Autor: Julieta Orduña

MEMORIA CRÍTICA

Texto por Julieta Orduña Guzmán

Fotografías de Sandra Sánchez Pineda

MASCARONES_1_okCon motivo de celebrar el encuentro del grupo Mascarones, grupo legendario, fundado en 1961 como grupo independiente por Humberto Proaño, José Luis Ortiz, Carlos Domínguez y Mariano Leyva. Su teatro tuvo la línea de ser contestatario ante las injusticias sociales, y realizaban sus presentaciones en foros diversos, distinguiéndose por el teatro de calle y su poesía coral.

Ante este hecho, el promotor Marco Vinicio, junto con su equipo de trabajo, decidieron invitarlos y darles un merecido reconocimiento, eligiendo el Teatro del Seguro Social (que por cierto este año cumplió sus 50 años). Fue una ceremonia muy emotiva estando presentes algunos de sus integrantes.

MASCARONES_5_okDespués de este hecho, siguió la puesta en escena Memoría crítica a cargo del dramaturgo Felipe Galván, quien también formó parte de Mascarones y ha recibido varios premios y distinciones en su labor escénica. Esta puesta es uno de sus más recientes trabajos, representado en varios foros de la República Mexicana, siendo de sus últimas funciones el Centro Cultural José Martí en la Ciudad de México.

Memoria crítica del grupo DeMentes, nos muestra la verdad de la vida y con una analogía como es el corazón, hace que se desaten varias emociones y pasajes históricos llevando al espectador a donde el auto quiere, a una reflexión del mundo en qué vivimos, el cual no ha cambiado a pesar de todos los esfuerzos, llámese religión y tecnología.´Con relación a esta última, los avances médicos han sido extraordinarios, ya que si se trata de trasplantes, casi todo se puede donar. En esta obra el corazón es el órgano que todos quieren y que algunos tuvieron la fortuna de obtenerlo mediante un trasplante.

Dos ángeles (o dos memorias) llevan la historia y narran que el primer trasplante fuMASCARONES_8 poner dos fotos mase en la época del Reich, y que a pesar de que este científico tuvo varios contratiempos para realizar su sueño, el corazón fue llevado hasta el otro lado del continente y llegó al individuo equivocado que, por cierto, vivía en la Casa Blanca. Este corazón le dio nueva vida pero también nuevos bríos de poder y destrucción, y se volvió a repetir la historia de aquel tiempo de nazis, matanza y venganzas.

La obra es una delicia verla, y en ella los actores Cayetano Martínez, Santiago Ávila y la actriz Elizabeth Guerra nos llevan a recorrer estas memorias, interactuando de vez en vez con el público, y con un ritmo donde el tiempo no corre, se disfruta. Actuaciones comprometidas, gran manejo del escenario, sin necesidad de tener gran escenografía y utilería, solo dos bancos, un perchero, algunos accesorios y una buena iluminación.

MASCARONES_14_okSe notó en este montaje el profesionalismo del grupo, la impecable dirección y, sobre todo, la genialidad de la dramaturgia. Una obra que hace falta que la vean más espectadores de esta ciudad, un llamado a las autoridades o promotores para que inviten al maestro Felipe Galván, ¡un gran personaje de la escena nacional!

EL VIAJE DE LOS CANTORES

Texto por Julieta Orduña Guzmán

Fotos de Sandra Sánchez Pineda

Viajar y trasladarnos a lugares inimaginables, mágicos, conocer es una aspiración y deseo que todos hemos tenido, sin embargo, cuando se trata de hacer un viaje donde el hambre, las ganas de triunfar y tener una mejor vida son el impulso de muchas personas que no importando los desafíos o peligros que puedan tener en esa travesía  van hacia esa aventura sin saber si llegaran o no.

VIAJE CANTORES_7Así es de cruda y cruel esta historia que no es ficticia, ni novelada, es un caso de la vida real donde un viaje marca a 18 personas y las lleva a un destino fatal, donde la impunidad y la falta de voluntad de los gobiernos hacen que esa necesidad se dé en las masas. El viaje de los cantores está inspirado en la nota periodística publicada en 1987 por el diario La Jornada, acerca de la muerte de indocumentados que pretendían entrar clandestinamente a Estados Unidos, sin embargo, por estar encerrados en un vagón durante varias horas mueren a causa de la asfixia. Este hecho le dio la vuelta al mundo siendo señalada como la peor tragedia de México.

 

Hugo Salcedo, dramaturgo, se dio a la tarea de investigar y transformar esa nota en una lectura de dramaturgia, la cual fuera posible llevarla a la escena. Asimismo, José Concepción Macías Candela tuvo en sus manos ese texto y decidió trabajarlo en 1992 con el grupo Los mismos: “Esta obra la monté hace 25 años; consideró que era una obra que necesitaba tratarla con más sentido de responsabilidad y con más argumentos. En aquel tiempo trabajábamos más con la intuición y los buenos deseos y muchas ganas, pero con eso no es suficiente. En ese momento no trascendí el hecho, me documenté poco, no sabía el texto que tenía en mis manos, un texto muy cercano a nosotros.” Sin embargo, quince años después el director decidió volverla a retomar y con el apoyo de la Compañía municipal: “Merecía el texto ser representado en un marco que es el Festival de la Ciudad, con una compañía principal en un Teatro Morelos, con un reparto inédito en Aguascalientes.”

Sin duda, el hecho de formar parte de una Compañía municipal no es cualquier cosa, el reparto debe constar de profesionales con trayectoria y algunos egresados de las licenciaturas de teatro y así se hizo el casting: “No son los lumbrones ni nada pero es un reparto en el que confluyen varias generaciones. Invitamos a gente que son buenos actores, que aman el teatro y sabíamos que iban a dar este resultado. Hice un casting por invitación directa”. Varios de los actores y actrices han formado grupos independientes, son maestros algunos, y siguen con su vocación férrea de dar todo su talento al teatro como es el caso de Lourdes Delgadillo, actriz de este montaje: “Hago los personajes de Toña (la mujer 1) y es una de las mujeres del pueblo que se encarga de mostrar una de las caras, facetas que tienen algunas mujeres del pueblo para desprestigiar a otras de las mismas mujeres. El otro personaje es una ilegal. Chon quiso dibujar esta figura femenina porque la inmigración no solo es para los hombres, incluso también ya hay niños. Al final me toca ser una de las madres que reciben a los cuerpos de esa desgracia.”

Otro de los integrantes de este proyecto es Arturo Esquivel quien, por cierto, fue actor de la primera propuesta de El viaje de los cantores en los noventa: “Es una obra que me trae al pasado irremediablemente porque fue mi segunda puesta en escena cuando yo inicié en estos menesteres con la dirección de Chon y estaba chavito, yo era en ese momento el personaje de Chayo. En este montaje me da el maestro Chon la oportunidad de hacer un personaje con un gran reto, un monólogo.”

Pero no solo el autor, director y los actores son los protagonistas de esta historia llevada a escena, sino también la iluminación y lo sonorización son parte clave de la creatividad. En sonorización, Víctor Meza, quien con su experiencia como productor, operador y locutor de radio UAA, ha tenido en varias ocasiones la oportunidad de sonorizar varias puestas en escena y ésta no fue la excepción: “El proceso fue como de dos meses y medio. La sonorización y la iluminación son donde truena el látigo del chicote. El proceso de los actores tiene sus bases: empiezan conociendo el texto, trabajando en mesa, asumiendo el personaje, investigando y nosotros vamos a la par, pero estamos un poco en la oscuridad, estamos ya pVIAJE CANTORES_3ara que definan cómo va quedar  la obra montada y ya poder entrar nosotros en ese inter a investigar en ciertas directrices… el encargado, el director, y vamos hacer los sueños realidad del director con las aportaciones de los actores y nos toca darle el último retoque a todo este lienzo para que luzca”. Por su parte, Gilberto SantaColomba en la iluminación hace referencia a la complejidad del montaje, ya que el vagón es el punto de referencia:  “Justamente la iluminación del vagón fue pelea tras pelea entre escenógrafos, entre técnicos y yo como iluminador, el primer concepto era que el vagón iba a estar abierto, no iba haber puertas, ni estar cerrado y después se resuelve que estaría cerrado y tuve que buscar otra forma de luz  y meter la oscuridad para que el público pueda ver todas las acciones. El vagón fue un gran reto. Hicimos un diseño muy específico en ciertas áreas.”

Todos concluyeron que este montaje tiene que ser visto por muchos espectadores y acotar que no se celebra sino se conmemora este lamentable hecho acaecido hace 30 años: “Sabemos que Aguascalientes tuvo ese dolor por su gente de Pabellón, de otros lugares. Es un homenaje a aquellos que se nos adelantaron. Esta obra debe durar más tiempo, debe ser compartida, no es la gran propuesta, super elaborada, es un lenguaje llano, muy directo y es un trabajo muy profesional de todos los artistas. El texto es hermoso (…) estamos contando una historia que no es local sino más bien mundial, hicimos una investigación de campo  para estimular a los actores y que sientan desde el lugar donde fueron las cosas. Es mucha investigación y la trasmitimos a esta propuesta”, señala Macías Candelas.

Asimismo, el maestro Salcedo comenta al respecto: “Es una pena y una vergüenza mundial y nacional que todavía estemos contando historias como ésta, como autor por supuesto que me complace las representaciones que ha habido en todos estos años, las traducciones en inglés, francés, alemán, coreano, pero por otro lado me duele mucho sinceramente que tenga la obra esa triste vigencia. Tenemos que sacudir a nuestros gobernantes, tenemos que moverles el piso, gritarles fuerte para que escuchen que estas situaciones ya son insoportables. Hay un desdén, un desprecio del gobierno hacia los ciudadanos, hacia nuestros compatriotas, también de los gobiernos mundiales hacia los ciudadanos. Ya somos una sociedad más informada, más comprometidas y tenemos que alzar la voz y gritar muy fuerte, porque así como pagamos nuestros impuestos, somos seres humanos, también ocupamos ese respeto y esas responsabilidades de poder tener condiciones mejores de vida para ayudarnos  y quisiera que esto pasara de moda y algún día dijéramos “fíjate cómo era antes”, pero parece tristemente que no.”*

La camarería, el apoyo de los compañeros, la buena vibra la hacen sentir en la escena y así lo manifiestan los artistas: “Estoy fascinada con mis compañeros actores, es un cuadro que logró reunir el maestro Chon, ver a José Claro, Luis Antonio López. Es un trabajo hecho con mucho cariño, respeto y disposición, y el maestro reconoce nuestra experiencia, nuestro profesionalismo en la escena. El IMAC le ha apostado mucho a esta compañía, y poco a poco va creciendo en cuanto a calidad, como en cantidad. Somos 19 actores en escena. El teatro local tiene calidad, mucha pasión, ganas de ser visto”. Es un rencuentro de varias generaciones, así lo comentan Delgadillo y Esquivel.

No siempre se tiene la suerte de tener al dramaturgo en una función donde su trabajo es llevado a escena y en el caso de El viaje de los cantores se invitó a Hugo Salcedo y dio sus impresiones del trabajo reaVIAJE CANTORES_8lizado: “Conmovido por el impacto, por la respuesta de los espectadores con este estupendo trabajo. Muy contento que esta obra que es parte de Aguascalientes se haya podido ver aquí. Una excelente interpretación, un cariño y un respeto al texto, y que no queda solo ahí sino que se hace una propuesta estética, plástica, energética que todos la sentimos y la presentimos desde el primer momento, de los primeros acordes de esa canción que cala hasta ese final que es conmovedor. Ver las imágenes de este estupendo reportaje que hicieron, esta búsqueda de materiales, de documentos, ese vídeo es estremecedor, necesario y de memoria para que no olvidemos y queramos a los que se nos han ido.”

Así es, no olvidemos a todos aquellos que de alguna manera ya no están y que por azares del destino algunos se han convertido en mártires de hechos históricos que han sido repudiados por la sociedad. ¡Deseamos que El viaje de los cantores llegue a muchos espectadores, que viaje por todo el país y que sea un grito de lucha y concientización de almas!

 

* Entrevista realizada por Miryam Almanza.

LAS 99 MONEDAS (QUERER MÁS, SER MENOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

 

99 monedas

Hoy día la moral se ha convertido en un estorbo para muchos seres humanos, el mercado de consumo y la globalización nos han conducido a una fatalidad: querer más es ser menos. Esto se traduce en obtener muchos bienes materiales, por supuesto, dinero, y alejarse de los valores hasta perder la dignidad. En torno a lo anterior, no en forma exclusiva, gira la temática de Las 99 monedas, un cuento o una fábula, lo que se quiera, producto de la dramaturgia de Noé Lynn Almada y dirección de José Acosta.

Un rey se encuentra afectado emocionalmente porque su paje es feliz, lo interroga, lo presiona, lo acosa para que le confiese cuál es el secreto para disfrutar de ese estado. Como respuesta escucha: “No tengo razones para estar triste”. Si bien no lleva una existencia paupérrima, él y su esposa tienen limitaciones, pero son felices. El rey les proporciona todo lo que les rodea, por ello no concibe que alguien pueda vivir de prestado. Llama al sabio del reino, éste le dice que el paje está satisfecho porque está fuera del “círculo” -no profundizo más sobre el significado del mismo, por razones obvias-, solo haciéndolo entrar en forma voluntaria cambiará su estado de ánimo. El Rey y el sabio trazan un plan, aparecen 99 monedas que conllevan a…

Noé nos introduce a la más pura dimensión onírica. Parte de una niña, ésta abre un libro, su contenido, un cuento, el cual se materializará en el escenario. De una forma sencilla e inteligente se adentra en un halo oscilante entre el misterio y lo mágico. Su texto es una odisea maravillosa, una fantasía dramática, es gozar de una fábula o cuento aleccionador, en el fondo enmarcado en la moral, de forma sutil, subliminal, lo bueno del ser humano predominará sobre la tentación, la avaricia, la ambición, el perdón reivindica a la humanidad, en este caso representada por el paje. Estamos ante una loa dramatúrgica, ante un ensueño de la creación teatral, una forma de soñar despierto, echar a volar la mente y cuerpo del espectador. Apartado de la retórica o de lo moralino, Noé escribió un texto de esperanza, concientizador, nunca demagógico, un deleite de historia, queda gravada para siempre en cada uno de los espectadores.

El blanco y negro -papel y palabras- son llevados a escena en forma magistral por José Acosta. Nada de parafernalia, el minimalismo adquiere sentido teatral. Literalmente no hay nada, bueno el libro(te) donde está inscrito el cuento y una casita de papel. Su dirección transmina la piel, corroe los huesos, trastoca el alma, en verdad da vida a lo onírico. La fantasía deja de ser irreal, estamos frente a ella, la vemos, la escuchamos, casi se puede tocar. Es una dirección de actores digna de toda alabanza. Iluminación basada en la penumbra, ambienta el universo del sueño, haces de luz emanadas de la simple creatividad de Patricia Gutiérrez; no menos acertado el diseño de vestuario de Teresa Alvarado.

María Teresa Garagarza (El Rey y Esposa) excelsa, un trabajo indescriptible con palabras, se posesiona de los personajes, hace suyo el escenario; en principio, una actriz, se da la metamorfosis, su cuerpo, su cara -en particular sus ojos- son emociones, incertidumbres, congojas, una alegoría total de la esencia del ser humano. Junto a ella, Rodolfo Árias (el Paje y el Sabio), un actor poseedor de un histrionismo indiscutible, tiene carácter en el sentido de darle fuerza a la debilidad, lo mismo saca a flote la locura e instantes antes o después ternura, un gozo en el escenario. El rol de La Niña a cargo de Adamaris Madrid.

Las 99 monedas, uno de los mejores montajes que he disfrutado en mi devenir teatral, se representa en el Teatro Santa Catarina (Ciudad de México), hasta el 22 de octubre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

TEATRO, TEATRO Y MÁS TEATRO

Texto y fotos por Julieta Orduña Guzmán

 

El misterio del circo donde nadie oyó nada

el misterio

Cuántas veces nos hemos preguntando si nos fallará algún sentido (vista, olfato, oído, etc.) y nuestra vida cambiara en algunos aspectos; si somos optimistas seguiríamos haciendo grandes proyectos, como el que realiza el grupo Seña y verbo, que tiene más de dos décadas. Con ellos nos damos cuenta que todo se puede si tienes un sueño. En la pasada Feria del Libro estuvieron en Aguascalientes y, como siempre, dieron una muestra de profesionalismo al crear interés por conocer algo más del lenguaje silente.

El misterio del circo donde nadie oyó nada fue la propuesta en esta ocasión, y mediante juegos y risas el público fue aprendiendo este abecedario unido con elementos circenses. Sin duda, Seña y verbo nos da una lección al incluir a todos sin importar alguna discapacidad, y el arte del teatro y del circo es mágico, ya que hace posible todo esto.

Pesadillas

pesadillas

La producción de Zombie Walk presenta en esta ocasión esta obra alusiva al mes donde se conmemora a los muertos; nos lleva al Panteón de La Salud a conocer una historia macabra y llena de suspenso. La dirección está a cargo de Julio Cervantes, quién ya ha tenido experiencia en este tipo de montajes, y hacer la acotación que no es nada fácil, ya que desde la caracterización, ambientación, sonorización, vestuario, etc., ya lleva sus riesgos, y digo riesgos porque si no se hace adecuadamente cae en lo no creíble, sin embargo, hay que resaltar que este no fue el caso, ya que desde que uno entra al recinto donde están reposando Los Hombres Ilustres de Aguascalientes, se siente una intranquilidad de no saber qué va a pasar. Destacar que los zombies son los que se llevan las funciones, con la advertencia de que ni ellos ni el espectador pueden tocarse, y ¡claro! el griterío no se hace esperar. La historia gira entre surrealismo -con algo de la vida cotidiana- pero siempre en torno a la muerte. La falta de valores y de no saber qué estoy haciendo aquí y hacia dónde voy es la trama principal. Sabemos que este tipo de producciones son dirigidas principalmente a los jóvenes que buscan lo sobrenatural; sin embargo, todo público está invitado (excepto los niños) que en mi opinión no es conveniente que vivan esta experiencia, y más vale que se queden en casita mientras sus papás conviven con los zoombies.

Pesadillas se presenta de jueves a domingo, hasta el 29 de octubre, de las 20:00 a las 24:00 horas, Panteón de la Salud.

El hostal de la locura

el hostal

Dicen por ahí que de músicos, poetas y locos todos tenemos un poco y sí, sobre todo, la locura es parte del ser humano; a veces nos dicen “estás loco” cuando hacemos algo que va en contra de la normalidad, empero, en esta puesta en escena todos están locos, porque cada “loco con su tema”. El hostal es administrado por unas jóvenes que aprovechando la ausencia de su tío deciden hospedar a quien se presente en ese lugar sin importar su apariencia o condición social y llevándose como consecuencia sorpresas con cada inquilino, al final y como conclusión, la obra encierra un mensaje. La compañía de teatro de la Casa Terán inicia con este trabajo, el cual es aceptado por el público. Teatro familiar, sin complicaciones, solo con el fin de divertir y que sea de sano esparcimiento. Prometen otra temporada, pero con una nueva producción.