Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Buenas personas, en el Teatro Milán

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Odiseo Bichir y Arcelia Ramírez  encabezan el reparto, logran seducir al público con su gestualidad y buena voz- Concepción Márquez, Cuauhtli Jiménez, Monserrat Marañón, entre otros, completan el reparto, tienen momentos acertados y en otros bajan la voz haciéndola inaudible, causan una extraña sensación: me río porque hay personas que lo hacen, la situación misma permite adivinar que es divertida, pero no sé lo que causó hilaridad. Ojalá se modificara este nivel auditivo, porque el espectáculo en lo global lo merece.

El autor es David Lindsay-Abaire. Hace interesante planteamiento. En un lugar como Ecatepec (leí que en un principio decían era Nezahualcóyotl) se dan las acciones, que parten de una acción que dará sentido a toda la obra: el personaje de Arcelia es separado de su empleo, lo que provocará una serie de acontecimientos que dejarán sin aliento a los que han pensado en invitar a una fiesta de cumpleaños a una ¿amiga o novia de tres semanas? llevarán a enfrentamientos más allá de lo verbal, como en fiesta de cumpleaños de Harold Pinter. Hay una sensación de impotencia, en este caso, del médico exitoso que interpreta Odiseo y que hace se desborden las pasiones.

El también autor de Shrek, el musical, nos provoca desesperación cuando la chica que interpreta Arcelia empieza a dejar claro que la frontera entre verdad y mentira es tan fina que, con frecuencia, crea en Odiseo un shock. Usan el recurso de mover la escenografía, silla y mesas, que hacen ver decadente la escena; contra sillones nada lujosos, de una elegante casa de Santa Fe. Y le aceptamos las escenas de un Bingo con mesas simplonas, en favor de la simplicidad del montaje. Si puede véala en el Teatro Milán los fines de semana; vale la pena la actuación de Odiseo y Arcelia, y le lanzará a la calle dudando en invitar a una exnovia a una fiesta familiar.

El teatro se llama Arturo Amaro

Ya le decía que celebró las cien funciones de Canción rota para un perdedor fortuito Arturo Amaro. Orgulloso estoy de dirijir este trabajo y de que ha logrado rebasar la barrera de las 110 representaciones. Y que había invitado a Zaide Silvia Gutiérrez, Tomás Urtusástegui y Luis Álvaro Hernández de padrinos, bueno, pues la sorpresa de la noche del sábado fue que ese foro se llamará Arturo Amaro desde esta fecha, sorpresa que causó júbilo entre los asistentes, ya que él ha dedicado su vida al arte escénico en todas sus facetas. Así que el Foro Off Spring tiene dos teatros, y uno de ellos llevará el nombre de Arturo. La madrina Zaide Silvia dijo que estaba de acuerdo en que se llame al foro como el autor de Bonanza que llegó a 5,300 representaciones. Por su parte, Tomás Urtusástegui aseguró que los monólogos que recuerda exitosos son El diario de un loco y Bandera negra, ahora Canción rota… buscará ser una leyenda. Después, celebramos consumiendo bocadillos y algunos tragos. ¡Salud!

LA BODA DE LOS PEQUEÑOS BURGUESES (DEL FRENESÍ AL AMARGO DESENCANTO)

Texto y foto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

La bodaBertolt Brecht, pilar del teatro universal, nos legó una singular boda que transcurre “desde el frenesí ilusionado al amargo desencanto en una progresiva deconstrucción” (Programa de mano). Estamos frente a una adaptación, muy a la mexicana por el entorno en que se desarrolla, a cargo de Antonio Zúñiga, bajo la dirección de él mismo y el maestro Luis de Tavira. El título: La boda de los pequeños burgueses.

En honor a la verdad la versión queda a deber, si bien se conserva la esencia hay modificaciones sustanciales que tergiversan el fondo. Un texto llevado a escena en varias ocasiones en nuestro país, al escuchar de qué obra se trata y quién la escribió, las expectativas son altas, más si se toma en cuenta otras adaptaciones de Antonio. Él ha hecho muchas, inclusive de Madre coraje, dirigida a los infantes, del citado dramaturgo.

Una propuesta oscilante entre la farsa y la comedia, bajo la tutela de Antonio y Luis de Tavira, lo increíble es la intervención de este último, sin saber qué tanta fue su participación. El citado enlace matrimonial de Julieta y Román -¿tendrá algo que ver con los personajes de Shakespeare?-, sigue un guión predeterminado bajo la supervisión de un maestro de ceremonias o director. Inicia con la ceremonia religiosa para dar paso al banquete, digo de invitados sui géneris, de barriada con pretensiones ajenas a su condición social, clase media baja, ubicados en un México intemporal. Lo cierto es que los únicos que se divierten son los actores con su fiestecita, los espectadores gozan de algunos momentos de humor.

La escenografía, en principio un híbrido, porque a fin de cuentas está concebida con tiras de madera a lo largo y ancho del escenario y un simulacro de pasto, los marcos de unos cubos con sus respectivas plataformas, estos en su interior con una visión más realista sin apartarse de lo fársico, una iluminación sencilla cuya base son hileras de foquitos tipo navideño, diseñadas ambas por Jesús Hernández; el vestuario, de Derildy Bosch, de lo más folclórico, nuevamente en torno fársico. Al final un desenlace inesperado y desnudos poco menos que cursis.

Las actuaciones las encabezan Antonio Zúñiga, Mercedes Hernández, Isabel Benet y Cristián Cortés, entre otros. Antonio, como criticamos unos aspectos reconocemos otros, es el único digno de admirarle su profesionalismo, entrega y versatilidad, éstas son algunas de sus cualidades, el resto -cómo ya se mencionó- felices con su fiestecita escénica.

La boda de los pequeños burgueses, coproducción de la Coordinación Nacional de Teatro (Instituto Nacional de Bellas Artes) y Carretera 45, se presentará hasta el 30 de septiembre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, en el Teatro El Galeón del Centro Cultural de Bosque, Ciudad de México.

FOTÓGRAFO DE PERROS MUERTOS (FALSA IDEA DE LA FELICIDAD)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel de la obra

FotógrafoEn términos sencillos, la felicidad es un estado de ánimo, así tenemos los que gozan con la lectura, el deporte, con el arte… no es algo concreto, depende de cada uno, de sus gustos, de la forma de asumir la vida. Sin embargo, hay quienes la buscan por el camino equivocado, como por ejemplo a través del alcohol. Alán Márquez aborda, en su calidad de dramaturgo, la complejidad del ser humano y su lucha por alcanzarla, en este caso el protagonista de Fotógrafo de perros muertos, en busca de una falsa idea de la felicidad.

Andrés, “se enfrenta a la batalla más importante de su vida, una batalla contra sí mismo y sus aflicciones; donde todo aparentemente confabula en su contra para sumergirlo en una espiral descendiente de emociones y riesgos. Él, su familia y seres queridos pagarán las consecuencias”.

Estamos frente a un montaje multidisciplinario: teatro, danza, cine, audiovisuales y música. Ocho actores y un músico exploran y reflexionan, confrontan al público, lo llevan a situaciones límite, lo cuestionan, en algunos casos provocan se vea reflejado en el escenario, claro, aquí se trata de un caso extremo. Andrés proviene de una familia disfuncional, abandonado por el padre cuando tenía cinco años de edad, una madre enferma quien desea ayudarlo, apartarlo del vicio, de las penas que lo ahogan en alcohol; la madre le dice: “necesitas ayuda”, Andrés expresa: “necesito morirme”. Un cuestionamiento rotundo a partir del existencialismo.

Abel González Gómez -director, diseñador de escenografía, iluminación y vestuario- basa su propuesta en la penumbra, tal vez el mundo tortuoso y de terror en donde se debate el protagonista, en donde se le aparece el demonio en su imaginario. En un pequeño espacio es milagrosa la puesta en escena. El elenco es heterogéneo aunque se logra cierta unidad. Manejo idóneo de los tiempos en los que transcurre la obra. Hay un narrador, quien ubica al espectador en los antecedentes y explica el por qué del actuar de Andrés. Manejo de imágenes explosivas con sutileza, valga lo que parece una contradicción. De forma forzada implica la danza en medio de un monólogo. El único pero, al menos notorio, son las múltiples escenas donde los actores y actrices gritan, grave por las dimensiones del espacio.

Jorge Arizmendi, Juan Manuel Raygoza, Minerva Velasco, Andrea Méndez, Rosenda Gazpel, Jorge Ramos, Ángel Zozaya y Danae Zeler conforman el elenco, que como ya se mencionó es heterogéneo, aún analizados uno por uno tiene escenas buenas y malas, por decirlo de alguna forma.

Fotógrafo de perros muertos, bajo el sello de BackStage Producciones y Talento, se presenta los miércoles de septiembre y octubre a las 20:45 horas, en el Foro 37 Teatro Boutique, ubicado en Londres 37, col. Juárez, Ciudad de México.

LA EXAGERACIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200779Algunos dicen que el teatro refleja la vida, en tanto que otros bromean sobre algún conocido que hace teatro en su vida cotidiana. ¿Cuál es tu opinión al respecto? Lo cierto es que hay mucho de la vida en el teatro y viceversa. Hoy comentaremos sobre una obra donde la vida y el teatro se entrelazan, se fusionan y se complementan.

Después de haber egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde estudió Lengua y Literatura Hispánicas, así como Letras Inglesas en el Sistema de Universidad Abierta (SUA), David Olguín adquirió su formación teatral en el Centro Universitario de Teatro (CUT) al cursar la carrera de Actuación y diversos talleres de dirección escénica con Ludwik Margules y, posteriormente, obtener el grado de Maestría en Estudios Teatrales con especialidad en Dirección Escénica en la Universidad de Londres.

Su larga trayectoria se diversifica en varias disciplinas. En el ámbito teatral es altamente reconocido por su dramaturgia y trabajos de dirección escénica. También hay un libreto de ópera escrito por David. Además de los montajes de sus propias obras, ha llevado a escena obras de diversos autores nacionales e internacionales.

En lo cultural se ha desempeñado como escritor, narrador, traductor, ensayista y guionista. En lo editorial cuenta con muchas publicaciones tanto de sus propias obras, como en antologías de otros autores. Dedicó casi tres años a la coordinación editorial, la escritura y la selección general de textos del libro Alejandro Luna Escenografía. Así mismo, es coautor de los libros de memorias de Olga Harmony y Hugo Gutiérrez Vega, así como de Teatro Mexicano del siglo XX. Ha sido becario del Centro Mexicano de Escritores, del FONCA, del Consejo Británico y del Fideicomiso México-Estados Unidos. Desde 1992 es editor de Ediciones El Milagro y a partir de su designación en el año 2005 es tutor de la Fundación para las Letras Mexicanas. En la docencia ha colaborado en diversas instituciones. Actualmente es profesor y coordinador de la maestría en Dirección Escénica en la ENAT.

P1200784En 1991 David Olguín, Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi y Gabriel Pascal fundaron Teatro El Milagro, una asociación cultural independiente que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. El Consejo Directivo y Artístico de Teatro El Milagro está conformado por quienes lo fundaron, en tanto que la Administración está a cargo de Eduardo Pascal. A la fecha, el Teatro El Milagro es un foro consolidado que se preocupa por ofrecer calidad a sus espectadores y, por esto, ha ganado muchos adeptos.

A lo largo de su camino en el teatro David Olguín ha recibido múltiples galardones y reconocimientos. Sus cualidades humanas y profesionales lo hicieron merecedor a ingresar a la Academia de Artes. Además de poseer una vasta cultura y considerable capacidad creativa, es un trabajador incansable que en cada proyecto se compromete al máximo. Ahora, David se encuentra en plena madurez artística y profesional.

Su más reciente obra es La exageración, a través de la cual David Olguín concibe un particular universo teatral. Si bien, el tema central es el teatro, en gran medida habla sobre la vida misma. En la ficción creada por David los fundamentos descansan sobre hechos de la vida real, tan es así que los nombres de los personajes son los mismos de quienes los interpretan y de aquellos a quienes hacen referencia. La anécdota es una discusión que surge en un ensayo. Los participantes son un actor consagrado y una jovencita que trabaja como asistente de dirección. El director no ha llegado, así que la joven muy en su papel, con ánimo de quedar bien en su trabajo, se atreve a decir al actor que está exagerando el tono, lo cual no sorprende al actor y, además, lo indigna. A partir de esto se desarrolla la trama. Los personajes entran en pugna y cada uno de ellos defenderá su postura sin concesión alguna. El asunto de La exageración sólo abre la discusión entre los contendientes, quienes luego abordarán diversas cuestiones.

P1200785 (2)El texto de La exageración va mucho más allá de la anécdota inicial.  Lo evidente es la brecha generacional tan amplia que existe entre los protagonistas. Mientras que Mauricio, el actor, cuenta con una larga trayectoria, mucha experiencia sobre las tablas y múltiples vivencias, María del Mar o Marimar apenas inicia su carrera y le falta mucho por vivir en lo personal y en lo profesional. Además de esto, habrá un confrontamiento entre las técnicas teatrales tradicionales y las vanguardistas. En cuanto a los intereses individuales, los dos tienen aspiraciones muy distintas.

Durante la discusión, se van develando detalles del carácter de Mauricio y del de Marimar, poco a poco se sabrá cuáles son sus anhelos, sus frustraciones, sus objetivos, su forma de pensar. En tanto Mauricio afirma: “sirvo al teatro, no me sirvo de él“, Marimar sentencia “no creo en nada“.

El brillante texto de David está plagado de frases contundentes con respecto al quehacer teatral y sobre la vida. Para diversión del espectador, incluye algunas anécdotas reales que en su momento sólo fueron conocidas por quienes las presenciaron. Se hace algunas alusiones a grandes creadores teatrales, como Ludwig Margules, Juan José Gurrola, Alejandro Luna y, desde luego, Gabriel Pascal y David Olguín. El relato capta el interés desde su inicio y a medida que avanza, la atracción va en aumento.

La labor de dirección por parte de David Olguín es extraordinaria, su trazo escénico es pulcro, logra un equitativo balance entre la parsimonia de la madurez y el ímpetu de la juventud, sus coreografías son de buen diseño, cada acción y cada pausa son administradas en forma precisa.

El primer actor, Mauricio Davison, y la actriz María del Mar, Náder Riloba, ofrecen al público una labor histriónica, corporal y vocal formidable, dotando a sus personajes de marcada emotividad.

P1200789Gabriel Pascal enmarca el montaje con una idónea escenografía a base de fina madera y añade unos cuantos elementos escenográficos. Así mismo, su iluminación es muy acertada tanto en distribución como en intensidad.

Coadyuva para el entorno requerido el diseño sonoro, que incluye los temas La historia de un actor desconocido IV, Vals de despedida, Agonía Tango IV, El maestro y Margarita Tango, cuya composición musical es de Alfred Gariévich Schnittke (1934-1998). La fotografía es de blenda. La producción es de Teatro El Milagro.

Una puesta en escena absolutamente imperdible que se disfruta a fondo. El pasado y el presente frente a frente, vibrando y pujando para defender con todo el corazón sus respectivos puntos de vista en un cuadrilátero que representa teatro y vida. No se trata de quién ganará porque el triunfador indiscutible será el público. La exageración es de esas obras que convocan a la reflexión y que se quedan para siempre en la memoria del espectador.

La exageración se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas, sábado a las 19:00 y   domingo a las 18:00 horas en el Teatro El Milagro, ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 26 de agosto de 2018. Duración: 120 minutos. El costo de la localidad es de $250. Maestros, estudiantes e INAPAM con credencial vigente: $160. Vecinos de la colonia Juárez, maestros y estudiantes: $60.00 pesos.

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

Canción rota para un perdedor fortuito celebra 100 funciones, Zaide Silvia Gutiérrez madrina de develación

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El sábado 18 de agosto 2018 a partir de las 19 horas hubo manteles largos para festejar las primeras cien funciones de este monólogo que me honro en dirigir; el lugar fue: Foro Off Spring (Francisco Pimentel 14, col. San Rafael). El actor y escritor del guión, Arturo Amaro, es famoso por haber llegado a 5,700 funciones de Bonanza, obra que también actúa y habla del bullyng entre infantes, en una época en que ni se soñaba la palabra que ahora se ha convertido en una moda.

“Canción rota… es una divertida narración acerca de los Méxiconorteamericanos que cruzan  a diario la frontera, para probarse a sí mismos que pueden contraer una responsabilidad, que rebasan el reto familiar, que también aman a una mujer que dejan en la tierra que tanto quieren, pero que no les da aquello a lo que aspiran; con un cosquilleo en el estómago se van y no saben cuándo van a volver. Una aventura llena de diversión que comparte con el público y también tiene momentos de tristeza”. No deje de asistir a este magnífico montaje, en que hubo una gran fiesta al finalizar.

Sylvia Pasquel celebra 50 años de actriz

Como cada domingo, dio función de No seré feliz pero tengo marido en el Teatro 11 de julio, que comanda Rubén Lara, y que le dan una sorpresa: Marco Antonio Silva fue el comunicador entusiasta que primero hizo una semblanza de la enorme trayectoria de esta dama, y luego dio paso a que se entregara una estatuilla firmada por Ariel de la Peña de la APT (Agrupación de Periodistas Teatrales) y en ese momento expresé: “Que historial lleno de éxitos, en cine, televisión y teatro, donde ha dejado muestra de su talento, como el magistral manejo que hizo del muñeco que representa a su marido, felicidades por 50 años de vida teatral”. A continuación Eduardo Narváez hizo entrega de una placa alusiva a esa fecha memorable, que seguramente refrendará con una reunión en el famoso Pasaje de las Estrellas. Fue una tarde noche llena de placeres, pues finalizaron todos comiendo pastel.

Dónde los mundos colapsan

En el Foro Ignacio López Tarso de San Ángel tuvimos el gusto de ver a Silvia Navarro tener un duelo actoral con Osvaldo Benavides, con texto y dirección de Adrián Vázquez, él también es el autor; ciertamente con algunos ecos de Cada vez nos despedimos mejor, ya que una pareja de niños será adolescente hasta llegar a la mayoría de edad, todo esto reflexionando sobre las diversas aventuras que van teniendo. Es extraña la escenografía de Pepe Valdez, pues no me parece que colabore en algo, y sí entorpece, al grado de que la noche del estreno estuvo a punto de caer de una silla Silvia Navarro. Lo importante es el duelo de actuaciones de Osvaldo y Silvia.

THE ARCHITECTURAL BODY

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Cartel del espectáculo

Cartel-THE.ARCHITECTURAL.BODYEn México al igual que en otros países del mundo, para quienes se dedican al arte el camino es difícil, sobre todo, para quienes lo hacen en forma independiente sin contar con apoyo de recursos financieros, patrocinadores, becas o productores. Sólo aquellos que nacen con una vocación definida y que están dispuestos a sortear todo tipo de obstáculos logran expresar su arte. Uno de estos artistas lo es sin duda Francisco Rojas, destacado bailarín y coreógrafo mexicano. Desde pequeño supo que la danza era lo suyo y se entregó a ésta en cuerpo y alma. Para lograr su objetivo de vida ha cursado múltiples estudios en instituciones de prestigio mundial, como la Royal Academy of Dance, Vasar College de Nueva York en Estados Unidos de Norteamérica, el Real Conservatorio Profesional de Danza de Madrid, España; Stepson Broadway con Willy Burmann, Rafael Bonachela en Sydney, Australia y el Ohad Naharin’s Gaga Studio de Tel Aviv, Israel, entre otros.

En su desempeño profesional ha sido solista de la Compañía Nacional de Danza de 2004 a 2009 y de 2011 a 2013. Es el primer mexicano en haber participado en el Australian Ballet y bailarín huésped del Sydney City Youth Ballet, así como Maestro de Ballet en el Center of Dance Development of Australia,  artista residente en Fundación Casa Wabi en 2016 y Residente Coreográfico con los maestros Wayne Mc Gregor CBE y Rusell Maliphant (quien retirara a la prima-ballerina Sylvie Guillem) en el Royal Ballet de Londres, Inglaterra.

En 2013 fundó Convexus Ballet Contemporáneo, que es un proyecto independiente dedicado a las técnicas actuales de danza artística como expresión de arte contemporáneo. Desde esta plataforma, Francisco Rojas ha creado las producciones coreográficas: Proporción áurea,  Identity I, II y III (Identidad I, II y III),  The joy of the evident (La alegría de lo evidente), Ámala, El tiempo perdido no vuelve, Contrapunto,  Run! (¡Corre!), La viuda alegre: reposición coreográfica para la Ópera de Bellas Artes y The architectural body.

Francisco Rojas creó The architectural body (El cuerpo arquitectónico) durante la residencia coreográfica que realizó en Londres. Francisco tomó como inspiración la escultura clásica y los trazos de tres de los más insignes maestros Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti), Leonardo da Vinci y Auguste Rodin. Para su creación, Francisco retomó los capítulos del libro Leonardo da Vinci, de la autoría de Walter Isaacson y realizó varias visitas a las exposiciones Rodin at the Met (Rodin en el Met) y Rodin and the art of ancient Greece (Rodin y el arte de la antigua Grecia) en el Museo Británico. El propósito de Francisco fue el de traducir las disciplinas visuales al lenguaje del ballet contemporáneo mediante movimientos que deconstruyeran la técnica clásica para reorganizar el movimiento geométrico del cuerpo.

Una vez que tenía casi delineada la coreografía de The architectural body, Francisco Rojas convocó a Eduardo Garcilazo para que realizara la composición musical y a Daniela Toscano para que produjera un video. Al trabajar en conjunto estos tres creadores hicieron que The architectural body se convirtiera en un concepto integral innovador y pleno de arte.

En sus propias palabras, Francisco Rojas describe a The architectural body como: “El escenario es una metáfora de la sala del museo donde los bailarines dan vida a la escultura en virtud de los impulsos sonoros. The architectural body es una pieza abstracta, cuya narrativa no lineal, permite al espectador una libre interpretación poética“. Por su parte, Eduardo Garcilazo comenta: “Desarrollé una acústica electrónica para sintetizador y cuerdas; consiste en una obra escrita en dos actos, divididos en cinco movimientos, a partir de las contraposiciones argumentarias de la danza de Francisco, pues es una pieza ex-profeso“.

The architectural body es una propuesta artística donde danza, música e imagen van de la mano, complementándose entre sí. La coreografía está conformada por diferentes técnicas y disciplinas que van de lo clásico a lo más actual. Sobre el escenario se ven splits, giros, estiramientos, deslizamientos, flexiones, contorsiones, ballet en puntas y mucho más. Todos y cada uno de los movimientos tienen su razón de ser y los bailarines los ejecutan en forma magistral. La sincronía con la música y las imágenes resulta impresionante. Los cuadros se suceden unos a otros, los hay de solos, duetos, tríos, cuartetos y grupales. En ciertos momentos predomina la vertiginosidad, en tanto que en otros la acción es pausada y hasta estática cual si fueran esculturas vivientes, o bien, seres que emergen de enormes marcos cual si fueran pinturas. La belleza estética se manifiesta en todo momento.

Queda claro que Francisco Rojas pone el corazón en su arte y se rodea de gente dispuesta a entregarse en igual forma.

Los jóvenes con formación clásica y contemporánea que participan en The architectural body son los bailarines Debby Alarcón, Bryan Basantes, Ana Laura Bustamante, Sergio Nájera, Annie Ponce de León, Erick González Santiago, Carlos Hamshire y el propio Francisco Rojas, ya que funge como coreógrafo, director y solista. Todos ellos desempeñan su labor con particular destreza y pasión.

El vestuario fue diseñado por Marcela Barragán, en forma muy consistente con el concepto, para lo cual utiliza leotardos de fina tela elástica con base en negro, franjas asimétricas blancas y negras, y un toque de vivos colores en rojo, azul, vino o amarillo, dejando en total libertad las extremidades.

La escenografía es creación de Rodrigo Velarde, quien enmarca el montaje proveyéndolo del entorno propicio al recrear la sala de un museo. La iluminación está bien impartida y tiene muchas variaciones.

El video es de Boutique Creativa in The Mood y Daniela Toscano. Imágenes sorprendentes que dotan de luminosidad la escena mediante franjas, formas geométricas y figuras diversas de movilidad constante. La producción es de Convexus Ballet Contemporáneo.

The architectural body es una propuesta muy bien lograda por parte de un equipo comprometido y apasionado. Se trata de un espectáculo dancístico de la más alta calidad que permite ver la danza contemporánea desde una perspectiva distinta, ejecutada a la perfección por jóvenes con bellos y ejercitados cuerpos.

The architectural body cubrió con rotundo éxito la brevísima temporada que tuvo del viernes 10 al domingo 12 de agosto de 2018 en el Teatro El Milagro de la Ciudad de México. Durante los tres días se agotaron las localidades.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

La cría, extraña narración en la Teatrería

De repente estamos compartiendo con una pareja que se encuentra atrapada en un cuarto cerrado con tela de alambre, hay una puerta que se abre y les deja pasar a otro cuarto (arriba dicen), donde está algún extraño ser que irá comiéndoselos. Esta narración para teatro es relatada a través de Milleth González, Emmanuel Morales y Carlos Talancón. En menos de hora y media hacen creíble una improbable historia, que es una metáfora de la familia de nuestra pareja-nuestra sociedad que avasalla quitándonos algo, en este caso es gastronómicamente rechazante, ¡nunca se dice que sea sabroso!

Escrita y dirigida por Carlos Talancón, tiene elementos de A puerta cerradaLos Ponedores u otras con la variante de autofagia. Recomendable si no es especialmente asqueroso (o quizá le convenga).

Británico, en la narvarte

En un foro poco frecuente, ubicado en Nicolás San Juan 656, pudimos ver un texto de Jean Racine, adaptado por Santiago de Arena, quien también actúa, completan el elenco: Ricardo Cortés, Zaid Rolva, Ana Lilia Herrera, Luly Reed, Héctor Iván González y Marcela Rigoletti. Destacan los tres hombres que llevan las acciones. El reto a vencer era acortarla, modificarla dejándola entendible y, claro, respetando el lenguaje poético del francés, que hace del verso alejandrino un verdadero desafío, hacerlo tan fácil de escuchar como la prosa. Y lo logra, sin lugar a dudas, se siente el peso del verso en contadas ocasiones. Hay varios aciertos de dirección a cargo de Sergio Cuellar, como las sombras proyectadas en un telón blanco, en ocasiones son un rostro, una figura o multitudes, muy bien logrado el efecto. Pasa los lunes a las 7 pm durante agosto.

Premio Rafael Solana en favor de la libertad de expresión

El dramaturgo veracruzano nacido el 7 de agosto de 1915, presta su nombre a la presea que otorga La Comisión Iberoamericana de Derechos Humanos para el Desarrollo de la Américas, pues hicieron coincidir el cumpleaños del dramaturgo, haciendo propicio el momento para homenajearlo. Recordaron que fue un escritor completo, que lo mismo abordó la poesía, ensayo, columna política, pero se daba tiempo para teatro, ópera y toros. El autor de Debiera haber obispasPudo suceder en VeronaEl décimo Fausto, por mencionar algunas de sus obras, son una muestra de su talento.

Hubo en la mesa de honor funcionarios de Radio MilEl UniversalLa CrónicaLe Mond y Revista Siempre, quienes hicieron diversas declaraciones: el periodismo es una profesión de alto riesgo en México; ha señalado la Comisión de los Derechos Humanos de la ONU, y por ello ha hecho propicio el 3 de mayo como Día Mundial de la Libertad de Expresión. Derivado de lo anterior, será en esta fecha la entrega de los primeros premios que se otorgarán en diversas categorías: radio, televisión, impresos y también portales significativos de internet. Obtendrán diez mil pesos, un pergamino y una medalla. El jurado será integrado por periodistas internacionales de reconocido prestigio. Los detalles están en www.comisioniberoamericanadederechoshumanos.org.

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

COSAS DE PAPÁ Y MAMÁ, CARCAJADAS AL POR MAYOR

Alfonso Paso es el autor hispano más escenificado, lo que es una garantía para ver a Jorge Ortiz de Pinedo y Susana Alexander en una de sus obras más representativas: Cosas de papá y mamá. Dejaremos constancia de que Jorge se ajusta al papel al cien por ciento, lo mismo que Susana, pues es una comediante nata: No tengo no pago de Dario Fo, Locos por elte, Instrucciones para una muerte feliz, así con Saltos de canguro, que no dejan lugar a dudas.

Sergio Zaldívar es el narrador y los hijos de ambos son interpretados por Ricardo Margalef y Daniela Luján, ¿en qué consiste la trama? Pues en la sala de espera de un médico se dan cita, para sus males, dos viejos: ella padece todo tipo de enfermedades y él, que entra después, está a punto de sentirse sin energía vital. El hijo de Ortiz de Pinedo tiene deseos de que su padre sea puntual y exacto en sus medicinas, como en la construcción de vida. Por su parte, la hija de Susana es fiel a sentirse realizada con atender a su progenitora como se merece, a cambio ella debe portarse como determine su hija. ¿Qué guisado se puede cocinar con estos elementos? Bueno, pues para empezar deberé contarle que fui al ensayo con público, así que había momentos no perfectamente trazados, que van haciendo disfrutar más cada escena, sin que se notara la improvisación.

La mucama es Gabi, la esposa de Ortíz de Pinedo. Cada uno de los actores hizo su mejor esfuerzo y dio lo que su larga experiencia sobre los escenarios le ha dejado de positivo y excitante. Sí, porque no hay nada más excitante que ver lleno el Teatro Royal Pedregal y escuchar las carcajadas desde el primer instante, en que la malicia de años permite a Jorge Ortíz de Pinedo provocarlas. Es un verdadero duelo de dos, hacemos la pregunta: ¿cuál de los dos es principal y cuál de ellos es de “soporte”?, y definitivamente decimos no hay ni para dónde hacerse: ambos cumplen el rol principal. No se la pierda, así sea del norte de la ciudad, viaje hasta el sur y véalos.

CINCUENTA PALABRAS, EN EL SAN JERONIMO AL SUR DE LA CDMX

50 palabrasNora Salinas es la deslumbrante esposa que dejará sin habla a Sergio Basáñez, en la pieza llamada Cincuenta palabras de Michael Weller. Usted puede imaginar que hay varias formas de rondar a nuestra propia mujer y claro que el personaje de Basáñez las intenta todas, pero su pareja hace lo posible por resultar insufrible, hay varios niveles de disfrutar esta historia: puede usted verla y gozar la belleza física del elenco, pensar en la psicología complicada de la mujer o ¿qué harán con el niño y su afectada psique una vez que llegue?

Es una historia complicada, basa toda su fuerza en la complicada relación de pareja, acaban de darse un fuerte agarrón amoroso, cuando de repente ella está en otro canal totalmente opuesto, a punto de darle un… pero no debo contarle la historia, sino dejarle pensando qué hacer en esa excepcional y sorprendente forma de ver la relación de pareja. No se la pierda en el San Jerónimo, antes Independencia.

ACUÑA EL DE LAURA MÉNDEZ

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1200689Uno de los milagros más grandes es sin duda el del alumbramiento y, en general, son pocos los que pueden presenciarlo. De hecho, aún las madres, figuras imprescindibles en el acontecimiento, si requieren de una cesárea o se presenta una emergencia lo viven, pero anestesiadas. Son afortunados quienes han estado cuando alguien da a luz, o bien, aquellos que han visto nacer a alguna mascota, y hasta los que sólo lo ven mediante una filmación, es un gran momento de la vida real.

Lo cierto es que todo inicio de algo bueno es motivo de alegría y celebración. ¿Te gustaría presenciar la lectura de un texto recién escrito? Para hacerlo, no necesitas ser alguien cercano a un dramaturgo, ya que a través de un nuevo programa Boris Schoemann, su equipo creativo y el Teatro La Capilla te brindan esta oportunidad.

Como sabes, el Teatro La Capilla es uno de los espacios más antiguos en la Ciudad de México, el cual fue fundado por Salvador Novo en el año de 1953 cuando convirtió en teatro una pequeña capilla de la otrora finca El Carmen. A partir del año 2001 la Compañía Los Endebles, A. C. bajo el mando de Boris Schoemann tomó las riendas del Teatro a Capilla con el propósito de continuar la labor de Salvador Novo en cuanto a presentar montajes, tanto de dramaturgos consagrados como de nuevas voces.

A la fecha el Teatro La Capilla es un referente del teatro contemporáneo, en donde confluyen puestas en escena locales, nacionales e internacionales. Allí también se imparten talleres diversos. Además, cuentan con una editorial bastante conocida y una popular Cafetería.

Entre las nuevas actividades implantadas por Boris Schoemann, actor, dramaturgo, director escénico, traductor y docente, se encuentra el programa que inicialmente fue llamado Inéditos, para luego cambiar su nombre a Irrepetibles, planeado para dar a conocer obras de reciente concepción. Para que una obra participe en este programa, el autor debe aplicar a una Convocatoria y esperar el resultado que será emitido por el Comité Seleccionador del Teatro La Capilla, integrado por Itzel Lara, Gabriela Guraieb, Daniel Bretón y Adriana Morales.

Para el período entre mayo de 2018 y marzo de 2019, el Comité Seleccionador eligió un total de once obras para ser leídas dentro del Programa Irrepetibles. El título le va muy bien, puesto que cada texto jamás será igual a como se lee por vez primera, en virtud de que los autores van dispuestos a aceptar sugerencias por parte de sus invitados especiales que fungen como sinodales, del elenco y del público en general.

El Ciclo actual de Irrepetibles comenzó con la Sesión 1, cuando el sábado 19 de mayo de 2018 se llevó a cabo la primera lectura de la obra Ulises en cuerpo presente de Eduardo Castañeda, en tanto que en la Sesión 2, sábado 6 de junio, tocó el turno a Sólo somos capuchino y yo de Tania Vázquez.P1200707

El sábado 21 de julio, en la Sesión 3 presenciamos la primera lectura de Acuña el de Laura Méndez de la autoría de Dorte Jansen.

Dorte Jansen nació en Laatzen, Distrito de Hannover, Alemania, y reside en la Ciudad de México desde hace tiempo. Tiene estudios en la Universidad Philipps de Marburgo, estado federado de Hesse, Alemania, en la Universidad Nacional Autónoma de México y en la Universidad Veracruzana de Xalapa, Veracruz.  Es una apasionada del teatro que se desempeña como dramaturga. Ha llevado a escena varios de sus textos de teatro para niños. En lo personal es una mujer jovial, estudiosa, sensible, gran observadora y siempre dispuesta a ayudar al prójimo.

Para Dorte, Acuña el de Laura Méndez implica un doble estreno, marca la primera lectura de su obra ante el público y su incursión en la dramaturgia para todo público. La sinopsis con la que Dorte describe Acuña el de Laura Méndez es la siguiente “Dos poetas: Manuel Acuña y Laura Méndez (1953-1928). El primero famoso por su Nocturno y su espectacular salida del mundo, a través del suicidio. La segunda, la escritora mexicana más destacable del siglo XIX y hasta hoy una desconocida. Acuña el de Laura Méndez contesta en tono fársico a preguntas tan elementales como: ¿de qué sirve el amor romántico?, ¿por qué las mujeres necesitan siempre a un hombre para ser felices? y ¿todos los hombres son patéticos?”.

En uno de los diversos diplomados que tomó Dorte, en el material de trabajo se encontraba parte de la obra de la poeta Laura Méndez. A Dorte le impactó su escritura y se preguntó por qué no era más conocida. A partir de esto, Dorte investigó la obra de Laura Méndez y también su vida personal. Fue así como se enteró de que la poeta había estado profundamente enamorada del reconocido Manuel Acuña. Todo esto hizo que tuviera la inspiración de escribir algo sobre la escritora que le había impactado.

Laura María Luisa Elena Méndez Lefort nació en 1953 en una enorme hacienda en Amecameca, Estado de México. Cursó estudios en el Conservatorio de Música en la Escuela de Artes y Oficios para Mujeres. Antes de que Laura cumpliera los veinte años, el poeta saltillense le dedicó un poema intitulado A Laura-Epístola y lo leyó en público. Para ese entonces, Laura ya escribía poemas y organizaba veladas literarias en su casa, al lado de su hermana Rosa. A partir de ese momento, Laura y Manuel iniciaron una relación amorosa que duraría varios años.

El poeta Manuel Acuña era brillante y sus poemas le hicieron ganar popularidad, más no ingresos. Vivía con Laura y ella estaba tan enamorada que con gusto asumía todos los gastos. En tanto que para Laura Manuel era el amor de su vida, él solía tener aventuras y no estaba dispuesto a comprometerse. Por su parte, Laura era muy productiva, además de su faceta de versificadora, era una narradora nata y publicó varios libros. Por algún tiempo se dedicó a la labor periodística y sus publicaciones aparecían en los diarios capitalinos de mayor difusión. Trabajó arduamente en educación, incluso fue comisionada para representar al gobierno mexicano en congresos sobre educación celebrados en diversos países europeos. Fundó la Revista Hispano Americana en la ciudad de San Francisco, California, E.U.A. Se dice que era quien hacía los más preciosos esbozos biográficos de personajes de su época. Atrapó la atención de gran parte de la población y aumentó las ventas del diario El mundo cuando su novela El espejo de Amarilis apareció publicada, dosificándola en 43 entregas.

En Acuña el de Laura Méndez, Dorte se enfoca en acontecimientos de la vida personal de Laura Méndez. Le da voz a Laura para describir su sentir respecto de sus amores, sobre todo, el de Manuel Acuña, a quien el espectador verá a través de los ojos de Laura. Cuando más amor sentía Laura por Manuel se dio cuenta de que estaba embarazada. Se alegró muchísimo y con entusiasmo se lo comunicó a Manuel. Lamentablemente a él no le hizo gracia alguna y lo tomó como pretexto para alejP1200711arse de Laura. Esto la devastó y tuvo que afrontar su embarazo en total desolación. Poco después, quizá con intención de restituir su honor, Laura aceptó contraer nupcias con el mejor amigo de Manuel, el periodista y poeta precursor del modernismo, Agustín Fidencio Cuenca Coba, con quien habría de procrear siete hijos.

El texto de Dorte Jansen para Acuña el de Laura Méndez es de buena estructura y capta la atención de principio a fin. Su mayor mérito es dar a conocer a la valiosa Laura Méndez, de quien José Emilio Pacheco afirmara que, para muchos, fue la mejor poeta del siglo XIX. En el mundo intelectual se reconoce la aportación literaria de Laura Méndez y más aún las aportaciones que hizo en materia pedagógica, toda vez que al aplicar teorías modernas a la práctica educativa se logró un gran avance. Es loable que Dorte rinda este homenaje a uno de los grandes valores de las letras mexicanas, sin dejar de lado que a pesar de sus sufrimientos personales, Laura continuó trabajando con ahínco y dedicación.

En la lectura de Acuña el de Laura Méndez participaron: Florencia Ríos como Laura Méndez,  Isaac Weisselberg como Manuel Acuña,  Gabriela Guraieb como la doncella de la casa de Laura Méndez y  Hasam Díaz como Agustín Cuenca. Algunos de ellos interpretaron otros personajes de menor relevancia. Todos ellos aportaron una excelente dicción y diversos matices para dar mayor emotividad al relato.

Al finalizar la reunión, la primera en tomar la palabra fue Nora Coss, la flamante ganadora del Premio Bellas Artes Juan Rulfo 2018 para Primera Novela con su Nubecita. Con voz clara y directa señaló a Dorte aquello que podría redireccionarse o mejorarse. Luego, también dieron sus recomendaciones Marianella Villa y Laura Uribe, así como algunos de los integrantes del elenco, por ejemplo, Florencia Ríos aludió a la experiencia de leer ciertos fragmentos de poemas dentro de un texto. Así mismo, personas del público externaron opiniones y, para concluir, Itzel Lara, dramaturga, integrante del Comité Seleccionador y editora de los Textos de La Capilla pronunció acertados consejos. Dorte tomó nota de todas las sugerencias y esperamos que pronto salga a la luz la versión definitiva de Acuña el de Laura Méndez y su correspondiente montaje.P1200741

La velada concluyó con un grato convivio donde todos los asistentes charlaron, tomaron té o mezcal y degustaron finas galletas.

Si quieres asistir a la Sesión 4 del Programa Irrepetibles tienes que estar al pendiente de las publicaciones del Teatro La Capilla en las redes sociales o entrar de vez en cuando a su página de internet. Es una experiencia novedosa ver nacer un texto y resulta enriquecedor escuchar en un diálogo abierto opiniones diversas al respecto.

La primera lectura de Acuña el de Laura Méndez se llevó a cabo el sábado 21 de julio de 2018 en la Sala Novo Coyoacán, Ciudad de México.

FRÁGIL (INTRASCENDENTE COREOGRAFÍA)

Por:Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Talía Falconi (Ecuador), bailarina, coreógrafa y artista escénica, según se expresa en el programa de mano, presentó una propuesta la cual a la postre resultó intrascendente, sosa, sin sentido, sin ninguna estructura. En la sinopsis se lee: “Una mujer habita tiempos vacíos y espacios sin presente…FRÁGIL -título- abre la posibilidad de explorar perspectivas distintas a partir de la acción recurrente, poniendo en juego la disyuntiva entre resistencia y punto de fractura como eje para el desarrollo y aparición de estados físicos que conducen hacia teatralidades alternas”.

 

Este larga transcripción, por si sola, invita, provoca, sin embargo, todo queda en una intención, nada, absolutamente nada, se proyecta en el escenario, todo queda a la imaginación, a medida que trascurre el tiempo, todo se desvanece, se ignora cuáles son las “teatralidades alternas”, en favor de Falconi aceptar que las “nuevas” tendencias me rebasan, mi imaginación no da para tanto.

 

La coreografía, en términos generales, parece desarrollarse a cámara lenta, la estructura dancística es muy simple, algunas muestras de flexibilidad corporal (estudió en la Escuela Nacional de Circo Annie Fratellini); cero expresividad facial. Prácticamente sin escenografía -tres sillas-; unos listones rojos, supongo deben tener alguna simbología concreta, lo cierto es que cada quien puede dilucidar lo que quiera.

 

Música en vivo a cargo de Federico Valdez (múltiples instrumentos), momentos gratos por decirlo de alguna manera, otros simplemente ruidos. Falconi emplea el video, mismo que en nada contribuye para enriquecer la escenografía, puede prescindir del mismo. El vestuario de lo más simple y una iluminación elemental.

 

Tal vez el potencial público presintió o intuyó, sólo 16 espectadores en la primera de la tres funciones programadas en el Teatro de la Danza “Guillermina Bravo”, como parte del ciclo EXPLORA TUS SENTIDOS.

 

Agosto 2018