Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

LOS CAMINANTES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

los caminantes ligero

Durante mi niñez no pensaba que el mundo pudiera acabarse; la literatura o las películas de ciencia ficción que aludían a esto, me parecían mera fantasía. Fue a partir de 1985 que comencé a preocuparme al enterarme de que en el Polo Sur habían descubierto un agujero muy grande en la capa de ozono y que esto representaba un serio peligro. Mayor fue mi preocupación cuando se publicó sobre el calentamiento global. Según los científicos, el fenómeno surgió hace alrededor de 180 años, pero no lo dieron a conocer, sino hasta que se hizo evidente. Hoy en día somos testigos de los catastróficos daños que ha sufrido el planeta. No sólo por el agujero en la capa de ozono y el calentamiento global, sino también por la desmedida tala de árboles, la contaminación, la caza indiscriminada, los desechos industriales y muchos otros problemas. Estamos conscientes de que si no se toman medidas pertinentes y eficaces, el fin del mundo podría no estar lejano. Los estragos al ecosistema no pueden revertirse, cada vez hay más especies en extinción, se han desecado ríos y lagos; en muchos lugares el clima es extremoso y los desastres naturales se han intensificado y son más frecuentes. Se trata de una alarma mundial. Entre las medidas que ya se han tomado está la de orientar a los niños para que aprendan a brindar mayor cuidado a la naturaleza y, sobre todo, a no causar más daños.

Preocupada ante la situación, durante la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte en el año de 2014 Verónica Musalem escribió Los caminantes, una obra futurista que aborda el fin del mundo.  Como sabemos, Verónica Musalem es una mujer inteligente, observadora, sensitiva y amante de la naturaleza.  Orgullosa de sus raíces, suele utilizar su fina pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.  Está cumpliendo 26 años de trayectoria ininterrumpida en su labor dramatúrgica.  Aun cuando Verónica no acostumbra dedicarse a la dirección escénica, desde que escribió la citada obra, se propuso que ella la dirigiría.

En el momento en que eligió intitularla Los caminantes, desconocía que esto sería profético, ya que para llevarla a escena, tanto ella como los integrantes de su elenco y colaboradores han recorrido un largo y sinuoso camino.

En abril de 2018, Verónica Musalem ofreció un avance a su público presentando Los caminantes, como trabajo en proceso en el Foro Casa de la Paz. A pesar de que hacía tiempo que ella tenía el texto completo, sólo presentó una parte del mismo. Del elenco que presentó aquel trabajo, sólo continúan tres de los actores y la corporalidad aún estaba en ciernes, era mucho más estática que ahora. Debido a compromisos laborales y viajes previamente concertados, Verónica dejó un poco en suspenso el montaje, retomando el proyecto seis meses después, con miras a estrenar a fines del año pasado, lo cual no pudo concretarse por causas ajenas a su voluntad. En diciembre de 2018 Los caminantes participó en el encuentro Urgen Musas como lectura dramatizada, ya con el elenco definitivo.

los caminantes2

Desde el pasado mes de octubre, Verónica se ha dedicado de lleno al montaje de Los caminantes. Con este propósito, creó una especie de laboratorio de dirección, para lo cual depositó su confianza en el cuadro actoral y en el asistente de dirección y asesor corporal, a fin de que ellos propusieran acciones que dieran fuerza a los parlamentos. Fue así como bajo la estricta supervisión de Verónica, en forma paulatina fueron armándose las coreografías para Los caminantes, luego de arduo trabajo y largas horas de ensayos, hasta encontrar los movimientos idóneos que habrían de formar parte de la puesta en escena. Lo cierto es que el resultado de este laboratorio sorprenderá al público. Me permito darles unos adelantos: La escena en que la tarántula tiende sus redes a los cuatro actores está llena de simbolismo y refleja la coordinación y precisión del trabajo en equipo. La corporalidad que despliega la actriz en su interpretación de la tarántula es impresionante.

El texto de Verónica Musalem es de buena factura y capta el interés de principio a fin. La acción se ubica en “lugares del Sur, más allá del Sur” en el corazón de la sierra oaxaqueña. El tiempo no se define, pero es el futuro, el fin del mundo se aproxima. Los personajes son: un hombre que vive de la caza y que no es afortunado en el amor; otro que vive del campo, bueno, sencillo, amante de los animales; una mujer que bailaba en un bar, luego de trabajar en un circo cuando era niña, quien a raíz de sufrimientos y vicisitudes se ha empoderado, y dos sicarios -uno al que le encanta matar y presume de mujeriego-, el otro, algo tímido, de buen corazón, que se dedica a asesinar, porque es lo único que le deja dinero. En cierta forma, todos ellos, por diversas razones, han llegado a sus límites individuales. Los cinco se encuentran mientras recorren “caminos donde hay nada, hay nadie“. Según nos dice Verónica, la naturaleza es un personaje más: “que enloquece y cuestiona todas las creencias de los protagonistas“, así que ella aprovecha para describir la perdida belleza de la vegetación, su frondosidad y sus vivos colores. Los temas que toca el texto son muy diversos, entre estos, el amor, la soledad, el aislamiento, el “machismo“, la seducción, la fe y la migración. Algunos de los temas cobran particular importancia en nuestros días, nos duelen, sabemos de compatriotas que han sido desplazados de sus lugares de origen a causa de la violencia y hemos visto cuántos migrantes llegan a nuestro país.

La acción comienza cuando Román y Ernesto deambulan por parajes desolados, comentan estar hambrientos y deciden cazar algo para poder comer. Frente a ellos pasa un venado. Ernesto le pide a Román que le dispare, pero la majestuosa belleza del ejemplar le impide matarlo. El venado escapa a gran velocidad. Ernesto se enoja con Román. Sin darse cuenta, Román es picado por un alacrán y los efectos del veneno lo sumen en un delirio. Divaga, dice que es tiempo de una “nueva conquista” y que tienen que hacerse de armas para combatir al enemigo. Ernesto se limita a seguirle el juego, ante la imposibilidad de trasladarlo a un hospital o brindarle cualquier tipo de ayuda. Poco después, llega Anabela, hermosa, sensual y enigmática. Mujer que ha aprendido a defenderse, es aguerrida, nada le causa temor y no se deja de nadie. Está acostumbrada a hechizar a los hombres, lo que no sabe es que Mauricio y Julián, dos matones a sueldo. andan buscándola.

La labor histriónica, corporal y de expresión de todos los integrantes del elenco es estupenda. Genny Galeano es Anabela, “La Tarántula“; Luis Ernesto Verdín es Román, el joven sensible. Luis Villalobos es Mauricio, matón a sueldo; Javier Sánchez es Ernesto, David Sicars es Julián. Destaca Genny Galeano por su magnífica interpretación de un personaje tan complejo como intenso.

Parte fundamental para el relato es el diseño sonoro. Alejandro Andonaegui crea la composición y ejecuta la música en vivo en su teclado. Alejandro está en el proyecto desde su inicio, improvisando la música en forma consistente a la acción de cada momento. Lydia Margules aporta un buen trabajo con su diseño de iluminación, proveyendo el sombrío entorno en el que habitan los personajes.

los caminantes3

Cabe aclarar que, desde mi punto de vista, el foro en donde se presentan no les es propicio. Es una sala hecha para teatro de cámara. El tamaño del escenario es pequeño y, por ende, en algunas escenas parece insuficiente para albergar a cinco actores, en demérito de la isóptica. El equipo lumínico no permitió a Lydia Margules la realización de un trabajo óptimo como los que le hemos visto anteriormente. Las rosetas de led de colores distraen la mirada del espectador y, en ocasiones, hasta molestan. Por último, se carece de buena acústica, lo cual también desluce el extraordinario trabajo de Alejandro Andonaegui.

El resto del equipo creativo está conformado por: Marco Vargas en intervención escénica, Erika Medina y Erick Saúl E. en producción ejecutiva, David Cano Sánchez en diseño de maquillaje, Luis Ángel Torres en diseño gráfico, y Sandra Narváez en difusión y prensa. La producción es de Musa-Colibrí-Producción y Producción Escénica S.E. El montaje de Los caminantes está dedicado a Gerardo Musalem Moreno.

El potente texto concebido por Verónica Musalem, las interpretaciones y la asombrosa corporalidad de los integrantes del elenco hacen que valga la pena aventurarse a imaginar qué sucederá en el fin del mundo. La devastación y la esperanza van de la mano con los personajes en la poética de Los caminantes, en virtud de que el instinto de supervivencia es uno de los más fuertes que tenemos. La sensibilidad con la que se aborda un tema tan temido como preocupante, nos insta a valorar mejor lo que aún tenemos. Seamos más conscientes de los daños causados, mientras cuidamos, disfrutamos y admiramos el esplendor de la naturaleza. No dudes en ir a ver un trabajo bien logrado en un montaje estético y lleno de energía.

Los caminantes se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas en el Foro Bellescene, ubicado en la calle Zempoala número 90, colonia Narvarte Oriente, Ciudad de México. La duración aproximada es de 105 minutos. Entrada general $200.00 pesos y el descuento es del 30% a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial vigente, así como a vecinos de la colonia Narvarte. La temporada concluye el viernes 22 de febrero de 2019.

LAS 3 PIELES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

las tres ligero

El ser humano está en constante evolución. A partir del nacimiento, enfrentará toda clase de cambios, comenzando por los naturales, como el crecimiento y el aprendizaje. Después,  vendrán todo tipo de cambios. Los habrá voluntarios, circunstanciales o fuera de nuestro control y podrán ser gratos, dolorosos, desafortunados o insoportables. De cualquier forma, tenemos capacidad para adaptarnos y podremos seguir nuestro camino. Cada cambio irá marcando nuestro destino en menor o mayor grado.

Algunos son permanentes, en tanto que otros temporales. Así mismo, entre los más aventurados están el cambiarnos de ciudad y dejar atrás nuestro pasado, o bien, hacernos un tatuaje con lo cual nuestra piel ya nunca será igual a aquella con la que llegamos al mundo. En definitiva, el más radical es tener un hijo. La vida de los padres cambia sensiblemente al igual que sus responsabilidades, pero, sin lugar a dudas, para la mujer los cambios son muy numerosos porque ella empeña todo su físico albergando al bebé en su interior durante el embarazo y luego viene la lactancia, así que los cambios son internos, externos y psicológicos. Las perspectivas que antes se tenían se modifican. El balance hormonal se pierde y estos desequilibrios derivan en bruscos cambios de humor y lo que llaman depresión post-parto.

La bailarina, coreógrafa y docente mexicana Flor Garfias Bucio atravesó el proceso del parto como cualquier mujer que se convierte en madre, pero tomó conciencia de todas y cada uno de las transformaciones biológicas que experimentaba y decidió crear una coreografía que plasmara su sentir en escena, fue así como concibió la idea de Las 3 pieles. Flor Garfias Bucio es egresada de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Durante seis años (2008-2014) fue intérprete de la Compañía Camerino 4. En forma paralela, en 2008 fundó el grupo Moving House, el cual le ha permitido crear sus propios proyectos y convertirse en directora y coreógrafa independiente. A lo largo de su trayectoria ha adquirido amplia experiencia en movimiento y composición coreográfica. En dos ocasiones (2009 y 2013) se ha hecho acreedora a la beca del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes que otorga el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA).

Lo primero que hizo Flor para concretar Las 3 pieles fue convocar a aspirantes para conformar el elenco. Los requisitos eran que tuvieran experiencia en danza y que tuvieran algún tatuaje, ya que como parte de su proyecto planeaba que se realizara un tatuaje en vivo sobre el escenario, por ser “un símbolo que representa el dolor indubitable del parto y la huella que deja en el cuerpo y en la vida de la mujer…”. Aun cuando la protagonista es sólo una, Flor Garfias Bucio integró en su cuadro actoral-dancístico a cinco integrantes -cuatro mujeres y un hombre-, pero todos son la misma persona. Las chicas hacen las veces de alter ego de la protagonista y el chico la energía masculina que hay en ella. El baile para Las 3 pieles no es lineal, se trata de coreografías variadas individuales, de pareja o grupales, y van intercalándose con las acciones que muestran diversos momentos de la vida cotidiana, como estar en casa, peinarse, maquillarse, tomar una copa de vino, o bien, deambular por la calle, sortear el tránsito citadino, enamorarse, tener un bebé, tatuarse, devorar una sandía.

las tres 2 ligero

Los movimientos son atractivos y artísticos. Cada parte del cuerpo queda involucrada en el baile, incluso, sus cabelleras. El vestuario también es cambiante, va desde lencería hasta atuendos elegantes. Es teatro-danza, ya que además de la ejecución de danza contemporánea, los intérpretes se expresan sentimientos y actitudes a través de corporalidad y expresiones.

Flor Garfias Bucio ofrece al público una interesante y vistosa coreografía. Su labor de dirección es impecable. Los movimientos son ejecutados con pulcritud y estética. El ritmo es preciso.

El elenco está integrado por: Yon Espinosa “Yoyo”, Lola Barajas, Abril Villareal, Elisa Romero Romero o Vianney Rodríguez, y Michelle Temoltzin. Todos ellos se muestran comprometidos con el proyecto, ejecutan bien sus coreografías y sus actitudes son convincentes. En particular, Lola Barajas, además del baile, se luce con la ejecución en vivo del theremín y el ukelele, instrumentos que domina y que coadyuvan al entorno idóneo del montaje.

El resto del equipo creativo lo conforman: Mauricio Arizona en diseño de iluminación,  Bernardo Cáceres en edición de audio, Vianney Rodríguez en diseño de publicidad y  Alejandro Strauss en fotografía y registro. La producción es de KMZ Producciones y  “La Compañía” / Compañía Moving House.

El proceso del parto desde una perspectiva coreográfica con imágenes. Dar vida es el máximo milagro que conocemos. Tienes que ver esta propuesta juvenil de teatro danza interesante y sorprendente, visualmente estética, con algo de comedia y con un tatuaje que se realiza en vivo frente a tus ojos.

las tres ligero3

La persona que se tatúa en cada función es seleccionada a través de redes sociales, así que si quisieras participar, tendrías que contactar a Flor Garfias Bucio de la Compañía Moving House.

Las 3 pieles se presenta martes a las 20:00 horas  en el Teatro Sergio Magaña, ubicado en la calle Sor Juana Inés de la Cruz número 114, colonia Santa María la Ribera -cerca de la Estación San Cosme del Metro Ciudad de México. Duración aproximada: 80 minutos. Costo de la localidad: $149.00 pesos. Descuentos acostumbrados a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e  INAPAM  con credencial vigente. La temporada concluye el martes 12 de marzo de 2019.

INFIERNO COMPRENDIDO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

infierno ligero

Es costumbre de Teatro El Milagro dar inicio a sus actividades del año con sus ya tradicionales Ciclos de Teatro de los Estados y de Teatro Emergente. El Ciclo de Teatro de los Estados permite al espectador ver trabajaos del interior de la República. En tanto que el propósito del Ciclo de Teatro Emergente es brindar un espacio a los creadores incipientes para presentar sus propuestas. Dentro del marco de este ciclo, se encuentra Infierno comprendido, de la autoría de Servando Anacarsis Ramos, bajo su dirección.

 

Recordamos al joven Servando Anacarsis Ramos por su interpretación del dulce y juvenil Leo en la exitosa obra La divina ilusión, de Michel Marc Bouchard, y dirigida por Boris Schoemann, ahora nos toca verlo como dramaturgo y director.

 

Para su presentación en el Ciclo de Teatro Emergente, Servando Anacarsis Ramos eligió Infierno comprendido, que escribió a partir de El castillo de Franz Kafka.

 

Al igual que el resto de las obras del escritor austrohúngaro Franz Kafka (1883-1924), El castillo es una novela bastante compleja. Se sabe que es una obra que el autor dejó inconclusa, misma que fue publicada en 1926 en forma póstuma a dos años de su fallecimiento. Muchos de los especialistas en la obra Kafkiana consideran El castillo como la obra cumbre de Franz Kafka, en razón a su complejidad estructural y a la madurez simbólica y metafórica que el autor le imprime, así como a la densa intelectualidad con la que está escrita.

infierno ligero2

Servando Anacarsis Ramos sigue la trama original concebida por Kafka. El relato versa sobre la lucha de K que tiene que encontrarse con el señor Klamm, para lo cual tiene que lidiar con la burocracia que rige a las autoridades de un castillo donde residen quienes gobiernan al pueblo. K trabaja como agrimensor, lo cual es complicado, ya que la agrimensura es una rama de topografía creada con el propósito de delimitar superficies, pero no sólo superficies de tierra sino también la delimitación de derechos, es decir, que se estudian  los objetos territoriales a toda escala en el más amplio sentido del término, aplicando para la medición la topografía, la geometría, la ingeniería, la trigonometría, las matemáticas, la física, el derecho, la geomorfología, la edafología, la arquitectura y la historia, para producir documentos cartográficos y de infraestructura. En la actualidad, la agrimensura continúa vigente, únicamente que ahora también se aplican la computación y la teledetección y otros elementos virtuales.

 

En forma alterna, una liebre es atropellada por una camioneta Suburban y en el accidente tiene una revelación que le indica escribir una obra de teatro didáctico sobre un hombre que viaja a una aldea y tiene que enfrentarse con la burocracia social.

 

Dos vertientes distintas que coinciden en algún punto tras ir recabando un cúmulo de voces y cuerpos que crean un paisaje para definir nuestra relación: el Estado, con el neoliberalismo y también con el teatro alrededor de esta problemática.

 

Con su propuesta, Servando Anacarsis Ramos demuestra que no se arredra ante la complejidad y que gusta de tomar retos para manejarlos bajo su perspectiva. Así mismo, despliega su gran pasión por el teatro, ya que la teatralidad está presente en todo momento. Utiliza diversas técnicas para plasmar sus ideas, entre las cuales incluye teatro dentro del teatro, algo de cabaret alemán, guiños de clown, multimedia, película muda, ingeniosas caracterizaciones  y tremenda corporalidad. Lo que ocurre es narrado con un fuerte sentido sarcástico. Entrelaza las historias en forma consistente. El público simpatiza con K y se conduele de sus frustraciones, en total empatía, puesto que todos en algún momento hemos sentido impotencia ante trámites burocráticos. Salpica el relato de alegría con representaciones teatrales medio alocadas. En cuanto a los temas incluidos, también son muy diversos, hay amor, desesperación, ímpetu, teorías brechtianas y hasta aspectos teológicos. En general, el trabajo de Servando Anacarsis Ramos es muy interesante y bien logrado.

 

La labor de dirección por parte de Servando Anacarsis Ramos es formidable. Su trazo escénico es pulcro, aprovecha con tino el espacio, los desplazamientos están bien administrados, el ritmo es preciso.

 

El elenco está integrado por: Paula Watson, Nick Angiuly, Mariana Villegas, Sofía Gabriel, Cuauhtémoc Lara Razo, Boris Schoemann, Alejo Contreras y Sebastián Dante. Todos ellos ofrecen un estupendo desempeño histriónico, corporal, vocal y de expresión.

 

El equipo creativo de Infierno comprendido está conformado por: Servando Anacarsis Ramos en dramaturgia, dirección y espacio; Anabel Ortega en diseño de vestuario, Mauricio Arizona en diseño de iluminación, Gerardo Del Razo en realización de video y diseño multimedia, Dulce Mariel en diseño sonoro, Ramón Hernández Lara en asistencia de dirección, Gerardo Del Razo en fotografía y montaje de cine mudo, Hamlet Casas en realización de tocados liebres, Bryan Cárdenas (Zebra) en asesoría vogue, Miriam Romero en asesoría multimedia, Liliana Irene Hernández González en realización de vestuario y telón, Rosy Morales y Fernando Payán (Skené) en construcción de escenografía, Mauricio Saldaña en fotografía de póster, Servando Anacarsis Ramos en diseño de póster, y Vika Fleitas Campamar en adaptación gráfica de postales.

infierno ligero3

En cuanto a producción, los participantes son Michelle Menéndez en producción ejecutiva, Michelle Menéndez y Servando Anacarsis Ramos en producción general,  Martín Acosta como productor asociado, Tamara Salamonovitz Rivadeo en asistencia de producción y coordinación redes sociales. Colaboradores de Teatro El Milagro: Aída Escobar en coordinación técnica; Elizabeth Flores y Celso Martínez conformando la Planta Técnica de Teatro El Milagro.

 

Una propuesta muy interesante que nos permite asomarnos al universo kafkiano en un entorno pleno de teatralidad, donde Servando Anacarsis Ramos y cada uno de los integrantes de su equipo llevan a buen puerto un relato complejo en un montaje donde se ha cuidado hasta el más mínimo detalle y todos se han comprometido dando lo mejor de sí mismos.

 

Infierno comprendido se presentó a las 20:30 horas del martes 5 de febrero de 2019  y del miércoles 6 de febrero de 2019 en el Teatro El Milagro, ubicado en Milán número 24 -entre Lucerna y General Prim-, colonia Juárez, Ciudad de México. Duración aproximada: 130 minutos. El costo de la localidad fue de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM,  y vecinos de la colonia Juárez.

ATRACCIÓN FATAL

Por Eugenia Galeano Inclán

Fotos de la Producción.

Cartel-ATRACCION.FATAL


El amor es algo maravilloso, desafortunadamente, en pocas ocasiones surge en forma correspondida. Se dice que siempre hay uno que ama más que el otro. Cuando dos personas se encuentran, si se caen bien o se gustan, lo primero que surge es la empatía y, después, la atracción, pero ninguno de los dos puede saber qué es lo que el otro piensa. Si se siguen viendo y continúan relacionándose es posible que florezca el amor. Sin embargo, al igual que cada cabeza es un mundo, cada quien tiene sus propias ideas sobre el amor. Las opciones son múltiples. Hay quienes sólo se enamoran sin pensarlo, otros buscan algo y si esto es algo bueno o malo depende de lo individual. Algunos pudieran buscar alejarse de la soledad, estabilidad o formar una familia, en tanto que otros podrían tener intereses ocultos, como aprovecharse de alguien, sea física, económica o emocionalmente, o bien, sin desearlo, se les puede convertir en una obsesión, lo cual implica peligrosos riesgos, tanto para esa persona  como para el otro y los allegados de ambos.

 

El tema de la obsesión es el que aborda el guionista y director cinematográfico inglés James Dearden en Atracción fatal. James Dearden es un destacado cineasta que ha recibido importantes galardones y reconocimientos a lo largo de su trayectoria. De toda su obra, la única película que ha sido llevada a escena es Atracción fatal, lo cual ocurrió varios años después de que la cinta protagonizada por Glenn Close y Michael Douglas, tuviera tanto éxito en todo el mundo. En tanto que el film data de 1987, la adaptación para teatro fue realizada hasta 2014 por el laureado director teatral Sir Trevor Robert Nunn. La obra se estrenó en el Theatre Royal Haymarket, ubicado en la parte Este de la Ciudad de Westminster, Londres, Inglaterra.

 

Foto.(1)

Los productores mexicanos Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo obtuvieron la licencia de Paramount Pictures para presentar Atracción fatal por primera vez en nuestro país, bajo la dirección de Antonio Castro. El libreto escrito por James Dearden es de buena factura y capta el interés de principio a fin. Se trata de una obra de suspenso en la que cada acción va cobrando fuerza propia hasta integrar el cuadro completo.

 

La trama versa sobre un hombre que tiene todo lo que pudiera desear, éxitos profesionales y una bella familia, ama a su esposa y adora a su hija. Siente que ha logrado cumplir sus objetivos y goza de lo que ha construido y es feliz, hasta que un día su destino cambia. En un viaje de negocios, una hermosa mujer le coquetea y, a pesar de que al principio se resiste, finalmente es seducido por ella. Desde luego, espera que nadie se entere y que su vida siga su curso normal. Lo que él no sabe es que lo que para él fue una simple aventura, para la mujer será una fuerte obsesión que pondrá en peligro no sólo a él sino a todo su entorno.

 

La labor de dirección por parte de Antonio Castro es impecable, su trazo escénico está muy bien diseñado, la acción es constante, el ritmo preciso.

 

El elenco está conformado por: Itatí Cantoral, Juan Diego Covarrubias, Fabiola Guajardo, Dobrina Cristeva, César Ferrón, Michelle Jurado, Melissa Lee, Moisés Peñaloza y Christopher Valencia. Alternan funciones: Vanessa Acosta, Diego Medel, José Manuel Lechuga, Nuria Loya y Matilde Moreno. Destaca el desempeño histriónico y corporal de las bellas Itatí Cantoral y Fabiola Guajardo. La sensualidad que impone Itatí en la escena en fabulosa.

 

La escenografía y el vestuario son diseño de Teresa Alvarado, quien logra ambientar apropiadamente el relato. Para el vestuario sus diseños son elegantes y variados, las prendas, bien confeccionadas, de excelente corte y con buena caída de telas, así como un atinado uso de colores.

Foto.(3)

El diseño de iluminación está a cargo de Félix Arroyo, quien la administra en forma acertada y en consistencia con las acciones. La música original es de Antonio Fernández Ros y el diseño sonoro de Miguel Ángel Hernández.

 

Para el montaje mexicano se utiliza un sofisticado equipo multimedia a base de dispositivos de los conocidos como mapping, reproductores de imágenes que se cambian fluida y fácilmente, lo cual permite tener diferentes entornos en forma instantánea. Esto coadyuva con la agilidad requerida, además de dotar de una espectacularidad impresionante a la puesta en escena. La escenografía digital es creación de Diego Lascuráin. El jefe de multimedia es Carlos Hurtado.

 

La traducción a nuestro idioma fue realizada en forma fiel por Fernando Canek. La adaptación para México la hizo Óscar Ortiz de Pinedo mediante un trabajo extraordinario, al cual corona con un final distinto al de la afamada cinta. La producción es de Jorge y Pedro Ortiz de Pinedo. Atracción fatal es presentada por Entretenimiento Palomero y Ortiz de Pinedo Producciones.

 

 

¡Gente bella de Aguascalientes,  Atracción fatal estará con ustedes el día 6 de marzo de 2019. No se la pierdan!

 

Febrero 2019

7        Toluca

9        Puebla

14      Culiacán

15      Mazatlán

16      Durango

21      Ciudad Juárez

22      Chihuahua

28      Monterrey

 

Marzo 2019

1        Monterrey

2        Saltillo

3        Zacatecas

5        San Luis Potosí

6        Aguascalientes

7 y 8   Guadalajara

9        Morelia

15      Tijuana

16      Mexicali

21      Querétaro

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Manolo Fábregas fallece un 4 de febrero

Antes había un motivo para recordar a la más grande dinastía teatral en México, ahora hay dos: Manolo Fábregas nace el 15 de julio de 1921; el 4 de febrero de 1996 se ausenta para siempre. Ve la primera luz el 22 de marzo de 1931 Doña Fela Fábregas y pasa a mejor vida el 10 de mayo de 2018. Reproduciré unos párrafos de mi libro La Crítica Teatral en México, parte II, cuando entrevisté a Rafael Sánchez Navarro, entrevista publicada en el desaparecido Novedades del 20 julio 1992: “El 15 de julio cumplió años Manolo Fábregas, ¿cuántos?, setenta y uno. Hubo una reunión familiar en que su hijo Rafael le regaló una fotografía de “La Abuela” Virginia Fábregas, original, un compadre de Adalberto Martínez “Resortes” se la acababa de dar; no podía quedar en mejores manos”. “Platiqué con Rafael Sánchez Navarro largo y tendido. Hablamos de él mismo e, inevitablemente, de su familia: por cierto sus hermanos son: Manolo, Virginia, Martha y Mónica”.

“Su familia ha hecho historia en el teatro mexicano, así que hablamos de todos: los recuerdos fueron brotando salteados. Doña Virginia fundó la primera escuela de escenografía en el primer teatro que llevó su nombre, era alrededor de 1930. Con ella, su padre hace un rol de tres minutos; empezó como niño actor, entonces estaba en la primaria, en el colegio Williams. Estudió para contador público en la UNAM, aunque no acabó. Tiene una gran facilidad con los números (de genio le califica su hijo). Después estudió en una escuela militar en Norteamérica, de ahí le viene una gran disciplina, ya que un productor debe tener orden en la mente”.

“Su abuelo, Manolo Sánchez Navarro, se casa con Fanny Schiller, que dejó un grato recuerdo por su labor sindical en la ANDA, además de como actriz. Entre sus primeros recuerdos está que desde el foro orquestal ve My Fair Lady. Acude con su padre a la sala Chopin (se decía que era el teatro de los Fábregas). Luego va con él al Insurgentes. Cuando compraron el teatro que lleva su nombre, se decía que era el teatro de la zona de los tacos”.

Estas líneas me llevan a consultar un libro de Armando de María y Campos, Veintiún años de Crónica Teatral en México, tomo dos: “El suceso social y cinematográfico que significa para México la apertura del Teatro Manolo Fábregas en el local que fue antes Nuevo Ideal”, el suceso es el estreno de Cualquier miércoles, nota publicada el 20 febrero de 1965. “Los hechos a que me referiré están contenidos en la comedia de Muriel Resnik, de origen norteamericano, elegida por Manolo Fábregas, dirigida por el mismo, para abrir las actividades de su teatro”. Así hemos recordado a una pareja que sirve de ejemplo a las nuevas generaciones, tradición, solidez y talento, con 4,228 butacas propias que han dedicado a lo mejor del teatro mexicano y siguen haciéndolo a través de sus herederos. ¡Un aplauso de pie!

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Confesiones de mujeres de 30, entra a cartelera

Un lejano 13 de marzo de 1997, Morris Gilbert produjo esta obra, dirigida por Lia Jelin e interpretada por Zaide Silvia Gutiérrez, Laura Luz y Ana Karina Guevara, con escenografía de Laura Rode, en el Telón de Asfalto. Fue una consecuencia natural de la obra fundacional Entre mujeres, de Santiago Moncada, que el 11 de junio de 1992 se estrenara con un elenco de lujo: Rosa María Bianchi, Raquel Olmedo, Nuria Bages, Macaria y Silvia Mariscal. Después de esas obras vendría un verdadero alud de obras que abordan el morbo de los secretos de las mujeres, su chismorreo cuando están solas y lo que la sociedad les prohíbe decir cuando hay hombres o menores de edad. Mil años antes de Monólogos de la vagina.

Recuerdo con gusto Las viejas vienen marchando, Adorables enemigas; Te amo, eres lo máximo pero cambia, hasta Mujeres de ceniza, que más o menos tratan de motivar de una manera extraña el asunto anti hombres. Rosa de dos aromas es otra genial mirada.

La obra Confesiones de mujeres de 30 también es producida por Morris Gilbert, esta escrita por Domingos de Oliveira, y narra historias que pueden ser verídicas o no, pero son muy divertidas. No es propiamente una obra teatral que tenga principio-centro-fin, pero ha sido probada en sus anteriores temporadas: es una comedia muy efectiva, sobre todo, porque no lleva un mensaje feminista.

Bueno, pues la versión 2019 estará integrada por Maria Gonllegos, Paola Arrioja y Patricia Gallo. La estrella invitada será Ana Cecilia Anzaldúa. Se podrá ver en el Teatro Fernando Soler del conjunto teatral Manolo Fábregas a partir del 30 de enero, cada fin de semana.

Dos más dos, sigue con éxito

Ganadora del premio como comedia de la Agrupación de Periodistas Teatrales, el elenco se ha actualizado: Adal Ramones, Mónica Dionne,  Mauricio Islas, GicelaSehedi, Sabine Moussier y Laura Ferreti. Hacen pasar una noche muy divertida; sabrá usted que el personaje de Mauricio Islas tiene una excelente amistad con Adal Ramones, quiere proponerle algo así como un juego novedoso o sea un cambio de parejas, pero como lo conoce bien, que es serio, cuadrado y discreto, empieza a proponer poco a poco el juego, hasta que… pone de cabeza a todo mundo. También existe otro ángulo interesante: la esposa de Adal siente curiosidad porque su marido es poco divertido para “aquello” y hace interesante el seguir adelante con el pasatiempo, con los consiguientes riesgos.

La puede ver en el Teatro Jorge Negrete, que se encuentra bien ubicado en las calles de Antonio Caso, casi con Insurgentes centro.

Hoy les hemos hablado de comedias a prueba de bomba.

MANADA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

manada ligero

Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñara como médico, escritor y dramaturgo, es considerado uno de los escritores más relevantes en la historia de la literatura. Además de su enorme talento para crear relatos de interés general, tenía una habilidad impresionante para delinear la psicología de sus personajes. Entre sus obras más emblemáticas se encuentran La gaviota, El jardín de los cerezos, Tío Vania y Las tres hermanas, las cuales han sido llevadas a escena en múltiples ocasiones a lo largo y ancho del mundo y, por lo tanto, se han convertido en referentes de teatro. Todo aquel que curse estudios relacionados con el arte escénico, habrá de leer a Chéjov y es probable que en ellos se desarrolle la ilusión de hacer, cuando menos, un montaje de alguna de sus obras. Desde luego, en caso de tener la oportunidad, cada quien realizará su versión desde su propia perspectiva.

Son innumerables los montajes que se han hecho en todo el mundo sobre Las tres hermanas. En tanto que algunos se apegan al texto lo más que pueden, otros sólo lo toman como inspiración, por lo que en el mundo Las tres hermanas ha sido presentada en muy diversas versiones.

Luis Eduardo Yee, egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), quien se ha desempeñado como actor, director y dramaturgo, decidió hacer un montaje de Las tres hermanas a partir de su visión personal. La propuesta de Luis Eduardo es atrevida; toma como base un clásico universal, introduce algunos cambios y lo reviste de variadas disciplinas. A su versión, la intitula como Manada, tal vez utilizando este término como sinónimo de familia.

manada ligero3

El cambio más drástico de Luis Eduardo es el de cambiar el género a las hermanas para personificarlas como hombres, aun cuando respeta los nombres originales de Olga, Masha e Irina. Desde luego, las respectivas parejas o amores de las hermanas y ciertos allegados habrán de ser mujeres (con nombres masculinos) en aras de la consistencia. Para el público resulta curioso ver a un hombre con nombre femenino o viceversa.

Algunas de las técnicas que utiliza son: Transformar a los integrantes de su elenco en maniquíes, de modo que quienes están en escena realicen los mismos movimientos, o bien, se queden estáticos de vez en cuando. Redimensionar espacios, al hacer que alguien hable al vacío, de cara al lado opuesto de donde está su interlocutor. Coreografías con ciertos ejercicios de yoga que se utilizan para relajación. En una de las escenas, las reacciones de Masha tienen influencia del estilo en que se suele actuar en las telenovelas, lo que implica un fuerte contraste con la contención que predomina el montaje. En cuanto al espacio escénico, toda la acción ocurre dentro de la casa de las tres hermanas, así que no tiene que preocuparse por armar escenarios distintos. En definitiva, los cimientos de este proyecto se basan en el desempeño actoral del elenco. Todo esto le da originalidad a Manada de Luis Eduardo Yee.

El relato de Manada se apega al de Chéjov. Las tres hermanas recuerdan a su padre, quien falleciera un año antes, la fecha coincide con el cumpleaños de Irina, la menor, así que para festejarla se ven precisadas a dejar de lado el dolor y la nostalgia. Otro de los ejes importantes es el desgaste del matrimonio de Masha, quien se enamora perdidamente de Vershinin y quisiera huir de todos sus problemas al lado de éste para construir una vida nueva.

La dirección escénica está a cargo del propio Luis Eduardo Yee, quien logra una labor impecable plasmando en el escenario su visión personal del universo de Las tres hermanas. La acción es constante y dinámica. El desplazamiento actoral es fluido. Las coreografías están bien administradas. La corporalidad que impone es atrayente. El ritmo preciso.

manada ligero2

Como lo mencioné antes, una de las cartas más fuertes de la propuesta es el cuadro actoral y, para ello, Manada cuenta con un elenco extraordinario. Todos  los integrantes están muy comprometidos con el teatro, algunos cuentan con una larga trayectoria, otros no tanto por su juventud, pero todos tienen amplia experiencia, talento y habilidades. Ellos son: Hamlet Ramírez (Olga), Miguel Jiménez (Irina), Fernanda Echeverría (Solioni), Gabriela Guraieb (Tusembaj), Pablo Marín (Masha), Miguel Romero (Chebutikin), Regina Flores Ribot (Anfisa), Francia Castañeda (Vershinin), Paula Watson (Kuligin), Roldán Ramírez (Natasha), Lucía Uribe Bracho (Andrei). Cada uno de ellos ofrece una formidable labor histriónica, corporal y vocal.

Beneficia el montaje la composición musical ejecutada en vivo por Alejandro Pressier, en ocasiones justo al lado de los actores. El concepto escénico fue diseñado por Fernanda García, quien opta por un gran salón sobrio, pero distinguido.

El vestuario es idóneo para el esquema propuesto. Se utilizan como base los colores blanco y negro, los diseños son originales y elegantes. Algunas prendas son similares entre sí, pero con ciertas variantes. La estética siempre está presente. Se utilizan telas diversas de buena caída.

El resto del equipo creativo de Manada está conformado por: Patricia Guijosa en producción general, Fundación Javier Marín en producción ejecutiva y como productor asociado, Alejandra Aguilar como asistente general, Dulce Mariel en diseño sonoro, Julia Marín en diseño gráfico, Paris Ramos como asistente de concepto escénico, Carolina Jiménez en asesoría de iluminación, Pablo Marín en ilustración, Luis Eduardo Yee, Fernanda García y Pablo Marín en gestión. Los patrocinadores son: Colectivo No somos Compañía, Arlín Vergara y Braulio Daniel Yee.

Una puesta en escena donde un clásico de Antón Chéjov es visto desde una perspectiva muy distinta a la acostumbrada. Una propuesta arriesgada llevada a buen puerto por su creador, Luis Eduardo Yee, de la mano de un excelente equipo. Un montaje contemporáneo pleno de estética y originalidad que da particular relevancia a la emotividad de los protagonistas. Deja que te sorprendan, te entretendrás, te divertirás y verás actuaciones entrañables, sólo que tienes que apresurarte porque la temporada actual está por cerrar el telón.

Manada se presenta el sábado 2 de febrero a las 12:30 horas y el domingo 3 de febrero de 2019 a las 12:30 horas  en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 (casi esquina con Centenario), Coyoacán,  Ciudad de México. La duración aproximada es de 90 minutos. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 Resumen del teatro mexicano 2018, en su totalidad y brillantez

Resumen 2018, año de musicales

Esto de los recuentos deja fuera algún amigo que sin querer no anotamos: Los Miserables siguen gustando mucho en el teatro Telcel. Cats sirve para inaugurar el Teatro Centenario Coyoacán, es un trabajo que con Yuri, Natalia Sosa o Rocío Banquells sigue teniendo taquilla. Jack el destripador estuvo en el Centro Cultural Uno, con Diego Domingo y Lucía Madariaga; se merecía una más larga temporada, pero así son las cosas.

Vaselina está integrada por Sol Madrigal y Carlos Fonseca, María Elisa Gallegos, Moisés Araiza, Jimena Cornejo, Jerry Velázquez, entre otros. El trabajo es diferente y sigue gustando al respetable. La puede ver en el San Rafael. El Beso de la Mujer Araña, permite disfrutar de este musical, digamos serio, con Chantal Andere, muy guapa y ¡qué vestidos¡, Olivia Bucio es la mamá de Molina, Crisanta Gómez, Luis Gatica (el perverso jefe de los guardias), Rogelio Suárez (Molina), Jorge Gallegos (excelente en su rol de agitador izquierdista), Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida (perverso guardián); gusta mucho al público y debe usted verla porque ya se va de la cartelera. Se puede disfrutar en el Teatro Hidalgo.

Sweeney Todd es un musical de pequeño formato que estuvo en Coyoacán y gustó mucho, estaban: Lupita Sandoval y Beto Torres en los papeles protagónicos, acompañados por Eduardo Ibarra, Mario Beller, Alejandra Desiderio, Sonia Monroy, entre otros. Gustó por la sinceridad del elenco: obviamente, trataba del famoso filme en que las galletas son muy ricas pues tienen algo de seres humanos. Hello Dolly, Daniela Romo interpreta a la casamentera más famosa del mundo: Jesús Ochoa no canta nada, pero ni falta le hace, porque tararea muy bien. Mauricio Salas, Luja Duhart, Jesús Zabala, Marisol del Olmo y Gloria Aura ayudan al brillante resultado, que podemos ver en el Insurgentes, bajo la producción de Morris Gilbert y Tina Galindo.

Forever Young,  Lisset, Maria Filippini, Beto Torres, Alicia Paola, José Daniel Figueroa, y Claudio Espíndola dan vida a unos viejecitos que se burlan de la enfermera y le hacen todo tipo de travesuras. Es una excelente forma de reflexionar que algún día estaremos pachuchos y ¿qué vamos a hacer? Aquí dejamos el recuento de musicales, aunque estoy seguro que dejo algunas fuera. Si alguna comedia musical me faltara, en la siguiente columna lo consignaré. Pero quiero aprovechar el espacio para dejar constancia que La obra que sale mal está en un nivel de comicidad poco frecuente en México, por lo que con Irene Azuela o Claudia Álvarez se puede reír enormidades, estuvo en el Helénico. Y que Atracción fatal está en el López Tarso, con Itatí Cantoral; está totalmente madura la obra. Digo que “Año de Crisis, año de musicales”. Falta mucho por analizar ¡hubo casi 500 montajes¡ grandes, medianos y pequeños.

Continuemos con el Resumen 2018

Sin duda, el acontecimiento del año fue el fallecimiento de Fela Fábregas, a quien todos brindamos un largo recuerdo al lado de Manolo, su inolvidable esposo. Rogelio Guerra, el Águila Real para hablar de telenovelas, fue otro de los muy estimados y queridos en la comunidad teatral, al lado de María Rubio, con su inolvidable personaje Catalina Creel. Continuaremos el recuento en la siguiente columna.

La sociedad de los poetas muertos, sin duda es una de las obras que pasará a la historia; Alfonso Herrera fue el atractivo; Atracción fatal no deja duda sobre su calidad, sobre todo de Itatí Cantoral, con Juan Diego Covarrubias y Fabiola Guajardo encabezando el proyecto. La obra que sale mal con dos temporadas se constituye como un referente de la alta comedia, con Claudia Álvarez a la cabeza. Dogville, también en el Helénico tuvo jalón con el público, a pesar de que es larga y tiene algunos defectillos de sincronización.

Después de Casa de muñecas, es un experimento que más o menos jaló: permitió lucirse a Cecilia Suárez, Bety Moreno y Juan Carlos Colombo, a pesar del texto que no me convenció. La señora presidenta tuvo su jalón, me pareció que el chiste político era excesivo, por lo oportunista, al conocerse el ganador bajó el interés, tuvo a Héctor Suárez al frente. Como fue el caso también de El privilegio de mandar con Eduardo España, Pierre Angelo, Héctor Sandarti, Dalilah Polanco, Claudio Herrera, Alfonso Villalpando y Christián Ahumada, al pasar las elecciones se fue, aunque todavía le quedaba aire.

Lo mejor y lo peor del teatro en México del año 2018

Los tres mosqueteros del rey hace las delicias del público, no se imaginaban que los cuatro actores son grandes comediantes: Héctor Bonilla, Pato Castillo, Alejandro Camacho y Pablo Valentín hacen una comedia fuera de serie. Viudas, casadas y desesperadas hizo una temporada larga con Luz María Aguilar, Norma Lazareno, Pedro Prieto, Raquel Pankoswky y Maribel Fernández, no paraba de reír el día que estuve. Las arpias con Lorena Velázquez, Zoraida Gómez, Ana Patricia Rojo, Sherlyn, Jacqueline Andere, entre otras, permitieron divertirnos en grande.

El sueño de la mantarraya, que se pudo ver en el Granero, Yanga de Jaime Chabaud permite visualizar favorablemente la dirección de Alicia Martínez; La ópera del sufrimiento da la oportunidad de aplaudir al final, ¿a cuál de las tres consideramos ser el personaje más interesante? Debiera haber obispas es un trabajo que permite ver en su teatro la obra de Rafael Solana, que sirvió para celebrar cien años de su nacimiento con Susana Alexander y Roberto Damico al frente de la producción. En ese mismo lugar estuvo Sí mi amor, lo que tu digas con Adriana Llabrés, Alejandro Sandí, Carla Medina, Christopher Pascal, entre otros talentosos jóvenes. En la Teatrería estuvo Requiem con Ludwika Paleta y Hernán Mendoza, buen trabajo… pero, se me acaba el espacio. ¡Feliz año 2019!

Resumen del año teatral III (último)

Barataria fue un experimento teatral valioso, no tanto por el tema político (hubo multitud de obras con ese contenido) sino, por la forma, contenidos, elenco, ojalá se conserve el formato para remontarla, actualizando la narraturgia. Susana Zavaleta dio vida a una obra de Dario Fo, Tengamos el sexo en paz, que permitió ver a José Roberto Pisano, realmente cumpliendo la misión de educar-riendo. Privacidad fue una obra que extrañamente interesó al público: hablaba de las redes sociales y su mala influencia, tal vez fue por la presencia de Diego Luna. Otras que han hablado de las redes no han jalado al respetable. Recuerdo a vuela pluma Agonía y extasis con Fernando Dosal, que no logró atraer público.

Pequeñas infidelidades es una obra de pequeño formato que sirvió para que se luciece Ángeles Marín al lado de Luis Cárdenas White, la vi en la Teatrería. Last manstandig es un montaje boxístico que cumple con la vocación de David Psalmon de hacer pensar al público sobre ese mundo del que se sospecha que hay corrupción. Terror de Ana Graham: el público ama al controversial Sergio Zurita, bajo la dirección de Antonio Vega. A 8 columnas es un montaje de comedia costumbrista de Salvador Novo, con la presencia de Luis Miguel Lombana, Sophie Alexander Katz, Alondra Hidalgo, Pedro de Tavira, Arnoldo Picazzo y Jerónimo Best, dirigidos todos por Fernando Bonilla.

Red Black & Silver fue una obra que habló de Jackson Pollock, monólogo ayudado por video y juguetes, que permitió ver a Alain Kerriou. Amor es más laberinto en el Julio Castillo permitió ver brillar a Zaide Silvia Gutiérrez, a quien vimos en una lectura de La historia del soldado en Bellas Artes, sólida como siempre.

La lucha con el ángel permitió ver un foro nuevo La Nabe, con un texto de Ibargüengoitia: buen desempeño de Aurea Palma, Andrea de la Rosa, Isaid Pelayo, entre otros. La insoportable levedad del pop que comandó Richard Viqueira, permitió ver a Valentina Garibay, Rocío Damián, Jenifer Sierra y Ángel Luna trabajar esta vez sin riesgos, pues no hay más peligro que una actriz lanzarse de espaldas al público. Finalmente, cerré el año viendo Los baños en Bellas Artes, que como su nombre indica, se cumple la acción en los amplios sanitarios del máximo palacio del arte en México; Ana Graham, Alejandro Guerrero, Hernán Mendoza, Maricarmen Núñez, Arturo Ríos, Tania Ruíz y Antonio Vega fueron el elenco de verdadero lujo que podemos disfrutar.

Fue un año con características muy propias en que se enseñorearon los musicales: Vaselina, Hello Dolly, Cats (ya los mencioné todos en la primera entrega), sólo El Beso de la Mujer Araña salió precipitadamente de cartelera por la renegociación con los franquiciatarios. En la primera versión de El Beso… de Zurita-Bach se negociaba el TLC y resultó mal, ahora, en esta segunda ocasión, parece que les vuelve a afectar la firma del T-MEC, ¡que mala suerte caramba! Con algunos tropezones, el teatro de cámara siguió adelante, caro, mediano y barato. ¡Felicidades a todos!

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

el beso

Terrence McNally nacido en San Petersburgo, estado de Florida, Estados Unidos de Norteamérica, se ha desempeñado como reportero periodístico, dramaturgo, libretista, guionista, orador y conferencista. Se dio a conocer a la edad de 25 años con su primer éxito en comedia musical. A partir de entonces, los triunfos se han sucedido, cosechando importantes premios y galardones, entre los cuales se encuentran varios Premios Tony, los más codiciados en la industria teatral norteamericana, así como un Premio Emmy, dos becas Guggenheim, una beca Rockefeller, cuatro premios Drama Desk, dos premios Lucille Lortel, dos premios Obie, tres premios Hull-Warriner, una cita de la Academia Americana de Artes y Letras, dos Premios a Trayectoria de toda una vida -uno otorgado por el Gremio de Dramaturgos y el otro por parte del grupo Lucille Lortel-, sólo por citar los más destacados. Con una trayectoria de seis décadas, es considerado uno de los mejores dramaturgos contemporáneos y se le describe como dramaturgo notable y perdurable. La obra de McNally se centra en las dificultades de la imperiosa necesidad de conectarse con otro ser humano. McNally considera que la función primordial del teatro es crear comunidades mediante puentes que subsanen las grietas que se han abierto entre las personas a causa de religión, raza o género y, en particular, por orientación sexual.

Entre sus múltiples exitosas producciones, en 1990 estrenó El beso de la mujer araña (Kiss of the spider woman), cuyo libreto escribió con base en la novela homónima del argentino Manuel Puig. Por esta obra Terrence McNally se hizo merecedor al Premio Tony por mejor libreto para un musical. El beso de la mujer araña se ha presentado en diversas partes del mundo y se ha convertido en uno de los montajes más emblemáticos del destacado dramaturgo.

A finales de los años 90, la compañía formada por Humberto Zurita y Christián Bach realizó el primer montaje de El beso de la mujer araña en nuestro país. A mediados del año que acaba de terminar, el productor Juan Torres decidió traerla de nuevo a escena con un gran elenco conformado por una veintena de actores, actrices y bailarines, y una decena de músicos.

el beso2

El texto de El beso de la mujer araña capta la atención desde el primer instante hasta el final. El relato recorre una amplia gama de emociones y aborda temas como injusticia, represión, amor, ilusión, amistad, esperanza, lealtad, solidaridad, compañerismo, diversidad. Si bien la base es dramática, ya que ocurre dentro de una prisión, también hay momentos divertidos.

La acción comienza cuando Valentín ingresa a la cárcel como preso político y es alojado en la celda de Molina, que es homosexual. Molina le da la bienvenida amablemente, pero el recién llegado no quiere conversar con él y opta por ignorarlo. Los dos hombres son muy distintos. Molina es amanerado, Valentín es muy viril. A uno lo apresaron por corrupción de menores y el otro fue detenido durante una manifestación de guerrilleros. Mientras que Molina se autodenomina como “escaparatista”, pues se dedica a arreglar escaparates, Valentín es ideólogo y aspirante a revolucionario, le encanta leer libros. En lo único en que coinciden es que ambos defienden sus ideologías a toda costa. La convivencia diaria hará que se vayan conociendo en forma paulatina, pues no tienen a nadie más. La rudeza de los oficiales encargados de la prisión recae sobre cualquiera de los presidiarios y, finalmente, quienes pueden se apoyan unos en otros. Molina le confía un secreto a Valentín -para evadir la desdicha de estar encerrado, recurre a un mundo imaginario. Cuando era pequeño, su mamá trabajaba en un cine y lo llevaba con ella, así que tuvo oportunidad de ver muchas películas y su actriz favorita era Aurora. Desde entonces, cada vez que se siente triste, recrea en su mente la escena de alguna película y se ve a sí mismo estelarizándola al lado de Aurora. En uno de esos filmes, Aurora interpretó a la Mujer Araña.

el beso3

La dirección escénica está a cargo de Miguel Septién, joven originario de Querétaro, que sorprendió al público capitalino con Urine town, musical que trajo a la Ciudad de México en 2017 y que fue un éxito rotundo. La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro le otorgó el premio como la Mejor Obra Musical del año. Miguel Septién radicó en Boston, donde estudió actuación y dirección, para luego regresar a su ciudad natal y fundar Ícaro Compañía Teatral, de la cual es director.

La labor de dirección de El beso de la mujer araña por parte de Miguel Septién es extraordinaria, su trazo escénico es impecable, la acción constante, buen balance y ritmo preciso. Dimensiona los espacios en forma muy acertada. Logra imprimir la espectacularidad requerida, sin descuidar la parte humana que es lo esencial en el relato.

Todos y cada uno de los integrantes del elenco ofrecen una formidable labor histriónica, vocal y dancística. Chantal Andere luce su belleza personal y su extremada esbeltez, es poseedora de una melódica voz y despliega su experiencia en las tablas para dar lucimiento a la Mujer Araña, personaje enigmático y polifacético. Rogelio Suárez utiliza todo lo aprendido en su amplia carrera en musicales para dar vida a Molina en forma muy emotiva. Aun cuando es el debut de Jorge Gallegos en teatro musical, aceptó el reto de encarnar a Valentín, del cual sale airoso, dándole los toques pertinentes, además de tener una voz muy potente. Complementan el cuadro actoral: Luis Gatica, Olivia Bucio, Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida, Fer Soberanes, José Ahued y la actriz queretana Andrea Biestro. En el ensamble participan: Pablo Rodríguez, Claudio González, Gilberto Recoder, Francisco Huacuja, Orville Alvarado, Pedro Gea, Oliver Kewnay, Gerry Pérez, Gerardo García y Julio Montejano. La coreografía diseñada por Pablo Rodríguez es la idónea y está muy bien ejecutada por los intérpretes.

La música es de John Kander y la letra de las melodías de Tred Ebb, quienes colaboraron con Terrence McNally en el montaje original. Bella música que a lo largo de los años ha trascendido. Para su representación en México, las letras fueron traducidas a nuestro idioma.

Tanto la escenografía como la iluminación privilegian el montaje. Los diseños fueron concebidos por Óscar Acosta, quien obtuvo resultados óptimos en ambas áreas. La escenografía es de gran belleza estética, es muy funcional y añade el esplendor requerido para crear los diversos escenarios previstos en la historia. La iluminación contribuye a llevar al espectador a compartir con los personajes las vivencias que estos tienen.

el beso4

El diseño del vestuario por parte de Eugenio Alzás es otro acierto. Los atuendos de la Mujer Araña son sofisticadamente espectaculares, vistosos, variados y consistentes al personaje que corresponde a la cinta que Molina elige, según su estado de ánimo. Así mismo, para los presidiarios y funcionarios de la prisión utiliza telas y estampados apropiados. En ciertos bailables aporta variantes en cuanto a estampados o colores.

Este es sin duda uno de los montajes musicales más logrados de todos los tiempos. Una puesta en escena con todo lo necesario para ser recordada por siempre. Una historia interesante que te atrapa, divierte y conmueve. Un equipo de trabajo muy integrado y comprometido te espera. Justo acaba de concluir la muy exitosa temporada de El beso de la mujer araña en el Teatro Hidalgo Ignacio Retes de la Ciudad de México, con aplausos de pie y ovaciones. Esperemos que pronto sea retomado para que más personas puedan verlo.

URGEN MUSAS

Por: Eugenia Galeano Inclán

 urgen ligero

A fines del año pasado, se llevó a cabo el Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS, cuyo propósito es dar espacio a la dramaturgia y dirección femenina, para exponer las iniciativas escénicas y creativas de las mujeres creadoras.  El evento fue organizado por la dramaturga mexicana Isabel Balboa y se llevó a cabo los días 8 y 9 de diciembre de 2018 en el AUDITORIO VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA ubicado en el inmueble de SOGEM -Sociedad General de Escritores de México-, en Héroes del 47 número 122, colonia San Diego Churubusco, Coyoacán, Ciudad de México.

 

Para el encuentro se emite una Convocatoria.  Las propuestas recibidas son revisadas y una vez que se determinan cuáles serán las seleccionadas, sale un comunicado, a fin de dar a conocer los resultados y que las ganadoras preparen lecturas dramatizadas de sus obras en las fechas que se les indique.

 

La entrada es libre en los días del evento, así que cualquier persona puede asistir para disfrutar de lecturas dramatizadas de varias obras inéditas en un mismo lugar.

 

En el Tercer Ciclo de URGEN MUSAS los asistentes fueron recibidos cordialmente por Isabel Balboa y por Vicente Eduardo Cervantes, representante de FREELANCIA / VEC, encargado de cubrir el encuentro.

 

Cada día se presentaba la obra de una Directora Residente y las demás obras eran de Directoras Emergentes.  Las Dramaturgas Residentes en este Tercer Ciclo de URGEN MUSAS fueron Gsabriela Ynclán  y  Verónica Musalem.

 

Luego de las lecturas dramatizadas, había una Mesa presidida por las Dramaturgas y las Directoras en turno, para intercambiar opiniones sobre las obras presentadas y responder preguntas del público.

 

Así mismo, se instaló dentro del Auditorio un stand donde se vendían artículos de fina artesanía mexicana, así que durante el intermedio se podía comprar lo que fuera de tu gusto.

 

urgen2 ligero

El programa completo del Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS fue el siguiente:

 

sábado 8 de diciembre de 2018

 

APERTURA

 

EN EL BORDE de Lorena Venta, bajo la dirección de Elena Ríos

Elenco:  Mariluz Suárez  y  Rosa Helena Velasco

 

MERIENDA PA PINGOS de Verónica Guzmán, bajo la dirección de Denis González Noriega

Elenco:  Jocelyn Chacón  y  Dan Alva

 

ENCORE de Tania Castillo Ponce, bajo la dirección de Alejandra Reyes

Elenco:  Desirée Rivera  y  Juan Carlos Medellín

 

SIN TÉRMINOS NI CONDICIONES de Itzel Arco, bajo la dirección de Paulina Soto

Elenco:  Paulina Soto  y  Ginna Martínez

 

– Intermedio –

 

ÁNGELES CAÍDOS O LAS TRES EVAS de Gabriela Ynclán, bajo la dirección de Gema Aparicio

Elenco:  Bertha Vega

 

MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS

 

urgen 3 ligero

domingo 9 de diciembre de 2018

 

EL SANADOR de María de Jesús Hernández, bajo la dirección de Ayelén Muzo

Elenco:  Luis Fernando Zárate,  Yolanda Navarrete  y  Armando Tapia

 

SALSA BOLOGNESA de Giannina Ferreyro, bajo la dirección de Beatriz Cecilia

Elenco:  Joaquín Chablé,  Marina Avilés,  Vicente Eduardo Cervantes,  Beatriz Cecilia,  Jazmín Jáuregui  y  César E. Reyna

 

COLORADO RIVER de Artemisa Téllez, bajo la dirección de Ana Cervantes

Elenco:  Miguel Pérez Enciso  y  Karen Espinosa

 

– Intermedio –

 

LOS CAMINANTES, autoría y dirección de Verónica Musalem

Elenco:  Genny Galeano,  Luis Ernesto Verdín,  Luis Villalobos,  David Sicars  y  Javier Sánchez

Música original ejecutada en vivo por  Alejandro Andonaegui

urgen4 ligero

 

MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS

 

CLAUSURA

 

El encuentro fue exitoso y los dos días tuvieron buen aforo.  Yo asistí el domingo y a continuación les comento sobre las obras que se presentaron en ese día.

 

EL SANADOR de María de Jesús Hernández aborda el tema de un hombre que se dice sanador, pero que no brinda precisamente salud a sus pacientes.   Su técnica para sanar podría provocar que nadie quisiera acudir con él.  Una comedia de enredos que conlleva tintes macabros.

 

SALSA BOLOGNESA de María Jesús Hernández es una divertida comedia donde la ficción permite que la madre regrese de ultratumba.  La familia apenas está lidiando con la ausencia de la señora Esther.  Carlos, su marido, está sumido en la depresión.  La hija Gabriela y su sobrina consentida Pilar se consuelan la una a la otra de lo mucho que la extrañan.  En cambio, el hijo Carlos le dice a su pequeño Carlitos que quisiera poder contactar a su mamá porque se fue sin darle la receta de la deliciosa salsa bolognesa que preparaba.

 

COLORADO RIVER de Artemisa Téllez es una comedia ligera, en la que se ve la convivencia de una pareja joven.  El mundo masculino confrontado con el femenino.   En tanto que el joven está presionado porque tiene una fecha límite para presentar un trabajo, la joven lo que necesita es que le preste atención.

 

LOS CAMINANTES de Verónica Musalem es un relato futurista, los daños ecológicos causados por el ser humano han hecho que el planeta esté a punto de ser inhabitable.  Una visión poética que contrapone la belleza y exuberancia de la naturaleza contra la devastación.  Los personajes no tienen nada que perder, se está terminando el mundo, podrían sucumbir o esforzarse por lograr un nuevo comienzo a partir de cero.  Por cierto, esta obra está a punto de ser estrenada en el Foro BELLESCENE el próximo 7 de febrero, así que todos tendrán oportunidad de verla en escena.

 

Es una muy buena idea que se celebren encuentros como el de URGEN MUSAS, toda vez que se brinda un escaparate para que las dramaturgas presenten trabajos que aún no han sido llevados a escena y sirve a las directoras para ver el desempeño de sus elencos y la reacción espontánea del público.  Además, permite al público gozar de buen teatro sin costo alguno.