Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

hasta la china

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Hasta la China fueron a dar mis mechas con el ventarrón, Zaide Silvia Gutiérrez

Un extraño título de once palabras hace creer que veremos un montaje larguísimo, pero no. El autor ha obtenido en su tierra el Premio Israel de Literatura en 1988, el Premio Goethe de Literatura en 2005 y, tal vez, lo más apreciado por cualquier escritor: ha sido nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura. Se puede ver en La Gruta del Helénico, desde el pasado agosto de 2017, para que usted se pregunte desde su silla: ¿para dónde nos van a llevar el autor del texto y esta actriz completísima?, bueno, pues se toman de la mano y juntos nos impulsan a una búsqueda humorística.

La vida en pareja tiene muy variados caminos, algunos los inicia hoy, otros, mañana; quizá pensó alguno la semana pasada, pero nunca dio el primer paso. ¿Por qué cierto día estuvimos de acuerdo en ir a comer, pasear o cualquier diversión prototípica? Pero otro día decidimos que no. Abrimos la puerta a una alternativa que nos lleva al momento actual que nos mueve el piso. ¿Hubiera ido con su marido a ese viaje, donde conocería a la “otra” que quizá resultó más joven, delgada, atractiva…? -en tanto la personaje se cortaba el pelo como sugiere el título-.

Para manejar un monólogo hay que tener budinera y lanzar adentro: caminatas variadas, las más bellas u horribles voces que tengamos, ritmo y cadencia (Pepe Solé dixit), imaginería en polvo y también líquida para que brille este rico panqué dramático. He visto los trabajos de Zaide, el monólogo que dirigió magistralmente: La noche justo antes de los bosques (Abraham Vallejo) quedará como una muestra de los nuevos rumbos de los trabajos individuales. Se va a reír con un tema que todos quisiéramos abordar con esa ligereza y uso de elementos. Otto Minera dirige y muy bien. ¡No se la pierda, todos los miércoles hasta diciembre!

La nena, de LEGOM

la nena

La nena es de Luis Enrique Ortiz Monasterio (LEGOM), que actúan Evangelina Martínez y Laura Castro bajo la dirección de Ómar Olvera. Lo vi en el Círculo Teatral de Alberto Estrella, Veracruz 107, Col. Condesa, y salí contento porque no lo conocía y (ellas) habían ido al programa Ciberarte, tv por Internet, así que conocía el interior (la receta), me faltaba el manjar.

Algún texto de LEGOM no me ha gustado por reiterativo, pero La Nena tiene momentos extrañamente chocantes que me gustaron, si se tratara de dar recetas de cocina diría que “trazó una línea de acción, tomó otro rumbo, usó palabras y acciones fuera de contexto (aunque de alguna forma sí podrían estar ahí) para ir interesando a alguien -porque a todos realmente está difícil-. Así que nos llevan a un viaje guiado por el pasado de madre e hija, para que sepamos que el padre era el de los tamales, quien tras cometer un delito, sale de la cárcel, pero ya es travesti; sé que no entendió nada, pues no importa, hay poca lógica en este mapa, las risas se multiplican, en tanto esas damas pobres tienen una sirviente más pobre que intentará envenenarla. Para ir por partes: las actuaciones son limpias y medidas, la bizarra escenografía me gustó, iluminación y un juego de tenis retórico, através de vocablos de múltiples interpretaciones.

La lógica no ha estado presente al escribirse ninguna de las dos obras que he reseñado, pero, como en las clases de filosofía, recordemos que se prueba también mediante decir: “lo que no es”. De alguna forma usted saldrá muerto(a) de la risa después de esas dos muestras de dialéctica posmoderna.

Andrés Roemer será nombrado embajador de buena voluntad por la UNESCO

El director de La Ciudad de las Ideas recibirá esta selecta distinción directamente de Irina Bokova, directora general de la UNESCO, el 8 de septiembre, en París. El trabajo del Dr. Roemer destaca la importancia de la economía, así como de las emociones, difíciles de medir, pero importantes en su influencia, como hace evidente en sus libros. Otros embajadores de buena voluntad han sido: Rigoberta Menchú y Monserrat Caballé. Este dramaturgo mexicano ha ganado varias preseas de la Agrupación de Periodistas Teatrales. ¡Felicidades!

LAS MISERABLES

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Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Las Reinas Chulas es la denominación de una compañía mexicana de cabaret fundada en el año de 1998 por Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, actrices egresadas del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y del Foro de Teatro Contemporáneo. Las cuatro bellas y talentosas se han dedicado a ser creadoras, gestoras y promotoras del cabaret, plataforma que utilizan para hacer crítica social a partir del humor, la sátira, la farsa y la música. Creen firmemente en la transformación social, y a través del cabaret provocan la disidencia y la reflexión sobre temas de actualidad.

En 2005 cumplieron uno de sus sueños, al tener la oportunidad de dirigir un espacio para sus espectáculos, al cual denominaron Teatro Bar El Vicio, conocido también por sus seguidores como la catedral del Cabaret en México. Desde hace 15 años organizan el Festival Internacional de Cabaret, evento que año con año causa expectación, en virtud de que se presentan los mejores grupos nacionales y extranjeros, no solo en su local, sino en otros foros. Además de sus espectáculos, Las Reinas Chulas sistematizaron y crearon una metodología para la enseñanza del cabaret, así que también imparten talleres que han sido tomados por un considerable número de actores, actrices y grupos nacionales e internacionales.

Estas bellas y talentosas mujeres han llevado sus producciones a ciudades como Nueva York, Chicago, Buenos Aires, Rosario, Sao Paulo, Bogotá, Copenhague, Madrid y Berlín, logrando ser un referente del género tanto en nuestro país como en el ámbito internacional. A lo largo de su trayectoria y con más de 70 espectáculos de cabaret originales en su haber, todos escritos, dirigidos, actuados y producidos por ellas, han recibido múltiples reconocimientos y galardones, como, por ejemplo, ser becarias del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) en programas como: México en Escena e Intérpretes de Cabaret, o el apoyo otorgado por el Fondo de Ayudas para las Artes Escénicas Iberoamericanas en el Programa IBERESCENA.

Independientemente de sus actividades artísticas, Las Reinas Chulas son el epicentro de un movimiento de artistas escénicos que dedican gran parte de su quehacer al activismo y a las causas sociales. El año pasado la Comisión de Derechos Humanos de la Ciudad de México les entregó un reconocimiento por sus iniciativas y logros en la construcción de una cultura de respeto a los derechos de las mujeres.

Ahora, Las Reinas Chulas han sido invitadas para regresar a su alma máter, la Universidad Nacional Autónoma de México, la UNAM. Desde luego, no es para estudiar, sino para presentar uno de sus espectáculos en uno de los foros del Centro Cultural Universitario. Para esta ocasión tan especial para ellas, eligieron Las miserables que, al igual que todas sus producciones, es escrita, actuada, dirigida y producida por ellas.

Por el título, podría pensarse que Las miserables está basada en la obra cumbre escrita por el político, poeta y escritor francés Víctor Hugo, y publicada en 1862, pero no es así, ya que de ésta solo tomaron el nombre, quizá para reflejar el sentir de las protagonistas por no ser tomadas en cuenta como mujeres y ciudadanas. En realidad, se inspiraron en la “Declaración de los Derechos de la Mujer y la Ciudadana” concebida en 1791 por la francesa Olympe de Gouges (1748-1793), cuyo seudónimo fue Marie Gouze, escritora, panfletista, filósofa política, feminista, abolicionista y, claramente, vanguardista. Al matrimonio lo calificaba como la “tumba de la confianza y el amor”. Varias de las obras de teatro que escribió eran en contra de la esclavitud de los negros y siempre se mantuvo firme en su lucha contra la abolición de la esclavitud, lo cual la dejó en mala posición, dado que el comercio de ultramar ocupaba un lugar preponderante en la economía francesa y su fuerza laboral estaba conformada por esclavos negros. Sus afrentas la llevaron a ser encarcelada por un tiempo. En el año de 1792 se pronunció en favor de los llamados Girondinos, diputados del departamento francés de Gironda que formaron el partido Girondino, grupo político moderado y federalista que se enfrentó violentamente al grupo de los Montañeses al principio de la Convención Nacional en Francia. Las autoridades consideraron a los Girondinos como una amenaza nacional. A Olympe de Gouges se le hizo un juicio sumario mediante el cual fue condenada y ejecutada en la guillotina.

Las Reinas Chulas ubican a Las miserables en los tiempos de la Revolución francesa pero, como en la ficción todo es posible, de vez en cuando se trasladan a su futuro, que es nuestro presente. En escena lucen enormes pelucas y están elegantemente ataviadas con vestidos largos vaporosos, encajes, cintillas, escarolas y finos adornos, o bien, más sensuales con corpiño y bloomers. Confabulan para intervenir la Carta Declaratoria del Hombre y del Ciudadano, a fin de dejar consignados iguales derechos para las mujeres. Su propósito es cambiar el destino de sus congéneres a partir del magno documento. Están dispuestas a todo. Si es preciso, lo robarán para enmendarlo.

 

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Para lograr su objetivo, proceden a ponerse de acuerdo sobre qué derechos les corresponden y las palabras que usarán para dejar la redacción clara y determinante. Mientras, igual conversan que ríen, bailan -incluso, cancán-, cantan melodías con letras poéticas o simples, como “volován/escargot/creme brulee/queso brie”, o bien, saldrán del clóset y hasta se abandonarán a la pasión. Siempre atenta a lo que hacen, está la “trabajadora del hogar”, a quien no le gusta le llamen de otra forma. Todo esto hablado dizque en francés -español con marcado acento-, uno que otro albur y salpicado con palabras altisonantes. De vez en cuando alguna referencia a temas que están en boca de todos en el México actual. En un cuadro representan uno de los sueños más acariciados de las féminas que es el derecho a votar. Hay que tomar en cuenta que es uno de los derechos que estuvo vedado para la mujer. En nuestro país, fue apenas en julio de 1955 la primera vez que una mexicana emitió su voto. Las policías Cindy y Mindy, conciudadanas nuestras, harán las delicias del espectador, pero cuidado con ellas, porque si alguien muestra mal comportamiento, podrían propinarle un garrotazo. Se proyectan videos diversos, algunos de conocidos comediantes, a modo de recalcar que la misoginia es un virus que lo invade todo: chistes, comerciales, canciones, declaraciones de algún cantante de moda, y más.

Lo único que desea cada una de las protagonistas es “ser mujer y ser feliz, con un futuro en libertad”, ¿acaso es mucho pedir?

Como siempre, Las Reinas Chulas ofrecen entretenimiento al público creando textos con base tanto en sucesos culturales como en temáticas contemporáneas y estructuran sus coloridos montajes con algo de multimedia, música, baile, canto y mucho humor. Acostumbradas al pequeño foro que tienen en su Teatro Bar El Vicio, para Las miserables tuvieron que ampliar su producción para presentarse en un teatro más grande y salieron airosas del reto, proveyéndola de la espectacularidad necesaria, sin perder la esencia que caracteriza su quehacer teatral.

El elenco está conformado por Las Reinas Chulas: Ana Francis Mor, Cecilia Sotres, Marisol Gasé y Nora Huerta, todas haciendo gala de sus dotes histriónicas, corporales y vocales. Su artista invitada es Fernanda Tapia, quien es conductora de televisión y radio -entre sus diversos galardones ostenta el de Mujer del Año en dos ocasiones 2008 y 2011-. Ha participado en varias producciones de Las Reinas Chulas. En esta oportunidad acentúa su vis cómica natural con la seriedad de su rostro. Mercedes Hernández alterna funciones con Fernanda.

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Los créditos por la dramaturgia, la dirección escénica, la escenografía y el vestuario corresponden a Las Reinas Chulas. La música original, así como los arreglos musicales son de Hernán del Riego. La música es interpretada en vivo por Yurief Nieves en el teclado. La iluminación es impartida por José Zvchilinski. La producción es de la Dirección de Teatro UNAM y Las Reinas Chulas.

Indiscutibles reinas del teatro cabaret y requetechulas, por eso son Las Reinas Chulas. Si las conoces, sabes de qué hablo y si no, ¿qué estás esperando?, te encantarán. No te pierdas Las miserables. Además de divertirte, podrás evaluar la misoginia en la que vivimos. Las Reinas Chulas, desde su trinchera, apuestan por un mundo mejor. Como espectadores, debemos apostar por lo mismo, contribuyamos con nuestro grano de arena siendo cada uno mejores seres humanos. No se trata de competencia, se trata de equidad. Todos somos seres humanos y merecemos los mismos derechos, responsabilidades y oportunidades. Igual y algún día logramos desterrar el machismo y la misoginia. Te sugiero tomar en cuenta que el éxito ha sido contundente y que el boletaje de las primeras funciones está agotado, así que apresúrate a comprar tu boleto.

Las miserables se presenta jueves y viernes a las 20:00, sábado a las 19:00, y domingo a las 18:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad Universitaria, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos, descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente. Jueves de $30.00 pesos. La temporada concluye el domingo 10 de septiembre de 2017.

LA NENA (NUEVA TEMPORADA EN EL CÍRCULO TEATRAL). DESAMOR ENTRE UNA MADRE Y UNA HIJA

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de Daniel Austria

 

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Asistir a una representación teatral es uno de mis grandes gozos; éste se incrementa cuando puedo acudir por segunda ocasión, obvio, porque me encantó la propuesta en todos los aspectos que la integran, más cuando voy como un simple espectador, esto es, olvidarme de la libreta de anotaciones, estar al pendiente de todos los aspectos con la minucia de un cirujano periodístico, reitero, simplemente en calidad de uno más de los espectadores. Es una gran experiencia, disfruto el teatro como un niño con juguete nuevo, La nena, de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM), fue un deleite basado en lo antes expresado. Comparto nuevamente con mis lectores la nota que en su momento escribí en el mes de julio, ojalá los motive a ir al Círculo Teatral.

El citado autor domina y aborda prácticamente todos los géneros, sin embargo, destaca su manejo del humor, fino pero negro, lo que produce en el espectador la ambivalencia risa-sufrimiento. En La nena, un encuentro de desamor -casi llegando al odio- entre una madre y su hija. La primera, aparentemente, padece de cáncer terminal en el hígado, a ciencia cierta no queda claro por qué la noticia se la comunica su sirvienta, además el diagnóstico procede de un doctor quien perdió su licencia décadas atrás. Un encuentro físico, un desencuentro sentimental; reproches, injurias sin piedad alguna; el alcoholismo de la madre frente a la indiferencia de la hija; frustraciones, remembranzas de hechos traumáticos. En fin, una relación, como se dice en forma coloquial, de perros y gatos.

La dirección está a cargo del joven Ómar Olvera, pulcra, acertada, un gran trazo y aprovechamiento del espacio. Compenetrado con los personajes, con su psicología; a pesar de la trama nunca los lleva a exabruptos, la clama envuelve el caos emocional. Se inclina por una escenografía realista -Pedro Pazarán-, sin embargo, todo el escenario está invadido por naranjas, ahí se altera el realismo, el simbolismo de los cítricos queda a la deriva -al menos para mí-, desde mi particular punto de vista podría prescindir de ellos, nada se modificaría y la estética se sobre pondría. Un vestuario sencillo: la madre, un camisón; la hija, ropa casual; una iluminación casi fija, no por falta de creatividad sino por las limitaciones del espacio.

Las actuaciones corren a cargo de Evangelina Martínez (la madre) y Laura Castro (la hija). Evangelina, sencillamente impresionante; la actriz le da su tiempo a esa mujer mordaz, al personaje la maldad le brota por toda la piel, su histrionismo y experiencia hacen de su participación un deleite actoral; se compenetra con el género, proyecta la amargura y, sobre todo, la soledad -más emocional que física-, logra proyectar lo anterior con una mezcla de arrepentimiento e intento de reivindicación, lo cual enriquece al personaje, solo una histrión alcanza esos niveles.

Por su parte, Laura Castro alterna con Evangelina, acorde con los requerimientos del texto, no se amedentra frente a la primera actriz, en forma natural asume la indiferencia ante su madre en forma creíble. Es grato encontrar juventud y madurez, es de esperarse que los productores le den más oportunidades.

La nena se representa en el Círculo Teatral, Veracruz 107, Col. Condesa, Ciudad de México, los lunes a las 20:30 horas, hasta el 16 de octubre.

ENTRE LA BESTIA Y UN CIELO REPLETO DE ESTRELLAS

Texto por Eugenia Galeano Inclán

 

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El presidente del país vecino ha puesto en boga el tema de los migrantes a causa de sus fuertes declaraciones, pero la historia de estos data de hace siglos. Son seres que en forma valiente optan por buscar destinos alternos para tener lo que ellos consideran un futuro prometedor. No importa la edad que tengan ni si son solteros o ya tienen una familia por la cual responsabilizarse. Algunos intentan la vía legal, pero como es casi imposible conseguir permisos para trabajar del otro lado de la frontera, no les queda otro camino que cruzar ilegalmente, lo cual tampoco es fácil porque cada vez es más costoso. Juntan todo lo que pueden, ya sea ahorrando de sus ingresos o pidiendo préstamos a familiares y conocidos, y se embarcan en su aventura. Contactan a un “pollero” -persona que se compromete a cruzarlos y por más ilusiones que lleven en su mente y corazón, no tienen ni la menor idea de cuál será su destino. En tanto que unos mueren en el intento, otros son abandonados en el extranjero o ni siquiera llegan a cruzar la frontera. Los vehículos en que los trasladan son de todo tipo, pueden ser cajas de camiones de carga, cajuelas de automóviles o el tren que coloquialmente es llamado “la bestia”. En cualquiera de estos casos, el viaje no será nada cómodo, van hacinados, les falta el oxígeno, no tienen agua para calmar la sed. Debido a que no cuentan con pasajes, suben a la bestia estando ésta en marcha -si llegan a caerse, pueden morir, herirse o quedar mutilados-. Uno no se explica cómo es que están dispuestos a correr riesgos tan graves.

Lo cierto es que miles de personas pasan al otro lado en busca de una mejor remuneración, aunque sea trabajando en los campos de cultivo, de sol a sol, o en fábricas donde igual se les explota, a sabiendas de que son indocumentados y no tienen forma de buscar defensa alguna. Al final de sus largas jornadas, no les queda más que contemplar el cielo repleto de estrellas y convencerse a sí mismos de que han tomado una buena decisión y pronto podrán ofrecer una mejor vida a sus seres queridos.

El grupo teatral In Praeséntia aborda el mundo de los migrantes en su más reciente propuesta intitulada Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas. In Praeséntia fundado en 2014 por Édgar Quevedo y Mariana Arocena, tiene como propósito conformar una plataforma de creación que les permita la experimentación, exploración e investigación en el ámbito de las artes escénicas, teatro, danza, canto, performance, entre otras.

La dramaturgia de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es de Édgar Quevedo, actor, bailarín, nacido en Ciudad de México, cursó estudios de actuación para teatro en la Universidad Veracruzana y en El Círculo Teatral. Además de Édgar Quevedo, colaboraron en la creación del montaje: Mariana Arocena -nacida en Ciudad de México, egresada de la carrera de Teatro de la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo, Uruguay-. Roberto Mauricio Chi Pisté -nacido en Mérida, Yucatán, bailarín y coreógrafo-. Sandra Galeano -nacida en Montevideo Uruguay, actriz, mimo y bailarina, egresada de la Escuela de Teatro Puerto Luna de Montevideo, Uruguay-.

Los creadores de Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas la definen como “un grito de denuncia, un repertorio de cuestionamientos a la aparente civilidad de las sociedades contemporáneas, un ejercicio para pensar la ‘otredad’ como reflejo de uno mismo. El relato principal será fragmentado constantemente por disgresiones y reflexiones sobre las condiciones en que viven y mueren miles de migrantes alrededor del mundo, así como sobre algunos acontecimientos históricos y cotidianos”.

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La anécdota versa sobre Lamia, una mujer que se siente rebasada por un vacío existencial. Ha luchado con todas sus fuerzas por conseguir lo que anhela, pero en ese camino le ha tocado sufrir tanto que considera como única opción salir por la puerta falsa. Cuando está a punto de suicidarse, pensando: “la filmación de mi vida se rebobina cuadro por cuadro”, vislumbra un nuevo horizonte. Su viejo amigo, Ernesto, llega a la ciudad para asistir a una conferencia sobre medicina forense y migración. Con este inesperado reencuentro, Lamia no solo salva su vida, sino que también conoce a Ernesto, un migrante que ha salido huyendo de su país a causa de la miseria y el abuso de poder.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas es un proyecto donde convergen teatro, danza, música y multimedia. Se basa –fundamentalmente- en las habilidades teatrales y dancísticas por parte de los intérpretes. El diseño coreográfico va de la mano con el relato. Uno a otro se complementan para retratar el sentir íntimo de todo migrante, tras los horrores que atraviesan, como engaños, abusos, cansancio, hambre, sed, agresiones, abandonos y hasta violaciones, si logran sortear la muerte. La brusquedad de las caídas, al estilo danza butoh, propician que el espectador aprecie la dimensión de los múltiples golpes que recibe esta gente en busca de mejorar sus condiciones. Siempre con la esperanza de que “mis ojos dejarán de volverse agua… mis pies dejarán de ser raíces… revisaré más los escombros de mi pasado”.

Un concepto integral que es el resultado de la estructura del texto, la coreografía, la música, las imágenes y la ejecución escénica por parte de los creadores.

Los intérpretes que vemos en escena son: Mariana Arocena, Sandra Galeano, Roberto Mauricio Chi Pisté y Édgar Quevedo. Los cuatro brindan un formidable trabajo histriónico y una impresionante corporalidad. La sincronía que logran en todas las coreografías es algo digno de verse y más aún cuando a alguno de ellos le corresponde integrarse al grupo.

El equipo creativo está conformado por: Édgar Quevedo en dramaturgia y dirección, Roberto Mauricio Chi Pisté en diseño coreográfico, Malinali Ríos Vargas en diseño de iluminación y vestuario, Alephsus Valdés en música original y diseño sonoro, Lol-Ha Gutiérrez Bárcenas en producción ejecutiva y como facilitadora, Hill Díaz en diseño y realización de audiovisuales, La Fábrica en realización de escenografía, Gerardo Farías en el diseño de las sillas, Pamela Rendón Echeverría en relaciones públicas y prensa, Sofía Dorantes es Community Manager y Daniel Olivares en fotografía.

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Composición, grabación y mezcla del tema de la obra: Alephsus Valdés. Alessia Leiré, voz principal; charango y coros: Óscar Aburto; coros: Arwen Moemi, Tania Shoung, Shadé Ríos, Víctor de León, Roberto Mauricio Chi Pisté, Sandra Galeano y Mariana Arocena; grabado en: Zelman Nochlin Estudios.

De Teatro El Milagro, José Antonio López Hernández, jefe de foro y Celso Martínez Flores, técnico. La producción es de In Praeséntia arte escénico en colaboración con Territorio Cultural, A. C., Foráneo Danza y Ehecatl Teatro.

Un original proyecto interdisciplinario, donde el elenco tiene el reto de dominar tanto la palabra como la corporalidad. En ocasiones, el espectador, por distracción, se pierde algún corto fragmento de texto, pero con la contundencia de las imágenes que ofrece In Praeséntia no existe la posibilidad de que esto ocurra. ¡No te pierdas este trabajo realizado con talento, disciplina y compromiso! Apresúrate porque la temporada es muy breve.

Entre la bestia y un cielo repleto de estrellas se presenta jueves y viernes a las 20:30, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas en El Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $250.00 pesos. Para personas con credencial vigente: $120.00. Viernes del espectador, estudiantes de teatro, maestros de teatro y vecinos de la colonia Juárez: $80.00 pesos. Reservaciones al correo: difusión@elmilagro.org.mx. La temporada concluye el domingo 9 de septiembre de 2017.

ENEMIGO DEL PUEBLO (LOS PREJUICIOS DAÑAN AL TEATRO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la Compañía Nacional de Teatro

 

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En términos generales los prejuicios no son buenos, esto se aplica al teatro, asistir predispuesto puede ser una equivocación que conlleva consecuencias nefastas, a menos que se superen durante el desarrollo o conclusión de la puesta en escena. Si debo ser honesto estaba prejuiciado al acudir a ENEMIGO DEL PUEBLO, de Henrik Ibsen, en una versión y dirección de David Gaitán. De antemano sabía que había hecho modificaciones al texto, sobre todo a la estructura dramática original. En concreto, se redujeron los personajes a tan sólo seis; se deslizan hechos que rebasan en tiempo el final del siglo XIX donde transcurre la historia, y; por último, lo más alarmante: el cambio de carácter y forma de ser del Dr. Stockmann, personaje principal, quien pasó de un hombre bonachón originalmente a un misógino, agresivo y medio desadaptado con relación a su entorno familiar y social. La gran pregunta era: ¿Ante todas estas modificaciones qué quedaba de la esencia de Ibsen en esta versión mexicana? Una segunda interrogante: ¿No era más “fácil” elaborar un nuevo texto?

 

A través de dos hermanos, los Stockmann, uno el alcalde y el otro el doctor del pueblo. El primero representa lo público, el poder, el manejo de los recursos, la manipulación, la corrupción; el segundo, el interés de la comunidad, la salud como prioridad ante lo económico. Más que un conflicto político es ético. Profundiza Gaitán en conceptos, con una visión contemporánea, tales como la democracia, la censura y la autocensura de la prensa, el bien común, los derechos humanos. Además hay un análisis sobre las consecuencias al interior de una familia. En concreto; ¿qué se debe hacer?

 

 

El conflicto se centra en un balneario. Por un lado, desde su apertura ha aportado un importante ingreso económico en beneficio del poblado, sin embargo, sus agua son tóxicas, dañinas a largo plazo para la salud. ¿Se debe alertar, cerrar y remodelar? Se convoca a una asamblea pública, ahí se determinará el destino del conflicto.

 

Gaitán, más allá de mis prejuicios, logra una gran adaptación, moderniza el tema y lo enriquece con una visión conceptual contemporánea. Hay una buena dosis de humor, de ironía, de sarcasmo, esto es, a través de la hilaridad aborda la seriedad. Lleva a los espectadores mediante un hilo conductor congruente con cada personaje, invita a la reflexión, no en forma pasiva, por el contrario, el público -una parte- participa con unas pistolitas que disparan burbujas de jabón, éstas se utilizan cuando hay un comportamiento reprobable e inmoral por parte de los protagonistas, en particular del Dr. Stockmann.

 

Como director emplea el multimedia apoyado con voz en off, fundamentalmente para instruir sobre el uso y sentido de las pistolitas. Con la colaboración del gran maestro Alejandro Luna, se presenta una escenografía sobria, sutil y elegante: un mapa del barrio de Coyoacán, reproducción de uno elaborado en 1847 por espías estadounidenses. Una formidable y creativa iluminación. Juventud y experiencia se dan cita en el mismo escenario. Gaitán con maestría embona las diferentes, más bien opuestas personalidades, sin caer en lo panfletario -sólo en el discurso moralista de la conclusión-, conjuga las ideas políticas del socialismo y psicológicas del psicoanálisis, así como un severo cuestionamiento al capitalismo. Dramaturgo-director se encuentran estéticamente para beneficio del teatro.

 

Luis Rábago y Juan Carlos Remolina excelentes, sobre todo el primero, convincente, uno de sus mejores papeles en su larga trayectoria. Los acompañan Amanda Schmels y Astrid Romo quienes dan realce a la puesta cuando se vuelven protagonistas. Antonio Rojas encarna la corrupción, el cinismo, la avaricia, la inmoralidad, ni mandado a hacer. David Calderón sin pena ni gloria.

 

Este enfrentamiento entre lo público y lo privado, cuando dos posturas son válidas por contradictorias que parezcan entre sí, bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro, se escenifican en el Teatro de las Artes (Centro Nacional de las Artes, Ciudad de México), hasta el 1 de octubre (excepto 15 y 16 de septiembre), de miércoles a viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

 

 

 

 

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Celebra 25 Aniversario el Centro Cultural Veracruzano, en Coyoacán

Es el más activo en su género, El Centro Cultural y Social Veracruzano A. C. (CCSV), mire usted: el Teatro Rafael Solana cuenta con 289 butas y ha logrado 145 producciones en su historial; tendrá para celebrar este primer cuarto de siglo a Susana Alexander con Las mujeres no tenemos llenadero, Luis Felipe Tovar: Un día particular, Mauricio Herrera con su esposa Luhana en Concierto miedo. La Dama de negro se podrá ver del 2 al 30 de octubre. Ignacio López Tarso y Manuel (Loco) Valdés y alternando con Aarón Hernán en Aeroplanos, todos los jueves.

A partir del 4 de septiembre presentarán este amplio catálogo de obras teatrales que incluyen melodrama, comedia y pieza, adecuadas para todos los gustos, edades y presupuestos. La Galería del Centro Cultural tiene programadas varias exposiciones, la más próxima es Rutas alternas de Leonor Hochschild, que abre en septiembre.

Durante el mes de octubre se podrá ver una exposición de objetos del jarocho Francisco Gabilondo Soler (Cri-Cri) en colaboración con el Polyforum Cultural Mier y Pesado de Orizaba. Incluirá cuentacuentos, ballet y música en el jardín del CCSV. El 16 de noviembre se celebra la tradicional cena de gala, en la que serán reconocidos varios veracruzanos distinguidos, como el escritor Jordi Soler, el periodista Mariano Osorio y el dramaturgo Alejandro Ricaño. Usted sabe, el Centro Cultural Veracruzano está en Miguel Ángel de Quevedo 687, Coyoacán, Ciudad de México. El CCSV es encabezado por el Dr. Julián Sánchez Cortazar, presidente del Patronato.

Zaratustra se estrenó en el Enrique Lizalde, Coyoacán

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Fue una noche de recuerdos y contrastes, actúan Alejandro Paggio, Eduardo Jiménez, Tzáitel Santini, Lucía Huacuja, Andrea Durán y Daniela Luján. Dirige Rigoberto Sarrachaga. El primer elenco en 1970 fue: Pepe Alonso, Carlos Ancira, Susana Kamini, Isela Vega, Álvaro Carcaño, entre otros, dos o tres notas comparativas. Este 2017 poco o nada se menciona al superhombre, no hay desnudos que en aquellos años les ocasionaron dolores de cabeza, la música era oriental, ahora son baladas agradables. Así que usted verá un lenguaje teatral adaptado a la época, para invitar a los jóvenes a reflexionar acerca de los símbolos, que pueden ser de buena fe, pero minutos después de que los escuchamos, empiezan las dudas: ¿qué dice que dijo?

El elenco se entrega con sinceridad al mensaje central: un juego de luces y sombras literarios para que recordemos cómo construimos a nuestros líderes; está muy bien actuada, con buen ritmo. Usted ve por las noches en la tv, hay mensajes de autoayuda que convencen, son muy buenos, ¿pero dentro de unos días, seguiremos deslumbrados o se  habrán olvidado? Este montaje 2017 de Zaratustra, de Alexandro Jodorowsky, se puede ver en Héroes del 47-122, Coyoacán, los fines de semana.

Nuevo libro de Benjamín Bernal, reestreno de Comala.com.

Luto en la familia Bernal

Luto en la familia Bernal. Fueron cuatro hermanos: Benjamín, Ignacio, Consuelo y Conchita, ésta última falleció la semana pasada; se extinguió así una generación de personajes muy interesantes, les suceden Ignacio, Juan Miguel, Conchita, Marcela y Álvaro, con sus respectivas descendencias. A ti, tía Conchita, dedico estos dos eventos.

Presenté en septiembre de 2017: La crítica teatral en México, que contiene teoría literaria-periodística-teatral y ejemplos notables. Este mes de octubre presentaré el volumen dos, lo que contiene fue publicado inicialmente en Novedades, periódico que desapareció hace 20 años. Se llama La crítica de teatro en México, volumen dos, el cual contiene un ensayo histórico, mis críticas teatrales y entrevistas a celebridades.

Estrené hace un año Comala.com (comedia fársica) con el grupo Toputshi y dirección de Noé Nolasco; este año estará todos los miércoles de octubre en el Foro Contigo América, Arizona 156, col. Nápoles, a las 20:00 horas. ¡No falten, se van a reír!

INSTINTO (CORRER POR NUESTRA VIDA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen tomada de la página de Facebook de Bárbara Colio, autora y directora

InstintoBárbara Colio, una de las mujeres más activas y comprometidas con el quehacer teatral, nos adentra en una de las múltiples visiones de lo qué es el instinto, inclusive el concepto varía mucho si lo enfocamos desde la perspectiva de los humanos o de los animales. Una mujer cuida a su bebé por amor, una hembra de la fauna por instinto. En términos simples, el instinto es el estímulo interior que determina una acción dirigida a la conservación; es un sentimiento o actitud que obedece a una razón profunda pero no consciente para quien la realiza. La perspectiva de Bárbara parte de lo que acontece en nuestro entorno social, como las clases económicas, el grado de educación, el deterioro cultural… esto nos lleva, por instinto, a “Solo, correr por la vida”. Drástico pero respetable.

Cuatro desconocidos padecen una noche de insomnio. Cuatro personajes quienes en principio no tienen nada en común por más que se le busque: una corredora de bolsa, prepotente a más no poder; un fotógrafo, la imagen es su razón de existir; una mesera, sin más oficio que atender a los comensales, y un albañil, rarámuri, más ingenuo e inocente que la inocencia misma y honrado. El punto de encuentro, por increíble que parezca, una tienda de autoservicio. La primera con la prioridad de adquirir buen vino y queso; el segundo, llevarle alimento a su perro; la tercera, allegarse una gran caja de jabón y, por último, el rarámuri obsesionado con solo adquirir cinco rebanadas de un paquete de pan integral.

Cada uno de ellos, poco a poco, dejan ver (al público y a sí mismos) su formas de ser (pensar), sus prioridades, sus conceptos sobre el prójimo y, tal vez, su análisis del entorno social donde se desenvuelven. Bárbara, por fortuna y su talento, no cae en el panfleto o estudio sociológico, conocedora del teatro ha escrito un texto que conlleva a la reflexión, asume las “reglas” dramáticas. Hay una peculiaridad, los personajes antes mencionados se desdoblan, se transforman en una familia (padre, madre e hijos), degustan una cena y profundizan, fundamentalmente, pero no en forma tan obvia, sobre el instinto. Lo anterior enriquece, le da un atractivo más, la posibilidad de compenetrarse con el espectador o por instinto salir corriendo.

Bárbara es versátil, esto le permite asumir la dirección del texto. El momento de transición de los personajes es sutil, artístico, sin exabruptos, lo cual representa un reto para el público, un distraído se perderá el sentido del desdoblamiento. Un ritmo excelente, parece contradictorio pero no hay necesidad de correr. Junto con Mario Marín del Río, se sugiere el supermercado, mediante una estructura en alto, objetos propios de tal lugar en una cantidad mínima, un espacio al fondo, fuera del establecimiento, lamentablemente invisible para la gente ubicada en las butacas laterales. Matías Gorlero -iluminador- vuelve a constatar ser un pilar creando atmósferas.

Nailea Norvind, Harif Ovalle, Francesca Guillén y Tizoc Arroyo al nivel de las exigencias dramáticas, temáticas y psicológicas de los heterogéneos personajes, dan unidad y fuerza al texto en el escenario. Nailea cada día mejor, ya es parte del teatro de arte; Harif no necesita mayor comentario, posee talento y una larga trayectoria que lo avalan. Francesca y Tizoc enaltecen el trabajo de conjunto.

Lamentablemente mi ausencia de los teatros -por cuestiones de salud- me obligó a asistir cuando la temporada está por concluir, aún así hay que correr por Institnto al teatro El Galeón (Ciudad de México), los jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, hasta el 10 de septiembre.

POR NO (MICROTEATRO MÉXICO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Microteatro México acaba de arrancar su vigésima octava edición. Se dice fácil, pero no lo es. Microteatro México fue la primera que adoptó el concepto Microteatro creado en España el año 2009 por Miguel Alcantud, director de cine, teatro y televisión. Años después, continúa siendo la primera no solo por orden cronológico sino porque los demás espacios que han acatado el concepto no han logrado alcanzar la calidad de Microteatro México.

El éxito de Microteatro México es incuestionable. Día con día tiene más seguidores.  Para muestra basta un botón: En la función especial que llevaron a cabo para dar el banderazo a la actual edición intitulada Por no, una verdadera multitud se dio cita para ver a las celebridades que desfilarían por la alfombra. Destacadas personalidades de la farándula fungieron como padrinos de las obras que se presentan en la vigésima octava edición.

Esta destacada posición ha sido lograda a través del tiempo por Alejandra Guevara y Andrea Novelo, quienes comandan Microteatro México. Ambas mujeres son bellas, talentosas, creativas e incansables trabajadoras. Han puesto alma, piel y corazón en el proyecto, dedicándole todo el tiempo y esfuerzo que se requiera y le entran a todo.  Igual son productoras, directoras, constructoras, pintoras, vestuaristas, iluminadoras o lo que haga falta, a fin de tener todos los elementos más que listos para cada estreno, aún dejando de lado sueño o comidas. Son realmente admirables.

Desde el inicio del proyecto y hasta la fecha han sido y continúan siendo amables y cálidas con cuanta persona entra a Microteatro México, sin importar si son productores, directores, actores, técnicos, espectadores o reporteros. A quienes presentan sus obras les permiten subirse al barco y les brindan el apoyo que requieran, haciéndolos sentir como en casa. Igual a la prensa. Nos otorgan toda clase de facilidades para la realización de nuestro trabajo. Son encantadoras y hacen que para toda la gente sea un verdadero placer llegar a Microteatro México.

Al público lo orientan sobre las obras que hay en cartelera y les informan de las promociones a las que pueden tener acceso. Los horarios siempre son respetados y mientras se espera para ver las obras, la gente puede degustar golosinas o deliciosos bocadillos elaborados con ingredientes frescos y de primera calidad, o bien, tomarse aromático café, cervezas o vinos nacionales e importados, refrescos o aguas frescas recién preparadas.

En esta ocasión no se sigue una temática definida, en virtud de que Por no tiene infinitas posibilidades. Echa a volar tu imaginación y piensa cómo usarías Por no en una frase. Podría ser Por no haber hecho algo, Por no hacerlo, Por no estar en un lugar, Por no hacer caso, incluso el apócope que se utiliza coloquialmente para las películas subidas de tono. Los dramaturgos tuvieron mucha tela de dónde cortar jugando con las palabras Por no.

La cartelera va en aumento en cada edición. Al principio ofrecían 13 obras, más las dedicadas a los niños. Posteriormente, agregaron una sección de Debut que en la presente edición cambia su nombre a Intro, por considerar que es más consistente hablar de introducción que de debutantes. Lo bueno es que, como siempre, hay obras para todos los gustos. Así mismo, hay Miércoles de cine, Espectáculos de stand-up o Comediantes, Viernes de baile, talleres y pronto habrá Tienda en línea.

En la vigésima octava edición de Microteatro México-Por no, se presentan las siguientes obras: Sexo en grupo en la sala 1; ¿Y por qué no? en la sala 2; Sincero e incondicional en la sala 3; ¡Oh sí, sí! en la sala 4; Ser guapo no es fácil en la sala 5;  Pecador Porno en la sala 6; 15 segundos en la sala 7; Un buen día para volar en la sala 8; El casting en la sala 9; Deseo en la sala 10; Por no hacerme caso en la sala 11; Las delgadas paredes del feminista contemporáneo en la sala 12, y No quiero a nadie en la sala 13. En Intro, se presentan: Basura y No corras al altar.

Para niños: Di que no,  Black & white,  Fafner el dragón,  Mi amigo el trabajador social  y En las nubes.

A continuación, la microreseña de algunas de las obras que se presentan en la temporada Por no.

P1160755-SINC.INC(9)Sala 3, Sincero e incondicional. Escrita por Samuel González, bajo la dirección de Jorge Maldonado. Mediante un texto de buena estructura, Samuel nos narra la historia de una madre y un hijo que acaban de sufrir una gran pérdida. El jefe de familia acaba de fallecer. Aunque se siente abatida por el dolor, la madre sabe que debe seguir con su vida normal, haciendo la limpieza, cocinando y encargándose de las labores cotidianas.  Mientras está a solas da rienda suelta al dolor y llora desconsolada, pero, como buena madre, se hace la fuerte frente a su hijo, ocultando su pena, con tal de levantarle el ánimo y que entre ambos logren superar el duelo. Ella tiene la firme creencia de que solo las madres pueden brindar un amor sincero e incondicional. ¿Ustedes qué opinan?  ¿debe una madre aceptar todo por un hijo? o ¿existen ciertos límites? La madre es encarnada por Beatriz Luna, una actriz muy comprometida que siempre se adentra a fondo en sus personajes y los dota de una amplia gama de emociones. En tanto que el hijo es Samuel González, el propio autor. Ambos ofrecen una formidable labor histriónica y corporal, haciendo que sus interpretaciones sean inolvidables.

La labor de dirección por parte de Jorge Maldonado es acertada; crea el suspenso adecuado y mantiene buen ritmo. La escenografía es realista e ingeniosa -una cocina tradicional, cuyas dimensiones son distintas-. También participan en Sincero e incondicional: Yatzi Blonde como asistente de dirección y producción, Andy Candi como coordinadora de producción, Melanie Borgez en relaciones públicas, y Alejandro Vera en diseño. La producción es de SY.GB Producciones.

Sala 8, Un buen día para volar. De la autoría de Juan Carlos Araujo Boyce, bajo la dirección de Aleyda Gallardo. Juan Carlos Araujo Boyce está íntegramente dedicado al teatro, no solo como dramaturgo y escribiendo reseñas, sino también como productor a través de su compañía Araujillo Producciones, de la cual es cofundador junto con Ricardo Castillo Cuevas. En sus textos, Juan Carlos -con su fina pluma- suele abordar temas muy humanos y una de sus características es que toca fibras sensibles en el espectador. El relato de Un buen día para volar se ubica en un campo militar, donde dos, un general y un soldado, están hartos de todo lo que han padecido durante la guerra. Lo único que anhelan es que ésta termine. Su único escape es conversar sobre lo que harían si recuperaran sP1160696-UBDPV(10)u libertad, si pudieran regresar al lado de sus seres queridos. El soldado está construyendo una máquina con la intención de que puedan escapar en ese mamotreto, solo tendrán que esperar Un buen día para volar.

Entrañables interpretaciones que ofrecen Ulises Iturbe (el general) y Antonio Zacruz (el soldado). Su histrionismo y corporalidad son más que convincentes. Alternan funciones: Antonio Monroi e Isaac Weisselberg.

La dirección por parte de la primera actriz Aleyda Gallardo es impecable; la sensibilidad de Aleyda traduce a lenguaje teatral el entrañable texto de Juan Carlos, su trazo escénico es idóneo y el ritmo preciso. Mención especial merece la producción, en virtud de que se cuida hasta el más mínimo de los detalles en cuanto a entorno, vestuario, accesorios, utilería y elementos escenográficos. Ricardo Castillo Cuevas es el productor ejecutivo y el community manager. La bien impartida iluminación a base de penumbras es de Isaac Weisselberg. Complementan el equipo: Lilian Alzate en relaciones públicas y Jonathan Persan en diseño gráfico. La producción es de Araujillo Producciones.

Sala 10, Deseo. Escrita por Juan Manuel Torreblanca, bajo la dirección de Héctor Berzunza. En Deseo, Juan Manuel Torreblanca capta un tema actual: el Internet. Hay quienes lo utilizan para negocios, a fin de que les llueva dinero, en tanto que otros lo usan para fines románticos. Uno no alcanza a comprender lo rápido que viajan los deseos, las ilusiones y las fantasías a través del espacio cibernético. Es tan fácil presentarse bajo un perfil inventado, decir mentiras, engatusar o defraudar y, lo triste es que personas ingenuas se convierten en víctimas. A pesar de las alertas de peligro por parte de las autoridades que ya han tenido que crear una policía cibernética, o bien, por parte de los mayores, los jóvenes continúan siendo confiados. Los personajes de Deseo son tres: Una jovencita que se considera precoz y anhela ser una mujer fatal. Según ella, encontrará el amor, para lo cual se disfraza con pelucas, publica fotografías con ropa atrevida y dice ser liberada. Un joven que falsea un poco su información, quiere que se le considere mP1160740-DESEO(29)ás importante y adinerado de lo que es.  Finalmente, otro que de plano solo intenta sacar provecho.  ¿Quieres saber qué sucede en Deseo? Tienes una cita en la sala 10.

Estupenda labor histriónica y corporal por parte del elenco (alternando funciones)  Leonora Cohen, Ernesto del Cañal, Diego Garza, Jonathan Persan, Abraham Jurado y  Maite Piña. Nos tocó ver a Leonora Cohen, quien da vida a la chica en forma muy acertada, además de la buena interpretación, su bello rostro y la ternura que emana de sus ojos resultan ideales para el personaje.

El texto de Juan Manuel Torreblanca es de buena estructura e interesante. El destacado actor Héctor Berzunza, quien es prácticamente de casa en Microteatro México, toda vez que ha participado en muchas puestas en escena desde su apertura, es quien dirige el montaje. La labor de dirección por parte de Héctor es formidable.  Enmarca bien el texto, dimensiona el espacio y logra buen ritmo. Los demás integrantes del equipo son: María José Caballero en asistencia de producción, Ana Karen Orozco en escenografía e iluminación, y Jorge Medina en ilustración y diseño gráfico.

No te pierdas Por no en Microteatro México. Recuerda que debes apresurarte porque las temporadas son cortas. Hay obras para todos los gustos. Obtendrás entretenimiento, mientras te conmueves, reflexionas, te asombras, o simplemente, te ríes. Podrás ver tantas obras como quieras o visitar Microteatro México en varias ocasiones para abarcar toda la cartelera.

Las micro obras se presentan en la sede de Microteatro México, ubicada en Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México. Las matinés de Microteatro infantil es sábados y domingos, de 12:00 a 15:00 horas. Los costos son. Una micro obra por $70.00, Combo de tres micro obras por $180.00, y Abono general a $1,300.00 (20 obras a $65.00 cada una). Tu compra incluye una micro bebida de degustación. La edición Por no es en agosto/septiembre de 2017. Descuentos acostumbrados con credencial. Los boletos se venden en taquilla y en atrapalo.com.mx.

LAS MISERABLES (¡LAS REINAS CHULAS EN EL FORO SOR JUANA!)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página del grupo en Facebook

Reinas chulasEl Foro Sor Juana Inés de la Cruz, ubicado en el conjunto del Centro Cultural Universitario (CCU), de la UNAM, ha sido sede de grandes montajes, de búsqueda, de teatro experimental, enaltecedores del quehacer escénico. Ha albergado a los mejores directores, actores, escenógrafos, iluminadores, musializadores… tanto consagrados como a jóvenes quienes a la postre han enriquecido el arte escénico.

Es un símbolo para los teatristas y teatrófilos, un lugar obligado, para los creadores un espacio anhelado. Ha convocado textos nacionales y universales. Es “camaleónico”, cada vez que uno lo visita el primer aspecto a admirar es cómo será la disposición de la escenografía, cuántos de los niveles serán empleados por el director, cuál será el desplazamiento del elenco, cómo y dónde será ubicado el público y, ante todo, casi segura la garantía de propuestas de excelente calidad estética y artística, de salir satisfecho, con gozo y deseo de volver.

Ahora bajo la Coordinación de Difusión Cultural de Jorge Volpi, nos llevamos la sorpresa de la presentación del grupo Las reinas chulas. Exitoso en su género de cabaret o autodenominado “carpa contemporánea”. Operan la sede de El Vicio (Coyoacán), donde se presentan sketches, cantantes, cuenta chistes, espectáculos que pretenden ser teatro con producciones pobres que, en general, dejan mucho que desear y un largo etcétera… Posee un público cautivo, el cual además de reír, la hilaridad es una de las ofertas, puede consumir bebidas alcohólicas y alimentos de elaboración sencilla. Un lugar con una gran tradición en su estilo.

Regresando al Foro Sor Juana, a reserva que me tilden de conservador y miope con relación a diversas manifestaciones, es una afrenta la presentación de espectáculos con las características de Las miserables, de creación y dirección colectiva por parte de las integrantes de la agrupación en cuestión, Ana Francis Mor es la cabeza, ha resultado una gran empresaria, a quien -por cierto- considero una excelente directora del teatro, bien o mal, clasificado como de arte. El cabaret nos la robó, a nadie se le puede pedir cierre o abandone una mina de oro.

El montaje en cuestión es plenamente feminista, a más no poder, mujeres tratando de reivindicar sus derechos frente a los hombres en general, ante los legisladores y gobernantes en particular. Asistí con la expectativa de que Ana Francis y compañía partieran de la obra de Víctor Hugo, nada que ver, abunda el albur y recurrencia de las groserías. Ubican la trama entre los siglos XVII y XVIII, sin embargo, se adelantan en el tiempo y abordan hechos contemporáneos, al menos los sugieren, inclusive hacen referencia a Peña Nieto (Rey Luis Enrique XVI) y a Mancera. Cuestionan la religión –“ser católico es una traición”– y sueñan, en ese ir y venir entre el pasado y el futuro, en que a la postre el hombre y la mujer serán iguales en derechos.

Hay que reconocerles a Las reinas chulas su producción, se esmeraron en la escenografía, música en vivo (piano), multimedia con imágenes de conocidos cómicos contando, eso sí, chistes pésimos; un vestuario en el que invirtieron mucho dinero. Cantos, bailes (can-can) e improvisación. Sorprende el debut, al menos su aparición, de la conductora de televisión Fernanda Tapia, quien en el escenario no tiene cabida, parece payaso en el sentido peyorativo. El resto del grupo son Cecilia Sotres, Marisol Gasé, Nora Huerta y la propia Ana Francis. Todas bien en este rubro del cabaret que dominan sin discusión alguna.

Las miserables se presenta en el foro ya citado de la UNAM, hasta el 10 de septiembre, los jueves y viernes a las 20:00, sábados 17:00 y domingos 18:00 horas.

HASTA LA CHINA FUERON A DAR MIS MECHAS CON EL VENTARRÓN (RECUENTO, DUDAS, SOSPECHAS, CONFESIONES)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de la actriz Zaide Silva

Hasta la china...Amos Oz, es llevado a escena a través de un monólogo cargado de humor blanco -al menos en la traducción al español- bajo el larguísimo título Hasta la China fueron a dar mis mechas con el ventarrón. El dramaturgo israelita -además novelista y periodista- llega al escenario mexicano precedido de varios importantes galardones como el Premio Israel de Literatura (1988), Premio Goethe de Literatura (2005) y, tal vez lo más relevante, nominado varias veces al Premio Nobel de Literatura.

Ante tales antecedentes no estaría fuera de razón pensar en un acercamiento a su dramaturgia mediante un texto denso, complicado, inmerso en abstracciones filosóficas, metáforas, analogías. Todo lo contrario, un monólogo ágil, ameno, con varios momentos de hilaridad. Basado en el acontecer cotidiano de una mujer, Antonia, dejada o abandonada por su infiel esposo. En el fondo la protagonista nos lleva por un recuento de su intrascendente vida doméstica y sexual; la invaden las dudas, sospechas, confesiones, atrevimientos. La obsesiona por qué la abandono su cónyuge, si la amante de éste es más joven, si es delgada… todo lo que su imaginación y, sobre todo, su inseguridad puedan invadir su mente. Oz en realidad no profundiza en una disertación de carácter psicológico, es la vida de cualquier mujer en sus condiciones de ama de casa y objeto sexual. El susodicho le había propuesto lo acompañara a un viaje, ella se negó, se fue al salón de belleza a cortarse el cabello, en forma simultánea iniciaba su soledad. Claro, finge para sí misma que todo le importa poco, “de nada me sirve de quién se enamoró”. Si bien no tiene nada de malo vivir sola, Oz en forma sutil nos hace ver que ese estado se puede volver un tormento, no es fácil de asimilar. Una dramaturgia sencilla para tratar un tema complicado, el humor sirve de catarsis, por llamarlo así, el tratamiento hace digerible lo que podría indigestar a cualquier espectador.

Antonia se personifica en escena a través de Zaide Silvia Gutiérrez, actriz de primer nivel, con una capacidad actoral indiscutible; domina el monólogo, el personaje se desenvuelve en una dualidad: su mente sufre una pena, su cuerpo da la sensación de alegría, abandono por la libertad. Lo anterior Zaide lo concreta en forma digna de alabanza. Por cierto, comentario al margen, parece que nuestra actriz siente afinidad por el tema y el monólogo, recuerdo -si la memoria no me traiciona- que en 1994, bajo la dirección de Margarita Isabel, interpretó La mujer sola, de Darío Fo y Franka Rame, temática similar, no igual, en su esencia. En fin, da gusto verla y nos permita reconocerla y admirarla.

Otto Minera es el responsable de la dirección. Trazo idóneo, el movimiento corporal en varias ocasiones es coreográfico, las manos hablan, refuerzan las palabras. Jorge Kuri diseñó la escenografía, un espacio sugerente, la casa de Antonia, minimalista, poca utilería, todo queda bajo la responsabilidad de Zaira.

Hasta la China fueron a dar mis mechas con el ventarrón, por cierto, con tan largo título llama la atención que la puesta transcurra en escasos 60 minutos en el Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), los miércoles a las 20:30 horas, hasta el 13 de diciembre.