Autor: Eugenia Galeano

CONTRA LAS BESTIAS

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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Los actores y actrices de nuestros tiempos están muy bien preparados.  Cada vez sus estudios son más amplios, abarcan más técnicas y formas de expresión.   Una vez que se gradúan están muy bien preparados para enfrenar cualquier proyecto.  Aprender cómo actuar, cómo manejar la voz y el cuerpo para expresar un sentir. Por lo general, se actúa en grupo, cada integrante del elenco memorizará sus textos.  En ciertas frases hay lo que se conoce como un “pie” que son determinadas palabras para que quien alterna con quien lo dice, comience a decir su parlamento.  Digamos que es una especie de guía para que un actor o actriz diga lo que debe decir.  La prueba de fuego para cualquier histrión es el monólogo, porque en éste no tiene quien lo cobije ni hay un “pie” que lo guíe.  Completamente solo en el escenario habrá de decir su texto, acompañándolo de las acciones requeridas.

 

En nuestra memoria quedó “Quiela“, un esplendoroso monólogo interpretado por la actriz mexicana Odille Lauría. El conmovedor texto de “Quiela” es de la autoría de Guillermo León y fue representado bajo su dirección.  El relato lo escribió Guillermo a partir de “Querido Diego, Te abraza Quiela” de Elena Poniatowska y versa sobre el gran amor que Angelina Beloff (Quiela) prodigó a su esposo el muralista Diego Rivera.  Mientras Quiela vivía en París, Diego estaba en México, así que ella sólo lo contactaba mediante correspondencia.  Odille superó con creces el reto de representar un monólogo y ganó la admiración del público.  Entonces pensamos que Odille ya había vencido el mayor reto en su trayectoria, pero no fue así porque ahora se le presenta un nuevo reto más difícil, en virtud de que en CONTRA LAS BESTIAS, Odille no sigue un relato sino sólo palabras que se van hilvanando.

 

El texto de CONTRA LAS BESTIAS fue escrito en 2004, bajo el nombre original de “Contre les bétes“,  por Jacques Rebotier, destacado artista de la escena francesa contemporánea. El monólogo fue seleccionado por la Comédie-Française y estrenado en el Festival d’Avignon, Francia.  A la fecha CONTRA LAS BESTIAS ha sido representado en más de 200 ocasiones en diversos foros.

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Ahora, Jacques Rebotier, quien se desempeña como autor, director de escena y compositor de música, viajó a nuestro país para presentar CONTRA LAS BESTIAS en México, para lo cual Julia Azaretto, originaria de Argentina, realizó la traducción a nuestro idioma.  El autor reescribió algunos fragmentos de su texto, a fin de mexicanizarlo para una mejor comprensión y lo hizo trabajando de la mano de Odille Lauría.  Ediciones El Milagro-Othello acaba de publicar la edición bilingüe francés-español de CONTRA LAS BESTIAS.

 

El autor hace gala del extenso léxico que posee y el lenguaje fluye a borbotones.  La forma en que juega con las palabras es sorprendente.  Se trata básicamente sobre la historia de la humanidad, pero es un torrente de palabras, donde los verbos, los sustantivos, los adjetivos, los prefijos y los sufijos van entrelazándose paso a paso hasta formar un magnífico cuadro de gran belleza lingüística que alude a nuestra realidad actual y a la extinción de las especies   El hombre aprovechando su posición de ser la máxima creación de Dios ha desbordado sus capacidades, dañando al ecosistema y se ha convertido en el supremo depredador.  El autor da voz al hombre, pero también a los animales, sus cohabitantes del planeta, sus compañeros de vida.  La acción se ubica dentro de unos 50 ó 100 años, cuando la mayoría de las especies se han extinguido y el hombre a través de un monólogo “apela a la desaparición de la faz de la tierra de las 6 millones 800 000 especies que nos estorban,  ¡y de prisa!  Bajo la forma de un curioso alegato rabioso, poético y… burlón“.

 

Todas y cada una de las palabras están allí por una razón, ninguna por azar.  El relato es tan vívido que el espectador de inmediato entra en la convención y con los ojos de la imaginación ve desfilar tigres, gatos, perros, elefantes, monos, jirafas, caballos, ballenas, delfines y otros tantos animales.  Mención especial para ovejas y tortugas, las cuales están representadas sobre el escenario.  Igual nos preguntamos ¿qué aspecto tendrá el señor tlacuache?, aquel sobre el que escuchábamos en nuestra infancia.

 

El monólogo es vibrante y divertido. Se marcan las diferencias entre el hombre y los animales.  Se alude a San Francisco de Asís, quien tenía la facultad de hablar con los animales.  Se hace referencia a un texto del medioevo escrito en el siglo XIII sobre la oveja negra y la oveja blanca.  También se habla sobre ciertas ironías, como por ejemplo, si vas a un supermercado en un pasillo ves todo aquello que necesitas para alimentar, asear y consentir a tu mascota, en tanto que en el siguiente pasillo encuentras todo para exterminar animales.

 

Odille Lauría brilla con luz propia con su belleza, grata presencia escénica y excelente dicción.  Su trabajo histriónico, corporal, expresivo es magnífico.  Ella habla sin parar, se mueve, se desliza, canta, ora y hasta baila a ritmo de cha-cha-chá.

 

El montaje es estético, el escenario vacío alberga a la actriz con una hermosa manta estampada en animal print y unos cuantos elementos escenográficos.

 

Durante la estancia en México de Jacques Rebotier CONTRA LAS BESTIAS ha sido representado en Lerma, Toluca, Tenango del Valle, Querétaro, Zacatecas y Ciudad de México.

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La producción de CONTRA LAS BESTIAS es de la Cía voQue en convención con el Ministerio de la Cultura y de la Comunicación de Francia y la SACEM,  la coproducción es de la Secretaría de la Cultura  del Estado de México La Bolita Cie.  Cuenta con el apoyo de la Embajada de Francia  SPEDIDAM Red de las Alianzas francesas de México, así como con la colaboración de Tequio México y La Ferme du bonheur Théâtre de l’Épopée.

 

No pierdas la oportunidad de presenciar este tributo al lenguaje.  Nuestro mundo puesto en palabras.  Una visión futurista muy amena y divertida.  En donde se presenta está a la venta el  recién publicado libro de CONTRA LAS BESTIAS.  El monólogo se presentó con mucho éxito a teatro lleno en el FORO DE LAS ARTES del Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México, el sábado 27 y el domingo 28 de octubre de 2018.

 

CONTRA LAS BESTIAS

se presenta el viernes 9 de noviembre de 2018 a las 19:00 horas en el

TEATRO XICOHTÉNCATL

avenida Benito Juárez número 26

Colonia Centro

Tlaxcala de Xicohténcatl, Tlaxcala

Duración aproximada:  75 minutos

Cuota de recuperación:  $60

 

CONTRA LAS BESTIAS

en Lectura Bilingüe francés-español se presenta

el sábado 10 de noviembre de 2018 a las 11:00 horas en la

ALIANZA FRANCESA

Unidad San Ángel

ubicada en Plaza San Luis Potosí número 26

Colonia Chimalistac

Ciudad de México

 

LA GRAN FAMILIA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1220417Entre las noticias que escuchamos a diario, hay algunas que impactan y quedan en nuestra memoria. Una de éstas fue la que se difundió en junio de 2014 cuando se supo que la Policía Federal Preventiva había realizado un fuerte operativo en Zamora, Michoacán, contra una casa hogar dirigida por una anciana octogenaria conocida como Mamá Rosa. Todos nos preguntamos ¿quién es Mamá Rosa?, ¿por qué el operativo? Poco a poco se fue develando la historia del caso. Mamá Rosa era una mujer que nunca se casó, pero que soñaba con tener muchos hijos. Rosa del Carmen Verduzco nació en una familia con recursos, desde pequeña se percató de que en tanto ella siempre tenía un plato de comida en su mesa existían muchos niños desamparados, así que tan pronto pudo comenzó a invitar a niños de la calle a comer a su casa y no sólo eso, sino que pedía a sus padres que los albergaran. Los papás de Rosa trataban de complacerla hasta que llegó el momento en que se vieron precisados a frenar sus tendencias, pues tampoco tenían tanto dinero como para estarlo gastando en desconocidos. Al llegar Rosa a su adultez, se independizó y se dio a la tarea de recoger niños. A aquellos que abandonaban o que no se sabía si tenían familia o no, los registraba como hijos propios. En cambio, los que le eran entregados por su madre o padre, Rosa ponía como condición que el responsable le firmara un acuerdo en el sentido de que no reclamarían a sus hijos y que no saldrían del albergue.

Con los años, la “familia” de Mamá Rosa creció en forma desmedida, rebasando todas las expectativas y a la larga el hacinamiento fue inevitable. Ya no era posible tener camas suficientes y cada vez era más difícil alimentar tantas boquitas. A los niños les eran asignadas tareas dentro y fuera de la casa, a cambio de tener un techo y comida, tenían que colaborar en su sustento. Entre las múltiples ocupaciones que ideó Mamá Rosa para que sus niños llevaran recursos al hogar, no podía faltar la música, pues a ella le encantaba, así que formó una banda infantil que alquilaba para musicalizar fiestas y eventos. Además de esto, solicitó apoyo a las autoridades y donativos a la gente. Recibió ayuda de instituciones y de particulares y su albergue se hizo tan popular que recibió un gran número de visitantes, entre los cuales hubo personalidades importantes tanto nacionales como internacionales.

Durante cuatro décadas, Mamá Rosa estuvo al frente de la casa hogar que ella constituyó. Se dice que fueron alrededor de cuatro mil niños los que pasaron por allí. Al brindarles un hogar, Mamá Rosa salvó a los niños de vivir en situación de calle. Lo lamentable es que también se levantaron rumores de que los niños eran maltratados y se supo que si alguno intentaba escapar, recibía golpizas y castigos.

Las autoridades encontraron el lugar en condiciones deplorables y prevalecía la insalubridad a causa de ciertas plagas, como ratas, chinches y piojos. Se habló también de abusos, incluso, de tipo sexual, pero esto no pudo comprobarse. Entre los niños y adolescentes que fueron rescatados, algunos dijeron estar muy agradecidos con Mamá Rosa y guardarle cariño, mientras que otros tantos se quejaron de que estaban indignados por la forma en que eran tratados. Estas declaraciones dividieron a la opinión pública y el caso se tornó controversial. La verdad sólo la saben quienes vivieron allí y, desde luego, Mamá Rosa, pero ella ya se llevó sus secretos, en virtud de que falleció hace pocos meses. Entre la ciudadanía, habrá quien considere a Mamá Rosa una mujer de alma caritativa que dedicó su vida, tiempo y esfuerzo a sacar adelante a miles de niños, mientras que otros la conceptuarán como perversa.

P1220470Esta historia de la vida real impacta por el alto contenido socio-político que conlleva. Nos parece inverosímil pensar que hay tantos niños no deseados en nuestro país que necesitan ayuda y la forma en que alguien les pueda tender la mano sin que los chiquillos sepan si es con buena o mala intención. Claudio Lomnitz, reconocido escritor, antropólogo y profesor chileno, quien trabaja en la división de la familia Campbell de Antropología de la Universidad de Columbia, que es una de las universidades de mayor prestigio en el mundo y que está ubicada en el Alto Manhattan de Nueva York, Estados Unidos de Norteamérica, al tener conocimiento del caso, decidió abordarlo.

Tras un estudio profundo y una investigación exhaustiva publicó un artículo sobre grupos de autodefensa de Michoacán que luego derivan en células de opresión relacionadas con narcotráfico y violencia, un conflicto que apunta sobre la crisis de la familia en esa entidad, en particular, y en México en general, en torno a la organización familiar fundada por Mamá Rosa. Claudio Lomnitz considera que se trata de una historia excepcional por las dimensiones épicas que alcanzó y por ser contradictoria, así que decidió llevarla al teatro junto con su hermano Alberto Lomnitz, destacado director escénico y dramaturgo. Hay que recordar que con su anterior trabajo El verdadero Bulnes, los hermanos Lomnitz se hicieron acreedores al Premio Nacional de Dramaturgia del año 2010 convocado por la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) y la Universidad de Guadalajara (UdeG).

Por tratarse de un drama político, los hermanos Lomnitz se remitieron a Bertolt Brecht y ambos se plantearon hacer un montaje musical, para lo cual invitaron a Leonardo Soqui para la composición de la música original y la adaptación musical de las letras escritas por los hermanos Lomnitz. La intención de los hermanos Lomnitz no es reflejar la vida de Mamá Rosa sino tomarla como un ejemplo dramático de un problema mayor, como lo es la crisis de la familia en México, desbaratada por migración forzada, violencia, orfandad y divorcio, entre otros detonantes, a fin de integrar historias y pasiones de impacto en este montaje de La gran familia, donde el espectador encuentra música, humor y una profunda reflexión socio-política.

Al ver La gran familiaen cartelera y leer que se relaciona con Mamá Rosa, lo lógico sería pensar que la primera actriz Angelina Peláez es la protagonista, pero no es así. De hecho, la consagrada actriz sólo participa en breves intervenciones, en virtud de que los hermanos Lomnitz dispusieron que Mamá Rosa fuera personificada por cuatro actrices distintas, a fin de que se le viera de niña, de joven, de adulta y de anciana. Lo curioso es que la fisonomía de las cuatro actrices es distinta, pero la homologación se hace a través de la vestimenta y el público entra en esa convención.

P1220531En cambio, podría decirse que debido a sus numerosas apariciones a cuadro el actor Rodrigo Vázquez es el protagonista. Rodrigo, quien cuenta con larga trayectoria y amplia experiencia es el que interpreta a más personajes dentro de la historia. Su trabajo sorprende y es digno de admiración, sin embargo, quizá por la vertiginosidad de tanto cambio, tiene varios deslices al cruzar la delgada línea entre lo fársico y lo caricaturesco. Lo más probable es que en el curso de la temporada encuentre la contención requerida.

El texto de la autoría de Claudio Lomnitz y Alberto Lomnitz capta el interés del público, de principio a fin.El montaje es de gran belleza plástica, espectacular y colorido. Alberto Lomnitz coquetea con el tiempo trastocándolo a placer, con lo cual da oportunidad al espectador de ver simultáneamente a dos, tres y hasta cuatro Rosas. Así mismo, se aprecia su creatividad en la transición de Rosa de una edad a otra, capturando momentos plenos de magia. La labor de dirección por parte de Alberto Lomnitz es brillante, su trazo escénico es impecable, los desplazamientos son coordinados, el manejo de los personajes está bien logrado y siendo tantos es más que loable, buen balance entre parlamentos, canciones y pausas, y el ritmo es preciso.

Participan en La gran familiadieciséis integrantes del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT): Adrián Aguirre (Pepe/Procurador),Ichi Balmori (Montserrat Ámpula), Eduardo Candás (Don Arnulfo/Fakir), Érika de la Llave (Mamá Rosa adulta),Olaff Herrera (Ardilla/Comisionado), Fernando Huerta Zamacona (Palillo), María del Mar Náder Riloba (Rosa niña), Gabriela Núñez (Tencha/Joven líder), Carlos Orozco (Profesor Eruviel/Padre Fonseca), Azalia Ortiz (Rosa joven/Lupe), Pilar Padilla (Primera dama/Soledad), Angelina Peláez (Mamá Rosa anciana), Astrid Romo (Chupa Chups), Alan Uribe Villarruel (Sope), Rodrigo Vázquez (Peñaloza/Personajes varios), y Andrés Weiss (Sean/Fox/Nobel Francés). Es de sobra conocida la alta calidad histriónica y corporal de todos y cada uno de los integrantes del elenco estable de la CNT.

Complementan el elenco 20 figurantes, quienes son estudiantes de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) o de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT): Vanessa Aguilar, Belén Alcacio, Rodrigo Bizzie, Benjamín Calleros, Eduardo Córdoba, Alejandro Rubalcava, Isaac Flores, Querena García, Giselle Martínez, Michelle Medina, Brianda Morales Rojas, María Dolores Romero, Sarait Saad, Quetzal Santana, Denisse Soriano, Sergio Adrián Tronco, Julieta Valentino, Emma Vieyra, Arely Villamar y Valeria Gutiérrez Pizarro. Todos estos jóvenes hacen gala de su compromiso y con entusiasmo realizan un gran trabajo interpretando a sus respectivos personajes.

Aun cuando se trata de un musical, La gran familia cuenta con un cuerpo actoral de excelente desempeño, mas no con cantantes. A cambio de voces privilegiadas o de estudios avanzados de canto, se les aplaude el esfuerzo que realizan cantando lo mejor que pueden.

Leonardo Soqui es el director musical yAnalí Sánchez Neri es la directora musical adjunta, arreglos y orquestación. La composición musical de Leonardo Soqui es interpretada en vivo por siete músicos sobre el escenario:Carlos Matus en la conducción musical, piano y acordeón; Edwin Tovar en percusiones,Israel Torres Araiza en violín, Luis Gutiérrez Zermeño en violín suplente, Pablo Madrigal Mena en batería, Juan Manuel Ledezma en guitarra, Jerónimo González García en bajo y Alberto Delgado en saxofón. El diseño de audio es Alejandro García.

La bella escenografía diseñada por Sergio Villegas remite al espectador a una hacienda antigua que en su momento se dimensiona creando entornos diversos.La muy acertada iluminación es diseño de Matías Gorlero.

P1220541El extenso y apropiado vestuario es diseño de Edyta Rzewusca, quien utilizó todo tipo de materiales y se permitió jugar con telas, texturas y colores. Añaden un toque de diversión y colorido las estilizadas pelucas hechas de estambre y cordoncillo. Para la realización de vestuario se contó con la colaboración del taller de vestuario de la CNT, así como con ciertas prendas de la bodega de vestuario del INBA, Wera Bang, Diseño de vestuario: Ernesto Martínez Arévalo, Comunidad CNT y Sonia Lora.

La sofisticada y muycontemporánea coreografía es creación de Nicolás Poggi. Alejandro Pérez Mezaesstage manager, Aureliano Castillo es asistente de dirección y coordinador de figurantes, David Molina es asistente de escenografía, Félix Arroyo es asistente de iluminación y Silvia López es asistente de stage manager. Joaquín Herrera es el productor residente, Mónica Bravo está en producción ejecutiva y Ricardo de León y Andrea Poceros están en producción ejecutiva, Dirección de Teatro. La gran familiaes la primera producción que la Compañía Nacional de Teatro (CNT) presenta dentro del marco de su Residencia Artística 2018 en Teatro UNAM.

Acude a ver este original musical mexicano que capta parte de nuestro entorno socio-político, de la crisis familiar que se vive en algunas entidades y del desamparo en que quedan miles de infantes a causa de la migración, el narcotráfico y la violencia. De paso, conocerás a una mujer de voluntad férrea que se forjó un proyecto de vida y lo llevó a cabo, te conmoverán los huerfanitos y te divertirás mucho con ciertas situaciones y con algunos toques satíricos.

La gran familiase presenta jueves, viernes y sábado a las 19:00 ydomingo a las 18:00 horas en elTeatro Juan Ruíz de Alarcón,dentro del Centro Cultural Universitario de la UNAM, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad Universitaria, en laCiudad de México. Duración aproximada: 2 horas, 45 minutos con intermedio. Costo de la localidad:$150.00. Descuentos a estudiantes y maestros de cualquier institución, ex-alumnos y trabajadoresde la UNAM, jubilados del ISSSTE, IMSS e INAPAM con credencial vigente: $75.00 pesos. La temporada concluye el domingo 9 de diciembre de 2018.

MÉXICO 68

Texto y fotos porEugenia Galeano Inclán

P1220287Para nuestro país, el año de 1968 fue trascendental en su historia, para bien y para mal. En lo positivo, la capital mexicana fue  seleccionada por el Comité Olímpico Internacional para ser la sede de los Juegos Olímpicos, oficialmente denominados Juegos de la XIX Olimpiada, evento multideportivo internacional. Una distinción muy importante, toda vez que fueron los primeros Juegos Olímpicos que se celebrarían en América, se abría una nueva puerta para esta justa tan gloriosa. Por lo tanto, México había logrado un gran honor, pero también un tremendo compromiso. Tenía que construir instalaciones adecuadas, programar transportes, albergar a más de cinco mil atletas, aparte de directivos, funcionarios y visitantes.

En lo negativo.muy poco antes de la inauguración de los Juegos Olímpicos, se inició un movimiento estudiantil de tamaño considerable. Dicho movimiento fue iniciado por alumnos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), del Instituto Politécnico Nacional (IPN), El Colegio de México (Colmex), la Escuela de Agricultura de Chapingo, La Universidad Iberoamericana, la Universidad La Salle, la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo y la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), pero luego se sumaron al movimiento, participando activamente: profesores, intelectuales, amas de casa, obreros, campesinos, comerciantes y profesionales de la Ciudad de México y de estados, como Coahuila, Michoacán, Durango, Puebla, Nuevo León, Sinaloa, Oaxaca y Veracruz. El órgano directriz del movimiento se constituyó como Consejo Nacional de Huelga (CNH) y emitió un pliego petitorio, a través del cual solicitaban al Gobierno ciertas acciones específicas como liberar a presos políticos, reducir o eliminar el autoritarismo, mayores libertades políticas y civiles, menor desigualdad y la renuncia del PartidoRevolucionario Institucional (PRI). Ante tales peticiones, las autoridades definieron el movimiento como una revuelta política tendiente a derrocar al gobierno y dejaron de lado que el movimiento básicamente era estudiantil. Comenzaron a vigilarlos, seguirlos y reprimirlos.

Se aproximaba la fecha de los Juegos Olímpicos y cualquier disturbio perjudicaría la imagen de México ante el resto del mundo. Considerando que el CNH representaba una amenaza inminente y que, por ende, necesitaban cortar de cuajo el movimiento, los altos mandos gubernamentales organizaron la Operación Galeana, consistente en un operativo militar planeado por el gobierno y ejecutado por tres batallones del ejército conforP1220289mando el Destacamento Militar Olimpia, con apoyo de la Dirección Federal de Seguridad de la Secretaría de Gobernación y el grupo paramilitar Batallón Olimpia. Su objetivo principal era terminar con el Movimiento Estudiantil y así lo hicieron. Para ellos, el fin justificaba los medios. En una de las mayores concentraciones del CNH convocada para el día 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas, Tlatelolco, el operativo sorprendió a todos con un artero ataque que desembocó en una masacre. Las ráfagas de balas dejaron un número indeterminado de muertos y heridos. La Plaza se tiñó de sangre al igual que el corazón del pueblo de México. Diez días después, el 12 de octubre de 1968 fueron inaugurados los Juegos de la XIX Olimpiada.

Fue tan doloroso que poco se habló del tema, ni siquiera se hizo un recuento de muertos o heridos. Numerosas familias quedaron de luto y otras tantas ni siquiera recuperaron el cuerpo de su ser querido. Existe literatura al respecto y cada quien da su punto de vista, pero sólo aquellos que presenciaron los hechos pudieron darse cuenta de la magnitud. A medio siglo de distancia, sabemos que no hubo juicio alguno y mucho menos castigo a los orquestadores ni a los ejecutores de la matanza.

En conmemoración del quincuagésimo aniversario de aquellos nefastos sucesos, Teatro El Milagro presenta la obra México 68, escrita y dirigida por David Olguín. En su material promocional se lee lo siguiente: “En el contexto de la celebración por los cincuenta años del movimiento estudiantil de 1968, El Milagro decidió contribuir a la discusión y a la reflexión públicas sobre esa gesta histórica, con un espectáculo lúdico y desacralizador. Hacemos una parábola sobre el autoritarismo y una reflexión crítica que contrasta el pasado y el presente, sin el afán documental o testimonial que abunda en las miradas actuales sobre el 68. En la Casa del Orden, un padre intolerante –miope, dientón e inflexible-, en un mundo reglamentado hasta el absurdo, asfixia a su familia y a sus jóvenes hijos. No cuenta con que su edén ”candorosa y provincianamente intocado” habrá de sublevarse. El miedo es el fantasma que recorre la Casa”.

David Olguín, autor de México 68, no quería que ésta fuera una obra documental ni testimonial, así que acude a la ironía que es la única vía “eduP1220319cada” para expresar indignación. El texto de David, como siempre, es de buena factura, sin haber una recreación de los hechos, despliega un abanico de escenarios que aluden a lo ocurrido desde diferentes perspectivas. Desde luego, capta el interés absoluto del público. El relato está conformado por varios cuadros que se van sucediendo y/o alternando. Para dar idea de lo que los estudiantes sentían en su momento, se percibe la zozobra que priva en una barricada. Los jóvenes están dispuestos a defender sus ideales hasta lograrlos, pero, a causa de las represiones, sus rostros reflejan el miedo y la incertidumbre. Para rendir honores a las víctimas y a los deudos, en forma simbólica se hace referencia a la joven Luz de las Mercedes Monroy y Castro, cariñosamente conocida como Lutecia, quien es recordada día a día, minuto a minuto por Cronopio, cuya labor es realizar transmisiones vía internet desde su casa. Mientras lo hace, trata de ahogar su pena en ron de mediana calidad. El aspecto del autoritarismo se refleja en el cuadro más prolongado denominado la Casa del Orden, donde toda la familia lleva por nombre Gustavo o Gustava. El padre con vara en mano indica lo que deben hacer y lo que no. Esto podría ser una sátira de la interrelación gobierno-pueblo. La farsa política se capta a través de una mascarada que es una alegoría de los dirigentes que en esa época movían los hilos de la política mexicana. Las máscaras que porta el elenco no dejan duda alguna de a quienes representan. Para finalizar, se idealiza a los caídos, tras la matanza. Uno de los líderes que se comportó como héroe era hombre al momento de caer, pero luego es recordado como mujer, con lo cual se reverencia la inclusión absoluta haciendo patente la igualdad del ser humano.

Participan en México 68: Mauricio Davison como Cronopio, Mar Aroko como Bocaza y Madre; Yenizel Crespo como Maguita y Lea; Manuel Cruz Vivas como Kinkos y Sócratres; Ramiro Galeana Mellín como Tartajoso y Jayaxtreinta y tres; Valeria Navarro Magallón como Troia y Barros; Viridiana Tovar Retana como Cuca y Barragano e Iván Zambrano Chacón. Cada uno de ellos ofrece una formidable labor histriónica, corporal y vocal. En tanto que Mauricio nos conmueve con el dolor que embarga su corazón, los jóvenes se muestran polifacéticos adoptando actitudes diversas, además de ciertas particularidades, para cada personaje que interpretan.

La escenografía e iluminación son de Gabriel Pascal, quien dimensiona los espacios con creatividad para lograr los entornos apropiados. El diseño del vestuario es de Laura Martínez, en consistencia con la idiosincrasia de cada personaje.

Coadyuva a la ambientación una atinada selección de música popular en aquellos tiempos de la autoría de Jimi Hendrix, Black Sabbath, los Doors, los Beatles, los Hitters, Metallica, Ed Cox y Clown Core.

P1220325Complementan el equipo creativo: Mar Aroko en arte gráfico;Dano Ramírez en traspunte;Neftalí Zamora como Jefe del Departamento de Máscaras y escultor; Tania Guzmán como Coordinadora de proyecto de máscaras; Neftalí Zamora, Sergio Rosas, Tania Guzmán, Taller TalifxMonsterStudio en realización de máscaras. Mención especial para Virginia Molina Cázares, quien hace su debut como Productora Ejecutiva y lo hace en forma brillante, sobre todo, tomando en cuenta los múltiples elementos que requiere esta obra.La producción es de Teatro El Milagro.

El fatídico 2 de octubre de 1968 desde diversos panoramas para ver de frente la natural candidez y el ímpetu de aquellos estudiantes que no tenían idea de lo que les ocurriría, la maquiavélica orquestación de ciertos dirigentes, el autoritarismo, la injusticiay,finalmente, el dolor que perdura. Un montaje original para rendir honores a los desaparecidos y a los deudos, y que hace que en nuestros oídos retumben las voces generalizadas de: ”2 de octubre no se olvida” y “Ni perdón, ni olvido.”

México 68se presenta jueves y viernes a las 20:30, sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00 horas en elTeatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. Duración aproximada: 95 minutos. Costo de la localidad: $250.00 pesos.Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente: $160.00. Vecinos de la colonia Juárez, maestros y estudiantes de teatro: $60.00 pesos.

RED, BLACK & SILVER (O ESE LÚGUBRE TERRITORIO DE GUERRA QUE ME HABITA). EL ÚLTIMO PARPADEO DE JACKSON POLLOCK

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200484Alejandro Román es uno de los dramaturgos más galardonados del país. Alejandro es oriundo de Cuernavaca, Morelos, hombre que ama a su país y que se compromete con sus entornos y las situaciones que afectan a la sociedad. Esto lo refleja en su creación teatral. Desde que comenzó su trayectoria la mayoría de sus obras han ganado reconocimientos. Tiene en su haber varios premios nacionales de dramaturgia. Por lo general, la inspiración le llega a Alejandro de hechos reales. Realiza investigaciones exhaustivas y se documenta, para luego construir relatos plenos de veracidad. Así mismo, Alejandro utiliza el teatro como plataforma para concientizar sobre temáticas complejas con carga social y humana.

Entre sus obras más destacadas recordamos: Línea de fuego, Cuerpo caído, Ánima sola, Aullido de mariposas, Perlas a los cerdos y Tiradero a cielo abierto, mismas que han sido llevadas a escena. El año pasado presentó su libro Los fusilamientos, texto que entrelaza tres historias -una de España y dos de México-.

Hasta ahora, los montajes que hemos conocido de Alejandro Román tocaban temas relacionados con hechos violentos, pero Red, Black & Silver (Rojo, negro y plata) versa sobre amor, arte y pasión, ya que se refiere a Paul Jackson Pollock (1912-1958), mejor conocido como Jackson Pollock, uno de los pintores estadounidenses más prominentes, figura importante del movimiento del expresionismo abstracto y precursor de la pintura en acción (action painting).

En 1936, Jackson Pollock incursionó en la pintura líquida durante un seminario impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Poco tiempo después, a sus trazos con pincel añadió el vertido de pintura, lo cual fue el preludio de lo que más adelante sería su sello personal. Experimentó diversas formas de plasmar sus cuadros y descubrió que si no se ajustaba a lo tradicional, lograba tener nuevas perspectivas que dimensionaban su arte. En lugar de usar un caballete, colocaba los lienzos sobre el piso, aparte de pinceles, utilizaba varas y jeringas, y en vez de pintura, una resina sintética llamada barniz alquídico (alkyd). La técnica inventada de goteo de pintura por Pollock es conocida como dripping y fue la que lo llevó a la fama. En el año 2000 se presentó Pollock, una versión cinematográfica sobre la vida y obra del influyente artista, dirigida y protagonizada por Ed Harris, la cual ganó el codiciado premio Óscar.

En lo personal, Jackson Pollock era introvertido, de carácter voluble, amante de la velociP1200507dad y con problemas de alcoholismo. Contrajo matrimonio con Lee Krasner, otra artista influyente del movimiento de expresionismo abstracto, quien era pocos años mayor que Pollock, muy sociable, con muchos contactos en el ámbito artístico. De hecho se dice que Lee contribuyó mucho en la proyección de la obra de su marido. Todos pensaban que era una pareja que se llevaba bien, pero Pollock era voluntarioso y se daba tiempo para algunos deslices. Se enamoró de Ruth Kligman, una joven estadounidense casi 20 años menor que él, que se dedicaba al arte abstracto. Desde el inicio de su relación, Ruth le pedía a Pollock que hiciera una pintura sólo para ella.

Pollock sorprendió a Ruth Kligman en 1956 con su obra intitulada Red, Black & Silver. Al entregársela, le dijo: “Te regalo mi corazón untado en un pedazo de tela“. Semanas después del significativo obsequio, Jackson Pollock fue a la estación del tren a recoger a Ruth Kligman y Edith Metzger -amiga de ella-. Pasó el día completo con ellas y luego de la cena las invitó a una reunión en casa de unos amigos. A pesar de que él había estado bebiendo, los tres se subieron al convertible Oldsmobile y tomaron carretera en East Hampton, Nueva York, cerca del estudio del artista. Desafortunadamente, este sería el último viaje para Pollock y para Edith, toda vez que sufrieron un trágico accidente durante el cual los tres salieron propulsados del auto, pero Ruth fue la única sobreviviente.

Tras la muerte de Pollock, su legado completo quedó en manos de Lee Krasner, su viuda. Por su parte, Ruth Kligman quiso autentificar la obra Red, Black & Silver como original de Jackson Pollock, ya que con esto, en un momento dado, podría subastarla en millones de dólares, pero su petición no progresó. Instauró un litigio que duró décadas, durante las cuales expertos en ciencia forense y química examinaron minuciosamente la pintura, haciéndole pruebas de todo tipo, incluyendo fractales, radiográficas y de pigmentación. Lo más que pudieron encontrar fueron unos residuos de pelaje de oso polar que coincidían con una alfombra que tenía Pollock en su propiedad, pero consideraron que no era una prueba determinante, así que nunca declararon que Red, Black & Silver era un PollockP1200525 auténtico.

Varios aspectos de esta apasionante historia son captados en el texto de Red, Black & Silver de Alejandro Román, quien primordialmente se centra en lo que Jackson Pollock pensaba en el momento del accidente. Alejandro se pone en los zapatos de Pollock, a fin de que el artista comparta sus pensamientos más íntimos, a partir de que muchos suponen que en los últimos minutos recordamos fragmentos de nuestra vida. El relato es tan vívido que pareciera que desde el más allá el propio Pollock hubiera contado a Alejandro lo que sentía. El texto es de excelente factura y refleja la complejidad del artista, la pasión por su arte, su amor, sus debilidades y su fuerza. Es un relato impactante que atrapa al espectador de principio a fin.

El montaje es el marco más idóneo que pueda existir para este luminoso texto. Se trata de una instalación escénica diseñada por Teatro entre 2, una compañía franco mexicana con ocho años de trayectoria, con mucha experiencia en interdisciplinas, dado que combinan teatro, multimedia, dibujos que se proyectan en vivo, pintura, música y canto. Han desarrollado un estilo propio, al cual denominan Cine Teatro y tienen predilección por espectáculos que puedan salir a la calle en intervenciones urbanas sorpresivas. Los fundadores e integrantes de la compañía Teatro entre 2 son Arnaud Charpentier, Francia Castañeda y Oliver Dautais.

El diseño escénico y la dirección visual de Red, Black & Silver es de Alain Kerriou, quien también participa como actor. La ambientación hace sentir al espectador que está dentro del estudio de Jack Pollock, sobre el piso yace un lienzo de 2 x 2 metros.

La dirección corre a cargo de Arnaud Charpentier, quien logra una labor magistral, su trazo escénico es impecable, el manejo de cada uno de los elementos es oportuno, la sincronización con el multimedia es formidable, la acción constante y el ritmo preciso.

Alain Kerriou encarna a Jackson Pollock con un realismo sorprendente, desplegando ímpetu y pasión desbordantes. Son admirables su histrionismo y corporalidad.

P1200528La composición y la dirección musical las aporta Jacobo Lieberman, a quien su talento lo ha hecho acreedor de dos Arieles en la categoría de banda sonora. La música en vivo la ejecutan Emiliano González de León y la bella Francia Castañeda, actriz, músico y cantante, quien también participa en breves interacciones con Pollock. Participan también: Eduardo VC en grabación de audio final en Audioflot, Ariesna González en logística, Alberto Robinson en administración, Mafer Arnaut en diseño gráfico, Paris Ramos y Abigail Cinco en producción.

Red, Black & Silver es una producción de Teatro entre 2. Ver a un genio redivivo es algo que no se debe desaprovechar, así que acompaña a Pollock en su último parpadeo, compartirá contigo sus recuerdos en un delirante recorrido, mientras despliega su pasión por el arte y el expresionismo abstracto en todo su esplendor. No pierdas la oportunidad de disfrutar de este espectacular montaje lleno de energía que te conmoverá. Teatro de calidad, donde cada uno de los participantes ha empeñado creatividad y compromiso.

Red, Black & Silver se presenta los viernes a las 20:30 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida de los Insurgentes Sur número 1500, Colonia Guadalupe Inn en la Ciudad de México. Duración aproximada: 55 minutos. Costo de la localidad: $200.00 pesos. Concluye temporada el viernes 14 de diciembre de 2018.

LA HECATOMBE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1220043En el marco denominado M68 Ciudadanías en Movimiento, para conmemorar el quincuagésimo aniversario del Movimiento Estudiantil que desembocó en una matanza de estudiantes el día 2 de octubre de 1968, en la Plaza de las Tres Culturas, situada en el conjunto habitacional conocido como Tlatelolco de la Ciudad de México, hecho que marcó a nuestro país, se están realizando diversos eventos culturales dentro de los cuales se encuentra La hecatombe, de la autoría de Juan Tovar, bajo la dirección de Carlos Corona.

Juan Tovar es un destacado escritor mexicano con más de medio siglo de trayectoria, la cual comenzó en su infancia escribiendo cuentos, para luego desempeñarse como dramaturgo, cuentista, periodista, guionista y traductor. De los diversos libros que le han sido publicados, el más reciente es un compendio de parte de su obra dramatúrgica intitulado: Teatro Reunido I.  Tiene en su haber numerosos premios, galardones, distinciones y reconocimientos, entre los cuales se encuentran algunos tan importantes como la Medalla de Bellas Artes que le fue otorgada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), como reconocimiento de sus aportaciones al arte y la cultura de México; el Premio Dramaturgia Juan Ruíz de Alarcón que ha recibido en tres ocasiones distintas, en los años 2007, 2008 y 2011,  y  el Premio Ariel de 1987 al mejor guión cinematográfico por Crónica de familia. Juan Tovar es considerado uno de los autores contemporáneos más importantes de México.

En el material publicitario se anuncia La hecatombe como una farsa circular de Juan Tovar, cuya sinopsis es: “Tres ex-presidentes de la República de Huaxilán se reúnen en un páramo sombrío, que remite al limbo que antecede su descenso al infierno, donde les está destinado el noveno círculo: el de la traición. En su recuento de villanías, rememoran su participación en el momento de la “hecatombe”, cuando son asesinados miles de víctimas de la guerra sucia. El entramado del poder y la política son revelados para evidenciar la responsabilidad individual y los costos morales de sus propios actos“.

P1220058Para la puesta en escena de La hecatombe se combinan el texto de Juan Tovar con textos de los personajes Beatriz y Virgilio, que son el resultado de una investigación realizada por  Juan Celis y dramaturgia de Cros Corona. La acción se enmarca en la musicalización y diseño sonoro de Leonardo Soqui y Carlos Corona.

El ser humano siempre tiende a buscar justificación de sus actos, así que dos de los ex-presidentes, a lo largo de su conversación, rememoran su participación en el momento de La hecatombe, cuando fueron asesinadas miles de víctimas de la guerra sucia. Hacen un recuento de las decisiones que tomaron y de las razones que los motivaron, a la vez que se va transluciendo el entramado del poder y la política para evidenciar la responsabilidad individual y los costos morales de sus actos. Más tarde aparece otro ex-mandatario, luce algo decrépito y llega a dar un toque de comedia con su adustez. Aun cuando el autor ubica la historia en la República de Huaxitlán, existen semejanzas con mandatarios de nuestro país, por lo que podríamos pensar que aquello de cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia no es aplicable, sin embargo, la ficción es la llave que abre puertas a un sinfín de posibilidades. La narrativa se hace más amena con las breves y vertiginosas apariciones de Beatriz y Virgilio, quienes esclarecen algunos datos, apuntan ciertas referencias o precisiones oportunas.

Al parecer los ex-gobernantes se encuentran en una especie de antesala en espera del juicio final. Recordemos que en el Infierno de la Divina Comedia del autor italiano Dante Alighieri (1265-1321), el noveno círculo está reservado al castigo de los culpables de malicia y fraude, así que si resultara que estos hombres son traidores a la patria serían conducidos a dicho círculo. Las malas decisiones pueden cambiar la vida de un ser humano, pero cuando éstas afectan a toda una nación, bien podrían provocar una hecatombe.

P1220063La labor de dirección por parte de Carlos Corona es impecable. Su trazo escénico es fluido y preciso, balancea lo discursivo con las apariciones de los dos jóvenes de su elenco. Cuida los detalles y aprovecha a fondo el espacio. El ritmo es preciso.

La labor histriónica, corporal y de expresión por parte del elenco es formidable.  Rodolfo Arias encarna al licenciado Flores, aportando su fuerte presencia escénica, su voz clara y potente, y la emotividad idónea. Jorge Ávalos como el licenciado Diéguez, supera la natural incomodidad de usar una prótesis dental y ofrece un gran trabajo. Emilio Guerrero encarna al licenciado Covarrubias, dicharachero y simpático, a pesar de su seriedad. La sal y la pimienta la proveen Nalleli Montero como Beatriz  y  Luis Arturo Rodríguez como Virgilio, con una agilidad corporal muy coordinada.

El resto del equipo creativo está integrado por: Matías Gorlero en escenografía e iluminación. Trama & Drama vestuario y producción, S.A. de C.V. en vestuario y utilería; el diseño de Estela Fagoaga;  coordinación de estampados de Sergio Mirón. Asistentes: Saira Lagunas y Miriam Quijano; realización de vestuario, Emigdio Fernández y Camisería Bolívar. Alan Uribe imparte la coreografía. Cinthia Muñoz en maquillaje. Juan Celis es asistente de dirección. Luis de Regil en asistencia de maquillaje y realización de dentadura; Antonio Garduño en realización de escenografía y mobiliario. José Jorge Carreón en fotografía. Delia de la O en prensa. Miguel Ángel Díaz y Jesús Nava en medios electrónicos y promoción. Fausto Castaño es productor residente. Ricardo de León y Andrea Poceros en producción ejecutiva. Joel Olmos, Armando Ruíz, Luis Ramírez y Elmer Ramírez son el staff de producción. La Dirección de Teatro en producción general. La hecatombe es una producción de Cultura UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México, a través de la Dirección de Teatro, en el marco del Memorial 68.

P1220075Acompaña a estos ex-mandatarios mientras tratan de justificar sus acciones. Se dice que hay que recordar tanto lo bueno como lo malo. Rememorar lo bueno es volverlo a disfrutar, en tanto que lo que fue malo para que nos sirva de experiencia, a fin de evitar que se repita. Un montaje que aborda temas sociales serios, algunos dolorosos, pero visto desde una perspectiva fársica con tintes de humor. Actuaciones memorables, excelente dirección, gran labor de un equipo comprometido con el teatro y la sociedad.

La hecatombe se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Avenida Insurgentes Sur número 3000, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $150.00. Descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM y jubilados ISSSTE e IMSS con credencial vigente. Los jueves el costo de la localidad es de $30.00 pesos. Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018.

TT ES

Texto y fotos porEugenia Galeano Inclán

P1220224Entre lo que aprendimos en la escuela se encuentra el número TT (fonéticamente <pi>) en el sistema vigesimal, correspondiente a la geometría euclidiana. TT es un coeficiente que multiplicado por el diámetro indica la longitud de la circunferencia, es decir, tres veces el diámetro se acerca a la longitud de la circunferencia, pero para alcanzar la exactitud hay que multiplicar el diámetro por la fórmula de TT que es: 3.1416. Una vez memorizada la fórmula, nos era fácil obtener los resultados. TT es un número irracional y una de las constantes matemáticas más importantes. En la vida cotidiana prácticamente no utilizamos el número TT, pero en matemáticas, física e ingeniería su aplicación es muy frecuente.

Gabriela Rosero, originaria de Ecuador, es una destacada artista escénica, coreógrafa, bailarina y docente especializada en danza contemporánea. En su haber tiene múltiples premios, galardones y reconocimientos. Actualmente reside en México. Se le recuerda por su participación en la reciente temporada de Do notdisturb, creación de Jéssica Sandoval.

Gabriela Rosero concibió un proyecto multidisciplinario para representar los caminos que recorremos con nuestros pies. Decidió intitular su propuesta TT ES, lo cual fonéticamente es Pi-es. Por un lado, el número TT simboliza los ciclos de los recorridos en la vida y, por el otro, los pies son el vehículo que nos permite hacer tales recorridos.

P1220262Como lo indica el programa de mano de TT ES, se trata de un unipersonal que transita por cuatro estaciones, a través de las cuales se evocan experiencias personales que remiten a situaciones de nuestro extenso caminar por la vida. “Inspirada en los interminables y numerosos pasos que TT pasos que atravesamos a lo largo de nuestro caminar, desde que aprendemos a caminar hasta lo que es y significa estar de pie todos los días.

Gabriela Rosero acude a varias disciplinas en TT ES. Creó una original y compleja coreografía que ella misma interpreta. La acompaña musicalmente y con interacciones escénicas la experimentada licenciada instrumentista, Sibila de Villa, mexicana, con saxofón y flauta. Los textos escritos por Gabriela incluyen ciertos fragmentos de poemas, como por ejemplo: “Pero esta ciega anduvo sin tregua, sin parar, hora tras hora. Apenas tuvo tiempo de estar desnuda en el amor o en el sueño“, de Pablo Neruda. Así mismo, hay un dispositivo multimedia donde se proyectan imágenes de Gabriela caminando, pasos que se ven desde su propia perspectiva. El ambiente huele a uvas, fresas y café.

Lo primero que se ve en escena es a una mujer de sofisticada belleza portando un vestido color rojo recostada sobre el piso. El escenario está prácticamente vacío, sólo hay un reluciente cuenco metálico, donde en un momento dado habrán de verter agua, del techo cuelgan más de una docena de racimos de uvas, la mayoría artificiales combinadas con algunas reales. Tanto Gabriela como Sibila se dan la oportunidad de explorar movimientos para cubrir diversos trayectos. Sibila hace sonar sus instrumentos frente a una pared ahogando ligeramente el sonido, o bien, hacia el cuenco, lo cual dimensiona el sonido con tintes metálicos.

P1220266Se habla de amor, de vencer miedos, de conocer lugares, de aventurarse, de soñar, de volar, de trabajo, de saborear el tiempo libre, de transformación y de muchas cosas más que son inherentes a nuestros pasos en distintos caminos.

Equipo creativo: Gabriela Rosero en idea original, creación e interpretación. Sibila de Villa, saxofonista. Leticia Olvera en apoyo en iluminación.Alberto Hernández y César Antonio Ramírez en equipo técnico. Alicia Garzón / Agencia Lado A en RP & diseño. Un Teatro y Agencia Lado A en difusión. Débora Liliana Rodríguez en fotografías.La producción es de la Cía Moviente.

Acude a ver TT ES, un proyecto dancístico diferente, en el que dos artistas despliegan sus habilidades en la disciplina en la que cada una se ha especializado. Ecuador y México se hermanan en el escenario en una propuesta estética, musical y luminosa. Apresúrate porque la temporada está por concluir.

P1220273TT ESse presenta el sábado 29 de septiembre de 2018a las 19:00 horas enUn Teatro, ubicado en Avenida Nuevo León número 46,colonia Hipódromo Condesa, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $200.00; con descuento en taquilla: $150.00, presentando credencial vigente; estudiantes de danza: $75.00 pesos.

BUENAS PERSONAS

 

Por   Eugenia Galeano Inclán

Fotos Cartel promocional

 

Cartel-BUENAS.PERSONAS

Desde el momento en que se acaricia la idea de tener un hijo, los padres comienzan a hacer planes para el bebé. Entre sus prioridades están que sea saludable, educado y gente de bien. A partir del nacimiento, se esforzarán lo más posible por criar a su vástago en ese sentido. Desde luego, cada quien tiene su propia perspectiva respecto de lo que significa ser una buena persona, pero, en general, se considera que lo sean quienes son educados, honestos, amables con sus semejantes, leales, compasivos, estudiosos, trabajadores, comprensivos, colaborativos, etcétera.  De hecho, todos quisiéramos que los demás nos vieran así y es por eso que abundan los que se hacen pasar por buenas personas sin serlo.

 

El que alguien sea gente de bien no depende sólo de los principios que les inculquen los padres, pues a lo largo de la vida todo tiene cierta influencia, como puede ser el entorno, el carácter, las compañías, las experiencias positivas o negativas, los sucesos y las vivencias.    Para colmo, no todo aquel que es una buena persona tiene asegurado el éxito, ya que esto se relaciona directamente con las circunstancias y las oportunidades.

 

Para abordar esta temática, David Lindsay-Abaire escribió BUENAS PERSONAS / GOOD PEOPLE.  El autor nació en Boston, Massachussetts, Estados Unidos de América, es egresado de la Academia Juilliard, el Sarah Lawrence College, el Eugene O’Neill Theater Center,  y la Milton Academy y se ha desempeñado como dramaturgo, guionista y letrista.

 

David Lindsay-Abaire se dio a conocer poco antes de cumplir los 30 años, con “Fuddy Meers“, su primera obra, misma que fue concebida durante un taller en la Convención Nacional de Dramaturgos llevada a cabo en el Centro Teatral Eugene O’Neill en 1998, y estrenada en el Manhattan Theatre Club de Off-Broadway, bajo la dirección del director escénico Lloyd Richards.  El éxito fue tan contundente que se mantuvo en cartelera poco más de tres años en diversos foros.

 

Desde entonces, sus éxitos se han sucedido uno al otro y se ha convertido en uno de los más destacados dramaturgos estadounidenses contemporáneos.  Ha recibido toda clase de nominaciones, reconocimientos y galardones durante su trayectoria, entre los cuales está el Premio Pulitzer del año 2007 por su obra “Rabbit Hole” (La Madriguera del Conejo).

 

La trama de BUENAS PERSONAS versa sobre cuán distinta puede ser la vida de dos personas que nacieron en el mismo barrio y pasaron juntos su niñez y adolescencia, para luego tomar diferentes rumbos.

 

La acción comienza cuando Margarita llega tarde a su trabajo en una tienda de productos económicos en Ciudad Netzahualcóyotl.  El supervisor la reprende y le dice que ha estado defendiéndola y cubriéndola, pero que sus superiores saben que casi siempre llega tarde y, por lo tanto, se ve obligado a despedirla.   A Margarita se le viene el mundo encima, es madre soltera y el motivo de sus retardos es que su hija es discapacitada, no la puede dejar sola y tiene que esperar a que llegue alguien a cuidarla.  La bebé nació prematura y al darse cuenta de que requeriría de cuidados especiales, el esposo la abandonó.  Se siente perdida, no sabe cómo podrá solventar su vida y la de su hija sin un trabajo seguro.   Llega muy agobiada a su vecindad y lo platica con Jenni, su mejor amiga, quien le aconseja que vea a Miguel, un amigo de ambas al que no han visto durante años.  Saben que Miguel llegó a ser un médico de prestigio, así que tal vez pudiera dar trabajo a Margarita, o bien, recomendarla con alguien.

 

Margarita se queda pensando en la sugerencia de Jenni, pero, la verdad, le da pena presentarse de pronto ante Miguel, ya hace mucho tiempo que se distanciaron y no sabe cómo la recibiría.  Cuando avisa a la casera que no podrá seguirle pagando por cuidar a su hija, ésta le recuerda que no sólo le debe dinero por los cuidados, sino que también está atrasada con la renta, así que si no cubre rápido sus adeudos, tendrá que desalojarla.  Ante este panorama, Margarita, en total desesperación, decide buscar a Miguel.

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El texto de BUENAS PERSONAS es estructurado con un alto contenido social y  humano.  Capta el interés de principio a fin.  Los personajes están perfectamente bien delineados y cada uno expresa su sentir.

 

La labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Su trazo escénico es impecable.  Equilibra acción y pausas, el desplazamiento es constante, los cambios de escenografía los realizan los  intérpretes en forma fluida y casi imperceptible.  Dimensiona el espacio para crear distintos entornos.  Todo está bien coordinado y el ritmo es preciso.   Cada creador va adoptando su propio método a su estilo. En mi opinión, Diego del Río da importancia relevante a su elenco, además de elegirlo por su trayectoria y capacidades, pone particular atención a su habilidad de expresión.  El rigor lo aplica en cuanto a que no se conformen con representar un personaje sino que se transformen en éste, que en lugar de aparentar sentir, sientan.  En todos sus montajes, la emotividad que se alcanza en escena es impresionante y su energía envuelve a todo el público.

 

El maravilloso elenco está integrado por Arcelia Ramírez como Margarita,  Odiseo Bichir como Miguel,  Montserrat Marañón como Jenni,  Concepcion Márquez como la casera,  Cuauhtli Jiménez como el Supervisor de la tienda,  y  Fabrina Melón como la esposa de Miguel.  Cada uno de ellos ofrece un trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión digno de toda loa, desplegando una amplia gama de emociones matizadas.  Arcelia es la madre que lleva a cuestas una pesada carga, trabajadora incansable y dispuesta a todo con tal de no desamparar a su hija.  Odiseo es Miguel el acaudalado médico especialista en cirugía estética que ha dejado atrás su pasado de barrio, sin olvidar sus raíces.  Montserrat es la simpática amiga que se toma las cosas a la ligera y siempre encuentra el lado amable.  Concepción es la mujer mayor necesitada de dinero, para lo cual administra el edificio y hace manualidades.  Le encanta jugar al Bingo.  Es algo mal hablada, pero dice las groserías con tal gracia que resulta adorable.  Cuauhtli es el hombre de buen corazón que ha escalado una posición en su trabajo, pero le duele tener que imponer sanciones.  Fabrina es una mujer elegante, hija de diplomáticos que ha recorrido el mundo sin perder su carácter dulce, agradable y compasivo.

 

La traducción del texto a nuestro idioma fue realizada por Milena Pezzi y Diego del Río.  La adaptación la hicieron Paula Zelaya cervantes y Diego del Río.

 

La práctica, lucidora y multifuncional escenografía es de Javier Gerardo Ángeles, la bien distribuida iluminación es de Matías Gorlero, el idóneo vestuario es de Estela Fagoaga.

 

El diseño de audio es de Carlos Ruíz,  el asistente de dirección es Jhovardy Vences,  la asistente de iluminación es María Vergara,  el diseño de poster es de Mariana González – TOCA.

 

La coordinación de vestuario es de Trama & Drama vestuario y producción, S.C.,  los asistentes de vestuario son Miriam Quijano, Saira Lagunas y Sergio Mirón, y las texturas y arreglos de vestuario son de Saira Lagunas y Rafael Rosales.

 

Production Stage Manager: Max D’Luna,  Stage Manager: Diego Gutiérrez,  Producción Playhouse: David Cortés, Regina Arruti, Paola Vega y Majo Ceballos.  Fotografía: Oscar Ponce.  Relaciones Públicas y Prensa: Violeta Gaytán.  Administración:  Irene Porras y Tere González.

 

Los productores son Carlos M. Vidaurri, Daniel Delgado y Tatiana Reyes Retana.

 

La producción de BUENAS PERSONAS es de PLAYHOUSE Entertainment.  Los productores asociados son:  Oscar Schwebel y Tania Ordoñez.

 

Acompaña a estas BUENAS PERSONAS que son gente como tú, como yo, con defectos y virtudes, a quienes la vida no ha brindado las mismas oportunidades.  Tienen alegrías y tribulaciones, pero libran sus batallas personales sin perder anhelos ni esperanzas.  Ellos te confiarán sus sentimientos.   Un montaje muy cuidado en todo aspecto, teatro de la más alta calidad que te llevará a reflexionar y a una mejor comprensión del ser humano.

 

BUENAS PERSONAS

se presenta viernes a las 21:00 horas

sábados a las 17:30  y  a las 20:45 horas

y  domingo a las 17:30 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en la calle Lucerna número 64,

colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos, con intermedio de 15 minutos

Costo de la localidad:  $500

Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018

 

CIUDAD MONSTRUO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Los que nacimos y hemos vivido toda la vida en la capital de la República Mexicana, estamos acostumbrados a su grandiosidad, sin embargo, quienes vienen de otros lugares del territorio nacional sea de visita o por un cambio de residencia quedan impactados ante sus dimensiones y llega a parecerles una CIUDAD MONSTRUO.  En efecto, nuestra gran capital es de gigantescas proporciones por su tamaño y por su población.  La Ciudad de México ocupa el cuarto lugar entre las más pobladas de todo el mundo.  Es también la que ofrece más oportunidades y donde se encuentra la mayor diversidad.  En contraposición a esto, son muchos los riesgos a que están expuestos sus habitantes, sin dejar de lado el que las capas tectónicas de su subsuelo están en constante movimiento y el peligro de un sismo siempre está latente. Todavía tenemos fresco el recuerdo del sismo más reciente que está por cumplir un año de haber ocurrido, mismo que fue de graves consecuencias.

 

Enrique Olmos de Ita, quien se desempeña como dramaturgo, crítico de teatro, narrador, divulgador de ciencia y es el creador del concepto “Neurodrama“, que define la relación entre las artes escénicas y las neurociencias cognitivas, decidió escribir CIUDAD MONSTRUO, una obra cuya temática es lo que se experimenta ante un sismo.

 

A partir del texto original concebido por Enrique Olmos de Ita, José Alberto Gallardo lleva a escena CIUDAD MONSTRUO.  José Alberto es un hombre sensible, comprometido con el teatro, su trayectoria abarca sus distintas facetas como actor, director, dramaturgo y docente, también ha incursionado en el baile y tiene predilección por los proyectos interdisciplinarios.

 

Para el montaje de CIUDAD MONSTRUO incorpora una original propuesta que consiste en que los integrantes de su elenco estén acompañados por pequeñas figuras realizadas a semejanza de cada uno de ellos.  Su labor de dirección la desempeña en forma brillante, su trazo escénico es limpio, las acciones y las pausas están balanceadas, la corporalidad está bien diseñada, dimensiona el espacio en diferentes niveles y el ritmo es preciso.

 

La acción ocurre en un edificio y los personajes son los inquilinos.  Carolina es una joven de 30 años que vive sola, bella, autosuficiente, parece tener la vida resuelta.  Alma apenas tiene 17 años, está atravesando momentos difíciles, ya que acaba de perder a su mamá y tiene que encontrar la forma de seguir adelante.  Don Manuel es el dueño del edificio, a sus 50 años siente que ha desperdiciado su vida, que no ha perseguido sus sueños por estar administrando el edificio y quisiera buscar nuevos horizontes, Xicoténcatl es el ingeniero que se encarga del mantenimiento y reparaciones del edificio, está acostumbrado a hacer trabajos donde se le llame, a la hora que sea, por lo cual, en ocasiones, desatiende a su familia.   Un gato que es fiel acompañante de la señora Manini, una señora que a causa de su edad enfrenta “la devastación de su organismo” y cuya movilidad es limitada.

 

En un día cualquiera, los habitantes del edificio están en sus asuntos cotidianos cuando don Manuel aprovecha la oportunidad para anunciarles que está cansado de que se retrasen con la renta y, por lo tanto, venderá el edificio.  Aún no asimilan la idea de perder su vivienda cuando escuchan la alerta sísmica y sobreviene un sismo.  Cada uno de ellos reacciona en forma distinta, por un lado, está su instinto de supervivencia y, por el otro, la reflexión personal de cómo han llevado su vida.

 

El elenco ofrece una formidable labor histriónica y corporal. Cada uno de ellos encarna a su personaje en forma emotiva, dotándole de los matices necesarios y salen avante del reto de interactuar con la figurita que los representa y con el público.  Frida Astrid es Carolina,  Michelle Betancourt es Alma,  Pedro Mira es don Manuel,  Manuel Domínguez es el ingeniero Xicoténcatl,  y  Damián [Cordero es el gato de la señora Manini, que es la única representada únicamente por una figura.

 

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El acertado diseño de escenografía e iluminación es de Félix Arroyo.  El entorno adecuado lo aporta la música original y diseño sonoro de Rodrigo Castillo Filomarino, el diseño de vestuario es de Giselle Sandiel.

 

La producción ejecutiva es de David Castillo, el gerente de producción es Pablo Abitia,  el Asistente de Dirección es Jorge Valdivia,  y  el asistente de producción, Raúl Morquecho.

 

Prensa:  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint),  redes sociales:  Adria Castro e Irina Máximo,  diseño gráfico:  Dayán Martín Camacho  y  Héctor Lara.

 

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CIUDAD MONSTRUO es presentada por Cía. Helecho producciones y 25 Producción, así como por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

Este proyecto teatral nacional es realizado con el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión (Efiartes-Efiteatro)

 

Quienes asistieron a las funciones pudieron mirar detrás de los muros de este edificio, conocieron a los inquilinos y los acompañaron en el momento del sismo. Una obra que te lleva a reflexionar sobre tu propia vida.  Lo cierto es que todos estamos expuestos a una desgracia, un accidente, una enfermedad o un fenómeno de la naturaleza.  Lo mejor que podemos hacer es tener nuestros asuntos arreglados, disfrutar el día a día y tratar de tomar las prevenciones a nuestro alcance.  Al igual que en la ciudad puede haber devastación, reconstrucciones o construcciones nuevas, todos tenemos oportunidad de reconstruirnos a cada momento.  CIUDAD MONSTRUO cubrió una muy exitosa temporada en el TEATRO BENITO JUÁREZ de la Ciudad de México, la cual acaba de concluir el domingo 9 de septiembre de 2018.

LA EXAGERACIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200779Algunos dicen que el teatro refleja la vida, en tanto que otros bromean sobre algún conocido que hace teatro en su vida cotidiana. ¿Cuál es tu opinión al respecto? Lo cierto es que hay mucho de la vida en el teatro y viceversa. Hoy comentaremos sobre una obra donde la vida y el teatro se entrelazan, se fusionan y se complementan.

Después de haber egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde estudió Lengua y Literatura Hispánicas, así como Letras Inglesas en el Sistema de Universidad Abierta (SUA), David Olguín adquirió su formación teatral en el Centro Universitario de Teatro (CUT) al cursar la carrera de Actuación y diversos talleres de dirección escénica con Ludwik Margules y, posteriormente, obtener el grado de Maestría en Estudios Teatrales con especialidad en Dirección Escénica en la Universidad de Londres.

Su larga trayectoria se diversifica en varias disciplinas. En el ámbito teatral es altamente reconocido por su dramaturgia y trabajos de dirección escénica. También hay un libreto de ópera escrito por David. Además de los montajes de sus propias obras, ha llevado a escena obras de diversos autores nacionales e internacionales.

En lo cultural se ha desempeñado como escritor, narrador, traductor, ensayista y guionista. En lo editorial cuenta con muchas publicaciones tanto de sus propias obras, como en antologías de otros autores. Dedicó casi tres años a la coordinación editorial, la escritura y la selección general de textos del libro Alejandro Luna Escenografía. Así mismo, es coautor de los libros de memorias de Olga Harmony y Hugo Gutiérrez Vega, así como de Teatro Mexicano del siglo XX. Ha sido becario del Centro Mexicano de Escritores, del FONCA, del Consejo Británico y del Fideicomiso México-Estados Unidos. Desde 1992 es editor de Ediciones El Milagro y a partir de su designación en el año 2005 es tutor de la Fundación para las Letras Mexicanas. En la docencia ha colaborado en diversas instituciones. Actualmente es profesor y coordinador de la maestría en Dirección Escénica en la ENAT.

P1200784En 1991 David Olguín, Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi y Gabriel Pascal fundaron Teatro El Milagro, una asociación cultural independiente que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. El Consejo Directivo y Artístico de Teatro El Milagro está conformado por quienes lo fundaron, en tanto que la Administración está a cargo de Eduardo Pascal. A la fecha, el Teatro El Milagro es un foro consolidado que se preocupa por ofrecer calidad a sus espectadores y, por esto, ha ganado muchos adeptos.

A lo largo de su camino en el teatro David Olguín ha recibido múltiples galardones y reconocimientos. Sus cualidades humanas y profesionales lo hicieron merecedor a ingresar a la Academia de Artes. Además de poseer una vasta cultura y considerable capacidad creativa, es un trabajador incansable que en cada proyecto se compromete al máximo. Ahora, David se encuentra en plena madurez artística y profesional.

Su más reciente obra es La exageración, a través de la cual David Olguín concibe un particular universo teatral. Si bien, el tema central es el teatro, en gran medida habla sobre la vida misma. En la ficción creada por David los fundamentos descansan sobre hechos de la vida real, tan es así que los nombres de los personajes son los mismos de quienes los interpretan y de aquellos a quienes hacen referencia. La anécdota es una discusión que surge en un ensayo. Los participantes son un actor consagrado y una jovencita que trabaja como asistente de dirección. El director no ha llegado, así que la joven muy en su papel, con ánimo de quedar bien en su trabajo, se atreve a decir al actor que está exagerando el tono, lo cual no sorprende al actor y, además, lo indigna. A partir de esto se desarrolla la trama. Los personajes entran en pugna y cada uno de ellos defenderá su postura sin concesión alguna. El asunto de La exageración sólo abre la discusión entre los contendientes, quienes luego abordarán diversas cuestiones.

P1200785 (2)El texto de La exageración va mucho más allá de la anécdota inicial.  Lo evidente es la brecha generacional tan amplia que existe entre los protagonistas. Mientras que Mauricio, el actor, cuenta con una larga trayectoria, mucha experiencia sobre las tablas y múltiples vivencias, María del Mar o Marimar apenas inicia su carrera y le falta mucho por vivir en lo personal y en lo profesional. Además de esto, habrá un confrontamiento entre las técnicas teatrales tradicionales y las vanguardistas. En cuanto a los intereses individuales, los dos tienen aspiraciones muy distintas.

Durante la discusión, se van develando detalles del carácter de Mauricio y del de Marimar, poco a poco se sabrá cuáles son sus anhelos, sus frustraciones, sus objetivos, su forma de pensar. En tanto Mauricio afirma: “sirvo al teatro, no me sirvo de él“, Marimar sentencia “no creo en nada“.

El brillante texto de David está plagado de frases contundentes con respecto al quehacer teatral y sobre la vida. Para diversión del espectador, incluye algunas anécdotas reales que en su momento sólo fueron conocidas por quienes las presenciaron. Se hace algunas alusiones a grandes creadores teatrales, como Ludwig Margules, Juan José Gurrola, Alejandro Luna y, desde luego, Gabriel Pascal y David Olguín. El relato capta el interés desde su inicio y a medida que avanza, la atracción va en aumento.

La labor de dirección por parte de David Olguín es extraordinaria, su trazo escénico es pulcro, logra un equitativo balance entre la parsimonia de la madurez y el ímpetu de la juventud, sus coreografías son de buen diseño, cada acción y cada pausa son administradas en forma precisa.

El primer actor, Mauricio Davison, y la actriz María del Mar, Náder Riloba, ofrecen al público una labor histriónica, corporal y vocal formidable, dotando a sus personajes de marcada emotividad.

P1200789Gabriel Pascal enmarca el montaje con una idónea escenografía a base de fina madera y añade unos cuantos elementos escenográficos. Así mismo, su iluminación es muy acertada tanto en distribución como en intensidad.

Coadyuva para el entorno requerido el diseño sonoro, que incluye los temas La historia de un actor desconocido IV, Vals de despedida, Agonía Tango IV, El maestro y Margarita Tango, cuya composición musical es de Alfred Gariévich Schnittke (1934-1998). La fotografía es de blenda. La producción es de Teatro El Milagro.

Una puesta en escena absolutamente imperdible que se disfruta a fondo. El pasado y el presente frente a frente, vibrando y pujando para defender con todo el corazón sus respectivos puntos de vista en un cuadrilátero que representa teatro y vida. No se trata de quién ganará porque el triunfador indiscutible será el público. La exageración es de esas obras que convocan a la reflexión y que se quedan para siempre en la memoria del espectador.

La exageración se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas, sábado a las 19:00 y   domingo a las 18:00 horas en el Teatro El Milagro, ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 26 de agosto de 2018. Duración: 120 minutos. El costo de la localidad es de $250. Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente: $160. Vecinos de la colonia Juárez, maestros y estudiantes: $60.00 pesos.

THE ARCHITECTURAL BODY

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Cartel del espectáculo

Cartel-THE.ARCHITECTURAL.BODYEn México al igual que en otros países del mundo, para quienes se dedican al arte el camino es difícil, sobre todo, para quienes lo hacen en forma independiente sin contar con apoyo de recursos financieros, patrocinadores, becas o productores. Sólo aquellos que nacen con una vocación definida y que están dispuestos a sortear todo tipo de obstáculos logran expresar su arte. Uno de estos artistas lo es sin duda Francisco Rojas, destacado bailarín y coreógrafo mexicano. Desde pequeño supo que la danza era lo suyo y se entregó a ésta en cuerpo y alma. Para lograr su objetivo de vida ha cursado múltiples estudios en instituciones de prestigio mundial, como la Royal Academy of Dance, Vasar College de Nueva York en Estados Unidos de Norteamérica, el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid, España; Stepson Broadway con Willy Burmann, Rafael Bonachela en Sydney, Australia y el Ohad Naharin’s Gaga Studio de Tel Aviv, Israel, entre otros.

En su desempeño profesional ha sido solista de la Compañía Nacional de Danza de 2004 a 2009 y de 2011 a 2013. Es el primer mexicano en haber participado en el Australian Ballet y bailarín huésped del Sydney City Youth Ballet, así como Maestro de Ballet en el Center of Dance Development of Australia,  artista residente en Fundación Casa Wabi en 2016 y Residente Coreográfico con los maestros Wayne Mc Gregor CBE y Rusell Maliphant (quien retirara a la prima-ballerina Sylvie Guillem) en el Royal Ballet de Londres, Inglaterra.

En 2013 fundó Convexus Ballet Contemporáneo, que es un proyecto independiente dedicado a las técnicas actuales de danza artística como expresión de arte contemporáneo. Desde esta plataforma, Francisco Rojas ha creado las producciones coreográficas: Proporción áurea,  Identity I, II y III (Identidad I, II y III),  The joy of the evident (La alegría de lo evidente), Ámala, El tiempo perdido no vuelve, Contrapunto,  Run! (¡Corre!), La viuda alegre: reposición coreográfica para la Ópera de Bellas Artes y The architectural body.

Francisco Rojas creó The architectural body (El cuerpo arquitectónico) durante la residencia coreográfica que realizó en Londres. Francisco tomó como inspiración la escultura clásica y los trazos de tres de los más insignes maestros Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti), Leonardo da Vinci y Auguste Rodin. Para su creación, Francisco retomó los capítulos del libro Leonardo da Vinci, de la autoría de Walter Isaacson y realizó varias visitas a las exposiciones Rodin at the Met (Rodin en el Met) y Rodin and the art of ancient Greece (Rodin y el arte de la antigua Grecia) en el Museo Británico. El propósito de Francisco fue el de traducir las disciplinas visuales al lenguaje del ballet contemporáneo mediante movimientos que deconstruyeran la técnica clásica para reorganizar el movimiento geométrico del cuerpo.

Una vez que tenía casi delineada la coreografía de The architectural body, Francisco Rojas convocó a Eduardo Garcilazo para que realizara la composición musical y a Daniela Toscano para que produjera un video. Al trabajar en conjunto estos tres creadores hicieron que The architectural body se convirtiera en un concepto integral innovador y pleno de arte.

En sus propias palabras, Francisco Rojas describe a The architectural body como: “El escenario es una metáfora de la sala del museo donde los bailarines dan vida a la escultura en virtud de los impulsos sonoros. The architectural body es una pieza abstracta, cuya narrativa no lineal, permite al espectador una libre interpretación poética“. Por su parte, Eduardo Garcilazo comenta: “Desarrollé una acústica electrónica para sintetizador y cuerdas; consiste en una obra escrita en dos actos, divididos en cinco movimientos, a partir de las contraposiciones argumentarias de la danza de Francisco, pues es una pieza ex-profeso“.

The architectural body es una propuesta artística donde danza, música e imagen van de la mano, complementándose entre sí. La coreografía está conformada por diferentes técnicas y disciplinas que van de lo clásico a lo más actual. Sobre el escenario se ven splits, giros, estiramientos, deslizamientos, flexiones, contorsiones, ballet en puntas y mucho más. Todos y cada uno de los movimientos tienen su razón de ser y los bailarines los ejecutan en forma magistral. La sincronía con la música y las imágenes resulta impresionante. Los cuadros se suceden unos a otros, los hay de solos, duetos, tríos, cuartetos y grupales. En ciertos momentos predomina la vertiginosidad, en tanto que en otros la acción es pausada y hasta estática cual si fueran esculturas vivientes, o bien, seres que emergen de enormes marcos cual si fueran pinturas. La belleza estética se manifiesta en todo momento.

Queda claro que Francisco Rojas pone el corazón en su arte y se rodea de gente dispuesta a entregarse en igual forma.

Los jóvenes con formación clásica y contemporánea que participan en The architectural body son los bailarines Debby Alarcón, Bryan Basantes, Ana Laura Bustamante, Sergio Nájera, Annie Ponce de León, Erick González Santiago, Carlos Hamshire y el propio Francisco Rojas, ya que funge como coreógrafo, director y solista. Todos ellos desempeñan su labor con particular destreza y pasión.

El vestuario fue diseñado por Marcela Barragán, en forma muy consistente con el concepto, para lo cual utiliza leotardos de fina tela elástica con base en negro, franjas asimétricas blancas y negras, y un toque de vivos colores en rojo, azul, vino o amarillo, dejando en total libertad las extremidades.

La escenografía es creación de Rodrigo Velarde, quien enmarca el montaje proveyéndolo del entorno propicio al recrear la sala de un museo. La iluminación está bien impartida y tiene muchas variaciones.

El video es de Boutique Creativa in The Mood y Daniela Toscano. Imágenes sorprendentes que dotan de luminosidad la escena mediante franjas, formas geométricas y figuras diversas de movilidad constante. La producción es de Convexus Ballet Contemporáneo.

The architectural body es una propuesta muy bien lograda por parte de un equipo comprometido y apasionado. Se trata de un espectáculo dancístico de la más alta calidad que permite ver la danza contemporánea desde una perspectiva distinta, ejecutada a la perfección por jóvenes con bellos y ejercitados cuerpos.

The architectural body cubrió con rotundo éxito la brevísima temporada que tuvo del viernes 10 al domingo 12 de agosto de 2018 en el Teatro El Milagro de la Ciudad de México. Durante los tres días se agotaron las localidades.