Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

¿Y ÁGORA QUÉ?

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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Desde que estábamos en el colegio se nos dijo que México es una república democrática, representativa y federal.  En ese entonces, para comprender el significado de democracia, consultamos el diccionario y artículos al respecto, encontrando qué en sentido estricto, “la democracia es una forma de organización del Estado en la cual las decisiones colectivas son adoptadas por el pueblo mediante mecanismos de participación directa o indirecta que confieren legitimidad a sus representantes“.  En cuanto a su etimología, la palabra democracia proviene del griego democratía compuesta por los términos démos y krátos que se traducen como pueblo y poder, respectivamente.  Con el tiempo, nos preguntamos ¿realmente vivimos en un país democrático?  y  Teatro Entre 2 comparte esta inquietud.

 

Teatro entre 2 es una compañía franco mexicana con 8 años de trayectoria, su experiencia es amplia en interdisciplinas, ya que combinan teatro, multimedia, dibujos proyectados en vivo, pintura, música y canto.  Han desarrollado un estilo propio, al cual denominan “Cine Teatro” y tienen predilección por espectáculos que puedan salir a la calle en intervenciones urbanas sorpresivas.  Los fundadores e integrantes de la compañía Teatro entre 2 son Arnaud Charpentier, su director artístico,  Francia Castañeda, actriz, gestora y asesora artística, y Oliver Dautais, pintor francés, encargado de escenografía y diseño.  Algunas de las producciones de Teatro entre 2 son muy creativas.  Si no las has visto, te sugerimos vayas a ver RED, BLACK & SILVER de la autoría de Alejandro Román que se está presentando los viernes en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.

 

Además de su quehacer teatral, los miembros de Teatro entre 2 están acostumbrados a estar cerca de la gente e integrarla en sus intervenciones urbanas.  Esta cercanía no es sólo física, de vez en cuando, se identifican con su audiencia o coinciden con su forma de pensar.  Hace alrededor de medio año, cuando se llevaron a cabo las elecciones presidenciales, se escuchaban las diferentes propuestas de los candidatos y en todas o, al menos, en la mayoría, se mencionaba la palabra “democracia”.  Los de Teatro entre 2 pensaron qué no obstante que a menudo se le mencione, “la democracia real no aparece por ningún rincón“.  Esto los llevó a la reflexión de que “Dicha palabra fue perdiendo su sentido primordial (el poder en manos del pueblo) puesto que la democracia fue sustraída por el principio de representación: democracia = elecciones.  Ahora el ideal democrático no parece interesar a nadie el desencanto se generaliza y los viejos fantasmas de gobiernos de imposición y mano dura reaparecen en todos lados“..  Su conclusión fue que nos han educado para obedecer y delegar el poder, así que nos hemos convertido en ciudadanos pasivos.

 

Decidieron hacer algo al respecto desde su plataforma y concibieron su más reciente proyecto intitulado ¿Y ÁGORA QUÉ?, un proceso artístico multidisciplinario.   En la Grecia antigua se practicaba una democracia directa en la que se convocaba a todos los ciudadanos en la plaza pública de Atenas, llamada El Ágora, una vez que estaban allí reunidos, procedían a confrontar sus opiniones, participando activamente en el debate político en forma directa, sin representantes ni intermediarios, hasta tomar las decisiones requeridas.  Aquello era muy distinto de la forma en que funcionan las democracias modernas, representativas, heredadas de la revolución francesa del siglo XVIII.  Teatro entre 2 se formula esta pregunta:  “¿Acaso podría ser este siglo XXI una invitación a renovar nuestras prácticas democráticas?“.

 

La propuesta de ¿Y ÁGORA QUÉ? es organizar un ciclo de Mesas Redondas alrededor de los temas Ciudadanía y Democracia.

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Antes de dar inicio a dichas Mesas Redondas, Teatro entre 2 realizó una investigación durante varias semanas, a fin de preparar un cuestionario de 50 preguntas dirigido a los habitantes de CDMX.  Una dramaturgia de preguntas en espera de respuesta.  Entre éstas, ¿en qué confiamos?,  ¿cómo desempeñamos nuestro poder de ciudadanos?,  ¿estamos en democracia?,  ¿cómo seria un país ideal?.  Durante los meses de junio y julio de 2018 llevaron a cabo esta intervención levantando las encuestas con transeúntes en la calle de Balderas, en busca del diálogo, invitando a la gente a reflexionar sobre su realidad.   Esto les dio una idea más precisa de las opiniones de la población, con la cual habrán de trabajar a lo largo del proceso de ¿Y ÁGORA QUÉ?.  Cabe señalar que la intención de Teatro entre 2 es abordar lo político sin meterse en política, únicamente a modo de reflexión acerca del bien común.

 

Más adelante, durante el mes de octubre de 2018 Teatro entre 2 de nuevo salió a la calle para realizar los siguientes ejercicios invitando a las personas a participar con ellos  (1) el día 4 Tendedero Democrático en la Plaza de la Ciudadela;  (2) el día 13 Tendedero Democrático en el Parque de los Venados;  (2) el día 20 Callejero Dancing Club en la Plaza de la Ciudadela,  y (4) el día 27 Charlatería “El Ágora” en la Plaza de la Ciudadela.  Tanto en las encuestas como en estos cuatro eventos Teatro entre 2 pudo comprobar que la participación de la gente ha sido muy activa.

 

El día 6 de noviembre de 2018 se llevó a cabo la primera Mesa Redonda de ¿Y ÁGORA QUÉ?, denominada Ciudadanía Constituyente.  La cita fue en el cálido ambiente de la Cafetería del Centro Cultural El Hormiguero de Escena México Contemporánea -EMC-.  Arnaud Charpentier, director artístico de Teatro Entre 2, fue quien presidió la Mesa Redonda y fungió como moderador del evento, los invitados especiales, quienes participaron como oradores fueron Rubén Ortiz, creador teatral y Mora Fernández, quien es Fundadora y Directora General de Casa Mandarina, como sobreviviente de abuso sexual y explotación sexual durante su infancia, Mora ha dedicado su vida personal y profesional a defender a las mujeres, niños y niñas, dando voz a las víctimas al usar su propio testimonio para romper el silencio de esta deleznable epidemia silenciosa.

 

En la audiencia había representantes de medios, así como actrices y actores destacados en la escena mexicana, como Valentina Sierra, Marianella Villa, Aldo González, Ariesna González, entre otros.

 

De entrada, se proyectó un video en el que se mostraron imágenes del proceso de trabajo de ¿Y ÁGORA QUÉ?.  En los Tendederos Democráticos que Teatro Entre 2 instaló, la pregunta era “¿Y si usted fuera presidente?“.  A quienes quisieron participar se les entregaba una hoja de papel y un plumón, para que ellos escribieran o dibujaran su propuesta y luego la colgaran con pinzas en los lazos que para tal efecto colocaron entre los árboles.  En el Callejero Dancing Club, la dinámica era una coreografía democrática.  Los integrantes de Teatro Entre 2 se convirtieron en grupos de bailarines en espera de un maestro, a fin de que quien así lo deseara les mostrara algunos pasos o, por lo menos, su paso favorito, a fin de ceder la batuta a la gente, de la manera más lúdica y directa posible, otorgándoles el poder metafóricamente.  En cuanto a La Charlatería “El Ágora”, se trataba de un café democrático en plena plaza pública, con mesas, sillas y un grupo de meseros que ofrecían un menú de temas, en lugar de platillos, a fin de confrontar argumentos y nutrirse de las opiniones de los demás, al mismo tiempo que se expresaban las propias.  En todas las imágenes se pudo ver que muchas personas participaron en forma activa, algo de sorpresa y mucho de alegría.

 

Luego de que Arnaud Charpentier hiciera la presentación oficial de ¿Y ÁGORA QUÉ?, se dio la palabra a los invitados especiales Mora Fernández y Rubén Ortiz, quienes ofrecieron sus opiniones con respecto al tema de Ciudadanía Constituyente y  algunas propuestas para intentar vivir en democracia.  Así mismo, algunos de los asistentes elevaron su voz para expresar sus pensamientos y sugerencias.

 

La Mesa Redonda Ciudadanía Constituyente  derivó en un grato convivio, en el que continuamos charlando sobre el tema, mientras degustábamos unas exquisitas tablas de queso y delicioso vino.

 

En lo que resta del año el Comando Democrático de Teatro Entre 2 continuará su proceso de trabajo de ¿Y ÁGORA QUÉ? y llevarán a cabo nuevas intervenciones correlacionadas.

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El futuro que espera a  ¿Y ÁGORA QUÉ? es que en 2019 todos los documentos recabados durante seis meses, las encuestas, las memorias fotográficas y los videos servirán de base para una presentación final que será exhibida en varios lugares en fechas distintas, mismo que habrá de constituir un testimonio vivo contado por los artistas y los participantes durante toda la travesía.  El proceso dará lugar a la creación de un espectáculo teatral de calle bajo el nombre de Los Demócratas Anónimos, con dramaturgia de Verónica Maldonado, quien ha seguido muy de cerca el proceso de trabajo de ¿Y ÁGORA QUÉ? desde su inicio.

 

Sin lugar a dudas ¿Y ÁGORA QUÉ? es una propuesta muy interesante que podría despertar al ciudadano pasivo que hay dentro de nosotros, instándonos a alzar la voz y ser más participativos en busca del bien común.  ¿Te gustaría participar?  Quedas cordialmente invitado a la próxima Mesa Redonda cuyo tema es Espacio Público y Ciudadanía.  Los invitados especiales serán Guillermo Bernal / Encuentro Placemaking  y  José Luis Araiza / Espacio Vital.  Además de escuchar sus ponencias, podrás expresar tus opiniones y por ahí verás a los creativos de Teatro Entre 2 y a gente de teatro, cine o televisión.   Anímate, conocer voces autorizadas y de gente como tú y como yo siempre es atrayente.  Todos queremos un México mejor y, para eso, hay que comenzar por ser un buen ciudadano.

 

¿Y ÁGORA QUÉ?

MESA REDONDA ESPACIO PÚBLICO Y CIUDADANÍA

se llevará a cabo el

martes 27 de noviembre de 2018 a las 20:00 horas en el

CENTRO CULTURAL EL HORMIGUERO

ubicado en Gabriel Mancera número 1539

Colonia Del Valle Sur

Ciudad de México

 

Entrada libre

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Don Juan Tenorio y el #metooo

 Don Juan Tenorio Toputshi

Don Juan Tenorio cumple 20 años de ser interpretado bajo la dirección de Ana Nolasco, con Noé Nolasco, (Don Juan) Jaime Cortes, (Don Luis) César Real, (Comendador) Kizai Maldonado (Doña Inés) y  Ana Nolasco (Brígida). A Noé, usted lo identifica porque tiene el grupo Toputshi Teatro con una gran variedad de obras (Princesas desesperadas es una, Comala.com es otra) Sucede que en la Universidad Obrera fui a develar placa junto con Tomás Urtusástegui, hicimos varias consideraciones sobre la obra: bien actuada, con trajes elegantes, magnífica escenografía, el lugar es muy bello; dicen el verso con apego a la veracidad teatral. La parte mala -en broma- es que las del movimiento #metoo van a colgar de una lámpara a Don Juan Tenorio, por aquello de “yo a los palacios subí, a las cabañas bajé y en todas partes dejé recuerdo amargo de mi”. ¡Y que obtiene el amor de la novicia!”. Fue una gran noche.

 

El espíritu de la pastorela

También fui invitado a develar otra placa “El Espíritu de la Piñata”, que dirige Juan Manuel Martínez Centella. Se trata de un trabajo serio que reúne a egresados de la Escuela Virginia Fábregas que dirige Isaac Pérez Calzada, quien también acudió a develar. Se trata de una pastorela que cumple 20 años también y que no usa palabras (mínimo uso de texto) y logra mantener la risa de todo mundo.

Es un grupo muy grande, Luis Navarro, José Antonio Lavalle, Tatiana Mendoza, Erika López y muchos otros, 112 actores han pasado por esta obra, que ha tenido éxito en todos los foros, principalmente en el Museo José Luis Cuevas que fue donde esa noche se develó la placa. Felicitaciones a ambos grupos.

 

Atracción fatal, con un desnudo que parecía imposible

Ha tenido mucho éxito Atracción fatal que estelariza Itatí Cantoral, la dirección de Antonio Castro ha logrado imprimir un ritmo diferente al original cinematográfico; y Juan Diego Covarrubias logra convencer como el atribulado hombre que tiene una aventura que le cuesta un problemón; Fabiola Guajardo es la esposa que logra entender que un desliz es sólo eso, el producto de un encuentro casual; que no debería de dar como resultado un problema jurídico tan complicado.

Mucho se ha comentado sobre el desnudo que tiene Itatí, que no era necesario se ha llegado a decir, que si es como la película misma: tan solo una truculenta maquinación para motivar al público. No lo creo, una vez que se determinó que entraba la escena, lo siguiente era probar el resultado y todo parece indicar que funciona muy bien, en gran parte por la belleza de la actriz. Deme usted su opinión. La puede ver en el Teatro López Tarso de San Ángel.

 

LOS MANSOS

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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El teatro es tan universal que permite la convergencia de creadores de distintas latitudes.  El ilustre escritor ruso Fiódor Dostoyevski (1821-1881) escribió “EL IDIOTA“, la cual es considerada una joya literaria. En nuestro idioma podríamos pensar que idiota es sinónimo de tonto, pero con ese calificativo, la intención de Dostoyevski era la de implicar que su protagonista Lev Nikolaievitch Myshkin encarna las virtudes asociadas con el espíritu cristiano.

 

El autor argentino Alejandro Tantanian para escribir LOS MANSOS, tomó como base “EL IDIOTA” de Dostoyevski. combinándolo con la historia de su propia familia y la biografía de los actores de su montaje original realizado en el año 2005.  Se trata de una apología a LOS MANSOS, entendiéndose estos como personas inocentes, de buena fe, tal como se referencia en el versículo de Mateo 5:5-8 que dice:  “Bienaventurados los mansos, porque ellos recibirán la tierra por heredad“.  En su obra, Tantanian cambia la ubicación de Rusia a Argentina y sólo se queda con tres de los personajes de “EL IDIOTA”.  Tantanian es uno de los más importantes creadores teatrales de Argentina, tiene en su haber numerosos premios nacionales e internacionales.  Sus obras han sido traducidas a diversos idiomas y se han representado en Argentina, Brasil, Uruguay, Francia, España, Italia, Bélgica, Austria, Alemania y, ahora, en México.

 

El mexicano Agustín Meza ha dedicado casi toda su vida al teatro, es muy talentoso y tiene la sensibilidad a flor de piel. Es un creativo que no se ciñe a cánones establecidos ni cae en lugares comunes. Todo reto le apasiona y su convicción es la de que el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  El teatro que concibe Agustín Meza no se limita a un texto escrito ni a un foro específico, él prefiere intervenir espacios, en particular, aquellos en los que jamás se ha hecho una escenificación.  Tras años de investigación, práctica y exploraciones, Agustín Meza creó el concepto del teatro de la tersura, cuya finalidad es tocar el corazón del espectador, en virtud de que para Agustín el espectador es de relevante importancia y su ideal es que se integre lo más posible, aun cuando sea sólo en su sentir.  En algunos de sus montajes, incluso, ha incorporado al público en forma directa.  Agustín es fundador y director general de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO es un colectivo escénico mexicano, cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética. Tiene una trayectoria de 23 años, durante la cual ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales.

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En palabras de Agustín Meza, “LOS MANSOS es un texto de gran fuerza poética que da cuenta de ciertos procedimientos narrativos presentes en la obra de Fiodor Dostoievski: la polifonía, el doble, la autobiografía como cantera para la producción de ficción. Es un grito lleno de nostalgia y al mismo tiempo de furia por comprender el soplo de la vida. Es un refugio para los que no comprendemos absolutamente nada en ese frío río del tiempo“.  La frase promocional de la obra es:  “Mi historia es un cuchillo“.

En LOS MANSOS se habla de fronteras, amor / odio, vida / muerte, exilio / aventura, presente / pasado, estabilidad / caos, salud / enfermedad,  humanidad / espiritualidad,  fuerza / fragilidad, por citar algunas.  Sin embargo, en estas fronteras no existen linderos, los opuestos se mezclan o se fusionan.  Agustín Meza sigue en su trazo escénico esta tónica y va develando la trama poco a poco en un impresionante balance cual si fuera un rompecabezas que se va armando hasta que todas las piezas encajan en su lugar.  La pulcritud de cada escena es absoluta.  Somete a su elenco a un tour de force, ya que cambian de estado de ánimo en forma inmediata, utilizando para ello todas sus herramientas histriónicas, como voz, expresión, corporalidad e intención para reflejar fielmente lo que vive su personaje o ellos mismos.  La cadencia que imprime Agustín Meza a las acciones dota a la puesta en escena de voluptuosidad y misterio.

Desde que Tantanian escribió LOS MANSOS proyectó que el montaje debía ser interviniendo un espacio no convencional, en ruina y abandono, así que Agustín Meza determinó que la representaría en el sótano del teatro en lugar de hacerlo en éste.  Por tal motivo, la primera impresión que recibe el público es llegar a un sitio que no ha sido utilizado en largo tiempo, con evidentes huellas de abandono y descuido, como los boquetes que hay en el techo.  Es en este sitio fuera de lo acostumbrado donde se encontrará con  Parfion Semionovitch Rogojin,  Nastasia Filipovna Barashkov  y  Lev Nikolaievich Myshkin.

Una vez que dan la tercera llamada, comienza el relato.  Rogojin y Nastasia están a punto de casarse. En tanto que Rogojin es serio, Nastasia es bella y jovial, pero al mismo tiempo enigmática.  Le place contrariar a Rogojin de vez en cuando.  Ante esos desplantes, Rogojin piensa “el sueño de la razón produce monstruos“.   Nastasia atesora recuerdos de su niñez “Mi mamá decía que en Rusia, durante la guerra, se creía que para salvar al mundo había que cruzar un río con una vela encendida de orilla a orilla“.  Ambos han entablado amistad con Myshkin.  A Nastasia le atrae la personalidad de Myshkin y le encanta platicar con él, pero podría estar jugando con fuego.  Rogojin es celoso y Myshkin, al parecer, se ha enamorado de Nastasia.  Suele decirle “Eres hermosa, muy muy hermosa“.  En casa de Myshkin se puede apreciar una réplica de la pintura “El cuerpo de Cristo muerto en su tumba” del artista alemán Hans Holbein el Joven (1497-1543), una imagen estremecedora.

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El elenco está conformado por:  Genny Galeano (Nastasia),   José Luis Villalobos (Rogojin)  y  Xavier Lara Mora (Myshkin),  quienes ofrecen interpretaciones espléndidas, con destreza suben y bajan en el carrusel de emociones, alcanzando matices sorprendentes.

La composición y la extraordinaria ejecución musical por parte de Steven Brown privilegia el montaje.

Además del concepto, el montaje y su magistral labor de dirección, Agustín Meza con gran acierto diseñó el espacio escénico, imparte la iluminación, la proyección multimedia y el vestuario.

LOS MANSOS forma parte de LA ROSA DE LOS VIENTOS, un proyecto escénico de la COMPAÑÍA DE TEATRO EL GHETTO que tiene como objetivo enriquecer y fortalecer el desarrollo del teatro de intención artística y propuesta escénica en el Sur y en el Norte del País.

LOS MANSOS es presentada por la Secretaría de Cultura y la Compañía de Teatro El Ghetto, en colaboración con Sahumerio Producciones.

Rusia, Argentina y México se hermanen en esta puesta en escena.  La joya literaria escrita por Dostoyevski en la versión de Alejandro Tantanian y el montaje de Agustín Meza hacen de LOS MANSOS una verdadera obra de arte plena de magia y teatralidad.   El relato es poético y potente, la dirección inmejorable, los personajes entrañables, la música espléndida y la estética visual añade esplendor.  No pierdas la oportunidad de acudir a verla, descubrirás nuevas perspectivas para ver teatro y para la vida misma.  Recuerda que las temporadas son breves, así que apresúrate.

 

LOS MANSOS

se presenta  martes  y  miércoles  a las 19:00 horas en el

SÓTANO del

TEATRO ISABELA CORONA

ubicado en el Eje Lázaro Cárdenas número 445

–Estación Tlatelolco del Metro–

Colonia Tlatelolco

Ciudad de México

La duración es de:  90 minutos

El costo de la localidad es de $150

Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente

La temporada concluye el martes 11 de diciembre de 2018

 

 

70 ANIVERSARIO DEL ITI UNESCO

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

 

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En el acta constitutiva del INTERNATIONAL THEATRE INSTITUTE -ITI- (Instituto Internacional de Teatro -ITI, por sus siglas en inglés) redactada por su Comité de Expertos quedó asentado lo siguiente:  “considerando que el arte del teatro es un modo universal de expresión de la humanidad y crea vínculos en todo el mundo entre grandes grupos de personas, a través de la influencia y poder que ejerce sobre ellos, se decide formar un centro internacional independiente, que se conocerá como Instituto Internacional de Teatro“, dicha acta fue ratificada  en el Congreso de la UNESCO.  posteriormente, en colaboración con el Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-, dirigido en ese entones por Carlos Chávez, el día 3 de noviembre de 1948, a instancias del ITI, representado por su Secretario General, Maurice Kurtz, fue creado el Centro Mexicano ITI y se designó como su primer presidente a Salvador Novo, quien ocupaba el cargo de Director del Departamento de Teatro del INBA.

 

A partir de la constitución del Centro Mexicano ITI, sus objetivos se han centrado en promover e intercambiar conocimientos y prácticas sobre el arte del teatro con el propósito de consolidar la paz y la hermandad entre los pueblos, así como la de estrechar los lazos de comprensión mutua e incrementar la cooperación en el dominio creativo entre toda la comunidad teatral.

 

Entre sus múltiples actividades, cada año el Centro Mexicano ITI conmemora su aniversario otorgando diplomas para reconocer la excelencia de creadores destacados y otorga medallas de “Mi Vida en el Teatro” a quienes lo merecen.

 

En conmemoración de su septuagésimo aniversario, se llevaron a cabo dos eventos para la entrega de los reconocimientos a la Excelencia.  El primero de los actos fue en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris luego de una presentación del Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, dentro del marco de la Muestra Nacional de Teatro 2018, y el segundo fue la Gran Gala de la IT UNESCO en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

 

En la ceremonia de GRAN GALA se imprimió la solemnidad que amerita el prestigio del ITI UNESCO – INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO Y CENTRO MEXICANO, pero al mismo estuvieron presentes la jovialidad y la alegría.

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El acto fue presidido por Isabel Quintanar, directora del CENTRO MEXICANO del ITI UNESCO, quien hizo pasar al estrado a Héctor Anaya y José Jesús Calzada Gómez, para que la acompañaran.  Se rindió homenaje a Salvador Novo, por ser el primer presidente del CENTRO MEXICANO del ITI UNESCO.  Héctor Anaya y José Jesús Calzada Gómez leyeron los escritos que llevaban preparados para tal efecto.  En sus ponencias enumeraron los méritos, la cultura y los logros de Salvador Novo, pero también compartieron anécdotas personales de vivencias del ilustre mexicano, lo cual hizo aún más interesantes y divertidas sus narrativas.  Luego se proyectó un video con detalles y datos del ITI UNESCO, desde su fundación hasta la fecha, incluyendo una remembranza de todos los presidentes del CENTRO MEXICANO del ITI UNESCO a lo largo de su existencia, así como imágenes de eventos especiales y logros alcanzados.

 

Tobias Biancone, Direcror General del ITI UNESCO dirigió palabras a los asistentes, tanto al inicio como al final de la ceremonia.  Lo más notable fue la forma tan emotiva en que habló del Ballet Folklórico de México, refiriendo que la función que presenció el día anterior le había conmovido.  Agradeció profundamente la hospitalidad con que fue recibido y tratado en nuestra Ciudad de México.  También dijo estar sorprendido por tanta gente que hace teatro en nuestro país.  Concluyó sus discursos alabando con toda sinceridad la riqueza cultural de México  y  sentenció que se puede conseguir un mejor mundo mientras exista más riqueza cultural y más paz.

 

Se podría decir que hubo un poco de todo.  Desde luego, la emotividad de presenciar el orgullo y agradecimiento de los galardonados;  lo ilustrativo y conmovedor fueron algunas frases de los participantes elogiando el teatro en general y el nivel que tiene el teatro en México;  lo inédito fue que Isabel Quintanar pidió a Alberto Lomnitz, Coordinador Nacional de Teatro que hiciera el favor de traducir simultáneamente las palabras emitidas por Tobias Biancone, quien es director general del ITI UNESCO y estuvo de visita en México para la conmemoración que nos ocupa;  la cordialidad de risas y abrazos de gente que no se había visto en años al coincidir en el evento;  la admiración hacia personalidades que han destacado en sus áreas a base de esfuerzo y empeño,  y  lo más tierno surgió cuando al entregar el galardón a Alejandro Bichir, él dijo que no hacía falta que le dieran otra medalla pues ya tenía una en su casa y, desde el fondo de la sala se escuchó claramente una voz infantil que dijo “Pero, ¡yo sí la quiero!“, ante lo cual Isabel Quintanar entregó la medalla, a pesar de las protestas de Bichir, para que se la entregara a quien lanzó el grito, que no era otro sino el biznieto de Alejandro, un chiquillo con cara angelical, pero que demostró a la audiencia su carácter y la forma de conseguir lo que se desea.

 

También hubo canto, la cantautora Belem Liceaga (una de las galardonadas) entonó el Himno al Teatro del Centro Mexicano que ella compuso para ser presentado en este significativo evento.

 

Una vez concluida la ceremonia, los asistentes departieron una copa de mezcal en un alegre convivio en la terraza de la Sala Manuel M. Ponce.

 

En el septuagésimo Aniversario del ITI UNESCO INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO Y CENTRO MEXICANO 1948-2018, los reconocimientos a la Excelencia fueron otorgados a:

 

BALLET FOLKLÓRICO DE MÉXICO DE AMALIA HERNÁNDEZ, grupo de ballet reconocido a nivel mundial, creado en 1952 por Amalia Hernández, destacada bailarina y coreógrafa mexicana.  Amalia Hernández se dedicó por muños años a rescatar las tradiciones dancísticas de México para proyectar al mundo la belleza del universo en movimiento, a través de las culturas precolombinas, las influencias españolas en la época del Virreinato y la fuerza popular de los tiempos revolucionarios.  Actualmente la compañía es dirigida por Salvador López López y por Viviana Basanta Hernández en la dirección artística, quienes son nieto e hija menor de la reconocida fundadora.

 

SOCIEDAD GENERAL DE ESCRITORES DE MÉXICO -SOGEM– creada en 1976 al fusionarse la Sociedad de Escritores de Cine, Radio y Televisión con la Sociedad de Autores Mexicanos que afiliaba escritores escénicos y literarios, quedando así constituida una sociedad que abarca las cinco ramas de actividad literaria creativa:  Televisión, Cine, Radio, Teatro y Literatura.  A la fecha esta Sociedad agrupa a más de mil quinientos autores y forma parte de la Confederación Internacional de Sociedad de Autores y Compositores -CISAQ-, organismo internacional donde están afiliadas las principales sociedades autorales de todo el mundo.

 

ASOCIACIÓN NACIONAL DE ACTORES -ANDA- fundada en noviembre de 1934 como sindicato independiente de actores para reunir a todos los gremios del oficio en México.  Dos años más adelante se incorporó a la Unión de Trabajadores de Estudios Cinematográficos -UTEX-, la cual, a su vez, era subordinada de la Confederación de Trabajadores de México -CTM- y se conjugó con el Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica de la República Mexicana -STPC-, al separarse del Sindicato de Trabajadores de la Industria Cinematográfica -STIC-, misma que, a diferencia del STPC, sí era independiente de la CTM.  En la actualidad, la ANDA es miembro del Bloque Latinoamericano de Actores .BLADA- que incluye a todas las asociaciones de actores de Latinoamérica.  El actual Secretario Suplente de la Anda es el popular actor Jesús Ochoa.

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CENTRO NACIONAL DE INVESTIGACIÓN, DOCUMENTACIÓN E INFOMACIÓN TEATRAL RODOLFO USIGLI – CITRU- organismo de investigación teatral más importante del sector público a nivel nacional, toda vez que tiene la tarea de documentar, investigar y difundir el teatro mexicano.  Hasta el momento, trabaja sobre ocho líneas de investigación:  Dramaturgia,  Gestión y Políticas Culturales,  Historia,  Pedagogía,  Performance,  Procesos creativos a partir de la producción de bitácoras,  Teatrología  y  Transdisciplina.   Lugar de intercambio de conocimiento artístico, cuya labor es la construcción y la transmisión de la memoria teatral en México, pensada desde el contexto nacional e internacional.  La labor de sus investigadores ha permitido la visualización y estudio de distintas manifestaciones escénicas dentro de la historia de México.  Su trayectoria de casi 4 décadas de generación de saberes ha transformado al CITRU en un espacio educativo y de formación de investigadores con los recientes programas de posgrado:  Doctorado en artes (artes escénicas, artes visuales e interdisciplinar), en colaboración con los otros tres centros de investigación en danza, música y artes visuales, y la Maestría en investigación Teatral.

 

PASO DE GATO.   Fue en 2001 cuando el destacado dramaturgo Jaime Chabaud concretó su concepto y con un equipo de gente muy ligada a las artes escénicas inició las actividades de PASO DE GATO como revista de teatro.  Con el tiempo el proyecto se ha desarrollado y su crecimiento es evidente.  Su contenido es información actualizada de lo que sucede en las artes escénicas, estimulando y difundiendo la creación, el arte teatral y los proyectos escénicos.  Tanto la información especializada como la promoción cultural hace que el lector se adentre en las propuestas, para una mejor comprensión y aprendizaje, así como elevando temas para ser reflexionados y/o discutidos.  La calidad de sus textos e imágenes es reconocida por toda la gente.  En 2005 PASO DE GATO ganó el Premio Nacional de comunicación Pagés Llergo a la mejor publicación cultural.

 

JOSÉ JESÚS CALZADA GÓMEZ, escritor escénico desde 1979 y guionista e TV desde 1984.  Comenzó su trayectoria desde su graduación en la Universidad de París III (Sourbonne Nouvelle), así como de los diplomados que tomó sobre lenguaje visual fílmico y géneros cinematográficos en la Cinémathèque Française y la Acádemie de la Rue Blanche, en París, Francia.  Se ha desempeñado como autor, adaptador y editor de telenovelas y series para Televisa, TV Azteca y XEIPN Canal 11 en la Ciudad de México.  Ha recibido premios nacionales e internacionales en sus facetas de autor teatral y guionista de televisión. En 1979 fundó, junto con Tita Elizalde, el Titiriglobo INBA-FONAPAS, primera sala a nivel nacional consagrada exclusivamente al teatro de títeres en la Ciudad de México.

 

HÉCTOR ANAYA, Escritor, periodista, docente, editor y promotor de la cultura.   Como periodista de prensa, televisión y radio, ha realizado numerosas entrevistas, crónicas ,reportajes y comentarios.  Se le han otorgado premios por cuento, periodismo, guion de cine y de radio.   Es maestro fundador de la Escuela de Escritores de SOGEM, donde, además de tener el cargo de Director,  imparte clases de Creación Literaria, de lecturas de Clásicos Castellanos y Clásicos Universales.  La docencia también la ha ejercido en la UNAM, la UAM, la Universidad Pedagógica y el IPN.  Ha participado como conductor, comentarista y coordinación en populares programas de radio y de televisión a lo largo de su trayectoria.

 

RAMIRO OCHOA, quien es director del Teatro Mayor de Bogotá, Colombia.  Ha sido ministro de cultura de Colombia, director del Festival de Teatro Iberoamericano de Teatro de Bogotá,  Director General del proyecto ARTeria, de la SGAE.  Es maestro de Letras Españolas de la Universidad de Guanajuato, México.  Maestro y Director de Teatro de la Universidad Javeriana de Bogotá, Colombia y de la Universidad de Guanajuato, México.  Así mismo, es Gestor cultural y director de teatro.   Ha ocupado diversos cargos en Festivales, en el  Gobierno de Colombia, en la Asamblea de Gobernadores del Banco Interamericano de Desarrollo -BID- y fue director de Cultura y Desarrollo del BID en su sede de París.  También ha sido consultor de la UNESCO,  director del Festival Cervantino de Guanajuato, México en el período 2001-2006 y del Festival de Sevilla Entre Culturas 2005-2006,  presidió la coordinación de cultura de la Secretaría General Iberoamericana -SEGIB-, en su sede de Madrid, y fue Embajador de Colombia en México en el año de 1994.

 

JESÚS OCHOA, Actor y comediante mexicano.  Comenzó su carrera escénica en 1974 en Hermosillo, Sonora, para luego, en 1979, trasladarse a la Ciudad de México, a fin de estudiar en el Instituto de Arte Escénico de Miguel Córcega  A partir la culminación de sus estudios, ha trabajado incansablemente en teatro, cine y televisión.  Ha recibido numerosos reconocimientos y premios a lo largo de su carrera y se ha ganado a pulso el cariño del público por ser, sin lugar a dudas, uno de los mejores comediantes de México.  En 208 fue electo Secretario General de la ANDA.

 

ARTURO DÍAZ SANDOVAL, quien es el actual director del CITRU (2014-1019).  Cursa el doctorado en Cartografías de artes Contemporáneo, es maestro en investigación de la Danza por el Instituto Nacional de Bellas Artes y v Literatura -INBA- y obtuvo su licenciatura en Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Durante su gestión, ha impulsado los procesos de investigación-creación, a través de la organización de eventos vinculantes entre las prácticas paradigmáticas del teatro y las teatralidades.  Así mismo, ha contribuido a impulsar el Doctorado en Artes (artes escénicas, artes visuales e interdisciplinas) y la Maestría en Investigación Teatral, ambos del INBA y que son programas en curso.  Ha publicado varios artículos sobre documentación y políticas teatrales en México y el extranjero, además de otros sobre temas literarios y teatrales diversos.

 

JAIME CHABAUD, dramaturgo, guionista, docente e investigador mexicano.  Se licenció en Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras, así como en cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, ambos de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.  Tiene en su haber más de 130 obras de teatro y varios de sus trabajos de investigación han sido publicados a nivel nacional e internacional.  Es fundador y director de la Revista PASO DE GATO, la cual se distribuye en México y el extranjero.   Su labor de docencia la ha ejercido tanto en la Ciudad de México como en otras ciudades del mundo, por lo general, en eventos mexicanos organizados por las autoridades culturales de nuestro país.  Su obra ha sido traducida a numerosos idiomas y ha recibido múltiples premios y reconocimientos, entre los cuales destacan:  el Premio Nacional de Dramaturgia Juan Ruíz de Alarcón 2013,  el Premio Teatro del Mundo 2010 de la Universidad de Buenos Aires, Argentina,  y  el Premio Nacional de ]dramaturgia Víctor Hugo Rascón Banda 2006.

 

MARIO ESPINOSA, reconocido director de escena.  Es egresado del Centro Universitario de Teatro -CUT-de la UNAM.  Realizó estudios adicionales con Ludwik Margules y Alejandro Luna en México y en cursos en Alemania, Gran Bretaña y Estados Unidos, invitado por instituciones culturales y escénicas de esas naciones.   También tiene licenciatura en economía por la Universidad Autónoma Metropolitana -UAM, campus Xochimilco.  Ha dirigido más de 30 puestas en escena de teatro y ópera.  Tiene en su haber diversos premios y distinciones, entre los que se cuentan la Medalla Xavier Villaurrutia que el INBA le otorgó en 2014 como reconocimiento a su trayectoria en favor del teatro mexicano,  y  la Luna del Auditorio Nacional por la mejor producción operística de 2010, intitulada “Únicamente la verdad  …”  También ha ocupado cargos como Jefe de Teatros del Instituto Mexicano del Seguro Social -IMSS-, Coordinador Nacional de Teatro del INBA, Secretario Ejecutivo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-,  director del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Distrito Federal,  y  Director del CUT de la UNAM.

 

NELLIE HAPPEE, una bailarina y coreógrafa destacadísima.  Nacida en la Ciudad de México en 1930, Nellie Happee estudió en la Academia Cultural Alma Mexicana, en la Escuela Nacional Nellie Campobello y en la Royal Academy of Londn, en Londres, Inglaterra.  Su formación inició al lado de grandes figuras como Nelsy Dambré, Xavier Francis, Madame Bronislava Nijinska en Inglaterra, Cuba, Estados Unidos, Francia e Inglaterra.  Así mismo, cursó estudios en otras disciplinas, como filosofía, música, literatura y pintura, todas las cuales son base de su inspiración para las creaciones coreográficas.  Su legado está conformado por más de 50 obras, creaciones para compañías y ballets tanto nacionales como extranjeras.  Forma parte de la Academia de las Bellas Artes de la Legión de Honor Nacional, miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fonca.   Entre los premios y reconocimientos que ha recibido, destacan el Premio Guillermina Bravo 1997,  la Medalla Conmemorativa de Bellas Artes por sus 50 años de trayectoria artística en el año 2000 y su nombramiento por parte del FONCA como Coreógrafa Emérita en el 2001.  Esta mujer de figura tan menudita es poseedora de un talento de enorme dimensión.

 

ISABEL BETETA DE COU, bailarina clásica.  Es egresada de la Universidad de Rice, Houston, Estados Unidos de América, tiene licenciaturas en Historia del Arte,  Literatura Francesa  y Artes Plásticas.  Inició su formación de bailarina clásica bajo la tutela de Margarita Contreras, para luego incursionar en el mundo de la danza profesional como aprendiz del ]Taller Coreográfico de la UNAM y como bailarina de Danza Libre de la UNAM.  Ha sido integrante de las agrupaciones Metrópolis y Contempodanza, de los cuales también es una de las fundadoras.  En su haber tiene numerosos reconocimientos y galardones por sus destacadas participaciones.  Así mismo, escribió reseña y crítica de danza para las revistas Tiempo Libre y Vértigo.  En 1981 fundó el Centro Cultural Los Talleres, A.C. y lo dirige hasta la fecha, además de impartir cursos de danza contemporánea, siendo los más importantes el premio como intérprete SOMEC.VITARS 2004 y el XXI Premio Nacional de Danza José Limón 2008.  Desde 1993 es directora y productora de Nemian.  Es miembro de SOMEC y del Colegio de Coreógrafos.

 

EDITH ADRIANA DELGADO RAMÍREZ, originaria de Morelia, Michoacán, imparte clases de Filosofía de la Cultura, es licenciada en Artes Escénicas, bailarina, actriz, coreógrafa y terapeuta.  Es pionera en el desarrollo y aplicación del concepto de Arte y Discapacidad en México.  Fue directora y fundadora del Grupo “OLLIN”, el cual es un grupo de danza teatro integrado por personas con discapacidad y bailarinas profesionales.  Se le reconoce por su propuesta de integrar el Método Feldenkrais de Educación Somática a la danza y al teatro.  Es Socia fundadora de la Asociación Mexicana del Método Feldenkrais y de Bicivilizate Michoacán, A.C., así como Presidenta de Arte Espacio, Movimiento Infinito, A.C.  En dos ocasiones ha sido becaria del FONCA.  Recibió el Premio Educación por el ]Arte en 2002  y  el Premio al Mérito Artístico en 2010.  En su faceta de docente ha impartido cursos, talleres y conferencias en países como Rumania, Finlandia, Portugal, Perú, Brasil, El Salvador y Filipinas, donde también ha presentado obras suyas.

 

 MARTHA VALDIVIA JIMÉNEZ nacida en la ciudad de Reynosa, Tamaulipas, es diplomada en Artes Escénicas.  Desde 1989 se dedica a gestionar proyectos culturales en beneficio de la niñez y la juventud en el Estado de Tamaulipas.  A partir del año 2008 es directora de teatro para niños y niñas, donde ha logrado que sus obras sean seleccionadas para su presentación en diversos eventos importantes, como el Congreso Nacional por los Derechos de Niños,  el Encuentro Nacional de los Amantes de Teatro, en sus ediciones novena y undécima, el Maratón de Teatro para Niños y Jóvenes de la Coordinación Nacional de Teatro,  el Encuentro Estatal de Rafael Solana de Tamaulipas,  el Festival Teatral Chicos y Chicas a Escena en Xalapa, Veracruz, donde ganó el primer lugar a nivel nacional.   A invitación de Berta Hiriart participó con su testimonio en el Cuaderno poara la Experimentación Teatral con Niñas y Niños, editado y publicado por la revista Paso de Gato, con el apoyo de la Coordinación Nacional de Teatro del INBA.  En el concurso Estatal de Teatro Rafael Solana en Tamaulipas ha sido premiada como actriz en dos ocasiones.  Su trayectoria en el impulso y apoyo a la niñez y juventud tamaulipeca ha sido reconocida por diversas instituciones culturales y educativas, así como por clubes de servicio.

 

BELEM LICEAGA ROSALES, quien se desempeña como músico, cantante y compositora, comenzó estudiando guitarra clásica desde los 7 años de edad, para más adelante cursar estudios superiores en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Tamaulipas.  Una vez que egresó, continuó sus estudios, a fin de especializarse en bajo eléctrico, musicoterapia, grabación digital, producción escénica, composición y arreglos musicales.  En su faceta de compositora y arreglista de música escénica ha creado obras inéditas para coreógrafos, bailarines, directores de teatro, artistas visuales, artistas plásticos, dramaturgos y escritores, nacionales e internacionales.  Como empresaria es productora independiente del estudio de grabación Marciano LAB en San Cristóbal de las Casas, donde reside.  Su experiencia como músico es muy amplia.  Como docente, ha impartido clases en la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Tamaulipas, en el Laboratorio MIDI y Audio, ha sido musicoterapeuta en el CREET de Ciudad Victoria, Tamaulipas y Jefa del Departamento de Difusión Cultural en el área de música del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes, a la vez que ha impulsado la creación de 16 orquestas y coros infantiles y juveniles alrededor del Estado de Tamaulipas.  En la actualidad, Belem Liceaga está impulsando el fortalecimiento de la musicoterapia en el Estado de Chiapas, proyecto en gestión y la Asociación Gaditana de Musicoterapia de la Universidad de Cádiz, España.

 

GABRIEL ENCISO, quien luego de obtener su licenciatura en Comunicación de la UNAM, se ha desempeñado como gestor y productor de festivales culturales y espectáculos de artes escénicas, a través de los cuales descubrió la complejidad del fascinante mundo del teatro.  En 2012 ingresó al Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura como asistente de producción y actualmente ocupa el cargo de Subdirector de Producción Teatral, donde tiene la responsabilidad de atender las necesidades de las compañías nacionales e internacionales que  se presentan en los siete recintos de la Coordinación Nacional de Teatro.

 

SONIA ENRÍQUEZ, dramaturga, actriz, directora, docente e investigadora.   Egresada del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, fue Maestra de Arte Dramático en el IMSS.  Entre sus obras teatrales más destacadas podemos citar:  Cinco Conejo o el Nacimiento de Tepoztécatl,  La mascarada,  María Epifania,  El caminante  y  La mujer dormida.  Desde el año 2005 fundó el Ciclo de Taller – Festival de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos en el Oriente del Estado de México.  Hasta la fecha continúa dirigiéndolo, asesorando y promoviendo.  En dicho taller se han creado más de 90 obras.  En sus talleres participan personas que en ocasiones ni siquiera han ido al teatro y se dedican a oficios distintos en su localidad.  Sonia ha dedicado sus esfuerzos a rescatar leyendas que pasan de boca en boca, de generación en generación, e insta a sus alumnos a escribir sobre éstas para mantenerlas vigentes y hacerlas del conocimiento de las nuevas generaciones.  En abril de 2010 el Latin American Theatre Review de la Universidad de Kansas publicó el artículo de Sonia Enríquez intitulado Seis Ciclos de Dramaturgia Comunitaria Mexicana, con lo cual su loable labor ha trascendido fronteras.

 

MEDARDO TREVIÑO, director, actor y dramaturgo.  Medardo Treviño es un referente obligado como uno de los hombres más importantes del Noroeste del país.  En todo el territorio nacional goza de reconocimiento y está enlazado al movimiento teatral internacional.  Lois montajes que ha realizado en los últimos años se han representado no sólo en México sino en Cuba, Estados Unidos de América, Colombia y Croacia.  Paralelamente, ha dado difusión a nuestro país con su obra en Festivales Internacionales.  Como actor ha participado en más de 35 obras, como director ha asumido la dirección escénica de más de 40 montajes y como dramaturgo ha escrito 42 textos y publicado 11 libros con diversas editoriales de la Ciudad de México, Nuevo León, Durango, Baja California, Chihuahua, Veracruz, Tamaulipas, Puerto Rico, entre otros lugares.  Tiene en su haber numerosos e importantes premios y reconocimientos.  Fue uno de los dramaturgos que más obras presentó en El Círculo Teatral, el cual lamentablemente sufrió daños irreparables durante el sismo del año pasado.

 

ALEJANDRO BICHIR, iniciador de la dinastía actoral Bichir, realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Arte Teatral del INBA. Ha dirigido numerosas obras a lo largo de su trayectoria.  También ha fungido como director huésped de la Compañía Nacional de Teatro.  Así mismo, ha ocupado importantes cargos, como:  Ex-Coordinador de Extensión Teatral del INBA,   Jefe del Departamento de Teatro Foráneo del INBA, responsable de la Muestra Nacional de Teatro del INBA en Veracruz, Coordinador de la Compañía de Teatro Clásico XXI ,  Director General de Cultura en la Delegación Coyoacán y Coordinador del Foro Cultural Coyoacanense.   Organizó el Primer Festival de Teatro Universitario.  Como docente ha colaborado en la UNAM, el INBA, la ANDA y universidades de diversos Estados de la República Mexicana.

 

ALEJANDRO USIGLI CASAS, hijo del insigne Rodolfo Usigli, es Licenciado en Relaciones Internacionales.  Fue investigador del Centro de Documentación e Información Rodolfo Usigli -CITRU-, del INBA.  Es traductor profesional y docente impartiendo las materias de inglés y francés en el Centro de Lenguas Extranjeras de la Universidad Pedagógica Nacional de México.  También se ha desempeñado como funcionario en el ámbito educativo y en el cultural desde hace más de cuarenta años, contribuyendo para la presencia del país en diversos congresos internacionales, convoados por la UNESCO, así como en sus relaciones con esa institución en diversos proyectos y reuniones.  Ha representado a México ante el Instituto Panamericano de Geografía e Historia -IPGH-.  Ha dictado conferencias sobre el arte teatral, además de actor y director escénico.  Es tenor con un amplio repertorio popular y tradicional en ocho idiomas.

 

ANA OFELIA MURGUÍA, sin duda una de las más reconocidas actrices del país.  Egresada de la Escuela de Teatro del INBA y alumna de Seki Sano.  Ha colaborado en más de setenta puestas en escena y ha recibido diversos reconocimientos, entre los que se encuentra la medalla “Mi vida en el teatro” del ITI UNESCO,  la Medalla de Oro de Bellas Artes  y  el Premio Lunas del Auditorio Nacional. Su trabajo en cine alcanza las noventa películas y en ese campo ha sido galardonada con el Premio Ariel a la mejor coactuación femenina y en tres ocasiones la Diosa de Plata.  En 2004 recibió en el Festival de cine de Guadalajara el Mayahual de plata por su trayectoria.  En 2007 obtuvo el reconocimiento especial en las Lunas del Auditorio Nacional.  Es miembro de la Academia Mexicana de Arte Teatral,  la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de España.  Desde 2008 pertenece a la Compañía Nacional de Teatro como actriz emérita.

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La Mesa Directiva del  ITI UNESCO INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO está conformada por:

 

TOBIAS BIANCONE – Director General del Instituto Internacional de Teatro, originario de Berna, Suiza. Poeta y escritor.

 

CHEN ZHONGWEN – Subdirectora del Instituto Internacional de Teatro.

 

JOSÉ LUIS VALENZUELA – Director Artístico de Los Angeles Theatre Center, es un galardonado director de teatro y cine.  También se dedica a la docencia.

 

La Mesa Directiva del  CENTRO MEXICANO del ITI UNESCO está conformada por:

 

ISABEL QUINTANAR – Presidente.

 

MEDARDO TREVIÑO – Vicepresidente.

 

MARIO FICACHI – Vicepresidente.

 

CÉSAR CHRISTO MUÑOZ – Secretario General.

 

PATRICIA AULESTIA – Presidenta Vitalicia del Comité Internacional de la Danza ITI UNESCO.

 

MARLA ANNELL – Coordinadora de Eventos.

 

SERGIO HERNÁNDEZ – Coordinador de Medios Digitales.

 

YADIRA ANDRADE – Memoria Fotográfica.

 

JUAN CARLOS HERNÁNDEZ MARTÍNEZ – Diseño Programa.

 

 

Diciembre 2018

 

NADA QUE TEMER (Aproximación tentativa al estudio del hombre) Versión final

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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Ver crecer un proyecto es tan interesante como emotivo.  Hace algunos meses asistí a ver el proyecto en proceso de NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre, una propuesta surgida de un laboratorio teatral comandado por Lydia Margules, quien ha dedicado su vida al teatro y lo utiliza como trinchera para en un intento de mejorar al mundo y hacerlo más equitativo, elevando voces que tengan algo que decir respecto de injusticias, errores, omisiones, crímenes.

 

En la sinopsis se lee:  “NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre, es un espectáculo escénico-poético que busca construirse en torno a un cuestionamiento crítico de la violencia desde una revisión de ls masculinidad trazando una línea entre su intimidad y la colectividad“.

 

Ante la preocupación de estar viviendo la violencia de género que se ha desatado en nuestro país, Lydia Margules y Karla Villegas decidieron hacer una representación que englobara la masculinidad.  Fue así como se integró el laboratorio para que en equipo llevaran a cabo un análisis profundo del comportamiento masculino hasta llegar a su raíz, encontrando que está viciado desde su origen por los códigos de conducta.  Luego de lecturas interminables sobre el tema, dieron inicio el trabajo de mesa, intercambiaron ideas y las fueron estructurando.  Los textos que los participantes propusieron fueron compilados por la dramaturga Karla Villegas.  Luego de todo esto, dieron paso a los ensayos.

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NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre comienza y termina con palabras del poema “Yo soy el individuo“, en razón de que tomaron como punto de partida dicho poema.  “Yo soy el individuo” –Soliloquio del individuo– es de la autoría de Nicanor Parra nacido en 1914 en una comuna precordillerana de la Provincia de Ñuble, en la Región del Biobío, Chile y fallecido en enero del año en curso.  Nicanor Parra se desempeñó como poeta, matemático y físico, llegando a ser una gran influencia en la literatura hispanoamericana, galardonado en múltiples ocasiones obtuvo el Premio Nacional de Literatura en 1969 y el Premio Miguel de Cervantes en 2011 y fue candidato al Premio Nobel de Literatura en varios años, también fue conocido como el creador de la antipoesía.  En virtud de que Nicanor Parra describe en el poema de referencia describe la historia de la humanidad hablando en primera persona, ilustrándolo con algunos pasajes autobiográficos, el laboratorio consideró que “Yo soy el individuo” reflejaba parte de lo que querían expresar y también porque coincidieron en que con el tiempo la individualización del hombre se ha ido perdiendo y ellos quisieron rescatarla y reafirmarla.  La libertad del ser humano también está en su individualidad y no en ser uno de tantos cortado por la misma tijera.

 

Por otra parte, el título de NADA QUE TEMER fue elegido en honor del poema homónimo escrito por Jacques Prévert, en el que alude a los muertes y, entre otras cosas, dice:  “sus muertos están bien muertos“.  Jacques Prévert (1900-1977), poeta, autor teatral y guionista cinematográfico francés.  Los hombres tienen que afrontar sus propios miedos, sus fantasmas, sus responsabilidades y hasta su muerte sin temor.

 

Aun cuando el análisis realizado por el laboratorio fue extenso, los participantes decidieron que los textos debían ser cortos para dar relevancia al lenguaje corporal.  En NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre la corporalidad dice más que la palabra.  Los breves textos se repiten una y otra vez durante la representación.  Se refieren a valentía, fuerza viril, forma de hablar, gustos personales, cómo ven a la mujer, aludiendo a diversos arquetipos de masculinidad.  Las frases comienzan con “ser hombre es  …“, o bien, “ser hombre tiene que ver …“, hablan de leña, fuego, sexo, músculo, puños, dolor, resistencia, lastimar y hasta de la postura que deben adoptar al sentarse.   Se escucha de todo, por ejemplo:  “los hombres tenemos que saber construir y saber destruir“;  “a estas alturas me siento más hombre y menos hombre“; una que otra de contundente significado como “un mal hombre no es un hombre,  es un animal” y algunas no del todo ciertas: “los hombres tenemos sexo, no hacemos el amor“, lo cual aplica en la mayoría de sus relaciones, pero no cuando están enamorados.

 

En la puesta en escena de NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre el movimiento es constante.  El elenco se desplaza de un lado a otro a su propio ritmo, enunciando sus parlamentos mientras realizan la rutina que les corresponde.  Las secuencias coreográficas son similares, pero individualizadas.  Cual satélites en órbita, cada uno va por su lado.  De vez en cuando parecieran tratar de arrancarse las ideas arcaicas, mismas que están tan arraigadas dentro de su ser, marcando su comportamiento, les sea cómodo o estorboso, incluso inhibidor de su libertad para expresar su íntimo sentir, así que para desprenderse de esos códigos de conducta se requiere de una catarsis profunda y dolorosa.

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Ahora que se representa la versión final de NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre, comprobamos que Lydia Margules logró llevar a buen puerto su propuesta, convirtiéndola en un concepto integral y dejando plasmadas escénicamente las ideas surgidas del laboratorio.  Las coreografías se afinaron y se hicieron más consistentes, a los tonos en que se enuncian las frases se les proveyeron mejores matices, el vestuario coadyuva a abarcar distintas clases sociales, dejando en claro que todos los hombres caen dentro de los arquetipos establecidos.  Agregó detalles, como por ejemplo, escritura con tiza en la pared  o proyecciones.   La energía que emana de las dinámicas coreografías envuelve al espectador y lo conducen a la reflexión de si debieran o no seguir vigentes las costumbres que han regido al ser masculino.

 

Además de todo esto, Lydia Margules incorporó una intervención in situ por parte de un actor invitado en cada función, lo cual es todo un reto para quien participe.  El actor correspondiente se integra en tal forma al montaje que el público lo ve como parte integrante de éste.   Los actores invitados son:  Video de David Miranda,  Gutemberg Brito,  Ricardo  Rubio de Interflamenca  y  Antonio Cerezo.

 

El elenco está conformado por:  Alexandro Guerrero,  César René Pérez,  Emilio Savini  y  Marduk Serrano, quienes al igual que en el trabajo en proceso ofrecen un trabajo muy comprometido y corporalidad extraordinaria.  Para ejecutar sus rutinas requieren de particular concentración, puesto que cada quien va por su lado, deben aislarse -al menos mentalmente- del movimiento de sus compañeros, además de lograr la sincronización entre parlamentos y rutinas.  Digno de admiración el fuerte compromiso del elenco, su esfuerzo es tal que terminan bañados en sudor.

 

La labor de dirección por parte de Lydia Margules es impecable.

 

El equipo creativo para esta interesante idea original de Karla Villegas y Lydia Margules, está integrado por:  Saúl H. Liera en diseño de vestuario, con prendas coloridas manchadas con rojo sangre, definiendo ocupaciones mediante saco formal, chamarra, camiseta y chaleco antirreflejante;  Ricardo Cortés en diseño sonoro, dando apoyo a cada movimiento con notas musicales;  Karla Villegas como dramaturgista;  Homero Hernández como asistente de dirección;  Lydia Margules en dirección general, diseño de espacio e iluminación y puesta en escena.

 

La producción es por parte de la agrupación Museo Deseo Escena.

 

Tal vez viendo en escena códigos de conducta que no tienen finalidad alguna, tomes conciencia de que se requiere de un cambio.  Todos los seres humanos merecemos iguales condiciones y respeto.  Seas hombre o mujer, anímate a ver este proyecto donde se entrelazan el habla y la corporalidad en una coreografía estética y coordinada.  Apresúrate porque sólo quedan dos funciones de su temporada.

 

NADA QUE TEMER – Aproximación tentativa al estudio del hombre

se presenta lunes y martes a las 20:30 horas en

CARRETERA 45 TEATRO

ubicada en Juan Lucas de Lassaga número 122

–Estación San Antonio Abad del Metro–

Colonia Obrera

Ciudad de México

 

La temporada concluye el martes 20 de noviembre de 2018

 

EL MECHERO O LA RESISTENCIA DEL ENCIERRO

Texto y fotos porEugenia Galeano Inclán

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Vaca 35 Teatro en Grupo, una “Agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral”.   Este grupo, comandado por Damián Cervantes, se ha caracterizado por haber impreso a sus producciones un sello particular.  A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos galardones, algunos internacionales.

Teatro El Milagro ha albergado diversos montajes de Vaca 35 y en ocasiones se han presentado en residencia.  Desde hace tres años, Vaca 35 en colaboración con Teatro El Milagro, instituyeron una nueva forma de apoyo para jóvenes que deseen hacer teatro.  Este proyecto fue denominado como “La Vaquita” y se lanza como una Convocatoria que es esperada básicamente por recién egresados de las carreras relacionadas con el teatro.

Una vez recibidas las propuestas son analizadas y aprobadas, a fin de determinar al ganador.  En la primera Convocatoria de “La Vaquita” resultó ganador el Colectivo Berenjena, con su obra ASATIA,  en la segunda, el ganador fue el grupo Cro-Magnon con MUSTH, y ahora, en la tercera, toca el turno a Los Plebes Teatro con EL MECHERO o la resistencia del encierro.

Los integrantes de Los Plebes Teatro describen EL MECHERO o la resistencia del encierro como:  “una obra inspirada en La Merced, una búsqueda por entender las resistencias en un mundo del que nadie habla, la insatisfacción y la necesidad de redención.  5 seres cohabitan un mundo del que no pueden salir y nos comparten el universo de un mercado que parece estar condenado por los siglos de los siglos, enmarcado por la fiesta, el mambo y el sonidero, porque el baile siempre será la forma más fácil de resistir“.

La Merced es un barrio que se ubica en la parte oriente del Centro Histórico de la Ciudad de México.  Desde su fundación en el siglo XVII se caracteriza por ser uno de los más importantes centros de abasto de la Ciudad.  En 2011 el Gobierno de la Ciudad de México (en ese entonces, del Distrito Federal), integró el Barrio de La Merced en el programa de “Barrios mágicos de la Ciudad de México“.

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En el Barrio de La Merced se encuentran algunas joyas de arquitectura colonial, destacando entre éstas las monumentales construcciones del Claustro del ex-Convento de La Merced, varios templos, el Colegio de San Pablo, la Capilla de Manzanares y la Casa Talavera.  Así mismo, allí se localiza la única casa del siglo XVI que se conserva en la Ciudad de México.  En la actualidad, la Casa Talavera pasó a convertirse en el Centro Cultural Casa Talavera, en el cual se localiza un museo de sitio, donde se resguardan determinados monumentos arqueológicos con vestigios prehispánicos que fueron descubiertos en el Barrio de la Merced.

En el período colonial convergieron en ese barrio cinco fundaciones religiosas que erigieron los siguientes templos:  Capilla de la Santas Cruz -fundada por Hernán Cortés-, la Capilla del Señor de la Humildad -a quien se considera Patrono del Barrio-,  el Templo de San Pablo el Viejo, el Templo y Convento de la Merced,  el Templo de San Pablo el Nuevo y Santo Tomás la Palma.

El popular Mercado de la Merced es considerado un monumento artístico, fue construido en 1957 por el arquitecto Enrique del Moral.  Su fachada de estilo art decó es obra del escultor Rodrigo Arenas Betancourt y originalmente albergaba la ex-fábrica de chocolates La Cubana.  Durante el porfiriato también se construyó la Fábrica de Vidrio de Carretones, cuya especialidad eran los productos de vidrio soplado.  También se pueden ver algunos edificios neocoloniales diseminados por el Barrio.

Con la ilusión de ganar la Convocatoria de “La Vaquita“, los Plebes Teatro se esmeraron en que su propuesta fuera de intereses general.  Para lograrlo, se adentraron en el Barrio de La Merced, donde realizaron investigación de campo, observaron bien sus alrededores y entablaron conversación con sus habitantes.  A partir del material recabado durante varios días, construyeron su narrativa y planearon la puesta en escena.

 

Merecen respeto estos jóvenes que se aventuraron de tal manera.  El Barrio de La Merced es muy pintoresco y uno de los más pobres de la Ciudad.  En su Mercado se encuentra lo que sea, comestibles, ropa, calzado y productos de todo tipo, incluso algunos cuya venta está prohibida, pero está tan presente el bien como el mal, hay maleantes y pululan diestros carteristas.  Es un lugar donde igual hay mercaderías que prostitución y crímenes.

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El título deriva de un incendio y del encierro en que se sienten los habitantes.  Si bien, los lugareños han de haber comentado que se sienten encerrados allí y no vislumbran posibilidad alguna de salir, hay personas que con mucho estudio, esfuerzo y trabajo sí lo logran.  El mejor ejemplo es el licenciado Jacobo Zabludovsky (1928-2015), uno de los periodistas más representativos del país, quien se jactaba de haber nacido en La Merced.  De hecho, su apodo era “El Güero de La Merced“, como le decían sus más allegados.

 

En virtud de que en el Mercado de la Merced se expenden productos pirotécnicos, han habido varios incendios, pero al que aluden en la obra es el ocurrido en febrero de 2013, tal vez el que más recuerda la gente por ser reciente.  Afortunadamente fue en la madrugada, por lo que no se reportaron lesionados, pero fue devastador, consumió alrededor de siete mil metros cuadrados de la nave mayor, con lo cual el Mercado quedó destruido en un 70%.  Las pérdidas económicas fueron cuantiosas.

 

A pesar de utilizarlo para intitular la obra, el incendio sólo se menciona de vez en cuando y no se interrelaciona en lo individual con los protagonistas en el texto de EL MECHERO o la resistencia del encierro, el cual más bien es una compilación de vivencias de cinco personajes.  Ellos son:  un franelero semi-lisiado que, por momentos, también es narrador,  una hierbera,  una adivina o cartomanciana que igual hace trucos que predice el futuro,  una prostituta y el encargado del sonido o “sonidero” como ellos dicen, que al atardecer llega para alegrar los corazones y disipar las penas, la melodía más solicitada será el “Mambo La Merced” que bailarán a ritmo de cumbia.  Los relatos son vívidos y emotivos.  Dos de los más ingeniosos aciertos son la procesión con la Virgen que denota su arraigada devoción  y la mujer desechada en un tambo como referencia de los feminicidios.  Lo que sí habría que modificar es la lencería blanca de la bella chica que encarna a la prostituta, pues esto parcha la imagen de sensualidad que proyecta.

 

El elenco está conformado por:  Elsi Yamel Salgado,  David Sicars,  Marisol Basulto,  Maicova Lianci  y  Daryl Guadarrama, quienes compensan su inexperiencia con jovialidad, compromiso y entusiasmo.

 

El espacio escénico capta la esencia del Mercado, con su característico toldo y mercancías por doquier.  Edgar Mora aporta la iluminación y asesoría escenográfica.

 

Participan en el montaje:  Daniela Fuentes en coreografías,  Griselda Ashari en asesoría musical,  Producción Escénica S.E. (Erick Saúl Elizondo y Erika Medina) en difusión,  Sergio Roldán en diseño gráfico,  Diego Celaya en diseño de postal,  Elizabeth lores y Celso Martínez Flores en planta técnica.

 

La producción es de Vaca 35 Teatro en Grupo  y  la producción ejecutiva de Plebes Teatro.

 

Descubre la visión teatral de jóvenes de nueva generación en una dinámica puesta en escena con sabor a barrio que captará tu interés, te entretendrá y conmoverá.  Estampas de la Ciudad de México representadas por un equipo muy integrado.

 

EL MECHERO

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La resistencia del encierro

se presenta  martes  y  miércoles  a las 20:30 horas en el

TEATRO EL MILAGRO

ubicado en Milán número 24

Colonia Juárez

Ciudad de México

 

La temporada concluye el miércoles 20 de diciembre de 2018

 

El costo de la localidad es de $250

Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente

ANTES DEL OCASO

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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En la ficción todo cabe.  Al escribir un texto los autores tienen posibilidades infinitas para crear sus personajes, elegir los lugares donde desarrollan la historia, así como la época en que ocurre, al igual que pueden mezclar espacios y tiempos, o bien, revivir a quien deseen, si se tratase de alguien que existió.  En el caso de ANTES DEL OCASO, su autora escribe un texto donde la ficción puede ser realidad o viceversa, toda vez que los protagonistas fueron contemporáneos, eran oriundos de España y se conocieron en vida.

 

Isabel Balboa es originaria de la Ciudad de México y se desempeña como actriz, directora y dramaturga.  Sus estudios los cursó en la Royal Academy of Dramatic Arts  (Academia Real de Artes Dramáticas) de Londres, Inglaterra y en la PACE University (Universidad PACE)  de Nueva York, Estados Unidos de Norteamérica.  En tanto que su entrenamiento lo realizó con el grupo teatral Odin Teatret que se ubica en Holstebro, Dinamarca, y es comandado por Eugenio Barba y Julia Varley.  En su faceta de actriz ha participado en importantes producciones que se han representado en México, Inglaterra y Canadá.

 

En ANTES DEL OCASO, Isabel Balboa concibe un encuentro onírico entre tres figuras que alcanzaron fama en distintos campos y la hermana de uno de ellos.  Las celebridades protagonistas son: Federico García Lorca nacido en Fuente de Vaqueros, Granada, España (1898-1936), el poeta de mayor influencia y popularidad en la literatura española del siglo XX, reconocido también como dramaturgo;  Salvador Dalí, nacido en Figueras, Girona, Cataluña, España (1904-1989), pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor, uno de los máximos representantes del surrealismo;  Luis Buñuel Portolés nacido en Calanda, Teruel, España (1900-1983), uno de los más destacados y originales directores de cine, quien tras el exilio de la Guerra Civil Española fincó su residencia en México, donde en particular se le recuerda por “Viridiana” y “Tristana“, dos de sus famosas películas,  y Anna María Dalí i Domènech, nacida en Figueras, Girona, Cataluña, España (1908-1989), escritora, pintora ocasional y, de jovencita, modelo de su hermano Salvador.

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La reunión ocurre en una taberna de los años 20, en la época en que Federico García Lorca, Salvador Dalí y Luis Buñuel coincidían en su residencia escolar en Madrid, cuando todavía no sabían que se convertirían en figuras representativas de la literatura, la pintura y la cinematografía.   Los cuatro amigos conviven alegremente mientras abordan temas diversos que afianzan su amistad y el arte, pasión de todos ellos.  En forma alterna también es una loa a la libertad, ya que se intercalan imágenes de García Lorca en prisión.

 

El texto de Isabel Balboa capta el interés de principio a fin, logra trasladar al espectador hasta la época en que ubica el relato para ver a los genios en su faceta de estudiantes inspirados, pero sencillos, haciéndose bromas, tratándose con cariño, sin pensar en la inminente guerra ni en la homofobia.  La trama es una ficción con mucho de realidad, dado que las características de los personajes delineados por Isabel Balboa se asemejan a las de las celebridades homónimas, salvo por Salvador Dalí, quien, desde luego, era excéntrico y, según sus biógrafos, circunspecto y parsimonioso, pero no hiperactivo, como lo presenta la autora.  Las semejanzas entre los personajes y como eran en la realidad estos genios, deja ver que Isabel llevó a cabo una ardua investigación previa a su dramaturgia.

 

La labor de dirección por parte de Isabel Balboa es impecable.  Su trazo escénico es pulcro y definido.  Las acciones están bien distribuidas.  Dimensiona el relato al realizar cambios en tiempo y sitios.  Un gran acierto es el toque cinematográfico que provee mediante congelamientos o caminar pausadamente en forma etérea.  Buen aprovechamiento del espacio y ritmo preciso.

 

El elenco está conformado por Adrián Alarcón (Federico García Lorca), Misael Maldonado (Salvador Dalí),  Gustavo Villatoro (Luis Buñuel)  y  María del Mar Nader Riloba (Anna María Dalí).  Cada uno de ellos realiza un admirable trabajo histriónico y corporal, haciéndose patente que se esmeraron en construir adecuadamente sus personajes, de entre los cuales el más complejo es el de García Lorca a causa de sus desdoblamientos, pero Adrián despliega sus habilidades, carisma y sensibilidad para interpretarlo en forma espléndida.

 

Complementan el equipo creativo:  Leticia Olvera en diseño de espacio e iluminación, quien logra el marco idóneo recreando una taberna coronada con un bellísimo gramófono.  Liz Espinosa Terán en diseño sonoro.  Alicia Lara en entrenamiento de actores.  Jorge Trujillo y Daniel Andrade en diseño de vestuario, con prendas elegantes, versátiles y lucidoras.  Alejandro Cantú como asistente de dirección.

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La producción está a cargo de  Esteban A. Calderón  y  Misael Maldonado.

 

A todos nos gustaría saber cómo es el ser humano detrás de una celebridad, así que no te pierdas la oportunidad de ver a estos genios del arte departiendo alegremente entre amigos.  Un montaje pleno de estética y actuaciones entrañables, producto del trabajo de un equipo comprometido.  Te entretendrá la charla, te divertirás con sus bromas y te conmoverás con el sentir de García Lorca en su injusto encierro.  Es una lástima que su temporada sea breve, así que apresúrate.

 

ANTES DEL OCASO

se presenta a las 20:00 horas los miércoles 21 y 28 de noviembre

de 2018  en el

TEATRO TELÓN DE ASFALTO

ubicado en Perpetua número 4

Colonia San José Insurgentes

Ciudad de México

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Visceral

VISCERAL

Un monólogo que asustará a los conservadores y que dará motivos para reflexionar a los que no se conmueven con nada, es éste que escribió Adrián Vázquez y actúa Verónica Bravo. Lo vi en la Teatrería un domingo a las 19 hrs. Se trata de lanzar contra el público una serie de vivencias que tuvo el personaje, desde la más incipiente sexualidad, hasta las figuras más extrañas que podamos imaginar. Todo esto es monologado por la actriz, que interpreta predominantemente sobre un sillón, rara forma de dirigir, pero así lo ha escogido. Recuerdo que una vez vi otro monólogo que se llamaba “Me c… en Dios” y usaba como toda escenografía un excusado. Bueno, pues no llega a tanto Adrián Vázquez quien dirige esta puesta en escena, más adelante permitirá que la actriz se mueva a izquierda y derecha del público.

La parte que me pareció mejor lograda fue la que habla de una enfermedad que padece su mamá, algunos detalles nos son revelados, como quién era el duendecillo que le metía condones en su bolsa de mano. Realmente interesante, llena de sincera actuación de la joven Verónica Bravo, es una original forma de meternos en la vida de una damita que esta por cuidar a su madre unos días y termina haciéndolo hasta su muerte.

Bella historia con un principio lleno de lenguaje fuerte, duro, que hace que se agradezca que el final sea atractivo literariamente.  Es algo extraño el atarla a moverse en un sillón, si la escenografía es limitada, para eso está la imaginación de ambos: espectador y Actriz.

 

Dogville

Una piececita que se ubica en los Estados Unidos de Norteamérica, con símbolos de aquella nación, y una dirección, que a veces pierde algún actor, pero, así embellece y aligera los cambios de escenografía.  Escrita por Lars Von Trier y dirección de Fernando Canek, lleva en los diversos roles a Sergio Bonilla, Claudia Ramírez, Carmen Delgado, Mercedes Olea, Luis Miguel Lombana, Pablo Perroni, Gerardo González, Rodolfo Arias, Judith Inda, Francisco de la Reguera, Ana Kupfer, Ximena Romo, Christopher Aguilasocho, Diego Cooper, entre otros.

Sucede que es una agradable chica que llega a un pueblo perdido en la nada, donde se queda a invitación del actor principal, a quien vimos con buena disciplina. Ella, acepta la invitación y se somete a un especial juego de votación para que se quede. A partir de ahí, hay una serie de abusos por parte del grupo de habitantes. No le contaré más para que usted tome su punto de vista. Dirige Fernando Canek, a quien recomendaría quitarle media hora.

Buen montaje, semióticamente quizá sea de una lectura densa, aunque a la gente le gusta la solución final. Es un buen trabajo que durará pocas semanas, así que apresúrese a verla en el Helénico, los lunes a las 20 horas.

 

SAMANDAR KHAN MANGANIAR RAJASTHANI

Texto y foto por Sylvia Ríos

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La riqueza cultural de la India, país invitado del Festival Internacional Cervantino 2018, presentó en el Cervantino música y danza de la región del Rajastàn, ubicada al noroeste de la península.

 

En rueda de prensa, el director del grupo, Samadar Khan, comentó en rayastani, con ayuda de una

traductora al inglés y con otro al español, que la presentación inicia con una invocación y plegaria a los dioses para proseguir con cantos, muchos de ellos temas folclóricos dedicados a los dioses y sus héroes, entre ellos a uno de los más conocidos, Ganesh el dios con cabeza de elefante y cuerpo humano, reverenciado liberador de obstáculos y dios de la abundancia, así como del arte y de la ciencia. Otros cantos muy importantes para ellos son los que celebran a la lluvia, en particular a la presencia de los monzones que alivian la sequedad de su clima.

 

Samandar Khan, director artístico musical y voz explicó que este espectáculo de más de 40 años de antigüedad es la herencia de lo que su padre y hermanos iniciaron. Algunos de los cantos se realizan con grandes gesticulaciones de la cara y en otra parte del espectáculo las bailarinas y percusiones tendrán un diálogo.

 

Su espectáculo finaliza con música sufí que en sus letras expresa el “ser del uno con el cosmo”. A Escena estuvo presente en el ensayo previo, donde pudimos constatar el cuidado del más mínimo detalle del audio en las voces y los instrumentos para nosotros poco conocidos, como el dhol, dholak, bhapang y morchang. Todo esto nos llevará a tierras muy lejanas, que nos mostrará la belleza de los sonidos de música profundamente mística, dulce, rítmica pero finalmente universal.

 

SALA DE TEATRO. ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS (V Aniversario)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Dicen que las paredes guardan secretos.  En cierta medida esto es verdad, ya que nuestros cuerpos emanan energía y algo de ésta se va impregnando en los seres con quienes convivimos, en los lugares que habitamos y en las cosas que tocamos.  Aparte, nuestra mente tiene alas.  Cuando estamos frente a una pintura famosa, imaginamos al artista plasmando el lienzo, al igual que si visitamos un museo o espacio histórico visualizamos a la gente que en su momento vivía allí o deambulaba.  Por ejemplo, en las habitaciones del Castillo de Chapultepec, no podemos dejar de imaginar a Carlota y a Maximiliano caminando por ahí.  Nuestra Ciudad de México tiene tantos sitios de interés que nos es imposible conocer todos.

 

Hoy hablaremos de uno que no mucha gente conoce.  Se trata de la SALA DE TEATRO ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS y que es ni más ni menos la casa donde vivía el brillante director escénico Julio Castillo y en ese espacio también ensayaba sus destacadas obras.

 

Julio Castillo nació en el Barrio de La Lagunilla de la Ciudad de México el día 3 de octubre de 1944, se desempeñó como actor, director teatral y también dirigió películas y programas de televisión.  Fue como director escénico donde logró sus mayores logros.  Lamentablemente su trayectoria quedó trunca, toda vez que cuando su carrera estaba en pleno apogeo y todos aspiraban a trabajar con él, lo afectó un padecimiento hepático contra el que perdió la batalla y falleció poco antes de cumplir los 44 años de edad.

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El nombre de Julio Castillo está escrito con letras de oro en los anales del teatro mexicano.  Junto a su amigo y maestro Héctor Mendoza fundó en 1987 el Núcleo de Estudios Teatrales -NET- y al lado también de Héctor Mendoza y de Luis de Tavira colaboraron estrechamente en el desarrollo del Centro Universitario de Teatro -CUT- de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.

 

Las dos obras cumbre por la que será siempre recordado son “De película” y “De la calle“, ambas con elencos extraordinarios que ahora son figuras muy reconocidas.

 

Se considera a Julio Castillo como un renovador y no es para menos.  Le gustaba la experimentación.  Por ejemplo, “De película” fue un espectáculo emanado de los sueños de Julio Castillo y de sus fantasías de niño a partir de un regalo que le hizo un tío suyo consistente en una pequeña caja de cartón con un espejo en su interior a través del que se podían pasar infinidad de imágenes.  Julio Castillo dijo a su nutrido elenco conformado por 21 actores y actrices –Damián Alcázar, Philippe Amand, Rodrigo Bernal, Juan Cristóbal Castillo, Juan Carlos Colombo, Julieta Egurrola, José Luis Guadarrama, Irán Guzmán, Gerardo Martínez, José Luis Martínez, Martha Navarro, Martha Papdimitiou, Lucía Pailles, Rafael Pimentel, Luis Rábago, Arturo Ríos, Miguel Solórzano, Lucero Trejo, Lourdes Villarreal, Néstor Zacco y Rosario Zuñiga– que él propondría las ideas y los personajes y que ellos debían hacer sus creaciones individuales.  Tras este laboratorio teatral, Blanca Peña habría de plasmar el texto definitivo.

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En la vida personal de Julio Castillo “Así que pasen cinco años” fue quizá la obra más significativa. Esta obra de la autoría de Federico García Lorca está dentro de las que integran el llamado “teatro imposible de Lorca“, debido a que el lenguaje que priva está muy influenciado por el surrealismo.   Como lo acostumbraba, Julio Castillo venció los retos y fue todo un éxito.  De este montaje, las palabras de Héctor Mendoza fueron:  “Ver la puesta en escena de Julio Castillo de ‘Así que pasen cinco años’ es gozar de una experiencia del teatro más puro y esencial de nuestro tiempo“.  Sin embargo, no sólo fue especial esta obra para su creador por el triunfo, sino porque fue en la que conoció a Blanca Peña y en la que trabajaron juntos por primera vez, él como director y adaptador y ella como productora.

 

De ese encuentro surgió el amor entre ellos, contrajeron matrimonio y procrearon tres hijos: Martín, Juan Cristóbal y Philip.

 

Juan Cristóbal Castillo se dedica a la dirección teatral siguiendo el ejemplo de su padre y junto con su esposa Heleanne fundaron la compañía TELEMAKIA TEATRO.  Bajo la premisa de que “Es el sueño de todo artista escénico tener una sala propia, en donde poder programar a placer, necesidad y egoísmo, que asegure tener un escaparate para mostrar lo trabajado“, decidió abrir las puertas de la casa paterna e inaugurar la SALA DE TEATRO ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS, como sede de TELEMAKIA TEATRO y también para brindar un espacio que albergara las obras de pequeños grupos independientes.

 

El nombre de la Sala obedece al romanticismo que para toda la familia conlleva aquella obra que unió los destinos de Julio Castillo y Blanca Peña.

 

El inicio de actividades de la SALA DE TEATRO ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS ocurrió justo hace cinco años.  Para conmemorar el V Aniversario,  TELEMAKIA TEATRO retomó el mismo montaje LA BUENA MUERTE que fue con el que se inauguró la Sala.

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Con la idea de dar un giro a las típicas representaciones que se hacen en nuestro país en torno al Día de Muertos se concibió LA BUENA MUERTE, una puesta en escena conformada por tres obras  cortas:  “El Corazón Delator” de Edgar Allan Poe -en una versión muda-;  “Dinero Caliente” de la autoría de Heleanne -al estilo de las películas dirigidas por Federico Fellini-,  y  “Una tarde, un domingo en la alameda” de la autoría de Juan Carlos Cuéllar -una falsa crónica sobre la Emperatriz Carlota y su paso por México”.

 

El elenco de LA BUENA MUERTE está integrado por:  Fabián Hurtado,  Daniel Lemus,  Ramón Saburit  y  Juan Carlos Cuéllar.

 

El Corazón Delator” es algo sombría, en virtud de que alguien habrá de ser asesinado.  “Dinero Caliente” trascurre durante el velorio de la madre de tres hermanas, las cuales irán revelando la forma en que se sienten con respecto a la muerte de su progenitora.  “Una tarde, un domingo en la alameda” muestra a una Emperatriz Carlota deseosa de retornar a su patria, mientras recorre pasajes históricos y lugares tradicionales de un México del que quiere alejarse.  Tanto la trama como las situaciones que se plantean en cada una de estas obras constituyen entretenimiento para el público.

 

La labor de dirección por parte de Juan Cristóbal Castillo resulta impecable.  Su trazo escénico provee del entorno adecuado a  LA BUENA MUERTE.  Aprovecha el espacio a fondo y el ritmo es preciso.

 

A pesar de no contar con equipos de vanguardia, logran distribuir bien la iluminación y reproducir la música oportuna.   El vestuario es acorde a los personajes, estético y lucidor.

Jésica Meleck funge como asistente.

Es loable el empeño que han puesto Juan Cristóbal Castillo y Heleanne para mantener a flote este espacio sin apoyo ni patrocinios.  Teatro totalmente independiente que requiere de mucha dedicación, trabajo y constancia.

 

El día 25 de octubre, fecha del Aniversario de la SALA DE TEATRO ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS Juan Cristóbal y Heleanne recibieron a medios y a invitados especiales, a quienes ofrecieron un pre-estreno de LA BUENA MUERTE y luego de la función hubo un grato convivio en el que se brindó para que cumplan muchos años más.

 

No pierdas la oportunidad de conocer la casa donde vivió Julio Castillo, uno de los directores más renombrados de la escena mexicana.  Además podrás ver LA BUENA MUERTE, con la que te divertirás, olvidándote de lo cotidiano.  La entrada es libre, sin embargo, lo único que mantiene este tipo de teatro son los donativos, así que al efectuar tu aportación toma en cuenta el gran trabajo que hay detrás de lo que se representa en escena y que todo artista merece recibir un pago por su desempeño.  El cupo es limitado, pero puedes reservar tus localidades con anticipación.

 

 

LA BUENA MUERTE

se presenta los domingos de noviembre de 2018

a las  18:00 horas  en la

SALA DE TEATRO ASÍ QUE PASEN CINCO AÑOS

ubicada en Cacahuamilpa número 24

entre Plaza Popocatépetl y Circular Ámsterdam

–a dos cuadras de la Estación Álvaro Obregón del Metrobús–

Colonia Hipódromo Condesa

Ciudad de México

 

Entrada libre

 

Duración aproximada:  60 minutos

 

Reservaciones:   63902422