Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 sugey abrego

SUGEY ABREGO ES LA ROMPEHOGARES

Bajo el sugestivo nombre de La Rompe hogares se presenta un monólogo en el teatro Enrique Lizalde, de Coyoacán. Los sábados a las 20:30 hs. Es destacable la dirección de Abril Mayett que logra la ilusión de estar viendo a muchas actrices, que dialogan entre si, que se quitan y ponen diversos atuendos para maravillarnos con su talento y ductilidad.

Es fuerte el mensaje que lanza a los espectadores y espectadoras, va diseccionando con humor negro, rosa y blanco, la relación que se da entre un hombre y la “otra”, que al principio creen que nadie les verá, luego les entra la preocupación por ser percibidos y todo cambia. Es una cirugía de las relaciones extramaritales que empiezan con un “Mi esposa no me comprende”, “Estoy por divorciarme” etc. etc. Hasta llegar a momentos que hacen reir por lo extraño de los argumentos, por lo sinceros o falsos que son ¡y lo creen las inocentes! O hacen como que lo creen porque no se pueden desprender de esa relación calificable de tóxica (como tóxico es el coñac, pero eso si, muy rico) A la vez que va cambiando frecuentemente de ropa, aditamentos, para mantener la ficción de que estamos frente a varias mujeres.

Muy recomendable monólogo que, sin duda, hará ver viejos a los que ya están en escena.

 

LA VERDURA CARNIVORA, Abril Mayett

 

Uno de los temas difíciles es de los niños de la calle, la niñas aun más.  Bueno, pues hace reir a raudales esta chica con el dificil tema, por el poder que demuestra al interpretar diversos personajes y caracterizaciones, así como al énfasis que otorga a la narración rápida o pausada, con voz tenue o vibrante, ademán amplio o contenido.

En el mismo teatro Enrique Lizalde, se puede ver antes del monólogo de Sugey, los sábados a las 18:30 horas.

 

CASI NORMALES

 

Con las actuaciones de Susana Zavaleta, Federico Di Lorenzo, Mariano Palacios, Maria Penella, Hector Berzuna y otros actores, logran dar vida a un tema ciertamente difícil: la esposa de Federico que es Susana cae en depresión e intenta suicidarse. La solución que le dan los médicos es rotundamente discutible, pues le hacen perder casi toda su memoria.

Casi Normales es una producción muy cuidadosa, no hay coreografías, pero el aspecto vocal es bellísimo y poderoso. La escenografía esta diseñada de tal manera que le da un sabor cinematográfico.

Teatro Aldama, fines de semana. Muy recomendable. Seguiremos hablando de este montaje.

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Analicemos: Los huevos de mi madre

Se presenta en el Xola, es una mezcla de monólogo-concierto llevado por Botero con intervenciones graciosas de Lupita Sandoval, por lo demás el texto es interesante, sin llegar a ser obra teatral. Verá usted, se dice que somos educados por la madre en todo, incluso en materia conyugal, afirman que una progenitora tiene una visión especial ante un hijo: la esposa es terriblemente mala, flaquita y no sabe guisar ni economía doméstica. Pero no es el tema. Sólo se reduce a hablar en broma de que la casi exesposa es flaquita y varios adjetivos muy mexicanos que se expresan cuando no nos cae bien la esposa. En esto es aceptable la serie de escenas vía telefónica que sostiene con el hijo; de mayor fuerza son los momentos cantados, lo que lo convierte en recital de canciones con un tema “del amor no correspondido” ya que la esposa quiere el divorcio y el no.

Si tomamos en cuenta que Botero canta muy bien y las canciones son el hilo conductor, es bueno el resultado; la parte de Lupita Sandoval que otros días hace Nora Velázquez, garantiza diversión sin límites. El efecto sobre el público es abrumador, aplaude y compra los discos y botones que venden, es una verdadera fiesta la que logran al hacer ver la influencia de la madre sobre el hijo, que nunca sabremos si tuvo que ver con la decisión de la ex. No le cuento más, para que haya sorpresas, que las hay, en la narrativa de la obra: Los huevos de mi madre, hace referencia a que ella -la madre- asegura que nadie guisa mejor los blanquillos que ella y al gusto del vástago sufriente. Se presenta los martes en el Xola.

 

Lucrecia en el regreso

El tema del amor, la decepción y sus consecuencias está muy frecuentado, por lo que cuando veo un trabajo como “Lucrecia en el regreso” de Viridiana Montegudo y dirigido por Fernando Martínez Monroy, no me queda más que decir guau. En el lobby nos recibe un stand up de Ernesto Hernández que más o menos pasa la aduana del género. Después una chica hace las veces de intermediaria para soltarnos de plano el divertido monólogo que se presenta en el foro de Apeiron Teatro, ubicado en Dr. Vestís 1054. En Narvarte, un foro nuevo, chiquito, quizá cien butacas, cafetería, también es escuela.

Es un buen manejo del cuerpo y las sorpresas teatrales; cantando razonablemente bien para divertirnos por casi hora y media. El texto es el consabido amor imposible o posible a medias, lo que quiero destacar es el ingenio para refrescar algo que está muy visto y en gran parte de las ocasiones se cae en la escasa creatividad de decir lo mismo que ya se ha visto N cantidad de veces. Felicitaciones a la autora-actriz se le ve llena de vida teatral, con enfoque que no es exactamente el cabaret berlinés, pero podría dar la sorpresa de inaugurar el cabaret narvartiano, enhorabuena.

 

CÁLLATE Y REMA (Instrucciones para morir)

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

 callate ligero

Cuando se inventó el plástico, pensaron que era una maravilla, su uso se diversificó en tal forma que no existe un solo hogar donde no haya algún artículo plástico.  Transcurrió mucho tiempo para que se percataran de que su degradación es demasiado lenta, por lo cual, no puede desecharse y de lo nocivo que ha sido para la ecología.  Esto aunado a los experimentos nucleares, al uso de atomizadores, la tala desmedida de los bosques, la contaminación, acumulación de basura  y otros problemas similares han  ocasionado que nuestro planeta enfrente severos riesgos y esté en grave peligro.  Los efectos ya son notorios, el calentamiento global hace estragos con cambios climáticos que no sucedían antes, en diversos lugares hay escasez de agua, muchas especies en peligro de extinción, la fauna marina está muy afectada.  Hoy en día estamos conscientes de que el mundo no es eterno y se han implantado campañas para su conservación del mundo.  Algunos sólo compran productos ecológicos, otros optan por cambiar su tipo de alimentación, varios pretenden rescatar animales, hay quienes siembran árboles, en fin, cada quien trata de ayudar en algo, pero lamentablemente el daño ya está hecho y no pueden ser revertidos.

 

Dejó de ser un tema de ciencia ficción para convertirse en una realidad.  Es algo tan preocupante que no podemos dejar de pensar en ello.  El dramaturgo Julián Robles utiliza la dramaturgia como vehículo para trasladar al espectador a un mundo distinto a través de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, ubicando el relato después de ocurrida la extinción.  En el universo concebido por Julián Robles, quedan unos cuantos sobrevivientes y todo luce muy diferente.    Por ejemplo, en lugar de acudir a un hospital, la gente va a los cementerios a buscar “refacciones” para sí mismos, o bien, para hacer que sus antepasado vuelvan a la vida, ellos se sienten “en los albores de su inmortalidad“, saben que “desde la extinción, nadie ha vuelto a oler a un muerto fresco“, podría ser que el cielo esté abajo y el infierno arriba y lo único que les queda claro es que “¡Morirse cansa!“.

 

Los personajes de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir son “un poeta musulmán, homosexual y suicida; una mujer hebrea enloquecida por su salud: y una madre pía, castrante y olvidadiza“.  En la sinopsis de la obra se lee:   “Dos seres aterrados con la idea de la extinción buscan en las ruinas de lo que alguna vez fue un cementerio aquello que les permita continuar siendo inmortales. Ninguno de los dos conoce la muerte, pero le temen igual que los antepasados que están a punto de devolver a la vida. … Sin embargo, la esencia que rescatan del pasado no les sana el miedo a morir. Perdidos en un océano que parece no tener fin, están condenados a descubrir, como todos, la absurda inutilidad de su propia existencia“.

callate ligero2

El texto de Julián Robles atrapa el interés de principio a fin, es de buena estructura.  Algunos parlamentos son repetitivos, pero pudiera ser que esto es para remarcar lo cíclico de la vida.  La temática es variada:  el miedo a morir, la anhelada inmortalidad, las distintas creencias sin importar la religión que se practique, ya que alude a la fe en general, al catolicismo y al judaísmo, al igual que a rituales, cartomancia o hechicería. También habla de relación filial, amor, compañerismo.  Del subtexto podría entenderse que cada quien vive la vida a su manera, en tanto que todos tenemos dudas, temores, anhelos.

 

El montaje de CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir por parte del maestro Ricardo Ramírez Carnero privilegia el texto de Julián Robles, lo redimensiona y lo hace mucho más interesante.  Aun cuando los personajes son varios, estos son interpretados por una actriz y un actor, es decir, dos protagonistas, pero atinadamente, Ramírez Carnero integra a un tercer protagonista con un músico en escena, quien acompaña el montaje en todo momento con un sintetizador, uno que otro instrumento rústico, y su voz para emitir cantos o sonidos en forma muy pertinente y oportuna.

 

La labor de dirección por parte de Ricardo Ramírez Carnero es extraordinaria, su trazo escénico es creativo, entrelaza los relatos en forma idónea, confía en la capacidad histriónica de su elenco para transmutarse en los varios personajes en forma instantánea, aprovecha el espacio a lo largo y a lo alto.  Igual los integrantes del elenco suben, bajan o se adentran en fosas o cuevas subterráneas con cubiertas triangulares, para luego reaparecer, con lo cual infunde una dinámica muy peculiar.  El ritmo es preciso.

callate ligero3

Ángeles Marín y Ricardo Cárdenas White ofrecen al público una formidable labor histriónica, corporal, vocal y expresiva.   Para esta interpretación Ángeles deja del lado el glamour, mas no su destreza y sensibilidad para dar vida a los personajes y dotarlos de una amplia gama de emociones.  Luis también encarna a sus personajes de manera muy convincente.

 

La composición musical y la ejecución en vivo por parte de Juan Pablo Villa contribuye a la creación del entorno idóneo.

 

Arturo Nava es quien diseña la escenografía y la iluminación.  En ambos rubros su labor es estupenda.  La escenografía es espectacular, un armazón metálico de tamaño monumental con escaleras y distintos niveles y varias fosas en el piso que aluden a la simbología triangular que une al cielo con la tierra.  La iluminación bien distribuida y acorde al momento que transcurre.

 

Teresa Alvarado se luce con el diseño de vestuario, utilizando prendas atemporales que uniforman a los tres protagonistas, para lo cual utiliza fina confección, colores neutros, telas gruesas y ligeras de buena caída, cortes asimétricos, flecos insospechados, cuerdas y amarres.

 

El resto del equipo creativo está integrado por:   Héctor Ortega en diseño de cartel y gráficos, así como en fotografía general;  Fernando Reyes Reyes es asistente de dirección;  Ramsés López y Arturo Piedras (Pinpoint) en difusión y prensa;  Adria Castro en redes sociales;   Coizta Grecko en realización de spot y video;  Perla Tinoco y Marcela Bretón son asistentes de producción;  Sonia Flores Morales es asistente de escenografía e iluminación;  Joana Núñez es asistente de vestuario;  Ixchel Sosa, Karla Gutiérrez y Ángel Estrada en texturización de vestuario;  Alberto Gz. en texturización de utilería;  Juan M. Vargas, Fernando Vargas, Víctor Vargas,  Jesús González, Jesús Argenis, Alejandro Cancino, Valentín Flores, Diego Rodríguez en realización de Escenografía;  Yesenia Olvera en realización de vestuario;  Perla Tinoco, Marcela Bretón y David Castillo en utilería.

 

EEK Producciones son productores asociados;   Alberto Robinson y Marco Guevara son gerentes de producción;  David Castillo es el productor y coordinador general.

 

CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir es una producción teatral nacional realizada con el estímulo fiscal del Artículo 190 de la LISR ( EFIARTES – EFITEATRO).

 

Para Ricardo Ramírez Carnero, Luis Cárdenas White y Ángeles Marín trabajar en esta obra representa un regreso al lugar de sus inicios, toda vez que los tres son egresados de la Escuela Nacional de Arte Teatral de Bellas Artes -ENAT- del Centro Nacional de las Artes -CENART-.  El universo concebido por Julián Robles para CÁLLATE Y REMA – Instrucciones para morir, donde todo parece estar al revés, te lleva a reflexionar sobre la posibilidad de que el mundo termine y lo mejor es callarse, es decir, no distraerse con nimiedades, resentimientos ni temores y siempre remar hacia horizontes nuevos.  En lugar de ser instrucciones para morir, lo son para vivir, pues debemos disfrutar al máximo cada minuto de vida.  Un texto interesante, un montaje espectacular, actuaciones entrañables, música propicia.  Aventúrate a acompañar a estos seres que han sobrevivido a la extinción y aprovecha que el precio es accesible.

 

CÁLLATE Y REMA

Instrucciones para morir

se presenta de miércoles a viernes a las 20:00 horas,

sábado a las 19:00 horas  y  domingo a las 18:00 horas en el TEATRO SALVADOR NOVO

dentro del CENTRO NACIONAL DE LAS ARTES

ubicado en Avenida Río Churubusco número 79 -esquina con Calzada de Tlalpan-

Colonia Country Club Churubusco Ciudad de México
Clasificación: A partir de 15 años

FUIMOS HÉROES

Por Eugenia Galeano Inclán

Foto(1)

Según un dicho popular, el hombre debe ser “feo, fuerte y formal“. En primer lugar, no todos son feos, los hay guapísimos y más ahora que acuden al gimnasio y ya no es mal visto que cuiden su físico con productos antes reservados para mujeres; en cuanto a fuertes, eso proviene de que se divide a los dos sexos en fuerte y débil, y por lo que respecta a formales, es la referencia a que antiguamente se suponía que eran la parte responsable del hogar, a quienes les tocaba toda la carga económica en aquellos tiempos en que la mujer sólo se dedicaba al hogar. Con el tiempo, ciertos paradigmas han ido quedando obsoletos. En la realidad, los hombres, más que fuertes y formales, se sienten héroes, lo son cuando logran un objetivo, cuando conquistan a una bella mujer, cuando meten un gol, cuando el equipo de su preferencia gana un partido.

A pesar de que continúan vigentes algunos arquetipos de discriminación hacia la mujer, hay un día en que ella se convierte en la reina absoluta: el día de su boda. La novia es la estrella de la fiesta. Además de todos los arreglos pertinentes al evento, como la lista de invitados, dónde se llevará a cabo, qué alimentos, bocadillos y bebidas se servirán, los arreglos florales, la música, etcétera, la novia tiene que elegir el vestido, decidir el peinado, maquillaje, accesorios, someterse a tratamientos de belleza, ya que sabe que todas las miradas se centrarán en ella y, por supuesto, quiere mostrar la mejor versión de sí misma en esa fecha tan importante.

Hasta ahora, dado que la novia se llevaba todos los comentarios, no nos habíamos detenido a pensar qué siente el novio en el día de la boda. El actor, escritor y director Alfonso Cárcamo utiliza su dramaturgia para revelar a través de Fuimos héroes el sentir íntimo del novio a pocas horas de la boda, junto con todas sus incertidumbres y temores.

Alfonso Cárcamo es egresado de la carrera de actuación del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Varias de sus obras han sido presentadas en importantes festivales tanto en México como en el extranjero. También tiene una amplia trayectoria desarrollando series para diversas cadenas de televisión.

Foto(2)

En la sinopsis de Fuimos héroes, se lee: “Faltan cuatro horas para que Emilio se case, pero no está seguro de querer hacerlo. Pedro y Vicente, sus mejores amigos y quienes creen que Emilio es el hombre más hombre del mundo, hacen lo que pueden para convencerlo. Juntos revisan su historia de amistad, desnudan las razones que tuvieron en aquellos momentos en que tomaron la decisión más importante de su vida. Entonces descubren que ya no está en sus manos elegir. Que ellas, todas las mujeres, aprovechando que los hombres se durmieron en sus laureles, dominan el mundo y poco o nada queda de aquellos héroes inconmovibles que hicieron la historia”.

El texto escrito por Alfonso Cárcamo es de buena estructura y capta el interés de principio a fin. Delinea con precisión la forma de ser de sus tres protagonistas, diferentes entre sí, pero como han sido amigos por muchos años, se conocen a fondo, se quieren y se comprenden. Comparten la pasión por el fútbol. No siempre están de acuerdo y en ocasiones casi se van a los golpes por defender sus ideas, pero se detienen ante la amistad que los une. Para la narrativa utiliza lenguaje propio de los hombres, con algunas palabras altisonantes, lo que hace que el público sienta que está presenciando escenas de la vida real. Entre los temas que se abordan están amor, atracción, fidelidad, matrimonio, paternidad, logros, frustraciones, temores, compromiso, hijos, etcétera.

La acción comienza cuando Emilio se está vistiendo para su boda, tiene dificultades en hacer el lazo de su corbata, pero lo más preocupante es que no está tan seguro del paso que va a dar. Pareciera que está por arrepentirse. Pedro y Vicente tratan de convencerlo de no dejar plantada a Patricia, aun cuando saben que Emilio siempre ha proclamado que sería un eterno soltero. Pedro alude a la felicidad que ha alcanzado con Inés, su esposa, mientras Emilio recuerda momentos vividos con Susana, una mujer que siempre le ha atraído. En tanto que Vicente dice que al menos él no tendrá esas confusiones, dado que es homosexual y sus historias de amor son diferentes.

La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable y hace gala de su amplia experiencia al crear un trazo escénico de precisión. Saca a flote lo mejor de la calidad histriónica de su extraordinario elenco. Balancea pausas y acción. Aprovecha a fondo el espacio. El ritmo es acertado.

La labor histriónica, corporal, vocal y expresiva de los tres protagonistas es estupenda. Ellos son Leonardo Ortizgris (Emilio),  Tizoc Arroyo (Vicente)  y  Mauricio Isaac (Pedro).

Ingrid SAC es la encargada del diseño de escenografía, iluminación y vestuario. Realiza un trabajo formidable en sus tres rubros. El dispositivo escénico creado por Ingrid SAC no sólo es bello, lucidor y práctico sino tan funcional que son los protagonistas quienes producen los cambios, mismos que son diversos, con lo cual también queda evidenciada la versatilidad escenográfica. La iluminación está perfectamente administrada,  y  el vestuario es idóneo, hace que los personajes se vean muy elegantes en sus atuendos de boda y, en contraste, que luzcan casuales en ropa informal, sin olvidar los logos de sus equipos favoritos.

Foto(3)

Miguel Hernández coadyuva con su diseño sonoro a marcar las transiciones de tiempo que hay en el relato. El resto del equipo creativo está conformado por Sheila Flores en diseño de producción y producción ejecutiva; Miguel Alejandro León es asistente de dirección; Lauro Longoria es asistente de producción ejecutiva; Mirna Peña en diseño de imagen; Corina Rojas-Pop Comunicación en difusión y promoción; iQ Acosta & Co. en relaciones públicas; Isa Ramos-Strave Digital Marketing en redes sociales; David Flores Rubio en fotografía; Juan Carlos contreras-Aicon Media en videoproyecciones; Carlos Dávila es asesor financiero; Cacumen Teatro en producción general; Pierre Tatarka en realización y dirección de video promocional; SERO Construcciones en realización de escenografía y Pedro Martínez García en realización de vestuario.

Fuimos héroes es presentada por la Secretaría de Cultura mediante el Centro Cultural Helénico y por Cacumen Teatro, productora que fue fundada y es dirigida por Tizoc Arroyo.

Esta es una gran oportunidad para presenciar una plática entre amigos y conocer los pensamientos más íntimos de los hombres, todo aquello que les preocupa, lo difícil que es llevar a cuestas los estereotipos de masculinidad y sus temores a dar el paso definitivo al compromiso. Te divertirás y comprenderás mejor el punto de vista masculino. Seas hombre o mujer, pasarás un rato muy entretenido con una historia interesante, un fabuloso montaje y actuaciones plenas de veracidad. ¡No te la pierdas!

Fuimos héroes se presenta viernes a las 20:30 horas, sábados a las 18:00 y 20:00 horas y domingos a las 17:00 y 19:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución número 1500 -cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México. Duración aproximada: 75 minutos. Costo de la localidad: $300.00 pesos. La temporada concluye el domingo 24 de marzo de 2019.

 

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Lucrecia en el regreso

El tema del amor, la decepción y sus consecuencias está muy frecuentado, por lo que cuando veo un trabajo como Lucrecia en el regreso, de Viridiana Montegudo, y dirigido por Fernando Martínez Monroy, no me queda más que decir guau. En el lobby nos recibe un stand up de Ernesto Hernández que más o menos pasa la aduana del género. Después, una chica hace las veces de intermediaria para soltarnos de plano el divertido monólogo que se presenta en el foro de Apeiron Teatro, ubicado en Dr. Vértiz 1,054. En Narvarte, un foro nuevo, chiquito, con quizá cien butacas, cafetería, listo para ser escuela y, claro, dar funciones.

Es un buen manejo del cuerpo y de las sorpresas teatrales; cantando razonablemente bien para divertirnos por casi hora y media. El texto es el consabido amor imposible o posible a medias, lo que quiero destacar es el ingenio para refrescar algo que está muy visto y en gran parte de las ocasiones se cae en la escasa creatividad de decir lo mismo que ya se ha visto “n” cantidad de veces. Felicitaciones a la autora, porque al ser también la actriz que lo interpreta se le ve llena de vida teatral, con un enfoque que no es exactamente el cabaret berlinés, pero podía dar la sorpresa de inaugurar el cabaret narvartiano. ¡Enhorabuena!

Otra premiación teatral

Acaba de darse conocer que otro grupo de periodistas, que se llaman muy parecido a nosotros (pero la más antigua es APT), acaba de dar a conocer sus ternas y premiados. ¡Enhorabuena, todo lo que fortalezca al teatro es bienvenido! A quien quiera conocer la historia de por qué se llama casi igual, teniendo menos años de vida y todos los nombres a su disposición, búsquelo en mis libros La crítica teatral en México. Tomos I y II. Es muy ilustrativo sobre la personalidad de su fundador. Aunque todo tiene su toque humorístico pues con los años ¡nos agradecen premios que nunca hemos dado!

La Agrupación de Periodistas Teatrales es la más antigua en México y esa la presidimos Benjamín Bernal, Presidente; Mario de la Reguera y Marco Antonio Acosta, vicepresidentes; Humberto Morales, Secretario General; Cynthia Sánchez; Secretaria de Relaciones Públicas, más una larga lista de comunicadores. Y estamos por anunciar lo que haremos con nuestra premiación anual. Por cierto, un teatrista que les auxilia en algún trabajo específico, anota, defendiéndose en un comunicado: “no soy socio, ni existe conflicto de intereses”, ya que una persona de su obra está nominada para recibir un premio. Era innecesario, la premian porque les da la gana y ya.

Homenaje a Rosa María Bianchi

Rosa Maria Bianchi_teatrikando

Develaron placa por toda una vida dedicada al teatro. David Olguín fue el promotor del evento y pasaron un video biográfico para celebrar a la señora Bianchi, egresada del CUT. ¡Enhorabuena!

ESTA NOCHE DIOS SUEÑA QUE LO SUEÑO

Texto y foto por Eugenia Galeano Inclán

esta noche ligero

Agustín Meza es el fundador de la Compañía de Teatro El Ghetto, cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética. El Ghetto cuenta con una trayectoria de 24 años ininterrumpidos. Agustín Meza es talentoso, sensible y creativo. Tiene la mente abierta a todo tipo de posibilidades; no gusta de ajustarse a normas ni criterios. Le encantan los retos y la intervención de espacios. Para él, el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada. Aun cuando cada vez que inicia un proyecto, tiene una idea bastante clara de cómo plasmarlo en escena, acostumbra trabajar en colaboración con su equipo, a fin de que en lugar de ser participantes sean parte integral.

En cada una de sus propuestas lo que más complace a Agustín Meza es tocar el corazón del espectador. Hace pocos años creó el Teatro de la Tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes.

Entre las obras más exitosas de la Compañía de Teatro El Ghetto se encuentran: El pasatiempo de los derrotados… Cartas de un Idiota, Fe de erratas, El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas y La arquitectura del silencio, las cuatro de Agustín Meza; Esperando a Godot, de Samuel Beckett; Woyzeck, de Georg Büchner; Anatomía de la gastritis, de Itzel Lara; Gritos y susurros, de Ingmar Bergman; La habitación y el tiempo de Botho Strauss; Aproximación al interior de una ballena, de Ángel Hernández; Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz y Los mansos, de Alejandro Tantanian.

esta noche ligero3

En fechas recientes tuvieron una residencia artística en el Centro Cultural El Hormiguero, donde presentaron Los mansos y La arquitectura del silencio y, asimismo, impartieron un taller y el laboratorio intitulado Esta noche Dios sueña que lo sueño, a cargo de Agustín Meza. Acudieron once colectivos a inscribirse en este laboratorio. El proyecto cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y, a través de la Compañía de Teatro El Ghetto, al colectivo que resulte ganador se le entregará un apoyo económico para que su montaje sea llevado a escena. El sábado 23 de febrero se llevó a cabo una presentación de las propuestas de los once colectivos, donde al finalizar el evento el público podía votar por su preferido. La votación del público pronto se dará a conocer, pero sólo es parte del incentivo que recibirán los colectivos, ya que el ganador absoluto será el colectivo que dictamine la Compañía de Teatro El Ghetto.

Cada colectivo armó su proyecto a partir de sus experiencias personales dentro del laboratorio Esta noche Dios sueña que lo sueño. Para tal propósito, ellos eligieron el tema, su forma de expresión (relato, corporalidad, danza, música, imágenes), determinaron su vestuario, cómo presentarlo, diseñaron el espacio, quiénes participarían, quién o quiénes dirigirían, etcétera, con sus propios medios y aprovechando las herramientas disponibles. A continuación, un resumen del evento.

Los ausentes

El colectivo Habitantes de la Periferia presentó Los ausentes, bajó la dirección de Holil Heredia. Esta propuesta se basó en el dolor de quienes tienen allegados desaparecidos; plasmaron dolor, sangre, los peligros latentes en nuestra Ciudad de México, pero también hablaron de amor y de que cada lunes representa una oportunidad para reiniciar. Combinaron técnicas coreográficas, corporalidad y actuación para expresarse.

El estado alterno

La Compañía Algarabía Escénica presentó El estado alterno, bajo la dirección de Ray Nolasco. Los jóvenes aludieron a los desaparecidos, a la supresión de personas y a la capacidad de tener que  lidiar en un estado alterno. Para su expresión utilizaron luz roja, cuerpos ensangrentados, corporalidad y actuación.

El hombre pez

El colectivo Sedesierto Teatro presentó El hombre pez, bajo la dirección de Jeovanni Sánchez Castillo. Varios jóvenes reunidos alrededor de una botella que giraban. Hacia quien apuntara tenía que decir algo que los demás desconocieran, un secreto que hubieran guardado para sí mismos. Cada quien comentaba algo que resultaba sorpresivo para los demás, desde una hija con padres alcohólicos, hasta lo que diría un suicida. Esta propuesta básicamente fue de actuación.

esta noche2 ligero

Homo consumens. Exorcismo del sistema

Teatro Brujo presentó Homo consumens. Exorcismo del sistema, bajo la dirección de Bruno Castillo y Mabel Petroff. Una parodia sobre el consumismo, con ideas de cómo exorcizar al sistema, a fin de no caer en los  excesos del consumismo. Una forma graciosa de ironizar las compras compulsivas y los mensajes subliminales publicitarios. Esta fue una de las propuestas con mayor teatralidad en la que se utilizaron diversas técnicas de actuación, máscara, tintes de clown, corporalidad, iluminación y gran manejo del espacio, integrando un closet y las puertas disponibles para enmarcar el montaje.

Raíces del río

Raíces presentó Raíces del río, dirección en colectivo. Como suele suceder, con los trabajos en colectivo, en esta propuesta se difuminó la intención. Hablan sobre la abuela, los recuerdos que tienen de ella, el grato sabor del mezcal, pero no se concreta algo definido. El epitafio de la abuela podría haber sido más conmovedor. Las bellas jóvenes se lucieron con sus atuendos oaxaqueños y su risa alegró a los presentes.

Rebelión

El colectivo Mutante presentó Rebelión, bajo la dirección de Eréndira Gómez y Gustavo Schaar. Los directores en cascos con linterna reciben al público y lo conducen a la sala donde será la representación. Del techo pende un gran manifiesto que habla de problemas que enfrentamos en forma cotidiana, pero no todos alcanzamos a leerlo completo a causa de la iluminación. Luego, aparece un actor que trasluce su agobio y a entender que lo único que queda es la rebelión. Excelente trabajo histriónico y corporal por parte del actor.

Variaciones sobre una coreopoética (Lils)

Physis Danza y Artes Escénica presentó Variaciones sobre una coreopoética (Lils), bajo la dirección de Omar Francisco Armella. Con la hermosa melodía Los sonidos del silencio de fondo, los integrantes de este colectivo realizaron ejercicios coreográficos, para luego interactuar con el público, eligiendo espectadores al azar y mirándolos directamente a los ojos, lo cual resulta impactante.

Compasión

El colectivo Las socias sucias presentaron Compasión, bajo la dirección de Iliana Muñoz. La base de esta propuesta fue visual y sensorial. El público suponía que estaba por entrar a una función de teatro, pero en lugar de eso debía quitarse los zapatos, para luego pararse sobre espejos, una experiencia que jamás habían sentido. Los espejos estaban rodeados de pequeños focos, lo demás era oscuridad, salvo una especie de cabina a mitad de la sala, donde un hombre comentaba que tenía que lograr un ejercicio consistente en colocar un blanquillo en forma vertical sin que se cayera. El sonido de fondo era de cuencos de cristal. Al final, se daba la tercera llamada. Original y divertida.

Flores negras del destino nos apartan

El Mirador presentó Flores negras del destino nos apartan, bajo la dirección de Belén Aguilar. En una pantalla se proyecta la imagen de una mujer, en tanto que un joven habla de ella y comenta que es su madre. Como lo indica el título, están apartados. Según él, la ama, pero al mismo tiempo la critica. Muchas cosas de su madre no le parecen, denota tener resentimientos guardados que intenta resolver ahora que ella es mayor y padece una enfermedad terminal. Bellas imágenes en video y buena labor histriónica y corporal del joven.

Proyecto veronese

La Corte de los Milagros presentó Proyecto veronese, bajo la dirección de Colectivo Interdisciplinario. Una propuesta muy interesante y bien lograda de danza-teatro, para la cual ocuparon tres espacios. En un pasillo frente a la escalera, el público veía imágenes proyectadas en la pared de dos hermosas mujeres, después había que elegir entre dos salas, de tal forma que unos vieron una parte y los otros la restante. En una de las salas una de las intérpretes aparecía detrás de un fino telón de acrílico, haciendo juegos con manzanas. Lo que yo vi en la otra sala fue a la destacada coreógrafa y bailarina Gabriela Rosero en una poderosa coreografía que requería de fuerza y precisión. ¡Me pareció impresionante!

Las 3 pieles (versión corta)

Tocó a Moving House cerrar el evento, presentando Las 3 pieles (versión corta), bajo la dirección de Flor Bucio. Esta propuesta es interesante, pero no surgió del laboratorio, como las demás, dado que actualmente tienen ese montaje en cartelera. Se trata de los procesos de embarazo y parto vistos desde una perspectiva coreográfica. En esta su versión corta incluyeron una escena que no está en el montaje original, a fin de representar el parto, para lo cual eligieron un cuarto de baño. La cercanía con el público variaba la energía que se siente en una sala de teatro convencional.

Nos parece muy loable que un creador teatral comparta sus conocimientos a través de laboratorios como Esta noche Dios sueña que lo sueño, debería haber más eventos como este. Para los asistentes resultó más que interesante ver tan variadas propuestas en un mismo lugar, una tras otra. Desde luego, hubo de todo, unas más creativas que otras, algunas denotaron más horas de ensayo, las hubo colectivas, de dos o tres integrantes y unipersonal. En general, todos se esforzaron por expresar sus ideas y plasmarlas en escena.

Agradecemos la hospitalidad del Centro Cultural El Hormiguero y la grata cordialidad de Marco y Mishell de Escena México Contemporánea (EMC).

Por los comentarios expresados por los integrantes de los diversos colectivos nos enteramos de que estaban muy complacidos de haber tomado el laboratorio Esta noche Dios sueña que lo sueño; dijeron que aprendieron mucho sobre prácticas escénicas y prácticas creativas, que fue un taller que les proporcionó herramientas para expresarse, un espacio que los llevó a cuestionamientos, que les permitió reflexionar, conocer más a fondo los procesos creativos y que abrió sus expectativas.

La Compañía de Teatro El Ghetto tendrá una residencia artística en el Centro Cultural del Bosque, donde ofrecerá una nueva temporada de Los mansos, de Alejandro Tantanian, bajo la dirección de Agustín Meza en la Sala de Escenografía de dicho centro y también habrá dos talleres impartidos por el equipo creativo de Los mansos y una Master Class a cargo del autor de Los mansos.

Los mansos se presentará jueves y viernes a las 20:00 horas y sábados a las 19:00 horas en la Sala de Escenografía del Centro Cultural del Bosque, Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. Temporada del 28 de febrero al 9 de marzo de 2019.

Los talleres son en la Sala CC B del Centro Cultural del Bosque, Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México:

Actuación: imparten Genny Galeano, José Luis Villalobos y Xavier Lara Mora, 1 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

Creación Musical para la Escena: imparte: Steven Brown, 7 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

Master Class de Dramaturgia y Dirección Escénica: imparte: Alejandro Tantanian, 8 de marzo de 2019, de 10:00 a 14:00 horas.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Ángeles Marín estrena obra inusual

Una obra fuera de lo común, original de Julián Robles y bajo la dirección de Ricardo Martínez Carnero, nos ofrece: Cállate y rema, una visión interior del infierno que se vive día a día, a través de un aparato gigantesco de tres niveles, por el cual transitarán paso a paso cada una de las diferentes categorías que tenemos en el alma. Lee una biblia especial y saca huesos de las peculiares tumbas el actor Luis Cárdenas White, mientras ¿su mamá?, ¿su pareja? le trata de hacer discurrir mejores soluciones o le amenaza con una pistola. Ella es Ángeles Marín y constantemente se mueve en el tablado elevado, lo mismo a nuestra altura, que bajo el nivel de la escena. Se trata de un montaje que busca la forma de hacer que el actor y la actriz se renueven totalmente de los clichés que necesariamente adquieren al trabajar en otros medios convencionales.

Se presentan en el Teatro Salvador Novo del CENART (Tlalpan y Río Churubusco), de martes a domingo, en los horarios normales. Es de sentir admiración por la monologüista de Delirio 3:45 o la que interpreta a Macbeth, pero también ha hecho la mayor parte de las obras de Rascón Banda, con quien tuvo una fuerte amistad. Además, le hemos visto Pequeñas Infidelidades en la Teatrería, con lo que refrenda su gusto por no encasillarse en un rol, de buena o mala, traicionera o traicionada. ¡Es un placer ver esta ductilidad!

Recordamos que también ha hecho labor por el Círculo Teatral de Alberto Estrella, que se destruyó con el sismo, trabajando gratis para reunir los fondos necesarios, primero para tirarlo y luego para volverlo a levantar con todos los elementos necesarios, pues era una escuela también. Todavía no se logra la reconstrucción.

Así, que hay que ver este trabajo sincero, con entrega total, que usted recordará por siempre.

Te veré el año que viene, en el Centenario Coyoacán

Ya le hemos hablado que se estrenó un nuevo teatro, el Centenario Coyoacán. Ahí vimos Te veré el año que viene, con Oz de la Ro y Jimena Merodio, bajo la dirección de José Razo. Es un excelente trabajo, que puede Ud. ver los lunes, en este cómodo teatro; es casi un clásico moderno: una pareja se enamora y se reúne sólo una vez por año, con un detalle especial, ambos son casados con otras personas. Es de un romanticismo muy especial, pues lo mismo comparten las caricias de todos los enamorados, que una comida sencilla o una de lujo, viven una situación muy complicada que mejor no le cuento porque puedo arruinar la sorpresa; pero ambos están convencidos que es la mejor forma de llevar el romance, una vez al año. Hubo fallas en el sonido, ni hablar, pero lo resolvieron bien. Es una obra muy recomendable.

https://www.youtube.com/watch?v=lAYc6ZmnL0w&t=149s

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Cierre de temporada: Atracción Fatal

La obra Atracción fatal ha tenido una historia fuera de lo común en México. Para empezar, tuvo público que quería constatar el final especial que le había dado Óscar Ortiz de Pinedo, para continuar con el desnudo integral de Itati Cantoral: ¿se justificaba o no? Era parte del atractivo, la niña que sin el menor miedo hace un papel, ciertamente con su grado de dificultad, los demás roles están bien cubiertos: la esposa, el incauto marido, el amigo y los demás roles secundarios. Un aplauso para Juan Diego Covarrubias, Fabiola Guajardo, Dobrina Cristeva, César Ferró y demás talentoso elenco.

Fue invitado el autor James Dearden, quien estuvo de acuerdo con el montaje y el final planteado. Lo triste fue que terminó la temporada, porque al vencer el contrato de arrendamiento (o cualquier forma que tome el trato) le cerraron las puertas a cualquier forma de negociación, porque estaba “monopolizando” el recinto, lo que no parece cierto, ya que sólo lo ocupaba los fines de semana y ha habido otros grupos usándolo. Por su parte, la empresa arrendataria que preside Jorge Ortiz de Pinedo hizo mejoras y aportó equipo por una cifra millonaria para hacerlo un lugar más atractivo.

Recuerdo que estaba antes de esta etapa realmente triste el foro, con equipo de luces propio de un auditorio, con butacas más sencillas, vaya, como una casa de la cultura (antes) delegacional. Es triste ver que se apagan los sueños y para alcanzar el anterior esplendor tendrán que pasar varios años, si es que se llegara. La programación que ofrecerá también será digna de observarse.

La Alcaldesa Layda Sansores ¿todavía tiene un espacio de tiempo para dar marcha atrás y buscar un entendimiento? Ojalá así sea.

La Academia de Arte Teatral López Tarso Cumple dos años de vida

Son dos generaciones las que se han titulado ya. Esta segunda terminaron: Diana Arcos Ramos, Alba Sofía Franco, Miranda de la Parra, Alejandro Narváez y Cristián Tovar. Ellos dieron un recital de teatro, danza y cine muy interesante.

Bailaron Rouge and a Noir en una sencilla versión. Después vimos un corto metraje que se realizó para el fin de cursos que resultó un muy dramático recuento de la tragedia del 2 de octubre, escrito original de Emilio Carballido, excelente el resultado. Del mismo autor vimos La Miseria, El Espejo, Escribir, por ejemplo, y un monólogo que es adaptación a una canción de Chava Flores, denominado La Taquiza. Divertidísimos todos los trabajos; hicieron las delicias de la familia y el público en general, que recibieron una felicitación del gran Ignacio López Tarso quien, por cierto, acaba de cumplir 94 años. Leti Montaño dirige los planteles que tiene en Tlalpan y Coyoacán, junto con Juan Ignacio Aranda. ¡Felicitaciones!

UN ACTO DE COMUNIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

un acto ligero

Uno de los anhelos más preciados de algunos jovencitos es independizarse. Para cumplir su objetivo se esmeran en sus estudios y tan pronto se gradúan buscan un trabajo bien remunerado. Quienes llegan a lograr ser independientes se muestran satisfechos y felices. Piensan en todo lo bueno que implica el cambio: ya no requieren de permisos ni concesiones y ejercerán su libre albedrío. Sin embargo, no tomaron en cuenta lo que perderían y es común que tan sólo unos días después comiencen a extrañar a su familia, comodidades y todo lo que compartían. Nadie les prepara su platillo favorito, no hay consentimientos, caricias, consejos, juegos compartidos ni con quién platicar. Asumir todas las responsabilidades es una carga pesada, hay que administrar la vida, los recursos y los gastos. Habrá que estar pendientes de todos los recibos por renta y servicios, comprar alimentos e insumos suficientes, así como efectuar los pagos en forma oportuna. Por si fuera poco, la soledad no es fácil de sobrellevar.

Son unas cuantas personas las que disfrutan de estar solos, otros logran acostumbrarse, pero a la gran mayoría les es desagradable y puede desencadenar temores, tristeza, ansiedad, furia y hasta desequilibrios. El silencio por las noches facilita que fluyan las voces internas y esto puede detonar que aparezcan fantasmas del pasado, recuerdos olvidados, frustraciones y, peor aún, eventos traumáticos que se han enfrentado. Todo esto hace que la realidad se desvanezca y las fantasías se incrementen. Tal es el caso de Franky, el protagonista de Un acto de comunión, de la autoría de Lautaro Vilo.

El dramaturgo, director de teatro, actor, guionista, traductor y docente, Lautaro Vilo, originario de Buenos Aires, Argentina, ha escrito alrededor de quince obras, mismas que han sido representadas exitosamente tanto en su país de origen como en otros y también han sido publicadas. Por su trabajo, Lautaro Vilo se ha hecho acreedor a múltiples nominaciones, galardones, reconocimientos y premios.

La inspiración para concebir Un acto de comunión le llegó a Lautaro Vilo de un caso de la vida real, una noticia que impactó al mundo. A principios del año 2001 un joven fue acusado de cometer un crimen en la ciudad de Rotemburgo, Baviera, Alemania. Los espeluznantes detalles del crimen hicieron que el jurado contratara a un equipo especial de psicólogos y psiquiatras, a fin de que determinaran el estado mental del acusado. El dictamen final de los especialistas fue que no encontraron señal alguna de demencia. Al igual que los médicos, Lautaro Vilo decidió escudriñar la mente de este hombre a partir de su dramaturgia.

El texto de Un acto de comunión capta la atención del público de principio a fin. El perfil psicológico del protagonista está perfectamente delineado. De frente al público hará un recuento de los recuerdo de su vida desde su infancia hasta un poco después de los hechos que hicieron se le acusara.

P1230960 ligero

Al entrar a la sala de teatro lo único que ve el espectador es una silla sobre el escenario vacío. En la tercera llamada, Franky entra, da unos pasos y se sienta. Es un hombre joven, alto, de buena presencia, vestido pulcramente, no podría pasar desapercibido. Tiene la certeza de estar psíquicamente sano y quiere ejercer su derecho de réplica, así que está dispuesto a compartir sus más íntimos pensamientos y su sentir. Compartirá su propia perspectiva sobre lo ocurrido. Su plática deja translucir que su nivel de inteligencia es superior al promedio, es culto, educado, ordenado y bastante metódico. Se remonta a su niñez; nació de un matrimonio bien avenido, tenía varios hermanos. A todos los amaban y consentían, los cumpleaños eran festejos divertidos, pastel especial, regalos, sorpresas. De pronto, un día todo cambia, el padre abandona a la madre y se lleva a los hijos, excepto a Franky. Comienza la desventura. La madre se desploma y Franky vive con ella, lidiando con el dolor de ambos. Luego que fallece su mamá, Franky vive solo, tiene un trabajo estable y disfruta de entablar relaciones mediante Internet. Su mayor ilusión es llegar a Un acto de comunión con alguien. ¿Qué es lo que Franky entiende por esto? Él mismo será quien se los explique cuando vayan a visitarlo.

La labor de dirección por parte de Julio César Luna es impecable. Su trazo escénico está infundido por la sobriedad. En lugar de desplazamientos, opta por lo estático, su actor está sentado, se pone de pie en contadas ocasiones, con lo cual todas y cada una de las palabras del texto cobran mayor peso. En esta obra la acción y las pausas se definen mediante la oralidad. El ritmo es preciso.

El desempeño histriónico, vocal y expresivo de Antón Araiza denota el resultado de un exhaustivo trabajo en la creación de su personaje. A lo largo de su trayectoria, el destacado actor ha demostrado que tiene el talento y la capacidad de transformarse en cualquier personaje y el que interpreta en esta ocasión es verdaderamente impresionante. Sabemos que el monólogo es la prueba de fuego para cualquier actor y en esta obra lo es más, ya que la única herramienta son las palabras. Antón enfoca su labor en cómo decirlas, resuelve el alto grado de dificultad utilizando un peculiar fraseo, cual si degustara cada sílaba, habla con elocuencia, su mirada denota absoluta sinceridad y mueve sus manos en cierto modo para remarcar uno que otro parlamento, sin necesidad de alardes ni excesos, la emotividad está presente en todo momento.

El resto del equipo creativo está integrado por: a.a en producción ejecutiva,  Marilú Garcialuna en asistencia de dirección, Javier Pérez Maya en fotografía; video y diseño gráfico, Víctor Audiffred, y Sara Cortijo en audiovisuales para redes sociales.

P1230961_ligero

Una historia que conmocionó al mundo es llevada a escena y Lautaro Vilo decide que la narre de viva voz el autor de los hechos, en forma tal, que el espectador conozca las circunstancias y motivaciones que lo llevaron a hacer algo inimaginable. No pierdas la oportunidad de ver este montaje cargado de sentimientos, reflexiones y deseos incontrolables. Texto interesante, atinada dirección e interpretación memorable. Corre a verla. Su temporada está por finalizar.

Un acto de comunión se presenta a las 20:00 horas los miércoles 20 y 27 de febrero de 2019 en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 (casi esquina con Centenario), Coyoacán, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM, así como para vecinos de  Coyoacán, Iztapalapa y Benito Juárez.

SÍ MI AMOR, LO QUE TÚ DIGAS

Por Eugenia Galeano Inclán

Cartel(1)-SI.MI.AMOR,LO.QUE.TU.DIGAS

Se dice que los hombres son de Marte y las mujeres de Venus, lo cierto es que hombres y mujeres parecieran hablar un idioma distinto. Es tan difícil que un hombre comprenda a una mujer como viceversa. Hay decenas de dichos populares para describir esta situación. No existe literatura, tratados, cursos, enseñanzas ni consejos que nos faciliten el camino para comprender al sexo opuesto. Pero, no importa, porque el amor supera este tipo de incomprensiones y las parejas que se aman siguen uniendo sus vidas aun cuando no se comprendan del todo.

Si un hombre y una mujer se atraen y congenian, iniciarán una relación y si ésta avanza, es muy probable que decidan vivir juntos. Para ello, no es indispensable comprender todo lo que piensa el otro, en virtud de que la mente masculina y la femenina funcionan en forma distinta y es imposible que el pensamiento de ambos sea en el mismo sentido. Lo mejor es hacer todo lo posible para mantener una buena convivencia, amar, respetar y consentir a la pareja, tratando de que sea feliz y esté a gusto.

No se requiere de comprensión cuando prevalecen el amor y la afinidad. En toda relación lo ideal es que los dos persigan el bienestar común. Se pueden ir salvando esos pequeños baches e incomprensión y, en caso de duda, siempre es posible aplicar la frase  Sí mi amor, lo que tú digas. Así es como intitula su obra el dramaturgo mexicano Víctor Salinas, quien se ha especializado en explorar las relaciones de pareja. Con “AMORatados“, de su autoría, tuvo mucho éxito y permaneció en cartelera durante un largo período.

Sí mi amor, lo que tú digas es una comedia ligera en la que se representan diversos momentos de incomprensión en la pareja. Los protagonistas son Claudia y Miguel, dos jóvenes a quienes se verá en diferentes épocas de su relación, como por ejemplo: su primer encuentro íntimo, la alimentación que eligen, un regalo de talla equivocada, el apego a las madres… y a la forma en que éstas preparan sus especialidades culinarias,  la elección de un restaurante,  las amistades,  los programas de televisión, la música, la anhelada entrega del anillo, las dietas, la posibilidad de un embarazo y mucho más.

En forma atinada, el autor no aborda el tema que más molestias causa en una pareja y que es la economía. Lo más curioso es que los protagonistas son interpretados por tres parejas distintas, lo cual da una mejor idea de que en todas las parejas pueden acontecer los mismos sucesos. El relato no es narrado en forma cronológica sino que acciones del pasado y del presente se van intercalando.

Al dar la tercera llamada, el cuerpo actoral se olvida de la cuarta pared, habla directamente al público y pide a los espectadores que sean ellos quienes elijan qué pareja será la número 1, la 2 y la 3. Es probable que esta sea una innovación introducida por el director, pero resulta un juego divertido que hace que la audiencia se involucre más.

La labor de dirección por parte de Sebastián Sánchez Amunátegui, director chileno radicado en México, es admirable. Su trazo escénico es pulcro, infunde una dinámica sorprendente y su manera de entrelazar las situaciones de tres parejas distintas que son una misma es impecable. La acción es constante y el espacio aprovechado a fondo. El ritmo es muy preciso.

Dado que todos los integrantes del elenco tienen compromisos laborales, en escena aparecen tres parejas, pero en realidad son cinco de base, y más se suman al proyecto en caso necesario. El elenco base está conformado por: Adriana Llabrés, Carla Medina, María José Magán, Mariannela Cataño y Zoraida Gómez para encarnar a Claudia. Aarón Balderi, Alejandro Sandí, Chris Pascal, Juan Martín Jáuregui y Luis Carlos Muñoz para interpretar a Miguel. En la función a la que asistí, actuaron: Mariannela Cataño, Verónica Bravo  y  Zoraida Gómez, como Claudia, y Aarón Balderi, Alejandro Sandí y  Juan Martín Jáuregui, como Miguel. Todos ofrecieron un buen trabajo histriónico y corporal, además de su grata presencia escénica.

La escenografía es bellísima, representa el departamento que todos quisieran tener, espectacular vista por la ventana, fino mobiliario, desniveles, amplitud, buena decoración. El diseño fue creado por Óscar Acosta. La iluminación diseñada por Isaías Martínez está bien impartida. La música original para proveer el entorno adecuado es de Tareke Ortiz. La canción Los amantes es de Pambo.

El diseño de vestuario y styling lo aporta Macarena Martínez Verti, con finas prendas de buena confección, excelente caída y colorido variado. Los productores son: Omar Ahed en producción general y Daniel A. Madrid en producción ejecutiva. Sí mi amor, lo que tú digas es presentada por OAK LIVE!

Quedas cordialmente invitado a conocer a Claudia y a Miguel, quienes te recibirán gustosos en su departamento y compartirán contigo recuerdos de su vida privada. Te divertirás de principio a fin e identificarás algunas de las situaciones en tus experiencias personales. Una comedia romántica que te permitirá distraerte de preocupaciones cotidianas y de lo que escuchas en noticieros. Te sugiero ir a verla pronto porque su temporada está próxima a finalizar.

Sí mi amor, lo que tú digas se presenta viernes a las 20:30, sábado a las 19:00 y  20:45 horas, y domingo a las 18:00 y 19:30 horas en el Teatro Rafael Solana, dentro del Centro Cultural Veracruzano, ubicado en la Avenida Miguel Ángel de Quevedo número  687, colonia San Francisco, Ciudad de México. Su duración aproximada es de 70 minutos y el costo de las localidades son de $600.00, $500.00 y $400.00 pesos. Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 24 de febrero de 2019.