Autor: Eugenia Galeano

CÁLLATE Y REMA (Instrucciones para morir)

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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Cuando se inventó el plástico, pensaron que era una maravilla, su uso se diversificó en tal forma que no existe un solo hogar donde no haya algún artículo plástico.  Transcurrió mucho tiempo para que se percataran de que su degradación es demasiado lenta, por lo cual, no puede desecharse y de lo nocivo que ha sido para la ecología.  Esto aunado a los experimentos nucleares, al uso de atomizadores, la tala desmedida de los bosques, la contaminación, acumulación de basura  y otros problemas similares han  ocasionado que nuestro planeta enfrente severos riesgos y esté en grave peligro.  Los efectos ya son notorios, el calentamiento global hace estragos con cambios climáticos que no sucedían antes, en diversos lugares hay escasez de agua, muchas especies en peligro de extinción, la fauna marina está muy afectada.  Hoy en día estamos conscientes de que el mundo no es eterno y se han implantado campañas para su conservación del mundo.  Algunos sólo compran productos ecológicos, otros optan por cambiar su tipo de alimentación, varios pretenden rescatar animales, hay quienes siembran árboles, en fin, cada quien trata de ayudar en algo, pero lamentablemente el daño ya está hecho y no pueden ser revertidos.

 

Dejó de ser un tema de ciencia ficción para convertirse en una realidad.  Es algo tan preocupante que no podemos dejar de pensar en ello.  El dramaturgo Julián Robles utiliza la dramaturgia como vehículo para trasladar al espectador a un mundo distinto a través de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, ubicando el relato después de ocurrida la extinción.  En el universo concebido por Julián Robles, quedan unos cuantos sobrevivientes y todo luce muy diferente.    Por ejemplo, en lugar de acudir a un hospital, la gente va a los cementerios a buscar “refacciones” para sí mismos, o bien, para hacer que sus antepasado vuelvan a la vida, ellos se sienten “en los albores de su inmortalidad“, saben que “desde la extinción, nadie ha vuelto a oler a un muerto fresco“, podría ser que el cielo esté abajo y el infierno arriba y lo único que les queda claro es que “¡Morirse cansa!“.

 

Los personajes de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir son “un poeta musulmán, homosexual y suicida; una mujer hebrea enloquecida por su salud: y una madre pía, castrante y olvidadiza“.  En la sinopsis de la obra se lee:   “Dos seres aterrados con la idea de la extinción buscan en las ruinas de lo que alguna vez fue un cementerio aquello que les permita continuar siendo inmortales. Ninguno de los dos conoce la muerte, pero le temen igual que los antepasados que están a punto de devolver a la vida. … Sin embargo, la esencia que rescatan del pasado no les sana el miedo a morir. Perdidos en un océano que parece no tener fin, están condenados a descubrir, como todos, la absurda inutilidad de su propia existencia“.

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El texto de Julián Robles atrapa el interés de principio a fin, es de buena estructura.  Algunos parlamentos son repetitivos, pero pudiera ser que esto es para remarcar lo cíclico de la vida.  La temática es variada:  el miedo a morir, la anhelada inmortalidad, las distintas creencias sin importar la religión que se practique, ya que alude a la fe en general, al catolicismo y al judaísmo, al igual que a rituales, cartomancia o hechicería. También habla de relación filial, amor, compañerismo.  Del subtexto podría entenderse que cada quien vive la vida a su manera, en tanto que todos tenemos dudas, temores, anhelos.

 

El montaje de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir por parte del maestro Ricardo Ramírez Carnero privilegia el texto de Julián Robles, lo redimensiona y lo hace mucho más interesante.  Aun cuando los personajes son varios, estos son interpretados por una actriz y un actor, es decir, dos protagonistas, pero atinadamente, Ramírez Carnero integra a un tercer protagonista con un músico en escena, quien acompaña el montaje en todo momento con un sintetizador, uno que otro instrumento rústico, y su voz para emitir cantos o sonidos en forma muy pertinente y oportuna.

 

La labor de dirección por parte de Ricardo Ramírez Carnero es extraordinaria, su trazo escénico es creativo, entrelaza los relatos en forma idónea, confía en la capacidad histriónica de su elenco para transmutarse en los varios personajes en forma instantánea, aprovecha el espacio a lo largo y a lo alto.  Igual los integrantes del elenco suben, bajan o se adentran en fosas o cuevas subterráneas con cubiertas triangulares, para luego reaparecer, con lo cual infunde una dinámica muy peculiar.  El ritmo es preciso.

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Ángeles Marín y Ricardo Cárdenas White ofrecen al público una formidable labor histriónica, corporal, vocal y expresiva.   Para esta interpretación Ángeles deja del lado el glamour, mas no su destreza y sensibilidad para dar vida a los personajes y dotarlos de una amplia gama de emociones.  Luis también encarna a sus personajes de manera muy convincente.

 

La composición musical y la ejecución en vivo por parte de Juan Pablo Villa contribuye a la creación del entorno idóneo.

 

Arturo Nava es quien diseña la escenografía y la iluminación.  En ambos rubros su labor es estupenda.  La escenografía es espectacular, un armazón metálico de tamaño monumental con escaleras y distintos niveles y varias fosas en el piso que aluden a la simbología triangular que une al cielo con la tierra.  La iluminación bien distribuida y acorde al momento que transcurre.

 

Teresa Alvarado se luce con el diseño de vestuario, utilizando prendas atemporales que uniforman a los tres protagonistas, para lo cual utiliza fina confección, colores neutros, telas gruesas y ligeras de buena caída, cortes asimétricos, flecos insospechados, cuerdas y amarres.

 

El resto del equipo creativo está integrado por:   Héctor Ortega en diseño de cartel y gráficos, así como en fotografía general;  Fernando Reyes Reyes es asistente de dirección;  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint) en difusión y prensa;  Adria Castro en redes sociales;   Coizta Grecko en realización de spot y video;  Perla Tinoco y Marcela Bretón son asistentes de producción;  Sonia Flores Morales es asistente de escenografía e iluminación;  Joana Núñez es asistente de vestuario;  Ixchel Sosa, Karla Gutiérrez y Ángel Estrada en texturización de vestuario;  Alberto Gz. en texturización de utilería;  Juan M. Vargas, Fernando Vargas, Víctor Vargas,  Jesús González, Jesús Argenis, Alejandro Cancino, Valentín Flores, Diego Rodríguez en realización de Escenografía;  Yesenia Olvera en realización de vestuario;  Perla Tinoco, Marcela Bretón y David Castillo en utilería.

 

EEK Producciones son productores asociados;   Alberto Robinson y Marco Guevara son gerentes de producción;  David Castillo es el productor y coordinador general.

 

CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR ( EFIARTES – EFITEATRO).

 

Para Ricardo Ramírez Carnero, Luis Cárdenas White y Ángeles Marín trabajar en esta obra representa un regreso al lugar de sus inicios, toda vez que los tres son egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes -ENAT- del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  El universo concebido por Julián Robles para CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, donde todo parece estar al revés, te lleva a reflexionar sobre la posibilidad de que el mundo termine y lo mejor es callarse, es decir, no distraerse con nimiedades, resentimientos ni temores y siempre remar hacia horizontes nuevos.  En lugar de ser instrucciones para morir, lo son para vivir, pues debemos disfrutar al máximo cada minuto de vida.  Un texto interesante, un montaje espectacular, actuaciones entrañables, música propicia.  Aventúrate a acompañar a estos seres que han sobrevivido a la extinción y aprovecha que el precio es accesible.

 

CÁLLATE Y REMA

Instrucciones para morir

se presenta de miércoles a viernes a las 20:00 horas,

sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas en el TEATRO SALVADOR NOVO

dentro del CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES

ubicado en Avenida Río Churubusco número 79 -esquina con Calzada de Tlalpan-

Colonia Country Club Churubusco Ciudad de México
Clasificación: A partir de 15 años

FUIMOS HÉROES

Por Eugenia Galeano Inclán

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Según un dicho popular, el hombre debe ser “feo, fuerte y formal“. En primer lugar, no todos son feos, los hay guapísimos y más ahora que acuden al gimnasio y ya no es mal visto que cuiden su físico con productos antes reservados para mujeres; en cuanto a fuertes, eso proviene de que se divide a los dos sexos en fuerte y débil, y por lo que respecta a formales, es la referencia a que antiguamente se suponía que eran la parte responsable del hogar, a quienes les tocaba toda la carga económica en aquellos tiempos en que la mujer sólo se dedicaba al hogar. Con el tiempo, ciertos paradigmas han ido quedando obsoletos. En la realidad, los hombres, más que fuertes y formales, se sienten héroes, lo son cuando logran un objetivo, cuando conquistan a una bella mujer, cuando meten un gol, cuando el equipo de su preferencia gana un partido.

A pesar de que continúan vigentes algunos arquetipos de discriminación hacia la mujer, hay un día en que ella se convierte en la reina absoluta: el día de su boda. La novia es la estrella de la fiesta. Además de todos los arreglos pertinentes al evento, como la lista de invitados, dónde se llevará a cabo, qué alimentos, bocadillos y bebidas se servirán, los arreglos florales, la música, etcétera, la novia tiene que elegir el vestido, decidir el peinado, maquillaje, accesorios, someterse a tratamientos de belleza, ya que sabe que todas las miradas se centrarán en ella y, por supuesto, quiere mostrar la mejor versión de sí misma en esa fecha tan importante.

Hasta ahora, dado que la novia se llevaba todos los comentarios, no nos habíamos detenido a pensar qué siente el novio en el día de la boda. El actor, escritor y director Alfonso Cárcamo utiliza su dramaturgia para revelar a través de Fuimos héroes el sentir íntimo del novio a pocas horas de la boda, junto con todas sus incertidumbres y temores.

Alfonso Cárcamo es egresado de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Varias de sus obras han sido presentadas en importantes festivales tanto en México como en el extranjero. También tiene una amplia trayectoria desarrollando series para diversas cadenas de televisión.

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En la sinopsis de Fuimos héroes, se lee: “Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos y quienes creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, hacen lo que pueden para convencerlo. Juntos revisan su historia de amistad, desnudan las razones que tuvieron en aquellos momentos en que tomaron la decisión más importante de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia”.

El texto escrito por Alfonso Cárcamo es de buena estructura y capta el interés de principio a fin. Delinea con precisión la forma de ser de sus tres protagonistas, diferentes entre sí, pero como han sido amigos por muchos años, se conocen a fondo, se quieren y se comprenden. Comparten la pasión por el fútbol. No siempre están de acuerdo y en ocasiones casi se van a los golpes por defender sus ideas, pero se detienen ante la amistad que los une. Para la narrativa utiliza lenguaje propio de los hombres, con algunas palabras altisonantes, lo que hace que el público sienta que está presenciando escenas de la vida real. Entre los temas que se abordan están amor, atracción, fidelidad, matrimonio, paternidad, logros, frustraciones, temores, compromiso, hijos, etcétera.

La acción comienza cuando Emilio se está vistiendo para su boda, tiene dificultades en hacer el lazo de su corbata, pero lo más preocupante es que no está tan seguro del paso que va a dar. Pareciera que está por arrepentirse. Pedro y Vicente tratan de convencerlo de no dejar plantada a Patricia, aun cuando saben que Emilio siempre ha proclamado que sería un eterno soltero. Pedro alude a la felicidad que ha alcanzado con Inés, su esposa, mientras Emilio recuerda momentos vividos con Susana, una mujer que siempre le ha atraído. En tanto que Vicente dice que al menos él no tendrá esas confusiones, dado que es homosexual y sus historias de amor son diferentes.

La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable y hace gala de su amplia experiencia al crear un trazo escénico de precisión. Saca a flote lo mejor de la calidad histriónica de su extraordinario elenco. Balancea pausas y acción. Aprovecha a fondo el espacio. El ritmo es acertado.

La labor histriónica, corporal, vocal y expresiva de los tres protagonistas es estupenda. Ellos son Leonardo Ortizgris (Emilio),  Tizoc Arroyo (Vicente)  y  Mauricio Isaac (Pedro).

Ingrid SAC es la encargada del diseño de escenografía, iluminación y vestuario. Realiza un trabajo formidable en sus tres rubros. El dispositivo escénico creado por Ingrid SAC no sólo es bello, lucidor y práctico sino tan funcional que son los protagonistas quienes producen los cambios, mismos que son diversos, con lo cual también queda evidenciada la versatilidad escenográfica. La iluminación está perfectamente administrada,  y  el vestuario es idóneo, hace que los personajes se vean muy elegantes en sus atuendos de boda y, en contraste, que luzcan casuales en ropa informal, sin olvidar los logos de sus equipos favoritos.

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Miguel Hernández coadyuva con su diseño sonoro a marcar las transiciones de tiempo que hay en el relato. El resto del equipo creativo está conformado por Sheila Flores en diseño de producción y producción ejecutiva; Miguel Alejandro León es asistente de dirección; Lauro Longoria es asistente de producción ejecutiva; Mirna Peña en diseño de imagen; Corina Rojas-Pop Comunicación en difusión y promoción; iQ Acosta & Co. en relaciones públicas; Isa Ramos-Strave Digital Marketing en redes sociales; David Flores Rubio en fotografía; Juan Carlos contreras-Aicon Media en videoproyecciones; Carlos Dávila es asesor financiero; Cacumen Teatro en producción general; Pierre Tatarka en realización y dirección de video promocional; SERO Construcciones en realización de escenografía y Pedro Martínez García en realización de vestuario.

Fuimos héroes es presentada por la Secretaría de Cultura mediante el Centro Cultural Helénico y por Cacumen Teatro, productora que fue fundada y es dirigida por Tizoc Arroyo.

Esta es una gran oportunidad para presenciar una plática entre amigos y conocer los pensamientos más íntimos de los hombres, todo aquello que les preocupa, lo difícil que es llevar a cuestas los estereotipos de masculinidad y sus temores a dar el paso definitivo al compromiso. Te divertirás y comprenderás mejor el punto de vista masculino. Seas hombre o mujer, pasarás un rato muy entretenido con una historia interesante, un fabuloso montaje y actuaciones plenas de veracidad. ¡No te la pierdas!

Fuimos héroes se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:00 horas y domingos a las 17:00 y 19:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución número 1500 -cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México. Duración aproximada: 75 minutos. Costo de la localidad: $300.00 pesos. La temporada concluye el domingo 24 de marzo de 2019.

 

ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO

Texto y foto por Eugenia Galeano Inclán

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Agustín Meza es el fundador de la Compañía de Teatro El Ghetto, cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética. El Ghetto cuenta con una trayectoria de 24 años ininterrumpidos. Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo. Tiene la mente abierta a todo tipo de posibilidades; no gusta de ajustarse a normas ni criterios. Le encantan los retos y la intervención de espacios. Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada. Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.

En cada una de sus propuestas lo que más complace a Agustín Meza es tocar el corazón del espectador. Hace pocos años creó el Teatro de la Tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.

Entre las obras más exitosas de la Compañía de Teatro El Ghetto se encuentran: El pasatiempo de los derrotados… Cartas de un Idiota, Fe de erratas, El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas y La arquitectura del silencio, las cuatro de Agustín Meza; Esperando a Godot, de Samuel Beckett; Woyzeck, de Georg Büchner; Anatomía de la gastritis, de Itzel Lara; Gritos y susurros, de Ingmar Bergman; La habitación y el tiempo de Botho Strauss; Aproximación al interior de una ballena, de Ángel Hernández; Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz y Los mansos, de Alejandro Tantanian.

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En fechas recientes tuvieron una residencia artística en el Centro Cultural El Hormiguero, donde presentaron Los mansos y La arquitectura del silencio y, asimismo, impartieron un taller y el laboratorio intitulado Esta noche Dios sueña que lo sueño, a cargo de Agustín Meza. Acudieron once colectivos a inscribirse en este laboratorio. El proyecto cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y, a través de la Compañía de Teatro El Ghetto, al colectivo que resulte ganador se le entregará un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena. El sábado 23 de febrero se llevó a cabo una presentación de las propuestas de los once colectivos, donde al finalizar el evento el público podía votar por su preferido. La votación del público pronto se dará a conocer, pero sólo es parte del incentivo que recibirán los colectivos, ya que el ganador absoluto será el colectivo que dictamine la Compañía de Teatro El Ghetto.

Cada colectivo armó su proyecto a partir de sus experiencias personales dentro del laboratorio Esta noche Dios sueña que lo sueño. Para tal propósito, ellos eligieron el tema, su forma de expresión (relato, corporalidad, danza, música, imágenes), determinaron su vestuario, cómo presentarlo, diseñaron el espacio, quiénes participarían, quién o quiénes dirigirían, etcétera, con sus propios medios y aprovechando las herramientas disponibles. A continuación, un resumen del evento.

Los ausentes

El colectivo Habitantes de la Periferia presentó Los ausentes, bajó la dirección de Holil Heredia. Esta propuesta se basó en el dolor de quienes tienen allegados desaparecidos; plasmaron dolor, sangre, los peligros latentes en nuestra Ciudad de México, pero también hablaron de amor y de que cada lunes representa una oportunidad para reiniciar. Combinaron técnicas coreográficas, corporalidad y actuación para expresarse.

El estado alterno

La Compañía Algarabía Escénica presentó El estado alterno, bajo la dirección de Ray Nolasco. Los jóvenes aludieron a los desaparecidos, a la supresión de personas y a la capacidad de tener que  lidiar en un estado alterno. Para su expresión utilizaron luz roja, cuerpos ensangrentados, corporalidad y actuación.

El hombre pez

El colectivo Sedesierto Teatro presentó El hombre pez, bajo la dirección de Jeovanni Sánchez Castillo. Varios jóvenes reunidos alrededor de una botella que giraban. Hacia quien apuntara tenía que decir algo que los demás desconocieran, un secreto que hubieran guardado para sí mismos. Cada quien comentaba algo que resultaba sorpresivo para los demás, desde una hija con padres alcohólicos, hasta lo que diría un suicida. Esta propuesta básicamente fue de actuación.

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Homo consumens. Exorcismo del sistema

Teatro Brujo presentó Homo consumens. Exorcismo del sistema, bajo la dirección de Bruno Castillo y Mabel Petroff. Una parodia sobre el consumismo, con ideas de cómo exorcizar al sistema, a fin de no caer en los  excesos del consumismo. Una forma graciosa de ironizar las compras compulsivas y los mensajes subliminales publicitarios. Esta fue una de las propuestas con mayor teatralidad en la que se utilizaron diversas técnicas de actuación, máscara, tintes de clown, corporalidad, iluminación y gran manejo del espacio, integrando un closet y las puertas disponibles para enmarcar el montaje.

Raíces del río

Raíces presentó Raíces del río, dirección en colectivo. Como suele suceder, con los trabajos en colectivo, en esta propuesta se difuminó la intención. Hablan sobre la abuela, los recuerdos que tienen de ella, el grato sabor del mezcal, pero no se concreta algo definido. El epitafio de la abuela podría haber sido más conmovedor. Las bellas jóvenes se lucieron con sus atuendos oaxaqueños y su risa alegró a los presentes.

Rebelión

El colectivo Mutante presentó Rebelión, bajo la dirección de Eréndira Gómez y Gustavo Schaar. Los directores en cascos con linterna reciben al público y lo conducen a la sala donde será la representación. Del techo pende un gran manifiesto que habla de problemas que enfrentamos en forma cotidiana, pero no todos alcanzamos a leerlo completo a causa de la iluminación. Luego, aparece un actor que trasluce su agobio y a entender que lo único que queda es la rebelión. Excelente trabajo histriónico y corporal por parte del actor.

Variaciones sobre una coreopoética (Lils)

Physis Danza y Artes Escénica presentó Variaciones sobre una coreopoética (Lils), bajo la dirección de Omar Francisco Armella. Con la hermosa melodía Los sonidos del silencio de fondo, los integrantes de este colectivo realizaron ejercicios coreográficos, para luego interactuar con el público, eligiendo espectadores al azar y mirándolos directamente a los ojos, lo cual resulta impactante.

Compasión

El colectivo Las socias sucias presentaron Compasión, bajo la dirección de Iliana Muñoz. La base de esta propuesta fue visual y sensorial. El público suponía que estaba por entrar a una función de teatro, pero en lugar de eso debía quitarse los zapatos, para luego pararse sobre espejos, una experiencia que jamás habían sentido. Los espejos estaban rodeados de pequeños focos, lo demás era oscuridad, salvo una especie de cabina a mitad de la sala, donde un hombre comentaba que tenía que lograr un ejercicio consistente en colocar un blanquillo en forma vertical sin que se cayera. El sonido de fondo era de cuencos de cristal. Al final, se daba la tercera llamada. Original y divertida.

Flores negras del destino nos apartan

El Mirador presentó Flores negras del destino nos apartan, bajo la dirección de Belén Aguilar. En una pantalla se proyecta la imagen de una mujer, en tanto que un joven habla de ella y comenta que es su madre. Como lo indica el título, están apartados. Según él, la ama, pero al mismo tiempo la critica. Muchas cosas de su madre no le parecen, denota tener resentimientos guardados que intenta resolver ahora que ella es mayor y padece una enfermedad terminal. Bellas imágenes en video y buena labor histriónica y corporal del joven.

Proyecto veronese

La Corte de los Milagros presentó Proyecto veronese, bajo la dirección de Colectivo Interdisciplinario. Una propuesta muy interesante y bien lograda de danza-teatro, para la cual ocuparon tres espacios. En un pasillo frente a la escalera, el público veía imágenes proyectadas en la pared de dos hermosas mujeres, después había que elegir entre dos salas, de tal forma que unos vieron una parte y los otros la restante. En una de las salas una de las intérpretes aparecía detrás de un fino telón de acrílico, haciendo juegos con manzanas. Lo que yo vi en la otra sala fue a la destacada coreógrafa y bailarina Gabriela Rosero en una poderosa coreografía que requería de fuerza y precisión. ¡Me pareció impresionante!

Las 3 pieles (versión corta)

Tocó a Moving House cerrar el evento, presentando Las 3 pieles (versión corta), bajo la dirección de Flor Bucio. Esta propuesta es interesante, pero no surgió del laboratorio, como las demás, dado que actualmente tienen ese montaje en cartelera. Se trata de los procesos de embarazo y parto vistos desde una perspectiva coreográfica. En esta su versión corta incluyeron una escena que no está en el montaje original, a fin de representar el parto, para lo cual eligieron un cuarto de baño. La cercanía con el público variaba la energía que se siente en una sala de teatro convencional.

Nos parece muy loable que un creador teatral comparta sus conocimientos a través de laboratorios como Esta noche Dios sueña que lo sueño, debería haber más eventos como este. Para los asistentes resultó más que interesante ver tan variadas propuestas en un mismo lugar, una tras otra. Desde luego, hubo de todo, unas más creativas que otras, algunas denotaron más horas de ensayo, las hubo colectivas, de dos o tres integrantes y unipersonal. En general, todos se esforzaron por expresar sus ideas y plasmarlas en escena.

Agradecemos la hospitalidad del Centro Cultural El Hormiguero y la grata cordialidad de Marco y Mishell de Escena México Contemporánea (EMC).

Por los comentarios expresados por los integrantes de los diversos colectivos nos enteramos de que estaban muy complacidos de haber tomado el laboratorio Esta noche Dios sueña que lo sueño; dijeron que aprendieron mucho sobre prácticas escénicas y prácticas creativas, que fue un taller que les proporcionó herramientas para expresarse, un espacio que los llevó a cuestionamientos, que les permitió reflexionar, conocer más a fondo los procesos creativos y que abrió sus expectativas.

La Compañía de Teatro El Ghetto tendrá una residencia artística en el Centro Cultural del Bosque, donde ofrecerá una nueva temporada de Los mansos, de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza en la Sala de Escenografía de dicho centro y también habrá dos talleres impartidos por el equipo creativo de Los mansos y una Master Class a cargo del autor de Los mansos.

Los mansos se presentará jueves y viernes a las 20:00 horas y sábados a las 19:00 horas en la Sala de Escenografía del Centro Cultural del Bosque, Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. Temporada del 28 de febrero al 9 de marzo de 2019.

Los talleres son en la Sala CC B del Centro Cultural del Bosque, Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México:

Actuación: imparten Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora, 1 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

Creación Musical para la Escena: imparte: Steven Brown, 7 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

Master Class de Dramaturgia y Dirección Escénica: imparte: Alejandro Tantanian, 8 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

UN ACTO DE COMUNIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Uno de los anhelos más preciados de algunos jovencitos es independizarse. Para cumplir su objetivo se esmeran en sus estudios y tan pronto se gradúan buscan un trabajo bien remunerado. Quienes llegan a lograr ser independientes se muestran satisfechos y felices. Piensan en todo lo bueno que implica el cambio: ya no requieren de permisos ni concesiones y ejercerán su libre albedrío. Sin embargo, no tomaron en cuenta lo que perderían y es común que tan sólo unos días después comiencen a extrañar a su familia, comodidades y todo lo que compartían. Nadie les prepara su platillo favorito, no hay consentimientos, caricias, consejos, juegos compartidos ni con quién platicar. Asumir todas las responsabilidades es una carga pesada, hay que administrar la vida, los recursos y los gastos. Habrá que estar pendientes de todos los recibos por renta y servicios, comprar alimentos e insumos suficientes, así como efectuar los pagos en forma oportuna. Por si fuera poco, la soledad no es fácil de sobrellevar.

Son unas cuantas personas las que disfrutan de estar solos, otros logran acostumbrarse, pero a la gran mayoría les es desagradable y puede desencadenar temores, tristeza, ansiedad, furia y hasta desequilibrios. El silencio por las noches facilita que fluyan las voces internas y esto puede detonar que aparezcan fantasmas del pasado, recuerdos olvidados, frustraciones y, peor aún, eventos traumáticos que se han enfrentado. Todo esto hace que la realidad se desvanezca y las fantasías se incrementen. Tal es el caso de Franky, el protagonista de Un acto de comunión, de la autoría de Lautaro Vilo.

El dramaturgo, director de teatro, actor, guionista, traductor y docente, Lautaro Vilo, originario de Buenos Aires, Argentina, ha escrito alrededor de quince obras, mismas que han sido representadas exitosamente tanto en su país de origen como en otros y también han sido publicadas. Por su trabajo, Lautaro Vilo se ha hecho acreedor a múltiples nominaciones, galardones, reconocimientos y premios.

La inspiración para concebir Un acto de comunión le llegó a Lautaro Vilo de un caso de la vida real, una noticia que impactó al mundo. A principios del año 2001 un joven fue acusado de cometer un crimen en la ciudad de Rotemburgo, Baviera, Alemania. Los espeluznantes detalles del crimen hicieron que el jurado contratara a un equipo especial de psicólogos y psiquiatras, a fin de que determinaran el estado mental del acusado. El dictamen final de los especialistas fue que no encontraron señal alguna de demencia. Al igual que los médicos, Lautaro Vilo decidió escudriñar la mente de este hombre a partir de su dramaturgia.

El texto de Un acto de comunión capta la atención del público de principio a fin. El perfil psicológico del protagonista está perfectamente delineado. De frente al público hará un recuento de los recuerdo de su vida desde su infancia hasta un poco después de los hechos que hicieron se le acusara.

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Al entrar a la sala de teatro lo único que ve el espectador es una silla sobre el escenario vacío. En la tercera llamada, Franky entra, da unos pasos y se sienta. Es un hombre joven, alto, de buena presencia, vestido pulcramente, no podría pasar desapercibido. Tiene la certeza de estar psíquicamente sano y quiere ejercer su derecho de réplica, así que está dispuesto a compartir sus más íntimos pensamientos y su sentir. Compartirá su propia perspectiva sobre lo ocurrido. Su plática deja translucir que su nivel de inteligencia es superior al promedio, es culto, educado, ordenado y bastante metódico. Se remonta a su niñez; nació de un matrimonio bien avenido, tenía varios hermanos. A todos los amaban y consentían, los cumpleaños eran festejos divertidos, pastel especial, regalos, sorpresas. De pronto, un día todo cambia, el padre abandona a la madre y se lleva a los hijos, excepto a Franky. Comienza la desventura. La madre se desploma y Franky vive con ella, lidiando con el dolor de ambos. Luego que fallece su mamá, Franky vive solo, tiene un trabajo estable y disfruta de entablar relaciones mediante Internet. Su mayor ilusión es llegar a Un acto de comunión con alguien. ¿Qué es lo que Franky entiende por esto? Él mismo será quien se los explique cuando vayan a visitarlo.

La labor de dirección por parte de Julio César Luna es impecable. Su trazo escénico está infundido por la sobriedad. En lugar de desplazamientos, opta por lo estático, su actor está sentado, se pone de pie en contadas ocasiones, con lo cual todas y cada una de las palabras del texto cobran mayor peso. En esta obra la acción y las pausas se definen mediante la oralidad. El ritmo es preciso.

El desempeño histriónico, vocal y expresivo de Antón Araiza denota el resultado de un exhaustivo trabajo en la creación de su personaje. A lo largo de su trayectoria, el destacado actor ha demostrado que tiene el talento y la capacidad de transformarse en cualquier personaje y el que interpreta en esta ocasión es verdaderamente impresionante. Sabemos que el monólogo es la prueba de fuego para cualquier actor y en esta obra lo es más, ya que la única herramienta son las palabras. Antón enfoca su labor en cómo decirlas, resuelve el alto grado de dificultad utilizando un peculiar fraseo, cual si degustara cada sílaba, habla con elocuencia, su mirada denota absoluta sinceridad y mueve sus manos en cierto modo para remarcar uno que otro parlamento, sin necesidad de alardes ni excesos, la emotividad está presente en todo momento.

El resto del equipo creativo está integrado por: a.a en producción ejecutiva,  Marilú Garcialuna en asistencia de dirección, Javier Pérez Maya en fotografía; video y diseño gráfico, Víctor Audiffred, y Sara Cortijo en audiovisuales para redes sociales.

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Una historia que conmocionó al mundo es llevada a escena y Lautaro Vilo decide que la narre de viva voz el autor de los hechos, en forma tal, que el espectador conozca las circunstancias y motivaciones que lo llevaron a hacer algo inimaginable. No pierdas la oportunidad de ver este montaje cargado de sentimientos, reflexiones y deseos incontrolables. Texto interesante, atinada dirección e interpretación memorable. Corre a verla. Su temporada está por finalizar.

Un acto de comunión se presenta a las 20:00 horas los miércoles 20 y 27 de febrero de 2019 en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 (casi esquina con Centenario), Coyoacán, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM, así como para vecinos de  Coyoacán, Iztapalapa y Benito Juárez.

SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS

Por Eugenia Galeano Inclán

Cartel(1)-SI.MI.AMOR,LO.QUE.TU.DIGAS

Se dice que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, lo cierto es que hombres y mujeres parecieran hablar un idioma distinto. Es tan difícil que un hombre comprenda a una mujer como viceversa. Hay decenas de dichos populares para describir esta situación. No existe literatura, tratados, cursos, enseñanzas ni consejos que nos faciliten el camino para comprender al sexo opuesto. Pero, no importa, porque el amor supera este tipo de incomprensiones y las parejas que se aman siguen uniendo sus vidas aun cuando no se comprendan del todo.

Si un hombre y una mujer se atraen y congenian, iniciarán una relación y si ésta avanza, es muy probable que decidan vivir juntos. Para ello, no es indispensable comprender todo lo que piensa el otro, en virtud de que la mente masculina y la femenina funcionan en forma distinta y es imposible que el pensamiento de ambos sea en el mismo sentido. Lo mejor es hacer todo lo posible para mantener una buena convivencia, amar, respetar y consentir a la pareja, tratando de que sea feliz y esté a gusto.

No se requiere de comprensión cuando prevalecen el amor y la afinidad. En toda relación lo ideal es que los dos persigan el bienestar común. Se pueden ir salvando esos pequeños baches e incomprensión y, en caso de duda, siempre es posible aplicar la frase  Sí mi amor, lo que tú digas. Así es como intitula su obra el dramaturgo mexicano Víctor Salinas, quien se ha especializado en explorar las relaciones de pareja. Con “AMORatados“, de su autoría, tuvo mucho éxito y permaneció en cartelera durante un largo período.

Sí mi amor, lo que tú digas es una comedia ligera en la que se representan diversos momentos de incomprensión en la pareja. Los protagonistas son Claudia y Miguel, dos jóvenes a quienes se verá en diferentes épocas de su relación, como por ejemplo: su primer encuentro íntimo, la alimentación que eligen, un regalo de talla equivocada, el apego a las madres… y a la forma en que éstas preparan sus especialidades culinarias,  la elección de un restaurante,  las amistades,  los programas de televisión, la música, la anhelada entrega del anillo, las dietas, la posibilidad de un embarazo y mucho más.

En forma atinada, el autor no aborda el tema que más molestias causa en una pareja y que es la economía. Lo más curioso es que los protagonistas son interpretados por tres parejas distintas, lo cual da una mejor idea de que en todas las parejas pueden acontecer los mismos sucesos. El relato no es narrado en forma cronológica sino que acciones del pasado y del presente se van intercalando.

Al dar la tercera llamada, el cuerpo actoral se olvida de la cuarta pared, habla directamente al público y pide a los espectadores que sean ellos quienes elijan qué pareja será la número 1, la 2 y la 3. Es probable que esta sea una innovación introducida por el director, pero resulta un juego divertido que hace que la audiencia se involucre más.

La labor de dirección por parte de Sebastián Sánchez Amunátegui, director chileno radicado en México, es admirable. Su trazo escénico es pulcro, infunde una dinámica sorprendente y su manera de entrelazar las situaciones de tres parejas distintas que son una misma es impecable. La acción es constante y el espacio aprovechado a fondo. El ritmo es muy preciso.

Dado que todos los integrantes del elenco tienen compromisos laborales, en escena aparecen tres parejas, pero en realidad son cinco de base, y más se suman al proyecto en caso necesario. El elenco base está conformado por: Adriana Llabrés, Carla Medina, María José Magán, Mariannela Cataño y Zoraida Gómez para encarnar a Claudia. Aarón Balderi, Alejandro Sandí, Chris Pascal, Juan Martín Jáuregui y Luis Carlos Muñoz para interpretar a Miguel. En la función a la que asistí, actuaron: Mariannela Cataño, Verónica Bravo  y  Zoraida Gómez, como Claudia, y Aarón Balderi, Alejandro Sandí y  Juan Martín Jáuregui, como Miguel. Todos ofrecieron un buen trabajo histriónico y corporal, además de su grata presencia escénica.

La escenografía es bellísima, representa el departamento que todos quisieran tener, espectacular vista por la ventana, fino mobiliario, desniveles, amplitud, buena decoración. El diseño fue creado por Óscar Acosta. La iluminación diseñada por Isaías Martínez está bien impartida. La música original para proveer el entorno adecuado es de Tareke Ortiz. La canción Los amantes es de Pambo.

El diseño de vestuario y styling lo aporta Macarena Martínez Verti, con finas prendas de buena confección, excelente caída y colorido variado. Los productores son: Omar Ahed en producción general y Daniel A. Madrid en producción ejecutiva. Sí mi amor, lo que tú digas es presentada por OAK LIVE!

Quedas cordialmente invitado a conocer a Claudia y a Miguel, quienes te recibirán gustosos en su departamento y compartirán contigo recuerdos de su vida privada. Te divertirás de principio a fin e identificarás algunas de las situaciones en tus experiencias personales. Una comedia romántica que te permitirá distraerte de preocupaciones cotidianas y de lo que escuchas en noticieros. Te sugiero ir a verla pronto porque su temporada está próxima a finalizar.

Sí mi amor, lo que tú digas se presenta viernes a las 20:30, sábado a las 19:00 y  20:45 horas, y domingo a las 18:00 y 19:30 horas en el Teatro Rafael Solana, dentro del Centro Cultural Veracruzano, ubicado en la Avenida Miguel Ángel de Quevedo número  687, colonia San Francisco, Ciudad de México. Su duración aproximada es de 70 minutos y el costo de las localidades son de $600.00, $500.00 y $400.00 pesos. Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 24 de febrero de 2019.

LOS CAMINANTES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Durante mi niñez no pensaba que el mundo pudiera acabarse; la literatura o las películas de ciencia ficción que aludían a esto, me parecían mera fantasía. Fue a partir de 1985 que comencé a preocuparme al enterarme de que en el Polo Sur habían descubierto un agujero muy grande en la capa de ozono y que esto representaba un serio peligro. Mayor fue mi preocupación cuando se publicó sobre el calentamiento global. Según los científicos, el fenómeno surgió hace alrededor de 180 años, pero no lo dieron a conocer, sino hasta que se hizo evidente. Hoy en día somos testigos de los catastróficos daños que ha sufrido el planeta. No sólo por el agujero en la capa de ozono y el calentamiento global, sino también por la desmedida tala de árboles, la contaminación, la caza indiscriminada, los desechos industriales y muchos otros problemas. Estamos conscientes de que si no se toman medidas pertinentes y eficaces, el fin del mundo podría no estar lejano. Los estragos al ecosistema no pueden revertirse, cada vez hay más especies en extinción, se han desecado ríos y lagos; en muchos lugares el clima es extremoso y los desastres naturales se han intensificado y son más frecuentes. Se trata de una alarma mundial. Entre las medidas que ya se han tomado está la de orientar a los niños para que aprendan a brindar mayor cuidado a la naturaleza y, sobre todo, a no causar más daños.

Preocupada ante la situación, durante la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en el año de 2014 Verónica Musalem escribió Los caminantes, una obra futurista que aborda el fin del mundo.  Como sabemos, Verónica Musalem es una mujer inteligente, observadora, sensitiva y amante de la naturaleza.  Orgullosa de sus raíces, suele utilizar su fina pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.  Está cumpliendo 26 años de trayectoria ininterrumpida en su labor dramatúrgica.  Aun cuando Verónica no acostumbra dedicarse a la dirección escénica, desde que escribió la citada obra, se propuso que ella la dirigiría.

En el momento en que eligió intitularla Los caminantes, desconocía que esto sería profético, ya que para llevarla a escena, tanto ella como los integrantes de su elenco y colaboradores han recorrido un largo y sinuoso camino.

En abril de 2018, Verónica Musalem ofreció un avance a su público presentando Los caminantes, como trabajo en proceso en el Foro Casa de la Paz. A pesar de que hacía tiempo que ella tenía el texto completo, sólo presentó una parte del mismo. Del elenco que presentó aquel trabajo, sólo continúan tres de los actores y la corporalidad aún estaba en ciernes, era mucho más estática que ahora. Debido a compromisos laborales y viajes previamente concertados, Verónica dejó un poco en suspenso el montaje, retomando el proyecto seis meses después, con miras a estrenar a fines del año pasado, lo cual no pudo concretarse por causas ajenas a su voluntad. En diciembre de 2018 Los caminantes participó en el encuentro Urgen Musas como lectura dramatizada, ya con el elenco definitivo.

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Desde el pasado mes de octubre, Verónica se ha dedicado de lleno al montaje de Los caminantes. Con este propósito, creó una especie de laboratorio de dirección, para lo cual depositó su confianza en el cuadro actoral y en el asistente de dirección y asesor corporal, a fin de que ellos propusieran acciones que dieran fuerza a los parlamentos. Fue así como bajo la estricta supervisión de Verónica, en forma paulatina fueron armándose las coreografías para Los caminantes, luego de arduo trabajo y largas horas de ensayos, hasta encontrar los movimientos idóneos que habrían de formar parte de la puesta en escena. Lo cierto es que el resultado de este laboratorio sorprenderá al público. Me permito darles unos adelantos: La escena en que la tarántula tiende sus redes a los cuatro actores está llena de simbolismo y refleja la coordinación y precisión del trabajo en equipo. La corporalidad que despliega la actriz en su interpretación de la tarántula es impresionante.

El texto de Verónica Musalem es de buena factura y capta el interés de principio a fin. La acción se ubica en “lugares del Sur, más allá del Sur” en el corazón de la sierra oaxaqueña. El tiempo no se define, pero es el futuro, el fin del mundo se aproxima. Los personajes son: un hombre que vive de la caza y que no es afortunado en el amor; otro que vive del campo, bueno, sencillo, amante de los animales; una mujer que bailaba en un bar, luego de trabajar en un circo cuando era niña, quien a raíz de sufrimientos y vicisitudes se ha empoderado, y dos sicarios -uno al que le encanta matar y presume de mujeriego-, el otro, algo tímido, de buen corazón, que se dedica a asesinar, porque es lo único que le deja dinero. En cierta forma, todos ellos, por diversas razones, han llegado a sus límites individuales. Los cinco se encuentran mientras recorren “caminos donde hay nada, hay nadie“. Según nos dice Verónica, la naturaleza es un personaje más: “que enloquece y cuestiona todas las creencias de los protagonistas“, así que ella aprovecha para describir la perdida belleza de la vegetación, su frondosidad y sus vivos colores. Los temas que toca el texto son muy diversos, entre estos, el amor, la soledad, el aislamiento, el “machismo“, la seducción, la fe y la migración. Algunos de los temas cobran particular importancia en nuestros días, nos duelen, sabemos de compatriotas que han sido desplazados de sus lugares de origen a causa de la violencia y hemos visto cuántos migrantes llegan a nuestro país.

La acción comienza cuando Román y Ernesto deambulan por parajes desolados, comentan estar hambrientos y deciden cazar algo para poder comer. Frente a ellos pasa un venado. Ernesto le pide a Román que le dispare, pero la majestuosa belleza del ejemplar le impide matarlo. El venado escapa a gran velocidad. Ernesto se enoja con Román. Sin darse cuenta, Román es picado por un alacrán y los efectos del veneno lo sumen en un delirio. Divaga, dice que es tiempo de una “nueva conquista” y que tienen que hacerse de armas para combatir al enemigo. Ernesto se limita a seguirle el juego, ante la imposibilidad de trasladarlo a un hospital o brindarle cualquier tipo de ayuda. Poco después, llega Anabela, hermosa, sensual y enigmática. Mujer que ha aprendido a defenderse, es aguerrida, nada le causa temor y no se deja de nadie. Está acostumbrada a hechizar a los hombres, lo que no sabe es que Mauricio y Julián, dos matones a sueldo. andan buscándola.

La labor histriónica, corporal y de expresión de todos los integrantes del elenco es estupenda. Genny Galeano es Anabela, “La Tarántula“; Luis Ernesto Verdín es Román, el joven sensible. Luis Villalobos es Mauricio, matón a sueldo; Javier Sánchez es Ernesto, David Sicars es Julián. Destaca Genny Galeano por su magnífica interpretación de un personaje tan complejo como intenso.

Parte fundamental para el relato es el diseño sonoro. Alejandro Andonaegui crea la composición y ejecuta la música en vivo en su teclado. Alejandro está en el proyecto desde su inicio, improvisando la música en forma consistente a la acción de cada momento. Lydia Margules aporta un buen trabajo con su diseño de iluminación, proveyendo el sombrío entorno en el que habitan los personajes.

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Cabe aclarar que, desde mi punto de vista, el foro en donde se presentan no les es propicio. Es una sala hecha para teatro de cámara. El tamaño del escenario es pequeño y, por ende, en algunas escenas parece insuficiente para albergar a cinco actores, en demérito de la isóptica. El equipo lumínico no permitió a Lydia Margules la realización de un trabajo óptimo como los que le hemos visto anteriormente. Las rosetas de led de colores distraen la mirada del espectador y, en ocasiones, hasta molestan. Por último, se carece de buena acústica, lo cual también desluce el extraordinario trabajo de Alejandro Andonaegui.

El resto del equipo creativo está conformado por: Marco Vargas en intervención escénica, Erika Medina y Erick Saúl E. en producción ejecutiva, David Cano Sánchez en diseño de maquillaje, Luis Ángel Torres en diseño gráfico, y Sandra Narváez en difusión y prensa. La producción es de Musa-Colibrí-Producción y Producción Escénica S.E. El montaje de Los caminantes está dedicado a Gerardo Musalem Moreno.

El potente texto concebido por Verónica Musalem, las interpretaciones y la asombrosa corporalidad de los integrantes del elenco hacen que valga la pena aventurarse a imaginar qué sucederá en el fin del mundo. La devastación y la esperanza van de la mano con los personajes en la poética de Los caminantes, en virtud de que el instinto de supervivencia es uno de los más fuertes que tenemos. La sensibilidad con la que se aborda un tema tan temido como preocupante, nos insta a valorar mejor lo que aún tenemos. Seamos más conscientes de los daños causados, mientras cuidamos, disfrutamos y admiramos el esplendor de la naturaleza. No dudes en ir a ver un trabajo bien logrado en un montaje estético y lleno de energía.

Los caminantes se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas en el Foro Bellescene, ubicado en la calle Zempoala número 90, colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México. La duración aproximada es de 105 minutos. Entrada general $200.00 pesos y el descuento es del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente, así como a vecinos de la colonia Narvarte. La temporada concluye el viernes 22 de febrero de 2019.

LAS 3 PIELES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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El ser humano está en constante evolución. A partir del nacimiento, enfrentará toda clase de cambios, comenzando por los naturales, como el crecimiento y el aprendizaje. Después,  vendrán todo tipo de cambios. Los habrá voluntarios, circunstanciales o fuera de nuestro control y podrán ser gratos, dolorosos, desafortunados o insoportables. De cualquier forma, tenemos capacidad para adaptarnos y podremos seguir nuestro camino. Cada cambio irá marcando nuestro destino en menor o mayor grado.

Algunos son permanentes, en tanto que otros temporales. Así mismo, entre los más aventurados están el cambiarnos de ciudad y dejar atrás nuestro pasado, o bien, hacernos un tatuaje con lo cual nuestra piel ya nunca será igual a aquella con la que llegamos al mundo. En definitiva, el más radical es tener un hijo. La vida de los padres cambia sensiblemente al igual que sus responsabilidades, pero, sin lugar a dudas, para la mujer los cambios son muy numerosos porque ella empeña todo su físico albergando al bebé en su interior durante el embarazo y luego viene la lactancia, así que los cambios son internos, externos y psicológicos. Las perspectivas que antes se tenían se modifican. El balance hormonal se pierde y estos desequilibrios derivan en bruscos cambios de humor y lo que llaman depresión post-parto.

La bailarina, coreógrafa y docente mexicana Flor Garfias Bucio atravesó el proceso del parto como cualquier mujer que se convierte en madre, pero tomó conciencia de todas y cada uno de las transformaciones biológicas que experimentaba y decidió crear una coreografía que plasmara su sentir en escena, fue así como concibió la idea de Las 3 pieles. Flor Garfias Bucio es egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Durante seis años (2008-2014) fue intérprete de la Compañía Camerino 4. En forma paralela, en 2008 fundó el grupo Moving House, el cual le ha permitido crear sus propios proyectos y convertirse en directora y coreógrafa independiente. A lo largo de su trayectoria ha adquirido amplia experiencia en movimiento y composición coreográfica. En dos ocasiones (2009 y 2013) se ha hecho acreedora a la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Lo primero que hizo Flor para concretar Las 3 pieles fue convocar a aspirantes para conformar el elenco. Los requisitos eran que tuvieran experiencia en danza y que tuvieran algún tatuaje, ya que como parte de su proyecto planeaba que se realizara un tatuaje en vivo sobre el escenario, por ser “un símbolo que representa el dolor indubitable del parto y la huella que deja en el cuerpo y en la vida de la mujer…”. Aun cuando la protagonista es sólo una, Flor Garfias Bucio integró en su cuadro actoral-dancístico a cinco integrantes -cuatro mujeres y un hombre-, pero todos son la misma persona. Las chicas hacen las veces de alter ego de la protagonista y el chico la energía masculina que hay en ella. El baile para Las 3 pieles no es lineal, se trata de coreografías variadas individuales, de pareja o grupales, y van intercalándose con las acciones que muestran diversos momentos de la vida cotidiana, como estar en casa, peinarse, maquillarse, tomar una copa de vino, o bien, deambular por la calle, sortear el tránsito citadino, enamorarse, tener un bebé, tatuarse, devorar una sandía.

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Los movimientos son atractivos y artísticos. Cada parte del cuerpo queda involucrada en el baile, incluso, sus cabelleras. El vestuario también es cambiante, va desde lencería hasta atuendos elegantes. Es teatro-danza, ya que además de la ejecución de danza contemporánea, los intérpretes se expresan sentimientos y actitudes a través de corporalidad y expresiones.

Flor Garfias Bucio ofrece al público una interesante y vistosa coreografía. Su labor de dirección es impecable. Los movimientos son ejecutados con pulcritud y estética. El ritmo es preciso.

El elenco está integrado por: Yon Espinosa “Yoyo”, Lola Barajas, Abril Villareal, Elisa Romero Romero o Vianney Rodríguez, y Michelle Temoltzin. Todos ellos se muestran comprometidos con el proyecto, ejecutan bien sus coreografías y sus actitudes son convincentes. En particular, Lola Barajas, además del baile, se luce con la ejecución en vivo del theremín y el ukelele, instrumentos que domina y que coadyuvan al entorno idóneo del montaje.

El resto del equipo creativo lo conforman: Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Bernardo Cáceres en edición de audio, Vianney Rodríguez en diseño de publicidad y  Alejandro Strauss en fotografía y registro. La producción es de KMZ Producciones y  “La Compañía” / Compañía Moving House.

El proceso del parto desde una perspectiva coreográfica con imágenes. Dar vida es el máximo milagro que conocemos. Tienes que ver esta propuesta juvenil de teatro danza interesante y sorprendente, visualmente estética, con algo de comedia y con un tatuaje que se realiza en vivo frente a tus ojos.

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La persona que se tatúa en cada función es seleccionada a través de redes sociales, así que si quisieras participar, tendrías que contactar a Flor Garfias Bucio de la Compañía Moving House.

Las 3 pieles se presenta martes a las 20:00 horas  en el Teatro Sergio Magaña, ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114, colonia Santa María la Ribera -cerca de la Estación San Cosme del Metro Ciudad de México. Duración aproximada: 80 minutos. Costo de la localidad: $149.00 pesos. Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e  INAPAM  con credencial vigente. La temporada concluye el martes 12 de marzo de 2019.

INFIERNO COMPRENDIDO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Es costumbre de Teatro El Milagro dar inicio a sus actividades del año con sus ya tradicionales Ciclos de Teatro de los Estados y de Teatro Emergente. El Ciclo de Teatro de los Estados permite al espectador ver trabajaos del interior de la República. En tanto que el propósito del Ciclo de Teatro Emergente es brindar un espacio a los creadores incipientes para presentar sus propuestas. Dentro del marco de este ciclo, se encuentra Infierno comprendido, de la autoría de Servando Anacarsis Ramos, bajo su dirección.

 

Recordamos al joven Servando Anacarsis Ramos por su interpretación del dulce y juvenil Leo en la exitosa obra La divina ilusión, de Michel Marc Bouchard, y dirigida por Boris Schoemann, ahora nos toca verlo como dramaturgo y director.

 

Para su presentación en el Ciclo de Teatro Emergente, Servando Anacarsis Ramos eligió Infierno comprendido, que escribió a partir de El castillo de Franz Kafka.

 

Al igual que el resto de las obras del escritor austrohúngaro Franz Kafka (1883-1924), El castillo es una novela bastante compleja. Se sabe que es una obra que el autor dejó inconclusa, misma que fue publicada en 1926 en forma póstuma a dos años de su fallecimiento. Muchos de los especialistas en la obra Kafkiana consideran El castillo como la obra cumbre de Franz Kafka, en razón a su complejidad estructural y a la madurez simbólica y metafórica que el autor le imprime, así como a la densa intelectualidad con la que está escrita.

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Servando Anacarsis Ramos sigue la trama original concebida por Kafka. El relato versa sobre la lucha de K que tiene que encontrarse con el señor Klamm, para lo cual tiene que lidiar con la burocracia que rige a las autoridades de un castillo donde residen quienes gobiernan al pueblo. K trabaja como agrimensor, lo cual es complicado, ya que la agrimensura es una rama de topografía creada con el propósito de delimitar superficies, pero no sólo superficies de tierra sino también la delimitación de derechos, es decir, que se estudian  los objetos territoriales a toda escala en el más amplio sentido del término, aplicando para la medición la topografía, la geometría, la ingeniería, la trigonometría, las matemáticas, la física, el derecho, la geomorfología, la edafología, la arquitectura y la historia, para producir documentos cartográficos y de infraestructura. En la actualidad, la agrimensura continúa vigente, únicamente que ahora también se aplican la computación y la teledetección y otros elementos virtuales.

 

En forma alterna, una liebre es atropellada por una camioneta Suburban y en el accidente tiene una revelación que le indica escribir una obra de teatro didáctico sobre un hombre que viaja a una aldea y tiene que enfrentarse con la burocracia social.

 

Dos vertientes distintas que coinciden en algún punto tras ir recabando un cúmulo de voces y cuerpos que crean un paisaje para definir nuestra relación: el Estado, con el neoliberalismo y también con el teatro alrededor de esta problemática.

 

Con su propuesta, Servando Anacarsis Ramos demuestra que no se arredra ante la complejidad y que gusta de tomar retos para manejarlos bajo su perspectiva. Así mismo, despliega su gran pasión por el teatro, ya que la teatralidad está presente en todo momento. Utiliza diversas técnicas para plasmar sus ideas, entre las cuales incluye teatro dentro del teatro, algo de cabaret alemán, guiños de clown, multimedia, película muda, ingeniosas caracterizaciones  y tremenda corporalidad. Lo que ocurre es narrado con un fuerte sentido sarcástico. Entrelaza las historias en forma consistente. El público simpatiza con K y se conduele de sus frustraciones, en total empatía, puesto que todos en algún momento hemos sentido impotencia ante trámites burocráticos. Salpica el relato de alegría con representaciones teatrales medio alocadas. En cuanto a los temas incluidos, también son muy diversos, hay amor, desesperación, ímpetu, teorías brechtianas y hasta aspectos teológicos. En general, el trabajo de Servando Anacarsis Ramos es muy interesante y bien logrado.

 

La labor de dirección por parte de Servando Anacarsis Ramos es formidable. Su trazo escénico es pulcro, aprovecha con tino el espacio, los desplazamientos están bien administrados, el ritmo es preciso.

 

El elenco está integrado por: Paula Watson, Nick Angiuly, Mariana Villegas, Sofía Gabriel, Cuauhtémoc Lara Razo, Boris Schoemann, Alejo Contreras y Sebastián Dante. Todos ellos ofrecen un estupendo desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión.

 

El equipo creativo de Infierno comprendido está conformado por: Servando Anacarsis Ramos en dramaturgia, dirección y espacio; Anabel Ortega en diseño de vestuario, Mauricio Arizona en diseño de iluminación, Gerardo Del Razo en realización de video y diseño multimedia, Dulce Mariel en diseño sonoro, Ramón Hernández Lara en asistencia de dirección, Gerardo Del Razo en fotografía y montaje de cine mudo, Hamlet Casas en realización de tocados liebres, Bryan Cárdenas (Zebra) en asesoría vogue, Miriam Romero en asesoría multimedia, Liliana Irene Hernández González en realización de vestuario y telón, Rosy Morales y Fernando Payán (Skené) en construcción de escenografía, Mauricio Saldaña en fotografía de póster, Servando Anacarsis Ramos en diseño de póster, y Vika Fleitas Campamar en adaptación gráfica de postales.

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En cuanto a producción, los participantes son Michelle Menéndez en producción ejecutiva, Michelle Menéndez y Servando Anacarsis Ramos en producción general,  Martín Acosta como productor asociado, Tamara Salamonovitz Rivadeo en asistencia de producción y coordinación redes sociales. Colaboradores de Teatro El Milagro: Aída Escobar en coordinación técnica; Elizabeth Flores y Celso Martínez conformando la Planta Técnica de Teatro El Milagro.

 

Una propuesta muy interesante que nos permite asomarnos al universo kafkiano en un entorno pleno de teatralidad, donde Servando Anacarsis Ramos y cada uno de los integrantes de su equipo llevan a buen puerto un relato complejo en un montaje donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle y todos se han comprometido dando lo mejor de sí mismos.

 

Infierno comprendido se presentó a las 20:30 horas del martes 5 de febrero de 2019  y del miércoles 6 de febrero de 2019 en el Teatro El Milagro, ubicado en Milán número 24 -entre Lucerna y General Prim-, colonia Juárez, Ciudad de México. Duración aproximada: 130 minutos. El costo de la localidad fue de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,  y vecinos de la colonia Juárez.

ATRACCIÓN FATAL

Por Eugenia Galeano Inclán

Fotos de la Producción.

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El amor es algo maravilloso, desafortunadamente, en pocas ocasiones surge en forma correspondida. Se dice que siempre hay uno que ama más que el otro. Cuando dos personas se encuentran, si se caen bien o se gustan, lo primero que surge es la empatía y, después, la atracción, pero ninguno de los dos puede saber qué es lo que el otro piensa. Si se siguen viendo y continúan relacionándose es posible que florezca el amor. Sin embargo, al igual que cada cabeza es un mundo, cada quien tiene sus propias ideas sobre el amor. Las opciones son múltiples. Hay quienes sólo se enamoran sin pensarlo, otros buscan algo y si esto es algo bueno o malo depende de lo individual. Algunos pudieran buscar alejarse de la soledad, estabilidad o formar una familia, en tanto que otros podrían tener intereses ocultos, como aprovecharse de alguien, sea física, económica o emocionalmente, o bien, sin desearlo, se les puede convertir en una obsesión, lo cual implica peligrosos riesgos, tanto para esa persona  como para el otro y los allegados de ambos.

 

El tema de la obsesión es el que aborda el guionista y director cinematográfico inglés James Dearden en Atracción fatal. James Dearden es un destacado cineasta que ha recibido importantes galardones y reconocimientos a lo largo de su trayectoria. De toda su obra, la única película que ha sido llevada a escena es Atracción fatal, lo cual ocurrió varios años después de que la cinta protagonizada por Glenn Close y Michael Douglas, tuviera tanto éxito en todo el mundo. En tanto que el film data de 1987, la adaptación para teatro fue realizada hasta 2014 por el laureado director teatral Sir Trevor Robert Nunn. La obra se estrenó en el Theatre Royal Haymarket, ubicado en la parte Este de la Ciudad de Westminster, Londres, Inglaterra.

 

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Los productores mexicanos Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo obtuvieron la licencia de Paramount Pictures para presentar Atracción fatal por primera vez en nuestro país, bajo la dirección de Antonio Castro. El libreto escrito por James Dearden es de buena factura y capta el interés de principio a fin. Se trata de una obra de suspenso en la que cada acción va cobrando fuerza propia hasta integrar el cuadro completo.

 

La trama versa sobre un hombre que tiene todo lo que pudiera desear, éxitos profesionales y una bella familia, ama a su esposa y adora a su hija. Siente que ha logrado cumplir sus objetivos y goza de lo que ha construido y es feliz, hasta que un día su destino cambia. En un viaje de negocios, una hermosa mujer le coquetea y, a pesar de que al principio se resiste, finalmente es seducido por ella. Desde luego, espera que nadie se entere y que su vida siga su curso normal. Lo que él no sabe es que lo que para él fue una simple aventura, para la mujer será una fuerte obsesión que pondrá en peligro no sólo a él sino a todo su entorno.

 

La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable, su trazo escénico está muy bien diseñado, la acción es constante, el ritmo preciso.

 

El elenco está conformado por: Itatí Cantoral, Juan Diego Covarrubias, Fabiola Guajardo, Dobrina Cristeva, César Ferrón, Michelle Jurado, Melissa Lee, Moisés Peñaloza y Christopher Valencia. Alternan funciones: Vanessa Acosta, Diego Medel, José Manuel Lechuga, Nuria Loya y Matilde Moreno. Destaca el desempeño histriónico y corporal de las bellas Itatí Cantoral y Fabiola Guajardo. La sensualidad que impone Itatí en la escena en fabulosa.

 

La escenografía y el vestuario son diseño de Teresa Alvarado, quien logra ambientar apropiadamente el relato. Para el vestuario sus diseños son elegantes y variados, las prendas, bien confeccionadas, de excelente corte y con buena caída de telas, así como un atinado uso de colores.

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El diseño de iluminación está a cargo de Félix Arroyo, quien la administra en forma acertada y en consistencia con las acciones. La música original es de Antonio Fernández Ros y el diseño sonoro de Miguel Ángel Hernández.

 

Para el montaje mexicano se utiliza un sofisticado equipo multimedia a base de dispositivos de los conocidos como mapping, reproductores de imágenes que se cambian fluida y fácilmente, lo cual permite tener diferentes entornos en forma instantánea. Esto coadyuva con la agilidad requerida, además de dotar de una espectacularidad impresionante a la puesta en escena. La escenografía digital es creación de Diego Lascuráin. El jefe de multimedia es Carlos Hurtado.

 

La traducción a nuestro idioma fue realizada en forma fiel por Fernando Canek. La adaptación para México la hizo Óscar Ortiz de Pinedo mediante un trabajo extraordinario, al cual corona con un final distinto al de la afamada cinta. La producción es de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo. Atracción fatal es presentada por Entretenimiento Palomero y Ortiz de Pinedo Producciones.

 

 

¡Gente bella de Aguascalientes,  Atracción fatal estará con ustedes el día 6 de marzo de 2019. No se la pierdan!

 

Febrero 2019

7        Toluca

9        Puebla

14      Culiacán

15      Mazatlán

16      Durango

21      Ciudad Juárez

22      Chihuahua

28      Monterrey

 

Marzo 2019

1        Monterrey

2        Saltillo

3        Zacatecas

5        San Luis Potosí

6        Aguascalientes

7 y 8   Guadalajara

9        Morelia

15      Tijuana

16      Mexicali

21      Querétaro

MANADA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñara como médico, escritor y dramaturgo, es considerado uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura. Además de su enorme talento para crear relatos de interés general, tenía una habilidad impresionante para delinear la psicología de sus personajes. Entre sus obras más emblemáticas se encuentran La gaviota, El jardín de los cerezos, Tío Vania y Las tres hermanas, las cuales han sido llevadas a escena en múltiples ocasiones a lo largo y ancho del mundo y, por lo tanto, se han convertido en referentes de teatro. Todo aquel que curse estudios relacionados con el arte escénico, habrá de leer a Chéjov y es probable que en ellos se desarrolle la ilusión de hacer, cuando menos, un montaje de alguna de sus obras. Desde luego, en caso de tener la oportunidad, cada quien realizará su versión desde su propia perspectiva.

Son innumerables los montajes que se han hecho en todo el mundo sobre Las tres hermanas. En tanto que algunos se apegan al texto lo más que pueden, otros sólo lo toman como inspiración, por lo que en el mundo Las tres hermanas ha sido presentada en muy diversas versiones.

Luis Eduardo Yee, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), quien se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo, decidió hacer un montaje de Las tres hermanas a partir de su visión personal. La propuesta de Luis Eduardo es atrevida; toma como base un clásico universal, introduce algunos cambios y lo reviste de variadas disciplinas. A su versión, la intitula como Manada, tal vez utilizando este término como sinónimo de familia.

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El cambio más drástico de Luis Eduardo es el de cambiar el género a las hermanas para personificarlas como hombres, aun cuando respeta los nombres originales de Olga, Masha e Irina. Desde luego, las respectivas parejas o amores de las hermanas y ciertos allegados habrán de ser mujeres (con nombres masculinos) en aras de la consistencia. Para el público resulta curioso ver a un hombre con nombre femenino o viceversa.

Algunas de las técnicas que utiliza son: Transformar a los integrantes de su elenco en maniquíes, de modo que quienes están en escena realicen los mismos movimientos, o bien, se queden estáticos de vez en cuando. Redimensionar espacios, al hacer que alguien hable al vacío, de cara al lado opuesto de donde está su interlocutor. Coreografías con ciertos ejercicios de yoga que se utilizan para relajación. En una de las escenas, las reacciones de Masha tienen influencia del estilo en que se suele actuar en las telenovelas, lo que implica un fuerte contraste con la contención que predomina el montaje. En cuanto al espacio escénico, toda la acción ocurre dentro de la casa de las tres hermanas, así que no tiene que preocuparse por armar escenarios distintos. En definitiva, los cimientos de este proyecto se basan en el desempeño actoral del elenco. Todo esto le da originalidad a Manada de Luis Eduardo Yee.

El relato de Manada se apega al de Chéjov. Las tres hermanas recuerdan a su padre, quien falleciera un año antes, la fecha coincide con el cumpleaños de Irina, la menor, así que para festejarla se ven precisadas a dejar de lado el dolor y la nostalgia. Otro de los ejes importantes es el desgaste del matrimonio de Masha, quien se enamora perdidamente de Vershinin y quisiera huir de todos sus problemas al lado de éste para construir una vida nueva.

La dirección escénica está a cargo del propio Luis Eduardo Yee, quien logra una labor impecable plasmando en el escenario su visión personal del universo de Las tres hermanas. La acción es constante y dinámica. El desplazamiento actoral es fluido. Las coreografías están bien administradas. La corporalidad que impone es atrayente. El ritmo preciso.

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Como lo mencioné antes, una de las cartas más fuertes de la propuesta es el cuadro actoral y, para ello, Manada cuenta con un elenco extraordinario. Todos  los integrantes están muy comprometidos con el teatro, algunos cuentan con una larga trayectoria, otros no tanto por su juventud, pero todos tienen amplia experiencia, talento y habilidades. Ellos son: Hamlet Ramírez (Olga), Miguel Jiménez (Irina), Fernanda Echeverría (Solioni), Gabriela Guraieb (Tusembaj), Pablo Marín (Masha), Miguel Romero (Chebutikin), Regina Flores Ribot (Anfisa), Francia Castañeda (Vershinin), Paula Watson (Kuligin), Roldán Ramírez (Natasha), Lucía Uribe Bracho (Andrei). Cada uno de ellos ofrece una formidable labor histriónica, corporal y vocal.

Beneficia el montaje la composición musical ejecutada en vivo por Alejandro Pressier, en ocasiones justo al lado de los actores. El concepto escénico fue diseñado por Fernanda García, quien opta por un gran salón sobrio, pero distinguido.

El vestuario es idóneo para el esquema propuesto. Se utilizan como base los colores blanco y negro, los diseños son originales y elegantes. Algunas prendas son similares entre sí, pero con ciertas variantes. La estética siempre está presente. Se utilizan telas diversas de buena caída.

El resto del equipo creativo de Manada está conformado por: Patricia Guijosa en producción general, Fundación Javier Marín en producción ejecutiva y como productor asociado, Alejandra Aguilar como asistente general, Dulce Mariel en diseño sonoro, Julia Marín en diseño gráfico, Paris Ramos como asistente de concepto escénico, Carolina Jiménez en asesoría de iluminación, Pablo Marín en ilustración, Luis Eduardo Yee, Fernanda García y Pablo Marín en gestión. Los patrocinadores son: Colectivo No somos Compañía, Arlín Vergara y Braulio Daniel Yee.

Una puesta en escena donde un clásico de Antón Chéjov es visto desde una perspectiva muy distinta a la acostumbrada. Una propuesta arriesgada llevada a buen puerto por su creador, Luis Eduardo Yee, de la mano de un excelente equipo. Un montaje contemporáneo pleno de estética y originalidad que da particular relevancia a la emotividad de los protagonistas. Deja que te sorprendan, te entretendrás, te divertirás y verás actuaciones entrañables, sólo que tienes que apresurarte porque la temporada actual está por cerrar el telón.

Manada se presenta el sábado 2 de febrero a las 12:30 horas y el domingo 3 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 (casi esquina con Centenario), Coyoacán,  Ciudad de México. La duración aproximada es de 90 minutos. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM.