Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

YO SOY CHAVELA

YO SOY CHAVELA

Texto y fotos de Eugenia Galeano Inclán

En todo el mundo llama la atención la singular forma en que el mexicano toma la muerte.  No entienden cómo es posible que tengamos fechas para celebrar la muerte, que pongamos altares muy adornados donde colocamos fotografías, velas, flores, papel picado y todo aquello que gustaba al difunto. Todavía más extraño les parece que tengamos pan de muerto, calaveritas de azúcar y que hagamos versos aludiendo a las características de alguien que ha partido. Lo cierto es que nosotros rendimos culto a quienes se han ido y en nuestro corazón los llevamos por siempre.

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En cuanto a los homenajes, también somos especiales. Una canción popular oaxaqueña proveniente del folklor del Istmo de Tehuantepec recoge nuestra idiosincrasia. Se trata de La Martiniana, cuyas estrofas dicen lo siguiente: “Niña, cuando yo muera no llores sobre mi tumba, toca sones alegres, mi vida, cántame La Sandunga“… “No me llores, no, porque si lloras yo peno, en cambio si tú me cantas yo siempre vivo, yo nunca muero“. Una de las mejores formas de honrar a los muertos es cantándoles. El creador teatral Raúl Serrano ha de estar de acuerdo con esto, porque en Yo soy Chavela honra la memoria de la famosa cantante Chavela Vargas, con música y canto.

María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, conocida artísticamente como Chavela Vargas, nació en Costa Rica en 1919 y falleció en Cuernavaca, Morelos, México, en 2012.  Si bien era oriunda de Costa Rica, vivió prácticamente toda su vida en México, al que consideraba como “su” país. Fue una famosa cantante que imprimía un peculiar sello a las canciones con su peculiar voz, a la que coloquialmente los mexicanos definiríamos como “aguardientosa“. Era una mujer recia que fumaba tabaco, bebía mucho y portaba pistola.  Anticipada a su época, valientemente se ostentaba como lesbiana.

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El primer paso para escribir algo sobre una personalidad es realizar una investigación exhaustiva, para luego hacer una sinopsis con todos los datos recabados y, finalmente, crear la dramatización que será llevada a escena. Todo esto lo hizo magistralmente Raúl Serrano en forma extraordinaria. Su síntesis es formidable, da a conocer detalles esenciales, cita fechas determinadas, incorpora frases dichas por Chavela en entrevistas, hace referencias a celebridades que, en su momento, convivieron con la intérprete, a sus éxitos, giras y conciertos, y a datos de su vida personal que, para muchos, son desconocidos.

En otras palabras, da voz a la cantante, cual si ella misma fuera quien narrara su vida, para decir justamente lo que ella quisiera decir. En forma sorprendente logra captar la esencia misma de Chavela Vargas. El diseño del espacio escénico es aparentemente sencillo, pero estético y apropiado. Le bastan un equipal, una pequeña mesa y un espejo de mano. Música en vivo, algo de baile y un dispositivo multimedia para proyectar imágenes de apoyo a la narrativa. En el vestuario no podía faltar el tradicional jorongo que Chavela adoptó como parte de su personalidad.

Mediante un texto de excelente factura y una impecable labor de dirección escénica, Raúl Serrano brinda al espectador el recuento de diversos pasajes de la vida de la cantante desde su juventud hasta sus últimos días. Chavela rememora momentos que le fueron significativos, hablando para sí misma, cual si estuviera reviviendo para disfrutarlos de nuevo. Habla con toda sinceridad, sin ambages ni tapujos. Se remonta a su niñez. El sufrimiento de haber nacido con poca vista y padecer poliomielitis. Mientras su madre parecía no quererla, su padre sólo estaba interesado en conquistar jovencitas, así que creció con unos tíos. Fue una niña solitaria que platicaba sola y le cantaba a la luna. Nunca jugó con muñecas, pero le encantaba dispararle a las serpientes. México le sonaba a mágico. El canto siempre ligado a sus andares: “¡Que cante la niña Isabel!”.

Sus noches de bohemia con sus entrañables amigos José Alfredo Jiménez, Tomás Méndez y Álvaro Carrillo, siempre al calor del tequila y el mariachi. Ríe al recordar el mote con el que llamaban a Miguel Aceves Mejía. Su asombro de haber llegado a La Habana sin saber ni cómo, tras una parranda. La admiración que sintió por Lola Olmedo, el impacto que le causó Frida Kahlo, su pasión por Macorina, el amor incondicional que le prodigó Vicenta Vargas. La alegría de conocer a Liliana Felipe y a Jesusa Rodríguez. Las sensaciones que le provocaban los poemas de Federico García Lorca. La apoteosis de sus grandes conciertos. Sus múltiples viajes, donde siempre iba con canciones mexicanas. Una mujer que amó más de lo que hubiera querido y sufrió más de lo que debía.

Otro acierto de Raúl Serrano es haber elegido a Laura Cortés para encarnar a Chavela, aun cuando física y vocalmente son tan distintas. En tanto que Chavela era una mujer recia, Laura es bella y delicada. Los registros de voz y la tesitura de ambas cantantes son diametralmente distintos. Laura Cortés es una joven con larga trayectoria artística, que básicamente se ha dado a conocer en comedia musical. Dado que en este género lo más relevante es la voz, es difícil descubrir la capacidad histriónica de los intérpretes, en razón de que la mayoría de las producciones son franquicias con estipulaciones precisas sobre la forma en que deben desarrollarse sobre el escenario. En Yo soy Chavela, Laura Cortés despliega todas sus habilidades al construir su personaje con sensibilidad y talento, y lograr transformarse en Chavela.

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Acompañan a Laura Cortés: Ana Pruneda, con algunos bailables y dando vida a algunos personajes alternos. Alberto Alvarado, ejecutando la guitarra, y Eduardo Arreola en percusiones y dirección musical. Eduardo Arreola también funge como asistente de dirección  e  Iván Rosales como asistente de producción. La producción es de Movimiento Artístico Multidisciplinario. El productor es Cuauhtémoc Luna.

Seas o no seas fan de Chavela Vargas, el montaje te encantará. Es loable que Raúl Serrano haya realizado una rememoración tan completa en honor de una persona que ha partido. Un trabajo donde no quedan cabos sueltos, perfectamente planeado y creativamente logrado. En Yo soy Chavela conocerás a la auténtica Chavela Vargas, gracias a la fabulosa interpretación de Laura Cortés. Reirás y sufrirás junto con Chavela, mientras escuchas sus canciones. Sólo aquí podrás descubrir su sentir.

Yo soy Chavela se presenta viernes y sábados a las 20:30 horas en el Teatro Rodolfo Usigli, ubicado en calle Héroes del 47 número 122, Coyoacán, en la Ciudad de México. La temporada concluye el sábado 24 de septiembre de 2016. Los boletos se compran en taquilla o en www.yosoychavela.com.

MAI-SHO-GAKU, TRAZOS DE FUEGO

MAI-SHO-GAKU, TRAZOS DE FUEGO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Irene Akiko Iida es la primera mexicana egresada de la Escuela de Arte Takarazuka, en Osaka, Japón. En el año de 1981 ingresó a la Compañía Teatral Takarazuka Kaqueki y, desde entonces, ha participado en más de medio centenar de espectáculos. Además de su dedicación al teatro, ha estudiado danza, logrando especializarse en la Danza Kabuki. Durante las festividades para conmemorar el Centenario de la Migración Japonesa en México, debutó en nuestro país como coautora, directora, coreógrafa y productora del espectáculo musical Juan, el momotaro, bajo el auspicio de una beca del Fonca. Se le conoce a raíz de su participación en la obra teatral El automóvil gris de la Compañía de teatro de ciertos habitantes, bajo de la dirección de Claudio Valdés Kuri.

Orgullosa de sus orígenes y con el anhelo de difundir el arte del milenario oriente, Irene Akiko ha puesto en práctica sus conocimientos histriónicos y dancísticos para crear Mai-Sho-Gaku, trazos de fuego, un espectáculo pleno de esplendor, color, ritmo y plasticidad, con base en el teatro Kabuki, donde conjunta diversas disciplinas de danza japonesa -Kabuki, Buyp y Butoh-, con un vestuario de gala y una espectacularidad pocas veces vista. A todo esto le añade la caligrafía tradicional de signos, con lo cual crea un entorno lleno de simbología nipona.

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El título da idea de Mai-Sho-Gaku, trazos de fuego, toda vez que, según el programa de mano, Mai significa danza, Sho: caligrafía y Gaku: música. El objetivo de Irene al concebir este espectáculo es crear un espacio libre de abstracción y riqueza visual, en donde ocurre una lucha interna que liberará la conciencia de un joven monje, el bonzo, mediante la disciplina “Shodo” -el arte de la escritura de ideogramas- lo cual convocará a fuerzas elementales y a deidades de oriente para, con sus trazos, provocar que encarnen los opresores de su mente, que no son otros que sus propios miedos y debilidades.

El elenco está conformado por la propia autora Irene Akiko Iida (elemental de Agua y Fude), Arturo Tames (elemental del Fuego y Sumi), Alejandro Méndez (Fujin-músico), Nahoko Kobayashi (Raijin-músico) y Berenice Contreras (Bonzo). Equipo muy comprometido que ofrece su experimentada ejecución en las artes dancísticas, musicales y caligráficas.

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Acude a ver Mai-Sho-Gaku, trazos de fuego, espectáculo visualmente hermoso con una simbología entrañable y vestimentas extraordinarias, donde la música y la danza están presentes en todo momento, al mismo tiempo que brinda la oportunidad de observar en forma directa la confección de la complicada caligrafía japonesa, o bien, la forma en que se puede plasmar en un lienzo de cerezos en flor.

Mai-Sho-Gaku, trazos de fuego se presenta en el Teatro Benito Juárez ubicado en Villalongín número 15, colonia Cuauhtémoc -cerca del Monumento a la Madre-, Ciudad de México: martes y miércoles a las 20:00 horas.

PREMIACIÓN Y EXPOSICIÓN DE LA SÉPTIMA BIENAL DE DIBUJO Y PINTURA ENRIQUE GUZMÁN

PREMIACIÓN Y EXPOSICIÓN DE LA SÉPTIMA BIENAL DE DIBUJO Y PINTURA ENRIQUE GUZMÁN

  • Con esta premiación y exposición, el Instituto Cultural de Aguascalientes continúa apoyando la plástica de la entidad

El Instituto Cultural de Aguascalientes, a través de la Dirección de Museos y Galerías, anuncia los resultados de la premiación de la Séptima Bienal de dibujo y pintura Enrique Guzmán.

En la versión 2016 de nuestra cada vez más importante BEG, los ganadores fueron Carlos Esteban Luévano Alonso y José de Jesús Palacios García por sus obras: Poros de respiración I y Neblina de un mal recuerdo, respectivamente. Además, el jurado decidió reconocer con mención honorífica a Domingo de la Torre Villa, Luis Fernando Márquez Hurtado y Miguel Ángel Santos Ledesma. El jurado de esta edición estuvo conformado por dos artistas de incuestionable trayectoria como lo son Ismael Guardado y Luciano Spanó, así como por la reconocida galerista Irma Valerio.

Además, otorgaron las menciones honoríficas a Domingo de la Torre Villa por Arrumbados, a Luis Fernando Márquez Hurtado por Y el Rey potato dice entonces… Desde México con AMOR (Amarillismo, Miedo, Odio, Represión) y a Miguel Ángel Santos Ledesma por Utopía salvaje.

El Instituto Cultural de Aguascalientes, a través del Museo de Arte Contemporáneo No. 8 (MAC8) en el marco del 30 aniversario luctuoso de nuestro homenajeado, tiene el agrado de invitarle a la inauguración de la exposición y entrega de premios de la 7ª Bienal de dibujo y pintura Enrique Guzmán.

La cita es este martes 20 de septiembre en punto de las 20:00 horas, en las instalaciones del MAC8, ubicadas en la esquina de Morelos y Primo Verdad, en el centro de Aguascalientes. La exposición permanecerá en exhibición hasta el 13 de noviembre.

Conformada por 41 obras de 26 artistas locales, la exposición constituye una inmejorable oportunidad para que la sociedad pueda ser testigo del talento que en Aguascalientes se sigue manifestando.

CIERRE DEL FORO SHAKESPEARE

CIERRE DEL FORO SHAKESPEARE

Periódico La Jornada, 14 de septiembre de 2016

 El cierre del Foro Shakespeare es un reflejo del país, de lo que pasa en materia de cultura; acaban de anunciar que van a reducir 30.7 por ciento al presupuesto en este sector el próximo año y, en ese sentido, es un reflejo, pero por el otro es una oportunidad para que todos nos hagamos responsables de la cultura, no solamente el Estado, sino los mismos ciudadanos, expresó ayer en entrevista Itari Marta, actriz y encargada del funcionamiento del recinto que será demolido luego de 33 años de actividad para levantar en el terreno un edificio de departamentos.

Las pláticas para llegar a un acuerdo fueron arduas, pero al final inútiles. Ahora debemos ser responsables de la cultura los ciudadanos y los mismos teatreros; es una oportunidad para involucrarnos con la ley y con lo que sucede. Eso es lo que veo. Estoy triste. ¿Para qué voy a mentir? Me da tristeza, porque lo que estamos recibiendo son ataques. A lo mejor ahora que abrimos el tema se sumen otros interesados, pero lo que vemos es que hay una violenta oposición y nos entristece haber trabajado 15 años por un proyecto del que por lo pronto no encontramos muchas soluciones.

Espacio independiente

Ayer, el espacio cultural, cuya fachada ya es intervenida, emitió un comunicado, en el cual recuerda que el foro es vital para el teatro independiente en México, pues cada mes exhibía más de 30 obras. Sin embargo, las instalaciones deberán ser entregadas a más tardar en octubre de 2018.

El foro, indica, opera: “en una sede ubicada en la colonia Condesa que ocupa dos casas contiguas, adaptadas con el paso de los años, por las cuales la institución paga una renta mensual a dos arrendatarios diferentes.

Los dueños de la casa marcada con el número 9 de la calle Zamora solicitaron la devolución de dicho inmueble para demolerlo y construir en su lugar un edificio de departamentos. El foro hizo varias ofertas para adquirir la propiedad, pero los dueños no están interesados en vendérsela.

La casa contigua ubicada en Zamora número 7 no cuenta con el espacio suficiente para garantizar una operatividad viable. Por esta razón, la Asociación Civil deberá buscar una nueva sede para continuar con una oferta cultural que en los pasados cinco años ha llevado a la realización de 202 puestas en escena, que congregaron a 300 mil espectadores en 6 mil 987 funciones. Esta actividad generó 2 mil 30 empleos temporales, 48 empleos fijos, incluyendo la Compañía de Teatro Penitenciario.

El foro no cuenta con la protección de leyes que garanticen su supervivencia, ni depende de fondos fiscales. Eso lo deja en situación vulnerable ante decisiones de particulares que no privilegian el aporte de la cultura a la comunidad. Por eso, la mayoría de los teatros tienden a desaparecer, como sucedió con el Blanquita.

Literatura, música

Itari y Bruno Bichir (también administrador) enfrentan esta tragedia no shakespeareana, sino mexicana. Itari: “Se cierra una posibilidad de vida, de un espacio para quien busca algo diferente. Aquí se trabaja muy duro; no es un espacio que se apaña el dinero de los impuestos. No solamente ofrece teatro, sino literatura, música. Sí creemos que la cultura puede abonar al cambio estructural del país. Esto es una virtud incalculable. Todo tiene su ciclo y a lo mejor el foro ya cumplió el suyo. A lo mejor tiene que desaparecer… sin leyes que nos amparen, sin ciudadanos ni gremio que lo amparen. Ni Bruno ni yo somos mártires.

Un espacio cultural no puede pagar 60 mil pesos de renta. Es incosteable. Eso lo sabemos desde hace, mínimo, 10 años. ¿Por qué no se arregló nada? Porque no está en la ley y porque el Estado no puede financiar sus teatros, más otros teatros, más los teatreros, simplemente porque es una trampa. La situación actual es que para que una institución gubernamental nos otorgue un terreno ha sido todo un viacrucis, porque simplemente no está en la ley. Nos están proponiendo un terreno en la calle de Cholula, Benjamín Franklin y Baja California, pero los vecinos no están de acuerdo en poner ahí un Centro Cultural porque la mitad del espacio lo ocupa un parque y consideran que nosotros le vamos a hacer daño a ese espacio, explicó.

Instó a sumarse a la campaña en defensa del foro vía redes sociales, con mensajes a las autoridades y lo que la imaginación permita. Se trata de que cada quien se haga responsable para que el Estado se haga responsable. El lema de la campaña es Hecho de Corazón.

 

TEATRIKANDO (CONTINUACIÓN)

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

La doble moral, el musical regresa a escena

Este musical es producido por Raquel Rico y dirige Maricela Lara, se estrenará en Los Estados Unidos de Norteamérica con Rocío Banquells; Manuel Ojeda; Lina Santos; Isabel Martínez “La Tarabilla”; Gloria Izaguirre; Lalo, el mimo, en los roles estelares, y durante el fin de año estará en varias entidades de la República Mexicana.

dscn0363_teatrikando-1                                                              Rocío Banquells trabaja frecuentemente en EUA

Se estrenará el 22 octubre en el Center for the Performing Arts, CPA, de San José California; el 23 en Los Ángeles; Chicago y otras ciudades, después pasarán a San Luis, Rio Colorado, Tijuana, Ensenada y Mexicali, suman 30 las fechas ya confirmadas. Esta obra estuvo hace varios años en la Ciudad de México y debió suspender la gira debido a una enfermedad de la señora Rico, que tuvo la necesidad de estar en tratamientos médicos durante varios meses, enseguida, estuvo atendiendo una enfermedad de su señora madre; lo que se convirtió en prioridad absoluta, en cuanto estuvo recuperada, regresó de nuevo al mundo de la cultura y el espectáculo. Da gusto verla reanudar sus actividades.

dscn0363_teatrikando-2                                                               Lina Santos cautivará a los norteamericanos

Nos platica: “Muchas personas de Norteamérica añoran el danzón clásico, que es respetuosamente cuidado en sus formas y estilo, es un baile de salón, pero también sirve para lograr coreografías ambiciosas. ¿Por qué les da gusto a los México norteamericanos ver esta obra y los ritmos que reúne? Porque sus abuelos y padres estaban acostumbrados a verlos y vivirlos con pasión: blues, danzón, mambo, los disfrutan mucho, es una forma de cultivar sus raíces. Actualmente hay predominio de espectáculos (en EUA) que incluyen ritmos norteños, los jóvenes gustan más de ellos. No hay para la tía, abuela o madre.

Es posible que se pueda ver en la capital del país, en su momento les informaremos.
Acudimos a El último teatro del mundo

Se estrenó en la Teatrería durante 2015, ahora regresa a la cartelera este producto que tiene características atractivas; se trata de El último teatro del mundo, y llega al sur de la ciudad, en el Centro Cultural Helénico. Esta propuesta infantil es de José López Velarde (Mentiras, Si nos dejan, entre muchas), con un elenco joven: Mauricio Hernández, Marco Paredes, Pablo Rodríguez, Paloma Hoyos, Iker Madrid (al piano) y Paloma Cordero, aunque todos pulsan o percuten algún instrumento. Es un buen intento, que ha gustado a muchos, a mí me parece un poco larga y un tanto confusa -por tan ambiciosa- verá usted, Pina, la Catarina nos cuenta su historia, ella quiere acceder a la grandeza, alguien le indica el camino: ir al último teatro del mundo, entrar y demostrar que tiene magia, la anécdota recuerda varias historias dulces que todos amamos cuando fuimos niños… o padres. A lo largo de dos horas, vemos instrumentos no convencionales, escenografía bella, creativamente utilizada, música que seduce y una declaración de amor: si, al teatro. Uno de los personajes descubre que es más bello decir utilería que chuchería y que un mono loco declamando se puede decir monólogo. Los niños, al final ya estaban inquietos, creo que una hora sería óptimo, dejar que Pina crezca y evolucione en varias (muchas) obras, ¿no? Domingos a la una. 

TEATRIKANDO

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 Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 Tres días en mayo: con Sergio Zurita y Héctor Bonilla

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Fuimos a ver Tres días en mayo al Teatro Helénico, tiene un excelente reparto: José Carlos Rodríguez, Fernando Bonilla, Pedro Mira, Miguel Conde, Nicolás Sotnikoff y Juan Carlos Beyer; hace poco informaron que Luis Miguel Lombana deja la obra por otros compromisos de trabajo y entra Héctor Bonilla, que hasta ahora ha estado en Almacenados, en el Rafael Solana de Coyoacán. Usted quizá ha escuchado de esta obra, se ubica cuando los nazis eran combatidos y temidos en los diferentes países, quienes se aliaban sinceramente, aunque también dejaban al otro peleando solo.

“Con los tiranos no se dialoga, se hace la guerra”, es una de las frases lapidarias que dice un personaje, aunque hay que recordar: Inglaterra tenía una flota temible, así como la más  poderosa fuerza aérea; pero, los ejércitos hitlerianos habían logrado tecnología de alto poder, que se fabricaba en plantas ubicadas en lugares secretos por todo su territorio, acabar con ellos era complicado. Así que frente a una mesa, en los pasillos y en las calles les vemos discutir las complicadas estrategias. Sergio Zurita es Winston Churchil y logra un trabajo de alta credibilidad; por su parte, Bonilla interpretará a Neville Chamberlain, ex primer ministro de Inglaterra.

Buen trabajo en general, quizá la escenografía pudo resolverse de otras formas, la que eligieron sirve para el avance de escenas, se usa multimedia para identificar los territorios que se van mencionando, en general la iluminación es escasa. El teatro narrativo en que ya sabemos cómo acaba debe vencer muchos retos, y creo que la mayoría han sido bien resueltos.

 

Festival de Teatro Clásico de la Ciudad de México

Participa el grupo queretano El Corral de comedias, encabeza Fernando Rabell, Fuenteovejuna, que llega en una versión adecuada al lugar en que se presenta: Foro José Luis Ibañez de la Facultad de Filosofía y Letras, en la UNAM, el 22 de septiembre a las 19:00 horas. La hemos visto y actualiza el clásico que todos conocemos, para recordar que el teatro también sirve para hacer reflexiones sobre el momento actual, es medio posmo. El Festival de Teatro Clásico de la Ciudad de México se desarrolla también en el Cenart, Centro Cultural del Bosque, Helénico, La Teatrería, Milán y Teatro de la Ciudad: 19 septiembre al 2 octubre. Su página es: teatroclásicomx.com.

 

Notición: se acerca el estreno de Comala.com, comedia-farsa de mi autoría

Esta obra, que primero presenté como novela, se estrenará en octubre con el grupo de Noe Nolasco: Toputshi Teatro, lleva en el elenco a Kizai Maldonado, Yelitza Puchi, Xorge Zarate III, dentro de un extenso y talentoso elenco juvenil. El tema es fuerte y divertido: La III Guerra Mundial será Feministas vs Machistas. Los personajes son: Demián, Consuelo, Anna, Ari, Pato. ¿Imagina a quiénes homenajea?

NEGACIÓN

NEGACIÓN

Por Eugenia Galeano Inclán

El saber que alguien acaba de fallecer sin haber sido diagnosticado con una enfermedad grave o terminal siempre produce sorpresa, pero si ese alguien es un ser amado o muy allegado, inevitablemente aflorarán sentimientos encontrados. Si el dolor llega a ser insoportable, se activan mecanismos de autodefensa. Al llevar intrínseco el instinto de supervivencia, el ser humano hará todo lo posible por evadir la realidad y se rehusará a aceptar la muerte de quien ama.

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Conforme a la psicología, en todo duelo individual existen cinco fases. La primera es la Negación; la segunda es el enfado; la indiferencia o la ira;  la tercera es la negociación -negociar con uno mismo, a fin de tratar de hallar una solución, aun cuando sea imposible-; la cuarta es el dolor emocional  y, finalmente, la quinta es la aceptación. El escritor, dramaturgo y psicoterapeuta Daniel de la O, dedicado desde hace casi una década a ejercer la terapia psicoanalítica, optó por combinar dos de sus habilidades para compartir públicamente sus conocimientos. Es así como Daniel concibió el proyecto de crear una pentalogía, es decir, escribirá cinco obras teatrales distintas para cubrir las respectivas fases del duelo. La forma en la que cada persona recorra y logre superar las fases de duelo dependerá de sí misma y de la ayuda que reciba.

Luego de haberse dado a conocer con su obra Salida exit, a Daniel de la O le llegó el reconocimiento con Voces de un asesino de cara larga y sin sonrisa, por la cual fue galardonado con el primer lugar del Concurso Nacional de Composición Dramática de Monólogo Víctor Hugo Rascón Banda 2004. Fue precisamente en el más reciente montaje de dicha obra donde se alió con Josejuan Meraz, quien encarnó en forma sobresaliente a Buster, su protagonista. Ahora, en Negación vuelven a reunirse estos dos talentos para ser artífices de genuina magia teatral.

Daniel de la O, a través de Negación, aborda la primera fase del duelo con mucho respeto. Un facultativo cuya labor primordial es analizar la psique, llega a conocer a fondo lo más íntimo del sentimiento humano y Daniel, en su función alterna como dramaturgo, aprovecha esto para crear un balance perfecto al dividir a su personaje en dos entes distintos. Uno es el personaje -una mujer- que atraviesa la fase de la negación, mientras que el otro -también mujer- es de algún modo su alter ego, estando ahí para ubicarla y ayudarla a manejar su inmenso dolor, lográndose un apoyo inmejorable. El dolor está presente, pero Daniel tiene la sutileza de incluir rememoraciones que provocan risa espontánea con el propósito de permear un poco la intensidad del sufrimiento.

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El bien estructurado texto de Daniel de la O narra la historia de Petra (Guadalupe Damián), una mujer sencilla cuyo padre vive del mar hasta que éste decide cobrarle arrebatándole la vida. Petra continúa con su vida y en medio de una fuerte lluvia conoce a Julián, hombre también relacionado con el mar, de quien se enamora profundamente, se casan y procrean a Carlos, su pequeño hijo. Para su infortunio, a Petra se le detecta una grave enfermedad que le provoca terribles dolores de cabeza.

Sobrelleva su padecimiento de la mano de su esposo, quien le hace una dulce y sincera promesa: “Nunca voy a soltarlos, a ninguno de los dos“, refiriéndose a ella y a su primogénito. Piedrita era el mote cariñoso que Julián utilizaba para dirigirse a Petra y a ella le encantaba escucharlo, sintiéndose amada y cobijada. A pesar de su enfermedad, Petra agradece a la vida por la felicidad que le brindan Julián y su vástago, sin dejar de pensar que “el mar es inmenso, la lejanía también“.

Por su parte, la poética teatral de Josejuan Meraz se fundamenta en la sensibilidad y, en su faceta de director, al tomar el texto de Daniel, logra que ambas mujeres sean el salvoconducto ideal para hacer entrega directa al público de la narración de Daniel y del trazo impuesto por Josejuan. Con un ritmo escénico preciso, hace que en todo momento ambas transiten por el escenario en perfecta armonía. Otro de los méritos de Josejuan es haber elegido a las dos actrices idóneas para el proyecto. Tanto Guadalupe Damián -la dolida esposa y madre- como Diana Lein -la voz de la conciencia- transmiten en forma muy eficaz el sufrimiento, la impotencia ante lo inevitable, la no aceptación, pero sin que esto sea tan desgarrador para resultar molesto sino como algo extremadamente humano que conmueve al espectador al grado de hacerlo identificar su propio dolor al evocar las pérdidas que haya padecido a lo largo de su existencia.

La labor actoral, física y de actitud por parte de Guadalupe Damián y Diana Lein es a todas luces extraordinaria, es de admirarse la manera en que logran complementarse en forma tan atinada. Así mismo, loable es la labor del resto de equipo. Jorge Valdivia funge como asistente de dirección, Félix Arroyo se encarga del diseño de escenografía e iluminación, mientras que Gus Sandel asume el diseño de vestuario, Jesús Díaz se hace cargo de brindar asesoría corporal y Juan Carlos Vives impone la coreografía. El diseño de audio es responsabilidad de Jorge Valdivia.

Negación es un montaje imperdible para todo aquel que guste del buen teatro. Cabe recordar que Negación ha cubierto varias temporadas y que en esta ocasión se reestrena, motivo por el cual no hay que perder la oportunidad de verla. Sin Sonrisa Teatro se anota un éxito más en su repertorio. Un interesante texto en una atinada puesta en escena, con actuaciones memorables y un equipo de trabajo comprometido.

Se presenta viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Sergio Magaña, Sor Juana Inés de la Cruz 114, colonia Santa María la Ribera -cerca de la estación San Cosme del Metro-, Ciudad de México. La temporada concluye el 9 de octubre de 2016.

MUNDO KILLER

MUNDO KILLER

Por Eugenia Galeano Inclán

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Si nos va bien, todo lo vemos hermoso, pero si nos va mal, nos sentimos en la oscuridad. Lo cierto es que en la vida hay de todo. En los noticieros hay más noticias malas que buenas. En ocasiones lo que escuchamos nos parece tan deplorable, que no nos queda más que sentirnos afortunados de no sufrirlo en carne propia. Sin embargo, por más que tratemos de abstraernos, el mal existe y es una realidad en nuestro país y en muchos otros lugares. Lo aconsejable es mantenernos bien informados para evitar, en la medida de lo posible, que los nuestros caigan en células de malvivientes o que sean víctimas de éstos.

El destacado dramaturgo Alejandro Román, uno de los mexicanos más galardonados por su capacidad creativa, se ha especializado en captar universos aciagos. Sus textos son de excelente factura. Delínea a sus personajes en forma minuciosa, dejando ver cómo piensan y proporcionando referentes de su entorno, con lo cual el espectador percibe el por qué de su actuar. Por lo general, son seres en situación límite, a causa de faltas de oportunidad por las circunstancias que los rodean, sin propósitos firmes para salir de donde están. No han recibido educación, se sienten marginados y, por consiguiente, ven la vida de otro modo. Simplemente están en la jungla de asfalto y su consigna es matar o morir.

Alejandro, hombre culto y sensitivo, ha escrito sobre feminicidios, secuestros, desaparecidos, narcotráfico y mucho más. En una de sus más recientes entregas, denominada Mundo killer (Mundo asesino), los personajes son cuatro: René, Leonardo, Paula y León.  René es travestido, actúa como stripper -bailarín que se desnuda- y se prostituye. Su proxeneta es Leonardo. Entre ellos no existe amor, lo que prevalece es el sexo. Mientras más hombres haya en la vida de René, mayor será la ganancia para Leonardo. Si acaso hay algo que le pudiera molestar es que en ocasiones René apesta.

Paula y León son pareja. Para obtener ingresos, él le entra a todo, igual roba que mata, secuestra o vende drogas. Si algo les llega a sobrar, ellos lo consumen y esa es su “felicidad”. Carecen de aspiraciones. No ven el trabajo como algo para construir un futuro. En todo caso, esperan recibir alguna herencia.  El lenguaje es altisonante -no podría ser de otra manera, pues se perdería autenticidad-. Los cuatro hablan de sus excesos, incluso de orgías. Es su forma de vida. En cuanto a sus fechorías, lo ven como algo natural, no dan importancia alguna a la vida ni a la muerte. Comentan que en ocasiones han matado por accidente, tan sólo porque en un momento dado se les pasa la mano.

A cargo de la dirección escénica de Mundo killer se encuentra Guillermo Navarro, proveniente de Veracruz, cuya trayectoria ha sido no sólo en México sino en Francia, donde participó en la celebración del trigésimo aniversario del teatro de Versant, convocado a realizar tres coproducciones. Navarro también es reconocido en el campo de la docencia. Su labor de dirección para Mundo killer es impecable, aprovecha a fondo el espacio y diseña coreografías acordes con el relato. Aun cuando la superficie es de poca dimensión, se aventura a introducir cambios, invirtiendo la escenografía.

El dispositivo escénico y audiovisual es creación de Pablo Romero. Si bien, la escenografía refleja el entorno en que viven los parias, con el cambio que introduce el director, el público -a muy corta distancia- puede ver claramente que la supuesta cama no es sino un taburete triangular con ruedas. Esto propicia que el espectador salga de la ficción y, peor aún, si llega a suceder algún accidente, como caerse de la cama tan pequeña, pudiera provocar carcajadas en lugar de asombro. En cuanto al multimedia, éste hace que el montaje sea visualmente atractivo, toda vez que está muy bien diseñado.

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Con el vestuario se repite el hecho de abandonar la ficción. En general, es apropiado, pero se nota cierto descuido, como, por ejemplo, en unos burdos parches en un pantalón que porta León. Sabemos que los jóvenes prefieren traer los pantalones desgarrados que parchados.

El elenco está conformado por Domingo Mijangos (René), Mauricio Vázquez (Leonardo), José Ángeles Cástulo (León),  Pilar Castillo (Paula) y Diego Cervantes (participación especial). El trabajo corporal de todos es acertado. En el área del histrionismo, destaca Domingo Mijangos, quien interpreta a su personaje en forma convincente.  Mauricio Vázquez  y  José Ángeles Cástulo cumplen con su labor, pero les falta expresividad. A Pilar Castillo, quizás, la traicionan los nervios, pero su desempeño resulta plano. Ninguno de ellos tres utiliza adecuadamente una de las más importantes herramientas del actor, que es la voz. No la modulan en absoluto. Diego Cervantes está bien en su participación.

La producción ejecutiva fue encomendada a Yazmín Jáuregui y los textos de Alejandro Román tienen gran valor humano y antropológico. Hay cosas que no quisiéramos que existieran, pero es mejor ir a verlas al teatro que en la vida real. Atrévete a confrontarte con el mal y acuda a ver Mundo killer.  El relato despertará tu interés de principio a fin.

Mundo killer se presenta los domingos a las 19:00 horas en el Espacio urgente 2 del Foro Shakespeare ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa -cerca de la estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 26 de septiembre de 2016.

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

 

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Todos hemos sufrido pérdidas.  Desde luego, las humanas son las más dolorosas.  Cuando un ser amado se va caemos en el desconsuelo.  Si perdemos un amor o una amistad, no sólo nos duele sino que lo extrañamos.  Perder la salud es de lo peor que puede ocurrir y perder la memoria es mucho muy triste.  Por otro lado, también están las pérdidas materiales.  Existen casos en que por un mal negocio o inversión se han perdido fortunas enteras, lo cual devastaría a cualquiera.  En la vida cotidiana, perdemos objetos que son nuestros preferidos sea por sentimentalismo, por quien nos lo obsequió o simplemente porque no nos gusta perder lo nuestro.  Es posible que perdamos más tiempo del debido al tratar de encontrar algo perdido.  De cualquier forma, nos entra la nostalgia.

 

Ángel Luna, a quien hemos conocido, primero como actor, en obras tan exitosas como Monster Truck,  Abrasados  y  Desvenar, entre otras, y después, como director de escena en Satisfaction(aún en cartelera).  Aquellos que vieron Desvenar, saben que Ángel es cantante, pero pocos saben que también es músico.  Ahora, Ángel echa mano de sus conocimientos y experiencia para incursionar en la dramaturgia con LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS, un texto estructurado que describe un lugar utópico donde se puede encontrar todo lo perdido, sea tangible o intangible.  Alude a lo que es irrecuperable, lo que nunca se ha tenido y lo que está verdaderamente perdido.  Hace referencias al álter ego y a mundos alternativos.  Se aventura a exponer su propia teoría del bing bang.  El final no es complaciente, pero sí esperanzador.

 

Los personajes son cuatro:  Mario, una mujer sin nombre, Globo y Glänzend.  Los tres primeros están en búsqueda de algo y, por ello, deciden emprender el viaje.  Mario perdió al amor de su vida.  Un día recibe una carta de la mujer amada, citándolo en el Caribe. Desafortunadamente, durante el trayecto pierde la memoria y no recuerda qué es lo que lo impulsó a ir allá.  El deseo de la mujer sin nombre es encontrarse a sí misma, saber quién es.  En tanto que Globo es un niño que durante mucho tiempo ha estado esperando a su padre, hasta que decide buscarlo.  Gläzend es quien los llevará al lugar de las cosas perdidas.  Al contrario de Caronte, el barquero que transportaba las almas de los muertos hasta el reino del inframundo, Glänzend ofrece un viaje hacia la esperanza.

 

De vez en cuando, los personajes se desdoblan y expresan sus pensamientos a una sola voz.  Asimismo, hay interacción con el público, lo que propicia que el espectador se integre mejor y, tal vez, al evocar memorias personales en algún momento sienta que se está escenificando algo que le inquieta.

 

No sabemos si Ángel creó primero la historia y luego la acción o viceversa, el caso es que nos presenta una historia donde la palabra va de la mano con el movimiento, en forma tan coordinada que lejos de opacarse el uno al otro, ambos lucen por igual.  El creativo diseño del dispositivo escénico consiste en la exploración de un sinfín de posibilidades tanto en los elementos escenográficos como en la corporalidad humana. Parte fundamental ocupa la composición musical y las consistentes letras de las melodías, todo lo cual es concebido exclusivamente para el proyecto.  Los actores cantan individual o al unísono, acompañándose tan solo por un ukelele que ellos mismos ejecutan, logrando una excelente acústica.  El resultado es estético y la dinámica impresionante. La labor de dirección por parte de Ángel es impecable.

 

¿Qué mejor lugar para hallar una utopía que el mar?  El relato está enmarcado junto al mar, ante una inmensidad insondable y con los sonidos propios del lugar -unas cajas con arena cuya resonancia es tan tranquilizadora como la de los palos de lluvia.  El viaje da inicio en un muelle que después se irá transformando en múltiples figuras tal como se logra en el juego Lego con el que construimos tantas cosas en la niñez.

 

La elección del elenco y del equipo creativo es inmejorable.  Los jóvenes actores Andrés Torres Orozco (Glänzend),  Xóchitl Galindres (Globo), Florencia Ríos (la mujer sin nombre)  y  Aldo Barhego (Mario) encarnan a los personajes proveyéndolos de expresiones y tonos de voz adecuados.  Su labor histriónica y corporal es estupenda.  Han abrazado con calidez el proyecto y muestran su compromiso desbordando entusiasmo sobre el escenario.

 

Contribuyen a la magia para que el espectador pueda ver el entorno onírico Roberto Paredes mediante su iluminación y Emilio Narváez en la realización del dispositivo escénico.  Laura Álvarez Zanollo capta la esencia de la obra al diseñar y realizar un vestuario con colores llamativos, básicamente rojo, azul y amarillo, con los cuales juega dándoles variación, de modo que cada prenda luzca distinta.  La fotografía es de Carlos Alvar, en tanto que el diseño gráfico es de Roxana Deneb y Diego Álvarez.

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De la producción, difusión y relaciones públicas se hace cargo Sandra Narváez.  Adriana Jiménez brinda asistencia en la difusión.

 

Se dice que a través de una obra conocemos un relato y también parte de la esencia del autor.  De ser así, vemos en Ángel a un joven sensible y soñador, pero con los pies bien firmes sobre la tierra, mente brillante llena de pensamientos y reflexiones, imaginación ilimitada, determinado a vivir en un mundo mejor y luchando por ello desde su trinchera, no con armas, sino con sus artificios teatrales.  LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS ha recibido su primer reconocimiento al resultar ganadora en el Circuito de Jóvenes Directores y Dramaturgos.

 

¡No se diga más!  Quedas cordialmente invitado a zambullirte en la frescura de un mar de ilusión.  Tus compañeros de viaje serán jóvenes bellos que te contagiarán su energía y buena vibra.  A su lado comprenderás que la vida es un privilegio que a cada momento ofrece algo nuevo.  Sigamos adelante y disfrutémosla al máximo, dejando de lado la añoranza por lo perdido, pues esto sólo desgasta.  Guardemos en el corazón el amor de quienes han partido y en nuestra memoria lo vivido a su lado.  Lo material siempre puede reponerse o sustituirse.   ¿A poco no se te antoja?

 

LA NOSTALGIA DE LAS PEQUEÑAS COSAS

se presenta  sábados  y  domingos  a las 13:00 horas  en el

FORO A POCO NO

ubicado en República de Cuba número 49, Centro Histórico

-cerca de la Estación Allende del Metro-, Ciudad de México.

La temporada concluye el domingo 2 de octubre de 2016.

 

5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO

5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

 

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Bien dicen que el hábito no hace al monje, al igual que un vestido no hace a una mujer.  Por debajo del vestido, hay un ser humano con sus propios defectos, virtudes, pensamientos, anhelos y logros, pues ha sido educada bajo distintas premisas, le han inculcado diversas normas, ha vivido en circunstancias ajenas a los demás, ha enfrentado retos y problemas particulares.

 

El guionista, director y productor de cine y televisión norteamericano Alan Ball, nacido en Atlanta, E.U.A. en 1957, quien ha tenido éxitos tan connotados como Belleza Americana, por la cual recibiera el Oscar en el año de 1999, aborda el tema al que aludimos en el párrafo anterior, al escribir 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO, una comedia que narra conversaciones sostenidas por cinco mujeres durante un banquete nupcial.

 

Antaño, era costumbre que las damas de honor de una boda fueran vestidas exactamente igual.  Como las tradiciones han ido cambiando con el tiempo, hoy en día, la tendencia es que lleven vestidos en un mismo color, con la libertad de añadir ciertas variaciones, según sus propio estilo o preferencias.  Ésta es la línea que se sigue para el montaje actual de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO.  Así que, dejando de lado que sea un mismo vestido, portan atuendos similares.

 

El texto de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO versa sobre la amistad, las relaciones familiares, perspectivas de vida, ideas sobre, el amor el sexo y la lealtad.   La recepción de una boda muy elegante se lleva a cabo en la residencia de Tracy, la novia.  En un momento dado, abrumada por el ruido de la fiesta, Francis, prima de Tracy se resguarda en la habitación de su otra prima, Meredith.  Pronto esa recámara se irá convirtiendo en el punto de reunión de las cinco damas de honor.  Además de Lorena y Meredith, las otras son Trisha, Georgina y Mandy.

 

A través de lo que conservan, poco a poco se irá develando la personalidad de cada una.  Todas se sienten en confianza y hablan de toda clase de asuntos, lo que propicia que salgan a la luz secretos que, tal vez, ninguno de los invitados a la boda sabe.  Se escucha que a una le divierte trabajar en una tienda popular de hamburguesas, no obstante su familia es adinerada.  Otra afirma que está determinada a llegar virgen al matrimonio, gracias a que es Cristiana y respeta mucho los principios que le han inculcado sus padres.  Alguien asombra a todas al compartirles que sabe de las infidelidades de su esposo y está empeñada en vengarse.  Divierte la que afirma ser muy sociable cuando en realidad es promiscua.  El coraje que siente la flamante cuñada de la novia porque no le permitieron llevar a su pareja, a fin de que los demás no se enteraran de que es lesbiana.  A final de cuentas, descubren que a pesar de ser distintas, como mujeres se entienden las unas con las otras y se respetan.

 

Javier Yerandi, egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México     -UNAM- y del Centro de Educación Artística de Televisa -CEA-, con casi tres décadas de trayectoria se hace cargo de la dirección escénica.  Su labor es acertada, aprovecha bien el espacio, diseña una coordinada coreografía y balancea adecuadamente la participación de cada una de las integrantes de su elenco.

 

La labor histriónica y corporal es homogénea, en virtud de que las cinco actrices se desempeñan al mismo nivel sobre el escenario.  Lorena San Martín es Francis, prima de la novia.  Sandra Kai es Meredith, hermana menor de la novia.  Esperanza Rendón es Trisha.  Erika Blenher es Georgina.  América Gabriel es Mandy.

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El traductor y adaptador de la obra es José Olivares.  El diseño de escenografía e iluminación es de José Luis Lejarezu, quien se inclina por representar una amplia recámara tradicional y lujosa.  El realizador de la escenografía es Daniel Ramírez.  Los elegantes vestidos de fina caída son diseño de Elba Camacho, quien está a cargo del vestuario.   El diseño corresponde a Dorian Daimon.  El programa de mano fue diseñado por Leticia Pérez del Valle.  La fotografía es de Francisco Calvillo y el video de Francisco Casasola.

 

Javier Yerandi es productor y director, además de encargarse de la ambientación y la musicalización.  El productor asociado es pablo Jiménez.  La gerente de producción es Susana Campos.  Las relaciones públicas las lleva Lourdes Gómez.

 

El montaje es de corte comercial y cumple con el objetivo de brindar entretenimiento.  Apadrinaron el estreno de 5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO Rosa Gloria Chagoyán, mejor conocida como “Lola la trailera” y su esposo, el productor Raúl Rolando Fernández.

 

No fuiste invitado a la boda ni conocerás a Tracy, la novia, pero puedes ser testigo de todo lo que conversan cinco bellas mujeres, elegantemente ataviadas y con atractivas figuras.  Te enterarás de muchos secretos y, sin duda alguna, te divertirás.

 

5 MUJERES CON EL MISMO VESTIDO

se presenta los jueves a las 18:30 horas y 20:30 horas en el

TEATRO OFELIA

ubicado en Thiers número 287 -muy cerca de la Avenida Mariano Escobedo-,

colonia Anzures, Ciudad de México.