Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ, CARCAJADAS AL POR MAYOR

Alfonso Paso es el autor hispano más escenificado, lo que es una garantía para ver a Jorge Ortiz de Pinedo y Susana Alexander en una de sus obras más representativas: Cosas de papá y mamá. Dejaremos constancia de que Jorge se ajusta al papel al cien por ciento, lo mismo que Susana, pues es una comediante nata: No tengo no pago de Dario Fo, Locos por elte, Instrucciones para una muerte feliz, así con Saltos de canguro, que no dejan lugar a dudas.

Sergio Zaldívar es el narrador y los hijos de ambos son interpretados por Ricardo Margalef y Daniela Luján, ¿en qué consiste la trama? Pues en la sala de espera de un médico se dan cita, para sus males, dos viejos: ella padece todo tipo de enfermedades y él, que entra después, está a punto de sentirse sin energía vital. El hijo de Ortiz de Pinedo tiene deseos de que su padre sea puntual y exacto en sus medicinas, como en la construcción de vida. Por su parte, la hija de Susana es fiel a sentirse realizada con atender a su progenitora como se merece, a cambio ella debe portarse como determine su hija. ¿Qué guisado se puede cocinar con estos elementos? Bueno, pues para empezar deberé contarle que fui al ensayo con público, así que había momentos no perfectamente trazados, que van haciendo disfrutar más cada escena, sin que se notara la improvisación.

La mucama es Gabi, la esposa de Ortíz de Pinedo. Cada uno de los actores hizo su mejor esfuerzo y dio lo que su larga experiencia sobre los escenarios le ha dejado de positivo y excitante. Sí, porque no hay nada más excitante que ver lleno el Teatro Royal Pedregal y escuchar las carcajadas desde el primer instante, en que la malicia de años permite a Jorge Ortíz de Pinedo provocarlas. Es un verdadero duelo de dos, hacemos la pregunta: ¿cuál de los dos es principal y cuál de ellos es de “soporte”?, y definitivamente decimos no hay ni para dónde hacerse: ambos cumplen el rol principal. No se la pierda, así sea del norte de la ciudad, viaje hasta el sur y véalos.

CINCUENTA PALABRAS, EN EL SAN JERONIMO AL SUR DE LA CDMX

50 palabrasNora Salinas es la deslumbrante esposa que dejará sin habla a Sergio Basáñez, en la pieza llamada Cincuenta palabras de Michael Weller. Usted puede imaginar que hay varias formas de rondar a nuestra propia mujer y claro que el personaje de Basáñez las intenta todas, pero su pareja hace lo posible por resultar insufrible, hay varios niveles de disfrutar esta historia: puede usted verla y gozar la belleza física del elenco, pensar en la psicología complicada de la mujer o ¿qué harán con el niño y su afectada psique una vez que llegue?

Es una historia complicada, basa toda su fuerza en la complicada relación de pareja, acaban de darse un fuerte agarrón amoroso, cuando de repente ella está en otro canal totalmente opuesto, a punto de darle un… pero no debo contarle la historia, sino dejarle pensando qué hacer en esa excepcional y sorprendente forma de ver la relación de pareja. No se la pierda en el San Jerónimo, antes Independencia.

ACUÑA EL DE LAURA MÉNDEZ

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200689Uno de los milagros más grandes es sin duda el del alumbramiento y, en general, son pocos los que pueden presenciarlo. De hecho, aún las madres, figuras imprescindibles en el acontecimiento, si requieren de una cesárea o se presenta una emergencia lo viven, pero anestesiadas. Son afortunados quienes han estado cuando alguien da a luz, o bien, aquellos que han visto nacer a alguna mascota, y hasta los que sólo lo ven mediante una filmación, es un gran momento de la vida real.

Lo cierto es que todo inicio de algo bueno es motivo de alegría y celebración. ¿Te gustaría presenciar la lectura de un texto recién escrito? Para hacerlo, no necesitas ser alguien cercano a un dramaturgo, ya que a través de un nuevo programa Boris Schoemann, su equipo creativo y el Teatro La Capilla te brindan esta oportunidad.

Como sabes, el Teatro La Capilla es uno de los espacios más antiguos en la Ciudad de México, el cual fue fundado por Salvador Novo en el año de 1953 cuando convirtió en teatro una pequeña capilla de la otrora finca El Carmen. A partir del año 2001 la Compañía Los Endebles, A. C. bajo el mando de Boris Schoemann tomó las riendas del Teatro a Capilla con el propósito de continuar la labor de Salvador Novo en cuanto a presentar montajes, tanto de dramaturgos consagrados como de nuevas voces.

A la fecha el Teatro La Capilla es un referente del teatro contemporáneo, en donde confluyen puestas en escena locales, nacionales e internacionales. Allí también se imparten talleres diversos. Además, cuentan con una editorial bastante conocida y una popular Cafetería.

Entre las nuevas actividades implantadas por Boris Schoemann, actor, dramaturgo, director escénico, traductor y docente, se encuentra el programa que inicialmente fue llamado Inéditos, para luego cambiar su nombre a Irrepetibles, planeado para dar a conocer obras de reciente concepción. Para que una obra participe en este programa, el autor debe aplicar a una Convocatoria y esperar el resultado que será emitido por el Comité Seleccionador del Teatro La Capilla, integrado por Itzel Lara, Gabriela Guraieb, Daniel Bretón y Adriana Morales.

Para el período entre mayo de 2018 y marzo de 2019, el Comité Seleccionador eligió un total de once obras para ser leídas dentro del Programa Irrepetibles. El título le va muy bien, puesto que cada texto jamás será igual a como se lee por vez primera, en virtud de que los autores van dispuestos a aceptar sugerencias por parte de sus invitados especiales que fungen como sinodales, del elenco y del público en general.

El Ciclo actual de Irrepetibles comenzó con la Sesión 1, cuando el sábado 19 de mayo de 2018 se llevó a cabo la primera lectura de la obra Ulises en cuerpo presente de Eduardo Castañeda, en tanto que en la Sesión 2, sábado 6 de junio, tocó el turno a Sólo somos capuchino y yo de Tania Vázquez.P1200707

El sábado 21 de julio, en la Sesión 3 presenciamos la primera lectura de Acuña el de Laura Méndez de la autoría de Dorte Jansen.

Dorte Jansen nació en Laatzen, Distrito de Hannover, Alemania, y reside en la Ciudad de México desde hace tiempo. Tiene estudios en la Universidad Philipps de Marburgo, estado federado de Hesse, Alemania, en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Veracruzana de Xalapa, Veracruz.  Es una apasionada del teatro que se desempeña como dramaturga. Ha llevado a escena varios de sus textos de teatro para niños. En lo personal es una mujer jovial, estudiosa, sensible, gran observadora y siempre dispuesta a ayudar al prójimo.

Para Dorte, Acuña el de Laura Méndez implica un doble estreno, marca la primera lectura de su obra ante el público y su incursión en la dramaturgia para todo público. La sinopsis con la que Dorte describe Acuña el de Laura Méndez es la siguiente “Dos poetas: Manuel Acuña y Laura Méndez (1953-1928). El primero famoso por su Nocturno y su espectacular salida del mundo, a través del suicidio. La segunda, la escritora mexicana más destacable del siglo XIX y hasta hoy una desconocida. Acuña el de Laura Méndez contesta en tono fársico a preguntas tan elementales como: ¿de qué sirve el amor romántico?, ¿por qué las mujeres necesitan siempre a un hombre para ser felices? y ¿todos los hombres son patéticos?”.

En uno de los diversos diplomados que tomó Dorte, en el material de trabajo se encontraba parte de la obra de la poeta Laura Méndez. A Dorte le impactó su escritura y se preguntó por qué no era más conocida. A partir de esto, Dorte investigó la obra de Laura Méndez y también su vida personal. Fue así como se enteró de que la poeta había estado profundamente enamorada del reconocido Manuel Acuña. Todo esto hizo que tuviera la inspiración de escribir algo sobre la escritora que le había impactado.

Laura María Luisa Elena Méndez Lefort nació en 1953 en una enorme hacienda en Amecameca, Estado de México. Cursó estudios en el Conservatorio de Música en la Escuela de Artes y Oficios para Mujeres. Antes de que Laura cumpliera los veinte años, el poeta saltillense le dedicó un poema intitulado A Laura-Epístola y lo leyó en público. Para ese entonces, Laura ya escribía poemas y organizaba veladas literarias en su casa, al lado de su hermana Rosa. A partir de ese momento, Laura y Manuel iniciaron una relación amorosa que duraría varios años.

El poeta Manuel Acuña era brillante y sus poemas le hicieron ganar popularidad, más no ingresos. Vivía con Laura y ella estaba tan enamorada que con gusto asumía todos los gastos. En tanto que para Laura Manuel era el amor de su vida, él solía tener aventuras y no estaba dispuesto a comprometerse. Por su parte, Laura era muy productiva, además de su faceta de versificadora, era una narradora nata y publicó varios libros. Por algún tiempo se dedicó a la labor periodística y sus publicaciones aparecían en los diarios capitalinos de mayor difusión. Trabajó arduamente en educación, incluso fue comisionada para representar al gobierno mexicano en congresos sobre educación celebrados en diversos países europeos. Fundó la Revista Hispano Americana en la ciudad de San Francisco, California, E.U.A. Se dice que era quien hacía los más preciosos esbozos biográficos de personajes de su época. Atrapó la atención de gran parte de la población y aumentó las ventas del diario El mundo cuando su novela El espejo de Amarilis apareció publicada, dosificándola en 43 entregas.

En Acuña el de Laura Méndez, Dorte se enfoca en acontecimientos de la vida personal de Laura Méndez. Le da voz a Laura para describir su sentir respecto de sus amores, sobre todo, el de Manuel Acuña, a quien el espectador verá a través de los ojos de Laura. Cuando más amor sentía Laura por Manuel se dio cuenta de que estaba embarazada. Se alegró muchísimo y con entusiasmo se lo comunicó a Manuel. Lamentablemente a él no le hizo gracia alguna y lo tomó como pretexto para alejP1200711arse de Laura. Esto la devastó y tuvo que afrontar su embarazo en total desolación. Poco después, quizá con intención de restituir su honor, Laura aceptó contraer nupcias con el mejor amigo de Manuel, el periodista y poeta precursor del modernismo, Agustín Fidencio Cuenca Coba, con quien habría de procrear siete hijos.

El texto de Dorte Jansen para Acuña el de Laura Méndez es de buena estructura y capta la atención de principio a fin. Su mayor mérito es dar a conocer a la valiosa Laura Méndez, de quien José Emilio Pacheco afirmara que, para muchos, fue la mejor poeta del siglo XIX. En el mundo intelectual se reconoce la aportación literaria de Laura Méndez y más aún las aportaciones que hizo en materia pedagógica, toda vez que al aplicar teorías modernas a la práctica educativa se logró un gran avance. Es loable que Dorte rinda este homenaje a uno de los grandes valores de las letras mexicanas, sin dejar de lado que a pesar de sus sufrimientos personales, Laura continuó trabajando con ahínco y dedicación.

En la lectura de Acuña el de Laura Méndez participaron: Florencia Ríos como Laura Méndez,  Isaac Weisselberg como Manuel Acuña,  Gabriela Guraieb como la doncella de la casa de Laura Méndez y  Hasam Díaz como Agustín Cuenca. Algunos de ellos interpretaron otros personajes de menor relevancia. Todos ellos aportaron una excelente dicción y diversos matices para dar mayor emotividad al relato.

Al finalizar la reunión, la primera en tomar la palabra fue Nora Coss, la flamante ganadora del Premio Bellas Artes Juan Rulfo 2018 para Primera Novela con su Nubecita. Con voz clara y directa señaló a Dorte aquello que podría redireccionarse o mejorarse. Luego, también dieron sus recomendaciones Marianella Villa y Laura Uribe, así como algunos de los integrantes del elenco, por ejemplo, Florencia Ríos aludió a la experiencia de leer ciertos fragmentos de poemas dentro de un texto. Así mismo, personas del público externaron opiniones y, para concluir, Itzel Lara, dramaturga, integrante del Comité Seleccionador y editora de los Textos de La Capilla pronunció acertados consejos. Dorte tomó nota de todas las sugerencias y esperamos que pronto salga a la luz la versión definitiva de Acuña el de Laura Méndez y su correspondiente montaje.P1200741

La velada concluyó con un grato convivio donde todos los asistentes charlaron, tomaron té o mezcal y degustaron finas galletas.

Si quieres asistir a la Sesión 4 del Programa Irrepetibles tienes que estar al pendiente de las publicaciones del Teatro La Capilla en las redes sociales o entrar de vez en cuando a su página de internet. Es una experiencia novedosa ver nacer un texto y resulta enriquecedor escuchar en un diálogo abierto opiniones diversas al respecto.

La primera lectura de Acuña el de Laura Méndez se llevó a cabo el sábado 21 de julio de 2018 en la Sala Novo Coyoacán, Ciudad de México.

FRÁGIL (INTRASCENDENTE COREOGRAFÍA)

Por:Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Talía Falconi (Ecuador), bailarina, coreógrafa y artista escénica, según se expresa en el programa de mano, presentó una propuesta la cual a la postre resultó intrascendente, sosa, sin sentido, sin ninguna estructura. En la sinopsis se lee: “Una mujer habita tiempos vacíos y espacios sin presente…FRÁGIL -título- abre la posibilidad de explorar perspectivas distintas a partir de la acción recurrente, poniendo en juego la disyuntiva entre resistencia y punto de fractura como eje para el desarrollo y aparición de estados físicos que conducen hacia teatralidades alternas”.

 

Este larga transcripción, por si sola, invita, provoca, sin embargo, todo queda en una intención, nada, absolutamente nada, se proyecta en el escenario, todo queda a la imaginación, a medida que trascurre el tiempo, todo se desvanece, se ignora cuáles son las “teatralidades alternas”, en favor de Falconi aceptar que las “nuevas” tendencias me rebasan, mi imaginación no da para tanto.

 

La coreografía, en términos generales, parece desarrollarse a cámara lenta, la estructura dancística es muy simple, algunas muestras de flexibilidad corporal (estudió en la Escuela Nacional de Circo Annie Fratellini); cero expresividad facial. Prácticamente sin escenografía -tres sillas-; unos listones rojos, supongo deben tener alguna simbología concreta, lo cierto es que cada quien puede dilucidar lo que quiera.

 

Música en vivo a cargo de Federico Valdez (múltiples instrumentos), momentos gratos por decirlo de alguna manera, otros simplemente ruidos. Falconi emplea el video, mismo que en nada contribuye para enriquecer la escenografía, puede prescindir del mismo. El vestuario de lo más simple y una iluminación elemental.

 

Tal vez el potencial público presintió o intuyó, sólo 16 espectadores en la primera de la tres funciones programadas en el Teatro de la Danza “Guillermina Bravo”, como parte del ciclo EXPLORA TUS SENTIDOS.

 

Agosto 2018

 

36 HORAS CUENTA ABAJO (LAS ÚLTIMAS HORAS DE VIDA DEL CHE GUEVARA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de Denisse Anzures

 

36 horas

 

Un ser a quienes algunos consideran un mártir, un héroe, sin embargo, para otros un simple guerrillero. Cada quien puede asumir la postura acorde a sus convicciones, lo cierto es que a 51 años de de su muerte su imagen es un icono, aun entre los jóvenes quienes no habían nacido cuando cuando fue fusilado.

 

¿A quién nos referimos? Nada más y nada menos se trata de Ernesto “Che” Guevara (1928, Argentina-1967, Bolivia). José Rivera es considerado como uno de los más destacados autores de origen latino, a pesar de escribir en inglés. Adquirió prestigio al ser nominado al Óscar por el guión DIARIOS DE MOTOCICLETA, en donde aborda los años de juventud del Che. Ahora no adentraremos en 36 HORAS CUENTA ABAJO (el título original era ESCUELA DE LAS AMÉRICAS). El texto nos presenta a un hombre idealista, siempre justificando sus acciones, aun cuando al final no está seguro si éticamente su proceder fue el correcto,  pero sin apartarse de sus ideales. Ha sido herido por miembros del ejército boliviano y confinado bajo arresto en una escuela de La Higuera, Bolivia. En ésta trabaja la maestra Julia Cortés, a quien se le permite convivir con él por cortos periodos de tiempo.Entablan diálogos -ficticios- con diferentes puntos de vista, en vez de enfrentarlos los acerca, inclusive más allá del hipotético racional. Uno de los temas centrales la importancia de la educación.  Curiosamente Julia cita a su madre: “Las ideas son la mejor arma que tenemos”, palabra que bien se le podrían atribuir al Che. A grandes rasgos es la trama planteada por Rivera. Por cierto, la maestra vive en Bolivia, cuenta con 92 años de edad.

 

Estos encuentros ficticios recaen bajo la dirección de Otto Minera, destacado en el rubro del denominado Teatro de Arte. Mantiene un excelente ritmo de principio a fin, su tiempo a cada diálogo, a pesar de los extenso de las conversaciones, de lo cual no tiene responsabilidad. Se apoya en una escenografía compuesta por tres espacios, independientes entre sí, obvio al centro el aula del plantel donde acontecen las disertaciones. Sin caer en la parafernalia, destaca la iluminación de Tera Uribe, un diseño de vestuario discreto de Estela Fagoaga. Además efectos sonoros, el sobrevuelo de una helicóptero y metrallas.

 

Las actuaciones: Carmen Mastache (excelente como Julia, de la sensación de que todo lo expresado le sale del corazón, probablemente la actriz es admiradora del Che); Juan Valero y Edgar González (cubanos), Anilú Pardo, Josué Aguilar y Alejandro Gama. Todos capitan a la perfección la intencionalidad dramatúrgica como de la puesta escénica, a pesar que que los dos últimos son circunstanciales y no se comportan como soldados.

 

36 HORAS CUENTA ABAJO tiene como sede La Gruta, Centro Cultural Helénico, Ciudad de México, hasta el 23 de septiembre, los viernes a las 19:00 y 21:00, sábados 18:00 y 20:00 y domingos 17:00 y 19:00 horas. Las funciones de los viernes a las 19:00 horas tendrá un 50% de descuento para estudiantes.

CASQUITO (ADMIRACIÓN POR EL PADRE HASTA SUS ÚLTIMAS CONSECUENCIAS)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Teatro a una sola voz

Joaquín Alexis Robles -autor, director e intérprete- fue el encargado de la inauguración en la Ciudad de México del ciclo Teatro a una sola voz 2018, que reúne monólogos procedentes de varias entidades federativas de la República Mexicana, con doce sedes a lo largo y ancho del territorio nacional. Se trata de un esfuerzo para la promoción y difusión de esta expresión teatral, para unos, el máximo reto para un actor o actriz, para otros, un simple ejercicio escénico.

 

Oriundo de Chiapas, Joaquín Alexis mostró deseos, preparación y entrega, y demostró que cuando hay todo esto, se pueden superar las limitaciones propias de la provincia, donde en muchos casos se trabaja con lo que está al alcance, sin apoyos institucionales, son más la voluntad y el amor al arte que los beneficios que se pueden obtener. Casquito fue el unipersonal seleccionado para la apertura de la muestra. En la comunidad Cabeza de Toro, donde radica nuestro Joaquín, a orillas del manglar chiapaneco: “un niño crece entre montes y playas, teniendo a su padre como modelo, a quien seguirá hasta el final de sus días”. El autor explicó, antes de la tercera llamada, se trata de un cuento, nada está basado en la vida real, lo que es gratificante porque la conclusión es una verdadera tragedia. Para él es una gran satisfacción presentarse en el patio de su casa ante un público sencillo, pero sensible, sin embargo, el Teatro Orientación no lo amedrentó, por el contrario, se engrandeció y cautivo al público.

 

El mismo actor con la responsabilidad de caracterizar, con precisión, a cinco personajes -Casquito (mote por poseer una joroba al estilo de una tortuga), M, Mamá, Papá y Bodoque, tal vez el único “pero” son los desgastados giros de 180 grados para los desdoblamientos. El monólogo posee humor, éste brota tanto del texto como de la actuación. Como suele suceder en estos encuentros, no hay escenografía y la iluminación es elemental, sin embargo, Joaquín posee los suficientes recursos para inundar con su talento el escenario.

 

Teatro a una sola voz 2018 tiene lugar en los teatros El Granero y Orientación del Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México, hasta el 2 de agosto, en los horarios habituales.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Imagen cartel promocional.

Sweeney Todd, es un musical redondo

sweaney todd

¿Qué se puede esperar de un musical? Bellas y poderosas voces, una historia interesante y escenografía que brinde un lugar lleno de magia… todo esto lo cumple el musical que han decidido enfrentar en el centro de Coyoacán, en el foro que se llama Hugo Arguelles; tiene ciertas características que lo hacen muy particular, ya que el espacio para actuar es pequeño y de poco fondo; bueno, pues les cuento, lo han aprovechado al máximo para darnos una historia de terror. La historia es relativamente conocida, no tan popular como otras que también han convertido en musical; tenemos un cuento que llevan a escena con el fin de demostrar que hay voces que rebasan el nivel de lo narrativo y llegan a darnos emociones plenas. David Cuevas es al director que ha logrado sacar jugo a este trabajo, con la dirección de Ricardo Díaz, calificable de puntual y exacta.

El elenco es de primer nivel, vea usted, Beto Torres es el personaje central Benjamín Barker, quien habrá de conocer a Mrs. Lovett, interpretado por Lupita Sandoval, que hacen un juego de contrastes sensacional, ya que él es serio y circunspecto, en tanto ella es el juego, la diversión, sin juicios morales ni preocupaciones de ninguna índole, todo es por divertirse, por ganar unas monedas y… cumplir con la venganza que han de realizar sin mayor pérdida de tiempo.

Completan el reparto: Mario Beller, Eduardo Ibarra, José Andrés Mojica y Alejandra Desiderio en los roles contrales, acompañados por Sonia Monroy, Daniel Páez y Adrián Mejía, más jóvenes y quizá sea su primer experiencia en ésta a nivel de teatro, que casi es experimental, al ser primera ocasión que se reúnen para cumplir con una misión tan arriesgada, intentar la versión de Stephen Sondheim, música y libreto de Hugh Wheeler, prueba que han superado ampliamente por las ganas de todos y la experiencia de los que llevan los papeles centrales.

Esta historia, además, es recordada por el filme de Tim Burton, estelarizado por Johnny Deep, como La historia del Barbero diabólico de la calle Fleet, que ha dejado huella en los fanáticos del cine de terror, queríamos ver este trabajo y calificarlo; se merecen un aplauso largo, cálido por el resultado tan favorable, en que jugando con un espacio reducido logran mover la escenografía, para mantenernos interesados en la descabellada historia.

Canción rota para un perdedor fortuito

La invitación es para que el sábado 19 de agosto a la 19:00 horas. Disfrute usted la función número cien de este monólogo, fecha especial en que Zaide Silvia Gutiérrez será la madrina. Esto en el Foro Off Spring ubicado en Francisco Pimentel 14, col. San Rafael. Esperamos una lluvia de estrellas ese día, para festejar que sigue viento en popa este trabajo dramático de Arturo Amaro, que me honro en dirigir. Las funciones normales siguen siendo cada domingo a las 18:00 horas en el mismo foro.

REY Y REY (CUENTO BASADO EN ESTRUCTURAS FAMILIARES MODERNAS)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen cartel promocional.

 rey ligero

La Compañía Nacional de Danza (CND) engalanó el Centro Nacional de las Artes (CENART) con la puesta en escena de Rey y rey, ballet basado en el libro infantil con el mismo título, de Linda de Hann y Stern Nijland, originalmente editado en 2000 en holandés. Ha sido traducido posteriormente a varios idiomas, entre ellos al inglés, al español y al catalán, según consigna Wikipedia. No soy muy dado a consultar información en Internet para mis notas, pero el tema me llamó la atención, porque en el 2010 Perla Szuchmacher dio a conocer Príncipe y príncipe (Diccionario Mexicano de Teatro. Siglo XXI, Editorial ESCENOLOGÍA), con la misma temática y de igual forma la anécdota se desarrolla en un reino, lo cual me lleva a pensar en plagio, al menos de fondo, es demasiada la coincidencia.

 

La sinopsis -programa de mano- expresa; “Rey y rey narra la historia de una reina que decide dejar el mando y le exige a su hijo, el príncipe, que se case para que pueda ser coronado rey. El príncipe conoce a varias princesas, hasta que la última que se presenta ante él llega acompañada de su hermano, quien inmediatamente llama la atención del príncipe, por lo que ambos se enamoran, se casan y se convierten en Rey y rey”.

 

La coreografía y concepto musical está a cargo de Demis Volpi, quien “narra” la historia en forma elegante, sutil, sin provocaciones, simplemente el espectador está frente a un hecho creativo, artístico, enmarcado en una estética que no hace cuestionamientos, es “simplemente un cuento basado en estructuras familiares más abiertas…”. En realidad al emanar de un cuento, la fantasía es el medio donde se desenvuelven los personajes, con la ventaja de ser lo que se percibe desde la sala de butacas, a tal grado que es apta para infantes.

 

El diseño de escenografía es responsabilidad de Jorge Ballina, sencilla para los parámetros a los que nos tiene acostumbrados, varios fondos a través de cortinas que se abren y se cierran para recrear diferentes espacios, indeterminados, si se quiere. La música es en vivo y los coros son parte fundamental del concepto musical, con arreglos de David Pérez Ávila. La reacción del público fue acorde al planteamiento, hubo apertura a pesar del planteamiento, ni los conservadores chistaron, lo cual es digno de reconocimiento para la CND.

 

Rey y rey se representa en el Teatro de las Artes (CENART), Ciudad de México, 28 y 29 de julio, 12:00 y 14:00; viernes 3 de agosto a las 16:00 y 18:00, y sábado 4 y domingo 5 de agosto, a las 12:00 y 14:00 horas.

QUE DEJEN TODITOS LOS SUEÑOS ABIERTOS (HOMENAJE A FRANCISCO GABILONDO SOLER CRI-CRI)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Cri cri

Conocido por todos, inclusive en muchos casos por las nuevas generaciones, Francisco Gabilondo Soler, Cri-Cri, escribió un sinnúmero de cuentos y canciones que han quedado en la memoria, en el consciente de todos los que nos negamos a dejar de soñar, vivir un mundo de fantasía donde sus personajes recrean historias, música, coreografías. En torno a él, su creación incluye 226 canciones y más de 500 seres que cobraron vida gracias a su talento y creatividad, con los que enmarca el entretenimiento de millones de infantes y adultos, no sólo en la República Mexicana sino en el ámbito internacional.

 

Mario Iván Martínez, reconocido histrión, cantante y cuenta cuentos le rinde un emotivo homenaje, donde interpreta temas clásicos como La marcha de las letras, Che araña y El ratón vaquero, sin embargo, incluye otras poco populares como La sirenita, un poema de canción y una gran musicalización. El programa incluye, además de las ya mencionadas: Caminito de la escuela, El barquito de cáscara de nuez, Chong ki fu, Jorobita, El fantasma, Los sueños, El jicote aguamielero y Juan pestañas.

 

Espectáculo emotivo, cautiva a los pequeñines, a sus padres, a sus abuelos, más de alguno canta a la par de Mario Iván, en la memoria está la ingeniosa producción temática. Sin escenografía, tan sólo unos cubos, la producción se apoya en el multimedia donde se proyectan lugares, escenas para respaldar el trabajo de los intérpretes. Además de Mario Iván, tienen presencia escénica Jimena Parés y Pablo Rodríguez, un trío para deleite del respetable.

 

Que dejen toditos los sueños abiertos se presenta en el Teatro Julio Castillo, del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), hasta el 19 de agosto, sábados y domingos a las 12:30 horas.

KYBALIÓN (LA ILUMINACIÓN SÓLO ES POSIBLE SI DEJAS DE SUFRIR)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

kibalion ligero

En estos tiempos tan violentos en que nos cuesta trabajo escuchar los noticieros porque la mayor parte de su contenido se refiere a guerras, asaltos, secuestros, narcotráfico, ajustes de cuentas, fraudes y muchas cosas más que quisiéramos que no pasaran, la gente ha tratado de refugiarse en la fe y cada quien elige un camino para afianzarla. Se puede acudir a religiones, disciplinas, estilos de vida, retiros, temazcales, convivencias, meditación, misticismo, lectura de libros emblemáticos o de autoayuda. La búsqueda de la fe se hace apremiante en momentos en que un profundo sufrimiento agobia a alguien por la pérdida de un ser querido, un accidente, una enfermedad grave o un suceso violento o doloroso.

 

Mientras resulte útil, cualquier camino es válido. Los católicos encuentran paz leyendo pasajes de la Biblia, los cristianos se apartan de tentaciones y tratan de llevar una vida más espiritual. Los intelectuales acuden a la lectura. Existe un vasto acervo cultural consistente en libros escritos por sabios, maestros o expertos.

 

Entre los sabios, se encuentra Hermes Trismegisto, un personaje histórico que algunos asocian al sincretismo del dios egipcio Dyehuty [Tot, en griego] y el dios heleno Hermes. En tanto que la traducción de Trismegisto del griego es Hermes, el tres veces grande, al latín sería Mercurius ter Maximus (Mercurio los tres mayores). En la literatura ocultista se refieren a Hermes Trismegisto como el sabio egipcio, paralelo al dios Tot. Trismegisto creó la alquimia y desarrolló un sistema de creencias metafísicas, al que más tarde nombrarían hermetismo. Según algunos pensadores medievales, Hermes Trismegisto fue un profeta pagano que anunció el advenimiento del cristianismo. Se le atribuye haber realizado los estudios de alquimia conocidos como la Tabla de Esmeralda, que habría de ser traducida del latín al inglés por Isaac Newton. También es quien realizó los estudios que derivaron en el Corpus hermeticum, consistente en una colección de veinticuatro textos sagrados escritos en lengua griega que contienen los principales axiomas de las tendencias herméticas.

kibalion ligero2

La obra cumbre del alquimista místico Hermes Trismegisto es El Kybalión, documento del siglo XIX que resume las enseñanzas del hermetismo, también conocidos como los siete principios del hermetismo, los cuales son:

  1. Mentalismo. El Todo es mente; el universo es mental.
  2. Correspondencia. Como es arriba, es abajo; como es abajo, es arriba. Afirma que este principio se manifiesta en los tres Grandes Planos: el Físico, el Mental y el Espiritual.
  3. Vibración. Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra.
  4. Polaridad. Todo es doble, todo tiene dos polos; todo, su par de opuestos: los semejantes y los antagónicos son lo mismo; los opuestos son idénticos en naturaleza, pero diferentes en grado; los extremos se tocan; todas las verdades son medias verdades, todas las paradojas pueden reconciliarse.
  5. Ritmo. Todo fluye y refluye; todo tiene sus períodos de avance y retroceso, todo asciende y desciende; todo se mueve como un péndulo; la medida de su movimiento hacia la derecha es la misma que la de su movimiento hacia la izquierda; el ritmo es la compensación.
  6. Causa y efecto. Toda causa tiene su efecto; todo efecto tiene su causa; todo sucede de acuerdo con la ley; la suerte o azar no es más que el nombre que se le da a la ley no reconocida; hay muchos planos de causalidad, pero nada escapa a la Ley.
  7. Género. El género existe por doquier; todo tiene su principio masculino y femenino; el género se manifiesta en todos los planos. En el plano físico es la sexualidad.

kibalion ligero3

Sergio Rüed egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien se desempeña como actor, director y dramaturgo, escribió su más reciente obra inspirándose en El Kybalión de Hermes Trismegisto, y a manera de homenaje la intituló Kybalión. Es probable que al concebir su propuesta una de las intenciones de Sergio Rüed haya sido la de difundir los siete axiomas dictados por Trismegisto, en virtud de que divide su relato en siete cuadros y para marcar el inicio de cada uno de estos, el axioma correspondiente es enunciado.

 

El relato de Sergio Rüed gira en torno a un pasaje de la vida de Luis Fernando Pérez Casas, joven mexicano, que sufrió una de las tragedias más dolorosas que existen. Su pequeño hijo, Jaime, fue secuestrado, para después ser encontrado muerto, a pesar de haberse pagado el rescate. Fernando no pudo soportar el dolor ni supo manejarlo, se encerró en sí mismo, abandonó a su esposa, dejó trabajo y clases, para refugiarse en la meditación en silencio. La gente lo apoda El Buda de la Condesa, y tiene un gran número de seguidores, entre quienes sienten compasión y/o admiración por él.

 

Han transcurrido siete años desde entonces. Su caso quedó abierto y no se ha castigado a nadie, hasta un día en que le llaman por teléfono para decirle que atraparon a uno de los secuestradores y que deberá presentarse en la jefatura de policía para dar su testimonio en un careo con el maleante. Fernando está contrariado, quiere seguir en su encierro, no le interesa salir, pero Lucy, su esposa, insiste en que es necesario que acudan. De pronto, alguien toca a su puerta. El inesperado visitante dice ser Lucifer. ¿A qué viene el mismísimo diablo en estos momentos?

 

El texto de Sergio Rüed es de buena factura, los parlamentos son fluidos y la historia capta el interés de principio a fin. A un hecho trágico le infunde la luz esperanzadora de principios sabios para la canalización del sufrimiento, además de añadirle tintes de humor. Sus personajes están bien delineados con defectos y virtudes.

 

Sergio Rüed ofrece un trabajo de dirección impecable, su trazo escénico es consistente con la narrativa. El desplazamiento y corporalidad del elenco están bien diseñados. Hay equilibrio entre acción y pausas. El ritmo es preciso.

 

En cuanto al montaje, les bastan unos cuantos elementos para crear un entorno pleno de símbolos esotéricos, como la mano de Fátima, Buda, tercer ojo, elefante. Coadyuva con el ambiente de paz el estético video que se proyecta sobre el techo con bellas y pertinentes imágenes bien seleccionadas. El acompañamiento de las cuerdas de una guitarra, un flautín y la sonoridad de un cuenco metálico transportan al espectador al mundo de los protagonistas.

 

El trabajo histriónico y corporal por parte del elenco es acertado. Adrián Alarcón es Luis Fernando, Sergio Rüed es el demonio y Yun Flores es Lucy, esposa de Luis Fernando.

 

Equipo creativo: Sergio Rüed es dramaturgo, director escénico y actor. Adrián Alarcón, actor y editor de imágenes y video; Yun Flores, actriz y asistente de producción; Claudia Aragón, actriz y asistente de dirección; Yun y Claudia alternan el personaje de Lucy. La producción es de la Compañía Madre Coraje.

El misticismo ha iluminado el camino de muchos seres humanos, quienes acuden a ver esta obra reciben una caricia al espíritu al escuchar los siete axiomas que ayudan a canalizar el sufrimiento, además de entretenerse con la historia de Luis Fernando y Lucy que intentan sanar la herida que les dejó la pérdida de Jaime. Teatro mexicano de calidad llevado a buen puerto por un equipo de jóvenes con talento, entusiasmo y compromiso hacia el teatro y la sociedad.

 

Kybalión acaba de culminar sus representaciones en la Ciudad de México. Su primera temporada fue en el Teatro La Capilla y la segunda en la Sala Novo, ambas con éxito rotundo y llenos totales.

 

 

Nota para los productores de la bella ciudad de Aguascalientes

 

Estimados señores Productores, les sugerimos llevar esta obra a los hermosos hidrocálidos, para que disfruten plenamente de este gran montaje. En virtud de que la producción es sencilla, que son pocos los integrantes del elenco y que ellos mismos se multiplican en los diversos campos creativos, consideramos que su contratación ha de ser accesible.

KYBALIÓN (SIETE PRINCIPIOS, CAMINO HACIA LA VERDAD)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Bajo la dramaturgia y dirección de Sergio Rüed, el teatro enmarca siete principios de la alquimia hermética, filosofía basada en el poder de la mente y el dominio de sus variantes. Estos son: mentalismo, correspondencia, vibración, polaridad, ritmo, causa y efecto, y generación. El texto está inspirado en el libro homónimo del título de la obra, de Hermes Trismegisto, por lo cual no entraré en la explicación de cada uno de ellos, además de no ser motivo de la presente, simplemente los remito a la publicación antes citada.

 

Esta postura gira en torno a un fondo dramatúrgico, a partir del secuestro de un infante y todas sus consecuencias, una familia se destruye: la madre buscando a su hijo sin descanso; por otra parte, el padre se dedica a la meditación. Esos casos donde a pesar de haber pagado el rescate, la víctima es privada de la vida. Años para resolver el caso y dar con los responsables. Un día se presenta en la morada del padre un ser misterioso, quien propone la firma de un contrato para…, quien resulta ser el mismo Lucifer. Hay una serie de planteamientos, de disertaciones en torno a las circunstancias, mismas que en forma sutil desencadenan una relación con los siete principios antes mencionados. No es una cátedra de carácter religioso o místico, sólo una forma filosófica de encausar la vida para alcanzar la felicidad y la tranquilidad existencial.

 

Se debe reconocer la belleza y profundidad en las palabras y pensamientos emanados de la sensibilidad de Sergio Rüed, una forma diferente de presentar un texto. Si alguna vez he mencionado que hay obras que invitan a la reflexión, ésta lo hace con creces, de hecho, por sí misma, es una reflexión, va más allá de lo visceral, del romanticismo, de lo panfletario, es una oda al humanismo en el más estricto sentido del término. Un diálogo entre Hermes, Buda, Heráclito y Lucifer. Más importante aún, una charla con el público que absorto se embelesa con lo expresado.

 

Sin embargo, el teatro va más allá de un texto, requiere de un director y de un elenco que engrandezcan la dramaturgia. Sergio lo logra, a partir de la sencillez escenográfica, curiosamente realista, lleva a buen puerto el conjunto, en forma integral une ideas y acciones, si bien hace de la palabra un mar en cuyas aguas hay una inmersión por parte de los espectadores, mediante una acción calculada, pausada y profunda todo queda al alcance, no se requiere de inspecciones que el teatro no está obligado a provocar. El reparto lo integran Adrián Alarcón, excelente, lo mejor de su carrera, por fin encontró un equipo acorde con sus capacidades histriónicas; Yun Flores, entregada y convincente en sus intervenciones y el propio Rüed, quien muestra en todo momento que más qué actuar, siente, vive todo lo que dice en el escenario.

 

Kybalión concluyó su temporada en el Foro Novo, con gran éxito y llenos totales, por fortuna, como lo comentó Adrían Alarcón -a quien no le perdono me haya invitado a la última función- ya están en la búsqueda de otro espacio y reponer el montaje a la brevedad posible.