Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 Resumen del teatro mexicano 2018, en su totalidad y brillantez

Resumen 2018, año de musicales

Esto de los recuentos deja fuera algún amigo que sin querer no anotamos: Los Miserables siguen gustando mucho en el teatro Telcel. Cats sirve para inaugurar el Teatro Centenario Coyoacán, es un trabajo que con Yuri, Natalia Sosa o Rocío Banquells sigue teniendo taquilla. Jack el destripador estuvo en el Centro Cultural Uno, con Diego Domingo y Lucía Madariaga; se merecía una más larga temporada, pero así son las cosas.

Vaselina está integrada por Sol Madrigal y Carlos Fonseca, María Elisa Gallegos, Moisés Araiza, Jimena Cornejo, Jerry Velázquez, entre otros. El trabajo es diferente y sigue gustando al respetable. La puede ver en el San Rafael. El Beso de la Mujer Araña, permite disfrutar de este musical, digamos serio, con Chantal Andere, muy guapa y ¡qué vestidos¡, Olivia Bucio es la mamá de Molina, Crisanta Gómez, Luis Gatica (el perverso jefe de los guardias), Rogelio Suárez (Molina), Jorge Gallegos (excelente en su rol de agitador izquierdista), Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida (perverso guardián); gusta mucho al público y debe usted verla porque ya se va de la cartelera. Se puede disfrutar en el Teatro Hidalgo.

Sweeney Todd es un musical de pequeño formato que estuvo en Coyoacán y gustó mucho, estaban: Lupita Sandoval y Beto Torres en los papeles protagónicos, acompañados por Eduardo Ibarra, Mario Beller, Alejandra Desiderio, Sonia Monroy, entre otros. Gustó por la sinceridad del elenco: obviamente, trataba del famoso filme en que las galletas son muy ricas pues tienen algo de seres humanos. Hello Dolly, Daniela Romo interpreta a la casamentera más famosa del mundo: Jesús Ochoa no canta nada, pero ni falta le hace, porque tararea muy bien. Mauricio Salas, Luja Duhart, Jesús Zabala, Marisol del Olmo y Gloria Aura ayudan al brillante resultado, que podemos ver en el Insurgentes, bajo la producción de Morris Gilbert y Tina Galindo.

Forever Young,  Lisset, Maria Filippini, Beto Torres, Alicia Paola, José Daniel Figueroa, y Claudio Espíndola dan vida a unos viejecitos que se burlan de la enfermera y le hacen todo tipo de travesuras. Es una excelente forma de reflexionar que algún día estaremos pachuchos y ¿qué vamos a hacer? Aquí dejamos el recuento de musicales, aunque estoy seguro que dejo algunas fuera. Si alguna comedia musical me faltara, en la siguiente columna lo consignaré. Pero quiero aprovechar el espacio para dejar constancia que La obra que sale mal está en un nivel de comicidad poco frecuente en México, por lo que con Irene Azuela o Claudia Álvarez se puede reír enormidades, estuvo en el Helénico. Y que Atracción fatal está en el López Tarso, con Itatí Cantoral; está totalmente madura la obra. Digo que “Año de Crisis, año de musicales”. Falta mucho por analizar ¡hubo casi 500 montajes¡ grandes, medianos y pequeños.

Continuemos con el Resumen 2018

Sin duda, el acontecimiento del año fue el fallecimiento de Fela Fábregas, a quien todos brindamos un largo recuerdo al lado de Manolo, su inolvidable esposo. Rogelio Guerra, el Águila Real para hablar de telenovelas, fue otro de los muy estimados y queridos en la comunidad teatral, al lado de María Rubio, con su inolvidable personaje Catalina Creel. Continuaremos el recuento en la siguiente columna.

La sociedad de los poetas muertos, sin duda es una de las obras que pasará a la historia; Alfonso Herrera fue el atractivo; Atracción fatal no deja duda sobre su calidad, sobre todo de Itatí Cantoral, con Juan Diego Covarrubias y Fabiola Guajardo encabezando el proyecto. La obra que sale mal con dos temporadas se constituye como un referente de la alta comedia, con Claudia Álvarez a la cabeza. Dogville, también en el Helénico tuvo jalón con el público, a pesar de que es larga y tiene algunos defectillos de sincronización.

Después de Casa de muñecas, es un experimento que más o menos jaló: permitió lucirse a Cecilia Suárez, Bety Moreno y Juan Carlos Colombo, a pesar del texto que no me convenció. La señora presidenta tuvo su jalón, me pareció que el chiste político era excesivo, por lo oportunista, al conocerse el ganador bajó el interés, tuvo a Héctor Suárez al frente. Como fue el caso también de El privilegio de mandar con Eduardo España, Pierre Angelo, Héctor Sandarti, Dalilah Polanco, Claudio Herrera, Alfonso Villalpando y Christián Ahumada, al pasar las elecciones se fue, aunque todavía le quedaba aire.

Lo mejor y lo peor del teatro en México del año 2018

Los tres mosqueteros del rey hace las delicias del público, no se imaginaban que los cuatro actores son grandes comediantes: Héctor Bonilla, Pato Castillo, Alejandro Camacho y Pablo Valentín hacen una comedia fuera de serie. Viudas, casadas y desesperadas hizo una temporada larga con Luz María Aguilar, Norma Lazareno, Pedro Prieto, Raquel Pankoswky y Maribel Fernández, no paraba de reír el día que estuve. Las arpias con Lorena Velázquez, Zoraida Gómez, Ana Patricia Rojo, Sherlyn, Jacqueline Andere, entre otras, permitieron divertirnos en grande.

El sueño de la mantarraya, que se pudo ver en el Granero, Yanga de Jaime Chabaud permite visualizar favorablemente la dirección de Alicia Martínez; La ópera del sufrimiento da la oportunidad de aplaudir al final, ¿a cuál de las tres consideramos ser el personaje más interesante? Debiera haber obispas es un trabajo que permite ver en su teatro la obra de Rafael Solana, que sirvió para celebrar cien años de su nacimiento con Susana Alexander y Roberto Damico al frente de la producción. En ese mismo lugar estuvo Sí mi amor, lo que tu digas con Adriana Llabrés, Alejandro Sandí, Carla Medina, Christopher Pascal, entre otros talentosos jóvenes. En la Teatrería estuvo Requiem con Ludwika Paleta y Hernán Mendoza, buen trabajo… pero, se me acaba el espacio. ¡Feliz año 2019!

Resumen del año teatral III (último)

Barataria fue un experimento teatral valioso, no tanto por el tema político (hubo multitud de obras con ese contenido) sino, por la forma, contenidos, elenco, ojalá se conserve el formato para remontarla, actualizando la narraturgia. Susana Zavaleta dio vida a una obra de Dario Fo, Tengamos el sexo en paz, que permitió ver a José Roberto Pisano, realmente cumpliendo la misión de educar-riendo. Privacidad fue una obra que extrañamente interesó al público: hablaba de las redes sociales y su mala influencia, tal vez fue por la presencia de Diego Luna. Otras que han hablado de las redes no han jalado al respetable. Recuerdo a vuela pluma Agonía y extasis con Fernando Dosal, que no logró atraer público.

Pequeñas infidelidades es una obra de pequeño formato que sirvió para que se luciece Ángeles Marín al lado de Luis Cárdenas White, la vi en la Teatrería. Last manstandig es un montaje boxístico que cumple con la vocación de David Psalmon de hacer pensar al público sobre ese mundo del que se sospecha que hay corrupción. Terror de Ana Graham: el público ama al controversial Sergio Zurita, bajo la dirección de Antonio Vega. A 8 columnas es un montaje de comedia costumbrista de Salvador Novo, con la presencia de Luis Miguel Lombana, Sophie Alexander Katz, Alondra Hidalgo, Pedro de Tavira, Arnoldo Picazzo y Jerónimo Best, dirigidos todos por Fernando Bonilla.

Red Black & Silver fue una obra que habló de Jackson Pollock, monólogo ayudado por video y juguetes, que permitió ver a Alain Kerriou. Amor es más laberinto en el Julio Castillo permitió ver brillar a Zaide Silvia Gutiérrez, a quien vimos en una lectura de La historia del soldado en Bellas Artes, sólida como siempre.

La lucha con el ángel permitió ver un foro nuevo La Nabe, con un texto de Ibargüengoitia: buen desempeño de Aurea Palma, Andrea de la Rosa, Isaid Pelayo, entre otros. La insoportable levedad del pop que comandó Richard Viqueira, permitió ver a Valentina Garibay, Rocío Damián, Jenifer Sierra y Ángel Luna trabajar esta vez sin riesgos, pues no hay más peligro que una actriz lanzarse de espaldas al público. Finalmente, cerré el año viendo Los baños en Bellas Artes, que como su nombre indica, se cumple la acción en los amplios sanitarios del máximo palacio del arte en México; Ana Graham, Alejandro Guerrero, Hernán Mendoza, Maricarmen Núñez, Arturo Ríos, Tania Ruíz y Antonio Vega fueron el elenco de verdadero lujo que podemos disfrutar.

Fue un año con características muy propias en que se enseñorearon los musicales: Vaselina, Hello Dolly, Cats (ya los mencioné todos en la primera entrega), sólo El Beso de la Mujer Araña salió precipitadamente de cartelera por la renegociación con los franquiciatarios. En la primera versión de El Beso… de Zurita-Bach se negociaba el TLC y resultó mal, ahora, en esta segunda ocasión, parece que les vuelve a afectar la firma del T-MEC, ¡que mala suerte caramba! Con algunos tropezones, el teatro de cámara siguió adelante, caro, mediano y barato. ¡Felicidades a todos!

EL BESO DE LA MUJER ARAÑA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Terrence McNally nacido en San Petersburgo, estado de Florida, Estados Unidos de Norteamérica, se ha desempeñado como reportero periodístico, dramaturgo, libretista, guionista, orador y conferencista. Se dio a conocer a la edad de 25 años con su primer éxito en comedia musical. A partir de entonces, los triunfos se han sucedido, cosechando importantes premios y galardones, entre los cuales se encuentran varios Premios Tony, los más codiciados en la industria teatral norteamericana, así como un Premio Emmy, dos becas Guggenheim, una beca Rockefeller, cuatro premios Drama Desk, dos premios Lucille Lortel, dos premios Obie, tres premios Hull-Warriner, una cita de la Academia Americana de Artes y Letras, dos Premios a Trayectoria de toda una vida -uno otorgado por el Gremio de Dramaturgos y el otro por parte del grupo Lucille Lortel-, sólo por citar los más destacados. Con una trayectoria de seis décadas, es considerado uno de los mejores dramaturgos contemporáneos y se le describe como dramaturgo notable y perdurable. La obra de McNally se centra en las dificultades de la imperiosa necesidad de conectarse con otro ser humano. McNally considera que la función primordial del teatro es crear comunidades mediante puentes que subsanen las grietas que se han abierto entre las personas a causa de religión, raza o género y, en particular, por orientación sexual.

Entre sus múltiples exitosas producciones, en 1990 estrenó El beso de la mujer araña (Kiss of the spider woman), cuyo libreto escribió con base en la novela homónima del argentino Manuel Puig. Por esta obra Terrence McNally se hizo merecedor al Premio Tony por mejor libreto para un musical. El beso de la mujer araña se ha presentado en diversas partes del mundo y se ha convertido en uno de los montajes más emblemáticos del destacado dramaturgo.

A finales de los años 90, la compañía formada por Humberto Zurita y Christián Bach realizó el primer montaje de El beso de la mujer araña en nuestro país. A mediados del año que acaba de terminar, el productor Juan Torres decidió traerla de nuevo a escena con un gran elenco conformado por una veintena de actores, actrices y bailarines, y una decena de músicos.

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El texto de El beso de la mujer araña capta la atención desde el primer instante hasta el final. El relato recorre una amplia gama de emociones y aborda temas como injusticia, represión, amor, ilusión, amistad, esperanza, lealtad, solidaridad, compañerismo, diversidad. Si bien la base es dramática, ya que ocurre dentro de una prisión, también hay momentos divertidos.

La acción comienza cuando Valentín ingresa a la cárcel como preso político y es alojado en la celda de Molina, que es homosexual. Molina le da la bienvenida amablemente, pero el recién llegado no quiere conversar con él y opta por ignorarlo. Los dos hombres son muy distintos. Molina es amanerado, Valentín es muy viril. A uno lo apresaron por corrupción de menores y el otro fue detenido durante una manifestación de guerrilleros. Mientras que Molina se autodenomina como “escaparatista”, pues se dedica a arreglar escaparates, Valentín es ideólogo y aspirante a revolucionario, le encanta leer libros. En lo único en que coinciden es que ambos defienden sus ideologías a toda costa. La convivencia diaria hará que se vayan conociendo en forma paulatina, pues no tienen a nadie más. La rudeza de los oficiales encargados de la prisión recae sobre cualquiera de los presidiarios y, finalmente, quienes pueden se apoyan unos en otros. Molina le confía un secreto a Valentín -para evadir la desdicha de estar encerrado, recurre a un mundo imaginario. Cuando era pequeño, su mamá trabajaba en un cine y lo llevaba con ella, así que tuvo oportunidad de ver muchas películas y su actriz favorita era Aurora. Desde entonces, cada vez que se siente triste, recrea en su mente la escena de alguna película y se ve a sí mismo estelarizándola al lado de Aurora. En uno de esos filmes, Aurora interpretó a la Mujer Araña.

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La dirección escénica está a cargo de Miguel Septién, joven originario de Querétaro, que sorprendió al público capitalino con Urine town, musical que trajo a la Ciudad de México en 2017 y que fue un éxito rotundo. La Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro le otorgó el premio como la Mejor Obra Musical del año. Miguel Septién radicó en Boston, donde estudió actuación y dirección, para luego regresar a su ciudad natal y fundar Ícaro Compañía Teatral, de la cual es director.

La labor de dirección de El beso de la mujer araña por parte de Miguel Septién es extraordinaria, su trazo escénico es impecable, la acción constante, buen balance y ritmo preciso. Dimensiona los espacios en forma muy acertada. Logra imprimir la espectacularidad requerida, sin descuidar la parte humana que es lo esencial en el relato.

Todos y cada uno de los integrantes del elenco ofrecen una formidable labor histriónica, vocal y dancística. Chantal Andere luce su belleza personal y su extremada esbeltez, es poseedora de una melódica voz y despliega su experiencia en las tablas para dar lucimiento a la Mujer Araña, personaje enigmático y polifacético. Rogelio Suárez utiliza todo lo aprendido en su amplia carrera en musicales para dar vida a Molina en forma muy emotiva. Aun cuando es el debut de Jorge Gallegos en teatro musical, aceptó el reto de encarnar a Valentín, del cual sale airoso, dándole los toques pertinentes, además de tener una voz muy potente. Complementan el cuadro actoral: Luis Gatica, Olivia Bucio, Jimena Parés, Jair Campos, Eduardo Partida, Fer Soberanes, José Ahued y la actriz queretana Andrea Biestro. En el ensamble participan: Pablo Rodríguez, Claudio González, Gilberto Recoder, Francisco Huacuja, Orville Alvarado, Pedro Gea, Oliver Kewnay, Gerry Pérez, Gerardo García y Julio Montejano. La coreografía diseñada por Pablo Rodríguez es la idónea y está muy bien ejecutada por los intérpretes.

La música es de John Kander y la letra de las melodías de Tred Ebb, quienes colaboraron con Terrence McNally en el montaje original. Bella música que a lo largo de los años ha trascendido. Para su representación en México, las letras fueron traducidas a nuestro idioma.

Tanto la escenografía como la iluminación privilegian el montaje. Los diseños fueron concebidos por Óscar Acosta, quien obtuvo resultados óptimos en ambas áreas. La escenografía es de gran belleza estética, es muy funcional y añade el esplendor requerido para crear los diversos escenarios previstos en la historia. La iluminación contribuye a llevar al espectador a compartir con los personajes las vivencias que estos tienen.

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El diseño del vestuario por parte de Eugenio Alzás es otro acierto. Los atuendos de la Mujer Araña son sofisticadamente espectaculares, vistosos, variados y consistentes al personaje que corresponde a la cinta que Molina elige, según su estado de ánimo. Así mismo, para los presidiarios y funcionarios de la prisión utiliza telas y estampados apropiados. En ciertos bailables aporta variantes en cuanto a estampados o colores.

Este es sin duda uno de los montajes musicales más logrados de todos los tiempos. Una puesta en escena con todo lo necesario para ser recordada por siempre. Una historia interesante que te atrapa, divierte y conmueve. Un equipo de trabajo muy integrado y comprometido te espera. Justo acaba de concluir la muy exitosa temporada de El beso de la mujer araña en el Teatro Hidalgo Ignacio Retes de la Ciudad de México, con aplausos de pie y ovaciones. Esperemos que pronto sea retomado para que más personas puedan verlo.

URGEN MUSAS

Por: Eugenia Galeano Inclán

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A fines del año pasado, se llevó a cabo el Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS, cuyo propósito es dar espacio a la dramaturgia y dirección femenina, para exponer las iniciativas escénicas y creativas de las mujeres creadoras.  El evento fue organizado por la dramaturga mexicana Isabel Balboa y se llevó a cabo los días 8 y 9 de diciembre de 2018 en el AUDITORIO VÍCTOR HUGO RASCÓN BANDA ubicado en el inmueble de SOGEM -Sociedad General de Escritores de México-, en Héroes del 47 número 122, colonia San Diego Churubusco, Coyoacán, Ciudad de México.

 

Para el encuentro se emite una Convocatoria.  Las propuestas recibidas son revisadas y una vez que se determinan cuáles serán las seleccionadas, sale un comunicado, a fin de dar a conocer los resultados y que las ganadoras preparen lecturas dramatizadas de sus obras en las fechas que se les indique.

 

La entrada es libre en los días del evento, así que cualquier persona puede asistir para disfrutar de lecturas dramatizadas de varias obras inéditas en un mismo lugar.

 

En el Tercer Ciclo de URGEN MUSAS los asistentes fueron recibidos cordialmente por Isabel Balboa y por Vicente Eduardo Cervantes, representante de FREELANCIA / VEC, encargado de cubrir el encuentro.

 

Cada día se presentaba la obra de una Directora Residente y las demás obras eran de Directoras Emergentes.  Las Dramaturgas Residentes en este Tercer Ciclo de URGEN MUSAS fueron Gsabriela Ynclán  y  Verónica Musalem.

 

Luego de las lecturas dramatizadas, había una Mesa presidida por las Dramaturgas y las Directoras en turno, para intercambiar opiniones sobre las obras presentadas y responder preguntas del público.

 

Así mismo, se instaló dentro del Auditorio un stand donde se vendían artículos de fina artesanía mexicana, así que durante el intermedio se podía comprar lo que fuera de tu gusto.

 

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El programa completo del Tercer Ciclo del encuentro URGEN MUSAS fue el siguiente:

 

sábado 8 de diciembre de 2018

 

APERTURA

 

EN EL BORDE de Lorena Venta, bajo la dirección de Elena Ríos

Elenco:  Mariluz Suárez  y  Rosa Helena Velasco

 

MERIENDA PA PINGOS de Verónica Guzmán, bajo la dirección de Denis González Noriega

Elenco:  Jocelyn Chacón  y  Dan Alva

 

ENCORE de Tania Castillo Ponce, bajo la dirección de Alejandra Reyes

Elenco:  Desirée Rivera  y  Juan Carlos Medellín

 

SIN TÉRMINOS NI CONDICIONES de Itzel Arco, bajo la dirección de Paulina Soto

Elenco:  Paulina Soto  y  Ginna Martínez

 

– Intermedio –

 

ÁNGELES CAÍDOS O LAS TRES EVAS de Gabriela Ynclán, bajo la dirección de Gema Aparicio

Elenco:  Bertha Vega

 

MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS

 

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domingo 9 de diciembre de 2018

 

EL SANADOR de María de Jesús Hernández, bajo la dirección de Ayelén Muzo

Elenco:  Luis Fernando Zárate,  Yolanda Navarrete  y  Armando Tapia

 

SALSA BOLOGNESA de Giannina Ferreyro, bajo la dirección de Beatriz Cecilia

Elenco:  Joaquín Chablé,  Marina Avilés,  Vicente Eduardo Cervantes,  Beatriz Cecilia,  Jazmín Jáuregui  y  César E. Reyna

 

COLORADO RIVER de Artemisa Téllez, bajo la dirección de Ana Cervantes

Elenco:  Miguel Pérez Enciso  y  Karen Espinosa

 

– Intermedio –

 

LOS CAMINANTES, autoría y dirección de Verónica Musalem

Elenco:  Genny Galeano,  Luis Ernesto Verdín,  Luis Villalobos,  David Sicars  y  Javier Sánchez

Música original ejecutada en vivo por  Alejandro Andonaegui

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MESA DE DRAMATURGAS Y DIRECTORAS

 

CLAUSURA

 

El encuentro fue exitoso y los dos días tuvieron buen aforo.  Yo asistí el domingo y a continuación les comento sobre las obras que se presentaron en ese día.

 

EL SANADOR de María de Jesús Hernández aborda el tema de un hombre que se dice sanador, pero que no brinda precisamente salud a sus pacientes.   Su técnica para sanar podría provocar que nadie quisiera acudir con él.  Una comedia de enredos que conlleva tintes macabros.

 

SALSA BOLOGNESA de María Jesús Hernández es una divertida comedia donde la ficción permite que la madre regrese de ultratumba.  La familia apenas está lidiando con la ausencia de la señora Esther.  Carlos, su marido, está sumido en la depresión.  La hija Gabriela y su sobrina consentida Pilar se consuelan la una a la otra de lo mucho que la extrañan.  En cambio, el hijo Carlos le dice a su pequeño Carlitos que quisiera poder contactar a su mamá porque se fue sin darle la receta de la deliciosa salsa bolognesa que preparaba.

 

COLORADO RIVER de Artemisa Téllez es una comedia ligera, en la que se ve la convivencia de una pareja joven.  El mundo masculino confrontado con el femenino.   En tanto que el joven está presionado porque tiene una fecha límite para presentar un trabajo, la joven lo que necesita es que le preste atención.

 

LOS CAMINANTES de Verónica Musalem es un relato futurista, los daños ecológicos causados por el ser humano han hecho que el planeta esté a punto de ser inhabitable.  Una visión poética que contrapone la belleza y exuberancia de la naturaleza contra la devastación.  Los personajes no tienen nada que perder, se está terminando el mundo, podrían sucumbir o esforzarse por lograr un nuevo comienzo a partir de cero.  Por cierto, esta obra está a punto de ser estrenada en el Foro BELLESCENE el próximo 7 de febrero, así que todos tendrán oportunidad de verla en escena.

 

Es una muy buena idea que se celebren encuentros como el de URGEN MUSAS, toda vez que se brinda un escaparate para que las dramaturgas presenten trabajos que aún no han sido llevados a escena y sirve a las directoras para ver el desempeño de sus elencos y la reacción espontánea del público.  Además, permite al público gozar de buen teatro sin costo alguno.

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

La insoportable levedad del pop

Richard Viqueira escribe y dirige este montaje que podría ser perfecto, déjeme explicarle, quizá yo este acostumbrado a las historias lineales, por eso me brinca cuando va y viene en las épocas y referencias para seguir narrando su divertido punto de vista acerca de la música pop que tiene muchas vertientes y les saca jugo a todas. La intensa levedad del ser, al principio se dice que ahora es calificado todo como violencia de género, acertada afirmación. Desde la forma en que marcan el 1, 2, 3 cada grupo; dicen que “no se puede confiar en la voz de un cantante” por supuesto hacen cera y pabilo de los nombres más famosos del pasado y el presente de la escena pop, Thalía, Biby Gaytán, Timbiriche, Erick Rubín, Ricky Martin, Menudo. Angélica Rivera es mencionada, aunque poco viene al caso, hay fragmentos de canciones famosas, varias de las aportaciones no son exactamente narrativas, buen chiste el de Plácido Domingo: le aplaudieron 80 minutos, a David Bowie sólo cinco y a… después se sale del tema del Pop para hacer un chiste político que es efectivo ahora, pero no se hizo hace seis meses,

Valentina Garibay (brilla de manera especial), Rocío Damián, Jennifer Sierra y Ángel Luna son los responsables de la escenificación, todos están bien interpretados, son ágiles, con ritmo, se nota que todos provienen del mundo de cantar y hacer reír al público con cualquier cosa porque tienen ángel. Es un montaje atractivo, tenga usted la edad que tenga, si es mayorcito, recordará los éxitos que escuchaba en la radio, los chismes que se dijeron; si es mediano lo mismo, sólo que disfrutará más la interpretación; si es millenial reirá de las referencias que adivinaba, pero ahora ya estará seguro de que el Pop habla de amor, predominantemente, porque los demás temas son bah, aburridos. En fin, es una buena obra que puede ver en el Benito Juárez, junto a donde estuvo el teatro Arlequín, que todavía esperamos se recupere.

 

La lucha con el ángel, se presenta en la NaBe

Un nuevo teatro, se llama la NaBe y está ubicado en Dr. Vertiz #86, cerca del metro Balderas, ahí se pudo ver esta obra de Jorge Ibargüengoitia, nos recibe música de tríos y solistas, para ambientarnos en el México de 1950 aproximadamente. Aurea Palma, Andrea de la Rosa, Isaid Pelayo, David Zaragoza y un largo elenco, se aprestan a dar vida al mundo en el que nacía el teléfono (mil años antes de empezar con los celulares) una pareja se dispone a casarse y todavía tiene algunas dudas, que poco a poco ella resuelve. Los amigos de la oficina tienen su participación en el mundillo de los tórtolos.

Una cosa lleva a la otra, pasan los días y caen en la cuenta de que no son exactamente el uno para el otro, sino… pero no le cuento más, porque estoy seguro que van a volver a montarla y ahí donde la vea anunciada acuda, porque el elenco es de gran nivel y le echan muchas ganas, para lograr una obra de casi dos horas en las que no hay desperdicio. Sin duda puedo recomendar: ¡Véalos!¡

 

THERE´S NO HOME LIKE PLACE

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

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El ser humano nace completamente desnudo, es decir, no trae nada consigo.  A partir del momento mismo del nacimiento se le cobija con prendas y con amor.  Conforme pasa el tiempo, va acumulando cosas.  Al principio, los padres lo reciben con prendas de vestir, una cuna e implementos básicos para su alimentación y limpieza.  Luego vendrán los útiles de la escuela, los regalos, los juguetes, etcétera.  Desde que comienzas a tener ingresos, puedes comprar no sólo lo que requieras sino aquello que te guste.  La diferencia es que hay personas que suelen acumular todo, en tanto que otras tienen la facultad de ir liberando el pasado.  Quienes gustan de guardar todo tipo de cosas, no escuchan los consejos como “renovarse o morir“, “tirar lo viejo para dar espacio a lo nuevo“, ni los similares.  El problema es que se aferran a los objetos que les traen cualquier tipo de recuerdo y llega el día en que la acumulación los asfixia.

 

La más reciente producción de Antonio Cerezo es sobre este tema.  Antonio intituló la obra THERE’S NO HOME LIKE PLACE.  De entrada, para el titulo Antonio hace un juego de palabras.  El dicho popular en idioma inglés es:  “There’s no place like home” (“No existe lugar como el hogar“) y él invierte las palabras para de algún modo decir “No existe hogar como el lugar“, tal vez para acentuar lo que él quiere implicar de que el hogar es donde es el lugar donde tú te sitúes y no necesariamente tiene que ser una casa.  Antonio Cerezo es egresado del Colegio de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-.   Desde el año de 1992 inició su trabajo profesional como actor en la Ciudad de México, Estados Unidos y Europa.  En la actualidad reside en Berlín, Alemania, donde se ha desempeñado como actor, autor, director, titiritero y coreógrafo, lo cual le hizo acreedor a obtener una beca del Programa Creadores Escénicos con Trayectoria 2018-2020 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

 

Aun cuando todos tenemos la necesidad física y emocional de tener un techo que nos resguarde, un lugar donde habitar, en ocasiones se nos presenta la oportunidad o la obligación de mudarnos y debemos  hacerlo con gusto, asumiéndolo como una nueva experiencia o una aventura sin que nos cause ansiedad o sufrimiento dejar atrás un lugar determinado.  En forma lúdica esto se hace entender a través de la puesta en escena.

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La propuesta escénica de Antonio es a modo de unipersonal en formato de teatro de papel.  Además de abordar el simple hecho de una mudanza de casa, también se aplica a la migración, porque a veces también hay que cambiar de ciudad o de país, lo cual deriva en vivir bajo otro contexto sociopolítico o cultural.  Así mismo, se toca el tema de la identidad personal construida sobre la base de memorias y recuerdos de todo lo vivido.  El relato capta el interés del público de principio a fin.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE de Antonio Cerezo recibió la beca Interkulturelle Projekte 2016 (Proyecto Intercultural 2016) para su producción.  Dicha beca es otorgada por el Senado de Berlín, con el fin de promover la realización de proyectos artísticos nacionales e internacionales que propicien el diálogo entre culturas y procesos migratorios.

 

La escenografía es un teatrino o caja negra donde se muestra todo en miniatura con figuras de cartón o papel.  Mientras el protagonista comparte su propia historia, los escenarios pequeños van cambiando para que el espectador pueda visualizar imágenes de lo que ocurre.  Es así como el público escucha el relato de Matías, quien le cuenta de frente cada etapa que va atravesando, a partir de que se cuestiona “¿mi hogar es un lugar?“.

 

Matías vive solo, sus padres fallecieron hace tiempo, pero él continúa conservando los objetos que a ellos pertenecían sin decidirse a desecharlos, a pesar de no ocuparlos.  En algún momento toma conciencia de que necesita espacio y acude a terapia.  El terapeuta le aconseja que vaya desechando objetos en forma paulatina.  Le sugiere que comience por periódicos o revistas cuya fecha sea de una semana o más y que ya haya leído.  Al seguir el consejo, Matías se da cuenta de que guarda periódicos o revistas de los años 90 y, desde luego, los echa a la basura.  Sin embargo, lo peor está por venir.  El propietario del departamento que renta Matías, le avisa que tiene que desalojarlo porque lo pondrá en venta.  Así que Matías se ve precisado a darse prisa en deshacerse de todo, puesto que es ya el único inquilino que no se ha mudado.  Lo que más le dolerá es despegarse de su piano que lo ha acompañado por casi dos décadas.  Aparte de desocupar el inmueble, Matías tiene que darse tiempo para buscar otro lugar donde vivir.

 

Aunque la propuesta de THERE’S NO HOME LIKE PLACE es de apariencia muy sencilla, conlleva un cúmulo de trabajo para su realización, comenzando por la creatividad de Antonio Cerezo para concebirla, el suaje que se requiere para reunir numerosas piezas de cartón debidamente suajado a ser embonadas en su lugar, el aspecto arquitectónico para la construcción de maquetas que representen ciudades, edificios, casas, habitaciones, muebles o medios de transporte, y, finalmente, la memoria privilegiada del actor para colocar cada pequeña pieza en el sitio y tiempo exactos.

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Antonio Cerezo asume tres facetas distintas en este proyecto  la autoría, la dirección y la actuación.  En sus tres roles su labor es impecable.  En la autoría concibe un texto pleno de interés y sensibilidad que expone emociones muy arraigadas en el ser humano.  Como director hace que el relato sea ameno y divertido, además de imprimir un tiempo preciso.  Como actor ofrece un excelente trabajo histriónico, corporal y vocal, ganándose la confianza del público mediante sus interacciones.

 

Complementan el equipo creativo:  Vanessa Farfán en diseño de escenografía y construcción, con un diseño novedoso y estético,  Rodrigo Castillo Filomarino en música original para proveer el entorno perfecto,  José Zychlinski en diseño de iluminación,  y  Larissa Polaco en producción.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE es producida por la beca Interkulturelle Projekte 2016 del Senado de Berlín y presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

La sensación que produce este ingenioso proyecto es la misma de cuando eras niño y te sumergías totalmente en tus cuentos favoritos.  La conmovedora historia de Matías y sus vicisitudes luchando contra el apego para poder deshacerse de su pasado y sus recuerdos, a fin de reconstruirse en otro espacio donde una nueva vida le espera.  Es enternecedor ver al actor con el mismo atuendo que el muñequito de papel que lo representa.  Un relato que capta la atención e involucra el sentir del espectador.

 

THERE’S NO HOME LIKE PLACE acaba de concluir temporada en el FORO A POCO NO del Sistema de Teatros en la Ciudad de México.  Su éxito fue rotundo, a teatro lleno y aplausos incontenibles.

LOS FRAGMENTOS DE MARY (Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Una de las más grandes aspiraciones de los científicos es crear vida.  Gracias a los avances médicos y científicos, se han desarrollado diversas técnicas para la creación de vida fuera del útero y se sabe que ya existen algunos bebés concebidos in vitro, pero para esto continúan siendo indispensables el óvulo de la madre y esperma del padre.  La creación de vida mediante elementos artificiales jamás se ha podido concretar.  Tal vez por ello, hace dos siglos, Mary Shelley, mujer visionaria y vanguardista, causó conmoción al crear vida en forma literaria.

Mary Wollstonecraft Shelley, mejor conocida como Mary Shelley, nació en Londres, Inglaterra en agosto de 1797 y falleció en febrero de 1861.  Mary Shelley se desempeñó como narradora, dramaturga, ensayista, filósofa y biógrafa.  Alcanzó la fama en 1818 por el éxito que tuvo su novela “Frankenstein o el moderno Prometeo“, clasificada por muchos como gótica, en la cual se narra la historia del joven doctor Víctor Frankenstein que, en su afán de vencer el mayor reto del mundo científico, logra dar vida a un ser que él mismo construye poco a poco con trozos de cadáveres que conseguía profanando tumbas. El doctor va cosiendo con hilo y aguja cada pieza hasta formar un cuerpo humano completo, luego a través de sus experimentos, cumple su objetivo y cuando finalmente el monstruo cobra vida, éste se sabe distinto por su macabro aspecto y se siente muy solo.  Culpa de sus males a su creador y termina odiándolo, así que hará todo lo posible para destruirlo.  A través de su fascinante relato, Mary Shelley hizo que se alcanzara la utopía científica, pero, al mismo tiempo, tuvo la precaución de advertir al mundo que ir contra natura podría tener trágicas consecuencias.

Víctor Frankenstein, el protagonista de la novela escrita por Mary Shelley se convirtió en un mito universal.  La historia trascendió fronteras y tiempo.  Numerosos autores se han inspirado en él para escribir textos que se han publicado, llevado a escena o a la pantalla, incluso, se han hecho caricaturas y dibujos y juguetes representándolo.

Ahora toca el turno a Roberto Eslava celebrar el espíritu creador de Mary Shelley en conmemoración de los 200 años del surgimiento de Víctor Frankenstein, a través del montaje teatral LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein.

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Roberto Eslava es un creador teatral que fundó y comanda Traslapo Teatro, cuyo objetivo es encontrar nuevos lenguajes artísticos provenientes de la fusión de varias disciplinas.  Sus montajes son producto de laboratorios de creación colectiva donde cada participante aporta sus ideas y sugerencias, las cuales son evaluadas y desarrolladas.  Una vez aprobadas, Roberto Eslava procede a estructurarlas y a partir de éstas concibe la dramaturgia.  Entre sus obras más destacadas podemos mencionar:  “Spectrum” -ofrenda teatral basada en “Sonata de los Espectros” de August Strindberg,  “La Rueda Gira” -ofrenda teatral basada en “Sueño” de August Strindberg-, “Espejos” -pieza basada en el filme “Persona” de Ingmar Bergman-,  “Laberintos“,  “¡Mañana maldecirán mi nombre!“,  “La gravedad del silencio“,  “El sueño de la oscuridad“,  y en fechas recientes “No soy lo que soy” -cantata parateatral sobre la envidia-.  Varias de las obras de Traslapo Teatro se han presentado tanto en la Ciudad de México, como en festivales nacionales e internacionales.

En el corazón  de Roberto Eslava conviven el teatro y la música, si en sus anteriores producciones ha habido una sonata y una cantata, no es de extrañar que la actual sea un improntu, forma musical propia del romanticismo, donde la improvisación nos recuerda el carácter efímero y volátil de las pesadillas, lo cual trasladado a la escena alude a lo metateatral y propicia la comunicación directa entre elenco y público.

En LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein la propuesta de Roberto Eslava y su equipo es escudriñar los pensamientos que la destacada escritora británica pudiera haber tenido al momento de escribir su famosa novela, en tal forma que el espectador pueda percibir una metáfora de la propia Mary Shelley en una época en que las mujeres eran subvaluadas y no se les concedía la capacidad suficiente para la creación artística ni científica.  Para este acercamiento, se deconstruye el mito de Frankenstein creado por Mary Shelley para reconstruir al monstruo transformado en tres figuras femeninas -las tres Mary- que son reflejo de la autora, o bien, las musas que la inspiraron.  El nuevo Frankenstein es representado por tres bellas jóvenes que abordan temáticas como la exclusión, la rebeldía contra las normas sociales, el temor ante lo desconocido, el sentirse atrapadas dentro de un cuerpo que no les corresponde, la aspiración a ser amadas, en tanto que Víctor Frankenstein luce algo confundido sin saber si es creador o creación.

Al igual que los demás montajes de Traslapo Teatro, LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein es una puesta en escena interdisciplinaria que combina actuación, corporalidad, canto y música.

La acción comienza afuera del teatro cuando un actor da la bienvenida al público y lee una carta escrita por Mary Shelley, para luego transformarse en Frankenstein, el personaje que interpreta.  Más adelante, las figuras femeninas cobrarán vida y dialogarán con Frankenstein y con el público.  Varias de las frases que escuches te llevarán a la reflexión, por ejemplo:  “todos hemos sido la presa y el cazador“,  “el único enemigo a quien debes temer es a ti mismo“,  “el mejor maestro es la voluntad“,  “el mayor peligro es la adquisición de conocimiento“.

El montaje es original, algo macabro, pero pleno de magia y estética.  La dramaturgia de Roberto Eslava capta la atención absoluta del espectador de principio a fin.  El concepto de la monstruosidad es analizado a fondo, a fin de ir develando paulatinamente sus misterios y significados.

La labor de dirección por parte de Roberto Eslava es impecable.  Su trazo escénico es pulcro.  Cuida hasta el más mínimo detalle.  La acción es constante, balanceada entre diálogos, coreografías, canto, sonoridad e iluminación.. La corporalidad es sorprendente.  El espacio se dimensiona para crear distintos escenarios. El ritmo muy preciso.  Jonathan Caudillo colabora con Roberto en asistencia de dirección.

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El elenco está conformado por:  Mireya González (Mary 1),  Idalina Hernández (Mary 2),  Sofía Sanz (Mary 3),  Jorge Chávez (Víctor Frankenstein),  Jonathan Caudillo (el Monstruo),  y  Óscar Galoz (el espejo de Víctor).  Todos ofrecen un formidable trabajo histriónico y corporal.  Las tres hermosas Mary iluminan con su grata presencia escénica, en tanto que Óscar Galoz aporta el entorno idóneo con su música original ejecutándola en vivo.

El entrenamiento actoral, piedra angular del montaje, fue impartido por Jonathan Caudillo y Genny Galeano.

El diseño de iluminación y vestuario es de Aarón Mariscales.  Bien distribuida la iluminación a base de claroscuros y muy atinado el vestuario, combinando lo sobrio con lo clásico al estilo del romanticismo. Igual de acertado el diseño de maquillaje por parte de Diana Muñoz, emulando piel fragmentada.

La producción es de Cuauhtémoc Eslava  y  Traslapo Teatro.

El diseño gráfico y de imagen es de Cynthia Herrera.

LOS FRAGMENTOS DE MARY – Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein te permitirá sumergirte en un mundo alucinante, mediante un montaje original bien diseñado y llevado a buen puerto.  Te sorprenderás a cada momento, incluso, hay juegos malabares.  Un equipo de jóvenes muy comprometidos con su labor teatral te espera.  Sólo que para verla, tienes que correr, pues sólo resta una función.  ¡No te la pierdas!

 

 

LOS FRAGMENTOS DE MARY

Improntu escénico a partir del imaginario de Víctor Frankenstein

se presenta el

miércoles 19 de diciembre de 2018 a las 20:00 horas en el

TEATRO LA CAPILLA

ubicado en la calle Madrid número 13

(casi esquina con Centenario)

Coyoacán,  Ciudad de México

Duración aproximada:  70 minutos

El costo de la localidad es de $200

Descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente de maestros, estudiantes o INAPAM

 

MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA

Texto y fotos por   Eugenia Galeano Inclán

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Monos Teatro es una compañía con sede en la Ciudad de San Luis Potosí, que fue fundada por Sayuri Navarro y Darío Álvarez con el objetivo de reunir el teatro tradicional y el performance buscando la relación directa con el espectador.  Se dieron a conocer con “Shift y suprimir“, la cual Monos Teatro describe como “una obra de teatro que plantea la relación de pareja contemporánea como un campo (de concentración): Un hombre y una mujer cansados de la monotonía y la represión de la vida diaria. Buscan la salvación en el otro. Buscan. Desesperadamente, tanto que tuercen, exigen, limitan, hasta reproducir las mismas prisiones de las que venían escapando. ¿Se puede vivir de otra forma?“.  “Shift y suprimir” los hizo acreedores al Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico -PECDA- de San Luis Potosí en 2014;  posteriormente, fue el texto seleccionado en el Festival de Joven Dramaturgia 2015, para luego participar en la Muestra Regional Centro Occidente de 2016 y en la XXXVII Muestra Nacional de Teatro, así como en la IX Jornada Internacional de Teatro Callejero en la ciudad de Matanzas, Cuba, en el Festival Otras Latitudes 2017 y en el Teatro para el Fin del Mundo 2017.

 

Ahora, Monos Teatro llega de nuevo a la Ciudad de México para presentar su más reciente producción MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA escrita por Darío Alvarez, bajo la dirección de Monos Teatro.

 

La descripción de MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA que aparece Enel material promocional es la siguiente:  “En este mundo somos amigos. Todos somos felices porque el otro es feliz, nadie es capaz de aplastar a los otros para ser el más grande, el más fuerte, el más poderoso. En este mundo, sólo hay buenos deseos. El actor, el fan, el psicópata y el drogo: cuatro amigos jugando dominó un jueves por la tarde. ¿Qué podría suceder?“.

 

La propuesta es original una reunión casual entre amigos que desemboca en un secuestro.  Salvo por su amistad, los cuatro son muy distintos, tienen personalidades y ocupaciones diferentes, así que cada quien tiene su propia forma de pensar y proceder.  El título de MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA no define la obra.  Macbeth no tiene nada que ver con el emblemático personaje de Shakespeare, es sólo una referencia a que el actor está en ensayos para interpretarlo.   Con respecto al juego de la violencia, en realidad se abordan varios juegos que corresponden a la forma de reaccionar de cada uno de los amigos ante la planeación de un hecho ilícito, además de que el espectador será partícipe en algunos de los juegos.

 

La trama versa sobre un día en que Julián, Mario, Iván y Gustavo se reúnen para jugar dominó, mientras beben cervezas y charlan alegremente, Julián que se dedica a la actuación les comenta que está ensayando una obra al lado de la bella actriz Mirna Casales, quien goza de gran popularidad, y a alguno de ellos se le ocurre que podrían secuestrarla.  Así, de la nada, como si secuestrar a alguien fuera cosa común.  Trazan un plan y deciden concretarlo, pero cada uno tiene su intención particular al decidir su participación.  Debido a que no son maleantes, no se sabe en qué terminará el inusual hecho.   Existen tres finales:  el egoísta,  el mediático  y el utópico.  El espectador tiene la opción de elegir el que prefiera.

 

La estructura del texto es algo irregular y repetitivo, haciendo que el público se desconcierte un poco.  Tal vez esto obedece a que la línea de Monos Teatro es la de combinar el teatro tradicional con el performance.  Dado que ellos determinan la forma en que alternan la acción del montaje con el performance, el espectador queda desubicado por momentos.  Por ejemplo, es curioso escuchar “estos cuatro …” y quien lo dice señala a sus tres compañeros y a sí mismo, cual si él estuviera ajeno a la acción.  Sería más natural decir “nosotros cuatro …“, lo cual propiciaría que el público entre en la convención teatral.

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Las interacciones con el público son atinadas, sin embargo, podrían establecer una relación más directa si tomaran en cuenta lo que piensa o siente el espectador.  Todos estamos tan aterrados con la violencia que impera, que no cualquiera está dispuesto a entrar a juegos de la violencia.  En cierto momento, se le pide a algunos espectadores que golpeen a un actor.  En mi opinión, sería mejor que utilizaran cualquier objeto para que se le golpee, lo cual sería menos agresivo.  Por otro lado, una regla básica para la interrelación humana es la cortesía.  El actor al que nos tocó seguir nos dijo “Tengo que ir al punto de reunión, ustedes, si quieren, regresen a la sala”  Y, la verdad, no sabíamos por dónde regresar.  Tratamos de entrar por la misma puerta en que salimos, pero estaba cerrada, así que nos desorientamos por un rato, lo cual se evitaría si cortésmente nos acompañara a la sala y luego se retirara.   Lo bueno es que hay variedad en los juegos y los demás son divertidos.

 

En cuanto al montaje, la escenografía es apropiada, dimensionan el espacio creando varios escenarios.  El mayor acierto es el dispositivo multimedia.  Por un lado, la proyección de frases en una pantalla enorme colocada en el ciclorama que sirven para complementar el relato.  Por el otro lado, una pantalla de televisión que transmite en circuito cerrado las imágenes en vivo de la secuestrada. El vestuario es adecuado, dando realce a las características de cada personaje.

 

La dirección escénica por parte de Monos Teatro (Sayuri Navarro y Darío Álvarez) tiene sus altibajos.  Como ya lo comentamos, en la combinación de técnicas no hay fusión, lo cual deriva en escenas aisladas que de una u otra forma carecen de continuidad.

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El elenco está conformado por Ricardo Moreno (Drogo),  Pablo del Alba (Fan),  Mauricio Gerling (Psicópata),  Darío Álvarez (Actor)   y  Sayuri Navarro (Actriz).  En tanto que el actor tiene momentos buenos y otros sobreactuados, los demás amigos parecen tomárselo a la ligera, ya que no se adentran en sus personajes.  La única que destaca es Sayuri, quien ofrece un buen trabajo histriónico y corporal.

 

Integran el equipo creativo:   Darío Álvarez en autoría,  Monos Teatro en dirección  y   diseño de vestuario,  Caín Coronado y Emiliano Leyva en iluminación y asesoría escenotécnica,  Joaquín O. Loustaunau en video,  Sayuri Navarro en diseño visual y sonoro.

 

La producción es de Monos Teatro.   MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA es presentada por el Gobierno de la Ciudad de México y la Secretaría de Cultura, a través de la Coordinación del Sistema de Teatros.

 

La mejor estrategia para alivianar nuestros miedos es tomarlos a juego. Una propuesta interesante que nos deja con la reflexión de hasta dónde se puede llegar si se planea algo indebido.  Como a la gente le gusta participar en juegos y más aún si se trata de jugar un poquito a ser actor, MACBETH O EL JUEGO DE LA VIOLENCIA presentó con éxito en el TEATRO SERGIO MAGAÑA de la Ciudad de México, donde, además de entretenerse y jugar, tuvieron oportunidad de conocer algunos rincones del teatro donde jamás habían estado.

LAS TRES HERMANAS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Se dice que el teatro refleja la vida, pero también la vida refleja el teatro.  Sabemos que la realidad puede llegar a superar la ficción.  Lo cierto es que lo más difícil de reflejar es el sentir humano.  La gama de sentimientos es amplísima y cada persona es única y tiene su forma individual de sentir.  El umbral del sentimiento es distinto, además, las circunstancias, el entorno, los allegados y hasta su situación económica tienen influencia, sea para bien o para mal.  No sólo depende de la capacidad de alguien para tolerar o disfrutar de algo, sino también cuenta si lo expresa o no.  Hay quienes sacan a flote lo que sienten, en tanto que otros los guardan en su interior y se convierten en expertos del disimulo.  La complejidad del ser humano es ilimitada.

 

Los autores con mayor habilidad para delinear el perfil de sus personajes y retratar su psicología son quienes más impacto causan con sus relatos.  Ejemplo de estos autores es Antón Chéjov (1869-1904), originario de Rusia, quien se desempeñaba como médico, escritor y dramaturgo.  Chéjov es uno de los más importantes escritores en la historia de la literatura, precisamente por ser un maestro en la corriente psicológica del realismo y el naturalismo.  Algunas de las obras que en más ocasiones han sido llevadas a escena en todo el mundo son  “La gaviota”,  “El jardín de los cerezos”,  “Tío Vania”,  y  LAS TRES HERMANAS.  Los personajes de todas estas obras representan un tremendo reto actoral para quienes los interpretan.

 

En estas fechas podemos ir a ver LAS TRES HERMANAS, bajo la dirección de Diego del Río.  A pesar de su juventud, Diego del Río tiene una larga y brillante trayectoria en el campo teatral.  Obtuvo su licenciatura de Teatro en el año 2012 en la Universidad de Las Américas Puebla -UDLAP-, donde ingresó gracias a una beca de artes, para luego, por su buen desempeño, hacerse acreedor a la beca Premio a la Excelencia.  Mientras estudiaba en la UDLAP, integró el grupo de teatro musical de la UDLAP, mismo que continúa vigente.  Aún siendo estudiante trabajó con el grupo “Teatro de ciertos habitantes”, dirigido por Claudio Valdés Kuri.  Más adelante, fue designado director residente en OCESA, donde estuvo a cargo de varios montajes.  Se dio a conocer en el ámbito teatral mexicano con su labor en “Espejos” de la dramaturga estadounidense Annie Baker, en tanto que con “El chofer y la señora Daisy” del dramaturgo estadounidense Alfred Uhry, recibió el premio de Director Revelación en el año 2013 por parte de la Agrupación de Periodistas Teatrales -APT-.  Desde entonces hasta la fecha, ha dirigido diversos montajes, todos los cuales han sido exitosos.

 

La versión de Diego del Río de LAS TRES HERMANAS de Antón Chéjov es sui generis.  Su primera peculiaridad estriba en que es una visión distinta a lo que estamos acostumbrados a ver.   La historia no se cuenta en forma lineal, puesto que se da mayor importancia al sentir de los personajes que al relato mismo.  Otra singularidad es que en lugar de escenografía, hay 63 sillas, un sillón de tres plazas y un piano, cual si Diego del Río quisiera hacernos notar que el teatro no requiere de entornos.  Tampoco hay vestuario, los actores y actrices suben al escenario con la ropa que traen puesta.   La cuarta pared es flexible, se abre para entablar un diálogo directo con el espectador, así como para marcar el término o inicio de cada acto.  No obstante lo anterior, la teatralidad está presente en todo momento.  Lo humano y lo teatral se fusionan.  Se capta la atención del público desde el primer momento, hasta el final.

 

LAS TRES HERMANAS cuenta con un elenco privilegiado, de extraordinarios actores y actrices, cuyo histrionismo ha sido probado en múltiples ocasiones.  En esta oportunidad, no sólo ofrecen al espectador interpretaciones excepcionales, sino que hacen gala de que pueden revestirse del personaje que interpretan y en un instante dejarlo de lado para dirigirse al público y dar alguna acotación.  El desempeño actoral es la piedra angular en este montaje y todos los participantes ejecuta su labor con compromiso, profesionalismo y sensibilidad.

 

Al inicio de la función, el actor que interpreta a Fyodor, nos recibe dando ciertas precisiones sobre el montaje, entre las cuales hay frases verdaderamente impactantes, como por ejemplo:  “el espectador ve el teatro, el actor lo habita“.  “a través de los ojos de estos actores podremos ver … ¡ojalá! … la vida“,  “si los dos están presentes sucederá.  El alma del actor y la del espectador se fundirán y ya no será teatro sino vida“.  Así mismo, también nos advertirá que desean cumplir un desafío diario:  “que no suene un solo celular“.

 

Inmediatamente después, seremos trasladados a la casa de LAS TRES HERMANAS.   Hace un año murió su padre, a quien amaron profundamente y les hace mucha falta.  La fecha coincide con el cumpleaños de Irina, así que tienen sentimientos encontrados, rememoran el duelo, pero también quieren festejar a la hermana menor y tratar de que pase su día lo mejor posible.

 

Como ya es costumbre, la labor de dirección por parte de Diego del Río es espléndida.  Diseña su trazo escénico en forma impecable y no deja cabos sueltos.  El balance entre acción y pausas es equilibrado.  Sabe motivar a su elenco para que logren actuaciones supremas.  El ritmo es preciso.  Al igual que en sus anteriores montajes, la magia teatral y la emotividad afloran en el escenario.

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El elenco, por estricto orden de aparición, está conformado por:  Anahí Allué (Natalia),  Antón Araiza (Nicolás),  Enrique Arreola  o  Alejandro Morales (Fyodor),  Emma Dib (Olga),  Mauricio García Lozano (Vershinin),  Concepción Márquez (Anfisa),  Arcelia Ramírez (Masha),  Evan Regueira (André)  y  Maya Zapata (Irina).  Cada uno de ellos despliega una interpretación entrañable.  Aparte de todo esto, la virtuosidad de Mauricio García Lozano al ejecutar el piano es admirable.

 

Como antes lo mencioné, la idiosincrasia de los personajes es lo que da pauta en esta puesta en escena.  Si bien los personajes Chejovianos son muy complejos, en la forma en que están representados en esta versión, el espectador ve a los personajes, pero, por sus características tan definidas, igual puede identificar a alguna persona que conoce, lo cual lo acerca aún más al relato.  Allí podremos ver a alguien que está inconforme con su destino, sea porque tomó una mala decisión o porque se vio precisado a cambiar su rumbo.  Una mujer a quien el amor le llega tarde, otra que es manipuladora y que gusta de conseguir todo lo que quiere.  Un marido que aparenta ser amoroso cuando en realidad es dominante.  Otros que logran conformarse con lo que tienen.  En fin, hay un poco de todo.

 

Integran el equipo creativo:  Evan Regueira y Fabiola Villalpando como asistentes de dirección,  Auda Caraza y Atenea Chávez en diseño de escenografía,  Matías Gorlero en diseño de iluminación,  Felipe Rodríguez Castañón en realización de escenografía,  Felipe Lara en realización de utilería,  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico,  Alejandro Godoy en adaptaciones gráficas,  Blenda en fotografía.

 

La producción es de La Rama de Teatro,  los productores son:  Óscar Uriel, Rodrigo Trujillo  y  Jacobo Nazar son los Productores.

 

El equipo de producción:  Diego Flores, productor ejecutivo,  Mónica Bravo, directora de producción de La Rama de Teatro,  Denisse Prieto, producción La Rama de Teatro,  Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo en producción Administrativa,  y   José Guadalupe Miranda en contabilidad.

 

Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes, coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal, digital project manager,  María José Santana, diseño y animación digital,  y  Patricia Villarejo, community manager.

 

No pierdas la oportunidad de ver este original y asombroso montaje.  Un relato conocido visto desde otra perspectiva, brillante dirección, inolvidables actuaciones.  El clásico relato de Chéjov es trasladado a la cotidianeidad.   Aprovecha esta temporada navideña para ver teatro que te llegará al corazón, ya que habrá funciones todos los días.

 

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LAS TRES HERMANAS

se presenta de lunes a sábado a las 20:45 horas  y

domingos a las 18:00 horas en el

TEATRO MILÁN

ubicado en Lucerna número 64

– esquina con Milán

Colonia Juárez

Ciudad de México

Duración aproximada:  120 minutos

Las localidades tienen un costo de

Preferente:  $450  y   Mezzanine:  $380

Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente

La temporada concluye el jueves 10 de enero de 2019

Suspenden funciones los días  24  y  31  de diciembre de 2018

 

 

Zarzuela Ilustrada. Presentador Plácido Domingo.

Presentación libro Zarzuela ilustrada, autor Manuel Rajal, presentadores Plácido Domingo y Gerardo Kleinburg.  Reportera Julieta Orduña.

      Z0000640 - My Recording

 

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NO TODOS LOS BESOS SON IGUALES (FIL)

Presentaciones del libro No todos los besos son iguales, autor Elmer Mendoza. FIL 2018.

Reportera. Julieta Orduña

no todos

      Z0000635 - My Recording