Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

FANTOMAS MONSTER (FANTOMAS CONTRA EL MIEDO Y EL OLVIDO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Por lo general, adoramos a los héroes. Desde niños quedamos fascinados ante las proezas de aquellos que poseen poderes especiales y que protagonizan cuentos, historietas, programas televisivos, películas, obras de teatro o series. Así mismo, en las clases de historia se nos muestra que sí existen héroes. Aun cuando no cuenten con poderes ni magia, quienes actúan con arrojo y valentía ante la adversidad merecen ser llamados héroes. Con el paso del tiempo, estamos conscientes de que no existen los poderes sobrenaturales, pero siempre habrá héroes, aun cuando sean anónimos y ni siquiera conozcamos sus nombres. Claro ejemplo de esto son todas las personas que se volcaron en las calles para brindar ayuda a los damnificados en los recientes sismos ocurridos los días 7 y 19 de septiembre.

Quienes vivimos en la Ciudad de México somos testigos presenciales de la forma en que la gente ha puesto alma y corazón en la búsqueda de sobrevivientes en los edificios derrumbados, en el rescate de los que lamentablemente perdieron la vida, en el apoyo a las brigadas de rescatistas profesionales, brindándoles café, sopa, tacos, tortas, agua o lo que sea para que comieran algo mientras realizaban sus labores, así como los grupos que se han organizado para hacer colectas tratando de reunir todo aquello considerado como indispensable para hacer más llevadera la vida de quienes perdieron su vivienda o resultaron damnificados.

Muchos integrantes del medio teatral no sólo han participado activamente en todo esto, sino que han adaptado ciertos foros para convertirlos en centros de acopio y, además, están llevando algo de diversión a los pequeños en albergues. Toda esta ayuda ha sido proporcionada en forma voluntaria y desinteresada, sin que nadie la pidiera. La gente acudió desafiando los peligros, poniendo en riesgo su propia salud y empeñando todo su esfuerzo físico y mental, olvidándose de comer y de dormir. Definitivamente, no podemos denominarlos sino como verdaderos héroes.

Entre los numerosos superhéroes ficticios se encuentra Fantomas, el protagonista de una historieta mexicana llamada Fantomas, la amenaza elegante que salió a la venta en 1960 y se hizo tan popular que las entregas quincenales se realizaron a lo largo de casi tres décadas. Fantomas era una especie de fantasma sin rostro, con una máscara informe muy blanca, con un atuendo negro muy elegante, cual si fuera a una ceremonia importante y con una enorme capa, que impartía de propia mano la justicia.   La historieta de Fantomas trascendió fronteras no sOlo ganó fama en México sino en Centro y Sudamérica. Los creadores de Fantomas, Guillermo Mendizábal y Rubén Lara se salieron de la Editorial Novaro porque ésta registró los personajes a su nombre en derechos de autor sin su consentimiento. Víctor Cruz lo siguió dibujando por más de 10 años, hasta mediados de los ochenta.

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Fantomas fue tan famoso que en 1975 Julio Cortázar escribió la novela Fantomas contra los vampiros multinacionales. Así mismo, fue retomado en algunas películas realizadas en otros países.

Fantomas fue conocido en el mundo y asociado a México como algo positivo, lo malo es que México también ha trascendido fronteras por cosas negativas, como lo es el caso de Ayotzinapa, del cual todo el mundo se enteró.

Ahora, creadores escénicos de Austria y México se reúnen para colaborar en un proyecto relacionado con Fantomas y con Ayotzinapa. Se trata de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido), una compilación de varias obras de teatro expresadas con apoyo en multimedia, cuya inspiración es Fantomas contra los vampiros multinacionales, novela de la autoría de Julio Cortázar.

Con el propósito de reflejar experiencias de activistas que se han visto afectados por el terror que provoca el Estado y la violencia de las transnacionales, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) fue construida a partir de testimonios de vivencias de artistas y activistas de México, Irán y Austria. En la propuesta participan actores, intérpretes, dramaturgos, artistas visuales, activistas, músicos y científicos de diferentes países, quienes exploran la importancia de los superhéroes hoy en día.

El episodio Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es la segunda producción en vivo de una novela gráfica que se sitúa entre el docuficción y el cómic, contextualizado en el México actual. Está ampliamente documentado, para lo cual los creativos consultaron en forma exhaustiva las siguientes fuentes: Gonzalo Matré: El regreso de Fantomas, la amenaza elegante, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México, 2013; Julio Cortázar sobre Fantomas, 1977; El Caso de Ayotzinapa: Una cartografía de la violencia-Proyecto de Forensic Architecture comisionado y llevado a cabo en colaboración con el Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF) y el Centro de Derechos Humanos Miguel Agustín Pro Juárez (Centro Prodh) para las familias de los 43 estudiantes desaparecidos, los heridos y asesinados de Ayotzinapa, y Tribunal Permanente de los Pueblos.

El relato versa sobre Alicia, una mexicana expatriada que trabaja en Viena en una oficina que se dedica a casos de trabajadores refugiados de Medio Oriente. En noviembre de 2014, a dos meses de los sucesos en Ayotzinapa, una cuestión de índole personal le hace necesario viajar de regreso a su país natal. Por casualidad, alguien le obsequia un ejemplar de la popular historieta Fantomas, la amenaza elegante.   Mientras la lee, piensa que tal vez México podría ser distinto si realmente existiera un superhéroe que impartiera la justicia a diestra y siniestra. Sin embargo ¿en qué forma podría ayudar Fantomas a la construcción de memoria y resistencia contra los poderes del miedo y el olvido? …

Por su parte, Fantomas está feliz de volver a la vida pública, aun cuando reconoce que, dado que su reaparición es 20 años después, tiene que lucir con algunos cambios por el paso del tiempo, como unos kilos de más, ciertas curvas que no tenía y que su rostro ya no es blanco sino rosa mexicano, lo cual le resulta más congruente por ser su país de origen.

Fantomas monster es un proyecto multidisciplinario de dos fases conformado por dos piezas multimedia, teatro en escena, documental, cómics publicados, clips de animación, página web, exposición y simposios. En ambas fases la figura de Fantomas es el hilo conductor. La primera parte fue estrenada en 2016. Esta fue contextualizada en Irán y denominada como Fantomas monster (Fantomas contra el poder en extinción). El performance se realizó con la colaboración de la artista y activista iraní Parastou Forouhar, quien radica en Alemania y cuyos padres fueron asesinados en 1998 por agentes del estado, motivo por el cual tiene relación estrecha con los “asesinatos en cadena” ocurridos en Irán.

La versión que se presenta en la Ciudad de México Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es un proyecto bien diseñado y perfectamente logrado. Tanto su concepto original como la dirección escénica corren a cargo de Gin Müller, dramaturgo, artista, activista queer, quien se ha especializado en explorar la interfaz entre la performance y el activismo político. Loable trabajo de Gin Müller en ambos rubros.

Participan en escena: Miriam Balderas, conmovedora como Alicia, la mujer que de pronto tiene que regresar a su país. Edwarda Gurrola, simplemente deliciosa, como un nuevo Fantomas, ahora pizpireto, algo presumido, medio protagónico, siempre intrépido. Kaveh Parmas encarnando a Kurosh, un doble agente, en quien es peligroso depositar confianza. Formidable labor histriónica y corporal por parte del elenco.

Complementan el equipo creativo: Jan Machacek en escenario y video, Katia Tirado y Gerardo Montes de Oca en investigación y dramaturgia, Postkaput (Víctor Martínez & Icetrip Estévez) en música, Adriana Olivera en vestuario, Franz Kapfer (de Austria) e Iván Cervantes (de México) en construcción del escenario, Oliver Stotz como videoprogramador, Tamara Wilhelm en sonido, Georg Starzner en gráficos impresos, Mauricio Garmona en asistencia, Rosario Hevia en producción, y Emiliano Escoto y Carlos Martínez Rentería en prensa.

Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es una producción de la Asociación para la Libertad del Movimiento (Verein zur Förderung der Bewegungsfreiheit) y brut Wien, con el apoyo de MA7 (Kulturabteilung der Stadt Wien), el Museo Universitario del Chopo, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y el Foro Cultural de Austria en México, así como Pulquería Los Insurgentes.

Siempre es interesante ver a México desde otras perspectivas. Este proyecto refleja dos caras distintas de México que han sido del conocimiento de habitantes del resto del mundo. Por un lado, una famosa historia y, por el otro, los tristes y vergonzosos sucesos de Ayotzinapa. Extraordinaria coordinación entre el hecho escénico, la historia, el multimedia, el sonido y la iluminación. Formidable montaje, entrañables interpretaciones. Es momento de que México unido luche contra el miedo y el olvido.   Por si fuera poco, las salas del Museo Universitario del Chopo albergan una exposición montada por los creadores de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) y obsequian un ejemplar especialmente diseñado y publicado para los espectadores. En una sola visita se tuvo acceso a obra de teatro, paseo por el museo y lectura para casa.

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A la función de estreno asistieron dos madres y una hermana de desaparecidos de Ayotzinapa, a quienes al final de la obra invitaron a pasar al escenario para que expresaran su sentir. Dijeron que la obra les había conmovido y hablaron sobre el dolor de haber perdido a un ser querido, la zozobra de no saber en dónde están y los esfuerzos que han realizado por conocer la verdad. Fue mucho muy emotivo escuchar cuando todo el público a una sola voz gritó: “Vivos se los llevaron, vivos los queremos”.

A causa de la situación de emergencia provocada por el sismo recién ocurrido en la Ciudad de México, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) no pudo cubrir la breve temporada de cuatro días que se había anunciado y únicamente fue posible asignarle dos funciones. Con gran éxito Fantomas monster – Fantomas contra el miedo y el olvido se presentó en el Foro del dinosaurio del Museo Universitario del Chopo. La entrada fue gratuita, pero se conminó a los asistentes a aportar un donativo en efectivo o en especie.

DÉJAME ENTRAR (TERROR, SANGRE, ASESINATOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Fotografía del Facebook de la Producción

 

Déjame entrar

 

El género de terror tiene muchos seguidores y detractores, a unos les provoca fascinación a otros repulsión, lo cierto son pocas las ocasiones en ser llevado a escena en México. Hugo Arrevillaga, uno de nuestros más talentosos directores, nos brinda la oportunidad de adentrarnos en un mundo de sangre, asesinatos y vampirismo (ahora encarnado por una joven) en DÉJAME ENTRAR, una adaptación al teatro de Jack Thorne basada en la película y novela sueca de John Ajuide Lindqvist, traducción al castellano de Humberto Pérez Mortera, uno de los más destacados en este rubro.

 

En un bosque, de cualquier lugar, aparecen, inicialmente dos personas asesinadas, colgadas de los pies y desangrados, como si fueran puercos. Surge el pánico, el inspector de policía no tiene pista alguna. Un joven frecuenta el bosque, conoce a una muchacha, se entabla una afectuosa relación. Ella es protegida por un hombre preocupado por su alimentación. ¿La muchacha es un ser humano? Hasta aquí, de otra forma sería vender la trama.

 

Arrevillaga vuelve a sorprender, su imaginación no tiene límites, una de sus virtudes es rodearse de un equipo talentoso, cada uno de sus miembros representa de lo mejor en sus  especialidades. Su dirección hace  del terror una belleza, si se acepta la expresión. Hay violencia y ternura, asesinar para salvar, sentimientos encontrados…, todo conjugado en atractivos dramáticos y plásticos. Un ritmo pausado, pusilánime en la mayor parte del desarrollo, esto le da otra dimensión, no incurre en los lugares comunes, a fuerza de insistir el temor adquiere un atractivo teatral inusitado., no hay exabruptos. Sólo Hugo lo puede lograr, claro con el apoyo de Jorge Ballina (escenografía con diversos ángulos a través de espejos, modulares con los que recrea diversos lugares, unos cuantos “troncos” dan vida al bosque, eso sí, el movimiento escénico es constante); Ingrid SAC (iluminación tenue con un matiz de color, ambienta más allá de los sitios el interior de los personajes); Ariel Cavallieri (diseño sonoro) y Meme y Renato del Real (música original), trío que da realce a lo terrorífico mediante sonidos y notas ajenas a lo común del género, en particular si nos remitimos a la cinematografía. Hugo habla con sus propuestas, hasta el más neófito reconoce el valor de sus montajes, es indiscutiblemente un prodigio de la dirección.

 

Su elenco lo encabezan Saraswati Valladares y Diego Velázquez, dos jóvenes con proyección, disciplina, naturalidad, manejan con acierto lo emocional, transmiten el terror desmesuradamente, atrapan; Los acompañan otros siete actores, todos entregados y abocados a las directrices de Arrevillaga, todos colaboran para llenar y vaciar espacios y crear un concepto diferente del terror.

 

DÉJAME ENTRAR, magnífica oportunidad para los amantes del teatro hecho arte, se representa en el Foro Shakespeare (Ciudad de México, hasta el 26 de noviembre, los viernes a las 20:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 horas.

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE (GUERRA, ARTE, AMOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Aurora Cano (Facebook)

 Cervantes

 

A cuatro centurias de su partida corporal, los espíritus a través de sus legados literarios, Miguel de Cervantes y William Shakespeare siguen entre nosotros, ambos representan la cumbre de las letras universales, son conocidos y admirados en todo el orbe. Si bien sus obras son de una belleza indiscutible pos sus estructuras (forma), tan o más importantes son las ideas, los conceptos filosóficos, los temas bañados con la más pura estética de sus respectivos idiomas.

 

Una de las mujeres más talentosas en el ámbito teatral mexicano es Aurora Cano, actriz, directora, catedrática, productora, promotora; nada del quehacer teatral le es ajeno, destaca en todos los rubros citados. Ahora nos cautiva y deslumbra en la Ciudad de México con CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE -estrenada en 2016 en el marco del Festival Internacional Cervantino-, apropiándose con inteligencia de temas como la guerra, el arte, el amor, mediante un hipotético diálogo desde ultratumba entre los creadores del QUIJOTE y HAMLET. No se trata de un enfrentamiento, es un encuentro de filosofía y poesía, entre amor y mujer, valor y honor, letras y armas… Además Aurora actualiza con un juego de palabras, de parlamentos, el pensamiento renacentista al México contemporáneo, reiterando, en forma inteligente, sutil y elegante. Cito: “La anécdota versa sobre el gobernador de una ínsula que huye de los asesinos con los que tiene una deuda pendiente. De pronto, por efectos de una misteriosa tempestad, cruza a la dimensión del viento y la tormenta donde habitan dos viejos sabios -Cervantes y Shakespeare- cuidados por una mujer. El encuentro con estos hombres cambiará la idea que el gobernador tiene de sí mismo y del mundo”.

 

Estamos frente a un poema dramático, la ficción es más real que nunca, si se vale la expresión, varios planos se reúnen en el escenario, la pluma de Aurora se convierte en el arquitecto de la imaginación provocadora de discernimientos morales, toda una cosmogonía de vida: “Ofrecer un pequeño espacio de pensamiento y perturbación moral”.

 

La propuesta de Aurora cierra con broche de oro mediante su dirección: pulcra, ágil, amena, con toques de hilaridad; todo a su tiempo, el espacio permea la presencia de los personajes en medio de una escenografía simbólica y un vestuario realista (Mario Marín del Río), una exquisita banda sonora (Ignacio García), iluminación y video (Raúl Munguía), -el multimedia es fundamental en el desarrollo , ambientación y estética.

 

David Hevia -conmovedor iluso, peculiar concepto de la belleza- da vida a Cervantes y al Quijote, un trabajo que conduce al mundo onírico, digno de alabanza, de lo mejor en su larga trayectoria teatral. José Carlos Rodríguez -la razón, el ser centrado- en otra gran faceta, esplendorosa, una admirable contribución a las artes escénicas.

 

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE tiene como sede la sala Xavier Villaurrutia (Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México), jueves y viernes a las 20:00, sábados 17:00 y domingos 18:00 horas.

COMALA.COM (FEMINISMO VS. ULTRAMACHISMO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Crédito fotografía: Alejandro Bernal

 

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En el mundo y en todas las épocas -la excepción puede ser el matriarcado- las mujeres han sido víctimas, objetos de la prepotencia y preponderancia por parte de los hombres. Sin embargo, por ponerle una fecha, a partir de las décadas de los sesenta y setenta del siglo XX, se inició un movimiento, al menos en occidente, para reivindicar los derechos de las mujeres y alcanzar la igualdad. Los avances has sido muchos y no de forma igual en todo el orbe. Por ejemplo, el acceso al voto, a los derechos sociales, al aborto y un largo etcétera.

 

La discriminación persiste, las violencias física y psicológica contra el sexo femenino son reales; no hay igualdad de oportunidades para acceder a los puestos laborales de alto nivel, continúan los femenicidios, el abuso sexual, la trata de “blancas” y, nuevamente, un largo etcétera. la lucha entre el feminismo y el ultramachismo continúa, es cotidiana, todos somos parte de ella, sea en forma activa o pasiva. Por contradictorio que parezca, no son pocos los varones que consideran que algunas las mujeres se han sobre pasado en la reivindicación, inclusive ellos son quienes padecen la discriminación. Por ejemplo, la prohibición de abordar determinados vagones del Metro o camiones del servicio público exclusivos para damas; ver a una mujer puede ser motivo de una demanda por acoso sexual, así como decirle un piropo fuerte. A tal grado que ya no sorprende encontrar en Internet asociaciones en pro de la defensa de los derechos humanos de los varones.

 

Benjamín Bernal aborda el tema en COMALA.COM, texto cuyo punto de partida es la “tercera guerra mundial”, hombres contra mujeres y viceversa. Dos manifestaciones se llevan a cabo en la Ciudad de México, cada una abogando por sus intereses se género y enfrentando las razones por la defensa de sus prerrogativas. Mientras tanto en Comala, Nayarit, se reune un grupo de jóvenes -de ambos sexos- para conversar sobre la situación de la lucha. El texto da argumentos a favor y en contra de ambas posturas, múltiples ejemplos en uno y otro sentido, no toma postura. El autor se ve influenciado por su formación como abogado, inclusive cita a la Constitución Política de la República Mexicana. Hay una marcada inclinación en los ámbitos moral y ético, es discursivo y, en mayor o menor grado, didáctico; hay humor, tal vez la intención es tratar la temática a través del recurso de reírnos de nosotros mismos. Cabe comentar que originalmente se concibió como novela, el propio Benjamín la adaptó para el teatro.

 

La dirección de Noé Nolasco es desafortunada, pierde la hilaridad que caracteriza a una comedia, una producción paupérrima -una “escenografía” lamentable de M. Ángel Arteaga, sin imaginación y desaprovechando la mayor parte del espacio-, prepondetrancia del discurso y escasez de lo dramático, además un elenco con carencias de todo tipo. El final es, literalmente, una cursilería escénica.

 

Kizai Maldonado, Yelitza Puchi, César Real -el único salvable-, Javier Roal, Sandra Galaviz y Carlos Torres -éste para el olvido-, son los actores, todos junto con su director pierden la comedia y se adentran en la farsa grotesca. En concreto, una puesta intrascendente e injusta para el dramaturgo.

 

COMALA. COM se presenta en el Foro Contigo América (Arizona 156, Col. Nápoles, Ciudad de México), los miércoles del mes de octubre a las 20:00 horas.

 

Octubre 2017

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente APT

 

Todos recordamos el sismo de 1985, el mismo día

Hablando de teatro, en un congreso del Centro Mexicano de Teatro, del ITI UNESCO, me senté en la misma mesa de un arquitecto, los temas de la charla fueron variando, hasta llegar al terremoto y nos explicó ¿por qué se cayeron los teatros Televisa? De la calle Puebla y Cuauhtémoc en la colonia Roma. La noche anterior estaban acomodando la escenografía, bajaron las telas, subieron los costales de arena o contrapesos, ustedes conocen el sistema. Así las dejaron. Cuando vino el sismo, se movió el péndulo que eran los objetos pesados, pero la estructura estaba pensada para que estuvieran cerca del suelo. Ese péndulo causó el colapso. Así empezamos a recordar a Frederick van Melle fallecido en su domicilio, Renato de la Riva estaba de gira, pero perdió toda su escenografía y equipos. El golpe para el teatro fue muy importante, durante 2017 no se conoce todavía la magnitud de los daños. Deseamos que sea poco y pasajero.

Estamos de luto como todo México, por los compatriotas que han sido afectados.

 

Presentó Benjamín Bernal su nuevo libro: La Crítica Teatral en México, Segunda parte

  • Maricela Lara, Ángeles Marín, Zaide Silvia Gutiérrez y Sergio Corona, los padrinos/madrinas

Usted sabe, en el 2015 presenté el primer tomo que contiene teoría literaria, periodística y teatral relativa a las artes Escénicas, un manual para quienes ejercen éstos importantes géneros. Este 2017 pongo en circulación la segunda parte, que sigue hablando de Crítica Teatral, varios ejemplos de crónicas y artículos del arte escénico que vió México en los 80´s y 90´s, también un ensayo histórico que describe el teatro de revista (tandas) que estuvieron de moda en los 90´s. y 15 entrevistas a las celebridades de los 90.

Aporto datos, que servirán a los expertos, a los aficionados y a los practicantes de esta divertida actividad. Alguien dijo una vez que deberíamos pretender que nuestras críticas fueran arte en sí mismas y eso he intentado, si alguien se entretiene y aprende algo nuevo, habré avanzado; además contiene datos antropológicos, sociológicos, históricos para quien los sepa ir detectando.

Aquí está la lista de las celebridades que entrevisté en aquella época: Antonio Haro Oliva, José Luis Ibañez, Gonzalo Gorrea, Adalberto Martínez Chávez, Susana Alexander, Roberto D´Amico, Karina Duprez, Ignacio López Tarso, David Antón, Rafael Sánchez Navarro, Juan José Gurrola, Sergio Corona, Alejandro Luna, Rafael Solana, Victor Hugo Rascón Banda.

La maestra Maricela Lara hizo el prólogo, usted podrá disfrutar de sus palabras; el ensayo que le sigue es una investigación sobre aspectos sobresalientes del teatro de revista (cuando gritaban en la puerta Dos tandas por un boleto), después como 20 artículos que describen el quehacer escénico de los noventas: Chin Chun Chan que produjo Enrique Alonso, muchos de los artistas que menciono están vivitos y coleando, la obra más cara de México en la que ofrecían una buena cena, “Tamara”; la geografía teatral que vivió Resortes, los estudios en Inglaterra de Susana Alexander, Roberto Dámico y Rafael Sánchez Navarro, la alta comedia de Antonio y Nadia Haro Oliva.

Se presentó mi libro hace una semana y ya empieza a distribuirse en los teatros con librería. Búsquenme, hay descuento.

TODOS SANTOS (¿CUÁNDO SE ESTÁ MUERTO EN VIDA?)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de Facebook de la actriz Mayra Sérbulo

 

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Hay quienes nacen con un destino, tal vez no determinado pero sí condicionado, para que su vida sea una tragedia de principio a fin. En nuestra sociedad contemporánea aún existen personas y grupos sociales condenados a ser marginados. Las razones pueden ser múltiples, lo cierto es que es una realidad. Uno de esos sectores son nuestras mujeres indígenas; ellas sufren la pérdida de identidad, sobre todo, cuando se incorporan a entornos ajenos a su idiosincrasia y costumbres; migrar por cuestiones económicas ante la falta de oportunidades en sus lugares de origen, y la discriminación, en ocasiones velada en otras abiertamente ante la indiferencia de sus semejantes.

A través de un conmovedor y bien escrito monólogo, mejor estructurado, Mónica Perea nos conduce por todos esos vericuetos que envuelven, absorben y fustigan a las mujeres indígenas. Uno de sus caminos dramatúrgicos es la poesía de la tragedia, emplea palabras, frases, ideas de una belleza indiscutible, por fortuna no incurre en el melodrama común y corriente, sensibiliza en forma emotiva, no se desgarra las vestiduras, no cae en la retórica, plantea, no da soluciones, denuncia, el teatro es su medio de expresión. El tema es desgarrador, una mujer -Ángeles- ha sido privada de todo, la ciudad es su refugio, al tiempo su cárcel existencial.

Surge una interrogante ante el planteamiento de Mónica: ¿Qué le espera a una mujer que busca sobrevivir pero no sabe si está muerta en vida? El hambre, el agotamiento del alma y del cuerpo siempre presentes… se necesita un milagro; éste se personifica en una mujer, quien la contrata como sirvienta; la situación mejora ligeramente, sin embargo, la explotación, la falta de respeto a su dignidad son la constante, como dice: “Dónde puede alguien encontrar seguridad, refugio?”… ¿en la guerrilla, en la pérdida de los seres amados arrebatados por tratar de reivindicar sus derechos?

Si el texto es de una estética admirable, éste se redondea con la actuación de Mayra Sébulo, originaria de Oaxaca, quien en su caracterización de Ángeles transpira sentimientos, dolor, rebeldía -el personaje se involucra en situaciones peligrosas pero necesarias para los marginados- y al mismo tiempo conmueve; si bien se trata de presentar una víctima no se desborda, le da voz a miles de mujeres. Hace de su cuerpo un lenguaje; la tonalidad de su voz admirable, inicia con un canto -acompañada por un guitarrista-; da paso a una coreografía de excelsa plasticidad, provoca el deseo de invadir el escenario y consolar a la sufrida mujer, tal vez lo más relevante, contagia dignidad, misma que nunca se debe perder, esto es difícil de explicar o describir con palabras, hay que sentirlo desde la magia de un trabajo actoral.

Sixto Castro, desde mi punto de vista, en esta ocasión no está a la altura del texto, sobre todo, su montaje tiene deficiencias tales como mantener durante un largo tiempo a su actriz esquinada -a la izquierda – en el proscenio, no la mueve de ahí, por tanto, el noventa y cinco por ciento del espacio queda a la deriva, desperdiciado, la verdad Mayra lo salva; sin una buena actriz su propuesta no fructificaría, además teniendo un guitarrista en vivo tiene la ocurrencia de meter una pista. Lo anterior solo trata de ejemplificar, no se trata de despedazarlo.

El monólogo Todos santos estará en temporada hasta el 30 de noviembre, los jueves a las 20:30 horas, en La Gruta del Centro Cultural Helénico, Ciudad de México.

TEATRO EN CORTO (MONTAJES INTIMISTAS, NUEVA TEMPORADA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía cartel promocional

 

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De unos años a la fecha se ha puesto en boga una modalidad que ha cobrado popularidad o bien aceptación entre los teatrófilos, montajes en verdad intimistas, los espectadores, literalmente, a centímetros de los actores. En su primera versión está el llamado Micro Teatro, originario de España, hasta donde tengo entendido opera como una especie de franquicia en México. Ante el éxito aparecieron nuevas opciones -para algunos copias del modelo- entre ellas TEATRO EN CORTO, con sede en una remodelada casona de la colonia Nápoles, al frente de la cual está Lolita Cortés.

 

Ha iniciado la vigésima séptima temporada con nueve propuestas, diferentes géneros, variados estilos; actores y actrices afamados por la televisión y la cinematografía, otros empezando sus carreras. Obras breves de unos cuantos minutos en cuartos adaptados como espacios escénicos. En tiempos pasados un texto dramático se componía del planteamiento, desarrollo y conclusión, de ahí los tres actos habituales. En el caso que nos ocupa todo el proceso debe desarrollarse en 15 minutos, ese es el reto, unos lo logran otros fracasan en forma rotunda. De esta nueva temporada comentaremos tres obras: LA VISITA, BRINDEMOS, ABUELA y COSTUMBRES.

 

Kerim Martínez, quien repite con esta obra ante un éxito anterior, nos ofrece de su autoría LA VISITA, bajo su propia dirección junto con América Gabriel. Una mujer de la tercera edad siente que su vida romántica y sexual no ha terminado, a pesar de lo vivido con quien pretende continuar su existencia amorosa. La visita, inesperada, es de su hijo. Surge una plática entre cordial e incómoda, imbuida en el humor fino, cierta profundidad y motivos para tomar partido. Hay alternancia en el elenco, en mi turno Evangelina Martínez y Jorge Badillo. La primera deja constancia de su indiscutible histrionismo, como pocas pronuncia una majadería sin ofender al respetable, maneja el humor en forma natural, otro personaje al que le da prestancia en el escenario. El segundo no se achicopala, alterna dignamente, con carácter ante los hechos, con ternura filial cuando es el caso.

 

Todo un deleite y agrado encontrarse con Lupita Lara (alterna con Emilia Carranza), actriz quien goza de la simpatía y el cariño de su público, sin embargo, más allá de lo anterior, interpreta a una abuela de carácter fuerte, personalidad sólida, mujer decidida que no vacila ante las situaciones. Lupita proyecta todo esto en el escenario en BRINDEMOS, ABUELA, de Alejandro Karam, dirigida por Héctor Cruz. La historia no tiene nada de novedosa, de hecho el tema y, sobre todo, el desenlace ha sido tratado en múltiples ocasiones, sin embargo, se logra captar la atención y provocar la “sorpresa” de los espectadores. Al lado de Lupita, Juan Pablo Ruiz, momentos buenos otros sobre actuado, en unos pasión en otros exaltado.

 

COSTUMBRES, una relación enfermiza,sadomasoquista, la costumbre de compartir con quien se ama y se odia al mismo tiempo.. “El amor se convierte en pasión, la pasión en locura, la locura en obsesión y la obsesión en odio”. Así lo plantea María José Robles (autora e intérprete) quien deja en Luis Felipe Tovar la discreta o sencilla dirección. Tanto María José como Ricardo Baranda se entregan, sin embargo, no asumen con plenitud las características de sus personajes, de hecho hay momentos en que son inverosímiles, caen en la cursilería, habrá que ver a sus alternantes.

 

TEATRO EN CORTO se lleva a cabo en Yosemite 40, Col. Nápoles (Ciudad de México), de jueves a sábado a partir de las 20:00 y domingos desde las 19:00 horas, hasta fines de noviembre. Cada día hay oportunidad de ver un máximo de seis propuestas.

NUEVO LIBRO (2017) DE BENJAMÍN BERNAL: LA CRÍTICA TEATRAL EN MÉXICO, SEGUNDO TOMO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

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Día de mucho tráfico, pero el Foco (Foro de la Comedia) registró una buena entrada para conocer este nuevo producto literario. Benjamín presentó su libro número cinco. Él tiene: Comala.com; La crítica teatral en México, volumen uno; Manual para la salud y ahora el nuevo.

La maestra Maricela Lara (autora del prólogo) estuvo representada por su hija, del mismo nombre. Estuvieron artistas de toda una vida dedicada al teatro: Sergio Corona, Ángeles Marín, Zaide Silvia Gutiérrez, Germán Gastelum y Emmanuel Márquez.

Alejandro Bernal condujo la mesa de presentadores, Maricela Lara leyó el prólogo que escribió su mamá (vive en Veracruz) y narró anécdotas de la vida de una creadora sin igual, a la que ella acompañó desde muy pequeña a sus ensayos y montajes, por ejemplo, las historias alrededor de la Tigresa y Alejandro Jodorowsky cuando hacía obras en el Fru Frú,; ella dirigía.

Las actrices Zaide Silvia Gutiérrez y Laura Martínez Venegas leyeron artículos, críticas y entrevistas del libro, también el autor hizo lo mismo con: Danzón dedicado a… -que dirigió Maricela Lara- acerca de Garibaldi, cuando estaban haciendo la estación del Metro Bellas Artes hace muchos años.

Laura Martínez leyó la entrevista a Sergio Corona que publicó Bernal en un importante medio escrito. Narró el Maestro Sergio Corona pasajes de su niñez y juventud; es hijo de abogado y nacido en Hidalgo; tuvo experiencias enriquecedoras que le permitieron elegir libremente su profesión, que incluye baile, actuación, dramaturgia, dirección, televisión, cine y teatro. Los asistentes querían escuchar más sobre los artistas que, de manera tan sencilla, comunicaban sus vivencias y que seguramente Benjamín incluirá en el siguiente libro.

Son 20 críticas publicadas en los periódicos más importantes de México, 15 entrevistas y un ensayo histórico acerca del Teatro de Revista (las famosas Tandas).

SI NOS VAMOS A IR JUNTOS… ¡QUÉ SEA A LA CHINGADA! (LO SUBLIME Y LO RIDÍCULO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la compañía eMe

 

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Es increíble, pero sucede, cómo una persona puede en un solo hecho teatral ser sublime y al mismo tiempo caer en lo ridículo. Tal es el caso de Guillermo Navarro, autor y director de Si nos vamos a ir juntos… ¡qué sea a la chingada! Lo sublime el texto, lo ridículo la puesta en escena.

Estamos frente a un monólogo sobre Frida Kahlo, personaje del arte con reconocimiento universal y una vida “escandalosa” para unos, envidiable para otros -a excepción de sus males corporales-, controversial, irreverente, bisexual, alcohólica y enamorada hasta la obsesión de Diego Rivera. Son múltiples las obras llevadas a escena con ella como protagonista, abundan los monólogos. Ahora bien, ¿qué se puede decir de ella o poner en su boca que no haya sido abordado? Guillermo combina la realidad con la ficción, el personaje divaga en el presente sobre el pasado, reniega y presume, breves y profundas disertaciones; una búsqueda en el ámbito psicológico, un monólogo interior, un apremio por su identidad, lo real y lo posible, claro, desde la perspectiva del dramaturgo. Un texto inteligente, no incurre en la verborrea, no es discursivo, no biográfico, es penetrar en el alma a través de la imaginación. Las situaciones “delicadas” o “morbosas” están presentes, sin embargo, todo en el marco de un lenguaje fuerte y al tiempo sutil.

Por fortuna Guillermo cuenta con una gran intérprete: Yazmín Jáuregui. Ella le da vida al espectro que habla desde el más allá, no de ultratumba, sino desde lo más profundo de su ser, claro, teatral, la actriz -un hecho raro en el medio- posee gran manejo de voz, con carácter y fuerza, condiciones en las que fundamenta las emociones, no hay necesidad de gritar para enfatizar; se desplaza por el escenario con soltura; interactúa con el público con seguridad, lo involucra. Uno ve a Frida sin esas “caracterizaciones” ridículas y desgastadas. Un trabajo para recordar.

Pasemos a lo ridículo, al montaje. Una escenografía “folclórica, por llamarla así, en verdad ridícula, a tal grado que en una sección parece un nacimiento navideño, al menos es la impresión a primera vista, con todo y sus foquitos, es prescindible, no tiene razón de ser, no sirve para nada, en verdad nefasta. Homero Guerrero es el responsable del concepto visual, quien tiene la osadía, bajo la venia del director, de ubicarse en escena con su lap top y controlar el multimedia, proyecta una serie de imágenes igual de intrascendentes que el resto de la producción, incluyendo el vestuario. Hay otros dos en escena -Alejandro Cantú y Alán Vak- su participación solo sirve de distractor, tampoco tienen razón de estar en el montaje. En un cuadro se conjuntan el multimedia y los dos “fantasmas” bailadores, quedan a segundos de darle al traste a todo. En fin, recalcando: lo sublime y lo ridículo en el mismo espacio.

Si nos vamos a ir juntos… ¡qué sea a la chingada! tiene lugar en el Foro Contigo América (Arizona 156, col. Condesa, Ciudad de México), hasta el 29 de octubre, los domingos a las 18:00 horas.

OLER LA SANGRE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Algo indispensable para disfrutar de la vida son nuestros sentidos. La percepción que tenemos a través de la vista, el gusto, el tacto, el oído y el olfato es lo que nos permite estar en contacto con el entorno y generar sensaciones que son guardadas en la memoria. Es así como desarrollamos la habilidad de recordar un rostro, un paisaje, algún platillo -lo que nos gusta o disgusta-, la música de nuestra preferencia, voces diversas y los olores de la naturaleza, las personas, las cosas.

Desde que se nace, los sentidos van evolucionando. Los recién nacidos no tienen la vista muy clara, dado que tienen que acostumbrarse al mundo exterior. El gusto también tardan en desarrollarlo, pues al principio solo pueden tomar leche. El tacto no les es importante porque aún no controlan sus movimientos. Al no conocer las palabras, les es difícil identificar las voces, más bien reaccionan a los ruidos. Algo que se cae o golpea, desde luego, los atemoriza. Para ellos, el sentido más importante es el olfato. Lo primero que conocen es el olor de su madre y se apegan en tal forma a éste que si la madre se ausenta, ellos lloran. Hace poco en las noticias comentaron de un padre que solía colocar junto a su hijo una prenda de ropa de su esposa, a fin de que el bebé no se inquietara mientras ella regresaba.

Cuando crecemos continuamos recordando los olores de nuestra niñez. Por ejemplo, al llegar a algún lugar nuestra memoria podría relacionar lo que en ese momento percibimos con algún olor del pasado, sin importar cuántos años hayan transcurrido. Nos entusiasman los aromas de la naturaleza -flores, hojas, árboles, pasto, tierra, mar, lluvia-. Identificamos el olor de fragancias como perfumes, productos de limpieza, medicamentos, etcétera. Los alimentos y bebidas se nos antojan más si huelen bien. Solemos decir: nada como el aroma del café en las mañanas o los guisos que preparaba la abuela. Ciertos olores tienden a provocarnos repulsión. El caso es que en nuestra mente quedan grabados miles de olores. Tal vez, lo que no nos hemos detenido a pensar es a qué huele la sangre.

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Ro Banda, dramaturgo, director y productor mexicano, aborda este tema en Oler la sangre. El relato comienza cuando Alo está en un momento de descanso en la cubierta del barco donde trabaja y, de pronto, en forma inexplicable, percibe olor a sangre y deduce que alguien ha muerto. Pensando que podría ser su abuela, se apresura a pedir permiso para ausentarse tan pronto lleguen a algún puerto. Apenas está en tierra va directo rumbo al lugar donde vivió su infancia. Alo sabe que tiene una hermana, pero no la conoce. Su madre lo llevó consigo cuando abandonó a su hija pequeña en casa de la abuela y es por esto que los hermanos jamás convivieron. Por su parte, Ale, hermana de Alo, ha vivido al lado de la abuela y cree que su madre ha muerto, pues nunca supieron nada de ella. Ale ni siquiera tiene conocimiento de la existencia de Alo. Tristemente, lo que Alo presintió es cierto. La abuela acaba de morir.

A través de la trama, Ro Banda explora la relación fraternal desde distintas perspectivas al retratar el reencuentro de estos dos hermanos tan distintos entre sí que crecieron apartados. El estructurado texto de Ro recorre una amplia gama de sentimientos que habrán de experimentar sus delineados personajes. Ro Banda elige una forma particular para narrar la historia, toda vez que además de la interacción y los argumentos, ciertas acotaciones y los títulos de algunos cuadros también son enunciados por sus protagonistas.

La labor de dirección por parte del propio autor es impecable. Aprovecha a fondo el espacio, el diseño del trazo escénico es equilibrado y fluido, algunas de las acciones sólo son marcadas, a fin de dimensionar las distancias, y mantiene un ritmo preciso. Sobre el escenario casi vacío, permite que la fuerza del relato recaiga sobre las dotes interpretativas de su elenco, apoyándose en acordes musicales que dan realce a los diversos estados anímicos por los que atraviesan los personajes.

Tanto Víctor Huggo Martín (Alo) como Adriana Llabrés (Ale) brindan una labor histriónica plena de emotividad, proveyendo a sus personajes de múltiples matices.

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El equipo creativo está integrado por: Ro Banda, en dramaturgia y dirección, Ximena Bonilla, Paloma Quintanal y Ro Banda en producción general; Iván Sotelo es el productor asociado, Ximena Bonilla y Paloma Quintanal en producción ejecutiva, Miguel Moreno en diseño escénico original, Isaías Martínez en adaptación de escenografía, Isaías Martínez en diseño de iluminación, Kevin Arnoldo en diseño de vestuario y texturización, Brandon Torres en música original y diseño de audio, Ariadna Díaz en diseño de maquillaje, Nathalie Anfuso en diseño gráfico y fotografía, Ulises Ávila en fotografía en escena, Jorge Coll en difusión y RP, Rogelio Treviño/La Silla Teatro en administración, Jaime Castillo en construcción de vitral y reloj, Rosa González e Israel Ayala en realización de vestuario, Víctor Huggo Martín en utilería de Alo, Jonathan Persan en asistencia de dirección, y Karen Casab en asistencia de producción y como stage manager.

Resulta interesante pensar que la consanguinidad es más fuerte que el tiempo y la distancia. Acompaña a Alo y Ale en su inesperado reencuentro. Mientras más se acerquen el uno a la otra, más se irán identificando. Un suceso natural es ilustrado por la sensitiva pluma de Ro Banda y sublimado por las cálidas interpretaciones de Víctor Huggo Martín y Adriana Llabrés, dentro del marco provisto por el equipo creativo. Además de entretenerte, te conmoverá y es probable que te lleve a valorar mejor tus propios lazos familiares. Apresúrate, quedan pocas funciones.

Oler la sangre se presenta los lunes a las 20:30 horas en el Teatro Helénico del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución, número 1500, colonia Guadalupe Inn, Ciudad de México. La localidad tiene un costo de $250.00 pesos, con descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente. La temporada concluye el lunes 18 de septiembre de 2017.