Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Dos más dos, promete risas a granel y cumple

dos mas dos ligero

Fuimos a la última función del año 2017, ya sabe usted, se presenta en el Jorge Negrete, cerca del monumento a la Madre (¿ya lo reconstruyeron?) todos los que deseaban comprar un boleto formaban una larga fila, lo que se ve en muy pocas ocasiones, además 2017 fue un año especialmente difícil para vender boletos, nos recibió un teatro lleno, para ver esta comedia que dura casi dos horas. El elenco no tiene desperdicio: el regiomontano Adal Ramones refrenda su calidad sobre las tablas, además de la TV, le hemos visto, y muy bien, en Sueños de un seductor; Consuelo Duval que será recordada largos años por XXXX y ¿Por qué los hombres aman a las c.?; Mónica Dionne cliente frecuente de los teatro y la TV, la recuerdo recientemente en Casa Matriz y Un tranvía llamado deseo; para amarrar el elenco está Mauricio Islas que hace poco estuvo en Aventurera y Las Criadas; así las cosas, el director es Alonso Iñiguez que logra un tiempo escénico eficiente para que no perdamos el tiempo en los cortes y cambios de lugar, aunque la escenografía pudo ser menos convencional, reproduce una sala-comedor con cocineta y pasillos, en dos niveles.

El personaje de Mauricio tiene una nueva afición, fraternizar con parejas swinger, han ido a cenar los cuatro y al final hay sugerencias para que se unan a esta novedosa idea de intercambiar parejas; porque si bien usarán la mía, tengo a cambio la ventaja de explorar en la de mi amigo y socio. Bueno, esa es la estructura básica para que Adal interprete un rol de empresario conservador- pero-moderno, su esposa parece más open mind y viene la dinámica de avanzar- retroceder… pero no le contaré más. La trama psicológica de esta comedia de Daniel Cuparo, es sin otra finalidad que provocar nuestras risas y quizá el final no me convenció del todo, pero, ya nos tenía en vilo con esos dos arquitectos y socios, uno de ellos siempre acaba por opacar al otro (¿inconscientemente?) y un día vendrá la revancha.

No se la pierda, Adal-Consuelo-Mónica-Mauricio saben rato largo de estos menesteres, acuda y comparamos opiniones.

RESUMEN TEATRAL 2017 (tercera parte)

Una lección de teatro resultó El Padre con Ignacio López Tarso, Erika Buenfil, Lisardo, Lucero Lander, Adriana Nieto y Sergio Basáñez. Don Ignacio sigue imparable, ya que El Cartero, Un Picasso y Aeroplanos han sido ases que complementan el póker. La Estética del crimen es un trabajo entretenido y con momentos brillantes, destacan Mario Alberto Monroy y Omar Medina. Josefa fue un buen musical que no tuvo suerte, quizá el mes y la economía tan difícil le frenaron la taquilla. Un acto de Dios ha recibido opiniones encontradas, mayormente favorables, Horacio Villalobos hace un casi monólogo-stand up para inquietar al público con una reinterpretación de los diez mandamientos. Romeo y Julieta tuvo buenos comentarios pero otros criticaron que adornaran a Shakespeare con música, albures y escenas ajenas. De otras producciones hablaremos en las siguientes semanas, cuando ya regresan a la cartelera los valientes que no cerraron después del sismo, no se arredraron con la crisis y ¡quieren competir con las elecciones y el mundial de futbol!, que llenan los espacios publicitarios con información profusa, confusa y difusa. Recordamos que el teatro ha competido con los mundiales y pocos productores tienen recuerdos felices. ¡Feliz Año¡

 

 

2018, Año electoral con Mundial de Futbol, ¡agárrense¡

 Extraños en un tren 3

La cartelera teatral empieza a llenarse con los montajes más exitosos de 2017 y todavía se conoce poco de los nuevos, a vuelapluma les comentaré: El padre tiene la calidad para atraer al público, con Ignacio López Tarso el frente. Privacidad con la dupla Diego Luna, Luis Gerardo, sigue adelante. La Familia de diez se va y regresa a la cartelera, siempre con la misma convocatoria. Mentiras ya rebasó las 3,100 funciones, hay que hacer notar, es el montaje mexicano que todos tratan de imitar, pero es difícil lograr el jalón que lograron López Velarde y Morris Gilbert, récord absoluto de los musicales.

La Estética del Crimen seguirá dando funciones, es un remontaje al que vimos en el Helénico en 2003, o sea, el teatro no es una verdad absoluta, el montaje, teatro, elenco, deben coincidir con la campaña de difusión y claro, comprar una pata de conejo. Acudí a las funciones de Conversaciones con mamá y me capturó: el trabajo de Jesús Ochoa y Queta Lavat es preciosista. Dos más dos es una producción con el ritmo preciso para hacer reír, así que Adal Ramones, Consuelo Duval, Mauricio Islas y Mónica Dionne, salen a probar que tienen talento y fama.

Un acto de Dios es divertida, irreverente, reúne talkshow-standup y monólogo, con algunos actores complementarios, permiten que Horacio Villalobos deslumbre y provoque controversia, la gente ríe todo el tiempo. Extraños en un tren ha cambiado de teatro y de elenco, sigue gustando con Plutarco Haza, Sherlyn, Antonio Alcántara a la cabeza. Hay temas recurrentes, uno de ellos es la tercera edad: El cuidador habla del Alzheimer, Sergio Ochoa homenajea a su madre Leonorilda Ochoa. El Hombre de la Mancha ni qué decir, va y viene de la cartelera siempre con éxito, por su evidente calidad. Perro Ámame, lo mismo, tiene los elementos para gustar. Variaciones Enigmáticas, uf convence con su ritmo y calidad. Otro hitazo es La Dama de Negro que rebasa 23 años dando funciones y 6,300 representaciones. Hablaremos en las siguientes columnas de las obras que tienen el requisito fundamental: gustar al respetable.

 

ENCUENTRO AMANTES DEL TEATRO 2018

 

En el teatro Julio Castillo (atrás del auditorio) hay un festival gratuito los fines de semana, fui el domingo a darme un atracón, en la mañana teatro infantil: La extraordinaria historia de Nina, la niña come libros, del DF, con Valentina Arias, Emiliano Valverde, Luka Herrera, Betzabé Jara, entre otros, la historia es agradable, una pequeña desea ser muy inteligente, devora con los ojos muchos libros, vemos pasar a Cervantes, monstruos, Sor Juana, para transmitir un inteligente montaje. Escenografía, vestuario, trazo, todo fue muy disfrutable.

Vimos también Detenidos de Aguascalientes, un buen trabajo, con algunas carencias. Los Invertebrados (cd. De Mex.) vimos mucho entusiasmo y algunas fallas. La Vida es una Ofrenda también del ex DF, muchas ganas, medio convencieron. El Teatro Julio Castillo tiene mil butacas, con 250 espectadores se ve vacío, el festival estuvo varios años en el Jiménez Rueda de 300 butacas, se hubiera visto lleno. Consejos para los diversos grupos: seleccionen el texto, que sea dramático (género tronco) porque corren el riesgo de que parezcan diálogos sin sentido; estudien el manejo de la voz o les va a gritar el público “no se escucha”, ahora las escuelas les hacen confiar en los micrófonos, los cruces sobre el escenario tienen reglas, que mal manejados matan la escena. El nerviosismo natural de los niños y jóvenes se combate con estudio, ensayos previos y repetición ad infinitum.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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Entre los dichos que acostumbramos decir los mexicanos está aquel de “nada es verdad ni mentira, todo es según el color del cristal con que se mira“.  Lo cierto es que no existe la verdad absoluta, toda verdad tiene algo de mentira y viceversa, pero en lo cotidiano, cada individuo tiene su propia percepción de lo que es verdadero y lo que no.   En el caso de la obra que nos ocupa, este dicho podría aplicarse por partida doble.  En cuanto a verdad o mentira, en uno de los momentos claves de la obra, alguien dice “al menos una vez en la vida, hay que mirar la verdad cara a cara“, lo cual es contundente, pues nadie puede eludir la verdad que enfrenta.  Por otra parte, en lo que alude al cristal con que se mira, la adaptación realizada por Angélica Rogel deja en claro que la visión del creador teatral es la piedra angular del montaje.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS es la última obra que escribió Antón Chéjov (1860-1904), originario de Rusia, que es considerado como el autor más representativo de la escuela realista de su país.  Su obra ocupa un lugar destacado tanto en dramaturgia como en narrativa dentro de la literatura universal.   Liberal por naturaleza, Chéjov fue de los primeros literatos en apartarse de los cánones moralistas que privaban en su época, al retratar la vida tal cual es sin artilugios.  Una de las características que lo distingue es mostrar los pensamientos más íntimos de sus personajes, cual si radiografiara su mente.  Esta complejidad interna resulta atrayente para cualquier actor o actriz, toda vez que es un reto interpretar a cualquier personaje chejoviano.   Resulta paradójico que Chéjov se haya convertido en tan prestigiado autor, considerando que su vocación era la medicina, carrera que cursó.  Fue ya adulto cuando se dio cuenta de que lo que más disfrutaba era escribir.  Continuó ejerciendo la medicina, pero la alternaba con su pasión literaria.  Solía bromear con sus amigos, diciendo “La medicina es mi esposa legal; la literatura, sólo mi amante“.

Entre sus obras más conocidas, se encuentran “La Gaviota” (1896),  “Tío Vania” (1897),  “Las tres hermanas” (1901),  y  EL JARDÍN DE LOS CEREZOS (1904).  Sus textos pueden ser trasladados a la actualidad y se han hecho infinidad de montajes en todo el mundo.  Lo que hace que la obra de ciertos autores perdure es que se fundamentan en el sentir del ser humano, toda vez que éste sigue siendo el mismo a pesar del transcurso del tiempo.  Pueden cambiar los entornos, las circunstancias, pero no lo que se siente.

El más reciente montaje de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS está a cargo de Angélica Rogel, egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-, quien se ha desempeñado como actriz y directora.  Cuenta con una trayectoria de poco más de dos décadas.  Como actriz ha trabajado con importantes directores.  En su faceta de directora escénica debutó con “Placer y Dolor” de Chantal Bilodeau en el año de 2006, a partir de la cual se ha anotado varios éxitos, entre los que destacan:  obras de varios ciclos de los tradicionales “Antinavideños” del Teatro La Capilla,  “Riñon de cerdo para el desconsuelo“,  “El juego de la silla“,   “Happy”  y  “La piel de Venus“.  Angélica es una mujer profesional, inquieta y muy sensible, gusta de explorar técnicas y ha adquirido experiencia en diversos ámbitos teatrales, lo que le ha servido para plasmar en escena justo lo que visualiza.

En los dos rubros que le fueron encomendados Angélica Rogel realiza un trabajo formidable.  En su adaptación de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS, respetó el brillante texto de Antón Chéjov, pero lo proveyó de atemporalidad, puesto que, en realidad, es una historia que podría suceder en cualquier época.  En el programa de mano, Angélica menciona:  “a poco más de 100 años de distancia, la voz de Chéjov sigue haciendo eco en nuestras cabezas, sus obras son dardos certeros que atacan nuestra mediocridad que nos gritan ¡muévete!

En cuanto a su labor de dirección, Angélica cuidó todos los detalles para crear un concepto integral de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS.  Su trazo escénico es fluido, asume riesgos, por ejemplo, la entrada de ciertos actores es a manera de presentación, lo cual es original.  Incorpora varias técnicas, entre las cuales está el teatro de sombras.   El diseño sonoro juega un papel importante para marcar ciertos momentos.  El desplazamiento de su elenco es coordinado y preciso, las coreografías están bien administradas, balancea los parlamentos con las pausas y el ritmo es preciso.

La historia versa sobre una familia adinerada, aristocrática, venida a menos.  Han dispendiado su fortuna y están atravesando serios problemas económicos.  Andrea, quien nació en cuna de oro y sábanas de seda jamás aprendió a cuidar el dinero y lo malgasta a diestra y siniestra, sin pensar que le es vital para su manutención.  Están a punto de perder la propiedad familiar que ha sido su hogar durante generaciones.  Lo que más teme Andrea es tener que prescindir de su adorado jardín, donde abundan los árboles de cerezo.  Una tragedia la hizo alejarse por un tiempo, en su ofuscación se enamoró de un hombre que la explota económicamente para luego abandonarla.  Al saberla sola, su hija Ana va a buscarla, para convencerla de que regrese.  La acción comienza cuando ambas llegan a la finca.

El elenco está conformado por Blanca Guerra (Andrea),  Carlos Aragón (Leonardo),  Concepción Márquez (Duna),  Adriana Llabrés (Ana),  Alejandro Morales (Aleks),  Ana Beatriz Martínez (Varia),  y  Nacho Tahhan (Pedro).   Todos ellos ofrecen una labor histriónica y laboral estupenda.   Destaca, desde luego, Blanca Guerra, no sólo por la gama de emociones que infunde a su personaje, sino por su belleza, su porte y su impactante presencia escénica.  Los demás también realizan un excelente trabajo.  Carlos Aragón encarna al hermano de Andrea, tratando de administrar los recursos y salvar la finca.  Concepción Márquez aporta su dulzura a la fiel ama de llaves,  Adriana Llabrés es la amorosa hija, cuyo principal objetivo es evitar sufrimientos a su madre,  Alejandro Morales se muestra multifacético, navegando entre la sumisión y la ambición, sin dejar ver sus verdaderas intenciones,   Ana Beatriz Martínez es una hija adoptiva, tierna, enamorada y con muchas ilusiones, además de ejecutar el violín,  y  Nacho Tahhan, un alegre estudiante que trata de conquistar a Ana.

El equipo creativo lo complementan:  Aldo Vázquez Yela en diseño de escenografía y vestuario.  Fabulosa labor en ambas áreas.  La escenografía, a base de bastidores flexibles accionados por los propios integrantes del elenco, permite crear diversos entornos, en tanto que el vestuario en tonos neutros, con telas de buena caída y alta confección.  Patricia Gómez Martínez en asistencia de escenografía.  Félix Arroyo en diseño de iluminación.  Hans Warner en música original y diseño sonoro.  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico.  Alberto Hidalgo en fotografía.  Maricela Estrada en asesoría de peinado y maquillaje.  Diego Santana en asesoría de magia,  Antonio Pérez / Constructores escénicos en construcción de escenografía,  Giselle Gutiérrez y Patricia Gómez Martínez en pintura escénica.  Elda Mar en realización de vestuario.  Pedro Martínez es el sastre.

La producción es de:  BH5,  La Rama de Teatro  y  Oscar Uriel.    Los productores son:  Oscar Uriel, Rodrigo Trujillo y Jacobo Nazar.  El productor ejecutivo es Diego Flores.  La supervisora de producción es Mónica Bravo.  Producción La Rama de Teatro a cargo de Sofía Sereno y Denisse Prieto.  Producción administrativa a cargo de Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo Santos.  Contabilidad a cargo de José Guadalupe Miranda.

Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes es coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal es la Digital Project Manager,  y  María José Santana se encarga de la animación gráfica.

Un insigne autor, una obra clásica, una acertada adaptación, un concepto integral, impecable dirección, entrañables actuaciones, ¿qué más se puede pedir?  Nos congratulamos de que nuestro cierre del 2017 haya sido con broche de oro, al ver esta auténtica joya teatral.  Así que ahora, te recomiendo ampliamente que corras a verla.  Empieza bien el año viendo teatro de calidad.  Están dando funciones diarias.  Adquiere tus boletos con anticipación porque están teniendo teatro lleno.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS

Se presenta a las 20:30 horas del jueves 4 al miércoles 10 de enero de 2018 en el FORO PRINCIPAL del TEATRO SHAKESPEARE,

ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa -cerca de la Estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $350.00

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Casa de muñecas vuelve a la cartelera

Esta obra de Henrik Ibsen regresa con regularidad, en 1904 la actuó por primera vez en México la actriz italiana Teresa Mariani, Mercedes Navarro y Julio Taboada; Teresa Mariani (En el Arbeu, 1916) causó una verdadera conmoción porque contravenía la moral conservadora del momento. En 1940, las legendarias hermanitas Blanch la presentan exitosamente en el Ideal; en 1945, la escenifica Pita Amor; en 1976 con dirección de Dimitrio Sarrás, María Eugenia Ríos, Claudio Brook, Ada Carrasco, Graciela Doring (en el desaparecido Polyforum) y de cuando en cuando se han arriesgado a realizarla sin dejar algo impreso en nuestra memoria.

En su estreno (1879) fue contraria a la familia conservadora en boga, por lo que recibía alabanzas, poco a poco queda como una pieza de museo, llegará un momento que interesará solo porque el autor no consideraba haber escrito una obra feminista, como yo también lo creo, resulta una lectura más allá del texto. El reparto lo integran Moisés Arizmendi, Erando González, Olga González, Francisco Mena y Andrea Salmerón, con un ritmo lento, que finalmente le hace durar en exceso. Con la adaptación no me parece agreguen algo el vestuario y las tareas escénicas; hay rutinas y actitudes que no me convencieron, si yo le cuento que Nora se quita los zapatos de tacón veinte veces no habré exagerado, no entiendo qué quiso decir con esto el montaje. Si la obra es aceptada por la mente del público del siglo XXI, qué bueno, si no, para qué le ayudan.

La escenografía de Gabriel Pascal representa una Casa de muñecas (sugerida, deja ver el interior), se ven dos puertecitas y los cuartos posteriores, con no mucha utilidad; así que los actores hacen su mejor esfuerzo en ese espacio para mostrar la anécdota que usted probablemente conoce. Es un gran esfuerzo, dirigida por Mauricio Jiménez, que gusta a una parte del público, porque el elenco se entrega con entusiasmo. Acuda y lea antes o después la obra para que intercambiemos opiniones.

 

Pedro Kominik cautivó a su audiencia

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El Segundo Ciclo de Cabaret se realizó en el Galeón, estuvieron De príncipes, princesas y otros bichos, Dicen que me parezco a Santa Anna, entre otras; acudimos a ver La pasión según Lupe Lemper que dirige y actúa Pedro Kominik, con Gabriel Jiménez y Pamela Castañeda; le dan formato de Cabaret al recinto teatral, las butacas conviven con mesa y sillas, para sentirnos en un centro nocturno, también hay meseros, bocadillos y vino. La anécdota es sencilla, interpreta a una espía que en la Segunda Guerra Mundial canta, baila y seduce. La referencia a Ute Lemper es para darnos contexto: música, cabaret, canciones, bellas mujeres que guardan secretos. Con una buena producción, hace bromas, canta, baila, se mete con los políticos de moda (ahora que casi no se habla de candidateables y de políticos honrados), pasamos casi dos horas muy divertidos. Este ciclo que está rescatando el teatro de revista tiene como ingredientes canciones, elegancia, color, sensualidad y frases atrevidas, aunque es realmente familiar. La defensa de los derechos humanos es un tema que a todos nos inquieta y cuando se hace con humor inteligente, se aplaude con entusiasmo.

 

Notas breves

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Frida y Diego musicalizada. La talentosa Ana Hally estrena Diego y Frida, me gusta la biografía condensada de la pintora coyoacanense, en Reforma 169 (dentro del nuevo corredor cultural de la colonia Juárez), esta terraza de un hostal queda muy cerca de Insurgentes. Más adelante les haré una descripción de los valores del texto, canciones y, por supuesto, la muy bella voz de esta actriz, es una narración ilustrada con las pinturas de la Kahlo. Felicitaciones a Diego y Frida.

Bonanza cumplió 5,200 funciones

Arturo Amaro escribió Bonanza, acaba de cumplir 5,200 funciones en el Foro Off Spring; habla del bulling -que ahora creen se acaba de descubrir- cuando el teatro costaba 100 pesos en promedio, antes de que quitaran tres ceros a la economía, o sea, cien mil pesitos. También Arturo va cumpliendo seis meses con Canción rota para un perdedor fortuito. Pero de las tres obras, hablaremos en las siguientes columnas.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

 

Yo nunca lloro, ¿por qué soy teatrista?

Se trata de una idea nacida en Adelheid Female Economy, colectivo multidisciplinario con sede en Amsterdam, se llama Yo nunca lloro, textos e ideas adicionales de Laura Almela y Daniel Giménez Cacho. Ojalá regrese a la cartelera durante 2018 porque el año se acaba. Ellos nos van platicando detalles de su vida, otros son la estructura de la narrativa original, para convertir el foro El Milagro en algo parecido a un bar con cómodos sillones, como en casa, algunos de ellos son simples cojines enormes para descansar, ser jalados o acostarse sobre ellos. Estábamos como treinta espectadores,  -casi todos jóvenes- pero hubiéramos cabido, quizá, 60 cómodamente, la idea es que nos vayamos involucrando poco a poco, con algunas proyecciones multimedia que aportan datos humorísticos para hablarnos de ídolos, su validez y las extrañas conductas que vamos recibiendo en casa, la familia y con la(s) pareja(s). Platican acerca de su facilidad para llorar, gustos, sueños y fobias.

Los grandes dramas ya están escritos, por lo que mejor nos platican el propio, algo así como un constante deambular entre certezas y dudas vivenciales para que el espectador piense, se identifique: aquella experiencia con mi padre, mi madre, no se parecen en nada ¿o sí? Sin una estricta narrativa de principio-centro-fin y un personaje que asesina al otro, nos hacen sentir a gusto cuando mueven a alguien de aquí para allá, arrastran su sillón y al final nos regalan un bocadillo. Se parece un poco a los montajes ochenteros que reproducían las ideas de moda, como Erich Berne, que acababan casi en una terapia catártica.

Mínima escenografía, iluminación sin muchos adornos, de Gabriel Pascal. Acuda, la va a pasar bien desde los primeros minutos, no le cuento más, para que se sumerja en ese espacio del corredor cultural de la Juárez, que permite varias formas de representación escénica.

Macbeth vuelve a la carga

 

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Ahí cerca, en el Teatro Milán pudimos ver uno de los textos emblemáticos y más representados de William Shakespeare, el poder es la droga más poderosa de la historia y viene al caso en este periodo preelectoral, con las fuerzas del mal totalmente desatadas. Juan Manuel Bernal (Macbeth) tiene buen desempeño en esta versión no muy larga, para que Lisa Owen se exhiba como intensa y precisa en cada momento. El resto del elenco son Raúl Villegas (Macduff), Paula Watson (Lady Macduff y Bruja), Hamlet Ramírez (Banquo), Diego Jáuregui (Duncan), Miguel Santa Rita (Malcolm), Assira Abbate (Bruja) y Julián Segura (Ross). La primera parte (no hay intermedio) es un poco lenta, hay instantes en que la dicción no es perfecta, la segunda va tomando solidez para que veamos llegar las escenas de poderosa confrontación, dominar a los otros y poseer una corona sigue siendo el motor de los humanos, en los cinco continentes y todos los siglos. Se ha utilizado una escenografía sencilla, práctica, de Adrián Martínez, que permite tener varias profundidades sin necesidad de pérdidas de tiempo, también el vestuario de Mario Marín, sobrio, para bocetar el uso eterno de los símbolos de poder. El colorido, el conjunto utilizado, es bello. Así que acudamos a ver la pulcra dirección de Mauricio García Lozano y actuaciones de alto nivel.

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Develación de placa de la obra Bonanza

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La compañía de teatro Los bajos fondos devela placa por 5200 representaciones de la obra Bonanza… como en aquellos tiempos, de Arturo Amaro. “Benjamín Bernal en su intervención hizo notar que Arturo Amaro ha superado todos los problemas de los hacedores de teatro: autoridades difíciles. Costos ascendentes, no hay apoyo sino para los cuates, cuando se estrenó Bonanza era presidente Carlos Salinas de Gortari, el boleto promedio de teatro costaba cien pesos (hoy sin los tres ceros costaría cien mil pesos). Nacía Conaculta, que ahora es Secretaría, como quería CSG, ¿han apoyado el arte teatral o le dieron chamba a sus amigos? Por eso lo que ha logrado Arturo es una proeza, pocos han podido tener un teatro, estrenar sus obras, ganar, dinero, ser respetado y ahora llegar a 6,200 funciones”

Arturo Amaro celebró cinco años de trabajo

Un semestre de éxito con Canción rota para un perdedor fortuito, bajo la dirección de Benjamín Bernal, ¿de qué habla la obra? Hace muchos años nevó en la Ciudad de México, y un niño fue abandonado en una azotea del centro, en el frío de la noche. Esta imagen fue el punto de partida para que Arturo Amaro escribiera Bonanza, recuperación de la infancia perdida, evocada con aquella entrada musical del programa de televisión favorito de los niños de los sesenta… (Víctor Hugo Rascón Banda, Bonanza, Proceso, 1994). Bajos fondos, compañía fundada por el dramaturgo Arturo Amaro en 1988. Desde hace 29 años, Bajos fondos maneja un teatro legítimo con un lenguaje propio, una propuesta teatral con montajes comprometidos con la sociedad, buscando abrir los ojos a los espectadores, siempre muestra realidades, vidas y personajes existentes en nuestro mundo. El grupo de teatro independiente los Bajos fondos desde hace 29 años denuncia las violaciones a los derechos humanos a través de montajes como La agonía de la memoria, Rastro de restos, Indiciados por decreto, Nunca más contra el olvido y el silencio, Dormitorio z-o y Bonanza… como en aquellos tiempos relata la vida de tres niños enajenados con la serie de televisión Bonanza: La televisión juega un papel importante en sus vidas, así como la falta de atención de sus padres, la inocencia, la crueldad. Con el humor negro característico de Amaro se aborda la historia en las azoteas, llena de aventuras, pieles rojas, maldad y nieve, muchos son los temas abordados en el montaje, que con la misma facilidad hará reír y llorar al espectador. Develaron la placa alusiva: Estela Leñero, Benjamín Bernal, Gonzalo Valdés Medellín, Gustavo Suárez, para rendir homenaje a un gran teatrista y amigo.

PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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El amor es esplendoroso siempre y cuando sea correspondido. Si es unilateral, no hay nada que hacer. Peor aún, si alguna de las dos personas usa el amor para aprovecharse de la otra, sea mediante violencia, maltratos, humillaciones, robos, deslealtades o infidelidades, lo aconsejable es poner distancia de por medio y olvidarse del asunto. Sin embargo, no obstante que ambas personas estén en el mismo canal, habrá dificultades que superar, como por ejemplo, la rutina, el respeto a sus cosas personales, la distribución equitativa de gastos, la atención que se brinden el uno al otro y mucho más. El amor es como una planta que hay que cuidar y brindarle atención, regándola, podándola, aseándola.

Justo a partir de que existe cierta atracción, comienzan las incertidumbres, como por ejemplo: ¿le gustaré?, ¿cómo será su carácter?, ¿seremos compatibles?, ¿cuáles son sus preferencias? Un cúmulo de preguntas que el tiempo irá respondiendo. No existe garantía alguna, pero el amor arrastra hacia un precipicio y cualquier persona que lo sienta está dispuesta a lanzarse al vacío. La razón de esto es la convicción de que si el ser amado resulta el indicado, habrá de valer la pena. Si la atracción es irresistible, se busca estar en pareja.

La chispa del amor es poderosa y, en múltiples ocasiones, es una luz que ciega a quien la siente y también lo atolondra. Tan simple como aquello que dicen de “sentir mariposas en el estómago”. Lo que viene después, ni los interesados ni nadie lo pueden predecir.

El amor en pareja es el tema elegido por Mariano Rochman, un joven actor, director, dramaturgo y productor argentino, en su obra Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos. Mauricio Rochman es un apasionado contador historias. Estudió dramaturgia con importantes autores y directores internacionales, entre quienes destacan: Juan Mayorga, Guillermo Heras, José Sanchís Sinisterra, Sergi Belbei y Rafael Spregelburd.  Sus textos son muy estructurados y una de sus características es la forma en que delinea a sus personajes. Su intención no es crear súper héroes, sino seres humanos con virtudes y defectos, lo cual hace que para el público sea fácil identificarse con ellos, o al menos, pensar que conocen a alguien parecido. Todavía no cuenta con una larga trayectoria, pero prácticamente todas sus obras han sido exitosas.

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En particular, Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos, le ha dado al autor muchas satisfacciones, fue estrenada hace unos ocho años y ha sido representada en varios países y, en casi todas las funciones quien la ha protagonizado es el propio Mariano Rochman.

Para su montaje en nuestro país, se decidió hacer una innovación, aprovechando que el amor es universal y que no distingue género, raza ni edad. Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos se presenta en dos versiones distintas. En una de ellas, la pareja es heterosexual y en la otra, es gay.  Así que el público puede elegir la versión que desea ver, o bien, asistir a ambas.

Diego se siente atraído por alguien a quien encuentra casi a diario cuando va camino a su trabajo. No se atreve a hablarle, pero echa a volar su imaginación mientras trata de animarse a entablar una plática casual. De pronto, un día se produce el encuentro en forma casi accidental sin que Diego haya tenido que tomar la iniciativa. Este es el punto de partida hacia el torbellino. Ambos se habían estado observando y saben que la atracción es mutua, así que ya nada podrá detenerlos. Usarán sus cinco sentidos para conocerse. Uno de ellos es fotógrafo profesional, por lo que su horario es flexible, en tanto que el otro trabaja en un importante despacho de abogados y tiene que estar disponible a toda hora. A fin de estar juntos todo el tiempo y también por motivos de economía, Diego terminará viviendo con su pareja.

La trama concebida por Mariano Rochman capta el interés del espectador de principio a fin, con la ventaja de que los parlamentos son una combinación de lo que hablan entre ellos y los pensamientos de cada uno. Si quieres saber si el amor de Diego y su pareja resistirá los avatares de la convivencia cotidiana, tienes que ir a ver Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos.

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La labor de dirección por parte de Emmanuel Morales es loable. Su trazo escénico está pleno de dinamismo, utiliza coreografías para marcar el paso del tiempo, concede un lugar especial al sofá para dimensionar espacios, siendo éste desplazado por los propios intérpretes en forma ágil y discreta. Logra un buen balance entre acción y pausas. Aprovecha a fondo el espacio y el ritmo es fluido.

El elenco está conformado por Alfredo Gatica (Diego), María del Carmen Félix y Antón Araiza. Alfredo Gatica está en las dos versiones.  En la heterosexual lo acompaña María del Carmen Félix y en la gay, Antón Araiza. Me tocó ver la versión gay. Tanto Alfredo Gatica como Antón Araiza ofrecen un extraordinario trabajo histriónico y corporal. En particular, Antón, como de costumbre, está espléndido con la amplia gama de emociones que aporta a cada personaje que interpreta.

Édgar Sánchez es el responsable del diseño de escenografía e iluminación. Con unos cuantos elementos, de los cuales, desde luego, el principal es el sofá multifuncional, logra con acierto dar el entorno adecuado a distintos escenarios. Así mismo, distribuye atinadamente la luz y los oscuros momentáneos.

La gran diseñadora mexicana Brisa Alonso se luce haciendo lucir a los intérpretes.  Para el fotógrafo, crea un atuendo casual con una originalidad inusitada: una especie de camisa a dos tonos con chaleco integrado que muchos de los espectadores comprarían gustosamente. En tanto que al abogado le diseña un traje de fino casimir y excelente caída que lo hace ver como un verdadero príncipe. Sin dejar de lado las demás piezas, incluso de ropa interior. Como siempre, todas las prendas son de alta costura, de espléndida confección y de gran funcionalidad para las acciones requeridas.  Tengo la certeza de que la vestimenta de la actriz ha de estar igual de espectacular.

El mapping que sirve para ilustrar momentos determinados es creación de Lizo Zambrano. La fotografía y el diseño gráfico son de Javier Pérez Maya. La producción está a cargo de Mariel Granados y Mariano Ducombs, en tanto que Diego Cooper funge como asistente de dirección y producción.

Somos curiosos por naturaleza. En Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos podremos ver la historia de una pareja desde antes de que se conozcan, luego, cómo avanza su relación. Al principio, enamoradísimos el uno del otro. Después, cómo se va colando la rutina y aquellas diferencias en cuanto a intereses y responsabilidades que habían sido ignoradas por la fascinación vuelven a tomar importancia. Te enterarás de todo mientras te entretienes disfrutando de un montaje bien realizado con actuaciones entrañables. La temporada está por finalizar y solo quedan dos funciones, así que apresúrate a comprar tu boleto.

Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el Teatro NH, dentro del complejo del Hotel NH, ubicado en Liverpool número 155, colonia Juárez, Zona Rosa, Ciudad de México. Toma en cuenta que la entrada al teatro es por la calle de Amberes. La duración es de 90 minutos. La localidad tiene un costo de $350.00 pesos. Versión heterosexual, miércoles 13 de diciembre de 2017. Versión gay, miércoles 20 de diciembre de 2017.

NUMANCIA (TRAGEDIA EN VOZ DE LOS POBRES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen compartida por Iván Romo en la página de Facebook de la CNT

 

Numancia

Juan Carrillo, director de Numancia, considera que Miguel de Cervantes Saavedra, autor del texto, pone la tragedia en voz de los pobres, aspecto con el que adquiere, conserva, un carácter contemporáneo. La puesta en escena que hoy nos ocupa parte de una versión de Ignacio García. Un pueblo débil es asediado por las legiones romanas, hay que elegir entre morir con dignidad o vivir en el sometimiento; una “batalla” donde los muertos -todos los habitantes de Numancia- son víctimas de la inanición, de la privación de la existencia por sus seres queridos para evitar el sufrimiento de sus existencias y el cautiverio, por actos heroicos, por el suicidio…

Una lección -muy avanzada para su época- a través de una lucha social para reivindicar los derechos de hombres, mujeres y niños, hecho que sucede en varios lares del orbe en la actualidad y, en cierto grado, en nuestra República Mexicana. La derrota es la victoria, solo moral si se quiere; la victoria es la derrota ante la ineficiencia de aplastar la voluntad férrea mediante las armas.

La producción corre a cargo de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) y el Festival Internacional Cervantino (FIC). El estreno se llevó a cabo en 2016 en la edición XLIV del FIC para conmemorar los 400 años del fallecimiento del dramaturgo español. La obra fue escrita hacia 1585 con el título El cerco de Numancia. Esta versión está modernizada, y aun cuando está presente el verso, se pronuncian expresiones como “hijos de la chingada”.

Carrillo hace una dirección impecable, por una parte conjuga a sus actores sin caer en lo homogéneo, salvo momentos donde los legionarios se posesionan de la escena o el pueblo tras la muralla; por la otra parte, aprovecha las cualidades de quienes llevan los protagónicos, a cada uno le brinda el personaje que le corresponde, su selección individual embona con maestría en el todo escénico.

Es de considerarse la importancia fundamental, esencial, crucial, de Jesús Hernández, diseñador de escenografía e iluminación; crea un mundo físico, es indiscutible, más allá de eso hay un contexto dramático, estructuras (muralla exterior y parte del interior de la ciudad), éstas adquieren personalidad propia, las tonalidades lumínicas no reflejan, son la vivencia de la tragedia; ambas propuestas dignas de ser recordadas por siempre, complementan en semejantes condiciones, el vestuario de Jerildy Bosch y el maquillaje de Mario Zarazúa, sin pasar por alto la excelsa sonorización de Valeria Palomino. Un montaje para la semiótica: carretillas (de las usadas en la construcción) simbolizan, entre otros, escudos; una sustancia negruzca y líquida, la sangre; unas telas son espadas; un “bulto”, un cuerpo humano… Todo el equipo creativo se confabula para que el espectador se sumerja, penetre las profundidades del infierno: hambre-enfermedad-muerte.

Veintiseis actores de la CNT, todos dando lo mejor de sí mismos. Del conjunto destacan, sin apartarse de la unidad grupal: Andrés Weiss, Rodrigo Vázquez, Arturo Beristáin, Óscar Narváez, Érika de la Llave y Pauilana Treviño.

Numancia, en brevísima temporada en el teatro Julio Castillo, Ciudad de México, hasta el 17 de diciembre, jueves y viernes a las 20:00, sábado 19:00 y domingo 18:00 horas.

LAS AVENTURAS DE BURATINO (TÍTERES Y ACTORES, SIMBIOSIS ESCÉNICA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotos tomadas de la página de Facebook de Teatro Muf

 

Buratino

Nacido en Bulgaria, adoptado por México, Mihail Vassilev ha entregado su estancia en nuestro país para enaltecer, difundir y promover, marcar con tatuaje en niños y adultos la magia y el arte de los títeres. Gracias a sus inquietudes, pasiones y gestiones, durante 20 años tuvimos la oportunidad de apreciar y conocer a las mejores compañías del mundo, a los más destacados, a los virtuosos manipuladores, aquéllos quienes convierten un objeto inanimado en un ser vivo que trastoca lo más profundo de nuestro ser y dejan huella en nuestra existencia.

Más allá de su labor como promotor, tiene su propia compañía, Teatro Muf, con la que ha recorrido innumerables escenarios. El más reciente, el Teatro Sergio Magaña, donde represento Las aventuras de buratino, de Aleksey Konstantinovich Tolstoy, “espectáculos de calidad con títeres y marionetas de hilo -sistema de manipulación indirecta- hechas en Bulgaria -diseñados junto con la escenografía por Silva Bachvarova- que conmueven y hechizan al espectador”.

Mihail -responsable de la adaptación, dirección e iluminación- logra que el artefacto del títere adquiera vida en el escenario, con la salvedad de superar limitaciones propias del actor, como desafiar la gravedad o salvaguardar la integridad corporal, superar el miedo escénico, suspenderse en pleno vuelo, etcétera. Es cierto, los actores-manipuladores- dan voz y movimiento, el títere al cobrar vida se convierte en una especie de mimo. Propone teatro en el teatro. Se puede pensar que sus títeres manipulan a los actores, tienen consciencia plena, protagonizan la anécdota, la fábula, son los personajes mismos.

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Una historia y adaptación sencillas, tanto en forma como en fondo. Madera y tela, obvio, hilos, son el foco escénico; los personajes conviven con los integrantes humanos, se mezclan en una dualidad que adquiere unidad. La trama es importante, más la magia de quienes la crean, aprehenden a los pequeños y grandes espectadores. No hay teatrino, un farol, un par de espejos, gazas, un pequeño templete, animales, dan contenido a la fábula, dos acróbatas y un artesano fabricante de marionetas; pareciera largo el listado, la verdad con pocos elementos, un gran espectáculo. Hoy no contaremos la historia, busquemos una llavecita de oro que abre la puerta a la libertad.

Guillermina Pérez, Lory Fuchs (Argentina), Leobardo Márquez y Miguel Ángel Morales invitan a sus dos próximas presentaciones en el Foro de las Artes (Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México), el sábado 16 y domingo 17 de diciembre, a las 13:30 horas, oportunidades para convivir con Buratino, personaje principal del libro La llave de oro.

VISITA A LA 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 2017 (MNT)

Por Marcela Mondragón

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Mi primer experiencia en la Muestra Nacional de Teatro MNT, misma que se llevó a cabo en la ciudad de León, Guanajuato, ha dejado una puerta abierta que incita al deseo de aprender y conocer más de todo aquello que se mueve tras bambalinas, en ella pude entender cuál es el objetivo del teatro, que por décadas ha significado una forma de expresión, y sin duda, como método de comunicación, del que muchos han sacado partido para ampliar, no solo su horizonte político e intelectual, sino cultural y artístico.

En este lugar aprendí (entre muchas cosas) que 38 años, se dicen fácil, sin embargo, este número representa una historia en la producción escénica en México; así mismo, que la MNT está conformada por una extensa comunidad teatral con un objetivo en común, pues como representantes del teatro mexicano, han decidido partir de las problemáticas y situaciones que aquejan a nuestro país, y apoyarse de la belleza de la expresión teatral para unirse en el grito de un mensaje, que luego se convierte en ese diálogo que parece difuminarse en las generaciones de la actualidad.

Para ello, es necesario hablar un mismo idioma, compartir instrumentos intelectuales y artísticos y ponerse de acuerdo en los temas que se tratarán; este encuentro fue pensado con el fin de identificar entre productores y actores las deficiencias que podrían evitar lograr su cometido, pues es por lo que muchos trabajan incansablemente; en esta muestra leí mediante la propaganda repartida entre el público, ¿cuál era su meta?: “Dar sentido discursivo al teatro para que dialogue con el público, haciendo uso de los instrumentos que le son propios: la escena y la poesía”.

De esta forma llegamos a la presentación de 38 puestas en escena con diversos temas de impacto pensado para todas las edades; la ciudad de León, Gto., fue testigo durante diez días de un reflejo del México que vivimos hoy. Presenciamos talleres, foros de discusión, espacios abiertos para la construcción del diálogo, mismos que sirvieron para documentar una propuesta ensayística, que servirá de aporte a la MNT en los temas a tratar en lo subsecuente.

Para finalizar, algunas de las obras que visitamos con el equipo de A Escena fueron: Siete, El inspector, Trans, UMA y Los delirantes; todas con un tema específico, que van desde la corrupción de los gobernantes y los conflictos de la infancia, hasta los problemas de equidad de género.

Este evento ha respondido a algunas de mis dudas acerca del trabajo que se realiza desde la logística, al análisis reflexivo y crítico de las obras que se exponen, así como la propuesta del mensaje proyectado. Es increíble ver el talento mexicano y el trabajo exhaustivo que se desempeña en cada ensayo.

Por mucho tiempo adopté la idea de que el acceso al teatro era demasiado costoso, sin considerar que mucho del trabajo que ahí se realiza tiene un valor incalculable, haciendo de lado aquello que va más allá de la butaca. México tiene un gran talento, el teatro adquiere otro significado para mí, pues en cada puesta en escena, el público recibe un mar de información representado en un diálogo hecho poesía, una escenografía y un mensaje que busca unificar criterios, resiliencia, sororidad y justicia. Entre muchas cosas más.

Para despedirme, puedo decir que la comunidad teatral ha adquirido una gran responsabilidad de comunicar a través del entretenimiento, sin embargo, aunque hay un trabajo extenso de investigación en la elaboración de cada obra, nos corresponde como público elegir con qué verdad nos quedamos, pues a mi punto de vista no podemos dejar una carga tan pesada a merced de terceras fuentes, pues “Nada sustituye lo que la historia, los libros, las investigaciones y algún reportaje periodístico puedan aportar como fuentes de información”, no debemos olvidarnos del intercambio de ideas en casa y compartir opiniones externas que siempre enriquecen lo que podamos ver en cualquier fuente de comunicación.

Con esto y un buen sabor de boca, me despido no sin antes decir que sin duda esperaré nuevamente otro año para visitar de nuevo la Muestra Nacional de Teatro; gracias al equipo organizador y a quienes comparten conmigo de su experiencia y amor por el arte, la cultura, el cine y el teatro. Pero sobre todo, gracias infinitas al equipo de A Escena que aporta tanto a mi carrera como periodista.