tres capítulos: I. El silbato, II. El mundo y III. Un soldado, Shalom o la misericordia de Babelversa sobre la vida, la muerte, la fe, la venganza y el perdón. Eli, un pequeño de 8 años. El significado de su nombre en hebreo es: niño de Dios. La acción ocurre en una población de Polonia. Acaban de separar a Eli de sus padres, quienes serían conducidos a un campo de concentración. El niño no entiende por qué lo han dejado solo en la calle, tratando de llamar su atención, toca un silbato. Por las creencias que le han inculcado, él considera que el sonido llegará a Dios y él lo orientará para volver a reunirse con sus progenitores. En ese momento, un soldado descubre al niño y, asumiendo que el sonido del silbato es una clave secreta, le dispara a quemarropa. Toda la comunidad queda horrorizada. Miguel, el padre de Eli, no encuentra paz. Llevando consigo el silbato de Eli, se va de viaje en busca del asesino. Su deseo es tomar venganza por propia mano.

En el poblado donde vive el soldado. Miguel encuentra trabajo de zapatero en un taller.  Pocos días después, para su sorpresa, el militar se presenta ante él y le pide que arregle sus botas. Algo está por suceder. Tal vez sea una enseñanza divina para Miguel en el sentido de que es mucho mejor perdonar que vengarse. Después de todo, nadie sabe “dónde está el orden mundial”.Hay que aceptar que existen ciertas paradojas. Si se considera que “la piedra es vida y el cuchillo es muerte, el afilador afila la muerte con la vida”.

La historia capta el interés y resulta impactante. El montaje está diseñado como teatro íntimo. A falta de escenografía, Ray Nolasco crea el espacio escénico a base de elementos de apoyo plenos de simbología. Velas, piedras, tablones y mantas bastan para representar tiempos, sucesos y lugares distintos.

Shalom.3La labor de dirección por parte de Ray Nolasco es impecable. Aprovecha a fondo las superficies y la dinámica de movimiento es acertada. Sumerge al público en una atmósfera mística.

El elenco ofrece un trabajo histriónico de calidad, con marcada corporalidad y su desempeño vocal es impresionante. Así mismo, hacen gala de su versatilidad, al interpretar diversos personajes con características distintas, las cuales logran a base de cambios en sus actitudes y voces. Adriana Reséndiz (Miguel), Mauricio Moreno (albañil, anciano, soldado, niña 2), Jéssica Gámez (Jossele, lavandera, afilador, niña 1, ciega, mendigo, voz de anciana, esposa, hija de soldado), Alinka Durán (panadera, madre, picapiedrera, zapatero, mujer de soldado) y Marco Limón (Samuel, Mendel, campesino, cartero).

La creación de un personaje es pieza fundamental para que un actor o actriz se transforme y encarne a alguien. El trabajo de Adriana Reséndiz en este sentido es excepcional. En Shalom o la misericordia de BabelAdriana interpreta a Miguel, hombre adusto, cuando recientemente la hemos visto como la tierna y dulce nena Jette en ¿Duermen los peces? de la autoría de JensRaschke, otra producción de Teatro ReNo.  Con esto queda demostrado que para un histrión con talento y capacidades no existen límites en cuanto a personajes.

El resto del equipo creativo está integrado por: Martha Benítez en diseño de iluminación; Libertad Mardel en diseño de vestuario; Edwin Salas en diseño y realización de títere;BeylinSabeth en asesoría musical;Alinka Durán en asesoría vocal y canciones originales;Jéssica Gámez en asesoría en máscara; Ángel “Balam” Jiménez Gómez en diseño de imagen gráfica; Gabriela Ayala Reyes en realización de vestuario;Christo Muñoz en apoyo técnico. La labor de cada uno de ellos es estupenda, la iluminación está bien distribuida, el vestuario es acorde a la época y los oficios, los títeres son de buena confección y bien manipulados, la música y las canciones brindan el entorno idóneo.La producción es de Teatro ReNo.

Shalom.5Es grato ver que grupos independientes hagan teatro de calidad y que cada uno de sus integrantes desempeñen su trabajo con capacidad, compromiso y creatividad. Shalom o la misericordia de Babel es un proyecto perfectamente logrado. En su temporada anterior tuvo mucho éxito, así que aprovecha esta nueva oportunidad para verla. Trasládate a otra época en una aldea de un país lejano y acompaña a este talentoso equipo. Te sorprenderán las vestimentas, los trenzados en el cabello, los mercaderes anunciando sus productos, te enternecerás con los pequeños, compadecerás a Miguel y hasta extrañarás a Eli.

Shalom o la misericordia de Babelse presenta los sábados a las 19:00 horas en laSala Novo, ubicada en la calle Madrid número 13(casi esquina con Centenario), al fondo del inmueble donde está el Teatro La Capilla, Coyoacán, Ciudad de México. La temporada concluye el sábado 30 de junio de 2018.

¡NO SOY GORDA!

Texto por Eugenia Galeano Inclán

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NO.SOY.GORDAAntaño nadie se preocupaba por cuidar la línea, cada quien se conformaba con ser como era. Cuando la comercialización surgió, todas las mujeres querían verse como modelo de pasarela, sin pensar que algunas de esas modelos se han sacrificado tanto que han llegado hasta perder la vida, víctimas de la bulimia o la anorexia, o del exceso de ejercicio. En realidad, la belleza no estriba en los kilos. Cualquier persona puede verse bien aunque tenga sobrepeso. En el arte, el pintor colombiano Fernando Botero se hizo famoso al reflejar gente de grandes dimensiones en sus cuadros. De cualquier modo, en gustos se rompen géneros y hay quienes prefiere a los gorditos que a los flaquitos.

Lo peor que puede hacer una persona es obsesionarse con su peso. Aquellos hombres que son machistas, desprecian a sus mujeres si es que engordan, les ponen sobrenombres y las humillan, cuando lo único que consiguen es que ellas, además de padecer de sobrepeso, caigan en la ansiedad, misma que hace que, en lugar de adelgazar, engorden más y más.

María Chayo, egresada de un taller de dramaturgia impartido por Estela Leñero, decidió escribir ¡No soy gorda!,a fin de dar voz a Airam, su protagonista, una hermosa mujer con algo de sobrepeso que está cansada de escuchar lo que opinan los demás. Si bien el texto tiene estructura, por momentos gira sobre su propio eje y resulta un poco reiterativo. Lo bueno es que el mensaje se transmite claramente: la actitud significa mucho para el individuo y los estereotipos carecen de importancia.

Para hacerse cargo de la dirección escénica fue convocado Morris Savariego, quien en su intento de aligerar la escenificación imprime tal celeridad que no da un solo momento de quietud a su actriz, sin tomar en cuenta que en ocasiones menos es más. El montaje es acertado, combina técnicas teatrales como tragicomedia, cabaret, stand-up comedyy reality show. El espacio es aprovechado a fondo. Con unas cuantas prendas se logra una extensa diversidad, una cabeza de maniquí basta para representar a uno que otro alternante de Airam.

Lo que hace que¡No soy gorda! sea algo verdaderamente especial es el histrionismo de la hermosa Paola Izquierdo, quien con su gracia nata y experiencia hace una creación teatral de su personaje Airam que resulta magistral, haciéndola intuitiva, vital, fortalecida, simpática y divina. Con cada expresión, cada movimiento, logra que el público esté al pendiente de qué sucederá y no queda otra que adorarla.

El resto del equipo creativo está conformado por Mario Marín en escenografía; Adriana Olivera en diseño de vestuario; Abimael Méndez en iluminación; Héctor Barbone y Alfonso Zarco en música y diseño sonoro; Edson Martínez en movimiento escénico; Pablo Corkidi en video y fotografía; Eduardo Barrera en diseño gráfico; Pamela Rendón/Innsite en difusión y promoción; Guillermo Mondlak en coproducción; Luis Montalvo en producción ejecutiva y asistencia de dirección; Adriana Rentería en asistencia de dirección y producción; Andrés Mota en asistencia de escenografía; Leobardo Hernández y Ana Lilia Villarreal en asistencia general; Yeana González López en registro y memoria de la temporada, y Antonio Pérez / Construcciones Escénicas en construcción de escenografía. Sin duda, un gran equipo de creadores comprometidos con el proyecto.

Quedan cordialmente invitados a ver ¡No soy gorda! Una actuación sobresaliente siempre es grata. Queda uno reconciliado con la vida. No hay que vivir dilucidando ecuaciones entre lo que pesas y la edad que tienes. Vivir siempre es maravilloso. Arma un grupo y vayan a entretenerse con esta obra y después tómense un café o una copa para intercambiar impresiones. Ten por seguro que se la pasarán muy bien y tendrán tela de donde cortar.

¡No soy gorda! se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 19:00 horasy domingos a las 18:00 horas en el Foro a poco no, ubicado en la calle República de Cuba, número 49, a espaldas del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, Centro Histórico, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $165.00 pesos, con descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 27 de mayo de 2018.

HISTORIAS DE CIUDAD (Volumen Uno)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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La cartelera teatral de la Ciudad de México es muy amplia y variada.  Entre tantas opciones, queda a criterio del espectador qué es lo que desea ver.  Se puede elegir por historia, por título, por género teatral, por grupos, por elenco, por director, por productores, por recomendación, por duración, por ubicación y hasta por precio.  En la actualidad, las producciones que integran la cartelera van de lo más espectacular a lo minimalista.  Lo multidisciplinario ha tomado un importante lugar en la preferencia del público.  Lo musical siempre es bien recibido.  También depende del estado de ánimo del momento, tal vez se quiera uno ir a divertir, reflexionar, desentrañar un misterio, concientizarse, llorar, pasar el rato, ver en persona al actor o actriz favorito, o simplemente ver teatro.

 

Cada día surgen nuevas tendencias y se abren espacios.  Definitivamente, México es un país donde muchas personas apuestan por el teatro, a pesar de todas las dificultades que se tienen que sortear para producirlo, costearlo y presentarlo.

 

Hace ya casi una década en España, a raíz de una crisis económica, Miguel Alcantud creó el concepto microteatro, con el propósito de autogenerar trabajo para dramaturgos, directores, escenógrafos, músicos, actores, actrices, equipos técnicos, así como acercar más el teatro al público.  Fue tal el éxito que casi de inmediato el formato comenzó a replicarse en otros países.  En el nuestro, fueron Alejandra Guevara y Andrea Novelo quienes abrieron las puertas de MicroTeatro México y, desde entonces, gracias al empeño y esfuerzo de estas dos brillantes mujeres ha sido y continúa siendo la mejor opción en la capital mexicana para la presentación del concepto microteatro.

 

Por la respuesta del público al formato, muchos se han sumado a adoptarlo.  Además de varios grupos que se han dedicado a realizarlo, resulta ideal para presentar trabajos de varios dramaturgos al concluir un taller.  En este caso se encuentra el Taller de Dramaturgia impartido por Estela Leñero, quien, para la celebración de su décimo aniversario, hace un par de años, presentó “Claustrofobia“, al cual describió como “proyecto inédito de teatro en circuito“, conformado por cinco obras breves que se escenificaban en varios espacios de El Círculo Teatral.

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Una de las obras que formaban parte de “Claustrofobia” era “Permanencia no voluntaria” de la autoría de Vicente Ferrer, dramaturgo egresado del Taller de Dramaturgia de Estela Leñero.  Es posible que Vicente Ferrer se haya sentido atraído por el concepto, pues, ahora, ya por su cuenta, lo ha adoptado para presentar HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, con tres obras breves escritas por él:  SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA.  Vicente Ferrer indica que sus tres obras engloban las consecuencias que puede traer una mala decisión y va de lo más divertido a lo absurdo, para terminar en tragedia.

 

Los tres relatos contenidos en HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno van de menos a más.

 

El primero es SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR, un texto con poca estructura, que capta una entrevista de trabajo.  El carácter de los personajes no está definido –si alguien quiere imponerse, no se distraería maquillándose y si una persona tiene interés en ser contratado, no respondería llamadas durante la entrevista–.  La obra versa sobre Reynaldo, quien atraviesa serias dificultades económicas y le urge conseguir un empleo.  Lo malo para él es que Bárbara, la entrevistadora, le pone un montón de trabas que Reynaldo procura ir sorteando.  ¿Logrará obtener el ansiado puesto Reynaldo?

 

La magia teatral se produce cuando el espectador entra de lleno a una convención y con los ojos de la imaginación ve aquello que no existe.  Por ejemplo, algún personaje menciona que están dentro de un palacio y aunque éste no exista, el público cree que allí está.  En el montaje de HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, ocurre lo contrario.   Ante lo evidente, el público se sale de la ficción en forma inmediata .  En el primer relato, es imposible que alguien crea que la barba y el bigote son reales si lucen tan artificiales.

 

En cuanto a la dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer, no se nota un trazo escénico definido.  Los desplazamientos no se ven naturales,  los integrantes del elenco andan algo perdidos, sus cambios de humor son abruptos, gritan a todo lo que da a la menor provocación.  Pareciera que el único propósito es alcanzar un poco de jocosidad.

 

El segundo es CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA.  El texto está estructurado y capta la atención del público.  Todos sabemos que en la vida real no ocurre lo que en los cuentos que terminan con el consabido “fueron felices para siempre“, lo difícil viene con la convivencia cotidiana.  Sólo con amor pueden soportar los defectos del otro y adaptarse a la vida en común.  Toda pareja llega al altar con un cúmulo de ilusiones, pero éstas corren el riesgo de desvanecerse si el otro no cumple con las expectativas.

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Gonzalo y Carla acaban de contraer matrimonio y están deseosos de dar inicio a su luna de miel.  De entre todos los obsequios recibidos, uno de los que más complació a Carla fue la suite nupcial que sus padres le reservaron para la noche de bodas, pero Gonzalo le tiene preparada a Carla una sorpresa que a él le parece algo romántico.   Pronto saldrá a la luz que los dos tienen ideas muy distintas sobre dónde y cómo comenzar su vida en pareja.

 

En relación con el montaje, aplica el mismo comentario que hicimos con respecto a que el público se salga de la ficción.  Toda novia quiere lucir lo más bella posible el día de su boda.  Resulta fuera de lógica que la novia traiga pantalones y sweater abajo del vestido de novia y, para colmo, ambos en color negro, siendo que hay novias que se cambian hasta cuatro veces con tal de verse esplendorosas.

 

Para este relato, la labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable.  El trazo escénico es consistente.  La coreografía está bien diseñada y el ritmo es preciso.

 

El tercer relato es LA FURIA, una historia de suspenso que atrapa al espectador de principio a fin.   Adriana Duarte no ha logrado esclarecer un caso donde una menor está involucrada.  Como está dispuesta a encontrar al responsable para que sea castigado, solicita la ayuda del prestigiado psiquiatra Orestes Konstantellos.  La acción comienza cuando Adriana llega puntual a su cita con el doctor Konstantellos.  Durante su entrevista, se irán develando ciertos secretos del pasado de ambos.

 

Los respectivos elencos de SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA están conformados por:  Xilonen Yumei (Bárbara, entrevistadora)  y  Juan de Dios Mastachi (Reynaldo, aspirante al  puesto de trabajo),  Sussana Vidal (Carla, la novia)  y  Jhovanni Raga (Gonzalo, el novio),  Jessica Espinosa (Adriana Duarte)  y  Elián Cuenca (Orestes Konstantellos).   Xilonen y Juan de Dios caen en la exageración,  Sussana y Johovanni ofrecen buenas interpretaciones.  Elián se esfuerza, pero no alcanza la emotividad de su personaje, en tanto que Jessica dota a Adriana de variados matices, logrando que sea convincente.

 

La labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable, como en el caso anterior.  Está bien administrado el desplazamiento actoral.  Buen manejo del suspenso.  Ritmo exacto.

 

Los tres relatos cuentan con musicalización y sonido administrados por Vicente Ferrer.  La iluminación es suministrada por Arturo Vega.  El vestuario es de Vicente Ferrer y la Compañía.

 

El estético diseño y RP son provistos por @AgenciaLadoA / Alicia Garzón.  La fotografía es de Gabriela Alarcón.

 

Si quieres conocer un nuevo foro, aprovecha para

 

Anímate a conocer estas HISTORIAS DE CIUDAD – VOLUMEN UNO, obras breves sin pretensiones, entretenidas.  Puedes aprovechar si vas de compras al complejo que tiene en Polanco una de las tiendas más conocidas de México, ya que el Foro donde se presentan está por allí.  Para mayor referencia, queda enfrente de una tienda de artículos de oficina.  Además, tendrás oportunidad de conocer un nuevo Foro Cultural.

HISTORIAS DE CIUDAD

Volumen Uno

se presenta los sábados a las  19:00 horas en el

CAFÉ K-OZ

Foro Cultural

ubicado en la calle Séneca , casi esquina con Homero, colonia Polanco

Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $250.00 y para

personas con credencial vigente de maestros, estudiantes e INAPAM, de $200.00

La temporada concluye el sábado 2 de junio de 2018

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

 el sapo ligero

 Los mexicanos tenemos la suerte de tener un país multicultural, de muchos colores y paisajes hermosísimos.  Nuestras playas son admiradas por nacionales y extranjeros, pero también hay desiertos, montañas, volcanes, bosques, la vegetación es abundante, en varios sitios crece en forma salvaje y no por ello es menos llamativa.  Existen numerosos pueblos mágicos y rincones insospechados.  Visitarlos todos es casi imposible.  Así mismo, nuestros ancestros nos legaron edificaciones espectaculares que han sido estudiadas por miles de arqueólogos de todo el mundo.  El arte también tiene un lugar relevante.  No sólo podemos presumir de la obra de grandes pintores, muralistas, escultores, arquitectos, sino que hasta en los poblados más apartados encontramos artesanías bellas y originales.  Al igual que no podríamos abarcar el territorio entero, tampoco sería posible leer todo lo que han escrito nuestros insignes autores o poetas, ni conocemos todos los hechos históricos de nuestra nación.  Los libros de historia destinados a las escuelas sólo consignan aquello que alguien consideró lo más importante y hay tal cantidad en las bibliotecas que no sabemos cómo elegirlos.

 

Martín López Brie encontró una parte de nuestra historia que es muy poco conocida.  Supo que durante un tiempo hubo una red de espionaje nazi.  Le sorprendió tanto saberlo que llevó a cabo una investigación exhaustiva de la cual sacó un estudio muy completo, fundamentado con documentos, confesiones oficiales y literatura.  Martín López Brie nació en Buenos Aires, Argentina, pero reside en México desde hace mucho tiempo, es egresado de la licenciatura en historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Su formación como dramaturgo la obtuvo a través de talleres impartidos por prestigiados autores mexicanos y extranjeros.  Se ha desempeñado como dramaturgo, vestuarista, iluminador y director de escena.  Entre los reconocimientos y premios a que se ha hecho acreedor, podemos mencionar:  Premio Nacional de Dramaturgia Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2005 por “Orfico Blues“, Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda 2007 por “El crimen del Hotel Palacio“,  y  Premio Bellas Artes Baja California de Dramaturgia 2016 por EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO y es precisamente esta última la que contiene su relato sobre el espionaje nazi.

 

Ante tanta información recabada, Martín López Brie decidió convertirla en dramaturgia, su primer reto a vencer fue hacer una síntesis, prueba que superó en forma extraordinaria mediante una estructura excepcional.  A fin de no hacerla sólo informativa, creó una historia de varios personajes, donde sólo son tres los protagonistas, para darle calor humano la revistió de triángulo amoroso y para hacerla amena la enmarcó en un formato de historieta o, como se le dice coloquialmente “comic“.    EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO capta el interés del espectador de principio a fin, las características de los personajes están delineadas en forma clara y firme, las referencias históricas se van develando de poco a poco.  La trama versa sobre la red de espionaje nazi vinculada con el tráfico de recursos naturales y la explotación de minas clandestinas, básicamente de mercurio –de ahí el título–.  Estaban involucrados en dicha explotación altos mandos de las fuerzas armadas y Secretarios de Estado del país, así como celebridades de Hollywood y magnates internacionales.  Este suceso se dio en los tiempos en que estaba en auge en México el sinarquismo, movimiento político, social y cultural nacionalista mexicano fundado en 1937 en León, Guanajuato por un grupo de jóvenes activistas nacionalistas y católicos inspirados en los movimientos de tercera posición en Europa, en particular, por el falangismo español.

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José Ortiz Muñoz, apodado “El sapo” es un matón a sueldo.  Fue contratado para eliminar a unos sinarquistas.  El sapo suele decir “mato por gusto y mato por encargo“, así que todo aquel que le estorbe, deberá cuidarse.  Dolores Toral es una joven enigmática, aparentemente recatada, muy inteligente y trabajadora que sabe cómo conseguir beneficios.  Patrick Brice, por su parte, es dibujante.  Su trabajo consiste en hacer retratos hablados, pero su anhelo es triunfar con una historieta.  De hecho, ya tiene una terminada, la intituló “El Culebra“, lo que le falta es dinero, así que necesita de un editor o de alguien que le brinde patrocinio.  El sapo llega un día a la jefatura de policía y pide que el señor Brice le haga un retrato hablado.  La imagen que surge en el papel es el rostro de Dolores.  ¿Para qué quiere ese retrato El sapo?

Más tarde, Brice conoce a Dolores y se siente atraído por ella, juntos planean desenmarañar misterios y toman un tren.  Lo que no saben, es que El sapo viaja en el mismo transporte.  Los tres habrán de correr aventuras y peligros en el trayecto.

 

Martín López Brie asume la dirección de su propio texto y ofrece un trabajo impecable.  Su trazo escénico sustenta el concepto integral, excelente balance entre acción y pausas, buen aprovechamiento del espacio, coreografía variada, sincronización exacta de imágenes multimedia, la cual sorprendentemente es manejada por el propio elenco, ritmo preciso.

 Otro acierto es el elenco.  Los tres integrantes ofrecen un trabajo espléndido en lo histriónico, lo corporal, lo expresivo y lo vocal.  Cada uno de ellos dota a su respectivo personaje de una amplia gama de emociones.  Sofía Beatriz López da vida a Dolores Toral o Lolita, mujer perspicaz que utiliza sus encantos para sus propios fines,  Ángel Luna es el soñador dibujante Patrick Brice, en tanto que el polifacético Alejandro Morales encarna a El Sapo, un terrible, pero carismático sanguinario.

 La escenografía e iluminación fueron diseñados por Fabiola Hidalgo, quien captó la esencia y desarrolló un entorno estético e idóneo para el relato.  El diseño de vestuario es de Indira Aragón, quien retrató fielmente el estilo usado en esa época tanto para los caballeros como para la dama.  La edición musical es por parte de Mike Brie con un atinado diseño sonoro que coadyuva con la acción.

 La producción ejecutiva es de Adriana Ruíz,  la asistente general es Silvia Abogado,  el diseño gráfico es de Diego Guadarrama,  el Community Manager es Eduardo Noguera  y la fotografía es de Marco Lara.

 La producción es de la Cía. Teatro de Quimeras, presentado por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

 El proyecto fue producido con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- para Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales.

el sapo ligero 3

 Quienes tuvieron oportunidad de ver EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO conocieron un poco más de la historia de México y se enteraron de cómo funcionaba la red de espionaje nazi.  Teatro de calidad, en un formato original.  El Sapo, Lolita y Brice fueron acompañados por los espectadores en sus correrías, mientras disfrutaban de un interesante relato, montaje dinámico, excelente dirección y memorables actuaciones.

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO cubrió una exitosa segunda temporada en el Teatro Benito Juárez ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc, Ciudad de México.