Categoría: Articulos

“EL ACTOR DE TEATRO DEBE ESTAR CONSCIENTE QUE SIRVE Y TRABAJA PARA UN ESPECTADOR…” MAESTRO JORGE GALVÁN

“EL ACTOR DE TEATRO DEBE ESTAR CONSCIENTE QUE SIRVE Y TRABAJA PARA UN ESPECTADOR…” MAESTRO JORGE GALVÁN

Texto por Julieta Orduña

El año pasado tuve la fortuna de ver al maestro Jorge Galván, quien cumplió 63 años de carrera profesional y 80 años de vida, entonces me di a la tarea de investigar lo mucho que el maestro realizó en varias de sus facetas en teatro, cine, televisión, dándome cuenta del legado que dejó como artista. El maestro aportó mucho al teatro en Aguascalientes, varios de sus alumnos ya son reconocidos maestros y sus enseñanzas dejaron frutos en varias generaciones. Como un sentido homenaje, dejó en manos de los lectores esta conferencia que en marzo de 1999 dio el maestro Jorge Galván a profesores y estudiantes de varias disciplinas artísticas y en la cual yo estuve presente. En ella charlaba acerca de su experiencia artística como actor y director de cine, teatro y televisión. ¡Descanse en paz querido maestro Galván!

jorge-galvan

El arte de  la actuación

Son técnicas distintas que se requieren en televisión o en cine. En el país existía la escuela de actuación del Instituto Nacional de Bellas Artes en los cincuenta, donde estuvieron maestros muy prestigiados como doña Prudencia Grillef y los hermanos Soler, quienes daban las clases con un enfoque de carácter teatral. Considero que el actor del teatro puede actuar en todos los escenarios, ya que el teatro es un lugar donde el actor se nutre de los elementos primigenios de esa fuerza que ha estado por siglos. El teatro se puede representar en la calle, en el Palacio de Bellas Artes, en la Plaza de Toros, en un Jardín, etcétera. El secreto del teatro está en la comunicación (…) a cada espectador hay que sentirlo en lo individual. El actor de teatro debe estar consciente que sirve y trabaja para un espectador, el actor debe tener en cuenta esto durante toda su vida.

Televisión

Surgen los teleteatros, al inicio de éstos, los actores no tenían la menor idea de qué se trataban, ya que la mayoría crecieron en el cine, como Arturo de Córdoba, María Félix, esos actores nacieron con el cine y para el cine, y con ellos llegaron los actores de las dinastías teatrales como los Soler, los hermanos Manzano y don Joaquín Pardavé, por mencionar algunos. En televisión, el control de calidad de actuación es mínimo, por la rapidez que se graban los capítulos de una serie o telenovela, por ejemplo, si el actor tiene que emocionarse y llorar le ponen sus gotitas y pone cara de compungido y está resuelta la escena. Es decir, hay una serie de trucos en el trabajo actoral en televisión. El actor, la comodidad del apuntador. Yo trabajé en la televisión con Argos en la novela Nada personal.

 Cine

En el cine se le impone al actor una mayor sinceridad y credibilidad para que no se vea que está actuando, la tendencia anteriormente era actuar pero la realidad es que el compromiso que asume el actor es confrontar los problemas como propios. El actor debe estar muy pendiente de la voz de Acción y hacer su tránsito por el set, llegar a pararse justo donde dice el director frente a la cámara. Se enfrenta con la luz, la intensidad y lo más tremendo es actuar en desorden las escenas.

Mi participación en cine fue iniciando como extra, pero como el cine de mi país estaba marcado por el cine de Hollywood, las mujeres tenían que estar igual de bonitas, de perdida como Dolores del Río o María Félix, y los señores como Pedro Armendáriz o como Arturo de Córdova y, desde luego, yo no tenía nada qué hacer ahí y empecé a decir: “A mí el cine no me interesa”, pero la realidad es que el cine no quería nada conmigo, hasta que empiezan a aparecer directores interesantes como Alejandro Galindo y buscan tipos comunes como David Silva, Víctor Parra, Roberto Cañedo y Pedro Infante. Aparece Lilia Prado y Amalia del Llano. Llega el sexenio de Luis Echeverría y surge Ernesto Gómez Cruz, Eduardo López Rojas y entonces toma la pantalla “la naquiza”. En ese cine se empezaron abrir los grandes temas, tomar cosas de nuestra historia, nuestro pasado con un sentido nacionalista. El Estado, al encontrarse con películas como Canoa, El apando, decide retirar su apoyo y queda todo en manos de los industriales, y empiezan a surgir mujeres de muy buen cuerpo y cómicos albureros, muy respetables, muy simpáticos, que se apropian de los teatros y del cine en México.

El cine mexicano tiene tres premios al año, uno lo da Televisa a través del periódico El Heraldo, otro lo da PECIME (Periodistas Cinematográficos Mexicanos) y otro lo da la Academia del Cine y Artes, y yo tuve la suerte de llevarme esos tres.

Teatro

Pertenecí a una familia que acostumbraba una vez a la semana ir al teatro; cuando era niño yo veía títeres de alambre, de barro y jugábamos al teatro en cajones de jabón y lo utilizábamos como teatrino, era todo un ejercicio de comunicación teatral; después fui maestro y trabajé para el INBA. Aquí en Aguascalientes me ha ido muy bien, trabajé en obras muy interesantes.

Los años más luminosos de mi carrera teatral fueron aquí con mi grupo Los Teatristas de Aguascalientes, de 1969 a 1980; en realidad esa es la etapa medular donde yo maduré como director, como actor prefería que los muchachos actuaran. Tenía de compañeros a Arturo Pedroza, Jesús Velasco y María Elena Cervantes. Y voy a confesar algo: “yo no tenía seguridad en mí como actor”; yo me consideraba un actor chistosito, por eso cuando yo actuaba hacía obras de Moliere, buscaba cosas cómicas y resulta que cuando regresó al DF y me ofrecen papeles de otra naturaleza le entró, con cierto temor, pero con mi experiencia que tuve como director me permitió realizarlos sin ningún esfuerzo. Así fue mi tránsito por el teatro.

 

VUELVE EL CIRCO ATAYDE

VUELVE EL CIRCO ATAYDE

 Texto por Julieta Orduña

El Circo Atayde Hermanos sigue siendo una tradición con o sin animales; el pasado 26 de agosto cumplió 128 años, dando su primera función en 1888. Esta compañía fue fundada por Aurelio padre y sus hermanos. Estuvieron trabajando en el país hasta que la Revolución se los permitió y decidieron embarcarse hacia Centro y Sudamérica, gira que duró 20 años, hasta que se calmó la tempestad que vivía entonces el país.

Varias generaciones de mexicanos han presenciado los espectáculos de los hermanos Atayde y ha sido reconocido por sus artistas extranjeros de Europa, Asia y, por supuesto, América. Se les otorgó un reconocimiento en 1998 -por parte de la Ciudad de México- como la empresa circense de mayor prestigio y tradición en el país.

En Aguascalientes, este circo ha estado infinidad de veces y en diversos espacios; uno de ellos fue en el 2004, en un terreno que se encontraba cerca del Centro Comercial Villa Asunción; en esa ocasión, el programa estaba integrado por artistas de Chile, Argentina, Cuba y Perú y se anunciaba a un payaso excéntrico musical llamado Pastelito de Chile, así como a un niño domador de tan sólo 12 años, quien presentaba un acto mixto de animales exóticos con camellos y llamas. En cuanto a los espectáculos de animales, también estaba un ballet de elefantes de la India y un acto de caballos palominos. Atayde Hermanos se anunciaba como un circo tradicional que se negaba a utilizar equipos tecnológicos de vanguardia y presentando sólo una pista circular, sin emplear trucos o efectos especiales.

En una entrevista realizada a Andrés Atayde, director general del Circo, en el 2001 señalaba: “Recibir una herencia de trabajo y cariño como el circo, ha significado preocupación pero también orgullo, a pesar de enfrentarse a la falta de reconocimiento por parte de los mexicanos, quienes piensan que el circo, no es arte, sino una simple distracción”.

En este momento, 2016, el Circo Atayde comandado por Aurelio, visita nuestra ciudad, y debido a la ley que se rige desde hace tiempo, ya no se tiene animales en su programación artística, únicamente presentan figuras gigantes de material sintético que representan elefantes, leones, osos y demás. El espectáculo está diseñado con malabaristas, trapecistas, contorsionistas y, por supuesto, payasos. La nacionalidad de varios de ellos son argentinos y algunos rusos. Un presentador con una vestimenta impecable, aquella que le da esa magia al circo de antaño que vivíamos con nuestros papás. Bellas bailarinas y cirqueros con cuerpos atléticos se destacan en cada número, impresionantes algunos, hay que mencionarlo, como aquellos  artistas que están en un alambre a varios metros de altura o el número final del transformer que dejó impactados a chicos y grandes. En esta ocasión pudimos constatar que Atayde ya usa  recursos tecnológicos y efectos especiales para darle más modernidad al circo, además de tener a los personajes de Disney en algunas de sus funciones, como fue el caso de Frozen.

 Fue grato ver que el circo permanece, y como dice el dicho: “renovarse o morir”, este circo ya se transforma adecuándose a lo que tiene, que es el talento de sus artistas. ¡Qué no muera la tradición circense! e invitar a todas la familias a que acudan al Circo que, por cierto, está ubicado al sur de la ciudad.

Fuentes consultadas:  http://cdigital.uv.mx/bitstream. El Heraldo 18/01/2001. Boletín de prensa 21/10/2004.

RECONOCIMIENTO Y HOMENAJES TEATRALES

RECONOCIMIENTO Y HOMENAJES TEATRALES

Por Julieta Orduña

Fotos Archivo de AE y del grupo Hamlet

 1_ambrosio

En los meses de septiembre y octubre se han suscitado varios acontecimientos en materia teatral, uno en el ámbito local, otro nacional y uno internacional.

2-los-dos-sargentos

En el primero, hago una importante referencia a la trayectoria del maestro Ambrosio Muñoz Alcalá, quien este 2016 cumplió sus 60 años como profesional del arte escénico, por tal motivo el Grupo Informativo A Escena le entregó un reconocimiento. Actor y director teatral. Comenzó en el teatro a los ocho años- Inició con su compañía de títeres en una pequeña carpa instalada en el barrio donde él vivía. En su adolescencia formó parte del Conjunto Artístico de Drama y Comedia Hamlet, del maestro Elías Rivera. Una de las primeras obras de teatro en que participó fue Los dos sargentos, presentada en el Teatro Obrero en 1956; dos años después Ambrosio recibiría de la primera actriz Socorro Rivera, su credencial de primer actor genérico de este conjunto.

3-sublime-venganza

Otras de sus participaciones fueron: Santa, San Felipe de Jesús, La llorona, La casa de los milagros, y la más reciente es el drama de corte religioso titulado Sublime venganza, con la que lleva más de 600 representaciones. A lo largo de su trayectoria ha recibido varios reconocimientos por parte de instituciones educativas y culturales, y hoy es reconocido por su carrera como actor y director de uno de los grupos de teatro más longevos del país, el Conjunto Artístico de Drama y Comedia Hamlet, que tiene 83 años de actividad ininterrumpida. ¡Muchas felicidades maestro Muñoz!

Los acontecimientos referidos a nivel nacional e internacional tienen que ver con dos importantes pérdidas para el mundo del teatro: las muertes del actor mexicano Gonzalo Vega y del dramaturgo italiano Darío Fo.

4-gonzalo_vega_

El 10 de octubre falleció Gonzalo Vega (1946-2016), actor y director egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT). Debutó con la obra La ronda de la hechizada, de Hugo Argüelles. Fue un actor muy polémico, ya que no comulgaba con algunas ideologías, entre ellas, estaba el desacuerdo con la formación de escuelas de teatro y repudiaba a algunos periodistas de espectáculos, considerando esa profesión como ”vergonzante”. Durante más de dos décadas escenificó La señora presidenta, de Bricaere y Lasavies, con la que ganó amplio reconocimiento y tuvo récord de taquilla durante 23 años ininterrumpidos, obra que consideró su máximo tesoro: “Tengo un altar para la Señora Presidenta, ante el cual me persigno todos los días”. Con esta obra visitó en varias ocasiones nuestra ciudad, entre 1996 y la primera década del siglo XXI. Vega se retiró del escenario en el 2010 por una enfermedad y reapareció en 2013 con la obra Don Juan Tenorio.

5-dario-fo

Darío Fo (1926-2016) es considerado el “Moliére del Tercer Milenio”. Causó sorpresa en todo el mundo la pérdida de este gran dramaturgo. En Italia varias provincias se vistieron de luto al ser considerado uno de los escritores más representados mundialmente. Fue Premio Nobel de Literatura en 1997 y dejó innumerables textos entre los que destacan sus sátiras políticas contra las injusticias del poder arrasando contra el capitalismo, la monarquía y la iglesia, siempre con ese toque fino de humor. Tuvo la fortuna de conocer a grandes maestros como Jacques Lecoq, Giorgio Strehler o Marcello Moretti, grandes figuras del mimo y de la Comedia del Arte.

Junto con su esposa, Franca Rame, formó la compañía teatral Darío Fo en la que montaron espectáculos de la Comedia del Arte. Tiempo después formaron otra compañía, la conocida como Nuova Scena en 1968, transformándose en el Colectivo Teatral La Comune que fue objeto de un atentado, sin embargo. el matrimonio Fo siguió adelante con la bandera bien puesta del teatro revolucionario. Entre sus obras más conocidas están: Muerte accidental de un anarquista (1970) y Aquí no paga nadie (1974). En el 2013 escribió el Mensaje del Día Mundial del Teatro. En Aguascalientes varios grupos locales han presentado sus obras, entre éstas: Pareja abierta, No hay ladrón que por bien no venga y La mujer sola.

Teatrología Gonzalo Vega:

    • 1967: ¿Dónde los árboles?, de Jorge Esma.
    • 1967: Esta cosa de vivir, de Francisco Fe Álvarez.
    • 1968: Medea y los visitantes del sueño, de Hugo Argüelles.
    • 1970: Delito en la Isla de las Cabras, de Betti.
    • 1970: El niño de madera, de Sergio Magaña.
    • 1972: Los años imposibles, de Fisher y Marx.
    • 1973: Cita los sábados, de Salom.
    • 1974: Ifigenia cruel, de Alfonso Reyes.
    • 1974: Hipólito, de Eurípides, versión de Pablo de Ballester.
    • 1975: El show de terror de Rocky, de O’Brien.
    • 1977: La ópera de tres centavos, de Brecht.
    • 1977: Los Beatles, de Willy Russel.
    • 1983: El beso de la mujer araña, de Puig.
    • 1991: La señora presidenta, de Bricaere y Lasaygues.
    • 2013: Don Juan Tenorio, de José Zorrilla.

 

Teatrología Darío Fo (algunas de sus obras):

  • 1952: Poer nano y otras historias.
  • 1953: El dedo en el ojo.
  • 1957: No vaya por ahí desnudo, adaptación de Georges Feydeau.
  • 1960: Tenía dos pistolas con los blancos y negros ojos.
  • 1963: Isabella, de tres naves y un cacciabelle.
  • 1964: Séptimo: robar un poco menos.
  • 1966: Hay razón y el canto.
  • 1967: El fin del mundo (Rahm T. Amberes).
  • 1968: Gran pantomima con marionetas pequeñas y medianas empresas.
  • 1969: Misterio divertido.
  • 1970: También me gustaría morir esta noche.
  • 1976: La madre marihuana y la más bella.
  • 1978: El caso moro no representado.
  • 1979: Historia de tigre y otras historias.
  • 1983: Pareja abierta.
  • 1987: La parte del león.

 

 

 

 

 

 

Fuentes consultadas

http://www.teatron.mx

https://es.wikipedia.org/wiki/Gonzalo_Vega

http://www.jornada.unam.mx/ultimas/2016/10/10.

https://es.wikipedia.org/wiki/Dario_Fo

Archivo de A Escena

 

PREMIOS A ESCENA 2016

PREMIOS A ESCENA 2016

Texto por Sandra Sánchez Pineda

Fotografías de Clara Martínez y Fernando Macías

Un año más de los Premios A Escena, los número 13, se dicen fácil pero nada es fácil ni sencillo en esta vida, porque si no como diría el gran Anthony Quinn: “si las cosas fueran fáciles, cualquiera las haría”. Han sido 14 años como agrupación en los que ha habido grandes aprendizajes, logros, caídas, de picar piedra para ser consideradas un medio de difusión del quehacer teatral y cultural en el estado.

Como en todo proyecto, empiezan pocos, en este caso dos: Julieta y Clara, las siguieron Sylvia y Miryam, y a ellas se unieron un grupo de gente valiosa que unieron sus voces para dar forma al programa que hasta el día de hoy sigue al aire: A escena, radio, todos los martes, y que de manera ininterrumpida cumplió 14 años, personas que alguna vez tomaron sus plumas y dejaron correr la tinta sobre el papel, o golpearon las teclas de una computadora para escribir sus notas o comentarios acerca de una obra, o de algún otro evento cultural para incluirlo en el boletín de A Escena.

clara-martinez-y-julieta-orduna-fundadoras-de-a-escena

¡Ah! Tantos recuerdos en estos 14 años de vida de A Escena, y este año no fue la excepción, y se entregaron Premios a los mejor del Teatro en la entidad: Mejor obra: Geishas o ensayo para un crimen; Mejor director: Alfredo Vargas por Geishas o ensayo para un crimen; Mejor director de Microteatro: Rafael Santacruz por 43, 44, 45; Mejor dramaturgia: Ignacio Trejo por 43, 44, 45; Mejor actor con trayectoria: Heriberto Béjar por Geishas o ensayo para un crimen; Mejor actriz con trayectoria: Guadalupe Ortega por Todo tiene arreglo; Mejor actor: Víctor González por Geishas o ensayo para un crimen; Mejor actriz: Sandra Durán por Geishas o ensayo para un crimen; Actores revelación: Lucero Lara y Gerardo Garibay;  Director revelación: Ruth Gómez, Teatro universitario: El ojo del diablo, Universidad de las Artes; Teatro estudiantil: Los motivos del lobo, grupo de teatro Rosa Guerrero de la Prepa Lic. Benito Juárez; Teatro infantil: ¿Y quién apagó la luz?, DC Arte; entre otros premios. Además se otorgaron premios especiales por 60 años de Trayectoria a don Ambrosio Muñoz, director del conjunto artístico de drama y comedia Hamlet; a David Cabello por la Difusión cultural; a la labor de los fundadores de Microteatro Aguascalientes: Rafael Paniagua y Mónica Zenyasen Rodríguez, y al promotor cultural, Jaime Muñoz.

rafael-santacruz-ganador-en-los-premios-a-escena  rafa-paniagua-director-y-fundador-de-microteatro-ags

La entrega de premios A Escena del pasado martes 20 de septiembre fue un pretexto más para convivir con la comunidad teatral y para homenajear a los hacedores y creativos teatrales y de espectáculos culturales en la ciudad, recordándonos que el Teatro es una de las bellas artes que toca las fibras más sensibles del alma y que, por lo mismo, nos hace sensibilizarnos ante lo que pasa a nuestro alrededor, y eso incluye las irreparables y sensibles pérdidas que este año hubo en la comunidad teatral y en el seno de los integrantes de A Escena, así como en amigos cercanos a la agrupación. Aprovecho para desde aquí poder abrazar con el alma a nuestra querida directora, amiga y corazón de A Escena, Julieta Orduña, y decirle que no está sola, ¡estamos contigo! ¡Y para Jaime Muñoz y familia vaya un sentido abrazo!

reconocimiento-a-jaime-munoz-tercera-llamada

la-gran-familia-a-escena

PARÁMETROS. VISIÓN CENTRALISTA SOBRE EL PROCESO CREATIVO


Por Luis Colín Velázquez
, director de teatro.

 

 

Pecando de hacerle caso a los “rumores” sobre los comentarios críticos que volcaron los jurados de la 2ª Muestra Estatal de Teatro 2016 en Aguascalientes: 1._ Falta de producción, 2._ Fallas en cuestión de iluminación, 3._ Temáticas totalmente descontextualizadas y anticuadas. 4._ Carencia de formas, técnica y métodos de actuación, y 5._ Personajes sin ninguna exploración, les platicare lo siguiente:

 

Hace algunos años en Festiteatro, el grupo “Los mismos” (al que yo pertenecía) fue seleccionado por unanimidad de los directores participantes, para el reconocimiento del 1er lugar con un montaje sobre el actor Buster Keaton. Meses más adelante el jurado de la muestra estatal dio argumentos poco aceptables para no pasar este montaje a la muestra nacional de teatro, entre ellos:

 

1._ Que tenía música new age, muy conocida y comercial (para ellos).

2._ Que había mezcla de escenas no correspondientes, lo que le daba un carácter kitsch, es decir, pretensioso (para su gusto, creo yo). Pero se les olvidaban dos cosas: que cada creador tiene la posibilidad y el derecho de generar su propia sintaxis teatra, además de la capacidad de re significación que tiene el artista sobre los objetos usados. Además el kitsch ya es reconocido como un estilo fuertemente insertado en el arte y la sociedad (observemos el entorno).

 

En León, Gto., se nos descalificó porque el piso del escenario, cubierto con plástico azul turquesa, presentaba un fragmento al fondo, derecha arriba, sin este material, aspecto que se debía a que nuestra cubierta era para un teatro más pequeño, pero eso no afectaba las escenas centrales y además los tramoyistas se habían negado a aforar más estrechamente el espacio con las piernas y el telón de fondo. Con un montaje compuesto por varias obritas del mismo autor, y con un nombre que las unificaba temáticamente, el jurado de otra ocasión no nos dio el pase, pese a que los augurios de otros participantes vaticinaban nuestro triunfo. No pasamos, después supe por qué.

 

La coordinadora estatal del evento argumentó 2 cosas: 1._ Que yo trabajaba en SECYR, siendo que el grupo era de la universidad; 2._ Que la convocatoria decía “obra”, no obras. Después me enteré que esos argumentos sirvieron para disuadir a los jurados a darle el triunfo a un grupo que gozaba de ciertas simpatías. Pese a que ellos nos daban a nosotros el 1er lugar.

 

En cierta ocasión, tomando un curso a nivel nacional con Alejandro Luna, con un buen número de diapositivas de sus trabajos escénicos para revisar el tema de la producción, colmó la paciencia de los participantes (directores universitarios, todos) y le dijimos que todo eso era muy bonito pero que necesitábamos ideas más prácticas, porque nuestros presupuestos así nos lo exigían.

 

No entiendo el argumento de “temáticas descontextualizadas y anticuadas”. Pondré dos argumentos al respecto. El autor de comedias Publio Terancio dijo: “Nada de lo humano me es ajeno”. El dramaturgo Augusto Boal dijo: “El teatro no es asunto de temas sino de enfoques”. De qué otra forma puedo explicar la concurrencia constante a los clásicos, que por cierto podrán ser muy clásicos pero en sus contenidos poseen valores no correspondientes a nuestro momento actual. Entonces ¿de qué descontextualización y anacronismo estamos hablando? Me parece que ahorita en la Ciudad de México se presenta un montaje con tres obras de Elena Garro, “Andarse por las ramas”, “La señora en su balcón” y “Un hogar sólido” (!¿?¡) y no dejan de ser viejos con conceptos y circunstancias no del todo correspondientes a nuestro momento histórico, la diferencia está en el enfoque que se dé a estos textos.

 

Estoy de acuerdo con el apunte sobre la falta de rigor en los procesos de búsqueda del personaje y la profundidad en el análisis, que se sintieron a flor de piel, y me atrevo a conjeturar que fue porque no hubo acercamiento a dichos personajes. Si no hay acercamiento analítico al texto es porque no se puede dar en un contexto donde ya no existen grupos constituidos, que se den el tiempo necesario para estas acciones. Es decir, no se da este resultado cuando los montajes son producto de llamados emergentes para vender el producto lo más pronto posible.

 

Con relación a la pobreza en la poética, y entendida la poética “como una estructura relacional a partir de nuestra interacción con el mundo y los otros” (1). Quizás se deba a la falta de contextualización, lo que también da el proceso de análisis.

 

Por otro lado, creo que no se puede descalificar la labor de algunos grupos por el hecho de no haber tenido una preparación académica formal, porque ellos son los que, pese a las carencias criticadas, han luchado ya muchos años atrás, picando piedra para llevar dignamente el teatro a la gente de nuestros estados. En todo caso se debe hacer esta acotación a las escuelas constituidas para hacer profesionales de la actuación que también se vieron incluidos en esta crítica, pero aun así, como en muchas otras ocasiones, salieron triunfadores.

 

Lo grave de este tipo de eventos, con carácter de competencia aunque se les denomine “muestras”, es que generan rencores, desaliento y frustración. No proporcionan la satisfacción de cuando se presenta nuestro trabajo a un destinatario que no mal juzgará los esfuerzos invertidos. No niego que se siente satisfacción al obtener un reconocimiento (así nos ha acostumbrado una sociedad fundamentada en la competición a veces descarnada) pero vamos perdiendo la mística de lo que debe ser el cometido teatral (2). Los que tenemos la costumbre de asistir a los eventos teatrales, nos damos cuenta de las diferencias que tienen los grupos que trabajan establemente (son contados ya) y los que no, y también nos damos cuenta qué es lo que hace falta en el campo del arte teatral. Quizás esperaríamos que estos eventos fueran de orden propositivos y en vez de un proceso de competición, se armara un programa de capacitación que dieran los resultados esperados para el teatro de los estados. O constituir un movimiento de aprendizaje autónomo (o con apoyo) con la conjunción de todos los teatreros para unificar criterios, lenguajes y conceptos, crecimiento conceptual pues, que viabilicen la factura creativa de los trabajos escénicos.

 

Saludos (1) Las poéticas teatrales cifran en sus combinatorias morfotemáticas una arquitectónica que, en términos de Mijail Baijtin (Hacia una filosofía del acto ético), construyen una estructura relacional a partir de nuestra interacción con el mundo y los otros. Dice Bajtin: “La crisis contemporánea es básicamente la crisis del acto ético contemporáneo. Se ha abierto un abismo entre el motivo de un acto y su producto” (p. 61). Reconstituyendo la articulación de ese vínculo, Mauricio Kartun piensa su poética como un instrumento de construcción de identidad existencial y cultural, y sostiene que el rasgo sobresaliente de la arquitectura del teatro argentino es la bastardía (2). El teatro es, ha sido y será, un arma con “alma” consistente, fortalecida en la tarea innegociable de culturalización de los pueblos, que es la mejor forma, la fantástica, de alcanzar la siempre deseada independencia, productora de la libertad que, por definición siempre será susceptible de reivindicar.

SEGUNDA MUESTRA ESTATAL DE TEATRO AGUASCALIENTES 2016

 

SEGUNDA MUESTRA ESTATAL DE TEATRO AGUASCALIENTES 2016

Por Julieta Orduña

 

Con la Muestra Estatal de Teatro edición 2016 recordábamos aquellas muestras de finales de los noventa, en las que el gremio teatral se reunía para compartir sus trabajos, y comento compartir porque así era, no se trataba de competencias ni mucho menos, había camaradería entre los involucrados para disfrutar el teatro e invitar a sus amistades y familiares a esta fiesta. De ahí uno o dos grupos eran seleccionados para participar en la Muestra Regional, y si tenían la fortuna se dirigían al evento magno: la Muestra Nacional de Teatro.

Fueron buenos tiempos para Aguascalientes, hubo mucho teatro, entre propuestas amateur y otras ya con grupos consolidados, y lo mejor era que el espíritu artístico se seguía moviendo por todos lados. Luego hubo un período de sequía, por así decirlo, en el que no hubo más muestras teatrales sino más bien encuentros, pero tampoco tuvieron continuidad. Fue hasta el primer decenio del siglo XXI que aparecieron en algunas universidades del estado varias carreras dedicadas al teatro, por esto y por la creciente actividad escénica de nuestra ciudad se impulsó nuevamente la sinergia de las muestras.

Las muestras surgen nuevamente en el 2015 a partir del devenir de la Muestra Nacional de Teatro y de esta primera muestra se eligieron las obras que participaron en ese magno evento. En este año 2016 se realizó la Segunda Muestra Estatal de Teatro,  en la que hubo 20 propuestas escénicas dirigidas, algunas, para toda la familia y otras para adolescentes y adultos. Varias de éstas fueron estrenos y otras reposiciones más dos obras invitadas, una de la Ciudad de México y otra de Yucatán, y en esta ocasión fueron tres jurados los que seleccionaron la obra que representará a Aguascalientes en la próxima Muestra Regional: Sonia Flores, escenógrafa; Raymundo Garduño, director y actor, y Noé Morales, dramaturgo y director.

La obra que inauguró la muestra fue El camino rojo a Sabaiba, a cargo de la Compañía Municipal de Teatro, una obra de gran formato con un reparto numeroso e integrado por actores y actrices de trayectoria, su director Juan Manuel Bárcenas ha tenido el acierto de trabajar con equipos numerosos y sus funciones han sido exitosas por el manejo de la historia y por el fino detalle que imprime en cada producción. Le siguióMozart, de Sueño Azul Teatro, un monólogo a cargo de Armando Martínez, que narra la trascendencia del bien y del mal haciendo uso de este personaje emblemático. Elojo del diablo, de la Compañía Etéreo Escénica, variaciones sobre Baal de Bertold Bretch, cuyo reparto lo conforman los egresados de la  tercera generación de la carrera de Teatro de la Universidad de las Artes, quienes tuvieron una exitosa temporada el año pasado. Es importante comentar que esta obra fue seleccionada para participar en la 37 Muestra Nacional de Teatro de este año, que tendrá lugar en noviembre, en San Luis Potosí.

garrapata2

Garrapata clown, de Om Dam Producciones, incursionó con el clown para reflejar los sentimientos de tristeza, coraje, alegría, en un mundo onírico. En el caso de esta propuesta, el payaso perdió la risa y la busca sin encontrarla, y en su desesperación culpa al mundo que le rodea sin darse cuenta que debe encontrarse él mismo para sanar. Propuesta en la que se mezcló la música en vivo, original de Iván Macías, y el manejo de la iluminación, ambos elementos dieron un toque estilístico al montaje. Eréndira, homenaje al escritor Gabriel García Márquez, es una propuesta fresca, hasta cierto punto divertida, a pesar del tema tan fuerte que toca: la prostitución y el abuso de las mujeres. Con esta segunda propuesta Sueño Azul Teatro nos mostró su profesionalismo mediante el uso de máscaras, títeres y actuación, bajo la dirección de Salvador Lemis.

dulces

Dulces compañías, producción de Formación Actoral Al Trote, dirigida por Ivonne Gallegos, nos señaló dos escenas: la de una maestra con un tipo desconocido y la de un titiritero con el mismo tipo, que resulta ser un delincuente en potencia. Violencia, sexualidad, algo de humor negro, propio del estilo del dramaturgo Óscar Liera. El actor Pablo Avilés destaca como relevación. También se presentó Mina, la rata que contamina, a cargo de la compañía Fernando Wagner, uno de los pocos grupos que trabajan teatro para niños. Con esta obra el grupo ha tenido varias temporadas en escuelas y teatros, con su mensaje sobre el cuidado del medio ambiente. Mendoza, obra invitada de la Ciudad de México, multipremiada en festivales de teatro internacional, bajo la dirección de Juan Carrillo y la Compañía Los Colochos, montaje que aborda el tiempo de la Revolución Mexicana, cuando la ambición y el poder no se hicieron esperar. El público abarrotó el teatro, pues es una de esas obras que como comentaban por ahí, “era imperdible”.

Nuestra señora de las nubes, nuevamente bajo la dirección de Salvador Lemis, que se luce con sus propuestas y ésta es una exquisitez, tanto en la versión de Arístides Vargas como en la plástica de los personajes. Ya había sido elogiada en el 2014 y 2015, pues es una obra inteligente y bien cuidada en todos los aspectos, digna de verse más de una vez. El hombre que visitó el infierno, de Lotería Teatro, grupo dedicado al teatro de calle e infantil, cuyo montaje tiene la particularidad de adaptarse a cualquier escenario, el cual parodia el infierno y sus personajes están a su alrededor, producción del 2015 y presentada en varios espacios de la ciudad.

proyecto vuelo

Proyecto vuelo, de la compañía Pregoneros Teatro, grupo que se ha distinguido por sus propuestas dirigidas a públicos específicos como niños de 3 a 5 años, o adolescentes de 12 a 15 años, como es este caso. Destacó por las coreografías, música, vestuario, diálogos, por los objetos que fueron elegidos como reflejo de esa etapa difícil e incomprendida que es la adolescencia. Jóvenes actores y actrices, ya con trayectoria, interpretaron a chicos frescos, desinhibidos, hasta cierto punto inocentes, que atraviesan por la curiosidad y el despertar de una vida de niños a adultos. Propuesta que logra que los jóvenes se integren al ver reflejada su realidad en el teatro. Es una obra digna de estar en una muestra nacional, pues está bien lograda y ofrece mucho amor hacia ese público específico.

El teatro de un juglar, de Lúdica Teatro, se ha presentado en plazas y escuelas, principalmente, en el que Cuitláhuac González caracteriza a un juglar contemporáneo y emprende un viaje con varios personajes. Es un montaje dirigido a los niños. Un actor se repara, también de la Compañía Fernando Wagner, es un monólogo a cargo de Omar Pacheco jr., joven que a su corta edad ya tiene experiencia en el teatro y está en vías de ser un profesional de las artes escénicas. La  vida es risa según Chéjov, cuya obra tuvo temporada en un foro-restaurante llamado La Saturnina, el grupo Anónimo de Teatro ha incursionado en la comedia y le ha resultado, sobre todo, en espacios alternativos. Terapia es otra comedia, pero con un toque muy característico del dramaturgo argentino Martín Giner, quien se ha convertido en uno de los favoritos de los teatristas del estado, ya con dos obras montadas: Freak show y Disección.

pipi

Ese mismo día se presentó la obra Hotel Juárez, del gran dramaturgo Víctor Hugo Rascón Banda. Teatro social de denuncia sobre aquello que impera todavía en el país, los feminicidios, que no solo se suscitan en Ciudad Juárez sino también en todas las grandes ciudades. Obra dirigida por J. Concepción Macías Candelas, director de teatro y actor de cine de reconocimiento nacional, en esta ocasión dirigió a la tercera generación de la licenciatura de Artes Escénicas, Actuación, de la Universidad Autónoma de Aguascalientes. La obra tuvo una temporada en el Teatro del IMSS, mostró crudamente las diferentes situaciones que culminan con la desaparición de chicas, siendo el punto clave un hotel. La ambientación documental e historias orales en las que se basó el dramaturgo hacen de esta una pieza única, misma que varios grupos de teatro en México la han montado, y en el caso de Aguascalientes se notó el proceso de investigación por parte del director y estudiantes para el montaje; sin duda, la producción fue certera, acompañada de imágenes que hicieron reflexionar sobre el país en el que vivimos y  lo que podemos hacer por él.

Un día después se presentó la obra titulada Los niños de Morelia, también de Rascón Banda. Este  montaje fue elegido para participar en la próxima Muestra Regional de Teatro a realizarse próximamente en Colima. Es un trabajo de los alumnos de la Licenciatura de Artes Escénicas, Actuación, de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, dirigidos por Sandra Rosales, y nuevamente un grupo universitario destaca en el trabajo escénico. La segunda obra invitada fue del estado de Yucatán: Cachorro de León, escrita, dirigida y actuada por Conchi León, dramaturga que es referente en el teatro de provincia y nacional, ya que sus propuestas son un reflejo de la sociedad, usos y costumbres de zonas indígenas de Yucatán. Jaime Chabaud, además de ser el director de una importante editorial sobre teatro: Paso de gato, también es dramaturgo y en esta ocasión su montaje: Pipí, dirigido a los pequeños, lo llevó a escena el grupo Pregoneros Teatro con la actriz Mar Alanís, en el papel de Claudio. Fueron de las pocas obras dirigidas al público infantil de esta muestra. Ya para finalizar, mencionamos también la puesta en escena Vencejo. Pequeña historia sobre una desaparición forzada, a cargo de Proscenio, grupo que tiene por formación principal el teatro del cuerpo y la mímica. En esta ocasión hubo dos actrices en escena: Noemí Ortiz y Cecilia Loy, en un emotivo montaje que habla sobre la enfermedad del Alzheimer.

En la clausura estuvo el jurado mencionado anteriormente, junto con la directora del Instituto Cultural de Aguascalientes, Dulce María Rivas Godoy y la directora Conchi León. La retroalimentación que hicieron sobre esta Segunda Muestra Estatal fue en aras de mejorar el trabajo escénico de los artistas de la ciudad, pues determinaron que los grupos necesitan una actualización en diversos temas, entre estos, dirección, actuación y producción, por lo que aún hay mucho camino por recorrer para lograr la profesionalización de los montajes y Aguascalientes vuelva a figurar en la escena nacional.

Estas muestras son positivas para aquéllos que desean avanzar y dejar a un lado sus egos, seguir preparándose y dar calidad y no cantidad a un público que, por cierto, no queremos dejar de señalar, se sigue sumando a ver teatro local.

 

EVITA MUÑOZ CHACHITA, UNA ACTRIZ QUE NACIÓ CON ESTRELLA

Por Julieta Orduña

Fotografías www.teatron.com

 

Gonzalez Virma vampiras

 

Se dice que la carrera de un actor o actriz de teatro es muy sacrificada, con una vida de ensayos, promoción de las obras, estrenos de funciones y algunos fracasos de taquilla, pero si ese espíritu artístico está latente no importando los obstáculos sin duda es una vocación nata, y esta fue la que tuvo Evita Muñoz  “Chachita” (1936-2016), quien nació con estrella y desde niña pisó los escenarios con un talento fuera de serie.

En su natal Orizaba, Veracruz, participaba en teatro con pequeños papeles como un angelito, su primera incursión fue en la compañía de Felipe Montoya y su debut profesional fue a la edad de 6 años con la primera actriz María Teresa Montoya, quien al ver los dotes de la pequeña la invitó a participar en Za-zá, en el Teatro Colón, bajo la dirección de Ricardo Mondragón. Con semejante madrina, Chachita brilló en los escenarios y a partir de entonces no dejó de trabajar en cine y teatro: “Haber debutado con una de las mejores actrices teatrales de todos los tiempos, como María Teresa Montoya, ha sido uno de mis mayores orgullos y experiencias”.[i]

En su adolescencia encabezó el elenco de una revista, la cual inauguró el Teatro Margo, ahora Blanquita, destacándose por su vis cómico e imitación de cantantes de la época, y al sentirse identificada con este género diseñó un show llamado Chachita Alvírez murió. Para 1955, siendo una jovencita, fue parte de la obra El tenorio cómico adaptada como Tenorio infantil, siendo Doña Inés, con temporada en el Teatro Lírico. Un año después la inquieta joven debutó como directora en  No se dice adiós, sino hasta luego, con el grupo Suspense y con ese mismo elenco repitió el rol con la obra Ha llegado una extraña, ambas producciones fueron en el Teatro Camelia.

La joven estrella, ya conocida por sus participaciones en cine, continuó su carrera teatral en la comedia La casa de la primavera, que abarrotó el Teatro Ródano pese a las críticas de la obra. Más adelante, en el proyecto Fiebre de fin de semana, recibió elogios de periodistas destacándose de todo el elenco. Siempre se distinguió esta veracruzana por elegir obras sanas propias de su edad, es por esto que accedió a participar en Los días felices, de Claude-André Puget. Con  Julio Alemán y Lulú Parga (actriz aguascalentense) se identificó y fueron sus compañeros en varias ocasiones como en la obra Júpiter travieso.

Tuvo una intervención  en un proyecto del INBA con la obra Las cosas simples, de Héctor Mendoza, dirigida por Hugo Macías Macotela, quien luego se convertiría en su esposo y asesor de su carrera artística. Una de las obras que causó revuelo y censura fue El pelícano, original de Marcel Frank, su premisa giraba en torno al tema del aborto y en ese tiempo, los sesenta, no eran muy bien vistas ese tipo de problemáticas, pese a todo la temporada tuvo éxito.

Los premios no se hicieron esperar y en 1976  recibió por parte de la Unión de Cronistas de Teatro el reconocimiento a su trayectoria como Mejor Actriz de Comedia, por lo que reapareció en las tablas con el montaje Se armó la gorda, una adaptación de Melocotón en almíbar. También en el teatro infantil  estuvo presente  como Blanca Nieves (1979),  obra incluida en el Programa del Año Internacional del Niño, llevado a cabo por la Secretaría de Relaciones Exteriores.

Munoz Evita chachita dias felices

También estuvo en teatro musical con Las modelos de Chachita, una obra escrita especialmente para ella, en temporada de un año y medio en el Teatro Negrete, convirtiéndose en la primera comedia musical mexicana con más tiempo en cartelera. Asimismo trabajó en centros nocturnos, en shows con Palillo y con el Piporro.

En 1990 Chachita contabilizó más de tres mil 500 de sus intervenciones en los escenarios. La Asociación Nacional de Actores (ANDA) le otorgó un reconocimiento por sus 50 años de trayectoria en 1991, al igual que la Asociación de Profesionales de Relaciones Públicas y Periodismo, quienes le entregaron la Estrella de Plata.  En el 2002 recibió una presea  de parte de la Asociación de Periodistas Teatrales  por sus 60 años de carrera y en ese mismo año la Asociación  Mexicana de Críticos de Teatro  le otorgó un reconocimiento por “Una vida dedicada al teatro”.

En Aguascalientes estuvo de gira con  la obra Cosas de papá y mamá en los noventa. Encontramos innumerables anécdotas y datos de esta gran actriz en los anuarios de teatro y aunque ya no pisará más los escenarios, sin duda será recordada por siempre. Descanse en paz.

 

 

Teatrología

Actriz

  1. Za-zá, de Berton, dir. Ricardo Mondragón.
  2. El tenorio infantil, adaptación de Don Juan Tenorio, de Zorrilla, dirección de Ernesto Finance.
  3. La casa de la primavera, de Millaud.
  4. Fiebre de fin de semana, de Coward.
  5. Locura de juventud, de Sylvaine.
  6. Los días felices, de Claude-André Puget.
  7. Mujercitas, de Alcott.
  8. Las cosas simples, de Héctor Mendoza.
  9. Júpiter travieso.
  10. El pelícano, de Strindberg.
  11. Despedida de soltera, de Alfonso Anaya B.
  12. La heredera, de Goetz.
  13. Salpícame de amor, de Héctor Mendoza.
  14. Turco para señoras, de Federico S. Inclán.
  15. Le pondremos talco al niño, de Letraz.
  16. Baby shower: una fiesta embarazosa, de Alfonso Anaya B.
  17. Doce mil pesos por mi mujer, de Millán.
  18. Dos náufragos tras el pescado.
  19. Travesuras de medianoche.
  20. Se armó la gorda, de Mihura.
  21. Blanca Nieves.
  22. Despedida de soltera (reposición).
  23. 1979. Fiebre de fin de semana (reposición).
  24. Espíritu travieso, de Coward.
  25. Vidas privadas, de Coward.
  26. El médico a palos, de Molière.
  27. Cueros y pieles.
  28. Los amores criminales de las vampiras Morales, de Hugo Argüelles.
  29. Las modelos de Chachita.
  30. Chachita se hizo bolas.
  31. Fiebre de primavera.
  32. Máscara vs cabellera, de Víctor Hugo Rascón Banda.

Otras: La llorona, Juego de reinas, El asesino es la señora, Vengan corriendo que les tengo un muerto, Turco para señoras, Cosas de mamá y papá.

Directora

  1. No se dice adiós, sino hasta luego, de Paso.
  2. Ha llegado una extraña, de Keith Winter.

 

Fuentes consultadas: www.teatron.com, Revista Somos, Evita Muñoz Chachita, año 13, num 221.

[i] Revista Somos, Núm 221, p.60.

POLO ORTÍN (1932-2016)

Por Julieta Orduña Guzmán

Fotografía bajada de Internet

https://www.google.com.mx/search?q=Polo+ort%C3%

 

polo ortin

 

En este año han sido varios personajes del teatro y cine que se nos han adelantado, el pasado 16 de agosto falleció Polo Ortín, hijo del actor Leopoldo “Chato” Ortín, gran figura de la Época de Oro del cine mexicano. Al seguirle la huella a su padre Ortín Campuzano inició su carrera teatral en la década de los años cincuenta. Con más de 75 años de trayectoria fue un actor muy completo de cine, teatro, televisión y doblaje. Se hizo famoso por doblar exitosas series norteamericanas, como:  La isla de Gilligan (donde dobló a Gilligan), Mork y Mindy (donde dobló a Mork) y Los tres chiflados (donde dio vida a Larry), entre muchas otras. En televisión participó en varias telenovelas y en series como Los vecinos, que fue una de sus últimas participaciones.

 

A los cuatro años de edad debutó en Malditas sean las mujeres, de Manuel Ibo Alfaro (1936), a la que le siguieron: Tres sombreros de copa, de Mihura (1953); El año del caldo, de Alfredo Robledo y Luis Echeverría (1954); El caso de la mujer fotografiadita, de Letraz (1955). También participó con Óscar Ortiz de Pinedo en el montaje: Perdón, es usted maravillosa, de Feydeau (1961). Alfonso Paso, dramaturgo español, fue uno de sus autores favoritos, ya que tenía preferencia por la comedia de enredos, y de él son: Al final de la cuerda (1963) y Asado a la parrilla; También actuó en Los maridos de mamá (1964), de Santa cruz. Asimismo, Alfredo Varela estuvo en su repertorio con: Préstame tu marido (1972) y ¡No me toquen… eso! (1977).

 

Una de las obras en la que dirigió y actuó fue Ahí va Lolita, parece que tuvo cuates, de Alfonso Anaya B. (1980). De sus últimas intervenciones: Que no se entere el presidente, de Ray Cooney (1992) y Ahora una de vaqueros (1997).

 

En cine tuvo una gran oportunidad en 1937, al obtener un papel estelar en Allá en el rancho chico. Se le conocía entonces como Polito Ortín, sobrenombre que con los años cambiaría por Polo. Descanse en paz.
Teatrología

 

  1. Tres sombreros de copa, de Mihura
  2. El año del caldo, de Alfredo Robledo y Luis Echeverría
  3. El caso de la mujer fotografiadita, de Letraz
  4. Mi Familia, de Óscar Ortiz de Pinedo
  5. Perdón, es usted maravillosa, de Feydeau
  6. Los peligros de la pureza, de Milis
  7. Dos en una, de Joffe y Giltene
  8. Una señorita complaciente, de Ruiz Iriarte
  9. Mi otro marido, de Miranda y Eon
  10. Al final de la cuerda, de Paso
  11. Mi sistema no falla, de ­Feydeau y Hennequin
  12. Asado a la parrilla, de Paso
  13. Los maridos de mamá, de Santa Cruz
  14. El doctor espera nene, de Santa Cruz
  15. Jóvenes asoleados, de Antonio González Caballero
  16. ¿Una noche en su casa? señora, de Letraz
  17. El quelite, de Alfonso Anaya B
  18. Los eternos mosqueteros, de Víctor Fox y José Antonio Zavala
  19. Doce mil pesos por mi mujer, de Millán
  20. Préstame tu marido, de Alfredo Varela
  21. Orgía privada, de Millán
  22. Secretarias para todo, de Neville
  23. Salón México, de Víctor Manuel Castro
  24. Caperucita roja
  25. Y la viuda quedó buenísima, de Víctor Manuel Castro
  26. ¡No me toquen… eso!, de Alfredo Varela
  27. Ahí va Lolita, parece que tuvo cuates, de Alfonso Anaya B. * Actúa y dirige
  28. Que no se entere el presidente, de Cooney
  29. ¡No me toquen eso!, de Alfredo Varela
  30. Ahora una de vaqueros

 

Fuentes consultadas:

 

http://www.teatron.mx

https://es.wikipedia.org/wiki/Polo_Ort%C3%ADn

https://www.google.com.mx/search?q=polo+ortin+teatro

http://www.20minutos.com.mx/noticia

 

 

 

ENTEPOLA ES MUCHO MÁS QUE TEATRO

ENTEPOLA ES MUCHO MÁS QUE TEATRO

Por Julieta Orduña

entepola 1 (1)

La ciudad está en calma, se sienten ya las vacaciones; algunos aprovechan para viajar y otros para descansar en sus hogares. Sin embargo, los inquietos buscan qué hacer o a dónde ir a disfrutar de un rato de esparcimiento. Es por eso que los artistas, contagiados por esa sinergia, se motivan a presentar sus trabajos en esta época del año.

En julio hubo una cartelera cultural muy dinámica, los espacios tuvieron diversos eventos vespertinos y nocturnos, también en teatros, museos, cafeterías y demás. Pero sin duda, lo que llamó más la atención por su relevancia, fue el Tercer Encuentro de Teatro Popular Latinoamericano (Entepola), programado del 21 al 29 de julio. Un gran esfuerzo colectivo, tanto del Gobierno Municipal a través del Instituto Municipal Aguascalentense para la Cultura (IMAC) como de un comité ejecutor voluntario de casi 50 artistas involucrados, sumándose escuelas e instituciones culturales como la Escuela de Música, Teatro y Danza Fernando Wagner, así como la Universidad Autónoma de Aguascalientes y la Universidad de las Artes.

El sueño de David Musa, fundador de Entepola Chile, de llevar el teatro a todas las colonias, barrios y lugares donde la gente no ha tenido esta experiencia, se ha logrado. Desde 2014 sucede esto en Aguascalientes para generar vínculos de convivencia entre la sociedad y artistas, prevenir conflictos sociales y fomentar una mejor calidad de vida entre los habitantes.

La tercera edición del Entepola destacó por la integración de un comité conformado por artistas de Aguascalientes, quienes trabajaron en la planeación, realización y difusión del evento. En esta ocasión participaron compañías de teatro de Chile, Argentina y Brasil. Nuestro país estuvo representado por el Estado de México, Oaxaca, Guerrero, Hidalgo, Colima, Ciudad de México, Quintana Roo, Guanajuato y, por supuesto, Aguascalientes, en donde participaron 10 grupos locales de teatro. El festival reunió más de 100 artistas, 20 obras de teatro y más de 40 funciones con temas ecológicos, lúdicos, de género, migratorios, circenses, llevados a la escena por medio de la comedia, farsa, pieza y la tragedia, entre otros géneros.

entepola 1 (2)

Las actividades tuvieron como sede principal la Casa de Animación Cultural Oriente (CACO), ubicada en la Línea verde, y el Teatro Antonio Leal y Romero. También hubo mesas de reflexión y talleres enfocados al teatro popular y comunitario con especialistas en la materia, llevados a cabo en la Universidad de las Artes y en las instalaciones de la Licenciatura en Artes Cinematográficas y de Artes Escénicas de la Universidad Autónoma de Aguascalientes en los que, aunque no hubo la asistencia esperada (quizá por las vacaciones), se dieron charlas dignas de derivarse en un estudio amplio que, sin duda, darán pie  a una investigación antropológica-social.  También hubo funciones en el Hogar de la niña Casimira Arteaga, el Cereso femenil, el Centro Cultural Nómada, y algunos municipios de Aguascalientes.

Entepola sí es mucho más que teatro, ya que es un ejemplo de cómo éste tiene que ser dinámico, estar en todos lados y no esperar a que el público asista a sus salas y pague un boleto, éste debe ir hacia aquéllos que no lo conocen, ser parte de la comunidad y entregar cuerpo, corazón y espíritu en cada representación. Se pretende que este gran proyecto continúe y se consolide como parte de la vida cultural de Aguascalientes, arropado por los hacedores de teatro local. Ojalá que lo volvamos a tener en el 2017. ¡Felicidades a todo el equipo de Entepola, y que siga germinando por todo el estado!

GLORIA ESTELA LOMELÍ, ACTRIZ DE LOS TEATRISTAS DE AGUASCALIENTES

GLORIA ESTELA LOMELÍ, ACTRIZ DE LOS TEATRISTAS DE AGUASCALIENTES

 Por Julieta Orduña

Fotografías: periódico Hidrócalido y archivo de José Luis Reyes Ugarte 

1_gloria lomeli_hidrocalido

El grupo Teatristas de Aguascalientes, dirigido por el maestro Jorge Galván, está de luto por la pérdida de una de sus actrices, quien colaboró con ellos en las décadas de los ochentas y noventas. Gloria tuvo varias participaciones en obras que estuvieron en gira por el estado y en diversos espacios de la ciudad: “Mi permanencia en los Teatristas fue de varios años, al igual que todos los miembros del grupo. Desde siempre sentí inclinación por el teatro y cuando hubo la oportunidad ingresé a Iniciación Teatral con la maestra María Elena Cervantes”[i].

Su entusiasmo por las tablas la llevó a interpretar varios personajes en obras clásicas como Una mujer de malas y El censo, con el personaje de Remedios; en Felicidad como Cuca, y también formó parte del coro de mujeres de Canterbury en Asesinato en la catedral.

Gloria Estela también fue actriz en Piedras del Páramo, que constaba de dos obras, en la cual hizo doble papel, el de la mujer quinta en Anacleto Morones y en El día del derrumbe personificó a una anciana.

En el tiempo que Lomelí estuvo en el grupo, éste sufrió una transformación, pues el 20 de mayo de 1985, luego de 15 años como grupo de teatro de la Casa de la Cultura, se independizó y tuvo como directora a la maestra Marielena Cervantes[ii]. Gloria señalaba al respecto: “Ha resultado benéfico que el grupo “Teatristas de Aguascalientes” haya dejado de pertenecer a un organismo oficial, pues esto lo ha hecho madurar (…) todos los que estamos nos sentimos muy a gusto, aunque tenemos que trabajar más, esforzarnos más, conseguir patrocinadores, hacer nuestra propia publicidad etc.”[iii]

Su última actividad en teatro fue dar clases a los niños para fomentar en ellos el gusto por éste. En voz de varios compañeros teatristas fue una compañera disciplinada, solidaria y con un gran amor al teatro. Descanse en paz Gloria Lomelí.

2_ Dif Bis

 Teatrología[iv]

1981/ Job/ basada en el Libro de Job de la Biblia/dir. Héctor Azar/ Teatro Espacio 197.

1982/Asesinato en la catedral/ de T.S. Eliot/ Dir. Jorge Galván /Teatro Espacio 197 y Templo parroquial Jerez, Zacatecas.

1984/ DF Bis/ con dos obras de Emilio Carballido: El censo y Una mujer de malas/Dir. Jorge Galván/Teatro Espacio 197.

1987/ Felicidad/de Emilio Carballido /Dir. Jorge Galván/ Centro de Exposiciones y Convenciones de Aguascalientes.

1988/Delicioso domingo/De Emilio Carballido/ Dir. Jorge Galván/ Salón de la FTA.

Piedras del Páramo/adaptación de Pedro Páramo de Juan Rulfo/ Dir. Jorge Galván.

[i] El Heraldo, 310886.

[ii] El Heraldo , 010685.

[iii] El Heraldo, 310886..

[iv] Archivo de José Luis Reyes Ugarte, actor del grupo Teatristas de Aguascalientes.