Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

La insoportable levedad del pop

Richard Viqueira escribe y dirige este montaje que podría ser perfecto, déjeme explicarle, quizá yo este acostumbrado a las historias lineales, por eso me brinca cuando va y viene en las épocas y referencias para seguir narrando su divertido punto de vista acerca de la música pop que tiene muchas vertientes y les saca jugo a todas. La intensa levedad del ser, al principio se dice que ahora es calificado todo como violencia de género, acertada afirmación. Desde la forma en que marcan el 1, 2, 3 cada grupo; dicen que “no se puede confiar en la voz de un cantante” por supuesto hacen cera y pabilo de los nombres más famosos del pasado y el presente de la escena pop, Thalía, Biby Gaytán, Timbiriche, Erick Rubín, Ricky Martin, Menudo. Angélica Rivera es mencionada, aunque poco viene al caso, hay fragmentos de canciones famosas, varias de las aportaciones no son exactamente narrativas, buen chiste el de Plácido Domingo: le aplaudieron 80 minutos, a David Bowie sólo cinco y a… después se sale del tema del Pop para hacer un chiste político que es efectivo ahora, pero no se hizo hace seis meses,

Valentina Garibay (brilla de manera especial), Rocío Damián, Jennifer Sierra y Ángel Luna son los responsables de la escenificación, todos están bien interpretados, son ágiles, con ritmo, se nota que todos provienen del mundo de cantar y hacer reír al público con cualquier cosa porque tienen ángel. Es un montaje atractivo, tenga usted la edad que tenga, si es mayorcito, recordará los éxitos que escuchaba en la radio, los chismes que se dijeron; si es mediano lo mismo, sólo que disfrutará más la interpretación; si es millenial reirá de las referencias que adivinaba, pero ahora ya estará seguro de que el Pop habla de amor, predominantemente, porque los demás temas son bah, aburridos. En fin, es una buena obra que puede ver en el Benito Juárez, junto a donde estuvo el teatro Arlequín, que todavía esperamos se recupere.

 

La lucha con el ángel, se presenta en la NaBe

Un nuevo teatro, se llama la NaBe y está ubicado en Dr. Vertiz #86, cerca del metro Balderas, ahí se pudo ver esta obra de Jorge Ibargüengoitia, nos recibe música de tríos y solistas, para ambientarnos en el México de 1950 aproximadamente. Aurea Palma, Andrea de la Rosa, Isaid Pelayo, David Zaragoza y un largo elenco, se aprestan a dar vida al mundo en el que nacía el teléfono (mil años antes de empezar con los celulares) una pareja se dispone a casarse y todavía tiene algunas dudas, que poco a poco ella resuelve. Los amigos de la oficina tienen su participación en el mundillo de los tórtolos.

Una cosa lleva a la otra, pasan los días y caen en la cuenta de que no son exactamente el uno para el otro, sino… pero no le cuento más, porque estoy seguro que van a volver a montarla y ahí donde la vea anunciada acuda, porque el elenco es de gran nivel y le echan muchas ganas, para lograr una obra de casi dos horas en las que no hay desperdicio. Sin duda puedo recomendar: ¡Véalos!¡

 

THERE´S NO HOME LIKE PLACE

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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El ser humano nace completamente desnudo, es decir, no trae nada consigo.  A partir del momento mismo del nacimiento se le cobija con prendas y con amor.  Conforme pasa el tiempo, va acumulando cosas.  Al principio, los padres lo reciben con prendas de vestir, una cuna e implementos básicos para su alimentación y limpieza.  Luego vendrán los útiles de la escuela, los regalos, los juguetes, etcétera.  Desde que comienzas a tener ingresos, puedes comprar no sólo lo que requieras sino aquello que te guste.  La diferencia es que hay personas que suelen acumular todo, en tanto que otras tienen la facultad de ir liberando el pasado.  Quienes gustan de guardar todo tipo de cosas, no escuchan los consejos como “renovarse o morir“, “tirar lo viejo para dar espacio a lo nuevo“, ni los similares.  El problema es que se aferran a los objetos que les traen cualquier tipo de recuerdo y llega el día en que la acumulación los asfixia.

 

La más reciente producción de Antonio Cerezo es sobre este tema.  Antonio intituló la obra THERE’S NO HOME LIKE PLACE.  De entrada, para el titulo Antonio hace un juego de palabras.  El dicho popular en idioma inglés es:  “There’s no place like home” (“No existe lugar como el hogar“) y él invierte las palabras para de algún modo decir “No existe hogar como el lugar“, tal vez para acentuar lo que él quiere implicar de que el hogar es donde es el lugar donde tú te sitúes y no necesariamente tiene que ser una casa.  Antonio Cerezo es egresado del Colegio de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.   Desde el año de 1992 inició su trabajo profesional como actor en la Ciudad de México, Estados Unidos y Europa.  En la actualidad reside en Berlín, Alemania, donde se ha desempeñado como actor, autor, director, titiritero y coreógrafo, lo cual le hizo acreedor a obtener una beca del Programa Creadores Escénicos con Trayectoria 2018-2020 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

Aun cuando todos tenemos la necesidad física y emocional de tener un techo que nos resguarde, un lugar donde habitar, en ocasiones se nos presenta la oportunidad o la obligación de mudarnos y debemos  hacerlo con gusto, asumiéndolo como una nueva experiencia o una aventura sin que nos cause ansiedad o sufrimiento dejar atrás un lugar determinado.  En forma lúdica esto se hace entender a través de la puesta en escena.

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La propuesta escénica de Antonio es a modo de unipersonal en formato de teatro de papel.  Además de abordar el simple hecho de una mudanza de casa, también se aplica a la migración, porque a veces también hay que cambiar de ciudad o de país, lo cual deriva en vivir bajo otro contexto sociopolítico o cultural.  Así mismo, se toca el tema de la identidad personal construida sobre la base de memorias y recuerdos de todo lo vivido.  El relato capta el interés del público de principio a fin.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE de Antonio Cerezo recibió la beca Interkulturelle Projekte 2016 (Proyecto Intercultural 2016) para su producción.  Dicha beca es otorgada por el Senado de Berlín, con el fin de promover la realización de proyectos artísticos nacionales e internacionales que propicien el diálogo entre culturas y procesos migratorios.

 

La escenografía es un teatrino o caja negra donde se muestra todo en miniatura con figuras de cartón o papel.  Mientras el protagonista comparte su propia historia, los escenarios pequeños van cambiando para que el espectador pueda visualizar imágenes de lo que ocurre.  Es así como el público escucha el relato de Matías, quien le cuenta de frente cada etapa que va atravesando, a partir de que se cuestiona “¿mi hogar es un lugar?“.

 

Matías vive solo, sus padres fallecieron hace tiempo, pero él continúa conservando los objetos que a ellos pertenecían sin decidirse a desecharlos, a pesar de no ocuparlos.  En algún momento toma conciencia de que necesita espacio y acude a terapia.  El terapeuta le aconseja que vaya desechando objetos en forma paulatina.  Le sugiere que comience por periódicos o revistas cuya fecha sea de una semana o más y que ya haya leído.  Al seguir el consejo, Matías se da cuenta de que guarda periódicos o revistas de los años 90 y, desde luego, los echa a la basura.  Sin embargo, lo peor está por venir.  El propietario del departamento que renta Matías, le avisa que tiene que desalojarlo porque lo pondrá en venta.  Así que Matías se ve precisado a darse prisa en deshacerse de todo, puesto que es ya el único inquilino que no se ha mudado.  Lo que más le dolerá es despegarse de su piano que lo ha acompañado por casi dos décadas.  Aparte de desocupar el inmueble, Matías tiene que darse tiempo para buscar otro lugar donde vivir.

 

Aunque la propuesta de THERE’S NO HOME LIKE PLACE es de apariencia muy sencilla, conlleva un cúmulo de trabajo para su realización, comenzando por la creatividad de Antonio Cerezo para concebirla, el suaje que se requiere para reunir numerosas piezas de cartón debidamente suajado a ser embonadas en su lugar, el aspecto arquitectónico para la construcción de maquetas que representen ciudades, edificios, casas, habitaciones, muebles o medios de transporte, y, finalmente, la memoria privilegiada del actor para colocar cada pequeña pieza en el sitio y tiempo exactos.

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Antonio Cerezo asume tres facetas distintas en este proyecto  la autoría, la dirección y la actuación.  En sus tres roles su labor es impecable.  En la autoría concibe un texto pleno de interés y sensibilidad que expone emociones muy arraigadas en el ser humano.  Como director hace que el relato sea ameno y divertido, además de imprimir un tiempo preciso.  Como actor ofrece un excelente trabajo histriónico, corporal y vocal, ganándose la confianza del público mediante sus interacciones.

 

Complementan el equipo creativo:  Vanessa Farfán en diseño de escenografía y construcción, con un diseño novedoso y estético,  Rodrigo Castillo Filomarino en música original para proveer el entorno perfecto,  José Zychlinski en diseño de iluminación,  y  Larissa Polaco en producción.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE es producida por la beca Interkulturelle Projekte 2016 del Senado de Berlín y presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

La sensación que produce este ingenioso proyecto es la misma de cuando eras niño y te sumergías totalmente en tus cuentos favoritos.  La conmovedora historia de Matías y sus vicisitudes luchando contra el apego para poder deshacerse de su pasado y sus recuerdos, a fin de reconstruirse en otro espacio donde una nueva vida le espera.  Es enternecedor ver al actor con el mismo atuendo que el muñequito de papel que lo representa.  Un relato que capta la atención e involucra el sentir del espectador.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE acaba de concluir temporada en el FORO A POCO NO del Sistema de Teatros en la Ciudad de México.  Su éxito fue rotundo, a teatro lleno y aplausos incontenibles.

LOS FRAGMENTOS DE MARY (Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Una de las más grandes aspiraciones de los científicos es crear vida.  Gracias a los avances médicos y científicos, se han desarrollado diversas técnicas para la creación de vida fuera del útero y se sabe que ya existen algunos bebés concebidos in vitro, pero para esto continúan siendo indispensables el óvulo de la madre y esperma del padre.  La creación de vida mediante elementos artificiales jamás se ha podido concretar.  Tal vez por ello, hace dos siglos, Mary Shelley, mujer visionaria y vanguardista, causó conmoción al crear vida en forma literaria.

Mary Wollstonecraft Shelley, mejor conocida como Mary Shelley, nació en Londres, Inglaterra en agosto de 1797 y falleció en febrero de 1861.  Mary Shelley se desempeñó como narradora, dramaturga, ensayista, filósofa y biógrafa.  Alcanzó la fama en 1818 por el éxito que tuvo su novela “Frankenstein o el moderno Prometeo“, clasificada por muchos como gótica, en la cual se narra la historia del joven doctor Víctor Frankenstein que, en su afán de vencer el mayor reto del mundo científico, logra dar vida a un ser que él mismo construye poco a poco con trozos de cadáveres que conseguía profanando tumbas. El doctor va cosiendo con hilo y aguja cada pieza hasta formar un cuerpo humano completo, luego a través de sus experimentos, cumple su objetivo y cuando finalmente el monstruo cobra vida, éste se sabe distinto por su macabro aspecto y se siente muy solo.  Culpa de sus males a su creador y termina odiándolo, así que hará todo lo posible para destruirlo.  A través de su fascinante relato, Mary Shelley hizo que se alcanzara la utopía científica, pero, al mismo tiempo, tuvo la precaución de advertir al mundo que ir contra natura podría tener trágicas consecuencias.

Víctor Frankenstein, el protagonista de la novela escrita por Mary Shelley se convirtió en un mito universal.  La historia trascendió fronteras y tiempo.  Numerosos autores se han inspirado en él para escribir textos que se han publicado, llevado a escena o a la pantalla, incluso, se han hecho caricaturas y dibujos y juguetes representándolo.

Ahora toca el turno a Roberto Eslava celebrar el espíritu creador de Mary Shelley en conmemoración de los 200 años del surgimiento de Víctor Frankenstein, a través del montaje teatral LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein.

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Roberto Eslava es un creador teatral que fundó y comanda Traslapo Teatro, cuyo objetivo es encontrar nuevos lenguajes artísticos provenientes de la fusión de varias disciplinas.  Sus montajes son producto de laboratorios de creación colectiva donde cada participante aporta sus ideas y sugerencias, las cuales son evaluadas y desarrolladas.  Una vez aprobadas, Roberto Eslava procede a estructurarlas y a partir de éstas concibe la dramaturgia.  Entre sus obras más destacadas podemos mencionar:  “Spectrum” -ofrenda teatral basada en “Sonata de los Espectros” de August Strindberg,  “La Rueda Gira” -ofrenda teatral basada en “Sueño” de August Strindberg-, “Espejos” -pieza basada en el filme “Persona” de Ingmar Bergman-,  “Laberintos“,  “¡Mañana maldecirán mi nombre!“,  “La gravedad del silencio“,  “El sueño de la oscuridad“,  y en fechas recientes “No soy lo que soy” -cantata parateatral sobre la envidia-.  Varias de las obras de Traslapo Teatro se han presentado tanto en la Ciudad de México, como en festivales nacionales e internacionales.

En el corazón  de Roberto Eslava conviven el teatro y la música, si en sus anteriores producciones ha habido una sonata y una cantata, no es de extrañar que la actual sea un improntu, forma musical propia del romanticismo, donde la improvisación nos recuerda el carácter efímero y volátil de las pesadillas, lo cual trasladado a la escena alude a lo metateatral y propicia la comunicación directa entre elenco y público.

En LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein la propuesta de Roberto Eslava y su equipo es escudriñar los pensamientos que la destacada escritora británica pudiera haber tenido al momento de escribir su famosa novela, en tal forma que el espectador pueda percibir una metáfora de la propia Mary Shelley en una época en que las mujeres eran subvaluadas y no se les concedía la capacidad suficiente para la creación artística ni científica.  Para este acercamiento, se deconstruye el mito de Frankenstein creado por Mary Shelley para reconstruir al monstruo transformado en tres figuras femeninas -las tres Mary- que son reflejo de la autora, o bien, las musas que la inspiraron.  El nuevo Frankenstein es representado por tres bellas jóvenes que abordan temáticas como la exclusión, la rebeldía contra las normas sociales, el temor ante lo desconocido, el sentirse atrapadas dentro de un cuerpo que no les corresponde, la aspiración a ser amadas, en tanto que Víctor Frankenstein luce algo confundido sin saber si es creador o creación.

Al igual que los demás montajes de Traslapo Teatro, LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein es una puesta en escena interdisciplinaria que combina actuación, corporalidad, canto y música.

La acción comienza afuera del teatro cuando un actor da la bienvenida al público y lee una carta escrita por Mary Shelley, para luego transformarse en Frankenstein, el personaje que interpreta.  Más adelante, las figuras femeninas cobrarán vida y dialogarán con Frankenstein y con el público.  Varias de las frases que escuches te llevarán a la reflexión, por ejemplo:  “todos hemos sido la presa y el cazador“,  “el único enemigo a quien debes temer es a ti mismo“,  “el mejor maestro es la voluntad“,  “el mayor peligro es la adquisición de conocimiento“.

El montaje es original, algo macabro, pero pleno de magia y estética.  La dramaturgia de Roberto Eslava capta la atención absoluta del espectador de principio a fin.  El concepto de la monstruosidad es analizado a fondo, a fin de ir develando paulatinamente sus misterios y significados.

La labor de dirección por parte de Roberto Eslava es impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Cuida hasta el más mínimo detalle.  La acción es constante, balanceada entre diálogos, coreografías, canto, sonoridad e iluminación.. La corporalidad es sorprendente.  El espacio se dimensiona para crear distintos escenarios. El ritmo muy preciso.  Jonathan Caudillo colabora con Roberto en asistencia de dirección.

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El elenco está conformado por:  Mireya González (Mary 1),  Idalina Hernández (Mary 2),  Sofía Sanz (Mary 3),  Jorge Chávez (Víctor Frankenstein),  Jonathan Caudillo (el Monstruo),  y  Óscar Galoz (el espejo de Víctor).  Todos ofrecen un formidable trabajo histriónico y corporal.  Las tres hermosas Mary iluminan con su grata presencia escénica, en tanto que Óscar Galoz aporta el entorno idóneo con su música original ejecutándola en vivo.

El entrenamiento actoral, piedra angular del montaje, fue impartido por Jonathan Caudillo y Genny Galeano.

El diseño de iluminación y vestuario es de Aarón Mariscales.  Bien distribuida la iluminación a base de claroscuros y muy atinado el vestuario, combinando lo sobrio con lo clásico al estilo del romanticismo. Igual de acertado el diseño de maquillaje por parte de Diana Muñoz, emulando piel fragmentada.

La producción es de Cuauhtémoc Eslava  y  Traslapo Teatro.

El diseño gráfico y de imagen es de Cynthia Herrera.

LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein te permitirá sumergirte en un mundo alucinante, mediante un montaje original bien diseñado y llevado a buen puerto.  Te sorprenderás a cada momento, incluso, hay juegos malabares.  Un equipo de jóvenes muy comprometidos con su labor teatral te espera.  Sólo que para verla, tienes que correr, pues sólo resta una función.  ¡No te la pierdas!

 

 

LOS FRAGMENTOS DE MARY

Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein

se presenta el

miércoles 19 de diciembre de 2018 a las 20:00 horas en el

TEATRO LA CAPILLA

ubicado en la calle Madrid número 13

(casi esquina con Centenario)

Coyoacán,  Ciudad de México

Duración aproximada:  70 minutos

El costo de la localidad es de $200

Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM

 

MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA

Texto y fotos por   Eugenia Galeano Inclán

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Monos Teatro es una compañía con sede en la Ciudad de San Luis Potosí, que fue fundada por Sayuri Navarro y Darío Álvarez con el objetivo de reunir el teatro tradicional y el performance buscando la relación directa con el espectador.  Se dieron a conocer con “Shift y suprimir“, la cual Monos Teatro describe como “una obra de teatro que plantea la relación de pareja contemporánea como un campo (de concentración): Un hombre y una mujer cansados de la monotonía y la represión de la vida diaria. Buscan la salvación en el otro. Buscan. Desesperadamente, tanto que tuercen, exigen, limitan, hasta reproducir las mismas prisiones de las que venían escapando. ¿Se puede vivir de otra forma?“.  “Shift y suprimir” los hizo acreedores al Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico -PECDA- de San Luis Potosí en 2014;  posteriormente, fue el texto seleccionado en el Festival de Joven Dramaturgia 2015, para luego participar en la Muestra Regional Centro Occidente de 2016 y en la XXXVII Muestra Nacional de Teatro, así como en la IX Jornada Internacional de Teatro Callejero en la ciudad de Matanzas, Cuba, en el Festival Otras Latitudes 2017 y en el Teatro para el Fin del Mundo 2017.

 

Ahora, Monos Teatro llega de nuevo a la Ciudad de México para presentar su más reciente producción MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA escrita por Darío Alvarez, bajo la dirección de Monos Teatro.

 

La descripción de MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA que aparece Enel material promocional es la siguiente:  “En este mundo somos amigos. Todos somos felices porque el otro es feliz, nadie es capaz de aplastar a los otros para ser el más grande, el más fuerte, el más poderoso. En este mundo, sólo hay buenos deseos. El actor, el fan, el psicópata y el drogo: cuatro amigos jugando dominó un jueves por la tarde. ¿Qué podría suceder?“.

 

La propuesta es original una reunión casual entre amigos que desemboca en un secuestro.  Salvo por su amistad, los cuatro son muy distintos, tienen personalidades y ocupaciones diferentes, así que cada quien tiene su propia forma de pensar y proceder.  El título de MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA no define la obra.  Macbeth no tiene nada que ver con el emblemático personaje de Shakespeare, es sólo una referencia a que el actor está en ensayos para interpretarlo.   Con respecto al juego de la violencia, en realidad se abordan varios juegos que corresponden a la forma de reaccionar de cada uno de los amigos ante la planeación de un hecho ilícito, además de que el espectador será partícipe en algunos de los juegos.

 

La trama versa sobre un día en que Julián, Mario, Iván y Gustavo se reúnen para jugar dominó, mientras beben cervezas y charlan alegremente, Julián que se dedica a la actuación les comenta que está ensayando una obra al lado de la bella actriz Mirna Casales, quien goza de gran popularidad, y a alguno de ellos se le ocurre que podrían secuestrarla.  Así, de la nada, como si secuestrar a alguien fuera cosa común.  Trazan un plan y deciden concretarlo, pero cada uno tiene su intención particular al decidir su participación.  Debido a que no son maleantes, no se sabe en qué terminará el inusual hecho.   Existen tres finales:  el egoísta,  el mediático  y el utópico.  El espectador tiene la opción de elegir el que prefiera.

 

La estructura del texto es algo irregular y repetitivo, haciendo que el público se desconcierte un poco.  Tal vez esto obedece a que la línea de Monos Teatro es la de combinar el teatro tradicional con el performance.  Dado que ellos determinan la forma en que alternan la acción del montaje con el performance, el espectador queda desubicado por momentos.  Por ejemplo, es curioso escuchar “estos cuatro …” y quien lo dice señala a sus tres compañeros y a sí mismo, cual si él estuviera ajeno a la acción.  Sería más natural decir “nosotros cuatro …“, lo cual propiciaría que el público entre en la convención teatral.

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Las interacciones con el público son atinadas, sin embargo, podrían establecer una relación más directa si tomaran en cuenta lo que piensa o siente el espectador.  Todos estamos tan aterrados con la violencia que impera, que no cualquiera está dispuesto a entrar a juegos de la violencia.  En cierto momento, se le pide a algunos espectadores que golpeen a un actor.  En mi opinión, sería mejor que utilizaran cualquier objeto para que se le golpee, lo cual sería menos agresivo.  Por otro lado, una regla básica para la interrelación humana es la cortesía.  El actor al que nos tocó seguir nos dijo “Tengo que ir al punto de reunión, ustedes, si quieren, regresen a la sala”  Y, la verdad, no sabíamos por dónde regresar.  Tratamos de entrar por la misma puerta en que salimos, pero estaba cerrada, así que nos desorientamos por un rato, lo cual se evitaría si cortésmente nos acompañara a la sala y luego se retirara.   Lo bueno es que hay variedad en los juegos y los demás son divertidos.

 

En cuanto al montaje, la escenografía es apropiada, dimensionan el espacio creando varios escenarios.  El mayor acierto es el dispositivo multimedia.  Por un lado, la proyección de frases en una pantalla enorme colocada en el ciclorama que sirven para complementar el relato.  Por el otro lado, una pantalla de televisión que transmite en circuito cerrado las imágenes en vivo de la secuestrada. El vestuario es adecuado, dando realce a las características de cada personaje.

 

La dirección escénica por parte de Monos Teatro (Sayuri Navarro y Darío Álvarez) tiene sus altibajos.  Como ya lo comentamos, en la combinación de técnicas no hay fusión, lo cual deriva en escenas aisladas que de una u otra forma carecen de continuidad.

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El elenco está conformado por Ricardo Moreno (Drogo),  Pablo del Alba (Fan),  Mauricio Gerling (Psicópata),  Darío Álvarez (Actor)   y  Sayuri Navarro (Actriz).  En tanto que el actor tiene momentos buenos y otros sobreactuados, los demás amigos parecen tomárselo a la ligera, ya que no se adentran en sus personajes.  La única que destaca es Sayuri, quien ofrece un buen trabajo histriónico y corporal.

 

Integran el equipo creativo:   Darío Álvarez en autoría,  Monos Teatro en dirección  y   diseño de vestuario,  Caín Coronado y Emiliano Leyva en iluminación y asesoría escenotécnica,  Joaquín O. Loustaunau en video,  Sayuri Navarro en diseño visual y sonoro.

 

La producción es de Monos Teatro.   MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA es presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

La mejor estrategia para alivianar nuestros miedos es tomarlos a juego. Una propuesta interesante que nos deja con la reflexión de hasta dónde se puede llegar si se planea algo indebido.  Como a la gente le gusta participar en juegos y más aún si se trata de jugar un poquito a ser actor, MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA presentó con éxito en el TEATRO SERGIO MAGAÑA de la Ciudad de México, donde, además de entretenerse y jugar, tuvieron oportunidad de conocer algunos rincones del teatro donde jamás habían estado.

LAS TRES HERMANAS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Se dice que el teatro refleja la vida, pero también la vida refleja el teatro.  Sabemos que la realidad puede llegar a superar la ficción.  Lo cierto es que lo más difícil de reflejar es el sentir humano.  La gama de sentimientos es amplísima y cada persona es única y tiene su forma individual de sentir.  El umbral del sentimiento es distinto, además, las circunstancias, el entorno, los allegados y hasta su situación económica tienen influencia, sea para bien o para mal.  No sólo depende de la capacidad de alguien para tolerar o disfrutar de algo, sino también cuenta si lo expresa o no.  Hay quienes sacan a flote lo que sienten, en tanto que otros los guardan en su interior y se convierten en expertos del disimulo.  La complejidad del ser humano es ilimitada.

 

Los autores con mayor habilidad para delinear el perfil de sus personajes y retratar su psicología son quienes más impacto causan con sus relatos.  Ejemplo de estos autores es Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñaba como médico, escritor y dramaturgo.  Chéjov es uno de los más importantes escritores en la historia de la literatura, precisamente por ser un maestro en la corriente psicológica del realismo y el naturalismo.  Algunas de las obras que en más ocasiones han sido llevadas a escena en todo el mundo son  “La gaviota”,  “El jardín de los cerezos”,  “Tío Vania”,  y  LAS TRES HERMANAS.  Los personajes de todas estas obras representan un tremendo reto actoral para quienes los interpretan.

 

En estas fechas podemos ir a ver LAS TRES HERMANAS, bajo la dirección de Diego del Río.  A pesar de su juventud, Diego del Río tiene una larga y brillante trayectoria en el campo teatral.  Obtuvo su licenciatura de Teatro en el año 2012 en la Universidad de Las Américas Puebla -UDLAP-, donde ingresó gracias a una beca de artes, para luego, por su buen desempeño, hacerse acreedor a la beca Premio a la Excelencia.  Mientras estudiaba en la UDLAP, integró el grupo de teatro musical de la UDLAP, mismo que continúa vigente.  Aún siendo estudiante trabajó con el grupo “Teatro de ciertos habitantes”, dirigido por Claudio Valdés Kuri.  Más adelante, fue designado director residente en OCESA, donde estuvo a cargo de varios montajes.  Se dio a conocer en el ámbito teatral mexicano con su labor en “Espejos” de la dramaturga estadounidense Annie Baker, en tanto que con “El chofer y la señora Daisy” del dramaturgo estadounidense Alfred Uhry, recibió el premio de Director Revelación en el año 2013 por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales -APT-.  Desde entonces hasta la fecha, ha dirigido diversos montajes, todos los cuales han sido exitosos.

 

La versión de Diego del Río de LAS TRES HERMANAS de Antón Chéjov es sui generis.  Su primera peculiaridad estriba en que es una visión distinta a lo que estamos acostumbrados a ver.   La historia no se cuenta en forma lineal, puesto que se da mayor importancia al sentir de los personajes que al relato mismo.  Otra singularidad es que en lugar de escenografía, hay 63 sillas, un sillón de tres plazas y un piano, cual si Diego del Río quisiera hacernos notar que el teatro no requiere de entornos.  Tampoco hay vestuario, los actores y actrices suben al escenario con la ropa que traen puesta.   La cuarta pared es flexible, se abre para entablar un diálogo directo con el espectador, así como para marcar el término o inicio de cada acto.  No obstante lo anterior, la teatralidad está presente en todo momento.  Lo humano y lo teatral se fusionan.  Se capta la atención del público desde el primer momento, hasta el final.

 

LAS TRES HERMANAS cuenta con un elenco privilegiado, de extraordinarios actores y actrices, cuyo histrionismo ha sido probado en múltiples ocasiones.  En esta oportunidad, no sólo ofrecen al espectador interpretaciones excepcionales, sino que hacen gala de que pueden revestirse del personaje que interpretan y en un instante dejarlo de lado para dirigirse al público y dar alguna acotación.  El desempeño actoral es la piedra angular en este montaje y todos los participantes ejecuta su labor con compromiso, profesionalismo y sensibilidad.

 

Al inicio de la función, el actor que interpreta a Fyodor, nos recibe dando ciertas precisiones sobre el montaje, entre las cuales hay frases verdaderamente impactantes, como por ejemplo:  “el espectador ve el teatro, el actor lo habita“.  “a través de los ojos de estos actores podremos ver … ¡ojalá! … la vida“,  “si los dos están presentes sucederá.  El alma del actor y la del espectador se fundirán y ya no será teatro sino vida“.  Así mismo, también nos advertirá que desean cumplir un desafío diario:  “que no suene un solo celular“.

 

Inmediatamente después, seremos trasladados a la casa de LAS TRES HERMANAS.   Hace un año murió su padre, a quien amaron profundamente y les hace mucha falta.  La fecha coincide con el cumpleaños de Irina, así que tienen sentimientos encontrados, rememoran el duelo, pero también quieren festejar a la hermana menor y tratar de que pase su día lo mejor posible.

 

Como ya es costumbre, la labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Diseña su trazo escénico en forma impecable y no deja cabos sueltos.  El balance entre acción y pausas es equilibrado.  Sabe motivar a su elenco para que logren actuaciones supremas.  El ritmo es preciso.  Al igual que en sus anteriores montajes, la magia teatral y la emotividad afloran en el escenario.

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El elenco, por estricto orden de aparición, está conformado por:  Anahí Allué (Natalia),  Antón Araiza (Nicolás),  Enrique Arreola  o  Alejandro Morales (Fyodor),  Emma Dib (Olga),  Mauricio García Lozano (Vershinin),  Concepción Márquez (Anfisa),  Arcelia Ramírez (Masha),  Evan Regueira (André)  y  Maya Zapata (Irina).  Cada uno de ellos despliega una interpretación entrañable.  Aparte de todo esto, la virtuosidad de Mauricio García Lozano al ejecutar el piano es admirable.

 

Como antes lo mencioné, la idiosincrasia de los personajes es lo que da pauta en esta puesta en escena.  Si bien los personajes Chejovianos son muy complejos, en la forma en que están representados en esta versión, el espectador ve a los personajes, pero, por sus características tan definidas, igual puede identificar a alguna persona que conoce, lo cual lo acerca aún más al relato.  Allí podremos ver a alguien que está inconforme con su destino, sea porque tomó una mala decisión o porque se vio precisado a cambiar su rumbo.  Una mujer a quien el amor le llega tarde, otra que es manipuladora y que gusta de conseguir todo lo que quiere.  Un marido que aparenta ser amoroso cuando en realidad es dominante.  Otros que logran conformarse con lo que tienen.  En fin, hay un poco de todo.

 

Integran el equipo creativo:  Evan Regueira y Fabiola Villalpando como asistentes de dirección,  Auda Caraza y Atenea Chávez en diseño de escenografía,  Matías Gorlero en diseño de iluminación,  Felipe Rodríguez Castañón en realización de escenografía,  Felipe Lara en realización de utilería,  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico,  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas,  Blenda en fotografía.

 

La producción es de La Rama de Teatro,  los productores son:  Óscar Uriel, Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar son los Productores.

 

El equipo de producción:  Diego Flores, productor ejecutivo,  Mónica Bravo, directora de producción de La Rama de Teatro,  Denisse Prieto, producción La Rama de Teatro,  Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo en producción Administrativa,  y   José Guadalupe Miranda en contabilidad.

 

Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes, coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal, digital project manager,  María José Santana, diseño y animación digital,  y  Patricia Villarejo, community manager.

 

No pierdas la oportunidad de ver este original y asombroso montaje.  Un relato conocido visto desde otra perspectiva, brillante dirección, inolvidables actuaciones.  El clásico relato de Chéjov es trasladado a la cotidianeidad.   Aprovecha esta temporada navideña para ver teatro que te llegará al corazón, ya que habrá funciones todos los días.

 

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LAS TRES HERMANAS

se presenta de lunes a sábado a las 20:45 horas  y

domingos a las 18:00 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en Lucerna número 64

– esquina con Milán

Colonia Juárez

Ciudad de México

Duración aproximada:  120 minutos

Las localidades tienen un costo de

Preferente:  $450  y   Mezzanine:  $380

Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente

La temporada concluye el jueves 10 de enero de 2019

Suspenden funciones los días  24  y  31  de diciembre de 2018

 

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

El Beso de la Mujer Araña, termina presionado ¿por la crisis peso-dólar?

Nos tiene acostumbrados a las temporadas largas el productor Juan Torres, pero algo ha pasado que terminan precipitadamente la temporada de El Beso de la Mujer Araña. Recuerdo que, por ejemplo, La Jaula de las locas se extendió por más de dos años. Escribí hace pocos meses, un dato relevante para la pareja Christian Bach –Humberto Zurita, recordamos un dato curioso: que en 1997 al firmar el contrato con la pareja Zurita Bach por El Beso de la Mujer Araña, sufrieron tremendo descalabro, pues al formalizarse el TLC dijeron los norteamericanos que “el contrato únicamente le daba derecho a usar sólo los textos y la versión musical” por lo demás no se podía usar la misma escenografía, dirección, iluminación y una larga lista de etcéteras. Debieron adaptar el montaje con ayuda de mexicanos y con muchas dificultades lograron ganar algo de dinero”. Bueno, pues también acaba de firmarse la renovación del TLC y curiosamente, se da a conocer la finalización de El Beso de la Mujer Araña versión 2018. La probable causa: quizá la devaluación del peso frente al dólar.

Sucede que Juan Torres explica que la casa que había firmado por 100 funciones con la casa que otorga los derechos de la obra para ser representada y al intentar alargar la temporada, saz, le informaron que debían de ajustar todas las variables del contrato. Lo que le deja en unas condiciones demasiado difíciles, pues tiene que pagar sueldos de Chantal Andere, Rogelio Suarez y demás figuras, publicidad e insumos normales en una producción de estas dimensiones. Así que por eso decidió entrar en esta nueva etapa, que termina en los primeros días de 2018.

Es entendible que decida terminar la obra El Beso de la mujer araña antes de verse en una situación comprometida; pues todos estamos, ante todo, necesitados de cuidar nuestros bolsillos. Si desea verla NO TARDE en decidirse, porque es una pieza inigualable.

 

DESDE LA RIBERA SALVAJE

Por:  Eugenia Galeano Inclán

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Cuando alguien nace, se desconoce que le depara el destino, ni idea de cuál será su carácter, inteligencia, salud física y mental, aptitudes, aficiones o a qué se dedicará.  La única certeza es que morirá.  La vida está tan ligada a la muerte, como la muerte a la vida.  No debemos agobiarnos ni sentir temor porque es algo inevitable, es el ciclo natural de la vida, todo lo que nace muere.   Lo aconsejable es estar consciente de que habremos de morir para vivir de la mejor manera posible, aprovechar el tiempo al máximo y agradecer de corazón todo lo bello y lo grato.

 

A diferencia de lo que sucede en otros países, a los mexicanos nos gusta celebrar a los muertos.  Una de nuestras más arraigadas tradiciones es armar un altar adornado con flores de cempasúchil -de intenso color naranja-, velas o veladoras y fotografías de quienes se han ido.  Se pueden incluir crucifijos o imágenes de algún Santo o Virgen.  Tenemos la creencia de que en el Día de Muertos los difuntos regresan para visitar a sus seres amados, así que, como ofrenda, no pueden faltar los platillos que disfrutaban, dulces, algún refresco, licor o vino de su preferencia y hasta cigarros, a fin de rendirles honor y hacerles patente que los recordamos con cariño.  Por esas fechas, también se pueden degustar pan de muerto y calaveritas de azúcar.  Incluso, nos tomamos la muerte un poco a broma a través de calaveras literarias dedicando algún verso a personas vivas en relación con la forma en que supuestamente fallecerán.

 

Para relevarnos de la ansiedad que pudiera provocar el hecho de que habremos de morir, en ocasiones encontramos alguna frase de aliento, ya sea en la literatura, en una película, una obra de teatro, una conferencia o algún programa televisivo.  Cada quien tiene su forma de pensar y de expresar sus sentimientos, como por ejemplo, Anatole Broyard (1920-1990), originario de Luisiana, Nueva Orleans, Estados Unidos de Norteamérica.  Broyard era editor, crítico literario y ensayista.  Fue uno de los críticos más influyentes y carismáticos del Suplemento Literario del prestigiado periódico New York Times, trabajo que desempeñó durante 40 años, llegando a ser el Director de dicho Suplemento.  Colaboraba también con la agrupación de médicos laicos, en la cual utilizaba el seudónimo de Montaigne.

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Los temas que más apasionaban a Broyard eran la enfermedad y la muerte, sobre los cuales leía mucho y, por su cuenta, llevaba a cabo investigaciones, para luego escribir al respecto.  En lo personal, a lo largo de toda su vida mantuvo un fuerte vínculo con su padre.  Cuando éste enfermó de un cáncer de próstata muy agresivo, Broyard estuvo a su lado desde el diagnóstico hasta su fallecimiento.  Pasó largas y tediosas horas en clínicas y hospitales acompañando a su padre y conversando con él para tratar de animarlo o aligerarle la pesada carga.  Este triste y doloroso proceso lo dejó muy marcado.  Vivió muy de cerca la enfermedad de su padre y de primera mano supo lo que sentía, siendo también testigo presencial del avance de su deterioro físico y mental.  En 1954, Anatole Broyard escribió y publicó el artículo “Lo que dijo la cistoscopia“, donde hizo un recuento de sus vivencias al lado de su padre en su última etapa.

 

Décadas después de que su padre falleciera, en 1989, el propio Anatole Broyard fue diagnosticado con la misma enfermedad, ante lo cual rememoró lo sucedido a su padre y supo que la historia se repetiría.  Anaatole Broyard no se conmiseró de sí mismo, siguió las instrucciones de su médico, se sometió a tratamientos, pero también aprovechó el tiempo que le quedaba para escribir una serie de relatos y ensayos sobre su condición, así como un diario personal.  Lo que escribía era para Broyard una especie de catarsis, sintió que en retrospectiva podía dar a su vida un valor inconmensurable.

 

Poco después de su muerte, Alexandra Broyard, esposa de Anatole Broyard, se dio a la tarea de recopilar todos los textos escritos por su marido en su última etapa.  Esta compilación fue publicada como libro bajo el título “Intoxicated by My Illness: And Other Writings on Life and Death”  (“Ebrio de Enfermedad:  Y Otros Escritos sobre Vida y Muerte“).

 

Cuando el destacado creador teatral Hugo Arrevillaga leyó el libro “Ebrio de Enfermedad: Y Otros Escritos sobre Vida y Muerte” se sintió vulnerado.  Llevó a cabo una revisión personal sobre un tema que le resultaba fundamental desde la pérdida de su madre y otros seres amados, cuyas ausencias le quedaron como heridas que hasta el día de hoy siguen sangrando.  Con la convicción de que el teatro es la mejor brújula que ha encontrado en su vida para orientarse después de esas tormentas, decidió compartir esta experiencia con el público.  Fue así como surgió DESDE LA RIBERA SALVAJE p, una adaptación libre a partir de los textos de Anatole Broyard.

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Con respecto a su adaptación, Hugo Arrevillaga dice:  “Indudablemente, para mí, hablar sobre la muerte no tiene otra intención mas que hablar sobre la vida, revalorarla, resignificarla, reconciliarme con ella. Porque al paso del tiempo, y supongo que a todos nos sucede, vamos dando por hecho que la vida seguirá ahí sin más, y no somos conscientes de que la vida de cada uno de nosotros es un momento brevísimo en la historia de la humanidad y que al final pasaremos mucho más tiempo muertos que vivos“.  Desde la perspectiva de Hugo, DESDE LA RIBERA SALVAJE es una celebración, justo en ese lugar enigmático y poderoso que es el teatro, porque justamente es el teatro el que, para llevarse a cabo y presenciarlo, nos obliga a estar vivos y de cuerpo presente. No hay manera de iniciar la función si no estamos juntos, artistas y espectadores, en ese mismo lugar, y con vida. El simple hecho de estar ahí, una noche de función, nos hace sobrevivientes de los días, héroes de nuestras propias historias, compañeros de este viaje en el aquí y ahora“.

El relato está narrado en primera persona, un actor encarna a Anatole Broyard y comparte con los espectadores su propia experiencia.  Comienza con la frase “Uno no muere por una enfermedad, uno muere por estar vivo“, lo cual ya de principio es esperanzador.  Luego pasa a hacer una remembranza de la enfermedad de su padre en forma tan vívida que pareciera que el público está atestiguando lo que ocurre a cada momento.  Habla de todo, recuerdos de su niñez, del trabajo, del hogar, de amor, temores, anhelos y, desde luego, de todas las incomodidades que representa una enfermedad, someterse a estudios, análisis, diagnósticos, tratamientos, medicamentos y sus secuelas, estar internado en un hospital, ver que las facultades se van mermando, escuchar la opinión de médicos, el trato de enfermeros y todo lo que una situación de este tipo conlleva.  Sin embargo, no todo es tristeza, hay momentos divertidos, esperanzadores y de fe.

El texto de DESDE LA RIBERA SALVAJE está escrito por Hugo Arrevillaga con la sensibilidad que lo caracteriza y avalado por la amplia experiencia teatral que posee.  Está bien estructurado y contiene un relato entrañable que toca el corazón de cualquier espectador, puesto que todos hemos sufrido pérdidas.

La labor de dirección por parte de Hugo Arrevillaga es impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Aprovecha a fondo el espacio y en complicidad de su actor, ambos logran una gran propuesta teatral.

Enrique Arreola es quien encarna al protagonista de DESDE LA RIBERA SALVAJE.  Sin lugar a dudas, Enrique Arreola es uno de los mejores actores mexicanos y, como es su costumbre, ofrece una interpretación memorable, revistiendo al personaje de una amplia gama de matices emotivos.  La forma en que utiliza sus manos para subrayar sus parlamentos es asombrosa.

El equipo creativo de DESDE LA RIBERA SALVAJE está conformado por:  Hugo Arrevillaga en Dramaturgia, Diseño de Vestuario y Musicalización:  Enrique Arreola en Actuación:  Miguel Moreno Mati en Diseño de Escenografía e Iluminación;  Lizbeth Rondín en Asistencia de Escenografía e Iluminación;  Gissela Sauñe en Diseño de Cartel;  Alejandro Contreras en Asistencia de Dirección;  Frida Chacón Huicochea en Producción Ejecutiva;  Agencia Lado A / Alicia Garzón en Relaciones Públicas, Prensa y Difusión.

DESDE LA RIBERA SALVAJE es una coproducción del Foro Bellescene y MALVA.

Justo acaba de concluir la exitosa temporada de DESDE LA RIBERA SALVAJE en el FORO BELLESCENE de la Ciudad de México.

Productores de Aguascalientes, Aguascalientes, hagan lo posible por llevar DESDE LA RIBERA SALVAJE a su bella ciudad, para que la gente se atreva a vivir un recorrido de vida hacia la muerte, donde al igual que en nuestro cotidiano encontrarás rosas y espinas.  Quedémonos con aquella frase que decían los abuelos cuando alguien moría “pasó a mejor vida“.  Después de todo quien muere deja tras de sí como legado el amor que lo unió a sus allegados, sus logros personales y profesionales, sus enseñanzas, gratos momentos compartidos, risas, llantos y mucho más.  Ayuda pensar que despojarse de un cuerpo enfermo y deteriorado es una liberación.  Debemos revalorar la vida y vivirla lo mejor posible.  DESDE LA RIBERA SALVAJE dignifica la vida a través de un montaje intimista muy conmovedor.

CRÓNICAS DE LA FIL 2018

Por Julieta Orduña

 

Durante mi breve visita a la FIL de este año el 1 de diciembre, tuve la oportunidad de asistir algunas presentaciones de libro de autores contemporáneos y especialistas en la materia, cada una de ellas me dejó curiosidad de saber más acerca de estas publicaciones. Cuatro son las crónicas que relataré en mi encuentro con este gran festival de literatura.

 

Autoras a cuadro

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Como ya ha sido costumbre se programa el Encuentro Internacional de Caricatura e Historieta con los grandes de este género, pero no solo los varones han sido protagonistas sino también las damas, las cuales ya se hacen presentes, como fue el caso de Emmy Eh! , Alejandra Gámez, María Guadarrama y Nanni, todas ellas en una charla Autoras a cuadro. María comentó”: Los caricaturistas que han tenido voz han sido hombres pero con las redes sociales ya la mujer es más creativa y ya compite en este ámbito laboral”. El moderador fue Arturo Komchs.

 

Chamucos regenerados

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Enseguida, siguieron los conocidos Chamucos, se tenían anunciados en el programa a cinco, pero no estuvieron Helguera y El Fisgón, por lo que los participantes fueron Patricio, Rape y Erasmo, quien, por cierto, éste último mostró un cortometraje “Marcha Fifinati”. Por parte de Patricio ha sido un autor muy prolífero ya que además de participar en el libro Despeñario por Los Chamucos, también se publicó su libro Los Miserables, tomo III, como una recopilación de tiras que recuperó hace tiempo en la revista Milenio. A partir del próximo año en febrero se publicará “México antes de ser México”, editorial Chamuco.

 

Mentiras y verdades de la arqueología en México

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Uno de los especialistas más reconocidos en la Arqueología en México, es sin duda, el maestro Eduardo Matos Moctezuma que estuvo presentando dos publicaciones, Voces de barro/Voces de Piedra y Mentiras y verdades de la arqueología en México: “Con esta publicación de Mentiras y Verdades se realiza una compilación de la arqueología mexicana, un compendio de sabiduría y de investigación. Se ofrece breves y variadas respuestas a las preguntas. Con relación del libro Voces de barro y Voces de piedra es una antología de Arqueología Mexicana escrita por especialistas con divulgación científica”. En esta presentación lo acompañó la Mtra. María Nieves Noriega, directora de la revista Antropología Mexicana. Se le realizó un homenaje a Eduardo Matos ese día a las 7:30pm.

 

Todos los miedos

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“Cuando la corrupción manda, la verdad es tu peor enemiga”, así lo señaló en su presentación del libro Todos los miedos, Pedro Ángel Palou. Una novela negra, en la cual el narrador siempre tiene que preguntarle a los personajes y esta dinámica hace que el lector siempre esté en tiempo real como en un Facebook like. El narrador es un personaje en tercera persona y siempre está detrás de estos personajes, dándose una intervención en la acción. Se le preguntó al autor: ¿Cómo escribir novela policiaca en México?  Y contestó que las novelas policiacas tradicionales por lo regular terminan cuando hay punto final, ahora se tiende a dejar en pausa al lector y que se tenga una continuidad de esa novela y esperar otra más. “El poder de los escritores: tenemos una necesidad de trabajar con la imaginación. Los escritores lo hacen para explorarse nosotros mismos “, señala, Palou, que además comentó:” No escribo para un tipo de lector” Próximamente el autor publicará una novela acerca del futbol.