Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

PSICOSIS DECEMBRINA (EROTISMO NAVIDEÑO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional de Psicosis decembrina

PsicosisdecembrinaAsistimos al Quinto Encuentro de Psicóticos Anónimos donde cuatro “guías” dan terapia a un grupo (público) con la finalidad de ayudarlo a superar sus fantasmas mentales. Cuatro cuentos -monólogos- con una fuerte carga de erotismo, un poco menos de violencia, una especie de pornografía navideña se lleva a cabo alrededor de esta temporada tan significativa en muchos países del orbe.

En su conjunto se intitulan Psicosis decembrina, en particular: Esclava del teléfono, de Eloy Hernández; La amorosa, el santa erótico y Alicia en el país de las verguillas,  las tres de Hiram Molina. Este último en conjunto con Anabel Domínguez, responsables de la dirección. Como escenografía, un diminuto árbol de navidad, una banca y una piñatita, en verdad paupérrima.

Si no estoy en un error, este tipo de dramaturgias breves abordando temas en torno a la Navidad en forma irreverente, hasta irrespetuosa en ocasiones, surgió en la Ciudad de México con los Cuentos antinavideños por iniciativa de Boris Schoemann, mismos que gozan del gusto de un público cautivo. Retomando lo que hoy nos concierne, considero a Hiram Molina un autor imaginativo, inclusive, una de las mejores obras para niños en mi memoria, Asimov, fue escrita por él. En sus tres cuentos hay toques de humor, chispazos, pero no se sostienen -cabe aclarar que la hilaridad es una de las característica de esta modalidad-, mucha retórica, palabras y más palabras, llámese casualidad o una intención buscada y lograda, el texto rescatable es interpretado por él mismo.

Tres actrices, Leonora Cohen, Nora Castrejón y Anabel Domínguez, encargadas de los otros tres cuentos. Nora ha sido protagonista de excelentes montajes, indiscutiblemente tiene talento, sale avante en su participación, exprime el poco jugo de las fantasías sexuales y perversiones de su personaje. Leonora baila con el más feo, mucha entrega, pero el texto no da para mucho. La mejor en  este caso es Anabel, una mujer que nunca ha tenido sexo, pero el pene le provoca una serie de perturbaciones, las cuales cobran vida y cierta gracia por parte de quien la caracteriza.

En fin, no hay mucho más que agregar, Psicosis decembrina se presenta en el Espacio Urgente 2, del Foro Shakespeare (Ciudad de México), los viernes a las 20:45 horas, hasta el 29 de diciembre.

ZHAOJUN, LA PRINCESA (EL AMOR, ARMONÍA ENTRE PUEBLOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de Zhaojun, la princesa

ZhaojunNormalmente cuando hablamos o hacemos referencia al amor la mente nos remite a la pareja, tal vez al sentimiento filial, sin embargo, se puede amar a los seres humanos en general y con ello dar lugar a la armonía entre pueblos, contribuir a la paz por un largo periodo. Esto es posible, no es casualidad que exista el Premio Nobel de la Paz.

Este es el tema central de la danza dramática Zhaojun, la princesa, proveniente de China, con toda la magnificencia del arte oriental; una historia de la vida real (año 333 A.C.), llevada a escena con una calidad estética sin parangón; corporalidad y gestualidad proyectan belleza; plasticidad impecable del maquillaje, vestuario y escenografía. La música envuelve lo espectacular, todo integrado en una manifestación artística venida del lejano oriente.

La dramaturgia de YuPing narra con capacidad de síntesis rodeada por agradar a los sentidos a través del dramatismo emanado de la heroicidad de la protagonista. Cito: “El gran corazón y buena voluntad de Wang Shaojun la hace superar obstáculos, enfermedades, idioma y cultura al enfrentar su misión política mediante una alianza matrimonial. Lo que demostró el gran sentimiento de amor y patriotismo hacia China, convirtiéndola en un símbolo de solidaridad y buena voluntad. La princesa Zhaojun finalizó su vida en esa tierra lejana”.

Zhaojun1Contrario a lo que se pudiera pensar, la puesta se aparta de lo que estamos habituados a identificar con las artes escénicas orientales, en concreto con las chinas. La(s) coreografía(s) son una mezcla de danza contemporánea (al estilo occidental) y en menor grado con el folclore de esa lejana nación; lo mismo acontece con la música, nada que ver (escuchar) con el “sonsonete” de sus instrumentos tradicionales. Kong Dexin, directora general y coreógrafa; compositor, Zhang Qu. Impresionantes, de igual forma, el vestuario (Yang Donglin), la escenografía e iluminación (Ren Dongsheng) y el maquillaje (sin crédito en el programa de mano). Una superproducción: 72 artistas en escena, ocho telones de una belleza plástica fuera de serie y 700 piezas de vestuario, solo por mencionar algunos números, sin embargo, cabe aclarar no se trata de cantidad sino de calidad.

Bailarines, hombres y mujeres, una muestra categórica de cómo combinar la fuerza y la gracia, técnica y naturalidad, prestancia y elegancia, porte y gallardía, garbo y flexibilidad. La escenografía va de lo espectacular a la sencillez del espacio vacío y viceversa, colores creados con ilusiones de luz, la escena se llena con la belleza corporal, con la energía de cada uno de los participantes.

La presentación, en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, de la compañía China National Opera & Dance Drama Theater, se enmarcó en la clausura del Año Cultural de la República Popular China en México, llevado a cabo en 2017. Con espectáculos como  Zhaojun, la princesa da gusto importar una producción china.

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Preseas del Centro cultural y social veracruzano en su 25 Aniversario

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Una noche de gala para recordar los 25 años de trabajo de este magno conjunto, en los que no han vivido un momento de descanso; el Teatro Rafael Solana ha tenido una de las mejores ofertas culturales de la Ciudad de México durante este cuarto de siglo. En su discurso, el Dr. Julián Sánchez Cortázar recordó que el primer espectáculo estuvo a cargo de Mauricio Herrera y ha recibido nombres que son parte de la historia del arte dramático: Ignacio López Tarso, Susana Alexander, Héctor Bonilla, Sergio Corona, Manuel Loco Valdés, Víctor Trujillo, Edith González, Ludwika Paleta, entre muchos. Su cartelera y placas develadas reflejan el avance que se ha logrado en México, desde Mauricio Herrera (Con-cierto Miedo) pasando por Rojo, Yo soy mi propia esposa, La dama de negro, hasta actualmente Un Picasso.

La noche del aniversario entregaron reconocimientos a los veracruzanos distinguidos: Sara Maldonado, Diana Jiménez de Hayek, Jordi Soler, Héctor Montes de Oca, Alfredo Palacios, Guillermo Pineda, Alonso Homs de Val, Alejandro Lárraga, Pepe Ochoa, Lorenzo Ruiz Martínez, Guillermo Springall, Anis Sánchez Cortazar (in memoriam) fueron homenajeados por su vida dedicada al arte, ciencia, gastronomía y trabajo filantrópico.

La Galería veracruzana de arte, que encabeza Alfonso Villarreal, ha crecido hasta constituirse en una de las más prestigiadas y frecuentadas; en estos días abre sus puertas a la exposición colectiva que reúne firmas de los Rafael y Pedro Coronel, Santiago Carbonell, entre casi treinta artistas contemporáneos. Además del grupo cultural LiterArte que dirige la Dra. Estela Canabal Paullada, que tiene largos años de sesionar en sus instalaciones. ¡Felicitaciones, les deseamos larga vida1

Laura Cortés en la colonia Nápoles: Teatro en Corto

La dama de la comedia musical cuando descansa de Yo soy Chavela -que le dio el premio a Monólogo musical de la APT- hace trabajos fársicos; en este momento tiene Me estás oyendo inútil con Lalo Partida. Esto es en Teatro en corto de la colonia Nápoles. Se trata de un divertimento en que visitamos una de las legendarias vecindades de México para conocer sus inquietudes. A la manera de los cómics, vamos repasando su ropa, hábitos, rostros intensos para dejar claro: que todo puede suceder en los tendederos si encendemos la radio y escuchamos a Paquita la del Barrio. Seguro que escuchamos Rata de dos patas, Tres veces te engañé o la que da nombre al breve texto, que esperamos sigan trabajando y lleguen a formar una obra completa. Tienen con qué divertirnos este trío de artistas completos: cantan, bailan y actúan. Los puede ver los fines de semana.

La estrella que deseó ser estrella

En Dr. Vértiz 86, col. Doctores está el Foro la nabe, ahí podemos ver al grupo Teatro sin calcetas, el 9 y 16 de diciembre, a la una de la tarde: La estrella que deseó ser estrella habla de Sefi, llega de compras con su mamá una noche antes de Navidad, está llena de deseos y todos los quiere cumplir. Esa noche antes de dormir pide a la estrella más brillante un deseo que la llevará hacia una aventura. Este grupo juvenil presenta la obra por segundo año consecutivo; debemos señalar que están llenos de calidad y talento, también es destacable que se trata de un texto fuera de los parámetros tradicionales, es de C. Siledi, propone nuevos ideales a nuestros niños y jóvenes, para no repetir las historias que siempre están en la cartelera navideña. Dirige Giuseppe Verástegui.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Hablemos de “140” orquestada por Richard Viqueira

Richard Viqueira_ligero

¿Qué es un montaje teatral?, una sinfonía de palabras, movimiento, arquitectura, luz y color que nos cuenta historias; en este caso son múltiples tuits de 140 caracteres para que veamos el mundo fragmentado, exactamente como nuestra vida, que alguna vez fue lineal con principio centro fin: éramos pequeños, teníamos crecimiento-hijos-envejecer y morir; salvo pequeños senderos sorpresivos todo éramos estrictamente iguales.

 

Ahora llegamos a la fragmentación del twitt que puede decir algo completo, sugerir, tangencializar, iniciar por el final y siempre nos dejará con la sensación de que leer entre líneas será con una lupa tomada de nuestro siquiatra.

 

Luis Mario Moncada, Carmina Narro, Edgar Chias, Flavio González Mello, Carlos Corona, David Herce Hugo Wirth, Verónica Musalem y otros, integran la colección de tuits para irlos dividiendo por algun ¿tema? ¿situación? ¿emoción? Para penetrar la mente actual, diversa, breve, como un inquieto mosquito. Están sobre una tablero de ajedrez con muchos más espacios que el tradicional, se nos advierte que no pisemos ninguno, porque podríamos caer en él. Así como hay matemáticas que se salen del plano tradicional, los actores suben y bajan, entran, salen, mini alberca, un pequeño piso elástico para saltar. “Ya viene la policía, las sirenas a todo lo que dan, los maté porque me tenían hasta la madre, ahora a gozar de mi fama, estoy en la tele” es la historia que da Verónica Musalem.

 

Están en el sor Juana Inés de la Cruz (UNAM) los fines de semana, en el estreno hubo predominio de jóvenes, estaban casi todos los que aportaron un mini texto, sorprendidos por la creatividad del director que a veces nos sorprende y en otras ocasiones nos queda a deber, vaya usted para que la califique ¿es un capricho? ¿será imitado?

 

Hay que saber jugar con los riesgos físicos (que los hay, pues si el actor no se concentra golpazo que se pone), literarios (habrá a quien le gustará la travesura hasta la locura, a mi no tanto), música sobre un pilar elevado (que si encaja, pues en otras ocasiones no se logra la integración) Buen intento, quizá sea el embrión de otros montajes creados colectivamente, con tema central: para armar una historia por módulos, pero eso será otro día; porque la de Viqueira está sorprendiendo y gustando  a la mayoría de los espectadores.

 

Concurso de Dramaturgia APT

 

Está abierto el Concurso de Dramaturgia APT, Agrupación de Periodistas Teatrales “Víctor Hugo Rascón Banda” todo el mes de noviembre, las bases son muy sencillas, género, tema y extensión libre, archivos en word 14 puntos, no haber ganado este certamen los últimos tres años. Pudo haber estado sobre la escena, sugerimos registrar  antes, claro. Premio: Diploma o estatuilla, entregado en la 35 Entrega de Premios a realizarse en febrero o marzo 2018. Es el año número Once que se entregará este premio.Pidan mi mail en Facebook “Benjamín Bernal”

 

Teatros que han dejado de operar durante 2017

Teatro jimenez rueda_ligero

El Blanquita recibió un decreto de Patrimonio de la Ciudad, pero sin dinero seguirá abandonado y deteriorándose. Después de un largo juicio el Hipódromo Condesa, por daños estructurales el Jiménez Rueda; El Círculo Teatral, por el sismo; Casa Actum; la casa de la Paz (crearon un miniteatro, el principal sigue cerrado) Polyforum, Sala Chopin.

 

Teatros nuevos

El Royal Pedregal (en un hotel) Bellescene (Narvarte).

 

LAS PEORES (LAS OLVIDADAS DE LA INDEPENDENCIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Si hoy día en muchos sentidos existe la marginación, la vejación y la discriminación en contra de las mujeres, no es de extrañar lo que padecieron en tiempos pasados. En concreto estamos hablando de los momentos históricos que darían paso al surgimiento de México como país, como nación. Más en concreto, hablamos de las olvidadas de la guerra de independencia y el rol fundamental que tuvieron en la victoria de los insurgentes sobre los realistas, de sus contribuciones, muchas no tomaron en forma directa las armas, sin embargo, sus acciones, por ejemplo como mensajeras, fueron vitales, su recompensa: ser calificadas como las peores.

 

Gabriela Ynclán, incansable dramaturga mexicana, rinde tributo a esas mujeres en LAS PEORES. Un texto con la estructura de planteamiento, desarrollo y conclusión. Dos seres encerrados en una mazmorra, esclavizadas, padeciendo hambre, atocigadas por la enfermedad, por la debilidad. María y Francisca representan a cientos de féminas. Un sacerdote encarna al poder sirviendo al virrey, la inmoralidad fundamentada en preceptos religiosos; anhelar la libertad es pecado, pensar no es propio de su condición de sexo, la reivindicación es condenarse a muerte. La historia está ubicada a principio del siglo XIX en Guanajuato. Ambas a punto de enfrentarse, una por defender sus ideales, la otra por una existencia menos penosa o lastimosa. El texto denuncia, un intento para revalorar al pueblo, a las que realmente sostuvieron la lucha. Gabriela hace justicia aun cuando “sólo” sea dramatúrgicamente, no sabemos sus nombres en particular, María y Francisca son ficticias, sin embargo, son el vínculo con nuestro pasado y presente. Un texto sin mayores complicaciones de forma, mucho contenido de fondo, muy al estilo de las obras de Gabriela, varias de las cuales la han hecho merecedora de reconocimientos y premios en el ámbito nacional.

 

Edna Ochoa da sentido en escena a lo antes mencionado. Su propuesta parte de una producción de bajo costo: dos petates, una pequeña repisa, unos jarritos y una piedra -ésta asumirá un papel protagónico-, una sencilla iluminación y unos andrajos por vestuario. Un ritmo pausado con algunos exabruptos cuando los personajes entran en crisis, en el desquiciamiento psicológico. Capta a la perfección el fondo del texto, guía a su elenco adecuadamente por el ser de los personajes, por fortuna no incurre en lo melodramático, evidencia una realidad, como ya se dijo olvidada, más bien desconocida, hecho atribuible a la historia oficial.

 

Gloria Andrade es María. Es la joya de la corona, en ella recae toda la puesta, convincente cuando manifiesta alegría por los recuerdos buenos de tiempos pasados; igual o más cuando una sombra altera su sueño; atinada -no por casualidad- cuando reivindica sus ideales y derechos. Susana Romero es Francisca. Es el complemento de dos personas en la misma situación pero con diferentes puntos de vista; apoya a la primera en forma correcta. Álvaro Espinosa, una participación breve -cura-, representa la falta de ética del clero, actuación firme, sólida para reforzar el planteamiento. Jorge Rojo, el fantasma.

 

LAS PEORES no es para quienes buscan super producciones, es para personas sensibles, le interesa, asista al Teatro Coyoacán “Enrique Lizalde” (Ciudad de México), los miércoles, hasta el 13 de diciembre, a las 20:00 horas.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR (IMAGINACIÓN SURREALISTA)

EL ÁNGEL EXTERMINADOR (IMAGINACIÓN SURREALISTA)

  Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Facebook del The Metropolitan Opera

El ánel exterminador - copia

 

Después de asistir a una función operística, un grupo de personas se reúnen en la mansión del matrimonio Nobile, todo marcha en orden hasta que empiezan a suceder hechos extraños. Transcurre la cena, los brindis, sin embargo, se percatan de la imposibilidad de abandonar el salón, inicia un encierro físico y paulatinamente emocional, perturbador y fatal.

 

Lo anterior es la introducción de la ópera EL ÁNGEL EXTERMINADOR ( THE EXTERMINATING ANGEL), música de Thomas Adés, libreto en inglés de Tom Cairns, basado en el guión de Luis Buñuel y Luis Alcoriza para la película del mismo nombre dirigida por el propio Buñuel. El Auditorio Nacional fue la sede de la transmisión en vivo desde el MET de Nueva York (en pantalla gigante de alta definición, con subtítulos en español), en el marco de la Temporada 2017-2018 del The Metropolitan Opera.

 

La imaginación surrealista de Buñuel engalanada con el bel canto y la creación del compositor Adés. Atrapados en una habitación donde se combina la realidad con la fantasía, más bien con el delirio; los personajes suponen que todos en el exterior están muertos por eso no son rescatados; consideran que tan solo con su fuerza de voluntad podrán salir; una repugnante casa, no quieren ver al Exterminador; sienten que están ahí desde siempre; encontrar la llave que abre la puerta a lo desconocido.

 

La música, obvio, es fundamental en la producción de una estética minimalista, el histrionismo es esencial, las voces lo más relevante, todo bajo la dirección de escena de Tom Cairns. La sobriedad escenográfica, alejada de la parafernalia, los vestidos de gala de las damas y la elegancia de los fracs de los caballeros -desgastándose mientras se prolonga el encierro- y una iluminación precisa para un medio ambiente idóneo para el estilo del punto de partida.

 

Quince seres presas del miedo, del desconocimiento, de lo irracional, de la psicosis, de las pasiones, de lo erótico y de la muerte. Imágenes en escena, imágenes en la mente de los espectadores, fascinación ante el surrealismo. Ya se mencionó que no es una producción espectacular como acostumbra el MET, sin embargo, cautivadora, provoca compasión y desesperación por lo vivido, por la forma en que cada uno de los individuos enfrentan con perplejidad la situación delirante. Hambre y sed se unen a ese mundo a ese mundo de la realidad de los sueños, si se permite la expresión.

 

Dan voz a estos desgraciados seres convertidos en entes: Amanda Echalaz, Chistian Van Horne, Audrey Luna, Sally Matthews, Sir John Tomlinson, Joseph Kaiser, Sophie Bevan, Alice Coote y David Portillo, entre otros. Llevan a escena las pasiones, a la imaginación surrealista de Luis Buñuel. La ópera EL ÁNGEL EXTERMINADOR, se estrenó el 28 de julio de 2016, en el Haus für Mozart de Salzburgo.

 

La siguiente transmisión en el Auditorio Nacional (Ciudad de México) se llevará a cabo el 27 de enero, a las 12:00 horas, toca el turno a TOSCA, de Puccini.

 

LA DIVINA ILUSIÓN

Texto y fotos por:  Eugenia Galeano Inclán

 

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Entre los más destacados dramaturgos canadienses se encuentra Michel Marc Bouchard, quien, además de ser un extraordinario creador de relatos interesantes y estructurados, posee una enorme sensibilidad y es un gran observador de la vida.  Una de sus principales características es definir el sentir íntimo de sus personajes.  Se inició en la dramaturgia en el año de 1983 y desde entonces ha escrito alrededor de una treintena de obras.  Sus temas son muy variados y los enfoca a partir de la mirada de quienes viven la experiencia.   A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos premios, galardones y reconocimientos.

En México lo conocemos gracias a Boris Schoemann, quien desde hace años ha llevado a escena varias de las obras de este autor, comenzando por “Los endebles o la repetición de un drama romántico” –la que dio origen a la denominación de la Compañía Los Endebles, fundada y dirigida por Boris Schoemann–, para luego seguir con “El camino de los pasos peligrosos“,  “La historia de la oca“,  “Tom en la granja“, “Bajo la mirada de las moscas“.  Ahora, esta dupla vuelve a unirse para presentar  LA DIVINA ILUSIÓN.

En LA DIVINA ILUSIÓN Michel Marc Bouchard engloba toda una serie de cuestiones teológicas, filosóficas, literarias, teatrales, humanísticas y culturales, asimismo, aborda temáticas sobre relaciones familiares, ilusiones, diferencia de clases, doble moral, poder, abusos, injusticias, toma de decisiones e, incluso, pederastia.  El eje de la narrativa es la diva Sarah Bernhardt, nacida en París, Francia (octubre 1844-marzo 1923), quien fue una de las más grandes actrices de la escena francesa durante finales del siglo XIX y principios del siglo XX.  Todos alababan sus dotes histriónicas y su potente e inconfundible voz.  La llamaban “La Divina Sarah”.  Una mujer admirable que con esfuerzo y mucho talento fue escalando peldaños hasta alcanzar la fama total.  El esplendor de Sarah fue tan notable que entre su séquito de admiradores estaban  relevantes personalidades.  Se dice que Sigmund Freud tenía una fotografía de ella en su consultorio, en tanto que Oscar Wilde escribió “Salomé” para ella.  La férrea voluntad de Sarah la hizo sortear todo tipo de adversidades, como ser hija de una cortesana y de padre desconocido, y cuando apenas tenía 4 años de edad sufrió un terrible accidente que le dejó una lesión permanente en la rodilla derecha, la cual derivó en que muchos años después a causa de una grave infección en esas rodilla, tuviera que amputársele la pierna.

El texto de Michel Marc Bouchard capta el interés de principio a fin, es un relato bellísimo, a través del cual describe la vida y sentimientos de cada uno de sus personajes, con varias escenas de teatro dentro del teatro.  Así mismo, incluye diversas citas literarias, bíblicas y litúrgicas, en tanto que paulatinamente se van develando realidades y secretos.  Lo cierto es que “el teatro despierta conciencias y abre corazones“.

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En LA DIVINA ILUSIÓN la acción comienza en la habitación de un Seminario en el año de 1905.  Michaud, joven seminarista, sueña con ser escritor, es aficionado al teatro -quizá alguna de sus historias llegue a representarse en un foro- y ferviente admirador de Sarah Bernhardt, a quien es capaz de ver aunque sea con los ojos de la imaginación.   Michaud está por darle la bienvenida a su nuevo compañero Talbot, quien llega acompañado de su madre.  Al poco rato, se une a ellos Casgrain, uno de los superiores del Seminario, quien les transmite las encomiendas del señor Obispo:  Talbot deberá brindar su apoyo en la Misa que está por oficiarse.  Michaud habrá de entregar una carta ni más ni menos que a Sarah Bernhardt.  El entusiasmo de Michaud dura muy poco, en la carta el Obispo prohíbe terminantemente a la actriz permanecer en la ciudad.  Michaud se siente devastado, él no se siente capaz de entregar semejante prohibición a la gran diva …

Boris Schoemann hace una labor espléndida en los dos rubros a su cargo.  Logra una traducción fiel de un texto tan profundo como complejo.  No sólo lo traduce a nuestro idioma sino al lenguaje teatral.  Además, su dirección es inigualable.  Su trazo escénico es más que acertado.  Aprovecha el espacio a fondo y lo dimensiona en tal forma que alberga a un elenco numeroso para el foro donde se representa.  Es riguroso en el desempeño actoral, corporal, vocal y expresivo de su equipo.  Hace que los actores y actrices cubran funciones de técnicos, acomodando ellos mismos los elementos escenográficos mientras siguen actuando, cantando, caminando, lo cual propicia que todos y cada uno de los cambios fluyan en forma tan natural que son casi imperceptibles para el espectador.  Los movimientos y coreografías son pertinentes y coordinados.  El ritmo es preciso.  Logra crear una maquinaria donde cada engranaje funciona con indescriptible eficacia.

La labor histriónica y corporal es excelente.  Los integrantes del elenco ofrecen interpretaciones cálidas y emotivas, denotando un vehemente trabajo en la creación de sus personajes.  Pilar Boliver representa a Sarah Bernhardt con todo su glamour y grandeza;  Miguel Conde da vida a Meyer, el profesional y atareado representante de la diva;   Miguel Corral encarna al intransigente Patrón de la Fábrica de Zapatos;   Dali González es el joven Michaud, dispuesto a alcanzar sus sueños;  Gabriela Guraieb es la obrera Thérèse Desnoyers;  Olivia Lagunas infunde su gracia a Madeleine, joven actriz en busca de aventuras;  Constantino Morán refleja la resignación interpretando a Casgrain;  Carmen Ramos es la sufrida tía Emma Francoeur;   Servando Anacarsis Ramos dota de todo el ímpetu juvenil a Leo;  Eugenio Rubio le pone intensidad a Talbot,  y  Mahalat Sánchez es la imagen de la abnegación como la señora Talbot.  Todos juntos forman un grupo homogéneo en beneficio de la puesta en escena.

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La escenografía diseñada por Fernando Flores Trejo es de apariencia sencilla, pero conlleva una versatilidad asombrosa, bastan unos cuantos cambios para modificar la ambientación por completo.  La iluminación, también a su cargo, está muy bien impartida, acorde a la acción.    Estela Fagoaga realiza un diseño de vestuario impresionante, cuidando cada detalle, sin dejar un solo cabo suelto.  Gran trabajo de Joaquín López “Chas” en el diseño sonoro, con los acordes propicios para dar el entorno acústico adecuado.

Complementan el equipo creativo con resultados extraordinarios:  Samuel Sosa como productor;  Alejandra N. Ramos en producción ejecutiva;  Anabel Caballero como asistente de dirección;   María Laura Luna como stage manager;  Jesús Morales en fotografía y diseño gráfico;    Pop Comunicación en relaciones públicas y medios;  Corina Rojas en coordinación de medios;   Adriana Cervantes en asistencia de RP;  Domo Volcánico como community manager;  Sergio Carreón en diseño de gráfica para póster;  Karen Morales Pinzón como asistente de producción;  Atrezzo Cero,  Ricardo Reyes Téllez,  Mario Alberto Hernández Flores,  Jonathan Palazzo  y  Fernando Flores Trejo  en construcción de escenografía;   José Manuel Majul como asistente de vestuario;  Trama & Drama vestuario y producción, S.A. de C.V. en coordinación de vestuario;  Enrique Jiménez,  Yesenia Olvera,  Cristina Castañeda  y  Carmita Soria en realización de vestuario;  Francisco Piña y Daniel Moreno en zapatería;  Cristina Romo y Rebeca Guzmán en servicio Social vestuario,  y  Cinthia Espinos  y  Karla Ortega  en contabilidad.

La producción es de Compañía Los Endebles, A.C., en alianza con Petit Comité Teatro.  Producción teatral realizada con el apoyo iscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES).

El texto de Michel Marc Bouchard es un diamante de singular esplendor, engarzado a la perfección por Boris Schoemann, a través de su fiel traducción y su magistral labor de dirección, cuyos destellos son provistos por las luminosas interpretaciones del elenco.  LA DIVINA ILUSIÓN es una genuina joya teatral plena de magia.  Teatro mexicano de la más alta calidad.  Definitivamente es imperdible.  Como dijera Sarah Bernhardt:  “Sin el arte, ¿qué sería de la vida?“.  No dejes pasar la oportunidad de verla, pero apresúrate porque sólo quedan dos funciones.

 

LA DIVINA ILUSIÓN

Se presenta a las 20:00 horas el lunes 20 de noviembre  y

el martes 21 de noviembre de 2017  en el TEATRO LA CAPILLAubicado en la calle de Madrid número 13, Coyoacán, Ciudad de México.

La duración es de dos horas y media, con un breve intermedio.

La localidad tiene un costo de $250.00, con descuentos acostumbrados para personas con credencial vigente.

DESPUÉS DE LA LLUVIA (AMOR PATÉTICO Y PATOLÓGICO)

 

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen de DESPUÉS DE LA LLUVIA (Bajada de la página de Facebook de la producción)

 

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Toda obsesión por naturaleza es negativa, cuando ésta se da con relación a la pareja, cuando el sentimiento sale de control, cuando lo más sublime del ser humano, esto es, el amor, nada más doloroso que sucumbir ante lo patológico y convertirse en un ser patético. Ella, una mujer dispuesta a todo con tal de recuperar al ser amado; Él, indiferente, pedante, hastiado, incómodo ante el acoso; una dualidad entre el amor y el desamor.

 

Así son los personajes de Santiago Arena en DESPUÉS DE LA LLUVIA, obra en donde un encuentro casual -bajo una tormenta- lleva a un hombre y una mujer a revivir su pasado, obvio hay momentos en que ambos se dicen sus verdades, lo que en el subconsciente ven en el otro. Lazo que dejó cicatrices. Ella al borde de la histeria; Él inmerso en un ego igual de enfermizo. Un texto con grandes pretensiones, el resultado final es intrascendente, frases sueltas, algunas pueden despertar cierto interés, en su conjunto para el olvido. Escena tras escena no hay avance, desde el inicio se percibe como única verdad que no hay nada entre ellos, tal vez nunca lo hubo. El desenlace predecible, inclusive por ahí de la mitad del desarrollo se intuye. Las retrospectivas no aportan nada para explicar, de no ser el adulterio, por qué llegaron a ese punto. Una obra no apta para feministas, la mujer en el suelo, el varón pisoteándola.

 

Al desastre dramatúrgico hay que agregar la dirección de Rocío Belmont, deprimente, un ritmo y un tono semilentos, diálogos a cámara lenta, somnolienta la puesta, afortunadamente en 40 minutos despacha al público. Una “escenografía” paupérrima, vestuario fuera de lugar, por momentos los protagonistas son una taza de café y una copa de vino. La directora hace una retrospectiva de cómo era el teatro en el siglo pasado, unos apagones prolongados, no comprende que los segundos se pueden convertir en minutos en un escenario, se podría entender por cambios de escenografía, explicaría pero no justificaría, aun cuando ésta no varía ni un ápice; hay “cambios” de vestuario, por ejemplo una falda por un pantalón, con ello, según ella, hay traslados en el tiempo y de lugares.

 

Pero, ahí no acaba el desastre. Las “actuaciones” son para llorar. Christian Ramos, sin presencia, sin carácter, cero emotividad, parece un espontáneo, alguien que saltó al ruedo (escenario) a lidiar un toro sin capote.. Tatiana de Real tiene instantes buenos, sobre todo cuando es víctima de las crisis emocionales, su trabajo lo único medio rescatable del fallido montaje.

 

En concreto, no hay texto ni dirección, menos actuación, sin embargo quien no tenga nada mejor que hacer puede acudir a La Teatrería (Tabasco 152, Col Roma, Ciudad de México), los jueves a las 20:30 y sábados a las 21:00 horas, hasta el 22 de diciembre. Claro, luego lamento que no me inviten al teatro comercial cuando en verdad lo debería agradecer, al menos en casos como éste.

 

POR CHINGAR (VIGÉSIMA NOVENA TEMPORADA DE MICRO TEATRO MÉXICO)

Por: Alejandro Laborie Elías , crítico de teatro

Imagen de la obra: 15 pasajeros dijeron, y cartel promocional de la temporada

 

 Por Chingar_ligero

 

 Micro Teatro México presenta su vigésimo novena temporada, en su conjunto se intitula POR CHINGAR, esto es, todas las obras participantes giran en torno a esta temática. Verbo por demás sugestivo, irreverente y, por qué no, con un morboso atractivo. En varias ocasiones hemos explicado la dinámica de esta variante teatral, sólo me limitaré a comentar se trata de representaciones es un escenario no mayor a 15 metros cuadrados, duración de 15 minutos máximo y 15 espectadores. En esta oportunidad hablaremos de tres: LA SEXXXION, 15 PASAJEROS DIJERON e INMACULADA CONCEPCIÓN.

 

Gayo Figuera, autor y director, ofrece una erótica comedia del absurdo políticamente incorrecta. Un psicólogo dispuesto a brindar un terapia de pareja. Ambos pacientes con antecedentes dignos de dos orates: Paco, futbolero de corazón , fanático de Mc Donald’s, su heroína Gatubela; Elena (La Nena) 22 años de edad, su primer novio un monaguillo, le encanta depilarse todo el cuerpo… Tal vez quien requiere la sesión terapéutica es el doctor, no ellos o… los tres. Ella perdió la virginidad con un plátano verde, él con un pollo crudo. Todo el ámbito existencial de la pareja se conoce por un monólogo del galeno. El título un juego de letras y un “símbolo” erótico: LA SEXXXION (La sesión). Joseba Hernández (psicólogo), Tamara Niño de Ribera (Elena) y Carlos Reséndiz (Paco), un trío provocador de risa mediante la confusión, sus actitudes, minutos de caos en el escenario (interior del consultorio, con la musicalización del Bolero, de Ravel), desquiciados que apelan a la cordura de los intrusos frente a ellos. Tamara es la chispa del montaje.

 

15 PASAJEROS DIJERON, dramaturgia y montaje de Martha Athie, nos introduce a un avión, un desesperado tipo amenaza con estallar una bomba. El resto de los pasajeros, incluyendo un “perro” ven como sus vidas dependen de ganar o perder un juego, igual al que se transmite por televisión: 100 MEXICANOS DIJERON. En principio hay una serie de incongruencias, cobran “sentido” a medida que llega el desenlace. No hay escenografía, unos trazos dibujados en la pared recrean la supuesta aeronave. La propia Martha Athie, combinación interesante de seriedad y comedia, Carlos Gavira, Fortina Maldonado y R. Mussi dan vida a la singular anécdota. Un cuarto de hora para divertirse y desenmarañar el juego dentro del juego, con un final inesperado, lógico dentro de la loquera dramatúrgica.

 

Por último, INMACULADA CONCEPCIÓN. Una relación sexual casual conlleva a una serie de confusiones, éstas provocan la hilaridad. Dos actrices españolas en una charla la cual adquiere matices melodramáticos y de comedia; confesiones, llamadas telefónicas pueden cambiar la existencia de la dos amigas, una de ellas embarazada a pesar de ser… Paula Serrano y Ester Gombau, ambas junto con el público disfrutan al máximo la trama, escrita por Borja Texeira y dirigida por Critian Magaloni.

 

Cabe aclarar que en las tres propuestas hay alternantes, los créditos citados son de quienes me tocó ver. La temporada POR CHINGAR se lleva a cabo en Micro Teatro México (Roble 3, Col. Santa María la Ribera, Ciudad de México).

 

Noviembre 2017

LA CALAVERA DE CRISTAL (VIAJE MÍTICO DESDE UN MUSEO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico teatral

 Cartel publicitario de La calavera de cristal

 

la calavera de cristal-ligero

Los museos, como los teatros o las iglesias, por citar sólo algunos, son espacios siempre rodeados de leyendas, de fantasmas, de historias inspiradoras de curiosidad o de temor. Producción Escénica y Lab Teatro llevan a escena La calavera de cristal, adaptación de la novela gráfica del escritor Juan Villoro, publicada en 2011 e ilustrada por Bef, quien en esta ocasión es el diseñador del cartel publicitario del montaje. Los responsables de la versión escénica son Helena Tinoco y Mario Rendón. En principio es acertada e invita a adentrarse en ese mundo donde el mito y la realidad coinciden en un punto de encuentro, sin descontar que, sobre todo, en el inicio cae de lleno en lo narrativo, donde fantasía e historia se confabulan, ya sea para meditar sobre el tema, sea en forma exclusiva para divertirse.

La adaptación está pensada, en primera instancia, para infantes, sin embargo, hay partes que no considero sean asimilables y son poco atractivas para niños de pequeña edad. Esto último porque hay varias escenas demasiado didácticas y otras que requieren de una explicación sencilla, como es el caso de una disertación breve, si se quiere, de la diferencia entre una leyenda y la historia. La trama se lleva a cabo en el interior de una sala del Museo Nacional de Antropología, ahí coinciden una vendedora de souvenires (recuerdos) y un guía del recinto. Las circunstancias los conducirán a través de un viaje a la ciudad maya de Yaxchilán, en busca de la mítica y misteriosa Calavera de cristal. Hay un personaje, invisible en el escenario, presente en el desarrollo, Julo Rodríguez Plata, piloto aviador, por cierto, pereció en un accidente aéreo, quien es esencial para fundamentar y entender el planteamiento histórico del maestro Villoro.

Enrique Aguilar, en su calidad de director, propone un sinnúmero de elementos: teatro de sombras, títeres de diferentes técnicas, escenografía mínima, más sugerente que recreativa, multimedia y música en vivo, teclados y percusiones, apoyado en una iluminación sencilla, resaltando los apagones y encendidos; vestuario cotidiano, inclusive, medio fársico. Los actores caracterizan varios personajes y, en forma lamentable, se recurre al clásico empleo de algún adorno corporal para el cambio de protagonistas. La propuesta es de altibajos, digamos que la primera parte, en una división arbitraria, se desarrolla toda en el proscenio y dirigiéndose directamente al público, por fortuna en la otra mitad hay más acción y el desplazamiento escénico como el ritmo son más teatrales.

Las actuaciones están a cargo de Helena Tinoco, Mario Rendón y Alejandro Piedras. Mucha entrega, sin embargo, en muchos momentos gritan sin razón de ser y, al menos en la función de prensa, demostraron capacidades para improvisar. Deben ser más alegres porque deben tomar en consideración que eso es lo que captura la atención de los pequeños.

Producciones Escénicas y Lab Teatro invitan todos los sábados hasta el 16 de diciembre al Teatro La Capilla, Coyoacán, Ciudad de México, a las 12:30 horas.