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RED, BLACK & SILVER (O ESE LÚGUBRE TERRITORIO DE GUERRA QUE ME HABITA). EL ÚLTIMO PARPADEO DE JACKSON POLLOCK

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200484Alejandro Román es uno de los dramaturgos más galardonados del país. Alejandro es oriundo de Cuernavaca, Morelos, hombre que ama a su país y que se compromete con sus entornos y las situaciones que afectan a la sociedad. Esto lo refleja en su creación teatral. Desde que comenzó su trayectoria la mayoría de sus obras han ganado reconocimientos. Tiene en su haber varios premios nacionales de dramaturgia. Por lo general, la inspiración le llega a Alejandro de hechos reales. Realiza investigaciones exhaustivas y se documenta, para luego construir relatos plenos de veracidad. Así mismo, Alejandro utiliza el teatro como plataforma para concientizar sobre temáticas complejas con carga social y humana.

Entre sus obras más destacadas recordamos: Línea de fuego, Cuerpo caído, Ánima sola, Aullido de mariposas, Perlas a los cerdos y Tiradero a cielo abierto, mismas que han sido llevadas a escena. El año pasado presentó su libro Los fusilamientos, texto que entrelaza tres historias -una de España y dos de México-.

Hasta ahora, los montajes que hemos conocido de Alejandro Román tocaban temas relacionados con hechos violentos, pero Red, Black & Silver (Rojo, negro y plata) versa sobre amor, arte y pasión, ya que se refiere a Paul Jackson Pollock (1912-1958), mejor conocido como Jackson Pollock, uno de los pintores estadounidenses más prominentes, figura importante del movimiento del expresionismo abstracto y precursor de la pintura en acción (action painting).

En 1936, Jackson Pollock incursionó en la pintura líquida durante un seminario impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Poco tiempo después, a sus trazos con pincel añadió el vertido de pintura, lo cual fue el preludio de lo que más adelante sería su sello personal. Experimentó diversas formas de plasmar sus cuadros y descubrió que si no se ajustaba a lo tradicional, lograba tener nuevas perspectivas que dimensionaban su arte. En lugar de usar un caballete, colocaba los lienzos sobre el piso, aparte de pinceles, utilizaba varas y jeringas, y en vez de pintura, una resina sintética llamada barniz alquídico (alkyd). La técnica inventada de goteo de pintura por Pollock es conocida como dripping y fue la que lo llevó a la fama. En el año 2000 se presentó Pollock, una versión cinematográfica sobre la vida y obra del influyente artista, dirigida y protagonizada por Ed Harris, la cual ganó el codiciado premio Óscar.

En lo personal, Jackson Pollock era introvertido, de carácter voluble, amante de la velociP1200507dad y con problemas de alcoholismo. Contrajo matrimonio con Lee Krasner, otra artista influyente del movimiento de expresionismo abstracto, quien era pocos años mayor que Pollock, muy sociable, con muchos contactos en el ámbito artístico. De hecho se dice que Lee contribuyó mucho en la proyección de la obra de su marido. Todos pensaban que era una pareja que se llevaba bien, pero Pollock era voluntarioso y se daba tiempo para algunos deslices. Se enamoró de Ruth Kligman, una joven estadounidense casi 20 años menor que él, que se dedicaba al arte abstracto. Desde el inicio de su relación, Ruth le pedía a Pollock que hiciera una pintura sólo para ella.

Pollock sorprendió a Ruth Kligman en 1956 con su obra intitulada Red, Black & Silver. Al entregársela, le dijo: “Te regalo mi corazón untado en un pedazo de tela“. Semanas después del significativo obsequio, Jackson Pollock fue a la estación del tren a recoger a Ruth Kligman y Edith Metzger -amiga de ella-. Pasó el día completo con ellas y luego de la cena las invitó a una reunión en casa de unos amigos. A pesar de que él había estado bebiendo, los tres se subieron al convertible Oldsmobile y tomaron carretera en East Hampton, Nueva York, cerca del estudio del artista. Desafortunadamente, este sería el último viaje para Pollock y para Edith, toda vez que sufrieron un trágico accidente durante el cual los tres salieron propulsados del auto, pero Ruth fue la única sobreviviente.

Tras la muerte de Pollock, su legado completo quedó en manos de Lee Krasner, su viuda. Por su parte, Ruth Kligman quiso autentificar la obra Red, Black & Silver como original de Jackson Pollock, ya que con esto, en un momento dado, podría subastarla en millones de dólares, pero su petición no progresó. Instauró un litigio que duró décadas, durante las cuales expertos en ciencia forense y química examinaron minuciosamente la pintura, haciéndole pruebas de todo tipo, incluyendo fractales, radiográficas y de pigmentación. Lo más que pudieron encontrar fueron unos residuos de pelaje de oso polar que coincidían con una alfombra que tenía Pollock en su propiedad, pero consideraron que no era una prueba determinante, así que nunca declararon que Red, Black & Silver era un PollockP1200525 auténtico.

Varios aspectos de esta apasionante historia son captados en el texto de Red, Black & Silver de Alejandro Román, quien primordialmente se centra en lo que Jackson Pollock pensaba en el momento del accidente. Alejandro se pone en los zapatos de Pollock, a fin de que el artista comparta sus pensamientos más íntimos, a partir de que muchos suponen que en los últimos minutos recordamos fragmentos de nuestra vida. El relato es tan vívido que pareciera que desde el más allá el propio Pollock hubiera contado a Alejandro lo que sentía. El texto es de excelente factura y refleja la complejidad del artista, la pasión por su arte, su amor, sus debilidades y su fuerza. Es un relato impactante que atrapa al espectador de principio a fin.

El montaje es el marco más idóneo que pueda existir para este luminoso texto. Se trata de una instalación escénica diseñada por Teatro entre 2, una compañía franco mexicana con ocho años de trayectoria, con mucha experiencia en interdisciplinas, dado que combinan teatro, multimedia, dibujos que se proyectan en vivo, pintura, música y canto. Han desarrollado un estilo propio, al cual denominan Cine Teatro y tienen predilección por espectáculos que puedan salir a la calle en intervenciones urbanas sorpresivas. Los fundadores e integrantes de la compañía Teatro entre 2 son Arnaud Charpentier, Francia Castañeda y Oliver Dautais.

El diseño escénico y la dirección visual de Red, Black & Silver es de Alain Kerriou, quien también participa como actor. La ambientación hace sentir al espectador que está dentro del estudio de Jack Pollock, sobre el piso yace un lienzo de 2 x 2 metros.

La dirección corre a cargo de Arnaud Charpentier, quien logra una labor magistral, su trazo escénico es impecable, el manejo de cada uno de los elementos es oportuno, la sincronización con el multimedia es formidable, la acción constante y el ritmo preciso.

Alain Kerriou encarna a Jackson Pollock con un realismo sorprendente, desplegando ímpetu y pasión desbordantes. Son admirables su histrionismo y corporalidad.

P1200528La composición y la dirección musical las aporta Jacobo Lieberman, a quien su talento lo ha hecho acreedor de dos Arieles en la categoría de banda sonora. La música en vivo la ejecutan Emiliano González de León y la bella Francia Castañeda, actriz, músico y cantante, quien también participa en breves interacciones con Pollock. Participan también: Eduardo VC en grabación de audio final en Audioflot, Ariesna González en logística, Alberto Robinson en administración, Mafer Arnaut en diseño gráfico, Paris Ramos y Abigail Cinco en producción.

Red, Black & Silver es una producción de Teatro entre 2. Ver a un genio redivivo es algo que no se debe desaprovechar, así que acompaña a Pollock en su último parpadeo, compartirá contigo sus recuerdos en un delirante recorrido, mientras despliega su pasión por el arte y el expresionismo abstracto en todo su esplendor. No pierdas la oportunidad de disfrutar de este espectacular montaje lleno de energía que te conmoverá. Teatro de calidad, donde cada uno de los participantes ha empeñado creatividad y compromiso.

Red, Black & Silver se presenta los viernes a las 20:30 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en Avenida de los Insurgentes Sur número 1500, Colonia Guadalupe Inn en la Ciudad de México. Duración aproximada: 55 minutos. Costo de la localidad: $200.00 pesos. Concluye temporada el viernes 14 de diciembre de 2018.

LA HECATOMBE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1220043En el marco denominado M68 Ciudadanías en Movimiento, para conmemorar el quincuagésimo aniversario del Movimiento Estudiantil que desembocó en una matanza de estudiantes el día 2 de octubre de 1968, en la Plaza de las Tres Culturas, situada en el conjunto habitacional conocido como Tlatelolco de la Ciudad de México, hecho que marcó a nuestro país, se están realizando diversos eventos culturales dentro de los cuales se encuentra La hecatombe, de la autoría de Juan Tovar, bajo la dirección de Carlos Corona.

Juan Tovar es un destacado escritor mexicano con más de medio siglo de trayectoria, la cual comenzó en su infancia escribiendo cuentos, para luego desempeñarse como dramaturgo, cuentista, periodista, guionista y traductor. De los diversos libros que le han sido publicados, el más reciente es un compendio de parte de su obra dramatúrgica intitulado: Teatro Reunido I.  Tiene en su haber numerosos premios, galardones, distinciones y reconocimientos, entre los cuales se encuentran algunos tan importantes como la Medalla de Bellas Artes que le fue otorgada por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), como reconocimiento de sus aportaciones al arte y la cultura de México; el Premio Dramaturgia Juan Ruíz de Alarcón que ha recibido en tres ocasiones distintas, en los años 2007, 2008 y 2011,  y  el Premio Ariel de 1987 al mejor guión cinematográfico por Crónica de familia. Juan Tovar es considerado uno de los autores contemporáneos más importantes de México.

En el material publicitario se anuncia La hecatombe como una farsa circular de Juan Tovar, cuya sinopsis es: “Tres ex-presidentes de la República de Huaxilán se reúnen en un páramo sombrío, que remite al limbo que antecede su descenso al infierno, donde les está destinado el noveno círculo: el de la traición. En su recuento de villanías, rememoran su participación en el momento de la “hecatombe”, cuando son asesinados miles de víctimas de la guerra sucia. El entramado del poder y la política son revelados para evidenciar la responsabilidad individual y los costos morales de sus propios actos“.

P1220058Para la puesta en escena de La hecatombe se combinan el texto de Juan Tovar con textos de los personajes Beatriz y Virgilio, que son el resultado de una investigación realizada por  Juan Celis y dramaturgia de Cros Corona. La acción se enmarca en la musicalización y diseño sonoro de Leonardo Soqui y Carlos Corona.

El ser humano siempre tiende a buscar justificación de sus actos, así que dos de los ex-presidentes, a lo largo de su conversación, rememoran su participación en el momento de La hecatombe, cuando fueron asesinadas miles de víctimas de la guerra sucia. Hacen un recuento de las decisiones que tomaron y de las razones que los motivaron, a la vez que se va transluciendo el entramado del poder y la política para evidenciar la responsabilidad individual y los costos morales de sus actos. Más tarde aparece otro ex-mandatario, luce algo decrépito y llega a dar un toque de comedia con su adustez. Aun cuando el autor ubica la historia en la República de Huaxitlán, existen semejanzas con mandatarios de nuestro país, por lo que podríamos pensar que aquello de cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia no es aplicable, sin embargo, la ficción es la llave que abre puertas a un sinfín de posibilidades. La narrativa se hace más amena con las breves y vertiginosas apariciones de Beatriz y Virgilio, quienes esclarecen algunos datos, apuntan ciertas referencias o precisiones oportunas.

Al parecer los ex-gobernantes se encuentran en una especie de antesala en espera del juicio final. Recordemos que en el Infierno de la Divina Comedia del autor italiano Dante Alighieri (1265-1321), el noveno círculo está reservado al castigo de los culpables de malicia y fraude, así que si resultara que estos hombres son traidores a la patria serían conducidos a dicho círculo. Las malas decisiones pueden cambiar la vida de un ser humano, pero cuando éstas afectan a toda una nación, bien podrían provocar una hecatombe.

P1220063La labor de dirección por parte de Carlos Corona es impecable. Su trazo escénico es fluido y preciso, balancea lo discursivo con las apariciones de los dos jóvenes de su elenco. Cuida los detalles y aprovecha a fondo el espacio. El ritmo es preciso.

La labor histriónica, corporal y de expresión por parte del elenco es formidable.  Rodolfo Arias encarna al licenciado Flores, aportando su fuerte presencia escénica, su voz clara y potente, y la emotividad idónea. Jorge Ávalos como el licenciado Diéguez, supera la natural incomodidad de usar una prótesis dental y ofrece un gran trabajo. Emilio Guerrero encarna al licenciado Covarrubias, dicharachero y simpático, a pesar de su seriedad. La sal y la pimienta la proveen Nalleli Montero como Beatriz  y  Luis Arturo Rodríguez como Virgilio, con una agilidad corporal muy coordinada.

El resto del equipo creativo está integrado por: Matías Gorlero en escenografía e iluminación. Trama & Drama vestuario y producción, S.A. de C.V. en vestuario y utilería; el diseño de Estela Fagoaga;  coordinación de estampados de Sergio Mirón. Asistentes: Saira Lagunas y Miriam Quijano; realización de vestuario, Emigdio Fernández y Camisería Bolívar. Alan Uribe imparte la coreografía. Cinthia Muñoz en maquillaje. Juan Celis es asistente de dirección. Luis de Regil en asistencia de maquillaje y realización de dentadura; Antonio Garduño en realización de escenografía y mobiliario. José Jorge Carreón en fotografía. Delia de la O en prensa. Miguel Ángel Díaz y Jesús Nava en medios electrónicos y promoción. Fausto Castaño es productor residente. Ricardo de León y Andrea Poceros en producción ejecutiva. Joel Olmos, Armando Ruíz, Luis Ramírez y Elmer Ramírez son el staff de producción. La Dirección de Teatro en producción general. La hecatombe es una producción de Cultura UNAM, Universidad Nacional Autónoma de México, a través de la Dirección de Teatro, en el marco del Memorial 68.

P1220075Acompaña a estos ex-mandatarios mientras tratan de justificar sus acciones. Se dice que hay que recordar tanto lo bueno como lo malo. Rememorar lo bueno es volverlo a disfrutar, en tanto que lo que fue malo para que nos sirva de experiencia, a fin de evitar que se repita. Un montaje que aborda temas sociales serios, algunos dolorosos, pero visto desde una perspectiva fársica con tintes de humor. Actuaciones memorables, excelente dirección, gran labor de un equipo comprometido con el teatro y la sociedad.

La hecatombe se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas  y  domingos a las 18:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Avenida Insurgentes Sur número 3000, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $150.00. Descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM y jubilados ISSSTE e IMSS con credencial vigente. Los jueves el costo de la localidad es de $30.00 pesos. Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018.

TT ES

Texto y fotos porEugenia Galeano Inclán

P1220224Entre lo que aprendimos en la escuela se encuentra el número TT (fonéticamente <pi>) en el sistema vigesimal, correspondiente a la geometría euclidiana. TT es un coeficiente que multiplicado por el diámetro indica la longitud de la circunferencia, es decir, tres veces el diámetro se acerca a la longitud de la circunferencia, pero para alcanzar la exactitud hay que multiplicar el diámetro por la fórmula de TT que es: 3.1416. Una vez memorizada la fórmula, nos era fácil obtener los resultados. TT es un número irracional y una de las constantes matemáticas más importantes. En la vida cotidiana prácticamente no utilizamos el número TT, pero en matemáticas, física e ingeniería su aplicación es muy frecuente.

Gabriela Rosero, originaria de Ecuador, es una destacada artista escénica, coreógrafa, bailarina y docente especializada en danza contemporánea. En su haber tiene múltiples premios, galardones y reconocimientos. Actualmente reside en México. Se le recuerda por su participación en la reciente temporada de Do notdisturb, creación de Jéssica Sandoval.

Gabriela Rosero concibió un proyecto multidisciplinario para representar los caminos que recorremos con nuestros pies. Decidió intitular su propuesta TT ES, lo cual fonéticamente es Pi-es. Por un lado, el número TT simboliza los ciclos de los recorridos en la vida y, por el otro, los pies son el vehículo que nos permite hacer tales recorridos.

P1220262Como lo indica el programa de mano de TT ES, se trata de un unipersonal que transita por cuatro estaciones, a través de las cuales se evocan experiencias personales que remiten a situaciones de nuestro extenso caminar por la vida. “Inspirada en los interminables y numerosos pasos que TT pasos que atravesamos a lo largo de nuestro caminar, desde que aprendemos a caminar hasta lo que es y significa estar de pie todos los días.

Gabriela Rosero acude a varias disciplinas en TT ES. Creó una original y compleja coreografía que ella misma interpreta. La acompaña musicalmente y con interacciones escénicas la experimentada licenciada instrumentista, Sibila de Villa, mexicana, con saxofón y flauta. Los textos escritos por Gabriela incluyen ciertos fragmentos de poemas, como por ejemplo: “Pero esta ciega anduvo sin tregua, sin parar, hora tras hora. Apenas tuvo tiempo de estar desnuda en el amor o en el sueño“, de Pablo Neruda. Así mismo, hay un dispositivo multimedia donde se proyectan imágenes de Gabriela caminando, pasos que se ven desde su propia perspectiva. El ambiente huele a uvas, fresas y café.

Lo primero que se ve en escena es a una mujer de sofisticada belleza portando un vestido color rojo recostada sobre el piso. El escenario está prácticamente vacío, sólo hay un reluciente cuenco metálico, donde en un momento dado habrán de verter agua, del techo cuelgan más de una docena de racimos de uvas, la mayoría artificiales combinadas con algunas reales. Tanto Gabriela como Sibila se dan la oportunidad de explorar movimientos para cubrir diversos trayectos. Sibila hace sonar sus instrumentos frente a una pared ahogando ligeramente el sonido, o bien, hacia el cuenco, lo cual dimensiona el sonido con tintes metálicos.

P1220266Se habla de amor, de vencer miedos, de conocer lugares, de aventurarse, de soñar, de volar, de trabajo, de saborear el tiempo libre, de transformación y de muchas cosas más que son inherentes a nuestros pasos en distintos caminos.

Equipo creativo: Gabriela Rosero en idea original, creación e interpretación. Sibila de Villa, saxofonista. Leticia Olvera en apoyo en iluminación.Alberto Hernández y César Antonio Ramírez en equipo técnico. Alicia Garzón / Agencia Lado A en RP & diseño. Un Teatro y Agencia Lado A en difusión. Débora Liliana Rodríguez en fotografías.La producción es de la Cía Moviente.

Acude a ver TT ES, un proyecto dancístico diferente, en el que dos artistas despliegan sus habilidades en la disciplina en la que cada una se ha especializado. Ecuador y México se hermanan en el escenario en una propuesta estética, musical y luminosa. Apresúrate porque la temporada está por concluir.

P1220273TT ESse presenta el sábado 29 de septiembre de 2018a las 19:00 horas enUn Teatro, ubicado en Avenida Nuevo León número 46,colonia Hipódromo Condesa, Ciudad de México. Duración aproximada: 60 minutos. Costo de la localidad: $200.00; con descuento en taquilla: $150.00, presentando credencial vigente; estudiantes de danza: $75.00 pesos.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

En el Hidalgo: El Beso de la Mujer Araña

El beso de la Mujer A 2

Sin duda hay tres voces que merecen ser alabadas: Chantall Andere, Jorge Gallegos y Rogelio Suárez, que dan todo su poder vocal a los personajes que encarnan. Tambien están en su punto Luis Gatica; Olivia Bucio, junto a la actuación especial de Crisanta Gómez y Jimena Parés. Lalo Partida es uno de los guardias que mostrarán especial crueldad a los presos.

Chantal  Andere es un ente maravilloso que brota de la imaginación de Molina, el preso que será punto de arranque de la trama conocida por todos; en tanto Jorge Gallegos interpreta al hombre que da su vida a un movimiento ideológico de izquierda, el aplauso mayor de la noche fue para el, sin duda muy merecido, pues además de la potencia esta la actuación limpia que le vimos. Es un montaje lleno del glamour y la fastuosidad que merecía el legendario montaje, que en la versión actual no tiene un elemento fuera de lugar: fastuoso vestuario de Chantall, Crisanta y Jimena, la música no deja dudas sobre la exactitud y belleza, acerca de la escenografía es indiscutible que llenará al ojo a los más exigentes, sobre todo el momento en que la tela de araña cubre toda, toda, la escena.

Nos tiene acostumbrados a las temporadas largas Juan Torres, el productor y esperamos que sea el caso. Recordamos un dato curioso: que en 1997 al firmar el contrato con la pareja Zurita Bach por la misma obra, sufrieron tremendo descalabro, pues al formalizarse el TLC  dijeron los norteamericanos que “el contrato únicamente le daba derecho a usar sólo los textos y la versión musical” por lo demás no se podía usar la misma escenografía, dirección, iluminación y una larga lista de etcéteras. Debieron adaptar el montaje y con muchas dificultades lograron ganar algo de dinero.

Asi que es una excelente comedia musical para satisfacer a todo tipo de público, esperamos sea una larguísima temporada con llenos totales en el Teatro Hidalgo.

Terror con Juan Pablo Gil Y Ana Graham

Por un error en la columna pasada anoté otro nombre, que en realidad se llama Terror, en el Teatro Helénico con actuación de Ana Graham, Sergio Zurita, Juan Pablo Gil, Alejandro Morales, Antonio Vega, dan vida al juicio de un capitán de aviación que no obedeció, usted es el jurado: ¿es culpable o no de matar a 164 personas: en vez de setenta mil? El juez es Zurita, el militar enjuiciado es Juan Pablo Gil, la fiscal es Ana, el defensor es Alejandro Morales, si nosotros, el público debemos enjuiciar al personaje que interpreta Juan Pablo depende en mucho del color del discurso, la forma en que se dice cada uno de los conceptos: al finalizar sus alegatos Ana estamos convencidos de que es culpable. Al hacer uso de la palabra el defensor, logra obtener del respetable público la palabra inocente, eso sólo lo puede lograr una actuación apasionada y sincera. Véalos.

 

 

 

 

 

 

LA CRÍA (TERROR PSICOLÓGICO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

La cría

Un raro espécimen, un engendro, víctima de trastornos metabólicos graves, con un apetito sui géneris -sobre todo por lo que le gusta comer-, su existencia transcurre en el encierro porque es un riesgo exponerlo, en verdad un ente extraordinario. LA CRÍA, “un espectáculo escénico que se inscribe dentro del terror psicológico, donde se presenta a un matrimonio que para mantener viva a su ‘criatura’, deberá llegar a extremos insólitos de sacrificio”, refiere Carlos Talancón, autor y director de la obra.

 

Es raro una puesta en escena basada en el terror, de hecho es un “género” prácticamente inexistente en nuestro país, más raro que el autor sea connacional. Bien escrito, mejor estructurado, el texto atrapa desde el principio, el suspenso, parte fundamental, adecuadamente incorporado. Temática fuerte, inaudita, sorprendente y, por supuesto, terrorífica. Es interesante que nunca se menciona al engendro por su nombre, nunca se sabe su edad, en realidad sólo que es un peligro. Sus padres se encargan de él, lo cuidan y como dice Talancón, estos son capaces de los mayores sacrificios, más allá de lo que cualquier ser humano estaría dispuesto a hacer. Lástima no contar con más detalle la trama so riesgo de vender hechos trascendentes y acabar con lo sorprendente. Desde mi particular punto de vista Talancón se alarga, cuando parece he llegado un gran final, la obra continúa sin aportar mucho, por fortuna con una segunda gran conclusión.

 

Como director opta por la penumbra, casi una obscuridad total, no lo es por una iluminación emanada de unas velas; un vestuario acorde al ambiente, más un reflejo del yo interno; una jaula irradia el encierro de la familia, de su pesar psicológico, dentro de ésta una escenografía realista; los efectos lumínicos le dan el sentido terrorífico al igual que lo sonoros; el conjunto crea el entorno donde la cría es la protagonista, aún cuando nunca aparece en escena. Por la ambientación se debe reconocer el gran acierto del equipo creativo.

 

Milleth Gómez, Emmanuel Morales y el propio Carlos Talancón conforman el elenco. Milleth excelente, cambios de estados de ánimo impecables, provoca compasión y enerva simultáneamente, es el alma en escena, una de sus participaciones más significativas de su carrera. Emmanuel con un monólogo casi impecable, por momentos la emoción lo supera -volumen de voz-, por fortuna son sólo algunos instantes; se le reconoce y respeta el movimiento corporal que lleva a cabo hacia el final cuando ha perdido.., demuestra una gran concentración y habilidad. Talancón, un médico que bien puede ser un espectro, con una presencia escénica casi en total silencio, sin embargo, trascendente su participación.

 

Un drama familiar ante un ser fuera de lo común, historia que da paso a una propuesta terrorífica, la cual se puede sufrir (disfrutar) en La Teatrería (Col. Roma. Ciudad de México) hasta el 27 de octubre, los sábados a las 20:00 horas.

EL ÁRBOL (UN PASADO REVELADOR)

EL ÁRBOL (UN PASADO REVELADOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

El árbol

Elena Garro (1920-1998) es considerada, claro siempre es cuestión de gustos, opiniones y sensibilidades, como la mejor dramaturga del siglo XX. Su teatro da la impresión de abordar temas sencillos, cotidianos, inmersos en el recuerdo, siempre un pasado revelador; predomina lo alegórico y cargado de ironía. No hay convenciones teatrales, surrealista, misterioso.

 

EL ÁRBOL (1983) es uno de uss textos más relevantes, nuevamente llevado a escena bajo la dirección de Miguel Romero e interpretado por Mahalat Sánchez y Ángeles Cruz (alterna Myriam Bravo). Hay quienes consideran que los personajes de Elena hablan sobre ella misma, tanto desde su dramaturgia como en sus novelas, la obra que hoy nos concierne no es la excepción. Un texto relativamente breve, sin embargo, profundo en su esencia.

 

Se conjuntan la fantasía y el realismo, en apariencia dos mujeres, pero según la lectura que cada quien le dé, estaríamos frente a una sola en distintas facetas. Si bien proviene de estatus diferentes poseen perspectivas hasta cierto punto contrarias, ya sea que hablemos de una o de dos protagonistas. Se conocen tiempo atrás y a la vez son dos desconocidas con relación a su devenir. Hay un retrato de un México que quedó en la nostalgia; mágico, poético el lenguaje, hasta cuando se narra un asesinato.

 

Uno de los personajes vive en la cotidianidad, se desenvuelve en la comodidad urbana; la otra una mujer del medio rural, aun cuando ha estado con anterioridad en la Ciudad de México. La segunda, Luisa, remite a un árbol que adquiere el carácter de confesionario, cobra “vida” y carga con las culpas ajenas, con los pecados, lo que a la postre provoca se seque. La primera, Marta, a pesar de su bienestar, por su estilo de vida se ha vuelto inamovible , como un vegetal, como…

 

Miguel Romero asume un reto, en esta época no es fácil comprometerse a dirigir las complicaciones de estilo planteadas por Elena. Sin embargo, sale adelante, le imprime un tono acorde, un ritmo ascendente, lo que en principio parece intrascendente va cobrando forma, el fondo brota por sí mismo, apoyado en una escenografía realista -el traspatio de una casa urbana- y semi minimalista, de Tenzing Ortega; el naturalismo aparece en escena; un vestuario de antaño para ambas, diseñado por Lisset Barrios, cada una con un ropaje de acuerdo a su condición social, y; música original y ambiente sonoro a cargo de Genaro Ochoa.

 

Mahalat es una gran actriz, le da personalidad a Marta, a través de ella se ve a una inamovible mujer, transita de la incredulidad al asombro. Ángeles Cruz, una gran actuación, caracteriza a una Luisa más inteligente de lo que parece; saca avante a la pueblerina con todos los requerimientos exigidos. Ambas hacen una mancuerna, logran una simbiosis actoral.

 

EL ÁRBOL, una oportunidad para acercarse al teatro de la gran dramaturga que fue Elena Garro. La cita es en La Gruta del Centro Cultural helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de diciembre, los lunes a las 20:00 horas.

 

BUENAS PERSONAS

 

Por   Eugenia Galeano Inclán

Fotos Cartel promocional

 

Cartel-BUENAS.PERSONAS

Desde el momento en que se acaricia la idea de tener un hijo, los padres comienzan a hacer planes para el bebé. Entre sus prioridades están que sea saludable, educado y gente de bien. A partir del nacimiento, se esforzarán lo más posible por criar a su vástago en ese sentido. Desde luego, cada quien tiene su propia perspectiva respecto de lo que significa ser una buena persona, pero, en general, se considera que lo sean quienes son educados, honestos, amables con sus semejantes, leales, compasivos, estudiosos, trabajadores, comprensivos, colaborativos, etcétera.  De hecho, todos quisiéramos que los demás nos vieran así y es por eso que abundan los que se hacen pasar por buenas personas sin serlo.

 

El que alguien sea gente de bien no depende sólo de los principios que les inculquen los padres, pues a lo largo de la vida todo tiene cierta influencia, como puede ser el entorno, el carácter, las compañías, las experiencias positivas o negativas, los sucesos y las vivencias.    Para colmo, no todo aquel que es una buena persona tiene asegurado el éxito, ya que esto se relaciona directamente con las circunstancias y las oportunidades.

 

Para abordar esta temática, David Lindsay-Abaire escribió BUENAS PERSONAS / GOOD PEOPLE.  El autor nació en Boston, Massachussetts, Estados Unidos de América, es egresado de la Academia Juilliard, el Sarah Lawrence College, el Eugene O’Neill Theater Center,  y la Milton Academy y se ha desempeñado como dramaturgo, guionista y letrista.

 

David Lindsay-Abaire se dio a conocer poco antes de cumplir los 30 años, con “Fuddy Meers“, su primera obra, misma que fue concebida durante un taller en la Convención Nacional de Dramaturgos llevada a cabo en el Centro Teatral Eugene O’Neill en 1998, y estrenada en el Manhattan Theatre Club de Off-Broadway, bajo la dirección del director escénico Lloyd Richards.  El éxito fue tan contundente que se mantuvo en cartelera poco más de tres años en diversos foros.

 

Desde entonces, sus éxitos se han sucedido uno al otro y se ha convertido en uno de los más destacados dramaturgos estadounidenses contemporáneos.  Ha recibido toda clase de nominaciones, reconocimientos y galardones durante su trayectoria, entre los cuales está el Premio Pulitzer del año 2007 por su obra “Rabbit Hole” (La Madriguera del Conejo).

 

La trama de BUENAS PERSONAS versa sobre cuán distinta puede ser la vida de dos personas que nacieron en el mismo barrio y pasaron juntos su niñez y adolescencia, para luego tomar diferentes rumbos.

 

La acción comienza cuando Margarita llega tarde a su trabajo en una tienda de productos económicos en Ciudad Netzahualcóyotl.  El supervisor la reprende y le dice que ha estado defendiéndola y cubriéndola, pero que sus superiores saben que casi siempre llega tarde y, por lo tanto, se ve obligado a despedirla.   A Margarita se le viene el mundo encima, es madre soltera y el motivo de sus retardos es que su hija es discapacitada, no la puede dejar sola y tiene que esperar a que llegue alguien a cuidarla.  La bebé nació prematura y al darse cuenta de que requeriría de cuidados especiales, el esposo la abandonó.  Se siente perdida, no sabe cómo podrá solventar su vida y la de su hija sin un trabajo seguro.   Llega muy agobiada a su vecindad y lo platica con Jenni, su mejor amiga, quien le aconseja que vea a Miguel, un amigo de ambas al que no han visto durante años.  Saben que Miguel llegó a ser un médico de prestigio, así que tal vez pudiera dar trabajo a Margarita, o bien, recomendarla con alguien.

 

Margarita se queda pensando en la sugerencia de Jenni, pero, la verdad, le da pena presentarse de pronto ante Miguel, ya hace mucho tiempo que se distanciaron y no sabe cómo la recibiría.  Cuando avisa a la casera que no podrá seguirle pagando por cuidar a su hija, ésta le recuerda que no sólo le debe dinero por los cuidados, sino que también está atrasada con la renta, así que si no cubre rápido sus adeudos, tendrá que desalojarla.  Ante este panorama, Margarita, en total desesperación, decide buscar a Miguel.

Foto.promocional

El texto de BUENAS PERSONAS es estructurado con un alto contenido social y  humano.  Capta el interés de principio a fin.  Los personajes están perfectamente bien delineados y cada uno expresa su sentir.

 

La labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Su trazo escénico es impecable.  Equilibra acción y pausas, el desplazamiento es constante, los cambios de escenografía los realizan los  intérpretes en forma fluida y casi imperceptible.  Dimensiona el espacio para crear distintos entornos.  Todo está bien coordinado y el ritmo es preciso.   Cada creador va adoptando su propio método a su estilo. En mi opinión, Diego del Río da importancia relevante a su elenco, además de elegirlo por su trayectoria y capacidades, pone particular atención a su habilidad de expresión.  El rigor lo aplica en cuanto a que no se conformen con representar un personaje sino que se transformen en éste, que en lugar de aparentar sentir, sientan.  En todos sus montajes, la emotividad que se alcanza en escena es impresionante y su energía envuelve a todo el público.

 

El maravilloso elenco está integrado por Arcelia Ramírez como Margarita,  Odiseo Bichir como Miguel,  Montserrat Marañón como Jenni,  Concepcion Márquez como la casera,  Cuauhtli Jiménez como el Supervisor de la tienda,  y  Fabrina Melón como la esposa de Miguel.  Cada uno de ellos ofrece un trabajo histriónico, corporal, vocal y de expresión digno de toda loa, desplegando una amplia gama de emociones matizadas.  Arcelia es la madre que lleva a cuestas una pesada carga, trabajadora incansable y dispuesta a todo con tal de no desamparar a su hija.  Odiseo es Miguel el acaudalado médico especialista en cirugía estética que ha dejado atrás su pasado de barrio, sin olvidar sus raíces.  Montserrat es la simpática amiga que se toma las cosas a la ligera y siempre encuentra el lado amable.  Concepción es la mujer mayor necesitada de dinero, para lo cual administra el edificio y hace manualidades.  Le encanta jugar al Bingo.  Es algo mal hablada, pero dice las groserías con tal gracia que resulta adorable.  Cuauhtli es el hombre de buen corazón que ha escalado una posición en su trabajo, pero le duele tener que imponer sanciones.  Fabrina es una mujer elegante, hija de diplomáticos que ha recorrido el mundo sin perder su carácter dulce, agradable y compasivo.

 

La traducción del texto a nuestro idioma fue realizada por Milena Pezzi y Diego del Río.  La adaptación la hicieron Paula Zelaya cervantes y Diego del Río.

 

La práctica, lucidora y multifuncional escenografía es de Javier Gerardo Ángeles, la bien distribuida iluminación es de Matías Gorlero, el idóneo vestuario es de Estela Fagoaga.

 

El diseño de audio es de Carlos Ruíz,  el asistente de dirección es Jhovardy Vences,  la asistente de iluminación es María Vergara,  el diseño de poster es de Mariana González – TOCA.

 

La coordinación de vestuario es de Trama & Drama vestuario y producción, S.C.,  los asistentes de vestuario son Miriam Quijano, Saira Lagunas y Sergio Mirón, y las texturas y arreglos de vestuario son de Saira Lagunas y Rafael Rosales.

 

Production Stage Manager: Max D’Luna,  Stage Manager: Diego Gutiérrez,  Producción Playhouse: David Cortés, Regina Arruti, Paola Vega y Majo Ceballos.  Fotografía: Oscar Ponce.  Relaciones Públicas y Prensa: Violeta Gaytán.  Administración:  Irene Porras y Tere González.

 

Los productores son Carlos M. Vidaurri, Daniel Delgado y Tatiana Reyes Retana.

 

La producción de BUENAS PERSONAS es de PLAYHOUSE Entertainment.  Los productores asociados son:  Oscar Schwebel y Tania Ordoñez.

 

Acompaña a estas BUENAS PERSONAS que son gente como tú, como yo, con defectos y virtudes, a quienes la vida no ha brindado las mismas oportunidades.  Tienen alegrías y tribulaciones, pero libran sus batallas personales sin perder anhelos ni esperanzas.  Ellos te confiarán sus sentimientos.   Un montaje muy cuidado en todo aspecto, teatro de la más alta calidad que te llevará a reflexionar y a una mejor comprensión del ser humano.

 

BUENAS PERSONAS

se presenta viernes a las 21:00 horas

sábados a las 17:30  y  a las 20:45 horas

y  domingo a las 17:30 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en la calle Lucerna número 64,

colonia Juárez, Ciudad de México

Duración aproximada:  130 minutos, con intermedio de 15 minutos

Costo de la localidad:  $500

Concluye temporada el domingo 7 de octubre de 2018

 

IMPOSIBLE VIOLAR A UNA MUJER TAN VICIOSA (BASADA EN TESTIMONIOS REALES DE VÍCTIMAS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Crédito de la imagen: Roberto Sosa

Imposible violar a una mujer tan viciosa

La violación es un mal social, azote de las mujeres. Cada cuatro minutos, según algunas estimaciones, se comete esta vejación. En forma cínica hay hombres que intentan justificar sus actores mediante excusas como: ella se me insinuó, estaba vestida en forma provocativa, no hice nada malo porque lo disfrutó y un largo etcétera. Lo cierto es que no hay nada que justifique una actitud tan grave e inmoral, si no que se lo pregunten a las víctimas quienes quedan afectadas emocionalmente de por vida, aun cuando, en apariencia, sea superado el hecho.

Imposible violar a una mujer tan viciosa, obra adaptada, dirigida y actuada por Alba Alonso, a partir de testimonios reales de víctimas del abuso sexual, acompañada por Jorge Caballero. Los casos se centran en culpar a las féminas, se entrelazan, importantísimo las diferentes y hasta encontradas formas de vivir y asumir lo acontecido. El título es más que significativo, por sí mismo adelanta a lo que se enfrentarán los espectadores. Un texto fuerte, desgarrador, trágico y conmovedor.

Un espectáculo creado a partir del escalofriante testimonio de violación de la escritora Virginie Despentes, entremezclado con las declaraciones en el juicio del líder de “La Manada”, caso español que ha despertado tanta controversia a nivel mundial por el veredicto del juez. El texto pretende hacer una denuncia de lo que al día de hoy sigue viéndose como abuso y no como violación (datos tomados de la página en Facebook de Alba Alonso).

Como directora, Alba provoca la sensación en buena parte del desarrollo de estatismo, del poco movimiento corporal cuando sí existe, sin dejar por descontada la violencia que encierra las escenas, sobre todo la moral, más drástica que la física. Por otra parte, abunda la narrativa, estamos frente a un teatro documental, sin embargo, las protagonistas no se dirigen al público, más bien son actos de introspección, hablan para sí mismos. Sin mayores aspavientos escenifica lo que enfrentan ante un psicólogo o en un juicio, de su enfado con el mundo, del feminismo como el arte de ser servil. No hay propiamente escenografía -dos sillas, una mesita, un tambo, una lap top-; se emplean unas linternas con efectos simbólicos y psicológicos, uso del multimedia del cual se podría prescindir. Nos adentra en una guerra que se libra -en la mayoría de las veces- en silencio y en la obscuridad. Digna de toda loa el montaje de la directora.

Jorge apoya la puesta en escena, aporta varios personajes, es polifacético, cada uno está perfectamente diferenciado de los otros, sabe que son seres “secundarios”, así lo asume, las protagonistas son las mujeres.

Imposible violar a una mujer tan viciosa, obra de denuncia testimonial, no toma una postura definitiva, deja pensando sobre un mal social producto de mentes enfermas. La escenificación en Bellescene (Foro Teatral Cultural), Ciudad de México. Quedan dos funciones para concluir la temporada: 20 y 27 de septiembre, a las 20:30 horas.

Y EL SILENCIO EN SUS MIRADAS (EL SECUESTRO Y LAS DESAPARICIONES FORZADAS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Perder un ser querido, más si es un hijo, es lamentable, doloroso, una pena, algo irreparable. Esta situación es más grave cuando la pérdida es producto de un secuestro, y más aún, cuando se trata de la desaparición forzosa. Es un problema en muchas partes del orbe, en nuestro país es vergonzoso, todos, o casi todos los días la prensa, televisión y radio nos informan de casos de este tipo. Son muchísimos más de los que nos enteramos, sólo cuando la víctima pertenece a las altas clases sociales, económicas o políticas. Sabemos de madres y padres quienes viven en la incertidumbre sobre qué les sucedió a sus seres queridos, llevan años buscándolos, la angustia de no tener la certeza sobre si están vivos o muertos, no tener una tumba para recordarlos.

A partir de una idea original y dirección de Belén de Santiago se presentó en la Ciudad de México: Y el silencio en sus miradas, un homenaje escénico a las familias de las personas desaparecidas, producción venezolana, española y mexicana. El texto está inspirado en la Antígona de Sófocles y del escritor francés Jean Anouilh. Monólogo a partir de testimonios reales de familiares que padecen esta situación, estamos frente a un teatro documental. La protagonista es ficticia, la historia de Celeste, caracterizada por la española Belén, quien con categoría asume el rol, una actuación impecable, emotiva, desgarradora. Ella inicia recordándonos lo vivido por Antígona, una analogía entre ésta y su hermano desaparecido hace nueve años. Refleja la parálisis emocional, la que conlleva al ataque o a la huida. La trama pretende dar voz, a través de Belén, a los desesperados que claman por la aparición, al menos de los cuerpos, de sus allegados. Predomina la narrativa; en todo momento el personaje se dirige en forma directa al público. El trabajo actoral es cautivador, conmovedor, natural; se ve a una mujer que sufre lo indescriptible, se le reconoce su valor y presencia escénica.

Rennier es superado por Belén. Rompe la cuarta pared sin sentido, pretende una catarsis a través de poner a cantar al público en una forma tan ridícula como dividirlo en bloques, una frase para cada uno y al concluir esta parte, un coro en conjunto, como de concurso de programa intrascendente de televisión o fiesta de niños. Acierta en la musicalización y una escenografía en la que sobresale una manta sobre el escenario con la representación del vehículo del cual fue levantado el joven; otra manta, a manera de ciclorama, con la silueta de una mujer de espaldas y otra figura de frente, imágenes con una fuerte dosis simbólica. Se ignora por que en determinadas escenas Belén emplea micrófono, tal vez para reforzar un grito desesperado.

Y el silencio en sus miradas tiene un valor interno producto de la dramaturgia e interpretación de Belén, su histrionismo conmueve, provoca una experiencia que nadie, absolutamente nadie, quisiera vivir. Lamentablemente esta producción a cargo del mexicano Santiago Martínez sólo brindó dos funciones en el Foro Shakespeare (Ciudad de México), mismo que en unos días cerrará sus puertas.

VANESSA (EL PROBLEMA SOCIAL DE LA BASURA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

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Vanessa

Muchos hemos oído sobre los tiraderos de basura pero pocos sabemos cómo se vive ahí, en sus entrañas, el problema social que representan, no solo para quienes están en sus colindancias, sino para los que nacen, pasan su niñez, su adolescencia y se convierten en adultos en ese medio. Algunos verán sus últimos días en ese muladar, donde hay de todo, de todo lo malo, donde más adentro del olor hay otros olores que taladran el cerebro, personas de todas las edades “peinando” basura, donde se espera algún día encontrar un tesoro, donde se respira libremente aunque huela a mierda.

 

Nuestro personaje lleva el mismo nombre de la obra: VANESSA. Tania y. Mayrén -autora e intérprete- nos introduce a una pieza unipersonal de teatro documental, conjuga la realidad y la ficción, la idea es involucrar con el problema que representa la basura en el ámbito internacional.

 

Muchos sabemos de la existencia del tiradero a cielo abierto bautizado como Neza III del Bordo de Xochiaca. Tania con vehemencia denuncia todo lo que ahí acontece, la sobrevivencia, de cómo algunos están limitados a ese pequeño universo, algunos nunca salen al mundo exterior. Vanessa no tiene certeza de nada, nace rodeada por una montaña de basura, su madre la esconde, su único amigo es Topo, con quien comparte juegos y experiencias. Su madre hasta los siete años de edad la niega, luego la prepara (arregla) para satisfacer sexualmente al líder. El texto está muy bien estructurado, más si se toma en cuenta que en un sentido amplio es teatro documental; plantea rompimientos, dos personajes: Vanessa y la propia Tania. En breve tiempo -un poco más de una hora- nos cuenta una historia brutal, desgarradora, infrahumana, la de una niña pepenadora quien sueña con el mar, sabe de éste por lo visto en revistas encontradas en el tiradero.

 

Germán Castillo en su calidad de director no cae en el garlito del desgarre de las vestiduras, en forma objetiva y realista lleva al personaje a aceptar su vida como algo natural, al menos en principio; inclusive le da un tono poético a la tragedia, no hay exabruptos. Puesta minimalista, se emplea el multimedia, se proyecta un fragmento en vivo. Aprovecha las cualidades histriónicas de Tania, pone al servicio del monólogo su amplia experiencia teatral. El diseño sonoro y música original son de Rodrigo Castillo; el diseño de video y vestuario de Abril Pinedo.

 

VANESSA forma parte de la trilogía AUTORRETRATO, conformada por ANNA (2014) y HEDDA (2017), El montaje tiene lugar en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), hasta el 28 de octubre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

 

 

Septiembre 2018