Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

VISITA A LA 38 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO 2017 (MNT)

Texto por Marcela Mondragón

Mi primer experiencia en la Muestra Nacional de Teatro (MNT), misma que se llevó a cabo en la ciudad de León, Guanajuato, ha dejado una puerta abierta que incita al deseo de aprender y conocer más de todo aquello que se mueve tras bambalinas; en ella pude entender cuál es el objetivo del teatro, que por décadas ha significado una forma de expresión, y sin duda, como método de comunicación, del que muchos han sacado partido para ampliar, no solo su horizonte político e intelectual, sino cultural y artístico.

En este lugar aprendí (entre muchas cosas), que 38 años se dicen fácil, sin embargo, este número representa una historia en la producción escénica en México; así mismo, que la MNT está conformada por una extensa comunidad teatral con un objetivo en común, pues como representantes del teatro mexicano, han decidido partir de las problemáticas y situaciones que aquejan a nuestro país, y apoyarse de la belleza de la expresión teatral para unirse en el grito de un mensaje, que luego se convierte en ese diálogo que parece difuminarse en las generaciones de la actualidad.

Para ello, es necesario hablar un mismo idioma, compartir instrumentos intelectuales y artísticos y ponerse de acuerdo en los temas que se tratarán; este encuentro fue pensado con el fin de identificar entre productores y actores las deficiencias que podrían evitar lograr su cometido, pues es por lo que muchos trabajan incansablemente; en esta muestra leí -mediante la propaganda repartida entre el público- cuál era su meta: “Dar sentido discursivo al teatro para que dialogue con el público, haciendo uso de los instrumentos que le son propios: la escena y la poesía”.

De esta forma llegamos a la presentación de 38 puestas en escena con diversos temas de impacto pensado para todas las edades; la ciudad de León, Gto. fue testigo durante diez días de un reflejo del México que vivimos hoy. Presenciamos talleres, foros de discusión, espacios abiertos para la construcción del diálogo, mismos que sirvieron para documentar una propuesta ensayística, que servirá de aporte a la MNT en los temas a tratar en lo subsecuente.

Para finalizar, algunas de las obras que visitamos con el equipo de A Escena fueron: Sie7e, El inspector, Trans, UMA y Los delirantes; todas con un tema específico, que van desde la corrupción de los gobernantes y los conflictos de la infancia, hasta los problemas de equidad de género.

Este evento ha respondido a algunas de mis dudas acerca del trabajo que se realiza desde la logística, al análisis reflexivo y crítico de las obras que se exponen, así como la propuesta del mensaje proyectado. Es increíble ver el talento mexicano y el trabajo exhaustivo que se desempeña en cada ensayo.

Por mucho tiempo adopté la idea de que el acceso al teatro era demasiado costoso, sin considerar que mucho del trabajo que ahí se realiza tiene un valor incalculable, haciendo de lado aquello que va más allá de la butaca. México tiene un gran talento, el teatro adquiere otro significado para mí, pues en cada puesta en escena, el público recibe un mar de información representado en un diálogo hecho poesía, una escenografía y un mensaje que busca unificar criterios, resiliencia, sororidad y justicia, entre muchas cosas más.

Para despedirme, puedo decir que la comunidad teatral ha adquirido una gran responsabilidad de comunicar a través del entretenimiento, sin embargo, aunque hay un trabajo extenso de investigación en la elaboración de cada obra, nos corresponde como público elegir con qué verdad nos quedamos, pues a mi punto de vista no podemos dejar una carga tan pesada a merced de terceras fuentes, pues “Nada sustituye lo que la historia, los libros, las investigaciones y algún reportaje periodístico puedan aportar como fuentes de información”, no debemos olvidarnos del intercambio de ideas en casa y compartir opiniones externas que siempre enriquecen lo que podamos ver en cualquier fuente de comunicación.

Con esto y un buen sabor de boca, me despido no sin antes decir que sin duda esperaré nuevamente otro año para visitar de nuevo la Muestra Nacional de Teatro; gracias al equipo organizador y a quienes comparten conmigo de su experiencia y amor por el arte, la cultura, el cine y el teatro. Pero sobre todo, gracias infinitas al equipo de A Escena que aporta tanto a mi carrera como periodista.

BULBERRY (TEATRO DE CIENCIA FICCIÓN)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Reza el manifiesto de la última humanidad, año 3028: “…El individualismo, la falta de conciencia y la evolución tecnológica se han juntado para separarnos…”. La sentencia suena interesante, despierta la curiosidad de cómo o por qué se llega a la hecatombe, más si es la premisa de una obra publicitada como teatro de ciencia ficción. Ignoro si por pudor, prudencia o descuido, el volante no contiene crédito de autoría de Bulberry.

Antes de entrar de lleno al tema, me pregunto: ¿Es ético escribir sobre un texto del cual no entendí casi nada? Es obvio, no fue por ignorancia o falta de atención, simplemente no escuché la mayor parte, dos actores sin voz, susurraban, aun cuando la puesta es el aire libre, no hay excusa que los justifique. Entre lo poco que capté, más bien escuché, la humanidad y nuestro planeta están a punto de sucumbir; un científico -más joven que la juventud- ha encontrado una forma de inmunidad, algo así como la inmortalidad para quien se somete al tratamiento, en este caso una muchachita. Se habla de una destrucción, un viaje a otro planeta para la preservación, los bolcheviques -digamos los malos- tras… Lo cierto, una dramaturgia pobre en imaginación, desgastada, sin interés alguno, con todos los requisitos para pasar al olvido, reiterando en favor de quien sea el autor(a), la mayor parte no la oí.

Stephanie León es mucho lo que hace como directora, de hecho visualmente hay cierto atractivo mediante una estructura con iluminación propia (foquitos tipo navideños). Sin embargo, valga la expresión, es directora no maga, no puede transformar en actores a dos jóvenes carentes de la menor idea del escenario. Manuel Delgado Piazola y Lenday Gámez, el primero plano, sin entonación, sin emotividad, sin volumen de voz, sin todo lo que se quiera agregar; la segunda, por el estilo, digamos que sus deficiencias son menos alarmantes pero igual de peligrosas para el fracaso rotundo.

En fin, Bulberry, un atentado contra la salud -física y mental- por presentarse al aire libre con el clima gélido que azota a la Ciudad de México, áreas verdes del Centro Nacional de las Artes. Las próximas funciones del 8 al 10 de diciembre a las 20:00 horas.

NOCTURNO, HOMENAJE ESCÉNICO A OCTAVIO PAZ

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1170822Octavio Irineo Paz Lozano, mejor conocido como Octavio Paz (1914-1998) es considerado uno de los más influyentes escritores del siglo XX y uno de los más importantes poetas hispanos de todos los tiempos. Además de ser autor de poemas, ensayos, también se dedicó a la diplomacia mexicana. Entre múltiples preseas y reconocimientos, Octavio Paz obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1990. El Colegio Nacional quiso rendir honor a uno de sus miembros más distinguidos y consideró oportuna la ocasión al coincidir la conmemoración de tres eventos: los 150 años de la Escuela Nacional Preparatoria, los 50 años del ingreso de Octavio Paz al Colegio Nacional y los 25 años del Mandato del Antiguo Colegio de San Ildefonso.

El insigne autor estuvo ligado en vida a las instituciones mencionadas. En 1930 entró a estudiar a la Escuela Nacional Preparatoria ubicada en el edificio que hoy conocemos como Antiguo Colegio de San Ildefonso y en 1976 ingresó al Colegio Nacional. Para homenajear a Octavio Paz se tomó como punto de partida su poema Nocturno de San Ildefonso que, si bien no es tan conocido como otros, es quizá uno de los más significativos para Octavio Paz, pues lo escribió ya de adulto rememorando su época de adolescencia. En uno de sus fragmentos dice: “el muchacho que camina por este poema entre San Ildefonso y el Zócalo, es el hombre que lo escribe: esta página también es una caminata nocturna.  Aquí encarnan los espectros amigos, las ideas se disipan”. 

Así mismo, el Colegio Nacional determinó que la conmemoración sería a través del arte escénico y, para tal efecto, contactaron a Agustín Meza, fundador y director de la Compañía de Teatro El Ghetto.

La Compañía de Teatro El Ghetto es un colectivo escénico mexicano, cuyo objetivo es crear, producir y fomentar propuestas de intención artística y estética. Tiene una trayectoria de 22 años, durante la cual ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales. Algunas de sus obras más exitosas son: El pasatiempo de los derrotados, Cartas de un Idiota de Agustín Meza, Fe de erratas de Agustín Meza, Esperando a Godot de Samuel Beckett, Woyzeck de Georg Büchner, El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas, de Agustín Meza;  Anatomía de la gastritis de Itzel Lara, Gritos y susurros de Ingmar Bergman, La habitación y el tiempo de Botho Strauss, y La arquitectura del silencio. Su producción más reciente es Aproximación al interior de una ballena de la autoría de Ángel Hernández, bajo la dirección de Agustín Meza, misma que está siendo representada en el estado de Oaxaca.

Agustín Meza es un hombre de gran talento y mucha sensibilidad, en cuyas venas corre el teatro. La inspiración la tiene a flor de piel. Es un creativo que no se ciñe a cánones establecidos ni cae en lugares comunes. Es un apasionado de los retos y tiene la convicción de que el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada.  El teatro que concibe Agustín Meza no se limita a un texto escrito.P1170825

Para integrar sus elencos no le interesan las características físicas sino la capacidad creativa y el poder de transmisión de emociones que tengan los interesados, que amen al teatro tanto como él lo ama, que se comprometan con el proyecto y sus habilidades personales, a fin de que todos y cada uno trabajen en colectivo para beneficio de la propuesta. Se ha llegado a dar el caso en que Agustín Meza elija a alguien que nunca antes ha pisado un escenario. Para él lo importante es llegar juntos a buen puerto.

Su visión del teatro es muy particular. No se considera autor de textos escritos, toda vez que una de sus convicciones más arraigadas es que el teatro es un arte vivo y, como tal, hay que dejarlo fluir y evolucionar. Con este propósito, Agustín Meza acostumbra incluir variantes en cada representación, con lo cual ninguna función es igual a otra. Esto no quiere decir que deje todo al azar sino al contrario, cada cambio está previsto y, por ende, revisado y ensayado. Antes de realizar su trazo escénico, él visualiza cómo lo quiere ver en escena y marca una pauta. Luego, trabaja con su equipo. Tras plantearles el proyecto, escucha atentamente ideas y sugerencias. De todo aquello que se aporta algo será incorporado en su dramaturgia, una vez que él lo adapte y coloque en el momento preciso.

Otra de sus características es no preocuparse por la taquilla ni por reconocimientos, lo que él busca en forma franca y sincera es llegar al corazón del espectador, mover su sentir, aunque sea levemente. Hace pocos años creó el teatro de la tersura, un nuevo concepto, a través del cual ha logrado conmover a cuantos han presenciado sus más recientes montajes. La razón primordial de esto es la importancia que da Agustín Meza al espectador En el teatro de la tersura no existe la cuarta pared, se dará la bienvenida al público y, al no haber distancia entre éste e intérpretes, el espectador puede llegar a sentirse parte del montaje cual si estuviera en un convivio, en lugar de estar en un foro.

Entre las producciones de la Compañía de Teatro El Ghetto, donde Agutín Meza ha desplegado más su teatro de la tersura se encuentra La arquitectura del silencio, la cual comentamos en su momento.  Una puesta en escena que ha cubierto temporadas nacionales e internacionales -en nuestro país: Tampico, Tamaulipas, Querétaro, Qro., San Luis Potosí, S.L.P., y Ciudad de México. En el extranjero: Uruguay, Argentina y Cuba. Una obra donde cualquier espectador se emociona en mayor o menor grado.  Ahora, Agustín Meza retoma el teatro de la tersura para Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz.

La gente necesita de este tipo de teatro. Todos aquellos que han visto alguna obra de la Compañía de Teatro El Ghetto están deseosos de ver sus nuevas propuestas.  Prueba contundente de esto es que en tan solo cuatro días se agotaron los boletos para Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz.

Agustín Meza captó la esencia con la P1170839que Octavio Paz revistió su poema Nocturno de San Ildefonso y, así como el connotado autor alude a un recorrido, Agustín Meza lo convierte en escénico, es decir, invita al espectador a hacer una caminata por donde anduvo Octavio Paz, mientras presencia Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz.

No podemos decirte de qué se trata la obra porque, como comentamos antes, cada función es distinta, pero te anticipo que se trata de una caminata por el Centro Histórico. Te sorprenderán unas camas en plena calle, escucharás música ejecutada en vivo con diversos instrumentos, así como la tersa voz de una joven muy atractiva cantando melodías populares, mientras las actrices y actores te hablan en forma directa. Así mismo, verás gente, edificios, comercios y todo lo que se les atraviese, para luego subir escaleras y observar el cielo en su visión nocturna con nubes y luna.  Se trata de un recorrido a través de las calles y de la poesía de Octavio Paz.

Es posible que veas lámparas porque “Los faroles inventan, en la soledumbre, charcos irreales de luz amarillenta”,  o de pronto cierres los ojos: “Hablo con los ojos cerrados”,  o quieras hacer una pausa para “ver la quietud en el movimiento, el tránsito en la quietud”, reacciones ante el frío:“Nos arrastra el viento del pensamiento, el viento verbal, el viento que juega con espejos”, igual hasta llegas a sentir la brisa marina “El cuarto se ha enarenado de luna”, todo lo cual será en plena noche a la intemperie.

Agustín Meza es el responsable de la idea, concepto y dirección escénica de Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz, inspirado en Nocturno de San Ildefonso de la autoría de Octavio Paz, quien indudablemente se sentiría orgulloso si pudiera ver el extraordinario trabajo de la Compañía de Teatro El Ghetto, comandada por Agustín Meza.

Los arquitectos escénicos son: Genny Galeano, H. Alejandro Obregón, Sayuri Navarro,  Ricardo Leal y Lola Barajas, quienes ofrecen un magnífico desempeño histriónico, corporal, vocal e instrumental, provocando una amplia gama de emociones.

Complementan el equipo creativo: Crissanto Frías en diseño de logo, Jorge Mena en fotografía, Fernando Martín Velazco y Vivian Cárdenas en producción ejecutiva,  Fernando Martín Velazco en texto del programa de mano, y Uriel Neri en diseño del programa de mano.

P1170842La producción es de El Colegio Nacional, Compañía de Teatro El Ghetto, Antiguo Colegio de San Ildefonso y Autoridad del Centro Histórico. Colaboración de Monos Teatro.

Quienes vieron Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz se embarcaron en una aventura teatral distinta, donde los ejecutantes fueron sus cómplices. Ellos le guiaron a través del camino. Mientras más echaron a volar su imaginación, más disfrutaron del recorrido. A aquellos que lograron desplegar sus alas por completo, les fue fácil volar y trasladarse a otras épocas y lugares. De esto dependió cuán alto llegaron. Puedo asegurar que el teatro de la tersura es una auténtica caricia al corazón. Adicionalmente, vieron un globo de gigantescas dimensiones que acompañaba a la Compañía de Teatro El Ghetto en sus producciones, y se llevaron a casa el texto completo de Nocturno de San Ildefonso”.

Además de la presentación de Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz, la Compañía de Teatro El Ghetto ofreció un Conversatorio denominado El cuarto se ha enarenado de luna: Vida y obra de Octavio Paz, donde Agustín Meza habló de su proceso creativo y algunos de los integrantes del montaje compartieron sus experiencias sobre el trabajo con Agustín Meza. Así mismo, dieron un taller intitulado C’est la mort –ou la morte, el cual fue concebido como un espacio de encuentro, diálogo y entrenamiento para el artista escénico contemporáneo que se define como un buscador, donde se impartieron técnicas de teatro no convencional y se fomentó la investigación y experimentación escénica.

Nocturno. Homenaje escénico a Octavio Paz se presentó del 2 de noviembre al 2 de diciembre de 2017 en El colegio nacional, ubicado en Donceles número 104, Centro Histórico, Ciudad de México.

DIVORCIO EXPRESS (EL RENCOR INVERSAMENTE PROPORCIONAL AL AMOR)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen de Divorcio express, tomada de Facebook

Daniela Jaimes, autora de Divorcio express, sostiene que el rencor es inversamente proporcional al amor, lo cual nos da a entender que el primero prevalecerá con más intencidad cuando se da la ruptura. Sin embargo, durante el desarrollo, los protagonistas desean odiar a sus respectivas ex parejas cuando en realidad ambos quisieran la reconciliación: ella no divorciarse y que su marido le rogara el perdón; él sueña con una posibilidad similar, a pesar de que quien lo abandonó haya fallecido.

Divorcio expressTanto el texto como la dirección de Jesús Delgado se ubican en el o bien o mal llamado “teatro comercial”. Sin ser un tratado de psicología, sí hay un planteamiento serio de los diferentes arquetipos de género, sin descontar una buena dósis de humor catártico. Por ejemplo, cuando ella enumera todo lo que una mujer debe, así en imperativo, pasar para agradar y siempre con la imagen de guapa y delgada; el hombre explica la dificultad para entender a las féminas, requiere palabras no insinuaciones o símbolos. Lo curioso, las disertaciones surgen del encuentro de una mujer abandonada por su cónyuge, él, abogado quien le lleva el documento para la disolución de su matrimonio. La trama, por necesidad dramatúrgica, nos adentra en sus experiencias de vida.

Jesús Delgado asume su puesta sin mayores complicaciones escenográficas, sencillez realista, la sala de un departamento; el trazo merece reconocimiento y el ritmo se mantiene durante toda la escenificación; atención e hilaridad siempre presentes en los espectadores.

Diana Carranza y Julio Casado identificados con las situaciones y, sobre todo, con la psique de los personajes; bien actuada con base en el formalismo que conlleva a la risa, raro en una comedia de carácter comercial. Durante un poco más de una hora el público los disfruta, un montaje recomendable para quienes buscan en el teatro un momento de diversión. Aclaro, no es una obra de arte, sí una propuesta digna.

Divorcio express tiene como sede La Teatrería (Col. Roma, Ciudad de México), los martes y miércoles, hasta el 20 de diciembre a las 20:30 horas.

CLUB DE LOS DIAGNOSTICADOS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Uno de los tesoros más preciados del ser humano es la salud. Cuando no la tenemos, todo nuestro mundo se ve afectado. Desde un simple catarro, hasta una dolencia seria cambian nuestro desempeño. En cualquier caso, lo aconsejable es acudir a un profesional, quien determina qué estudios, análisis y pruebas requerimos. Una vez que se tienen los resultados, el médico emitirá su diagnóstico. Recobrar la salud depende mucho de un buen diagnóstico, toda vez que éste es la base para una prescripción adecuada, sea de medicamentos, terapia o estos combinados.

p1170771En cuanto sentimos un dolor o molestia, o bien, si sufrimos un percance o accidente, de inmediato sabemos que hemos perdido parte de nuestra salud física. En cambio, cuando ocurre un padecimiento mental es difícil distinguirlo, tanto para el paciente como para sus familiares. Se requiere de una serie de hechos que indiquen que alguien no actúa con normalidad. En ocasiones, las personas que sufren este tipo de trastornos no acuden a un especialista y los que más sufren serán quienes conviven con ellos, ya sea por impotencia y tristeza de no poder ayudarlos o por miedo. En todo caso, un mal mental no diagnosticado es un riesgo para el paciente y sus allegados. Al igual que en las enfermedades físicas existe una gran variedad en las enfermedades mentales. Los hay agresivos, como los sociópatas, los psicópatas, los esquizofrénicos, pues en momentos de crisis pueden llegar a asesinar a alguien. En los casos de violencia intrafamiliar, es posible que el agresivo padezca un mal mental no atendido. También los hay pacíficos, aquellos cuyo trastorno mental los hace vivir alienados o ensimismados, por ejemplo, los autistas que no agreden, pero tampoco socializan.

Si se siguen al pie de la letra las indicaciones médicas, es relativamente fácil recuperar la salud física, no así la salud mental. Así como se dificulta más la detección, igual la recuperación de la salud mental y la readaptación a la vida social.

Por lo general, los alienados tienen que pasar, cuando menos un tiempo, confinados en un hospital psiquiátrico. Este aislamiento les ayuda para su curación, pero también en sus momentos de lucidez sienten profunda tristeza.

p1170785La prestigiada psicóloga Bricia Gurrola, cuyo nombre completo es Bricia Yolanda Gurrola Lazcano, realizó sus primeras prácticas en una institución psiquiátrica y ha escrito diversos textos al respecto. Inspirada por estos textos, la joven dramaturga Nora Coss, originaria de Sabinas, Coahuila, decidió llevar estas experiencias al teatro.  Fue así como surgió el Club de los diagnosticados.

En su propuesta, Nora Coss no incluye antecedentes ni cómo se dieron cuenta de la enfermedad, se limita a presentar la vida diaria de los pacientes en el hospital, brindándoles voz, a fin de que sean ellos quienes digan lo que sienten y lo que piensan. La mente humana tiene tantos vericuetos que siempre resulta interesante conocer otros puntos de vista. En forma clara, Nora expone cómo estas personas deambulan entre la realidad y la irrealidad. Para ellos, unas cosas son visibles y otras no. Debido a que entre ellos se entienden mejor, Nora incluye un “canal telepático” para comunicación interna. Define cuidadosamente a sus personajes y les da características particulares. Otro de sus aciertos es hacerlos sentir especiales, otorgándoles un círculo privado, el Club de los diagnosticados.

Tres amigos conversan entre ellos y con el público. A la primera persona que vean le preguntarán si es diagnosticado o no diagnosticado, para saber si pertenece al Club de los diagnosticados. El más alegre y dicharachero es Jocelyn Maclovio, un cubano jacarandoso que gusta de contar chistes, pero de un momento a otro se muestra celoso y posesivo. El galán es Marco, quien no pierde oportunidad para lanzarse a la conquista, a pesar de padecer el síndrome de personalidad múltiple. El retraído es Raúl, aun cuando también deja ver que es el más inteligente y reflexivo del grupo. En tanto los vemos tomar sus terapias, a modo de entretenimiento, pues consisten en juegos o pinturas, llega a visitarlos Alicia. En todas sus actividades sienten la presencia de médicos o enfermeros, a quienes ellos llaman “hombres de blanco”.

p1170793La escenografía es funcional, aunque no estética ni imaginativa. La iluminación es fallida, pero, tal vez esto obedece a los recursos con los que cuenta el foro en que se presentan, donde, por cierto, el olor a humedad es agobiante.

La dirección por parte de Viviana Armas no logra captar la esencia del texto creado por la dramaturga, o tal vez no lo supo traducir a lenguaje teatral. Desde mi personal punto de vista, banaliza en cierta forma el padecimiento de Jocelyn Maclovio, al imponer tanta felicidad y despreocupación al actor que lo interpreta. Esa desmesurada alegría queda fuera de lugar en este tipo de instituciones. No es que siempre estén deprimidos, pero, como sea, son personas afligidas. El desplazamiento de su elenco es irregular, no se mantiene un ritmo adecuado. Por otra parte, resulta paradójico que el “hombre de blanco” sea una mujer y vista totalmente de negro cuando no usa la bata blanca.

En cuanto al trabajo histriónico y corporal se tiene que individualizar, pues aunque pertenezcan al mismo Club, no conforman un equipo homogéneo. A Fernanda Delgado le tocó ser “el hombre de blanco”, quien solo está presente sin decir una palabra. En el montaje, este personaje lejos de aportar algo, confunde al espectador con sus extraños movimientos. A Joana Camacho le hace falta adentrarse más en Alicia o Luz María, se le ve más ausente que a los propios alienados. Hernán Valencia, en cambio, se hace demasiado presente como Jocelyn Maclovio. Gabriel Dean logra un buen desempeño y hace gala de su facilidad para emitir diferentes voces como Marco.  Andrés de León es quien trabajó más en la creación de su personaje y nos brinda una excelente actuación como Raúl.

Quienes quisieron saber si pertenecían o no al Club de los diagnosticados, acudieron a ver esta obra de Nora Coss. Además de entretenerse, tomaron conciencia de la existencia de estos seres y valoraron más el ser “no diagnosticado”.

Club de los diagnosticados cubrió su temporada durante el mes de noviembre de 2017 en el Foro Luces de bohemia, ubicado en Orizaba número 193, colonia Roma, Ciudad de México.

LA CANTANTE CALVA (IONESCO EN VERSIÓN ESPAÑOLA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de testro

Imágenes de La cantante calva, a cargo de Estudios zero teatre

Cantantecalva1Eugéne Ionesco, dramaturgo con reconocimiento universal, autor de El rey muere, Rinoceronte y La cantante calva, por mencionar algunas de las más relevantes, es uno de los más destacados representantes del teatro del absurdo -lo que en apariencia es contrario a la razón- y pareciera ser eso, lo cual no es correcto porque se necesita una buena dósis de inteligencia y manejo de la palabra para incursionar con éxito en este estilo.

Es probable que en México la obra más conocida y representada de este autor sea La cantante calva. Con tan solo tres funciones en la Ciudad de México -lamentablemente unos cuantos teatrófilos los elegidos- fue sede de una versión española a cargo de la compañía Estudio zero teatre procedente de Palma de Mallorca, bajo la dirección de Pere Eme Mestre. Una propuesta más que afortunada, explota en forma idónea el humor especial de Ionesco; con el acento y algunas palabras propias de la península Ibérica. La puesta es jocosa, siempre la hilaridad a partir de la formalidad, los actores inmersos en esa seriedad provocadora de la alegría del espectador. La representación se dio en una pequeña superficie -Carretera 45 Teatro-, por tanto, de manera intimista, teatro de cámara, contacto personal con los integrantes del elenco, una impecable, pulcra y certera dirección, siempre pendiente del más mínimo detalle, la esencia del texto de principio a fin.

cantantecalva2El reparto integrado por talentosos actores: Pepa Ramón, Dominic Hull, Lourdes Erroz, Imma Villalonga, Xim Vidal y el propio Pere Eme Mestre. Todos un trabajo de conjunto, cada uno aportando sus particulares dotes histriónicos, sin embargo, la participación de Pere es cautivadora, en especial por su expresión facial, tiene algo -en el buen sentido- para provocar humor fino, por momentos es el foco escénico.

Un detalle especial, muy bien logrado, con exquisitez, es el cierre de la puesta en escena: en unos cuantos segundos, en cámara rápida, se representa la obra completa, el gozo del público es innegable e indescriptible.

Un atinado acierto de Carretera 45 Teatro y de su director artístico, Antonio Zúñiga, en programar y dar cabida a compañías internacionales como Estudio zero teatre.

 

CASA DE MUÑECAS (LA TRISTE REALIDAD DE MUCHAS MUJERES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

Foto de Adriana Hernández

casamuñecas                                                       Escenografía de obra Casa de muñecas, de Gabriel Pascal

Henrik Ibsen, el más destacado dramaturgo de origen noruego, es considerado el padre del realismo contemporáneo e iniciador del teatro de tesis y del teatro social. Entre sus obras más connotadas están Peer Gynt, Brandt, Espectros y Casa de muñecas, esta última de la que hoy nos ocuparemos.

Es considerada una de los textos más representativos de la dramaturgia universal. Aborda la triste realidad de la mayoría de las mujeres sin importar su nivel de educación, estado económico o condición social; presas del dominio impuesto por los varones, sometidas a la esclavitud del hogar, de los compañeros de trabajo, del padre, esposo o de cualquier patán que invada su entorno personal y social.

Más que una denuncia, la prosa de Ibsen es un reflejo en el escenario, un intento -casi desesperado- para tomar conciencia de la situación, en principio no hay recetas o remedios fáciles, sí, hacia el final, de determinaciones, de fuerza de voluntad y de carácter para alcanzar la libertad existencial, obvio, casi siempre ante un logro hay un sacrificio.

Surge la interrogante sobre si el texto es de actualidad, la respuesta es un rotundo sí. En nuestra época pareciera exagerado que una mujer sucumba por haber falsificado una firma en un pagaré, a pesar de estar cumpliendo con sus obligaciones, con el propósito de una buena causa y ocultar su acción al beneficiario, a cambio sufrirá el escarnio social e injustas reclamaciones, infundios por parte de quien dice amarla y haberle dado todo… lo material. La anécdota ubicada en su tiempo nos puede parecer creíble, ahora no tanto, lo importante es el subtexto, el fondo de la temática.

Mauricio Jiménez -a quien considero el mejor director mexicano del minimalismo escénico- da un giro en su estilo y conjuntamente con la creatividad de Gabriel Pascal, opta por una escenografía hiperrealista -la sala de un departamento- en medio de una gran estructura, ésta simboliza la jaula de oro donde se transgrede la dignidad de Nora. La puesta se fundamenta en el valor de la dramaturgia, a ésta le da tono y ritmo pausado, casi a cámara lenta, pusilánime, como si el tiempo no transcurriera en el interior de esa habitación, como si los personajes estuvieran pasmados, ensimismados ante sus situaciones; las relaciones entre ellos están remarcadas, aún en los casos de crisis actúan con una calma impresionante, una actitud casi pasiva. No hay forma de no involucrarse con lo que está pasando frente a uno. Mauricio se encarga de inmiscuir a todos de forma sutil, es una dirección de actores.

La complicidad con la intencionalidad, con la estética y los tiempos escénicos se complementa con las actuaciones de Andrea Salmerón (Nora), Moisés Arizmendi (Torvaldo), Erando González (Dr. Robles), Olga González (Cristina) y Francisco Mena (Conrado). Todos en su conjunto asumen las directrices de Mauricio, en verdad dignos de reconocimiento, en especial Moisés -indudablemente el mejor- y Erando -un monstruo del histrionismo, en apoyo vital de la propuesta-. Antes de concluir, debo decir que el espectador se enfrentará a un montaje que de igual manera será aprobado o rechazado, esto con base en el ritmo y el tono.

Casa de muñecas se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre y del 5 de enero al 4 de febrero del 2018, los viernes a las 20:30, sábados 17:00 y 20:00, y domingos 18:00 horas.

COSAS RARAS (LA MUERTE OCULTA LA LOCURA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de la puesta en escena de Cosas raras, tomada de la página de Facebook de Olivia Lagunas

CosasrarasEs frecuente, no solo en México sino en todo el orbe, ocultar, desaparecer y hasta “matar” a un pariente cuando éste se ve afectado de sus facultades mentales. Sin embargo, se puede internar a la esposa en un psiquiátrico para que los hijos no la vean en un estado deplorable, triste, lamentable, en concreto, evitarles la angustia del padecimiento de su madre. Lo interesante es si es válido urdir un deceso ficticio; se aplica aquello de si el fin justifica los medios.

Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, mejor conocido como LEGOM, obtuvo el Premio Bellas Artes de Obra de Teatro para Niños 2016, con la obra Cosas raras. En ella hay un encuentro y desencuentro con el amor, el juego, la infancia, los silencios, la ausencia, los secretos, la fraternidad, la cosmogonía de los pequeños y, por qué no, la aracnofobia. La Nena y Beto han perdido a su mamá, en las circunstancias antes mencionadas, viven con su padre, quien un día no retorna a su casa. Los hijos se dan a la tarea de buscarlo, en su odisea descubren una serie de cosas raras en torno a su progenitor, a la postre se les revelará que su madre vive. Crecen, cada uno tomó caminos distintos, involuntaria y voluntariamente, y…

LEGOM es un dramaturgo inteligente, audaz, todos los temas que atañen al ser humano le son propios. Tiene un peculiar estilo, es irreverente, no tiene miedo a la crítica, una característica peculiar en él es el manejo y dominio del humor álgido, esto lo hace interesante, profundiza y en forma paralela hay una catarsis permanente, provoca a la razón, al sentimiento y al buen humor. Si lo anterior lo hace un autor buscado por los teatristas, de igual forma lo es por parte de los espectadores. En el caso de Cosas raras sigue su estilo, el “morbo” nace cuando se conoce al público al que va dirigido: niños y adolescentes. Lo logra con un lenguaje propio y accesible sin caer en lo fácil o lugares comunes. Un gran texto, punta de lanza para tomar conciencia de que la niñez y la juventud mexicanas son personas pensantes.

Para un maestro de la dramaturgia nada mejor que un maestro de la dirección escénica: Hugo Arrevillaga. Sin duda, un pilar en este rubro, comparte con LEGOM lo inteligente, audaz, propositivo, lejos de los convencionalismos, en estricto sentido, un creador del quehacer teatral. Junto con Auda Caraza (escenografía), Roberto Paredes (iluminación) y él mismo (escenografía y vestuario), Hugo crea una atmósfera para resaltar emociones, sentimientos, sacar a flote el subconsciente y volverlo consciente. Le basta una cantidad indeterminada de cascos (vidrio) de Coca-cola, unas rejas, de esas en las que se transportan los refrescos, una caja con forma de prisma en vertical simboliza un ataúd y una silla la figura paterna. Loable que no viste a sus niños con pantaloncillos cortos o con un vestidito, ropa común y corriente, a esto hay que agregar que no hablan como bobos, sino como lo que son: seres racionales con inquietudes. Por primera vez en su trayectoria escénica prescinde de cualquier tipo de musicalización. Afortunada la niñez y sus familiares cuando disfruten la propuesta del maestro Hugo.

Olivia Lagunas y Adrián Vázquez, fuera de serie, impresionantes, dos niños interpretados por dos histriones, no requieren caracterizaciones, hacen de sus movimientos una coreografía permanente, se desenvuelven con naturalidad, obvio, solo dos actores con su experiencia y dones aprovechados pueden convertir a dos adultos en la Nena y Beto, seres humanos en pleno descubrimiento de su entorno.

Cosas raras tendrá una corta temporada en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre, sábados y domingos a las 13:00 horas.

ELEFANTE (ÓPERA EN ESPACIO MÍNIMO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Internet

elefanteSi por ópera entendemos -en su significado más simple- una representación teatral con acompañamiento orquestal, el canto como su principal protagonista, sin descontar la danza, artes plásticas… estamos frente a la conjunción de todas las bellas artes. Sin embargo, en nuestro país esta expresión artística tiene muy poco público, las temporadas -por llamarlas así en forma pretenciosa- en el Palacio de Bellas Artes, máximo recinto cultural nacional, no exceden de cinco o seis funciones. Tal vez, solo como especulación, una de las razones es que la mayoría son interpretadas en idiomas extranjeros, la gente -por desgracia- es perezosa para leer la sinopsis y el subtitulaje la más de las veces es un distractor.

Ante esta situación, es digno de toda loa la labor de la compañía Los socios del ocio, abocada a la promoción y difusión del bel canto, nada más y nada menos que entre los infantes. Así, nos encontramos con Elefante, ópera en espacio mínimo, propuesta que concluyó su más reciente temporada -con teatro lleno- en el Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México). La dramaturgia a cargo de Mauricio Jiménez Quinto y Luis Felipe Lozada, la dirección escénica de Sofía Sanz y Jorge Reza.

Cinco ancianos, recluidos en un asilo, pasan sus últimos días, su forma de “matar el tiempo” es contando cuentos -cantando y actuando- historias, una competencia para decidir cuál es la mejor. Mitología, un gran maestro; un panteón cuyos moradores son niños muertos; un reino lejano donde el odio y el rencor estuvo a punto de acabar con todo, y… Narraciones imbuidas en mundos mágicos, oníricos, odiseas invaden la mente y el alma de quienes escuchan, por sí solas cada uno de los temas contiene valores humanos.

Si agregamos las voces de cinco hombres y una mujer entregando lo mejor de sus dones vocales, acompañados por un teclado -piano y clavecín-, movimientos corporales -coreografías-, todo en su conjunto da lugar a un gozo estético impactante. Ellos definen la propuesta como una ópera en espacio mínimo, literalmente es cierto. Cero escenografía, los cuerpos se convierten en todo lo imaginable, transforman lo invisible en una realidad óptica en un espacio de pocos metros cuadrados. Hay que confesar, admitir en forma sincera, no hay palabras para describir lo que este grupo de creadores logran en el escenario y, lo más importante, provocar la admiración, la alegría a través del arte, aprehender a niños y adultos.

Los magos de Elefante son: Virginia Álvarez (soprano), Jairo Calderón y Mauricio Jiménez (tenores), Galo Balcazar y Luis Felipe Lozada (bajos), Kevin Arnoldo y Ángel Luna (actores), Jaime Pullés y Emmanuel Vieyra (instrumentistas). Amenazan, para fortuna del arte operístico teatral con nuevas propuestas, desde ahora quedamos a la espera.

LA VERDURA CARNÍVORA (VÍCTIMA DE SUS PROPIOS INSTINTOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías

Imagen de La verdura carnívora, tomada de la página de Facebook de Abril Mayett

laverduracarnívoraUno de los grandes placeres provocados por el teatro es la alegría, reír, disfrutar con lo que pasa en el escenario, olvidar los problemas cotidianos y creer que todo es felicidad. Este es el caso que se vive con el monólogo La verdura carnívora, dramaturgia y dirección de Abril Mayett, donde por contradictorio que parezca la hilaridad emana de una mujer víctima de sus propios instintos.

La autora narra la historia de una vegetariana involuntaria llamada Verdolaga, quien debido a su carencia económica nunca tuvo la carne a su alcance. Su vida experimenta un giro muy drástico cuando se enamora de Milanesas, un boxeador aficionado, quien le rompe el corazón. La sinopsis, como debe ser, generaliza. El personaje -al inicio de la obra- está por dar una charla ante un auditorio que ha asistido al Centro de Rehabilitación Social, donde está recluida, con el propósito de compartir su experiencia del por qué está privada de su libertad y, al mismo tiempo, reducir su condena cuatro meses por hacerlo. Un ser marcado por la tragedia desde el día que vio la luz primera en un basurero, abandonada, víctima de abusadores(as), quienes se cruzaron en su desafortunado camino. Lo más interesante es cómo va cobrando venganza, se desquita de lo recibido, urde planes inteligentes, sin ensuciarse las manos se deshace de los victimarios, claro, en una de esas la suerte no la acompañó. Ante este breve resumen, ¿no es increíble que el público ría durante una hora y media? Hay mucho ingenio, humor negro, albures finos, situaciones chuscas por sí mismas, la ingenuidad y la racionalidad se unen.

Hay que reconocer la dirección de la propia Abril, en principio no es tan fácil como podría suponerse, son múltiples las ocasiones de la autotraición -por llamarle de alguna forma-, con más riesgo cuando ella es la intérprete del monólogo, aunado a la ausencia de un(a) asistente de dirección. El reto se incrementa cuando el minimalismo escenográfico se manifiesta en su máxima expresión, solo un huacal para…

Como actriz merece todo el respeto porque si bien todo está centrado en Verdolaga, aparecen otros personajes en escena, les da vida con cambios de voz y diversos gestos faciales. Convincente, goza la narración, hace de la desgracia una fiesta teatral, si se me permite la expresión.

Lamento haber respondido a su invitación cuando solo resta una función -30 de noviembre a las 20:00 horas, en el Teatro Coyoacán, Enrique Lizalde, Ciudad de México-. Desde este espacio le extiendo una sincera disculpa. Ante sus valores intrínsecos y extrínsecos La verdura carnívora pronto tendrá otra sede en la capital de la República Mexicana como en las entidades federativas.