Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

HABLEMOS DE AMOR (POSIBILIDADES EN EL UNIVERSO DE LA LIBERTAD)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
Imagen tomada de la página de Facebook de la producción
Hablemos de amor
Mucho se ha dicho y escrito sobre el amor, sin embargo, no hay definición que abarque en forma absoluta el sentimiento más sublime del ser humano. En primer lugar porque de origen, como expresaron los antiguos griegos hay variantes: el amor a Dios, el erótico, el filial, a nuestros semejantes, aún más, hay quienes sostienen se puede amar a los animales, a la naturaleza y, por curioso que parezca, a los objetos, sin olvidar el amor a la patria.
Jorge Robles, basado en la recopilación DEL CORAZÓN Y OTRAS VÍSCERAS, de Alejandro Jurado, Juan Carlos Barreto y Mauricio Martínez, pone a consideración de los teatrófilos HABLEMOS DE AMOR, con la pretensión de exponer todas las combinaciones posibles que el universo de la libertad de género abarca. Desde su perspectiva “…(el) amor como condición que nos mueve y reune con los otros”.
Durante el desarrollo de la obra se citan a San Agustín, Ibargüengoitia, Lope de Vega, Jardid Poncela, Shakespeare… así como textos de Ortega y Gasset y, obvio, Erich Fromm. Sin embargo, en una buena parte de la puesta se cae en la enunciación de premisas, puntos de vista, infinidad de calificativos, múltiples interrogantes y más de alguna afirmación categórica. Desde mi punto de vista se diluye lo dramatúrgico, para expresarlo claramente, se adentra en lo antiteatral , cada uno de los actores y actrices “bombardean” al público con sentencias hasta abrumarlo.
Por fortuna hay escenas dialogadas -por ejemplo un fragmento de OTELO, de Shakespeare- mismas que dan más sentido a la temática, quedan más claras las diferentes posturas, escénicamente son el sotén del montaje, sin descontar el peso de los breves monólogos; los personajes son caracterizados, hacen a un lado a los “merolicos”. ¿Qué se requiere para amar y ser amado? Alternativas: éxito en el ámbito social, ser atractivo(a), agradable, popularidad, ser sexy, sin pasar por alto la importancia y rol que juegan las redes sociales y el WhatsApp. Diferencias entre al amor -más dar que recibir- y el deseo, entendido en que la otra persona venga a uno. El tratamiento desde varios ángulos es interesante, sin embargo, fragmentos dignos de un libro de “superación personal” y otros dignificando la dramaturgia a través de la escenificación.
Robles como director traslada literalmente lo que en principio adaptó, mucho se resume en los antes mencionado. Una rampa, con unos 45 grados de pendiente, aproximadamente, ésta con una iluminación -foquitos- en las orillas laterales, más con un concepto simbólico que práctico, una vestuario híbrido y una buena musicalización de Jorge Jurado.
Considero es el elenco quien lleva a buen puerto el tratado teatral sobre el amor. Ellos son: Michelle Jurado, Natalia Madera, Andrea de Fátima, Alfredo Gatica, Francisco Pizaña y Carlos Gatica. Bien ante lo planteado por su director, integrados en un conjunto homogéneo, dignos de reconocimiento cuando llevan a cabo las escenificaciones dialogadas y, como comentario paralelo, muchos más destacadas las muchachas que lo varones.
HABLEMOS DE AMOR, invitación a al análisis y con toques de humor, tiene lugar en el Teatro La Capilla (Coyoacán, Ciudad de México), hasta el 31 de agosto, los viernes a las 20:30 horas.,
Julio 2018

LA NENA (AMOR A GOLPES E INSULTOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro
Imagen cartel La nena
La nena
Parece extraña una relación de amor y odio en forma simultánea entre una madre y su hija, sin embargo, es más frecuente de lo que se piensa, los golpes y los insultos se dan en forma cínica, natural, sí vale la expresión, la comunicación en medio de las grocerías, palabras hirientes, el sarcasmo siempre presente; por otra parte, nobles sentimientos, por contradictorio que pareciera
Un retorno pronto, una nueva versión de LA NENA, autoría de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio -mejor conocido como LEGOM-, protagonizada por la primera actriz EvangelinaMartínez, acompañada por Laura Castro. Apenas en julio de 2017 dimos cuenta en este espacio de la primera temporada en el Hostal Regina, semanas después sobre la reposición en el Círculo Teatral (los dos espacios en la Ciudad de México), en ambas ocasiones bajo la dirección de Omar Olvera
Ahora retorna en el teatro Sergio Magaña -tan solo por tres semanas- con el cambio de director, toca el turno a Ángel Luna. Tengo la duda de cuál texto de los representados es el original, porque en las dos primeras puestas se da realce al alcoholismo de la madre, mientras en la actual ni se menciona, por citar un ejemplo. Es cierto, las comparaciones son ociosas e inútiles en muchos casos, pero esta vez, creo, es inevitable, tan solo un año ha transcurrido entre el estreno y el actual montaje.
Omar asumió una propuesta escenificada en medio de una escenografía realista, mientras Ángel una minimalista, deja la duda del lugar donde transcurren los hechos. Con el primero la “calma” envolvía el caos emocional, el segundo destaca la agresión psicológica, externamente más moderada, en lo interno más intensa. Olvera le daba más peso al personaje de la madre, Luna le da más juego escénico a la hija, respecto a la relevancia que le precedió, desde un pequeño monólogo inicial hasta un epílogo entre el gozo y la libertad por fin alcanzada. En mi caso podría, sin compromiso alguno, dejar al criterio de quienes han tenido la oportunidad de ver ambas propuestas, sin embargo, para bien o para mal diré que las dos son excelentes pero a fuerza de ser sincero me quedo con la de Omar Olvera.
Evangelina excelente como siempre, el escenario no tiene límites para ella, no protagoniza, encarna a la madre, una cátedra actoral. Laura cada día más consolidad, a la altura, con creces de los requerimientos del texto y de las propuestas de los respectivos directores. En hora buena por las dos y beneplácito de los espectadores.
La tercera temporada de LA NENA se puede disfrutar en el teatro Sergio Magaña (Ciudad de México) hasta el 22 de julio, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

TEATRIKANDO

por Benjamín Bernal, presidente de la APT

La Sociedad de los poetas muertos en Barranca del Muerto

Versión teatral del famoso filme estelarizado por Robin Williams, quizá usted lo recuerde, un profesor de literatura lucha por abrir la mente y formas de un grupo estudiantil que al abordar los grandes textos y en especial la poesía, se llevan varias sorpresas, por ejemplo, que la belleza formal de las palabras conforme a las reglas tradicionales, mercería ser arrancada y tirada a la basura, concepto que muchos neo dramaturgos, seguramente aplaudirán con gusto, porque cada 15/20 años llega una generación que desea considerar rebasadas todas las preceptivas y anhela liberarse de todo lo añejo.

Descubren que el profesor en su juventud estuvo es esta escuela y formó una sociedad de escritores llamada como el nombre del filme, sesionaban en una cueva, a la luz de las velas y con ciertas reglas que les entregaban las llaves de la libertad en la escritura. A principios de año fue estrenada esta versión para teatro de cámara con Alfonso Herrera, Luis Couturier y Gonzalo Vega jr. con un amplio reparto. Resuelven con sencillas escenografías convencionales el transcurso del tiempo y los traslados de lugar, para dejar que sea el texto el que impere y lleve al público a través de este viaje lírico.

 El teatro Libanés esta en Barranca del Muerto, casi Insurgentes, calle que ha sufrido una reparación larga, larga, para dotarle de unos túneles que vienen de Rio Churubusco y comunican hacia Guadalupe Inn, así que el teatro Libanés quedó atrapado, para estacionarse es necesario dar una gran vuelta.

Así que Cllaudio Carrera, continuará otros meses con esta obra en el Libanés, misma que ha tenido opiniones favorables y otras menos por el pequeño escenario,

Ahi cerca, en el Insurgentes entrará Casa de Muñecas dos, para esperar la llegada de Hello Dolly por el fin de año, representa buen teatro, para el público conocedor.

A PUNTO DE CUMPLIR CIEN FUNCIONES “Canción rota Para un perdedor Fortuito” de Arturo Amaro, actuada por el mismo, se estrenó en 2017, cuando el tema migratorio se puso color de hormiga, poco a poco se ha ido agudizando el dolor que causa entre las familias mexicanas. Algunos compatriotas se van buscando mejorar su nivel de vida, encontrar el trabajo que su patria no le pudo dar; otros van por curiosidad ¿de verdad es tan interesante la cultura Yanqui? O por una mujer que le dejó mal sabor de boca. Si, también quizá van deseando tener un hijo que en su lugar de origen nunca llegó. Esta obra dará funciones especiales todos los martes de julio en la Casa de la Cultura José Martí, afuera del metro Hidalgo. Tengo el honor de dirigirla, vaya y opine.

TARDE PARA ARREPENTIRSE (COMEDIA NEGRA EN TORNO A LA AMISTAD)

Por: Alejandro Laborie Elías

Imagen  tomada de la página de Facebook de la obra.

 

Tarde para arrepentirse

Sería o es de suponerse la amistad es una relación sublime, dignifica y honra al ser humano, sin embargo, ¿qué esperar cuando está fincada en la falsedad, en la inseguridad, en la envidia y sobretodo en las diferencias radicales de concebir la vida, las metas, la idiosincrasia, los distintos caminos o giros entre quienes se enorgullecen de profesarla?

 

Sin una respuesta concreta, más bien una serie de planteamientos, Alan Blasco -autor y director- nos refiere la relación entre tres mujeres cuya amistad de 17 años se fractura, las lleva a externar lo que cada una piensa de las otras dos, todo se vuelve caótico, se olvidan los buenos modales, se olvida la moral, el respeto y hasta cierto punto la autoestima. El texto lleva por título TARDE PARA ARREPENTIRSE, comedia negra, álgida, fuerte, las palabras son hirientes, es sorprendente la capacidad del dramaturgo para concebir de principio a fin tantas frases con ese corte, lo curioso es que algunas son hilarantes, llama la atención que la agresión provoque la carcajada en el espectador, claro el texto cumple con ese propósito pensado, al menos eso creo, desde el origen del mismo. Más sorprendente que a pesar del lenguaje, soez en fondo y forma, nunca caiga en la vulgaridad, directo, sin tapujos, claro no apto para conservadores o moralistas.

 

Tres mujeres, tres amigas, digamos igual número de protagonistas, sin embargo, el “personaje” central es un supuesto vestido de novia, varios temas van y vienen, a la postre todo gira o retorna a la prenda. Una de ellas inmersa en la política, capaz de cualquier cosa para mantenerse en el poder y gozar de los beneficios económicos que conlleva; otra planeando y disfrutando su futuro matrimonio, el cual… y la tercera, una escritora frustrada, con una carga de conciencia, quien finalmente encuentra una buena historia para una novela.

 

Alan como director tiene aciertos y desaciertos. Empecemos por los segundos: abusa de los apagones para los cambios de escenas, recurso pasado de moda hace varias décadas, dicho en forma directa, falta de imaginación para resolver la propuesta en este sentido. Otro, más grave aún, hay una gran diferencia entre actrices interpretando a mujeres en momentos de histeria, hasta de esquizofrenia si se quiere, y otra muy diferente ponerlas a gritar como orates, a tal grado que su misma voz provoca se vuelvan inentendibles muchas palabras y frases. Por último, corresponsable con las tres,n unas cachetadas mal logradas, falsas, ejecutadas con miedo, sería preferible cambiarlas por empujones, pero no soy el directos.

 

Los aciertos, con una escenografía por llamarla así, propone un buen trazo, un acertado ritmo y explota al máximo la hilaridad, siempre presente la comedia negra. A pesar de lo antes mencionado aprovecha al máximo las posiblidades actorales de su reparto, en complicidad mantienen -director y actrices- la intención del contenido y la premisa, más bien cuestionamiento de cuál es el valor de la amistad cuando se basa en acuerdos tácitos y caóticos. Dignos de reconocimiento los rompimientos para dirigirse directamente al público.

 

Estefania Ahumada (Arlet Gamino), Anahí Dávila y Ana Corti, integran el trío de amigas, bajo la producción de El Círculo Teatral, en una brevísima temporada -cuatro funciones- hasta el 29 de julio, los miércoles a las 20:00 horas,  en la sede de La Capilla, Ciudad de México.

 

 

 

SUEGRITA QUERIDA (LAS ETERNAS DIFERENCIAS ENTRE LA FAMILIA POLÍTICA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Tan solo 15 minutos le bastaron a Evangelina Martínez para mostrar y demostrar su talento actoral, su polifacética presencia escénica, el histrionismo que la convierte y consolida como una verdadera primera actriz.

 

Su más reciente intervención teatral se llevó a cabo en SUEGRITA QUERIDA, de Paco Lalas, dirección de Alejandro Herrera. Su personaje, Blanca, es una adorable mujer, simpática, mal hablada, sin embargo, su relación con la nuera no es la deseable, no hay armonía ni empatía, aun cuando en el fondo -al menos desde mi lectura- hay un sui géneris afecto entre ambas. En medio de las dos, o como decimos, Beto, el hijo, queda entre la espada y la pared. Se produce el rompimiento filial, a la postre una serie de circunstancias llevarán a los personajes a situaciones imprevisibles con consecuencias fatales.

 

Evangelina, así lo exige el personaje, expresa con gran naturalidad las grocerías, nunca cae en la vulgaridad, cada maldición está inmersa en una buena dosis de hilaridad. Se desenvuelve en forma innata, el escenario es su medio, la actuación, más que una profesión, es su pasión, una de las razones prioritarias de su existencia. A pesar de que el director, en torno a una escenografía realista -un comedor-, la confina en uno de los extremos del espacio escénico, ella lo amplia, lo engrandece, Blanca encarna la fuerza y sentir que la actriz le proporciona. Un aspecto a destacar es el lenguaje de sus manos, literalmente éstas son parte de un diálogo directo con los espectadores.

 

Cabe destacar las participaciones -hay elenco alternante- de Elba Jiménez (Meli) y Carlos Girón (Beto), quienes están a la altura del reto que representa alternar con Evangelina, con los requerimientos del texto y el tiempo para plantear, desarrollar y concluir un montaje en 15 minutos.

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La trama se desarrolla en dos planos, propiamente no hay interacción entre la pareja y la madre-suegra, no entro en mayor detalle para no vender la trama, dado el caso de una reposición. Es triste que nuestra actriz haya terminado su participación en la presente temporada que se lleva a cabo en Teatro en Corto; por otra parte, nos congratula la reposición de LA NENA, a partir del próximo 5 y hasta le 22 de julio, en el teatro Sergio Magaña, otra gran actuación, de la que ya hemos dado cuenta en este espacio, de nuestra querida y admirada EVANGELINA MARTÍNEZ.

 

LA ESPERA (TESTIMONIO DE CUATRO EX-CONVICTOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía tomada de la página de Facebook de la Compañía

 

La espera

Teatro, más bien dramaturgia, testimonial no es novedad, sin embargo, en LA ESPERA lo sorprendente es asistir a la escenificación de la confesión pública de cuatro ex-convictos quienes desnudan sus almas, aceptan en forma abierta su culpabilidad, espiritualmente están tranquilos y han encaminado sus vidas en el marco del quehacer teatral. Un cuarteto cuyos actos delictuosos estuvieron inmersos en la violencia, misma de la cual fueron víctimas durante la privación de su libertad.

Robo de automóviles, violación, homicidio… sin embargo, la esperanza, la espera, por ejemplo del día en que se recobrará la libertad, para ellos, según su testimonio, este estado puede producir alegría, inclusive hay quienes llegan a “amar” la prisión; creer que el amor es un lugar a donde se puede llegar y a pesar de eso estar consciente que delinquir es perder lo que se tiene y lo que se quiere. Quedar sin familia, perder o alejado de la esposa e hijo, sufrir la marginación en el más estricto sentido del término.

Conchi León, responsable de la dramaturgia y la dirección, comenta: “Esta obra es una historia de libertad, de espera, de esperanza. Un grito que traspasa todos los muros porque el teatro nos permite eso, hablar de la verdad por muy siniestra que ésta sea”. No hay amarillismo, hay sinceridad, no hay morbo, hay comprensión, no hay condena, hay reivindicación. El texto está cimentado en el monólogo, cada uno narra sus antecedentes, las circunstancias, el delito cometido, las penalidades físicas y, sobre todo, saber que habrá un mejor porvenir. Obvio, hay momentos en que interactúan, son compañeros del mismo destino, ahora camaradas en el escenario.

Como directora Cochi opta por el minimalismo, sólo emplea objetos en forma simbólica: trompos -juguetes- que representan que la vida gira y ellos con ella; un vehículo y un carrito, padre e hijo… Deja abierta la idea: ¿qué hacer al salir libre? La respuesta tanto o más dolorosa que la misma prisión, la incertidumbre total. Se le debe reconocer a Leós su habilidad para hacerlos actuar, darles confianza, perder el miedo al escenario y enfrentarse al público describiendo su devenir delincuencial. No los obliga a tal o cual actitud, explota su sensibilidad, la toma de conciencia y su arrepentimiento; los convierte en actores, cautivos antes, cautivadores ahora. Ellos son Javier Cruz, Ismael Corona, Feliciano Mares y Héctor Maldonado.

Ahora bien, cómo llegaron al teatro, en su primera temporada en octubre de 2017. El Foro Shakespeare, por iniciativa de su directora Itari Marta, patrocina un programa de rehabilitación en el penal de Santa Martha Acatitla consistente en la formación de actores internos y externos de manera profesional a través de talleres teatrales y pedagógicos generando puestas en escena de impacto social, abiertas al público interno y externo. Cinco antiguos reclusos formaron la Compañía de Teatro Penitenciario, uno de sus resultados es la obra que hoy nos atañe, recomendable en muchos sentidos, entre otros el reconocimiento de su valor y capacidad de reivindicación.

LA ESPERA, se representa en La Gruta del Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), los jueves a las 20:30 horas,

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS (A VECES PERDERSE NOS PERMITE ENCONTRARNOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la producción

 

Nostalgia

Una idea muy socorrida en nuestra sociedad es la creencia de que tocar fondo es la posibilidad de levantarse o como expresa Ángel Luna, autor y director de LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS, “a veces, perderse nos permite encontrarnos”. Hay muchos casos que constatan la premisa, sin embargo, ahora es abordada en una interesante combinación entre una posible realidad y la fantasía.

 

La obra fue ganadora del Circuito de Jóvenes Directores y Dramaturgos. Otra “extraña” mezcla es la de conceptos científicos -al inicio preponderantemente- y las emociones propias de los seres humanos, tales como el amor, el perdón, el olvido, la traición, la confianza. Cuatro personajes, igual número de actores y el mar como transfondo para enmarcar las historias. No cualquier mar, destino del lugar secreto de las cosas perdidas. ¿El sitio existe o sólo está en la mente, en esos recuerdos que habitan en los recovecos de quien ha olvidado? El texto va de menos a más, cuando la fantasía lo enriquese, cuando lo aparentemente absurdo posee cierta lógica si se permite la expresión, se vuelve por demás atractivo.

 

Por momentos filosófico, ideas para meditar: “Las cosas no están perdidas, están en un lugar alternativo”, “El organismo olvida como mecanismo de defensa” o, en ocasiones, buscando aparecen cosas que no quería encontrar… las cosas no se pierden cambian de dueño”

 

Lo emocional predomina a través de tres historia entrelazadas, al final es una para volverse a desmembrar, querer recordar, recuperar lo perdido, encontrarse a uno mismo. No sólo se pierde lo material, puede ser la identidad, la búsqueda del progenitor; luchar contra un destino que no se puede cambiar. Un globo que se convierte en un niño de siete años, alguien quien desesperadamente desea ser encontrada, un ser quien a pesar de sus grandes ojos quiere dejar de ver… Un texto casi mitológico, escenas caóticas y los personajes recordando esa forma de expresarse, al estilo de los sobrinos del Pato Donald, esto es, uno inicia, otro secunda y otro culmina la idea. Por momentos la narrativa le resta lucimiento al fondo. Obra difícil de digerir, requiere atención de principio a fin, cualquier distracción puede ser fatal.

 

Ángel como director tiene altibajos. Está obsesionado con la rapidez con la que se expresan los personajes, tanto en los diálogos como en las narraciones, esto mismo acontece con el desplazamiento escénico, da la sensación de un trazo contra reloj, algunos instantes entra de lleno a lo coreográfico, los actores son exigidos al límite, tanto física como emocionalmente, más preocupados por las acciones corporales que por el contenido. En los contados relajamientos el texto adquiere belleza, profundidad, se crea y recrea lo onírico, más en la mente del espectador que en el espacio minimalista.

 

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS, se representa en el Foro La Gruta (Ciudad de México, sábados a las 19:00, domingos 18:00 horas, con las actuaciones de Andrés Torres Orozco, Valeria Fabbri, Gina Marti y Aldo Barhego, bajo la producción de Sandra Narváez y la compañía Jengibre Teatro.

DHL (BÚSQUEDA PARA ENCONTRARSE A UNO MISMO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico teatro

Foto de la publicación de Los Bocanegra en la página de Facebook de la producción

 DHL

 

Hay diversos caminos en la búsqueda para encontrarse a uno mismo, las posibilidades varían según las circunstancias de cada persona, de su idiosincrasia, de su capacidad intelectual, del entorno, de sus sueños e ilusiones, de quienes lo rodean, de la percepción de cada uno, de sus ambiciones.

 

Féliz un ser ensimismado, quien se subvalora, su mundo se reduce al sector cuatro, su único universo es como mensajero profesional, su única actividad y razón de ser es entregar paquetes. Un día se angustia por sus sueños, entre ellos convertirse en un papalote a pesar de su fobia a las alturas. Trata de darle una interpretación lo que a la postre se transforma en una pesadilla. En su búsqueda hace una remembranza, regresa a su niñez cuando cursaba el jardín de niños, cuando conoció a Rosa, su amor eterno.

 

Luis Eduardo Yee como autor y actor nos adentra en lo anterior a través del monólogo DHL. Un planteamiento inicial intrascendente, no aporta gran cosa desde el punto de vista dramatúrgico, alarga sin sentido los antecedentes, sin embargo, hay un giro afortunado para el espectador, desafortunado para el personaje: encontrar una dirección que no existe y por ello la imposibilidad de entregar un paquete con carácter de urgente. A partir de esto, el texto se enriquece, cautiva, provoca la solidaridad con el personaje, son su situación, con el abandono de Rosa y olvidarse de lo que le daba sentido a su existencia: su trabajo. El teatro todo lo permite, otro giro inusitado, por qué no increíble y más onírico que sentirse papalote, lleva a un desenlace conmovedor… Félix se ha encontrado consigo mismo.

 

Ricardo Rodríguez, director, capta a la perfección la intencionalidad del dramaturgo, lleva de la mano al personaje por todos los vericuetos que transforman su devenir. Aun cuando hay una tienda de campaña con una fuerte carga simbólica, se puede afirmar que no hay escenografía, todo queda en el histrionismo de Yee, quien solventa la carga emocional que él mismo se ha impuesto. Por fortuna la propuesta de dirección le da lucimiento al texto y explota las posibilidades del actor y atrapar a los espectadores.

 

Luis Eduardo con una gran caracterización de ese ser apocado; sabe cómo provocar la catarsis con toques de humor, darle a la narrativa sentido, regresar a la infancia sin caer en la bobería, convencer cuando la ingenuidad es protagonista. Remata con la conclusión inesperada, ahí se gana sentimentalmente al respetable. Su trabajo lo lleva a merecer loas.

 

DHL, en una más y última temporada, así lo anunció Luis Eduardo, hasta el 14 de agosto, lunes y martes a las 20:00 horas, en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México).

(DES)ARRAIGO

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

desarraigo ligero

 

Entre los nuevos grupos de jóvenes deseosos de hacer teatro se encuentra la compañía Juego Teatro, la cual fue fundada en 2011 con el propósito de ser un espacio de creación para desarrollar proyectos a partir de la investigación.  Juego Teatro acaba de iniciar una residencia en el Teatro La Capilla y la primera propuesta que presentan es (DES)ARRAIGO, la cual describen como “Unipersonal para actriz y bailarina, orquesta y una bicicleta“.  Se sabe que la prueba de fuego para cualquier actor o actriz es el monólogo o un espectáculo unipersonal.  Estar solos en el escenario frente al público es un reto al que algunos aspiran y otros tantos temen.  Vencer este reto depende de sus habilidades personales.

 

Al igual que todos los trabajos de Teatro Juego, (DES)ARRAIGO) surge de la investigación de la importancia de las raíces en el ser humano.  Desde que nacemos echamos raíces con la familia y con nuestro entorno.  Sin embargo, cada quien debe buscar su propio camino en la vida y es entonces cuando se produce el (DES)ARRAIGO. Si bien el término se utiliza comúnmente para las plantas, pues significa arrancar de raíz una planta, pero también suele aplicarse a las personas que se alejan de sus orígenes.

 

En la sinopsis del programa de mano, se lee:  “Esta es tu vida, tuya y no de otras mujeres, sus enseñanzas ya no caben en ti, quieres forjar tu propia historia lejos de los tuyos porque el pasado estorba y el futuro está por escribirse.  Te fuiste porque querías ser alguien … pero no te acuerdas de quién“.

 

En determinado momento, todos hemos experimentado algún (DES)ARRAIGO o, al menos, hemos visto a alguien cercano en ese proceso.  En (DES)ARRAIGO se abordan diversos temas vistos desde el punto de vista femenino.  Una linda joven mira en forma directa al público para relatar su historia personal que puede parecerse a la de muchas mujeres.  Ha vivido con su madre y su abuela, pero. para labrarse un futuro por sí misma, se aleja de ellas con la maleta llena de ilusiones.  Dejar la zona de confort para enfrentarse al mundo requiere de valentía.  Con sencillez, hace un recuento de sus vivencias y sentir, compartiendo detalles de su día a día.  Es así como van aflorando recuerdos de la niñez y las sorpresas que le depara la gran ciudad. así como logros, alegrías y tristezas “después de que una se rompe, ya nada vuelve a ser igual“, pero nada la hará renunciar a sus anhelos y está dispuesta a portar con orgullo las “cicatrices” que le han dejado sus dolores porque ahora forman la “geografía de su cuerpo“. de paso, se dará cuenta de que ahora valora más el inmenso amor que le prodigan las dos mujeres más importantes de su vida y hasta degusta mejor los alimentos que preparan.

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La intérprete de (DES)ARRAIGO es Julieta Cano, quien ofrece un formidable trabajo histriónico y corporal al hacer un recorrido por diversas emociones.  Con su carisma se gana la confianza del espectador e inmediato para luego platicarles y bailar coordinadamente.

La música en vivo es provista por:  Fausto Balboa – sax tenor,  Jaime Martínez – contrabajo,  y  Esaú Vázquez – batería, además de hacer breves intervenciones al lado de Julieta.

La dramaturgia es de Mónica Perea.  (DES)ARRAIGO es un texto de buena estructura y capta el interés de principio a fin.

La labor de dirección por parte de Alicia González es estupenda, su trazo escénico es dinámico, entrelaza el lenguaje verbal con el corporal y la música, las coreografías están bien diseñadas y variadas, los movimientos son cadenciosos, lentos o vertiginosos, aprovecha equilibradamente el espacio  y  el ritmo es preciso.

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Complementan el equipo creativo:  Alejandra Escobedo en concepto escénico,  Fernanda García en producción,  Mariana Cantú en asistencia de dirección,  Paris Ramos en asistencia general,  Leonardo Yee en diseño gráfico  y  VORM en realización.

La única falla en este proyecto es la iluminación.  Su diseño no es acorde con lo que sucede en el escenario.  Tal vez en un afán de crear una iluminación artística, los bruscos cambios rompen con la candidez del relato, además de que no toman en cuenta la brillantez extrema de las nuevas lámparas led que al ser colocadas frente al público lo deslumbran y lastiman.

La producción es de Teatro Juego, con coproducción de Teatro en Bici.

Una simpática joven provinciana recibió cordialmente al público para contarle anécdotas sobre su (DES)ARRAIGO.  Los espectadores disfrutaron de su grata charla mientras transcurría un unipersonal multidisciplinario, al ritmo de cuerdas, instrumentos de viento y percusiones.  (DES)ARRAIGO) Cubrió con éxito su temporada que finalizó el jueves 28 de junio de 2018.

 

La residencia de TEATRO JUEGO en la

SALA NOVO

ubicada en la calle Madrid número 13

(casi esquina con Centenario)

>al fondo del inmueble donde está el Teatro La Capilla

Coyoacán,  Ciudad de México

continúa con las siguientes obras:

SOÑÉ UNA CIUDAD AMURALLADA – miércoles del 1° de agosto al 5 de septiembre de 2018

JUAN Y JULIA – sábados y domingos del 1° al 23 de septiembre de 2018  y

PADRE NUESTRO – sábados del 6 de octubre al 24 de noviembre de 2018

 

 

 

JUANA INÉS: PARÁFRASIS DE SÍ MISMA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200331Una de las autoras mexicanas más prominentes es, sin duda, Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, mejor conocida como Sor Juana Inés de la Cruz, quien naciera el 12 de noviembre de 1651 en un pequeño poblado -San Miguel Nepantla- del Estado de México y falleciera el 17 de abril de 1695 en la Ciudad de México. Desde muy pequeña mostró aptitudes extraordinarias. A la temprana edad de tres años aprendió a leer y para los ocho años ya había creado su primera loa, al poco tiempo su familia trasladó su residencia a la capital, donde la niña prodigio causó sensación. En su adolescencia era admirada por su inteligencia, erudición y habilidad para versificar. Era bienvenida en los más altos círculos sociales, incluso en la corte virreinal. En aquellos tiempos, no era bien visto que una mujer tuviera inquietudes intelectuales, así que ella optó por retirarse del bullicio y tomar los hábitos en la Orden de San Jerónimo.

Con el tiempo, Sor Juana se convirtió en una autora prolífica de una obra plena de sabiduría filosófica que abarcó variados géneros, metros, estilos y temas. Estaba muy consciente y orgullosa de la condición femenina y en forma avanzada a su época, se atrevió a encarar al género opuesto con su poema Hombres necios que acusáis. Así mismo, fue de las primeras mujeres en infundir en su obra tintes de sátira y toques de erotismo. Es considerada la máxima figura del Barroco español y conocida en todo el mundo; sus textos han sido traducidos a numerosos idiomas. Según sus biógrafos, su obra maestra es Primero sueño. Se le llama la Décima Musa mexicana.

P1200349Con el incremento de índices en violencia de género, los temas relativos a diferencias, diversidad y tolerancia se han puesto sobre la mesa en nuestros días, la actriz Karla Constantini realizó algunos estudios al respecto. Entre la bibliografía consultada estaba, desde luego, la obra de Sor Juana Inés de la Cruz y esto le inspiró para realizar un montaje a partir de sus textos como una forma de llevar al público a reflexionar sobre la violencia contra las mujeres. Fue así como se inició el proyecto conjunto de los grupos Teatro Estudio y Teatro Nómada. A partir de la prodigiosa obra de Sor Juana, a modo de laboratorio, fueron armando una puesta en escena interdisciplinaria combinando teatro, danza y música para hacer un recorrido por la vida, la obra y la pasión de la Décima Musa.

El resultado es Juana Inés: paráfrasis de sí misma, una propuesta que ofrece un viaje en la condición de ser mujer en distintos tiempos y lugares, un mosaico donde se escucha la palabra de Sor Juana con toda su filosofía, perspicacia y esplendor, se escenifican relatos de situaciones variadas que van desde enredos amorosos hasta aspectos de la implacable Inquisición, en un entorno lleno de simbología que capta el folklore y la idiosincrasia del mexicano con evocaciones de España. Igual se pueden ver reminiscencias del cuadro Las Meninas de Diego Velázquez que una alusión a la popular lucha libre. En la representación se diluyen las diferencias de género -un hombre puede vestirse de mujer o una mujer de hombre-. El son jarocho añade luminosidad.

P1200353Fernando Sakanassi y Ricardo Ruiz Lezama logran un texto muy estructurado que capta el interés de principio a fin. La labor de dirección por parte de ellos es extraordinaria, el trazo escénico es depurado y brillante, el movimiento constante, el espacio bien aprovechado, el ritmo fluido y la belleza estética que imprimen sorprendente.

El elenco está conformado por Karla Constantini, José Jaime Argote, María Balam y Darío Rocas, quienes ofrecen una estupenda labor histriónica, corporal y vocal. En la música de entrada intervienen Valeria Rojas Estrada, Raquel Palacios Vega y Violeta Romero.

Aportan su creatividad a este proyecto: Tenzing Ortega en espacio escénico; Ricardo Pérez-Imagina Entretenimiento, es escenógrafo resiente, diseño de iluminación y producción ejecutiva; Xicoténcatl Reyes en diseño Sonoro; Estela Fagoaga en asesoría y diseño de vestuario; la doctora Francesca Gargallo en asesoría en feminismo y nuevas masculinidades; Ulises Cancino en asesoría de los Siglos de Oro; Roxana Elvridge-Thomas en documentación sobre Sor Juana; Diego Piñón en movimiento ritual; Víctor Villasana en movimiento escénico; Rosalinda Ornelas en asesoría en canto; Alan Gasperín e Iris Marielle en asesoría en jaranas; Paloma Domínguez en asistencia de dirección; José Alberto Sigala e Iván Rodríguez en asistencia de producción; Christian Leal en diseño gráfico y Édgar Minjares en video. Es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

P1200375Con Juana Inés: paráfrasis de sí misma queda demostrado que los jóvenes dedicados a la creación teatral están encontrando nuevas formas para expresar su arte.  Teatro Estudio y Teatro Novo sorprenden con este montaje de gran calidad. A punto de presentarse en la cuadragésima primera edición del Festival Internacional de Teatro Clásico Almagro 2018 en España, cubrieron una breve temporada en el Teatro Sergio Magaña de la Ciudad de México.  Quienes vieron este proyecto tan bien logrado, no sólo disfrutaron la poesía, la música, las interpretaciones sino hasta el bello y original vestuario.