Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

birdman teatrikando

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Por Benjamín Bernal, presidente de la APT.

 

En la Alhóndiga de Granaditas escuchamos a Antonio Sánchez and Migration

 Es un grupo de Jazz en el primer nivel mundial. Antonio es sobrino de Ignacio López Tarso, además de ser el musicalizador de la película Birdman. Se esperaba con una especial admiración a este joven que ha iniciado una sólida carrera en el extranjero; es difícil el mundo del jazz, y todavía más problemático competir en el país del Norte.

La entrevista fue larga y sólo se cortó cuando se dio cuenta que tenía ensayo para probar el equipo de sonido. Le preguntamos: ¿volverás a hacer música para cine o teatro? No es mi ideal, porque se topa uno con directores que no comprenden nuestro trabajo, en ocasiones el primer ejemplo, es el que eligen, pero ya pidieron antes otros diez. Te gustan las presentaciones en vivo: si, pero no como en el bar que están comiendo o bebiendo y nadie te hace caso. Es difícil el medio del jazz: si, sobre todo en la cuna de los grandes, Norteamérica. Hay que vestir los conciertos, ya no son nada más de subirse e interpretar, sino llenarlo de luces, glamour, porque la competencia es muy dura, por ejemplo antes había jazzistas que tocaban con un nivel sofisticado, que solo ellos entendían, pretendían que el público estuviera atento, comparara a muchos y pudiera descubrir por qué debería admirarlo; esos músicos son para conocedores, que en realidad son muy pocos y se extinguen solos.

Ese día llenó Antonio Sánchez la explanada de la Alhóndiga y le seguían pidiendo “otra, otra, otra”

 

Discusión, Corea del Sur

También acudí al Teatro Cervantes pudimos ver “Discusión” del grupo Choe Contemporary Dance, intenta escenificar un juego narrativo acerca de las sociedades occidentales. El grupo es de Corea del Sur, debo contarles: exhibe una disciplinada expresión corporal en cada actor, así como coordinación grupal, quizá un poco fríos. No deja de dar la impresión de que son mentes del otro lado de la lógica aristotélica, queriendo involucrarse con otras posturas estéticas completamente distintas, quizá sea mi mirada sea prejuiciosa, eso sí, hay un profundo dominio dancístico-teatral para viajar a los festivales. Divirtió cuando usaron como fondo unos ladridos de perro, totalmente musicales.

 

En el Teatro Principal pude disfrutar de Ubu Rey

Esto fue con el grupo Cheek by Jowl de Francia/Reino Unido, usted recuerda, describe la honesta conducta de los gobernantes; el que vi a Peter Brook hace 20 años eran hombre y mujer de las cavernas, que dan golpe de estado (con un mazaso sobre la cabeza del antiguo Rey) enseguida sale a recorrer sus propiedades sobre la carreta de cobrar impuestos. En la versión franco inglesa 2015 ubican la acción en una clase social alta, viajamos de la realidad a la mente de los poderosos, mediante algo parecido a una pantomima-danza, en tanto un joven va de un lado a otro con la cámara de video, cuyas imágenes se muestran en la pantalla gigante para espiar las fantasías internas: del director, de Alfred Jarry el autor, y de quienes roban la corona. Divierten sin dejar de deslumbrar con la metáfora de Jarry, quien la escribió a los 16 años e influyó en el nacimiento del Teatro del absurdo, pues la estrena en 1896, en tanto Ionesco escenificará La Cantante Calva en 1955 y Beckett Esperando a Godot en 1952. Quizá tiene reiteraciones y alarga las tomas de video, pero en fin, así les dio la gana hacerlo. Disfruté mucho el casco para cobrar impuestos; así como el trabajo bicolor (vestuario crema y piel humana) en ese contexto cotidiano de quienes se ensañan al dominar al planeta. De lo mejor del 43 Festival Internacional Cervantino.

CONCLUYE EL XI FESTIVAL DE DRAMATURGOS COMUNITARIOS MEXICANOS

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Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.
 Foto tomada de facebook
El teatro tiene sus orígenes, al menos en occidente, a partir de rituales, de hechos místicos y hasta con una buena dosis de mágico. El Festival de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos terminó con éxito su XI edición en Amecameca y Tlalmanalco, Estado de México. Éste se caracteriza por ser el resultado de un taller previo, con una duración aproximada de seis meses, impartido por la maestra Sonia Enríquez, en el que participan personas del pueblo (estudiantes de secundaria y preparatoria, amas de casa, normalistas, empleados, obreros…) esto es, no son escritores profesionales.
Si lo anterior es destacado, tanto o más importante es el hecho de las temáticas: todas basadas o inspiradas en leyendas, mitos, tradiciones que rememoran el México precolombino con sus deidades a partir de una visión contemporánea, la vigencia del imaginario colectivo en la vida cotidiana de nuestros pueblos. En algunos casos las obras son el resultado, al menos de inicio, de hechos reales que se fueron transformando hasta nuestros días y finalmente convertirse, reiterando, en mitos y leyendas, con la salvedad ahora con una estructura dramatúrgica.
Analicemos las propuestas del presente año. Iniciemos por JUU SIWA NAKEO, LA FLOR DEL AMOR, drama legendario yoreme, de Neyra del Carmen Ovando. Una tragedia, una historia de amor con una desastrosa conclusión. En el subtexto se encuentra un conflicto de carácter religioso (bautizados en contraposición con los que no lo están), un sincretismo entre dioses prehispánicos y el Dios de los blancos; también hay una disputa entre una madre posesiva y una joven enamorada. Un texto de buena manufactura, ágil, lineal y desgraciadamente más que previsible la conclusión. Por momentos poético, un canto a la palabra, una historia de amor desde un punto de vista diferente. Se nota que hay oficio, no en vano es la décima obra de la autora.
La puesta en escena a cargo de la Compañía Fusión Escénika, del municipio de Nicolás Romero. La función presenciada se llevó a cabo en el auditorio Sor Juana de la Universidad Autónoma del Estado de México. La impresión es que el montaje se concibió de origen para un espacio abierto, porque los actores en vez de expresarse con buena voz, con firmeza, de principio a fin gritaron. Ernesto Fuertes, responsable de la dirección se valió de un trazo sencillo pero eficaz, explotando el valor intrínseco del texto y las limitaciones, no sólo de voz, de algunos de sus actores.
ESCUELA DE NAHUALES, juguete legendario azcapotzalca, de Édgar Vera Suárez (homenaje póstumo al autor). Obra para niños, combinación de elementos prehispánicos en un entorno contemporáneo. Interesante la anécdota, lenguaje sencillo, lineamiento didáctico sobre lo nahuales, los dioses, la naturaleza y el control de los elementos, luchar y pasar la prueba de la ignorancia sobre tan singulares personajes (nahuales); una mitología.
Miguel Araujo Cid, al frente de la Academia de las Artes, a través de un montaje simple, vestuario híbrido, niños en el elenco, destaca Antuán Axel Chavarría. Un trazo sin mayores complicaciones, nada para resaltar. Bien el empleo de la percusiones y silbatos, le dan ambientación. La propuesta mejoró cuando se presentó en el atrio del Sacromonte.
Mercedes Macías presentó su “juguete legendario” LOS ALUXEX. De estructura sencilla, lineal, conclusión más que predecible. Escenas que se alargan en el planteamiento ya agotado, se diluye la esencia. Sin embargo, es interesante el fondo, la defensa de las tierras, el respeto a los duendes que protegen y castigan. No importa la modernidad, las tradiciones ancestrales, modificadas, perduran, ahí el interés del texto. El montaje quedó fuera de comentario por problemas internos de la compañía Ensamble de Títeres.
Lucy Ceballos, autora de SE DICE DEL CACAO QUE…, presentó una obra de gran estructura dramatúrgica, despierta el interés de principio a fin. Sus personajes bien definidos con relación a sus caracteres, buena inserción de los coros. Plantea con agilidad la lucha y venganza entre los dioses y diálogos acertados entre ellos. El programa la define como una “comedia mítica”, cada uno puede entender por comedia diferentes cosas, no creo tenga cabida en ese género, más allá de eso la dramaturga ofrece un texto idóneo para escenificarse.
El grupo Corpus Teatro (UNAM) bajo la batuta de César Mejía captó a la perfección el sentido de la obra, la agilidad e interés los consiguió en escena, así como todos sus valores. Un vestuario y un maquillaje cuidados, en el caso de los coros hasta alegóricos; una musicalización sutil, lo suficiente para ambientar (percusiones, cuerdas y alientos). Ritmo y trazos dignos de reconocimiento.
EL ENCANTAMIENTO DEL AGUA, autoría de Ricardo Mendoza, posee un lenguaje altisonante, sin embargo, no ofensivo. Hay escenas muy largas, texto de altibajos; un híbrido con relación a los géneros, por momentos se aparta de lo dramatúrgico y cae de lleno en la narrativa.
La puesta a cargo del grupo La Urgencia, bajo la dirección de Daniela Parra, se caracterizó por escenas planas, el montaje tiene algunos aciertos, sin embargo, el elenco muy disímbolo, algunos destacaron otros desmerecieron.
Por otra parte, Hugo Cortés participó con la obra ITZAMNA E IXEL (drama mítico maya), de excelente estructura, manejo ideal de los coros. El conflicto emana de la intriga, derivando en otros rubros como el suicidio; formidable desarrollo de la trama hasta llegar a un epílogo explicativo, pero no didáctico.
Bajo la guía escénica de Hugo Cortés, el Colectivo Zazil (UNAM) convirtió en un deleite la representación, un gran trazo aprovechando al máximo el espacio abierto donde tuvo lugar. Conocimiento sobre la función de los coros, con sus diferentes arquetipos. Percusiones tenues sólo matizando situaciones. Lo mejor del festival.
Concluyamos con LEYENDA ÓPATA DE LA LUNA, de Virginia López Ruiz, melodrama contando una historia con muchas deficiencias dramatúrgicas, más en la narrativa, sin clímax, de hecho inmerso en la cursilería. de lo presentado en el Festival el texto más pobre y menos elaborado.
Si lo anterior es grave, más lo fue la representación a cargo del grupo Teatro Kali, dirección de Zyanya Zamora. Una total falta de imaginación, trazo paupérrimo, a lo que hay que agregar las deficiencias actorales notorias, incluyendo el olvido de los diálogos que llevaron a “tiempos muertos”, no es lo mismo que pausas escénicas. Sin vestuario y un “maquillaje” improvisados.
Esto es en síntesis el resultado del XI Festival de Dramaturgos Comunitaros Mexicanos, celebrado del 22 al 25 de octubre.

KARAOKE (CUENTO MÁS QUE REALISTA)

Por Alejandro Laborie, crítico de teatro.
Édgar Chías forma parte de la generación de dramaturgos mexicanos que rompió con todos los cánones y convencionalismos que predominaron durante la segunda mitad del siglo XX, Se apartaron de la academia y se olvidaron de lo géneros tradicionales. Un grupo en principio muy criticado, inclusive más de alguno profetizó no había lugar ni futuro como autores para ellos a largo plazo, el tiempo no les dio la razón a sus detractores, ahí están dando la batalla.
Sin embargo, hay que reconocer que Édgar es un autor complicado, denso, sus textos no son digeribles para cualquiera, se requiere de cierta cultura para su comprensión. KARAOKE es un ejemplo claro de lo anterior. Una obra inmersa en la metáforas, en las analogías (el hombre y las piedras), hay un lenguaje poético. Convoca a cuatro (cinco) personajes, al mismo tiempo sui géneris y típicos habitantes de la gran urbe. En el fondo una necesidad de relacionarse, hasta por conveniencia, en contradicción las dificultades para lograrlo y el deseo de poseer el control sobre el otro.
Hay dos personajes principales: una joven nice, editora, sin problemas económicos, tiene casi todo menos…; el otro un escritor, seguro e inseguro en forma simultánea, cree todo lo puede dominar y con sus “encantos” lograr la publicación de su novela. Tres personajes más, desde mi punto de vista circunstanciales pero fundamentales para el desarrollo del planteamiento dramatúrgico.
Miguel Alejandro León asume la dirección. Una gran labor de interpretación escénica, parte de la sencillez para darle vida a lo complicado. A cada escena le da su tiempo y ritmo adecuados, sabe de las posibilidades de cada uno de los integrantes de su elenco y los conjunta en forma adecuada, el resultado un loable montaje digno del buen teatro mexicano, apoyado en una “abstracta” escenografía de Raúl Ruiz Arriaga y por él mismo, vestuario de Zaira Campirano. Por último cabe mencionar que el trazo incluye aspectos coreográficos.
El elenco está conformado por: Diana Renée Gerardo , Karina Lechuga, Azucena Acevedo, Daniel Ortiz y el propio Miguel Alejandro. Todos en armonía, integración indiscutible, cada uno con sus propias cualidades enriquecen el espacio; una entrega total de cinco jóvenes quienes podrían irse por texto menos complicados, sin embargo, arriesgan. En particular destaca Karina, esplendorosa, con personalidad, soltura y, sobre todo, convincente.
KARAOKE concluyó temporada en el Foro El Bicho, ahora quedamos a la espera de su reestreno, como se anunció.

ADECDOTARIO

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

ADECDOTARIO es una obra teatral que gusta al espectador por su trama chusca y novedosa, en donde aparecen en escena tres actores, quienes tras de obtener por parte del público, antes de entrar al foro, una frase acerca de alguna situación poco usual o insólita que hayan vivido, éstas frases por escrito se colocan en una base de cristal, de donde los actores ya en escena, seleccionan al azar, para construir con algunas de ellas, una situación en la que dicen haberse inmiscuido anteriormente.

Ello da apertura a la puesta en escena, y sirve de parte intermedia a la misma, aún cuando la obra es en un solo acto escénico.

ADECDOTARIO realmente consta de dos historias, siendo la primera en donde se narra el viaje de dos jóvenes a la India, de donde partirán a Egipto, para dirigirse a Normandía, ante el deseo de regresar desde ahí a su tierra natal, es decir México.

Es agradable observar como tres actores cambian de identidad con gran facilidad, lo cual no resulta tan fácil para algunos, pues para lograrlo hay que hacer cambios de voz y gesticular y modular el cuerpo, según el personaje que se pretende representar y que son tanto femeninos como masculinos.

El vestuario es casual, aún cuando los tres actores llevaban camisas a cuadros, que les diferenciaba del músico, presente en un extremo del foro teatral.

Dos de los actores actúan durante todas las presentaciones, con un tercero que es invitado, lo cual hace que junto con los pormenores que inicialmente explique, que cada puesta en escena resulte diferente.

Los tres actores tienen el apoyo en escena del músico, quien ambienta las circunstancias en las cuales se ven inmiscuidos los personajes. El músico utiliza para tal efecto, un teclado y un cuatro.

La puesta en escena es muy agradable debido a la jovialidad que logran inferirle el grupo, a la puesta en escena.

La obra es una creación del”Grupo Rompecabezas, quienes en su página WEB publican acerca de las pretensiones que tienen como equipo, en cuanto a la dinámica de su obra:   -“La dinámica propone que un grupo arme un rompecabezas observando restricciones comunicacionales para la resolución colectiva del mismo. El resto de los participantes  toma nota y observa el trabajo y los comportamientos, así como las dificultades y la manera en que estas son afrontadas por los participantes.”-

El Grupo Rompecabezas” forman un equipo entusiasta de jóvenes que desean experimentar nuevos aciertos y desaciertos en el mundo del espectáculo teatral, a los cuales les deseamos buena suerte.

La obra ADECDOTARIO se presenta en breve temporada los días miércoles a las 20:30 horas en uno de los foros que conforman el teatro Shakespeare

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TEATRIKANDO

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Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Psico Embutidos en el Chopo

Hizo una corta temporada en el foro que se arriesga más con sus propuestas, el de El Chopo de la colonia Santa María la Ribera. Ahí Luis Mario Moncada y Richard Viqueira nos deslumbran con una propuesta que casi llega a la perfección, para lograr un mosaico flasheante que pone en shock a usted como espectador-contemplante y la sociedad que siempre espera llegue el Mesías a salvarle; cuando la respuesta está en tu mente.

Trazaré breves pinceladas como fui sintiendo: larga espera de 20 turnos, pues van pasándonos casi cada cuatro minutos, subo ocho metros por escalera de caracol, ya he visto que dialogan (ríen o reflexionan) con actores/actrices desnudos en diferentes niveles, se lanzaron por ductos descendentes para lograr algo, luego me entero, me dan un reloj que me permite viajar en el tiempo, en la mente; no debo entregar el reloj a los espías enemigos; Salchicha desea sepultar a su madre ¿Longaniza? y carne y espíritu son dos niveles. Salchicha convivirá con un embutido porno, salchichones nazis, res kosher brota de campos de concentración, intemporales mortadelas, curas pedófilos ante salchichitas, gurú albóndiga que le encuentra a usted su vocación para estar en equilibrio. No podían faltar los Pepperonis y butifarras, tampoco ginecólogos o proctólogos. Lograron un trabajo disciplinado, que fue calificado por algún asistente como Iniciático-mistérico, ya que usted no sale sin antes saludar a una calavera y trasladarse por un largo túnel negro. Esencia de una iniciación la obscuridad de la matriz anuncia que encontraremos una nueva luz. Buen trabajo, cada uno tiene su genialidad, pero sumados son más de dos, -(contradiciendo a Pitágoras)

 

Microteatros

Me resulta complicado ir a más de tres obras por semana y algunos foros están lejísimos. Así que voy poco a los Microteatros, Santa María la Ribera, pero tuve suerte y me tocaron Marta Zamora con Sorbos de café, Lalo Partida con Guárdame el chupón y Por Venganza, es un manicomio, con Francesca Guillén (dicen que será llevada al cine), interesantes trabajos, aunque me gustaría se desarrollaran más ¿por qué quince minutos? Pienso que los autores, directores y actores sienten una camisa de fuerza que los obliga a crear el equivalente a cuentos breves o cortometrajes, donde más tarde podrían agregar otras escenas. Buenos trabajos los tres mencionados.

 

Animalik XXX, performance en la Cineteca

Es un experimento teatral: convocaron a un festival de Cortos Eróticos (palabra muy diferente a porno) así que llegaron de Polonia, Inglaterra, Corea, Francia, Estados Unidos, Dinamarca, Italia e Israel, curiosamente de México ninguno. La sexualidad es explorada a través de la plastilina, muñequitos, trazos de lápiz, animaciones digitales o sugerencias llenas de buen humor. Es un festival con precios populares y los descuentos de siempre, estará todos los fines de semana de octubre y el día 31 lo realizarán sumando un espectáculo teatral en el estacionamiento de la Cineteca, con música de sax, guitarras, teclados, bailarines, actores y atrevidas escenas en vivo. El 31 será sin costo (ojalá no llueva).

BRIGHT IDEAS (LA OBSESIÓN DE UNA MADRE POR LA SUPERACIÓN DEL HIJO)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Tomada de su página en Facebook

 

 No es común encontrase una comedia con mucho fondo, con contenido para la reflexión, una mezcla de humor con temática, hilaridad y… enfrentarse en el escenario con una madre obsesionada en hacer cualquier cosa por el bien de su hijo, por su superación, más cuando éste aún no cumple los cuatro años de edad.

BRIGHT IDEAS, de Eric Coble, reconocido y multipremiado dramaturgo estadounidense, nos presenta un matrimonio, Ginebra y Josh, cuyo actuar emana de la interrogante: ¿Qué estarías dispuesto a hacer por tus hijos? Más, el vástago de ambos, debe ingresar a Bright Ideas, Academia Bicultural de Estimulación Infantil Temprana. Las ideas macabras de Ginebra no se hacen esperar para lograr su cometido, asesinato y desfalcos, socavar a sus semejantes, en concreto todo. Lo más interesante, el tema tratado en el género de comedia, tal vez para permear una catarsis en el espectador ante el aberrante proceder de una mujer. Un detalle a tomar en cuenta, Mac nunca aparece en escena a pesar de ser protagonista.

La dirección, Alonso Íñiguez, es buena, más por tratarse de una comedia y de una producción netamente comercial. Apoyado con una escenografía, que en principio da la sensación de ser meramente decorativa, funcional, intrascendente, a medida que corre el montaje la “pared” adquiere diversos ambientes, los lugares se “ven”, se perciben, una gran imaginación a cargo de Mauricio Ascencio, también responsable de la iluminación y vestuario. Reconocer el trabajo de Alonso es inevitable, sin embargo, creo, no sería lo mismo sin la creatividad del segundo.

La responsabilidad actoral recae en Regina Blandón, Santiago Stephens, Majo Pérez, Gustavo Egelhaaf y Brenda Arrigunaga. La primera excelente como Ginebra, no lo hurta lo hereda de su padre, tiene proyección y presencia escénica, guapa y talentosa. Santiago con buenos y regulares momentos. Majo, Gustavo y Brenda, cautivadores en principio, en algunas escenas, desafortunadamente, parecen “payasos” más cuando caracterizan roles no acordes con su edad real, la responsabilidad no es de ellos, su director rebasa la comedia y trastoca la farsa, estos pequeños detalles es por lo que la propuesta no llega, en su totalidad, a excepcional, como lo ha demostrado en varias ocasiones.

La última representación de la temporada en el Foro Shakespeare tuvo como padrinos de develación de la placa del recuerdo a Consuelo Duval, Mauricio García Lozano, Francisco Franco y Blanca Guerra. Para los amantes del género, a partir del 12 de noviembre BRIGHT IDEAS tendrá temporada en el teatro Milán (Ciudad de México). Queda en el aire una pregunta: ¿Todas las ideas son brillantes?

 

BASTÍAN Y BASTIANA

Por: Dalia María Teresa De León Adams.

 

BASTÍAN Y BASTIANA es la primera obra operística que Wolfgang Amadeus Mozart compuso, y que W. Weiskern y A. Schachtner utilizaron para lograr un texto en versión contemporánea.

Los diálogos en español que utilizan los personajes para conversar, son presentados entre cantos operísticos, que a la vez se traducen en una pantalla, misma que hace las veces del escenario, el cual cuenta con cinco cuadros, que son la habitación de Bastiana, la calle, el salón de clases y la cafetería. Multimedia a cargo de Marcelo López.

En escena aparecen Bastiana interpretada por la soprano Irasema Terrazas, quien alterna su presentación con Ana de la Vegas; el personaje de Colás es interpretado tanto por el bajo Charles Oppenheim, como por Daniel Cervantes; finalmente Bastían es el tenor Hugo Colín. Los tres bajo la dirección musical de Isaac Saúl, quien aparece en escena tocando el piano.

En la trama, dirigida por Jaime Matarredona, Bastiana aparece preocupada porque su novio Bastián, ya no responde a sus mensajes telefónicos, por andar saliendo con otras chicas. Ella desesperada consulta con el gran mago Colás, quien con un poco de magia y buenos consejos, logra que Basián vuelva nuevamente enamorado de Bastiana

Colás, con su rostro todo pintado de verde, aparece entre butacas obsequiando palomitas al público. Su vestuario es muy colorido, como el resto del reparto estelar, quienes además aparecen con pelucas de colores. Vestuario a cargo de Sol Kellan y Rosa González, que logran hacer muy vistosas las escenas.

La música por supuesto es de Mozart. Puesta en escena muy cultural que sin embargo gracias a los diálogos chuscos hace constantemente reír al espectador.

El grupo Arpegio Producciones Arte y Entretenimiento es quien hace posible este espectáculo operístico, siendo una compañía independiente, que desea llegar al público infantil.

 

La puesta en escena dio inicio el pasado domingo 27 de septiembre a las 13:00 horas en el Teatro Helénico y se presentará por cuatro domingos más.

XI FESTIVAL DE DRAMATURGOS COMUNITARIOS MEXICANOS

 Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

El teatro es el conjunto de múltiples elementos artísticos. Es el encuentro de todas las bellas artes, claro no siempre en el mismo hecho escénico. Peter Brook sostiene: Mientras allá una persona que tenga al que comunicar y una que la quiera escuchar ahí hay teatro. Considero un poco exagerada la opinión, más bien el teatro, al menos eso dicen los conocedores, es un círculo, inicia con el texto y concluye con el público. También se dice que el teatro puede prescindir de todos menos del actor. Cierto. Sin embargo el mejor histrión necesita de un buen texto no me lo puedo imaginar diciendo el abecedario y cautive al espectador. De ahí la importancia del taller y el Festival de Dramaturgos Comunirarios Mexicanos.

Europa y Canadá, por ejemplo, han enriquecido su damaturgia con leyendas, mitos, tradiciones ancestral, de ahí mi admiración por este esfuerzo de Sonia Enríquez, directora del Festival en cuestión, quien no sólo aporta nuevos dramaturgos, con su labor rescata parte de nuestra historia, de nuestra idiosincrasia, de nuestro devenir, de lo que somos como mexicanos.

Es esta edición, se rendirá homenaje a los pueblos en extinción con las obras JUU SIWA, LA FLOR DEL AMOR y LA LEYENDA ÓPATA  de la luna. Los atrios del Señor del Sacramonte, en Amecameca y San Luis Obispo, en Tlalmanalco, serán los principales escenarios. La cita en el Estado de México se llevará a cabo del 22 al 25 de octubre.