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PEQUEÑAS INFIDELIDADES (LA SINCERIDAD PUEDE SER BRUTAL)

Texto y foto por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Infidelidades

Una interesante interrogante es si la fidelidad es natural o cultural, hoy día parece un deporte social, valga la expresión, lo contrario, esto es, la infidelidad, inclusive hay parejas que aún a sabiendas del engaño o traición, como se le quiera denominar, la asumen, ya sea por una aventura casual, otros por conveniencia, otros por venganza, más de alguno por no estar seguro de sus sentimientos. Lo cierto es que cuando se destapa la cloaca y la pareja se confiesa el resultado es que la sinceridad puede ser brutal.

 

Mario Diament, argentino radicado en Miami, nos lleva por estos vericuetos sentimentales. En lo particular lo conocí, primero dramatúrgicamente por su obra CITA A CIEGAS, luego en persona, un hombre inteligente y a la vez sencillo, conocedor de la condición humana, de la esencia, fortaleza y debilidad de quienes habitamos y vivimos en este presente, resultado de un pasado y la incertidumbre de un futuro. Cuando una historia no se cierra no es pasado, es presente, refiere el autor.

 

Después de siete años de relación matrimonial, Alejandro se separa de Emma, hay una tercera en discordia -Julia- y un cuarto, el mejor amigo del primero quien es utilizado para la venganza, un perverso destino, obsesión, explicaciones, justificaciones, un derroche de moralidad que no llega a nada… o tal vez sí; la flaqueza humana. Un final inesperado, sorprendente, el amor sucumbe ante el anhelo de vengarse.

 

Víctor Carpinteiro en su calidad de director conduce a los actores por dos aspectos:el sentimental y el moral, Se le debe reconocer el magnífico manejo del tono y el ritmo, mantiene de principio a fin la atención del espectador, logra mediante el humor negro la catarsis, cuando llega a los clímax no hay exabruptos”simplemente” la trama sigue su curso, sin embargo, atrapa la emocionalidad de quienes disfrutan una excelsa escenificación. Una dirección impecable, digna de las artes escénicas mexicanas.

 

Dos actores en escena:Ángeles Marín y Ricardo Blanchi. La primera excelente, gran presencia escénica, personalidad, dominio absoluto de su personaje, convincente entre lo que dice y cómo lo proyecta, producto de su talento, en concreto asume el texto y a Emma en forma magistral, Ricardo, por fortuna está a la altura del  montaje, su personaje por momentos pausado y cuando hay que sostener posturas fuertes lo hace con carácter, sólo los buenos actores lo logran. Al concluir la función la ovación del público es unánime, director y actores llegan a lo más profundo del hecho teatral.

 

Por lo pronto termina la temporada en La Teatrería, sin embargo, hay posibilidades de otra en ese mismo espacio o en otro de la Ciudad de México y una gira por las entidades federativas de la República Mexicana, ya les daremos cuenta. En verdad, PEQUEÑAS INFIDELIDADES es un montaje para el recuerdo de los amantes del buen teatro.

HISTORIAS DE CIUDAD (Volumen Uno)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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La cartelera teatral de la Ciudad de México es muy amplia y variada.  Entre tantas opciones, queda a criterio del espectador qué es lo que desea ver.  Se puede elegir por historia, por título, por género teatral, por grupos, por elenco, por director, por productores, por recomendación, por duración, por ubicación y hasta por precio.  En la actualidad, las producciones que integran la cartelera van de lo más espectacular a lo minimalista.  Lo multidisciplinario ha tomado un importante lugar en la preferencia del público.  Lo musical siempre es bien recibido.  También depende del estado de ánimo del momento, tal vez se quiera uno ir a divertir, reflexionar, desentrañar un misterio, concientizarse, llorar, pasar el rato, ver en persona al actor o actriz favorito, o simplemente ver teatro.

 

Cada día surgen nuevas tendencias y se abren espacios.  Definitivamente, México es un país donde muchas personas apuestan por el teatro, a pesar de todas las dificultades que se tienen que sortear para producirlo, costearlo y presentarlo.

 

Hace ya casi una década en España, a raíz de una crisis económica, Miguel Alcantud creó el concepto microteatro, con el propósito de autogenerar trabajo para dramaturgos, directores, escenógrafos, músicos, actores, actrices, equipos técnicos, así como acercar más el teatro al público.  Fue tal el éxito que casi de inmediato el formato comenzó a replicarse en otros países.  En el nuestro, fueron Alejandra Guevara y Andrea Novelo quienes abrieron las puertas de MicroTeatro México y, desde entonces, gracias al empeño y esfuerzo de estas dos brillantes mujeres ha sido y continúa siendo la mejor opción en la capital mexicana para la presentación del concepto microteatro.

 

Por la respuesta del público al formato, muchos se han sumado a adoptarlo.  Además de varios grupos que se han dedicado a realizarlo, resulta ideal para presentar trabajos de varios dramaturgos al concluir un taller.  En este caso se encuentra el Taller de Dramaturgia impartido por Estela Leñero, quien, para la celebración de su décimo aniversario, hace un par de años, presentó “Claustrofobia“, al cual describió como “proyecto inédito de teatro en circuito“, conformado por cinco obras breves que se escenificaban en varios espacios de El Círculo Teatral.

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Una de las obras que formaban parte de “Claustrofobia” era “Permanencia no voluntaria” de la autoría de Vicente Ferrer, dramaturgo egresado del Taller de Dramaturgia de Estela Leñero.  Es posible que Vicente Ferrer se haya sentido atraído por el concepto, pues, ahora, ya por su cuenta, lo ha adoptado para presentar HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, con tres obras breves escritas por él:  SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA.  Vicente Ferrer indica que sus tres obras engloban las consecuencias que puede traer una mala decisión y va de lo más divertido a lo absurdo, para terminar en tragedia.

 

Los tres relatos contenidos en HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno van de menos a más.

 

El primero es SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR, un texto con poca estructura, que capta una entrevista de trabajo.  El carácter de los personajes no está definido –si alguien quiere imponerse, no se distraería maquillándose y si una persona tiene interés en ser contratado, no respondería llamadas durante la entrevista–.  La obra versa sobre Reynaldo, quien atraviesa serias dificultades económicas y le urge conseguir un empleo.  Lo malo para él es que Bárbara, la entrevistadora, le pone un montón de trabas que Reynaldo procura ir sorteando.  ¿Logrará obtener el ansiado puesto Reynaldo?

 

La magia teatral se produce cuando el espectador entra de lleno a una convención y con los ojos de la imaginación ve aquello que no existe.  Por ejemplo, algún personaje menciona que están dentro de un palacio y aunque éste no exista, el público cree que allí está.  En el montaje de HISTORIAS DE CIUDAD – Volumen Uno, ocurre lo contrario.   Ante lo evidente, el público se sale de la ficción en forma inmediata .  En el primer relato, es imposible que alguien crea que la barba y el bigote son reales si lucen tan artificiales.

 

En cuanto a la dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer, no se nota un trazo escénico definido.  Los desplazamientos no se ven naturales,  los integrantes del elenco andan algo perdidos, sus cambios de humor son abruptos, gritan a todo lo que da a la menor provocación.  Pareciera que el único propósito es alcanzar un poco de jocosidad.

 

El segundo es CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA.  El texto está estructurado y capta la atención del público.  Todos sabemos que en la vida real no ocurre lo que en los cuentos que terminan con el consabido “fueron felices para siempre“, lo difícil viene con la convivencia cotidiana.  Sólo con amor pueden soportar los defectos del otro y adaptarse a la vida en común.  Toda pareja llega al altar con un cúmulo de ilusiones, pero éstas corren el riesgo de desvanecerse si el otro no cumple con las expectativas.

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Gonzalo y Carla acaban de contraer matrimonio y están deseosos de dar inicio a su luna de miel.  De entre todos los obsequios recibidos, uno de los que más complació a Carla fue la suite nupcial que sus padres le reservaron para la noche de bodas, pero Gonzalo le tiene preparada a Carla una sorpresa que a él le parece algo romántico.   Pronto saldrá a la luz que los dos tienen ideas muy distintas sobre dónde y cómo comenzar su vida en pareja.

 

En relación con el montaje, aplica el mismo comentario que hicimos con respecto a que el público se salga de la ficción.  Toda novia quiere lucir lo más bella posible el día de su boda.  Resulta fuera de lógica que la novia traiga pantalones y sweater abajo del vestido de novia y, para colmo, ambos en color negro, siendo que hay novias que se cambian hasta cuatro veces con tal de verse esplendorosas.

 

Para este relato, la labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable.  El trazo escénico es consistente.  La coreografía está bien diseñada y el ritmo es preciso.

 

El tercer relato es LA FURIA, una historia de suspenso que atrapa al espectador de principio a fin.   Adriana Duarte no ha logrado esclarecer un caso donde una menor está involucrada.  Como está dispuesta a encontrar al responsable para que sea castigado, solicita la ayuda del prestigiado psiquiatra Orestes Konstantellos.  La acción comienza cuando Adriana llega puntual a su cita con el doctor Konstantellos.  Durante su entrevista, se irán develando ciertos secretos del pasado de ambos.

 

Los respectivos elencos de SIN BARBA Y SIN BIGOTE, POR FAVOR,  CUARTO CON VISTA AL MAR, A LA LUZ DE LA LUNA  y  LA FURIA están conformados por:  Xilonen Yumei (Bárbara, entrevistadora)  y  Juan de Dios Mastachi (Reynaldo, aspirante al  puesto de trabajo),  Sussana Vidal (Carla, la novia)  y  Jhovanni Raga (Gonzalo, el novio),  Jessica Espinosa (Adriana Duarte)  y  Elián Cuenca (Orestes Konstantellos).   Xilonen y Juan de Dios caen en la exageración,  Sussana y Johovanni ofrecen buenas interpretaciones.  Elián se esfuerza, pero no alcanza la emotividad de su personaje, en tanto que Jessica dota a Adriana de variados matices, logrando que sea convincente.

 

La labor de dirección por parte de Julia Arce y Vicente Ferrer es impecable, como en el caso anterior.  Está bien administrado el desplazamiento actoral.  Buen manejo del suspenso.  Ritmo exacto.

 

Los tres relatos cuentan con musicalización y sonido administrados por Vicente Ferrer.  La iluminación es suministrada por Arturo Vega.  El vestuario es de Vicente Ferrer y la Compañía.

 

El estético diseño y RP son provistos por @AgenciaLadoA / Alicia Garzón.  La fotografía es de Gabriela Alarcón.

 

Si quieres conocer un nuevo foro, aprovecha para

 

Anímate a conocer estas HISTORIAS DE CIUDAD – VOLUMEN UNO, obras breves sin pretensiones, entretenidas.  Puedes aprovechar si vas de compras al complejo que tiene en Polanco una de las tiendas más conocidas de México, ya que el Foro donde se presentan está por allí.  Para mayor referencia, queda enfrente de una tienda de artículos de oficina.  Además, tendrás oportunidad de conocer un nuevo Foro Cultural.

HISTORIAS DE CIUDAD

Volumen Uno

se presenta los sábados a las  19:00 horas en el

CAFÉ K-OZ

Foro Cultural

ubicado en la calle Séneca , casi esquina con Homero, colonia Polanco

Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $250.00 y para

personas con credencial vigente de maestros, estudiantes e INAPAM, de $200.00

La temporada concluye el sábado 2 de junio de 2018

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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 Los mexicanos tenemos la suerte de tener un país multicultural, de muchos colores y paisajes hermosísimos.  Nuestras playas son admiradas por nacionales y extranjeros, pero también hay desiertos, montañas, volcanes, bosques, la vegetación es abundante, en varios sitios crece en forma salvaje y no por ello es menos llamativa.  Existen numerosos pueblos mágicos y rincones insospechados.  Visitarlos todos es casi imposible.  Así mismo, nuestros ancestros nos legaron edificaciones espectaculares que han sido estudiadas por miles de arqueólogos de todo el mundo.  El arte también tiene un lugar relevante.  No sólo podemos presumir de la obra de grandes pintores, muralistas, escultores, arquitectos, sino que hasta en los poblados más apartados encontramos artesanías bellas y originales.  Al igual que no podríamos abarcar el territorio entero, tampoco sería posible leer todo lo que han escrito nuestros insignes autores o poetas, ni conocemos todos los hechos históricos de nuestra nación.  Los libros de historia destinados a las escuelas sólo consignan aquello que alguien consideró lo más importante y hay tal cantidad en las bibliotecas que no sabemos cómo elegirlos.

 

Martín López Brie encontró una parte de nuestra historia que es muy poco conocida.  Supo que durante un tiempo hubo una red de espionaje nazi.  Le sorprendió tanto saberlo que llevó a cabo una investigación exhaustiva de la cual sacó un estudio muy completo, fundamentado con documentos, confesiones oficiales y literatura.  Martín López Brie nació en Buenos Aires, Argentina, pero reside en México desde hace mucho tiempo, es egresado de la licenciatura en historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Su formación como dramaturgo la obtuvo a través de talleres impartidos por prestigiados autores mexicanos y extranjeros.  Se ha desempeñado como dramaturgo, vestuarista, iluminador y director de escena.  Entre los reconocimientos y premios a que se ha hecho acreedor, podemos mencionar:  Premio Nacional de Dramaturgia Gerardo Mancebo del Castillo Trejo 2005 por “Orfico Blues“, Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda 2007 por “El crimen del Hotel Palacio“,  y  Premio Bellas Artes Baja California de Dramaturgia 2016 por EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO y es precisamente esta última la que contiene su relato sobre el espionaje nazi.

 

Ante tanta información recabada, Martín López Brie decidió convertirla en dramaturgia, su primer reto a vencer fue hacer una síntesis, prueba que superó en forma extraordinaria mediante una estructura excepcional.  A fin de no hacerla sólo informativa, creó una historia de varios personajes, donde sólo son tres los protagonistas, para darle calor humano la revistió de triángulo amoroso y para hacerla amena la enmarcó en un formato de historieta o, como se le dice coloquialmente “comic“.    EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO capta el interés del espectador de principio a fin, las características de los personajes están delineadas en forma clara y firme, las referencias históricas se van develando de poco a poco.  La trama versa sobre la red de espionaje nazi vinculada con el tráfico de recursos naturales y la explotación de minas clandestinas, básicamente de mercurio –de ahí el título–.  Estaban involucrados en dicha explotación altos mandos de las fuerzas armadas y Secretarios de Estado del país, así como celebridades de Hollywood y magnates internacionales.  Este suceso se dio en los tiempos en que estaba en auge en México el sinarquismo, movimiento político, social y cultural nacionalista mexicano fundado en 1937 en León, Guanajuato por un grupo de jóvenes activistas nacionalistas y católicos inspirados en los movimientos de tercera posición en Europa, en particular, por el falangismo español.

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José Ortiz Muñoz, apodado “El sapo” es un matón a sueldo.  Fue contratado para eliminar a unos sinarquistas.  El sapo suele decir “mato por gusto y mato por encargo“, así que todo aquel que le estorbe, deberá cuidarse.  Dolores Toral es una joven enigmática, aparentemente recatada, muy inteligente y trabajadora que sabe cómo conseguir beneficios.  Patrick Brice, por su parte, es dibujante.  Su trabajo consiste en hacer retratos hablados, pero su anhelo es triunfar con una historieta.  De hecho, ya tiene una terminada, la intituló “El Culebra“, lo que le falta es dinero, así que necesita de un editor o de alguien que le brinde patrocinio.  El sapo llega un día a la jefatura de policía y pide que el señor Brice le haga un retrato hablado.  La imagen que surge en el papel es el rostro de Dolores.  ¿Para qué quiere ese retrato El sapo?

Más tarde, Brice conoce a Dolores y se siente atraído por ella, juntos planean desenmarañar misterios y toman un tren.  Lo que no saben, es que El sapo viaja en el mismo transporte.  Los tres habrán de correr aventuras y peligros en el trayecto.

 

Martín López Brie asume la dirección de su propio texto y ofrece un trabajo impecable.  Su trazo escénico sustenta el concepto integral, excelente balance entre acción y pausas, buen aprovechamiento del espacio, coreografía variada, sincronización exacta de imágenes multimedia, la cual sorprendentemente es manejada por el propio elenco, ritmo preciso.

 Otro acierto es el elenco.  Los tres integrantes ofrecen un trabajo espléndido en lo histriónico, lo corporal, lo expresivo y lo vocal.  Cada uno de ellos dota a su respectivo personaje de una amplia gama de emociones.  Sofía Beatriz López da vida a Dolores Toral o Lolita, mujer perspicaz que utiliza sus encantos para sus propios fines,  Ángel Luna es el soñador dibujante Patrick Brice, en tanto que el polifacético Alejandro Morales encarna a El Sapo, un terrible, pero carismático sanguinario.

 La escenografía e iluminación fueron diseñados por Fabiola Hidalgo, quien captó la esencia y desarrolló un entorno estético e idóneo para el relato.  El diseño de vestuario es de Indira Aragón, quien retrató fielmente el estilo usado en esa época tanto para los caballeros como para la dama.  La edición musical es por parte de Mike Brie con un atinado diseño sonoro que coadyuva con la acción.

 La producción ejecutiva es de Adriana Ruíz,  la asistente general es Silvia Abogado,  el diseño gráfico es de Diego Guadarrama,  el Community Manager es Eduardo Noguera  y la fotografía es de Marco Lara.

 La producción es de la Cía. Teatro de Quimeras, presentado por el Sistema de Teatros, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de México.

 El proyecto fue producido con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- para Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales.

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 Quienes tuvieron oportunidad de ver EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO conocieron un poco más de la historia de México y se enteraron de cómo funcionaba la red de espionaje nazi.  Teatro de calidad, en un formato original.  El Sapo, Lolita y Brice fueron acompañados por los espectadores en sus correrías, mientras disfrutaban de un interesante relato, montaje dinámico, excelente dirección y memorables actuaciones.

 

EL SAPO Y LAS MINAS DE MERCURIO cubrió una exitosa segunda temporada en el Teatro Benito Juárez ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc, Ciudad de México.

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente APT

 

Virginia Gutiérrez y Mauricio Herrera fueron homenajeados por APT

Mauricio Herrera Premiación

La Agrupación de Periodistas Teatrales les entregó una estatuilla por su fecunda labor en los escenarios: Virginia Gutiérrez tiene una gran cantidad de apariciones en la TV, Destilando amor es de las más recientes, La Rosa de Guadalupe, Mujer casos de la vida real. Películas: Yerma, Recuerdos del porvenir entre muchas. En cuanto a teatro, recordamos El vestidor, El candidato de Dios, Yerma, Fuenteovejuna, Las alas del pez, le ha tocado recorrer todos los géneros, autores y temas. A su esposo, Luis Gimeno, le conoció en el norte de la República y tuvieron como amigo de toda la vida a Pepe Solé, que también es otro de los grandes pilares del teatro de los siglos XX y XXI.

Mauricio Herrera es un artista versátil, actúa, dirige, produce, canta, entre otras habilidades. Es arquitecto de profesión, empezó a trabajar con Juan José Gurrola, que también cursaba esa carrera, vemos en su historial que empieza con La paz de la buena gente y avanza en lo que se denominaba Teatro Experimental, más tarde salta a lo comercial, la televisión, cine, hasta producir sus propios espectáculos. Ha sido conductor de TV con un formato de revista, también ha participado en programas televisivos de comedia con Héctor Suárez, le empiezan a llamar el comediante más fino de México, porque no necesita de albures, dobles sentidos ni lenguaje fuerte, el talento se debe imponer a la tosquedad.

Así APT rindió homenaje a sus amigos de toda la vida, ya que los habitantes del planeta teatral, rara vez se van a otro lugar. Alex Gou recibió dos preseas: por la obra musical Billy Elliot, como productor del año, su equipo recibió: Actriz del año, premio Angélica María por Billy Elliot y Aaron Márquez como actor infantil, es uno de los niños que fueron admitidos a la Academia que tuvo como fin desarrollar jóvenes talentos. Enhorabuena.

LA IMPORTANCIA DE LLAMARSE ERNESTO

Evangelina Martinez La Nena

Evangelina Martínez ganó la presea APT Silvia Pinal para la Mejor Actriz del año por La Nena, un dia antes estrenó la obra de Oscar Wilde en el Venustiano Carranza; usted la recuerda, una serie de mentiras llevan a confundir/aclarar/enredar el enamoramiento de dos jóvenes parejas. Intervienen en este montaje Anabel Ferreira, David Villarreal, Emilio Flores, Evangelina Martínez, Javier de la Vega, Maite Urrutia y Mariajosé Brunet. La adaptación no es muy eficiente, ya que a veces deja que la obra sea inglesa y en otras mexicana, las referencias, muebles y escenografía -apenas- sugieren la sala, el paseo en la playa, para economizar tiempo y claro, dinero. Nadie me ha invitado a dirigir, sin embargo voy a opinar: podrían usar ropa neutra y encima vestuario velado, transparente, de plástico o encaje, lo mismo con la escenografía, una sala vieja sólo es una sala vieja, pero los cubos de color neutro servirían a la agilidad y movimientos. Me gustó, el talento de los actores y actrices, nos mantienen entretenidos disfrutando las peripecias que escribió Wilde. Sólo se puede ver los domingos por la tarde, no se la pierda.

LAST MAN STANDING

 

Texto y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

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A la mayoría de los mexicanos les gustan los deportes.  Esto se comprueba con los tiempos que las televisoras dedican a la transmisión de todo tipo de deportes.  En general, son los hombres quienes más ven los programas deportivos, pero también hay mujeres que los disfrutan.  Desde luego, el deporte que más adeptos tiene es el futbol.  Hay quienes se conforman con ver partidos, en tanto que otros lo practican cada vez que pueden, aunque sea en plena calle.  Los que son muy aficionados son capaces de dejar de lado responsabilidades, compromisos familiares, personales o con amigos, con tal de ver algún partido que les parezca importante.  Desde la niñez van surgiendo sus preferencias deportivas y, en algunos casos, llegan a convertirse en pasión.  Después del futbol, el deporte que ocupa el siguiente sitio es el boxeo.

 

México se distingue por haber tenido grandes boxeadores -Julio César Chávez,  Salvador Sánchez,  Juan Manuel Márquez,  Ricardo “Finito” López,  Raúl “el Ratón” Macías,  Marco Antonio Barrera, Daniel Zaragoza,  Miguel Canto, Vicente Saldívar y Rubén “el Púas” Olivares, entre otros.  Algunos de ellos han llegado a ser verdaderos ídolos nacionales.

 

En los Juegos Olímpicos de la antigüedad, el pugilato fue introducido en el año 668 A.C.  En aquel tiempo, no se contaba con una reglamentación determinada.  Los rivales eran elegidos al azar, sin importar su peso y competían en un terreno de arcilla arenosa.  Los jueces del combate designaban al ganador.  En nuestra era, el boxeo entró a formar parte de los Juegos Olímpicos hace catorce años, en 1904.  Durante ocho años solo podían participar hombres.  Fue hace apenas seis años en que se permitió la participación de la mujer en el boxeo olímpico.

 

A la fecha, México ha ganado trece medallas en la disciplina de boxeo en Juegos Olímpicos, mientras que, en la de futbol, sólo una.

 

Los detractores del boxeo dicen que es inhumano ver a dos contendientes golpearse y que en este deporte se pone en peligro la integridad física y, peor aún, existe riesgo de muerte.  El boxeo puede agradar o no y cada quien decide si quiere verlo, sin embargo, a diario enfrentamos una contienda constante.  Cada quien libra sus propias batallas y corre riesgos.  Hay que estar en alerta para protegernos de accidentes, asaltos, contingencias, enfermedades, o ser blanco de deslealtades, envidias, traiciones.  Si queremos algo hay que luchar por ello.  La vida misma es un campo donde luchamos por concretar nuestros anhelos y por subsistencia.

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LAST MAN STANDING (EL ÚLTIMO HOMBRE EN PIE) es una idea concebida por Jorge Maldonado, egresado del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, en el área de dirección y actuación.  Cuando concluyó el texto de LAST MAN STANDING, Jorge Maldonado decidió aliarse con David Psalmon, para encomendarle la dirección escénica del proyecto. David Psalmon, nacido en Francia, egresado de dos universidades de París, donde obtuvo su licenciatura en Letras Modernas y Sociología, para luego obtener una Maestría y un Posgrado en Teatro.  David reside en México desde el año 2000 y es fundador del Colectivo TeatroSinParedes y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA- (2016-2019).  Es así, como toca a estos dos hombres de teatro convertir el escenario en un ring.

 

Según se lee en el programa de mano LAST MAN STANDING “es un proyecto de investigación escénica que busca indagar la relación existente entre el box, el teatro y la idiosincrasia mexicana, a través de un estudio realizado acerca de los orígenes del box, su llegada a México y su interrelación con los espectadores como fenómeno social”,  lo describen como un “simulacro boxístico para actores“,  y concluyen diciendo:  “A este proyecto no le interesa la espectacularidad del boxeo sino las historias de aquellos que no han tenido otra opción, para salir adelante, que lanzarse al ruedo y dar todo en el ring y por el ring.  ‘A fin de cuentas el vencedor es, siempre, el último hombre en pie’.”

 

El texto de Jorge Maldonado es de estructura sólida, capta el interés absoluto del espectador.  Se trata de una narrativa que expone las similitudes y diferencias entre el boxeo, el teatro y la vida.  Jorge entrelaza en forma eficaz las tres temáticas.  Por los fundamentados datos que incorpora, es evidente que llevó a cabo una investigación exhaustiva de todo lo referente al mundo pugilístico –reglas, rituales, fama, triquiñuelas, espectacularidad, lo turbio, la fama, lo duradero, lo efímero, así como el comportamiento de boxeadores, entrenadores, autoridades, público–.  A pesar de que se citan varias estadísticas, esto se dosifica en tal forma que no es un compendio aleccionador sino entretenimiento puro.

 

Por su parte, la labor de dirección que realiza David Psalmon es extraordinaria.  El montaje sitúa al espectador justo frente a un ring.  Su trazo escénico es creativo y consistente.  Aprovecha a fondo el espacio del foro en forma integral.  La coreografía está bien diseñada y eficazmente ejecutada.  Balancea en forma precisa acción y pausas.  Añade espectacularidad con algunos congelamientos en que los participantes permanecen estáticos mientras se formulan ciertas acotaciones.  Presta particular atención al manejo de voces, de modo que su elenco, además de tener buena dicción, explora tonos, inflexiones, matices e, incluso, impostaciones.  Asombroso el respeto que inculca hacia el cuadrilátero, donde las cuerdas no serán traspasadas en momento alguno durante la función.  Las imágenes que aparecen en el dispositivo multimedia son oportunas y sirven para ilustrar la narrativa.  Propicia la interacción con el público en forma espontánea.  Logra que la magia teatral esté presente en la puesta en escena.

 

La acción de LAST MAN STANDING da inicio con comentarios que interrelacionan el teatro con el box, para luego hacer referencia a una de las peleas más famosas en toda la historia del boxeo.  Ocurrió en septiembre de 1923 cuando se enfrentaron el estadounidense Jack Dempsey y el argentino Luis Firpo.  Para darnos una idea del drama que se vivió en esa contienda, la misma tuvo una duración de poco menos de cuatro minutos y en tan corto tiempo hubo once caídas o knock downs, como se les llama en el argot pugilístico.   De allí en adelante, el relato se va diversificando, a fin de compartir con el espectador una original apología entre el box, el teatro y la forma en que se vive en nuestro país.  Se develan datos precisos, algunos insólitos, como que el boxeo es un mundo reservado para los hombres, prueba de ello es que al decir el “último hombre en pie” se excluye a las mujeres, sin dejar de lado que en las peleas de campeonato la paga para una boxeadora apenas alcanza el tres por ciento de la paga que se fija para un boxeador.

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En el elenco participan Gilberto Barraza,  Rubén Olivarez,  Miguel Ángel Barrera,  Carmen Coronado  y  Christian Diez.  Su excelente desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión denota que conforman un equipo muy comprometido que se sometió a un riguroso entrenamiento, tanto para mejorar su condición física, como para ejecutar con eficacia y precisión las coreografías.  El resultado es que ofrecen lo mejor de sí mismos en beneficio del montaje.  En particular, destacan Rubén Olivarez por la forma tan natural en que realiza su interpretación y por la emotividad que imprime a su personaje,  Carmen Coronado por dar el toque femenino a un mundo tan masculino  y  Christian Diez por sus actitudes de divo del boxeo.

 

Sergio López Vigueras crea el diseño de escenografía e iluminación.  En ambos rubros, la labor de Sergio es acertada.  La escenografía provee el entorno idóneo, con superficies a varios niveles, unos casilleros de función dual donde también se proyectan imágenes y diversos implementos propios del deporte de los púgiles.  La iluminación bien distribuida e impartida.

 

Daniel Hidalgo Valdés crea el diseño sonoro, mismo que engalana el montaje.   La producción sonora es de Planet Audio,  Miriam Romero es la encargada del videoarte y el dispositivo multimedia, con imágenes que sirven para referenciar o realzar ciertos momentos durante la función.

 

María Ortiz es la diseñadora de vestuario, el cual abarca tanto la ropa deportiva y calzado usualmente utilizada por los boxeadores, como la fastuosidad de los trajes de árbitros, manejadores y cronistas.  Se contó con el apoyo de Guadalupe Velasco de Industrias Reyes, S.A. de C.V. (Cleto Reyes), fabricantes de ropa pugilística especializada.   así mismo, es atinada la peluquería.

 

Miguel Ángel Barrera y Carmen Coronado, aparte de estar en el elenco, se encargaron de diseñar la coreografía y el movimiento escénico, parte fundamental para el lucimiento de los participantes.

 

La producción es de la Secretaría de Cultura y del Colectivo TeatroSinParedes.

 

Idali Osnaya es productora ejecutiva  y  Eréndira Luna asistente de producción.

 

Existen personas a las que tal vez nunca les haya interesado ver una función de box, pero, si gustan del teatro y vieron LAST MAN STANDING, la disfrutaron muchísimo.  Es un trabajo redondo, en el que todos y cada uno de los detalles fueron cuidados con minuciosidad.  Un montaje fabuloso que entretiene, conmueve y lleva a la reflexión.  Les aseguré que no verían sangre, pero sí sudor, compromiso y esfuerzo.  Texto interesante, y un equipo que entrega cuerpo, alma y corazón al proyecto.

 

Ojala algún productor en Aguascalientes pueda llevarla a esa Ciudad, para que todos nuestros queridos lectores la disfruten tanto como lo hicimos en Ciudad de México.  Los aplausos fueron apoteóticos.  Se requiere que alguien se las lleve.  ¡Suerte!

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concluyó el domingo 22 de abril de 2018 su muy exitosa temporada en

TEATRO EL GRANERO XAVIER ROJAS

del Centro Cultural del Bosque

XXXV ENTREGA DE PREMIOS APT

Por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

Se llevó a cabo la XXXV Entrega de Premios APT, Agrupación de Periodistas Teatrales

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Las 35 ceremonias han visitado el Teatro Hidalgo, Julio Castillo, UNAM y desde hace 20 se han disfrutado en el Centro Teatral Manolo Fábregas, expresamos nuestro agradecimiento a la señora Fela Fábregas por su apoyo y a Manolo por su Dirección escénica. En el discurso inaugural recordamos a Manolo Fábregas, Mr. Teatro, hombre que llevó al Arte escénico hacia los siglos venideros. Abrió el evento un momento solemne para recordar a los fallecidos del 2017: Rogelio Guerra, Hiromi, Héctor Lechuga, Saby Kamalich, Abril Campillo, Tony Flores, entre otros, vimos sus fotografías y recibieron aplausos. En otro segmento hubo videos de las anteriores premiaciones APT e imágenes del año teatral.

Grandes Sonrisas

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La Mejor Obra del Año fue Jugadores, parte del elenco subió por su estatuilla: Héctor Bonilla, José Alonso, Salvador Sánchez y Patricio Castillo. La mejor Pieza fue El Padre, que esta en el Teatro San Jerónimo. La obra musical mexicana galardonada fue Josefa, El Musical de México, que estuvo en el Teatro Hidalgo. La Mejor Escuela fue para la Academia Teatral Ignacio López Tarso, que se ubica en Tlalpan. El premio Salvador Novo, para Director, lo ganó Mauricio García Lozano con Macbeth y la estatuilla Ignacio López Tarso para Mejor Actor fue de Joaquín Cosío por La Desobediencia de Marte. El galardón llamado Juan José Gurrola (Búsqueda) lo ganó Richard Viqueira por 140. De la dinastía Martínez ganó el premio Silvia Pinal Evangelina para mejor actriz, por La Nena que se presentó en el Círculo Teatral, gravemente dañado por el sismo.

Uno de los momentos más emotivos fue logrado por el Melodrama del año: Conversaciones con Mamá, Jesús Ochoa y Queta Lavat hicieron bromas acerca de la extraordinaria recepción de la obra por parte del público en todas las ciudades que ha visitado. La Revelación Masculina, premio Héctor Bonilla, fue para Emiliano Zurita por Enemigo de clase y el Maricruz Olivier, Revelación Femenina, para Luz Ramos, por Bajo Terapia, obra que ganó como Comedia del año. Esquizofrenia mereció la estatuilla “Teatro de Suspenso”. Arturo Amaro ganó como Monólogo en Defensa de los Derechos Humanos. Actriz en Monólogo (premio María Douglas) para Beatriz Moreno y Zaide Silvia Gutiérrez, Ex aequo (por igual). El montaje de Teatro Documental fue para Del Cielo al Infierno. Billy Elliot ganó musical del año, Anahi Allué actriz en musical y Aaron Márquez actor infantil en la misma obra.

Más categorías y premiados

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Estaba muy competido, pero la Comedia del año Bajo terapia. Coactuación Masculina en Comedia, fue para Omar Medina por La estética del crimen. El actor, cantante y productor Mario Iván Martínez fue reconocido por Que dejen toditos los sueños abiertos.

Su infancia la coronó como una gran figura, pero al crecer tuvo que recibir la estatuilla para Revelación Juvenil: Elaine Haro. Por su primera vez en Aventurera fue la Revelación Musical Susana González. Un género poco frecuentado: el teatro de terror o de suspenso Esquizofrenia ganó una estatuilla. Actor en Comedia Musical José Antonio López Tercero, por Josefa. Premio a una vida en el teatro para Alberto Hernández Aguilera.

Billy Ellio” se llevó varias preseas; Productor, Mejor Musical Internacional, Mejor Actriz Anahi Allué y Actor Infantil en Comedia Aaron Márquez.Teatro Cabaret Lupe Lemper para Pedro Kominik. Eduardo Partida, Mejor Comediante Musical de 2017. Actriz en Comedia para Mónica Dionne. Actor en Monólogo (Premio Carlos Ancira) para Arturo Beristain.

FURIA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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A diario nos enteramos de asaltos, secuestros, desaparecidos, violaciones, feminicidios, pederastia, trata de blancas, narcotráfico, asesinatos, corrupción, saqueos, robo de combustible, trifulcas, discriminación y mucho más. Quisiéramos escuchar noticias amables, pero sólo hablan de candidaturas o tragedias. Nos preocupan la inseguridad, las injusticias, los abusos y nos indigna la impunidad. La verdad, estamos hartos de tanta violencia. Vivimos con miedo. A veces, preferimos no salir para no correr riesgos, a pesar de que dentro de casa también podríamos enfrentar algún peligro. La situación nos ha rebasado y nos provoca constante estrés. Nuestras emociones están alteradas. La desesperanza nos acecha al no vislumbrar solución alguna. A nivel personal, tratamos de protegernos lo más posible, pero, en general, percibimos un caos ante el cual no sabemos si llorar, enmudecer, gritar o caer en FURIA.

 

La poeta, actriz, dramaturga y directora mexicana Xandra Orive eligió esta temática para su más reciente obra intitulada FURIA, en la que engloba muchas voces que expresan enojo, miedo, hartazgo, angustia, a través de un texto certero escrito con la pasión que acostumbra. Las palabras son tajantes impregnadas de dolor e ironía, con tintes de humor negro. Las voces de FURIA retratan la realidad que se vive en nuestro país hoy día. Se escucha la voz de los que se sienten en “toque de queda“, la de los jóvenes que buscan “muchos orgasmos, menos compromisos“, la de los que actúan con falta de conciencia y ésta deriva en embarazos no deseados o abortos, la de otros que, en su desesperación, llenan “el vacío con más vacío“, la de quienes se dejan llevar por los mensajes subliminales de los anuncios publicitarios y consumen cuanto producto les ofrecen, y hasta aquel que infortunadamente le toque “tragar las balas“, sólo por citar algunas.

 

Xandra Orive se autodefine como constructora de ficciones, alada, con poemas sobre la piel y múltiple brillo de estrellas en los ojos. La fundadora de Onírica Escena es una mujer sensible, consciente de la problemática que nos rodea, ella habla de frente y sin miramientos. Al igual que nos conmovió con su obra “Luna” donde el protagonista era un joven de corazón noble que gustaba de trasvestirse y sólo anhelaba la felicidad, ahora, en FURIA, Xandra nos confronta a un caótico panorama.

 

Trasladar un texto a escena no es tarea fácil. Hay que comprender a fondo la idea del autor, captar la esencia y traducirla a lenguaje teatral, visualizar el espacio idóneo y balancear acción y pausas. Todo esto, desde luego, aparte de los demás elementos necesarios, como, por ejemplo: recursos financieros, elenco, escenografía, iluminación, vestuario, equipo humano y técnico.

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En lo que respecta a FURIA, el texto presentaba mayor grado de dificultad que el común, en virtud de que no hay personajes ni estructura definida y menos aún acotaciones. Por un lado, Xandra Orive deja en total libertad al director que lleve a escena el texto, pero, por otro lado, también habrá de ser quien busque resoluciones. Es muy probable que FURIA sea guiada por una fulgurante estrella porque cayó en manos de Isaac Pérez Calzada y la hizo llegar a buen puerto.

 

Isaac Pérez Calzada es un hombre muy comprometido con la escena mexicana, se ha desempeñado como actor, músico, director escénico y dramaturgo. En fechas recientes se anotó un gran éxito con “Dicen que me parezco a Santa Anna … ¡Y ni guitarra tengo!“, de la cual fue coautor junto con la destacada actriz Paola Izquierdo. Un montaje muy divertido de corte cabaretero, pero cuyo texto fue el fruto de una exhaustiva investigación histórica y musical.

 

En forma atinada, Isaac Pérez Calzada optó por hacer de FURIA un montaje unipersonal, concentrando todas las voces, pero diferenciándolas mediante prendas y accesorios. Lo engalanó con un imaginativo diseño coreográfico muy variado y un diseño sonoro consistente. Así mismo, puso especial atención en los tonos de voz e inflexiones que debía usar su actriz. El resultado es una puesta en escena dinámica y entretenida que en cierta forma contrasta con la fuerte temática, construyendo el marco idóneo para FURIA. La labor de dirección por parte de Isaac Pérez Calzada es extraordinaria.

 

Así mismo, Isaac Pérez Calzada diseña el espacio escénico acertadamente. El entorno preciso en un espacio casi vacío, donde sólo se ve una silla y un maletín que contiene todos los elementos necesarios. Estético, práctico y versátil.

 

La joven Fernanda Díaz-Infante es la actriz que pronuncia todas las voces. Su falta de experiencia la suple con responsabilidad y arduo esmero por hacer un buen papel.De la mano de su director, ofrece al público un estupendo trabajo histriónico, corporal y vocal.

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Complementan el equipo creativo: Lucía Elena Aguilera en asistencia general y Juan Carlos Contreras en diseño gráfico.

 

Siempre es grato ver buen teatro. FURIA es un montaje brillante para el cual Isaac Pérez Calzada despliega sus conocimientos y experiencia en su creatividad y Fernanda Díaz-Infante aporta su frescura juvenil y capacidad para mostrarse polifacética. Isaac logró un artístico equilibrio entre lo trágico y lo teatral. Es teatro independiente que se hace por amor al arte, por lo cual te recomiendo que tu donativo sea de lo más que puedas dar, a fin de que te sientas tan satisfecho de lo que donas como de lo que te presentan. ¡No dejes de ver FURIA!  Te comento que su temporada original estaba prevista para el mes de marzo, sin embargo, por el éxito que ha tenido, la extendieron a todo el mes de abril.

 

 

FURIA

se presenta los viernes a las 20:00 horas  en el FORO CONTIGO AMÉRICA ubicado en la Arizona 156, colonia Nápoles, Ciudad de México. Donativo voluntario consciente. Duración aproximada:  60 minutos. La temporada concluye el viernes 27 de abril de 2018. Abril 2018

 

 

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Se llevó a cabo la XXXV Entrega de Premios APT, Agrupación de Periodistas Teatrales

Billy Elliot BLas 35 ceremonias han visitado el Teatro Hidalgo, Julio Castillo, UNAM, y desde hace 20 se han disfrutado en el Centro Teatral Manolo Fábregas. Expresamos nuestro agradecimiento a la señora Fela Fábregas por su apoyo, y a Manolo por su Dirección escénica. En el discurso inaugural recordamos a Manolo Fábregas, Mr. Teatro, hombre que llevó al arte escénico varios pasos adelante.

Abrió el evento un momento solemne para recordar a los fallecidos del 2017: Rogelio Guerra, Hiromi, Héctor Lechuga, Saby Kamalich, Abril Campillo, Tony Flores, entre otros, vimos sus fotografías y recibieron aplausos. En otro segmento hubo videos de las anteriores premiaciones APT e imágenes del año teatral.

Grandes sonrisas

premios 2018 CochilocoLa Mejor Obra del Año fue Jugadores, parte del elenco subió por su estatuilla: Héctor Bonilla, José Alonso, Salvador Sánchez y Patricio Castillo. La Mejor Pieza fue El Padre, que está en el Teatro San Jerónimo. La obra musical mexicana galardonada fue Josefa, el musical de México, que estuvo en el Teatro Hidalgo. La Mejor Escuela fue para la Academia Teatral Ignacio López Tarso, que se ubica en Tlalpan. El premio Salvador Novo, para Director, lo ganó Mauricio García Lozano con Macbeth y la estatuilla Ignacio López Tarso para Mejor Actor fue de Joaquín Cosío por La desobediencia de Marte. El galardón llamado Juan José Gurrola (Búsqueda) lo ganó Richard Viqueira por 140. De la dinastía Martínez, ganó el premio Silvia Pinal Evangelina para Mejor Actriz, por La nena, que se presentó en el Círculo Teatral, gravemente dañado por el sismo.

premios apt _Jesús OchoaUno de los momentos más emotivos fue logrado por el Melodrama del año: Conversaciones con mamá, Jesús Ochoa y Queta Lavat hicieron bromas acerca de la extraordinaria recepción de la obra por parte del público en todas las ciudades que han visitado. La Revelación Masculina, premio Héctor Bonilla, fue para Emiliano Zurita por Enemigo de clase y el Maricruz Olivier, Revelación Femenina, para Luz Ramos, por Bajo terapia, obra que ganó como Comedia del año. Esquizofrenia mereció la estatuilla Teatro de Suspenso. Arturo Amaro ganó como Monólogo en Defensa de los Derechos Humanos. Actriz en Monólogo (premio María Douglas) para Beatriz Moreno y Zaide Silvia Gutiérrez, Ex aequo (por igual). El montaje de Teatro Documental fue para Del cielo al infierno. Billy Elliot ganó como musical del año, Anahi Allué, Actriz en musical y Aarón Márquez, Actor Infantil en la misma obra. Habrá más información sobre esta ceremonia en las siguientes columnas.

premios apt_ Naime AnahiEstaba muy competido, pero la Comedia del año Bajo terapia. Coactuación Masculina en Comedia fue para Omar Medina por La estética del crimen. El actor, cantante y productor Mario Iván Martínez fue reconocido por Que dejen toditos los sueños abiertos.

Su infancia la coronó como una gran figura, pero al crecer tuvo que recibir la estatuilla para Revelación Juvenil: Elaine Haro. Por su primera vez en Aventurera fue la Revelación Musical Susana González. Un género poco frecuentado: el teatro de terror o de suspenso, Esquizofrenia ganó una estatuilla. Actor en Comedia Musical, José Antonio López Tercero, por Josefa. Premio a una vida en el teatro para Alberto Hernández Aguilera.

Billy Elliot se llevó varias preseas: Productor, Mejor Musical Internacional, Mejor Actriz Anahi Allué y Actor Infantil en Comedia: Aarón Márquez. Teatro Cabaret, Lupe Lemper para Pedro Kominik. Eduardo Partida, Mejor Comediante Musical de 2017. Actriz en Comedia para Mónica Dionne. Actor en Monólogo (Premio Carlos Ancira) para Arturo Beristáin.

JOSEFINA, LA GALLINA PUSO UN HUEVO EN LA COCINA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1190121Vaca 35 Teatro en Grupo, es una “Agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral”. En su fundación sus integrantes recién habían concluido sus estudios y, desde entonces, Vaca 35, comandada por Damián Cervantes ha perseguido sus objetivos. A la fecha están cumpliendo su décimo primer aniversario; su repertorio es reducido, pero en su haber cuentan con numerosas distinciones y reconocimientos. Sus proyectos han traspasado fronteras y, particularmente, en España han logrado grandes éxitos que los han mantenido allá por largas temporadas e, incluso, una alianza para la coproducción del proyecto: Cuando todos pensaban que habíamos desaparecido, Gastronomía Escénica, donde además de rendir un entrañable homenaje a seres amados que han dejado huella, ya sea vivos o ausentes, compartían un regio banquete con los espectadores, degustado alimentos preparados en escena. Esta propuesta fue estrenada en Fira Tàrrega, para luego presentarse en diversos escenarios de aquel país, y luego traerla a México al FITU Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-2016.

Vaca 35 se fue dando a conocer poco a poco, pero con paso firme. En sus comienzos presentaron el Loco amor, viene, del destacado autor Jorge Ibargüengoitia, a cuyo montaje le imprimieron un estilo de teatro de calle, escenificándolo en espacios alternativos. A partir de entonces, la mayoría de sus producciones provienen de creación colectiva por parte de los integrantes del grupo, con algunas excepciones, como: Los equilibristas, de la autoría de David Gaitán. En su búsqueda de identidad como grupo, han explorado diversas formas de hacer teatro. Es probable que sus dos obras más representativas sean: Ese recuerdo ya nadie te lo puede quitar, donde entremezclaron ficción con vivencias de los integrantes de la agrupación, y Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar, inspirada en Las buenas, de Jean Genet, en la que lo primero que impactaba al público era el fuerte contraste en la fisonomía de las dos actrices.

Con el apoyo del programa México en Escena, en conjunto con Teatro El Milagro y Área 51 Foro Teatral, Vaca 35 Teatro en Grupo está brindando apoyo a artistas escénicos y grupos teatrales nacionales, que estén principiando, para lo cual se diseñó: La Vaquita, y ya van en su tercera convocatoria. En la primera, resultó ganador el Colectivo Berenjena con la obra Asatia, en tanto que en la segunda, el Colectivo Cromagnon, con Musth ¿Testosterona?=Violencia?

P1190141La propuesta más reciente de Vaca 35 Teatro en Grupo es trabajar en proyectos unipersonales propuestos por sus integrantes. Cada quien contará alguna historia o vivencia, crearán colectivamente el montaje y se dirigirán unos a otros. El primero de estos proyectos es Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, interpretado por José Rafael Flores, bajo la dirección de Diana Magallón.

Actualmente Vaca 35 tiene una residencia en Un Teatro, donde presentarán algunas de sus obras, así como la obra del Colectivo Cromagnon.

Josefina, la gallina puso un huevo en la cocinaes un tratado sobre la soledad. De entrada, el actor argumenta que, aun cuando parezca difícil de creer, es una gallina. Explica que su nombre de pila es José, pero, como es gallina, entonces, habrá de cambiarlo a Josefina. Cuál si los espectadores fueran sus invitados, habla con ellos en forma directa. Una vez que se siente en confianza, les comparte anécdotas de su vida, de cómo se dio cuenta de que era un ave de corral, aunque “quisiera haber sido golondrina” para surcar los cielos. Luego pasa a describir la importancia que tiene para él cada huevo que ha puesto. De hecho, los colecciona, igual que las personas acumulan recuerdos, experiencias, sensaciones. En forma graciosa capta la atención del público, haciéndolo entrar en la convención de que es una gallina y resulta divertidísimo verlo emular los movimientos de ave de corral.

El texto es de buena estructura, se trata de un recuento de lo vivido y, a través de recuerdos va de la niñez al presente. Al igual que en toda la gente, la memoria guarda todo tipo de eventos, algunos agradables, otros regulares y varios que sería preferible olvidar. Paulatinamente van develándose remembranzas de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, incluso, pensamientos íntimos que no es fácil sacar a la luz.

Para ser la incursión de Diana Magallón en la dirección escénica, su trabajo es bastante bueno. El trazo escénico es variado, denotando su compromiso con el proyecto y su esfuerzo por darle lucimiento. Su apuesta principal es por la corporalidad, la cual está bien planteada y ejecutada. Incluye desplazamientos originales y elementos consistentes con la narrativa. Divide los momentos gratos de los incómodos: los primeros son enunciados, en tanto que los segundos se leen mediante subtítulos proyectados en una pantalla con dispositivo multimedia. Lo desafortunado es que a pesar de que el texto desplegado es crucial para el relato, la iluminación con lámparas led difumina las letras, dificultando su lectura. Cabe hacer notar que, independientemente de los subtítulos, las imágenes proyectadas en pantalla son emotivas. El ritmo es un poco irregular, hay ciertas pausas algo prolongadas. Un gran acierto es la inclusión de música en vivo, la cual siempre privilegia las puestas en escena, así como las breves interacciones entre actor y músico.

El trabajo actoral implica dar vida a personajes ficticios. Para la creación de un personaje, el actor o actriz tiene que comprender las características definidas por el autor, hacer investigaciones, determinar características, intuir su comportamiento, escudriñar lo que piensa o siente y prestar piel, voz, cuerpo y corazón para expresar ese sentir. En el caso de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, el trabajo es a la inversa, lo cual implica mayor número de riesgos. En este proyecto, salvo por la caracterización de gallina, José Rafael Flores ha de transmitir sus propios pensamientos, sentimientos y emociones. José Rafael sale airoso de los retos y ofrece al público un trabajo entrañable, con honestidad y valentía. Loable su histrionismo, corporalidad y en lo vocal.P1190125

La participación de Alberto Rosas ejecutando virtuosamente su acordeón provee un brillo muy especial a la escenificación. El músico y docente Alberto Rosas, además de sus estudios y el dominio de varios instrumentos, cuenta con una amplia trayectoria en la música, el diseño sonoro en artes escénicas y la composición musical.

Natalia Sedano diseña el espacio y la iluminación. Crea el entorno idóneo con elementos consistentes al relato y da una bella estética visual al espacio. Su iluminación está bien distribuida. Complementan el equipo creativo: Mari Carmen Ruíz, en asistencia de dirección, y Damián Cervantes, en asesoría de montaje y dirección. La producción es de Vaca 35 Teatro en Grupo, A.C.

Aprovecha esta oportunidad única de conocer los secretos de Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina. El relato mantendrá tu interés y te divertirás mientras ves los graciosos movimientos de una gallina, quien te mostrará su colección de huevos que ha puesto, te alegrará con su canto candenche, más aún, si se toma una copita de tequila, hasta se acicalará frente a ti. Original montaje de Vaca 35 con una interpretación que recordarás por mucho tiempo. Josefina, la gallina puso un huevo en la cocina, es una de las producciones de Vaca 35 dentro del marco de su residencia en Un Teatro, Ciclo de vacas, gallinas y elefantes.

Josefina, la gallina puso un huevo en la cocinase presenta los miércoles a las 20:30 horas en Un Teatro, ubicado en Nuevo León número 46, colonia Hipódromo Condesa, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $200.00 pesos. Para personas con credencial vigente: $150.00.Concluye temporada el miércoles 25 de abril de 2018.

DO NOT DISTURB. LA JUSTICIA ES CIEGA (EL CONCEPTO DE JUSTICIA ESTÁ EN RECONSTRUCCIÓN)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1190266Resulta paradójico que aun cuando en la época actual continúa habiendo discrepancias sobre la equidad entre hombre y mujer, los antiguos griegos hayan dado el protagonismo a la mujer en varias de sus tragedias. Nos presentaron a mujeres de gran fuerza que lucharon por sus ideales o por su propia causa, como Agripina, Antígona, Clitemnestra, Electra, Fedra, Helena, Lilit, Medea, Pandora, Penélope. Con el tiempo, todas ellas han sido fuente inspiradora para escritores y dramaturgos.

De Medea y Antígona se han hecho incontables montajes. Han sido tantos que, en ocasiones, al espectador le da algo de flojera ver uno más. Piensan, si ya conozco la historia, ¿qué gano con verla de nuevo? Los que eso piensan, no están tomando en cuenta que cada creador da tintes distintos a su obra y, dependiendo del enfoque que le den, puede surgir algo no sólo diferente, sino excepcional.

Tal es el caso de Do not disturb, es un proyecto dual que aborda las tragedias de Medea y Antígona. Comencemos por el título, que es idóneo, Do not disturb significa No molestar. Tanto Medea como Antígona molestaron a sus semejantes, al infringir preceptos familiares, sociales, religiosos, morales y/o civiles.

Medea, de la autoría de Eurípides (480 a.C.-406 a.C.), se estrenó en el año 431 a.C. Medea simboliza lo que una mujer puede hacer cuando los celos se apoderan de ella.  Ante el repudio de su esposo Jasón, Medea enloquece y fragua su venganza llegando a extremos insospechados. Aparenta estar de acuerdo con la boda de Jasón, quien contraería nupcias con la hija de Creonte, rey de Corinto, para provocar la muerte de la novia, la del padre de ésta y la de los hijos que había procreado con Jasón, es decir, sus propios hijos.

P1190272Antígona fue escrita por Sófocles (496 a.C-406 a.C.), la cual se representó por primera vez en 442 a.C. Hija de Edipo y Yocasta, Antígona acompañó a su padre ciego cuando se dirigía a Colono. Creonte, rey de Tebas, ordenó que los cadáveres de sus hermanos quedaran insepultos. La joven incumplió la orden del rey y se enfrentó a todo aquel que se opusiera a permitirle dar debida sepultura a sus seres queridos, pues así se lo dictaba su conciencia. Su desacato hizo que la condenaran a ser enterrada viva. Ella prefirió quitarse la vida.

La idea original de Do not disturb, La justicia es ciega (el concepto de justicia está en reconstrucción) fue concebida por Jéssica Sandoval Miranda, destacada coreógrafa y bailarina mexicana, a partir de Medea y Antígona. En tanto que Medea tomó la justicia en sus manos, Antígona primero desobedeció a la justicia y luego huyó de ella. Do not disturb es creación de Jéssica Sandoval Miranda, quien también asume la dirección. El montaje no queda constreñido a un foro teatral, sino que, para su representación, todo el inmueble fue intervenido.

En lugar de un programa de mano, al espectador se le entrega una hoja. En el anverso aparece una sinopsis que indica que “Do not disturb es una experiencia inmersiva basada en las historias de Medea y Antígona”, así como una sinopsis y el croquis de las plantas baja y alta del recinto, en tanto que en el reverso se indican los créditos del equipo creativo. La propuesta es más coreográfica que oral, en virtud de que casi no hay parlamentos y, en cambio, la acción es constante.

La acción comienza en el Bar Grecia, con la presencia de todos los participantes de Do not disturb, quienes interactúan con el público, formulando preguntas, a fin de entablar conversación. Creonte, rey de Tebas, es el animador, en tanto que Medea y Antígona también suben al escenario y cantan. Este es uno de los dos sitios donde el público podrá sentarse, toda vez que de ahí en adelante habrá de deambular siguiendo a la protagonista de su elección. Se le otorga la opción de decidir si sigue a Medea o a Antígona.

P1190277Las dos historias tienen un elenco principal, aun cuando algunos participan en ambas, en forma alterna. En la de Medea, los ejecutantes son: Gabriela Rosero (Medea), Miguel Ángel López (Creonte, rey de Corinto) y Raúl Mendoza (Jasón), mientras que en la de Antígona, Penny Pacheco (Antígona), Andrea Rivas (Ismene, hermana de Antígona) y Rafael Balderas (Creonte, rey de Tebas).

Les comento sobre Medea, toda vez que fue el personaje que elegí seguir, pero estoy segura de que el relato de Antígona ha de ser igual de interesante.

En el caso de Medea, luego del bar, se pasa al comedor de un palacio con una mesa de gran longitud, para luego ir a una playa de Corinto, donde hay un altercado dancístico entre Medea y Jasón, para luego tratar de reconciliarse en una discreta mesa situada en una esquina. Para estos momentos, el espectador está inmerso en la aventura y aún quedan sitios por recorrer, como un salón lleno de espejos, un tribunal, un ático o desván y algo más.

Ambas producciones cuentan con coreografías verdaderamente impresionantes, creadas por Jéssica Sandoval Miranda, algunas vigorosas, otras suaves, todas estéticas y ejecutadas con singular eficacia. La parte final es en el foro del teatro, en el cual se vuelven a reunir todos los participantes.

Cada uno de los integrantes del elenco realiza un formidable desempeño corporal, dancístico y de actitud. Todos denotan su compromiso con el proyecto y ejecutan las coreografías en forma brillante. Destacan: Gabriela Rosero (Medea), de exótica belleza, mirada fuerte, armoniosa figura y larga melena, bailarina y coreógrafa, originaria de Ecuador y residente en México. Miguel Ángel López (Creonte, rey de Corinto), por su impactante presencia escénica y su siempre luminoso desempeño histriónico y corporal. Penny Pacheco (Antígona), bella, misteriosa, de esbelta figura, cantante y actriz oriunda de Tamaulipas, quien también se ha dedicado al Punk Rock y, según sus propias palabras, considera que “su trabajo está en el límite entre la técnica y la intuición, así como entre la música y el teatro físico”.

El resto del equipo creativo está conformado por Mauricio Ascencio M., en diseño e intervención de espacios;Luis Felipe Tapia, en composición musical; Ro Banda en adaptación; Sebastián Sánchez Amunátegui en colaboración artística y Raúl Mendoza en coordinación técnica.

P1190311 (3)Un montaje realmente digno de verse. Una idea extraordinaria, un proyecto diseñado con talento y llevado a buen puerto. Un edificio intervenido en forma integral. La actual es su tercera temporada, así que no pierdas la oportunidad de experimentar una forma sinigual de presenciar teatro, en medio de lienzos de plástico, tablones, muebles, piedras y mucho más. Te sugiero mantener tus ojos bien abiertos para poder apreciar todo, pues hasta en paredes y techos encontrarás palabras, mensajes y mucho más. Disfruta al máximo tu recorrido por la antigua Grecia. Apúrate porque esta temporada es muy breve y sólo les restan cuatro funciones. Recuerda que si quieres ver las dos historias, tendrás que ir en dos días distintos.

Do not disturb se presenta sábados a las 19:00 horas ydomingos a las 18:00 horas en Un Teatro, ubicado en la calle de Nuevo León número 46, colonia Condesa, enfrente del Parque España, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 15 de abril de 2018.