Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

En el Hidalgo: El Beso de la Mujer Araña

El beso de la Mujer A 2

Sin duda hay tres voces que merecen ser alabadas: Chantall Andere, Jorge Gallegos y Rogelio Suárez, que dan todo su poder vocal a los personajes que encarnan. Tambien están en su punto Luis Gatica; Olivia Bucio, junto a la actuación especial de Crisanta Gómez y Jimena Parés. Lalo Partida es uno de los guardias que mostrarán especial crueldad a los presos.

Chantal  Andere es un ente maravilloso que brota de la imaginación de Molina, el preso que será punto de arranque de la trama conocida por todos; en tanto Jorge Gallegos interpreta al hombre que da su vida a un movimiento ideológico de izquierda, el aplauso mayor de la noche fue para el, sin duda muy merecido, pues además de la potencia esta la actuación limpia que le vimos. Es un montaje lleno del glamour y la fastuosidad que merecía el legendario montaje, que en la versión actual no tiene un elemento fuera de lugar: fastuoso vestuario de Chantall, Crisanta y Jimena, la música no deja dudas sobre la exactitud y belleza, acerca de la escenografía es indiscutible que llenará al ojo a los más exigentes, sobre todo el momento en que la tela de araña cubre toda, toda, la escena.

Nos tiene acostumbrados a las temporadas largas Juan Torres, el productor y esperamos que sea el caso. Recordamos un dato curioso: que en 1997 al firmar el contrato con la pareja Zurita Bach por la misma obra, sufrieron tremendo descalabro, pues al formalizarse el TLC  dijeron los norteamericanos que “el contrato únicamente le daba derecho a usar sólo los textos y la versión musical” por lo demás no se podía usar la misma escenografía, dirección, iluminación y una larga lista de etcéteras. Debieron adaptar el montaje y con muchas dificultades lograron ganar algo de dinero.

Asi que es una excelente comedia musical para satisfacer a todo tipo de público, esperamos sea una larguísima temporada con llenos totales en el Teatro Hidalgo.

Terror con Juan Pablo Gil Y Ana Graham

Por un error en la columna pasada anoté otro nombre, que en realidad se llama Terror, en el Teatro Helénico con actuación de Ana Graham, Sergio Zurita, Juan Pablo Gil, Alejandro Morales, Antonio Vega, dan vida al juicio de un capitán de aviación que no obedeció, usted es el jurado: ¿es culpable o no de matar a 164 personas: en vez de setenta mil? El juez es Zurita, el militar enjuiciado es Juan Pablo Gil, la fiscal es Ana, el defensor es Alejandro Morales, si nosotros, el público debemos enjuiciar al personaje que interpreta Juan Pablo depende en mucho del color del discurso, la forma en que se dice cada uno de los conceptos: al finalizar sus alegatos Ana estamos convencidos de que es culpable. Al hacer uso de la palabra el defensor, logra obtener del respetable público la palabra inocente, eso sólo lo puede lograr una actuación apasionada y sincera. Véalos.

 

 

 

 

 

 

LA CRÍA (TERROR PSICOLÓGICO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

La cría

Un raro espécimen, un engendro, víctima de trastornos metabólicos graves, con un apetito sui géneris -sobre todo por lo que le gusta comer-, su existencia transcurre en el encierro porque es un riesgo exponerlo, en verdad un ente extraordinario. LA CRÍA, “un espectáculo escénico que se inscribe dentro del terror psicológico, donde se presenta a un matrimonio que para mantener viva a su ‘criatura’, deberá llegar a extremos insólitos de sacrificio”, refiere Carlos Talancón, autor y director de la obra.

 

Es raro una puesta en escena basada en el terror, de hecho es un “género” prácticamente inexistente en nuestro país, más raro que el autor sea connacional. Bien escrito, mejor estructurado, el texto atrapa desde el principio, el suspenso, parte fundamental, adecuadamente incorporado. Temática fuerte, inaudita, sorprendente y, por supuesto, terrorífica. Es interesante que nunca se menciona al engendro por su nombre, nunca se sabe su edad, en realidad sólo que es un peligro. Sus padres se encargan de él, lo cuidan y como dice Talancón, estos son capaces de los mayores sacrificios, más allá de lo que cualquier ser humano estaría dispuesto a hacer. Lástima no contar con más detalle la trama so riesgo de vender hechos trascendentes y acabar con lo sorprendente. Desde mi particular punto de vista Talancón se alarga, cuando parece he llegado un gran final, la obra continúa sin aportar mucho, por fortuna con una segunda gran conclusión.

 

Como director opta por la penumbra, casi una obscuridad total, no lo es por una iluminación emanada de unas velas; un vestuario acorde al ambiente, más un reflejo del yo interno; una jaula irradia el encierro de la familia, de su pesar psicológico, dentro de ésta una escenografía realista; los efectos lumínicos le dan el sentido terrorífico al igual que lo sonoros; el conjunto crea el entorno donde la cría es la protagonista, aún cuando nunca aparece en escena. Por la ambientación se debe reconocer el gran acierto del equipo creativo.

 

Milleth Gómez, Emmanuel Morales y el propio Carlos Talancón conforman el elenco. Milleth excelente, cambios de estados de ánimo impecables, provoca compasión y enerva simultáneamente, es el alma en escena, una de sus participaciones más significativas de su carrera. Emmanuel con un monólogo casi impecable, por momentos la emoción lo supera -volumen de voz-, por fortuna son sólo algunos instantes; se le reconoce y respeta el movimiento corporal que lleva a cabo hacia el final cuando ha perdido.., demuestra una gran concentración y habilidad. Talancón, un médico que bien puede ser un espectro, con una presencia escénica casi en total silencio, sin embargo, trascendente su participación.

 

Un drama familiar ante un ser fuera de lo común, historia que da paso a una propuesta terrorífica, la cual se puede sufrir (disfrutar) en La Teatrería (Col. Roma. Ciudad de México) hasta el 27 de octubre, los sábados a las 20:00 horas.

EL ÁRBOL (UN PASADO REVELADOR)

EL ÁRBOL (UN PASADO REVELADOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

El árbol

Elena Garro (1920-1998) es considerada, claro siempre es cuestión de gustos, opiniones y sensibilidades, como la mejor dramaturga del siglo XX. Su teatro da la impresión de abordar temas sencillos, cotidianos, inmersos en el recuerdo, siempre un pasado revelador; predomina lo alegórico y cargado de ironía. No hay convenciones teatrales, surrealista, misterioso.

 

EL ÁRBOL (1983) es uno de uss textos más relevantes, nuevamente llevado a escena bajo la dirección de Miguel Romero e interpretado por Mahalat Sánchez y Ángeles Cruz (alterna Myriam Bravo). Hay quienes consideran que los personajes de Elena hablan sobre ella misma, tanto desde su dramaturgia como en sus novelas, la obra que hoy nos concierne no es la excepción. Un texto relativamente breve, sin embargo, profundo en su esencia.

 

Se conjuntan la fantasía y el realismo, en apariencia dos mujeres, pero según la lectura que cada quien le dé, estaríamos frente a una sola en distintas facetas. Si bien proviene de estatus diferentes poseen perspectivas hasta cierto punto contrarias, ya sea que hablemos de una o de dos protagonistas. Se conocen tiempo atrás y a la vez son dos desconocidas con relación a su devenir. Hay un retrato de un México que quedó en la nostalgia; mágico, poético el lenguaje, hasta cuando se narra un asesinato.

 

Uno de los personajes vive en la cotidianidad, se desenvuelve en la comodidad urbana; la otra una mujer del medio rural, aun cuando ha estado con anterioridad en la Ciudad de México. La segunda, Luisa, remite a un árbol que adquiere el carácter de confesionario, cobra “vida” y carga con las culpas ajenas, con los pecados, lo que a la postre provoca se seque. La primera, Marta, a pesar de su bienestar, por su estilo de vida se ha vuelto inamovible , como un vegetal, como…

 

Miguel Romero asume un reto, en esta época no es fácil comprometerse a dirigir las complicaciones de estilo planteadas por Elena. Sin embargo, sale adelante, le imprime un tono acorde, un ritmo ascendente, lo que en principio parece intrascendente va cobrando forma, el fondo brota por sí mismo, apoyado en una escenografía realista -el traspatio de una casa urbana- y semi minimalista, de Tenzing Ortega; el naturalismo aparece en escena; un vestuario de antaño para ambas, diseñado por Lisset Barrios, cada una con un ropaje de acuerdo a su condición social, y; música original y ambiente sonoro a cargo de Genaro Ochoa.

 

Mahalat es una gran actriz, le da personalidad a Marta, a través de ella se ve a una inamovible mujer, transita de la incredulidad al asombro. Ángeles Cruz, una gran actuación, caracteriza a una Luisa más inteligente de lo que parece; saca avante a la pueblerina con todos los requerimientos exigidos. Ambas hacen una mancuerna, logran una simbiosis actoral.

 

EL ÁRBOL, una oportunidad para acercarse al teatro de la gran dramaturga que fue Elena Garro. La cita es en La Gruta del Centro Cultural helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre, los lunes a las 20:00 horas.

 

BUENAS PERSONAS

 

Por   Eugenia Galeano Inclán

Fotos Cartel promocional

 

Cartel-BUENAS.PERSONAS

Desde el momento en que se acaricia la idea de tener un hijo, los padres comienzan a hacer planes para el bebé. Entre sus prioridades están que sea saludable, educado y gente de bien. A partir del nacimiento, se esforzarán lo más posible por criar a su vástago en ese sentido. Desde luego, cada quien tiene su propia perspectiva respecto de lo que significa ser una buena persona, pero, en general, se considera que lo sean quienes son educados, honestos, amables con sus semejantes, leales, compasivos, estudiosos, trabajadores, comprensivos, colaborativos, etcétera.  De hecho, todos quisiéramos que los demás nos vieran así y es por eso que abundan los que se hacen pasar por buenas personas sin serlo.

 

El que alguien sea gente de bien no depende sólo de los principios que les inculquen los padres, pues a lo largo de la vida todo tiene cierta influencia, como puede ser el entorno, el carácter, las compañías, las experiencias positivas o negativas, los sucesos y las vivencias.    Para colmo, no todo aquel que es una buena persona tiene asegurado el éxito, ya que esto se relaciona directamente con las circunstancias y las oportunidades.

 

Para abordar esta temática, David Lindsay-Abaire escribió BUENAS PERSONAS / GOOD PEOPLE.  El autor nació en Boston, Massachussetts, Estados Unidos de América, es egresado de la Academia Juilliard, el Sarah Lawrence College, el Eugene O’Neill Theater Center,  y la Milton Academy y se ha desempeñado como dramaturgo, guionista y letrista.

 

David Lindsay-Abaire se dio a conocer poco antes de cumplir los 30 años, con “Fuddy Meers“, su primera obra, misma que fue concebida durante un taller en la Convención Nacional de Dramaturgos llevada a cabo en el Centro Teatral Eugene O’Neill en 1998, y estrenada en el Manhattan Theatre Club de Off-Broadway, bajo la dirección del director escénico Lloyd Richards.  El éxito fue tan contundente que se mantuvo en cartelera poco más de tres años en diversos foros.

 

Desde entonces, sus éxitos se han sucedido uno al otro y se ha convertido en uno de los más destacados dramaturgos estadounidenses contemporáneos.  Ha recibido toda clase de nominaciones, reconocimientos y galardones durante su trayectoria, entre los cuales está el Premio Pulitzer del año 2007 por su obra “Rabbit Hole” (La Madriguera del Conejo).

 

La trama de BUENAS PERSONAS versa sobre cuán distinta puede ser la vida de dos personas que nacieron en el mismo barrio y pasaron juntos su niñez y adolescencia, para luego tomar diferentes rumbos.

 

La acción comienza cuando Margarita llega tarde a su trabajo en una tienda de productos económicos en Ciudad Netzahualcóyotl.  El supervisor la reprende y le dice que ha estado defendiéndola y cubriéndola, pero que sus superiores saben que casi siempre llega tarde y, por lo tanto, se ve obligado a despedirla.   A Margarita se le viene el mundo encima, es madre soltera y el motivo de sus retardos es que su hija es discapacitada, no la puede dejar sola y tiene que esperar a que llegue alguien a cuidarla.  La bebé nació prematura y al darse cuenta de que requeriría de cuidados especiales, el esposo la abandonó.  Se siente perdida, no sabe cómo podrá solventar su vida y la de su hija sin un trabajo seguro.   Llega muy agobiada a su vecindad y lo platica con Jenni, su mejor amiga, quien le aconseja que vea a Miguel, un amigo de ambas al que no han visto durante años.  Saben que Miguel llegó a ser un médico de prestigio, así que tal vez pudiera dar trabajo a Margarita, o bien, recomendarla con alguien.

 

Margarita se queda pensando en la sugerencia de Jenni, pero, la verdad, le da pena presentarse de pronto ante Miguel, ya hace mucho tiempo que se distanciaron y no sabe cómo la recibiría.  Cuando avisa a la casera que no podrá seguirle pagando por cuidar a su hija, ésta le recuerda que no sólo le debe dinero por los cuidados, sino que también está atrasada con la renta, así que si no cubre rápido sus adeudos, tendrá que desalojarla.  Ante este panorama, Margarita, en total desesperación, decide buscar a Miguel.

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El texto de BUENAS PERSONAS es estructurado con un alto contenido social y  humano.  Capta el interés de principio a fin.  Los personajes están perfectamente bien delineados y cada uno expresa su sentir.

 

La labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Su trazo escénico es impecable.  Equilibra acción y pausas, el desplazamiento es constante, los cambios de escenografía los realizan los  intérpretes en forma fluida y casi imperceptible.  Dimensiona el espacio para crear distintos entornos.  Todo está bien coordinado y el ritmo es preciso.   Cada creador va adoptando su propio método a su estilo. En mi opinión, Diego del Río da importancia relevante a su elenco, además de elegirlo por su trayectoria y capacidades, pone particular atención a su habilidad de expresión.  El rigor lo aplica en cuanto a que no se conformen con representar un personaje sino que se transformen en éste, que en lugar de aparentar sentir, sientan.  En todos sus montajes, la emotividad que se alcanza en escena es impresionante y su energía envuelve a todo el público.

 

El maravilloso elenco está integrado por Arcelia Ramírez como Margarita,  Odiseo Bichir como Miguel,  Montserrat Marañón como Jenni,  Concepcion Márquez como la casera,  Cuauhtli Jiménez como el Supervisor de la tienda,  y  Fabrina Melón como la esposa de Miguel.  Cada uno de ellos ofrece un trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión digno de toda loa, desplegando una amplia gama de emociones matizadas.  Arcelia es la madre que lleva a cuestas una pesada carga, trabajadora incansable y dispuesta a todo con tal de no desamparar a su hija.  Odiseo es Miguel el acaudalado médico especialista en cirugía estética que ha dejado atrás su pasado de barrio, sin olvidar sus raíces.  Montserrat es la simpática amiga que se toma las cosas a la ligera y siempre encuentra el lado amable.  Concepción es la mujer mayor necesitada de dinero, para lo cual administra el edificio y hace manualidades.  Le encanta jugar al Bingo.  Es algo mal hablada, pero dice las groserías con tal gracia que resulta adorable.  Cuauhtli es el hombre de buen corazón que ha escalado una posición en su trabajo, pero le duele tener que imponer sanciones.  Fabrina es una mujer elegante, hija de diplomáticos que ha recorrido el mundo sin perder su carácter dulce, agradable y compasivo.

 

La traducción del texto a nuestro idioma fue realizada por Milena Pezzi y Diego del Río.  La adaptación la hicieron Paula Zelaya cervantes y Diego del Río.

 

La práctica, lucidora y multifuncional escenografía es de Javier Gerardo Ángeles, la bien distribuida iluminación es de Matías Gorlero, el idóneo vestuario es de Estela Fagoaga.

 

El diseño de audio es de Carlos Ruíz,  el asistente de dirección es Jhovardy Vences,  la asistente de iluminación es María Vergara,  el diseño de poster es de Mariana González – TOCA.

 

La coordinación de vestuario es de Trama & Drama vestuario y producción, S.C.,  los asistentes de vestuario son Miriam Quijano, Saira Lagunas y Sergio Mirón, y las texturas y arreglos de vestuario son de Saira Lagunas y Rafael Rosales.

 

Production Stage Manager: Max D’Luna,  Stage Manager: Diego Gutiérrez,  Producción Playhouse: David Cortés, Regina Arruti, Paola Vega y Majo Ceballos.  Fotografía: Oscar Ponce.  Relaciones Públicas y Prensa: Violeta Gaytán.  Administración:  Irene Porras y Tere González.

 

Los productores son Carlos M. Vidaurri, Daniel Delgado y Tatiana Reyes Retana.

 

La producción de BUENAS PERSONAS es de PLAYHOUSE Entertainment.  Los productores asociados son:  Oscar Schwebel y Tania Ordoñez.

 

Acompaña a estas BUENAS PERSONAS que son gente como tú, como yo, con defectos y virtudes, a quienes la vida no ha brindado las mismas oportunidades.  Tienen alegrías y tribulaciones, pero libran sus batallas personales sin perder anhelos ni esperanzas.  Ellos te confiarán sus sentimientos.   Un montaje muy cuidado en todo aspecto, teatro de la más alta calidad que te llevará a reflexionar y a una mejor comprensión del ser humano.

 

BUENAS PERSONAS

se presenta viernes a las 21:00 horas

sábados a las 17:30  y  a las 20:45 horas

y  domingo a las 17:30 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en la calle Lucerna número 64,

colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos, con intermedio de 15 minutos

Costo de la localidad:  $500

Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018

 

IMPOSIBLE VIOLAR A UNA MUJER TAN VICIOSA (BASADA EN TESTIMONIOS REALES DE VÍCTIMAS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Crédito de la imagen: Roberto Sosa

Imposible violar a una mujer tan viciosa

La violación es un mal social, azote de las mujeres. Cada cuatro minutos, según algunas estimaciones, se comete esta vejación. En forma cínica hay hombres que intentan justificar sus actores mediante excusas como: ella se me insinuó, estaba vestida en forma provocativa, no hice nada malo porque lo disfrutó y un largo etcétera. Lo cierto es que no hay nada que justifique una actitud tan grave e inmoral, si no que se lo pregunten a las víctimas quienes quedan afectadas emocionalmente de por vida, aun cuando, en apariencia, sea superado el hecho.

Imposible violar a una mujer tan viciosa, obra adaptada, dirigida y actuada por Alba Alonso, a partir de testimonios reales de víctimas del abuso sexual, acompañada por Jorge Caballero. Los casos se centran en culpar a las féminas, se entrelazan, importantísimo las diferentes y hasta encontradas formas de vivir y asumir lo acontecido. El título es más que significativo, por sí mismo adelanta a lo que se enfrentarán los espectadores. Un texto fuerte, desgarrador, trágico y conmovedor.

Un espectáculo creado a partir del escalofriante testimonio de violación de la escritora Virginie Despentes, entremezclado con las declaraciones en el juicio del líder de “La Manada”, caso español que ha despertado tanta controversia a nivel mundial por el veredicto del juez. El texto pretende hacer una denuncia de lo que al día de hoy sigue viéndose como abuso y no como violación (datos tomados de la página en Facebook de Alba Alonso).

Como directora, Alba provoca la sensación en buena parte del desarrollo de estatismo, del poco movimiento corporal cuando sí existe, sin dejar por descontada la violencia que encierra las escenas, sobre todo la moral, más drástica que la física. Por otra parte, abunda la narrativa, estamos frente a un teatro documental, sin embargo, las protagonistas no se dirigen al público, más bien son actos de introspección, hablan para sí mismos. Sin mayores aspavientos escenifica lo que enfrentan ante un psicólogo o en un juicio, de su enfado con el mundo, del feminismo como el arte de ser servil. No hay propiamente escenografía -dos sillas, una mesita, un tambo, una lap top-; se emplean unas linternas con efectos simbólicos y psicológicos, uso del multimedia del cual se podría prescindir. Nos adentra en una guerra que se libra -en la mayoría de las veces- en silencio y en la obscuridad. Digna de toda loa el montaje de la directora.

Jorge apoya la puesta en escena, aporta varios personajes, es polifacético, cada uno está perfectamente diferenciado de los otros, sabe que son seres “secundarios”, así lo asume, las protagonistas son las mujeres.

Imposible violar a una mujer tan viciosa, obra de denuncia testimonial, no toma una postura definitiva, deja pensando sobre un mal social producto de mentes enfermas. La escenificación en Bellescene (Foro Teatral Cultural), Ciudad de México. Quedan dos funciones para concluir la temporada: 20 y 27 de septiembre, a las 20:30 horas.

Y EL SILENCIO EN SUS MIRADAS (EL SECUESTRO Y LAS DESAPARICIONES FORZADAS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Perder un ser querido, más si es un hijo, es lamentable, doloroso, una pena, algo irreparable. Esta situación es más grave cuando la pérdida es producto de un secuestro, y más aún, cuando se trata de la desaparición forzosa. Es un problema en muchas partes del orbe, en nuestro país es vergonzoso, todos, o casi todos los días la prensa, televisión y radio nos informan de casos de este tipo. Son muchísimos más de los que nos enteramos, sólo cuando la víctima pertenece a las altas clases sociales, económicas o políticas. Sabemos de madres y padres quienes viven en la incertidumbre sobre qué les sucedió a sus seres queridos, llevan años buscándolos, la angustia de no tener la certeza sobre si están vivos o muertos, no tener una tumba para recordarlos.

A partir de una idea original y dirección de Belén de Santiago se presentó en la Ciudad de México: Y el silencio en sus miradas, un homenaje escénico a las familias de las personas desaparecidas, producción venezolana, española y mexicana. El texto está inspirado en la Antígona de Sófocles y del escritor francés Jean Anouilh. Monólogo a partir de testimonios reales de familiares que padecen esta situación, estamos frente a un teatro documental. La protagonista es ficticia, la historia de Celeste, caracterizada por la española Belén, quien con categoría asume el rol, una actuación impecable, emotiva, desgarradora. Ella inicia recordándonos lo vivido por Antígona, una analogía entre ésta y su hermano desaparecido hace nueve años. Refleja la parálisis emocional, la que conlleva al ataque o a la huida. La trama pretende dar voz, a través de Belén, a los desesperados que claman por la aparición, al menos de los cuerpos, de sus allegados. Predomina la narrativa; en todo momento el personaje se dirige en forma directa al público. El trabajo actoral es cautivador, conmovedor, natural; se ve a una mujer que sufre lo indescriptible, se le reconoce su valor y presencia escénica.

Rennier es superado por Belén. Rompe la cuarta pared sin sentido, pretende una catarsis a través de poner a cantar al público en una forma tan ridícula como dividirlo en bloques, una frase para cada uno y al concluir esta parte, un coro en conjunto, como de concurso de programa intrascendente de televisión o fiesta de niños. Acierta en la musicalización y una escenografía en la que sobresale una manta sobre el escenario con la representación del vehículo del cual fue levantado el joven; otra manta, a manera de ciclorama, con la silueta de una mujer de espaldas y otra figura de frente, imágenes con una fuerte dosis simbólica. Se ignora por que en determinadas escenas Belén emplea micrófono, tal vez para reforzar un grito desesperado.

Y el silencio en sus miradas tiene un valor interno producto de la dramaturgia e interpretación de Belén, su histrionismo conmueve, provoca una experiencia que nadie, absolutamente nadie, quisiera vivir. Lamentablemente esta producción a cargo del mexicano Santiago Martínez sólo brindó dos funciones en el Foro Shakespeare (Ciudad de México), mismo que en unos días cerrará sus puertas.

VANESSA (EL PROBLEMA SOCIAL DE LA BASURA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen promocional

 

Vanessa

Muchos hemos oído sobre los tiraderos de basura pero pocos sabemos cómo se vive ahí, en sus entrañas, el problema social que representan, no solo para quienes están en sus colindancias, sino para los que nacen, pasan su niñez, su adolescencia y se convierten en adultos en ese medio. Algunos verán sus últimos días en ese muladar, donde hay de todo, de todo lo malo, donde más adentro del olor hay otros olores que taladran el cerebro, personas de todas las edades “peinando” basura, donde se espera algún día encontrar un tesoro, donde se respira libremente aunque huela a mierda.

 

Nuestro personaje lleva el mismo nombre de la obra: VANESSA. Tania y. Mayrén -autora e intérprete- nos introduce a una pieza unipersonal de teatro documental, conjuga la realidad y la ficción, la idea es involucrar con el problema que representa la basura en el ámbito internacional.

 

Muchos sabemos de la existencia del tiradero a cielo abierto bautizado como Neza III del Bordo de Xochiaca. Tania con vehemencia denuncia todo lo que ahí acontece, la sobrevivencia, de cómo algunos están limitados a ese pequeño universo, algunos nunca salen al mundo exterior. Vanessa no tiene certeza de nada, nace rodeada por una montaña de basura, su madre la esconde, su único amigo es Topo, con quien comparte juegos y experiencias. Su madre hasta los siete años de edad la niega, luego la prepara (arregla) para satisfacer sexualmente al líder. El texto está muy bien estructurado, más si se toma en cuenta que en un sentido amplio es teatro documental; plantea rompimientos, dos personajes: Vanessa y la propia Tania. En breve tiempo -un poco más de una hora- nos cuenta una historia brutal, desgarradora, infrahumana, la de una niña pepenadora quien sueña con el mar, sabe de éste por lo visto en revistas encontradas en el tiradero.

 

Germán Castillo en su calidad de director no cae en el garlito del desgarre de las vestiduras, en forma objetiva y realista lleva al personaje a aceptar su vida como algo natural, al menos en principio; inclusive le da un tono poético a la tragedia, no hay exabruptos. Puesta minimalista, se emplea el multimedia, se proyecta un fragmento en vivo. Aprovecha las cualidades histriónicas de Tania, pone al servicio del monólogo su amplia experiencia teatral. El diseño sonoro y música original son de Rodrigo Castillo; el diseño de video y vestuario de Abril Pinedo.

 

VANESSA forma parte de la trilogía AUTORRETRATO, conformada por ANNA (2014) y HEDDA (2017), El montaje tiene lugar en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), hasta el 28 de octubre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

 

 

Septiembre 2018

NIÑO, AUTOPSIA PSICOLÓGICA (EL SUICIDIO COMO UN MAL UNIVERSAL)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de la publicación en Facebook de Minerva Velasco.

Niño, autopsia

El suicidio infantil, entre adolescentes y en los adultos ha cobrado dimensiones alarmantes en el ámbito mundial. Las causas son de lo más variado: la soledad, el aburrimiento, la falta de cariño, la angustia por los exámenes escolares, económicas, el abuso sexual…una lista interminable. En términos generales continúa como una incógnita, más allá de las causas, qué conduce a una persona a tomar una solución tan drástica. Tanto o más desconcertante es por qué no piensan en sus allegados y las consecuencias traumáticas, en ocasiones de culpa, sobre todo cuando hablamos de niños.

Con la intención de alertar a los espectadores sobre esta problemática, acerca de las señales que pueden prevenir el suicidio, Mario Gabriel Bárcenas Castellanos nos presenta, en NIÑO, AUTOPSIA PSICOLÓGICA, la historia de un pequeño, Jorge, de tan solo 11 años de edad, quien toma la decisión de privarse de la vida. Además de los trámites burocráticos, la madre, Alma, es obligada a enfrentarse a una psicóloga forense, ésta a su vez sufre similar problemática: el suicidio de su padre. El niño ya muerto se aparece, como alucinación, a través de una televisión una metáfora. Alma lo cuestiona del por qué de su determinación, hay varias respuestas y conjeturas. Un giro inesperado, la especialista está más trastornada que la progenitora

Un texto fuerte, llega a lo más profundo, más para quien ha estado cerca de situaciones similares. La terapia, desde el punto de vista dramatúrgico, está bien planteada a través de varias escenas, afortunadamente no es amarillista, eso sí, una alerta roja, una forma de no pasar por alto esta desgracias humana. Escrito con sutileza, con delicadeza para no herir susceptibilidades. El gran acierto es cómo con tan sólo dos personajes se adentra en un problema mundial y cumple en forma perfecta con la alerta de algunas medidas de prevención, lo focos rojos que anteceden a las suicidas.

Abel Gónzalez Gómez es responsable de la dirección. Para no variar, la puesta es minimalista -una banquita, un banco, una silla, una televisión y una cámara de video- el empleo del multimedia, uno de los mejores realizados, en este caso apoya lo que acontece en el escenario, no es distractor, es parte de la representación, no adquiere el rol de protagonista, es austero pero fundamental, hay que reconocer la propuesta de Mario Martínez en este sentido. La dirección se aparta de cualquier exabrupto, a pesar de que los personajes enfrentan situaciones límite, las actrices captan  perfectamente tanto lo emocional como lo físico planteado por Abel.

Minerva Velasco (Alma), excelente, con buen ritmo, asume las pausas necesarias, le da a cada palabra su tiempo y emocionalidad, parece que no caracteriza sino que está contando una vivencia personal; Andrea Méndez acorde a los requerimientos, ella si tiene excesos, sobre actuación, más en un monólogo, en su favor se puede decir que así está marcado su personaje, sin embargo no desmerece.

Niño, autopsia psicológica tiene temporada en Foro 37, Londres 37, col. Juárez, Ciudad de México, hasta el 27 de octubre, los sábados a las 20:15 horas.

 

EL MALETAZZO (TODA UNA VIDA GUARDADA EN MALETAS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de la publicación Extensión, tomada de la página de la producción en Facebook

El maletazzo

 

¿Se puede empacar toda una vida en unas cuantas maletas? La respuesta es afirmativa. Así lo demuestran Pancho Durango y Fernandovich, protagonistas de EL MALETAZZO, espectáculo clown creado a partir de una invitación del Theátre de I’Opprime para una gira en 2017, dramaturgia, dirección e interpretación de Francois Durégne, acompañado por Fernando López (Fores) integrante de Orquesta Basura.

 

Una estación del tren, ambos personajes esperándolo para partir, mientras tanto de sus maletas como caja de Pandora van apareciendo diversos objetos para dar paso a trucos de magia, absurdos en apariencia, increíbles, extravagantes, éstos provocan la hilaridad, en el fondo son recuerdos de una historia de amor, sueños de vagabundos dispuestos a cambiar la realidad.

 

La propuesta, en principio, parece absurda, dos orates quienes convierten la tragedia en comedia y viceversa, un hecho da lugar a un mundo onírico. Si bien lo central es lo clown, este se apoya con mímica y magia. Lo absurdo cobra sentido, la aparente simplicidad se convierte en todo un espectáculo, la hilaridad atrapa a cada uno de los espectadores; lo “grotesco” emana en sutileza, actores y público se convierten en uno.

 

Dos vagabundos, lo resalta el vestuario, provocan un aparente caos escénico, deleita por sí mismo, la emoción es parte ineludible, una puesta en escena para la memoria. No hay escenografía, sólo múltiples maletas llenas de sorpresas; muchos calcetines se convierten en parte fundamental. Una frase sintetiza gran parte del conjunto: “Siempre más grande, siempre más fuerte”. Se comparte recuerdos, provoca envidia como dos seres hacen de éstos la riqueza de sus vidas.

 

EL MALETAZZO se presentará en breve temporada, los miércoles hasta el 30 de octubre, a las 20:00 horas, en Teatro La Capilla, Ciudad de México.

 

 

CIUDAD MONSTRUO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 ciudad ligero

 

Los que nacimos y hemos vivido toda la vida en la capital de la República Mexicana, estamos acostumbrados a su grandiosidad, sin embargo, quienes vienen de otros lugares del territorio nacional sea de visita o por un cambio de residencia quedan impactados ante sus dimensiones y llega a parecerles una CIUDAD MONSTRUO.  En efecto, nuestra gran capital es de gigantescas proporciones por su tamaño y por su población.  La Ciudad de México ocupa el cuarto lugar entre las más pobladas de todo el mundo.  Es también la que ofrece más oportunidades y donde se encuentra la mayor diversidad.  En contraposición a esto, son muchos los riesgos a que están expuestos sus habitantes, sin dejar de lado el que las capas tectónicas de su subsuelo están en constante movimiento y el peligro de un sismo siempre está latente. Todavía tenemos fresco el recuerdo del sismo más reciente que está por cumplir un año de haber ocurrido, mismo que fue de graves consecuencias.

 

Enrique Olmos de Ita, quien se desempeña como dramaturgo, crítico de teatro, narrador, divulgador de ciencia y es el creador del concepto “Neurodrama“, que define la relación entre las artes escénicas y las neurociencias cognitivas, decidió escribir CIUDAD MONSTRUO, una obra cuya temática es lo que se experimenta ante un sismo.

 

A partir del texto original concebido por Enrique Olmos de Ita, José Alberto Gallardo lleva a escena CIUDAD MONSTRUO.  José Alberto es un hombre sensible, comprometido con el teatro, su trayectoria abarca sus distintas facetas como actor, director, dramaturgo y docente, también ha incursionado en el baile y tiene predilección por los proyectos interdisciplinarios.

 

Para el montaje de CIUDAD MONSTRUO incorpora una original propuesta que consiste en que los integrantes de su elenco estén acompañados por pequeñas figuras realizadas a semejanza de cada uno de ellos.  Su labor de dirección la desempeña en forma brillante, su trazo escénico es limpio, las acciones y las pausas están balanceadas, la corporalidad está bien diseñada, dimensiona el espacio en diferentes niveles y el ritmo es preciso.

 

La acción ocurre en un edificio y los personajes son los inquilinos.  Carolina es una joven de 30 años que vive sola, bella, autosuficiente, parece tener la vida resuelta.  Alma apenas tiene 17 años, está atravesando momentos difíciles, ya que acaba de perder a su mamá y tiene que encontrar la forma de seguir adelante.  Don Manuel es el dueño del edificio, a sus 50 años siente que ha desperdiciado su vida, que no ha perseguido sus sueños por estar administrando el edificio y quisiera buscar nuevos horizontes, Xicoténcatl es el ingeniero que se encarga del mantenimiento y reparaciones del edificio, está acostumbrado a hacer trabajos donde se le llame, a la hora que sea, por lo cual, en ocasiones, desatiende a su familia.   Un gato que es fiel acompañante de la señora Manini, una señora que a causa de su edad enfrenta “la devastación de su organismo” y cuya movilidad es limitada.

 

En un día cualquiera, los habitantes del edificio están en sus asuntos cotidianos cuando don Manuel aprovecha la oportunidad para anunciarles que está cansado de que se retrasen con la renta y, por lo tanto, venderá el edificio.  Aún no asimilan la idea de perder su vivienda cuando escuchan la alerta sísmica y sobreviene un sismo.  Cada uno de ellos reacciona en forma distinta, por un lado, está su instinto de supervivencia y, por el otro, la reflexión personal de cómo han llevado su vida.

 

El elenco ofrece una formidable labor histriónica y corporal. Cada uno de ellos encarna a su personaje en forma emotiva, dotándole de los matices necesarios y salen avante del reto de interactuar con la figurita que los representa y con el público.  Frida Astrid es Carolina,  Michelle Betancourt es Alma,  Pedro Mira es don Manuel,  Manuel Domínguez es el ingeniero Xicoténcatl,  y  Damián [Cordero es el gato de la señora Manini, que es la única representada únicamente por una figura.

 

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El acertado diseño de escenografía e iluminación es de Félix Arroyo.  El entorno adecuado lo aporta la música original y diseño sonoro de Rodrigo Castillo Filomarino, el diseño de vestuario es de Giselle Sandiel.

 

La producción ejecutiva es de David Castillo, el gerente de producción es Pablo Abitia,  el Asistente de Dirección es Jorge Valdivia,  y  el asistente de producción, Raúl Morquecho.

 

Prensa:  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint),  redes sociales:  Adria Castro e Irina Máximo,  diseño gráfico:  Dayán Martín Camacho  y  Héctor Lara.

 

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CIUDAD MONSTRUO es presentada por Cía. Helecho producciones y 25 Producción, así como por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

Este proyecto teatral nacional es realizado con el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión (Efiartes-Efiteatro)

 

Quienes asistieron a las funciones pudieron mirar detrás de los muros de este edificio, conocieron a los inquilinos y los acompañaron en el momento del sismo. Una obra que te lleva a reflexionar sobre tu propia vida.  Lo cierto es que todos estamos expuestos a una desgracia, un accidente, una enfermedad o un fenómeno de la naturaleza.  Lo mejor que podemos hacer es tener nuestros asuntos arreglados, disfrutar el día a día y tratar de tomar las prevenciones a nuestro alcance.  Al igual que en la ciudad puede haber devastación, reconstrucciones o construcciones nuevas, todos tenemos oportunidad de reconstruirnos a cada momento.  CIUDAD MONSTRUO cubrió una muy exitosa temporada en el TEATRO BENITO JUÁREZ de la Ciudad de México, la cual acaba de concluir el domingo 9 de septiembre de 2018.