Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 
Rotundo: 2016 año Récord en Musicales

 

Aunque quizá incompleta, aquí tienen una lista: Jekyll & Mister Hyde, Normal, Carrie, Aplauso, Menopausia, Hombre de la Mancha, Si tu no vuelves, Celia, Tandas y Tundas, Re Evolución, Marta tiene un marcapasos, Yo soy Chavela, Scooby Doo, Rent, Amor Eterno, El Jorobado de Notre Dame. Para la libertad, El último Teatro del Mundo, Entre Sapos te veas, creo se estrenaron un año antes.

En breve, evaluaremos los mejores musicales del periodo.
Señor Clarini: con Aziz Gual

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Camila Villegas escribe este libreto para recordar a su tatarabuelo Ricardo Bell, quien vivió en el Siglo XIX, la narración es llevada por Celia su hija, en diversos momentos convive con el productor circense y actor del género llamado hoy Clown, pero que en la infancia conocimos como “Payaso”, que podrá tener muy diversas manifestaciones y estilos, el que es elegante, vagabundo, tramposo, malabarista, acróbata; toca el botellófono, hace magia o domina cualquier otra disciplina que domine, como Aziz Gual, con quien hemos convivido recientemente, es de amplísima cultura y domina con maestría varias de estas disciplinas.

Las escenas avanzan en una carpa, dentro de una cama de hospital, silla de ruedas, para demostrarnos el dominio del tempo escénico, siempre estará rodeado de malabaristas, acróbatas, un grupo musical nos da el tono que necesitan las diferentes actividades y rutinas, pues nadará en el mar o se sentará a tocar el acordeón.

Tierna narración con el estilo del Clown, que percibo esta basado en ritmos lentos y mostrar poco a poco el alma, me gustó, sobre todo para dar el justo reconocimiento a un teatrista completo, Aziz, quien tiene una escuela en Cuernavaca. En el Helénico, cada lunes a las 8:30pm.

 

La Brigada Roja, monstruos y kung fu

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Temas y formas se reiteran en la cartelera, es una buena noticia que haya propuestas con enfoque diferente, en este caso nos llevan a un país extraño en que hay artes marciales y comida con arroz. Vemos una guerra en la que las mujeres son guerreras de excelencia, en el boletín dice que viven “violencia de género” lo que sería malentender contextos de la historia, ¿Adelita vivía en un mundo machista?, nadie se lo había preguntado, la independencia y la revolución hicieron que alguien peleara, generalmente eran hombres y parte del botín de guerra implicaba robar y esclavizar a todos, mujeres y varones. Pero en fin, es para ser agradables a la moda sociológica-mercadotécnica. Buen trabajo que podría ir mejorando en la credibilidad de artes marciales y combate escénico, pues siempre podrá lucir más. La anécdota es sencilla, un grupo invade y maltrata a otro, con lo que se entra en la búsqueda de venganza y el maestro enseña el camino de la no violencia, hasta que esto sea posible, una metáfora acorde con la época de confrontación -por el mínimo detalles.

El Autor del texto es Hiram Molina y su elenco, Andrómeda Mejía, Elena Gore, Erick Barba, Karla de la Loza, Michelle Temoltzin, Nidia Dodi, Oscar Acevedo y Russel Álvarez, bajo la dirección de Anabel Domínguez. Lunes y martes a las 8:30 hrs. Termina el 12 de diciembre.

 

HARUKI (¿EXISTEN LAS BRUJAS?)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

 

Mi generación creció pensando y creyendo que las brujas existían, de hecho si uno se portaba mal las abuelas amenazaban con la posibilidad de ser llevado por uno de esos seres abominables. Hoy día es dudarse que los niños, al menos en su mayoría, ni remotamente creen en esas mujeres vestidas de negro, sombrero picudo y volando en escoba.

 

La pregunta es: ¿Existen las brujas? Al menos en el teatro son una realidad, como lo demuestra el talentoso dramaturgo Hiram Molina, autor de HARUKI, entre varias obras exitosas para infantes.

 

La sinopsis refiere: “Un día Haruki sueña que una bruja se lo quiere llevar y al día siguiente desaparece. Cuando Hiroshi se da cuenta de que su hermano Haruki no está por ninguna parte, emprende una búsqueda a través de un viaje fantástico al lado del Maestro, quien decide ayudarlo para encontrar a su hermano menor”.

 

Si bien se trata de una ficción, de una fantasía, hay mucho fondo filosófico, secretos de vida para toda una existencia, el tiempo juega un rol protagónico; se puede afirmar hay algo, tal vez mucho, de terrorífico, sin embargo, hay una belleza literaria, aun cuando en ocasiones cae de lleno en lo narrativo. En concreto “si no cuentas tus sueños y pesadillas se pueden volver realidad”

 

Anabel Domínguez, injustamente poco valorada y por lo mismo poco reconocida, nos vuelve a sorprender con su propuesta de dirección. Multimedia como hecho creativo no como recurso desgastado ante la falta de imaginación; música ambiental provoca la atmósfera idónea para el desarrollo de la trama; títeres que cobran vida, excelentemente manipulados. Decir más sobre ella sería entrar de lleno a la alabanza inútil, Anabel habla por sí misma.

 

Las actuaciones, junto con la manipulación, a cargo de Hiram Molina (alterna Russel Álvarez), Madeleine Sierra (comparte crédito con Christel Klitbo) y la propia Anabel Domínguez. Cuando hay texto y dirección, el círculo se cierra con el trabajo histriónico, en este caso de indiscutible calidad.

 

Se debe reconocer, Haruki Teatro es una compañía interesada en presentar buenos montajes para los infantes y, por fortuna, también lo gozamos los adultos. La compañía coproduce con Eloy Hernéndez y el Foro Shakespeare, este último sede de la temporada que se llevará a cabo hasta el 17 de diciembre, los sábados a las 13:00 horas.

ETIOPÍA

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

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Tal vez por la vida tan agitada que hoy tenemos, en que la economía nos obliga a tener dos trabajos o más, el tránsito a toda hora es caótico, el tiempo que invertimos en trasladarnos de un lugar a otro, estamos aprovechando al máximo la nueva tecnología.  En muchas ocasiones, en lugar de ir a visitar a alguien, preferimos conversar a través de chats, mensajes de texto, o cualquier otra aplicación que tengan nuestros modernos teléfonos celulares.  Hemos creado una zona de confort, en la que no tenemos que dedicar mucho tiempo a las conversaciones, incluso inventamos abreviaturas para agilizar la escritura, dejando de lado la ortografía tradicional.  Con esto, sentimos que podemos estar en contacto con quien elijamos con tan sólo mover los dedos.

Esto está tan generalizado que, sobre todo, los jóvenes, antes que comprarse ropa, prefieren tener un celular de alta tecnología.  Lo consideran un artículo de primera necesidad, en lugar de verlo como un lujo.

Algunos han llegado al extremo de utilizar aplicaciones para conocer gente, perdiéndose de la calidez que da encontrar a alguien y poder verlo cara a cara.

Esto es parte de lo que refleja el actor y dramaturgo Alberto Wolfgang en su obra más reciente denominada ETIOPÍA.  Aun cuando el título nos sugiere que es algo sobre la República Democrática Federal de Etiopia, el segundo país más poblado del continente africano, después de Nigeria, no se trata de éste, sino de personas que viven en los alrededores de la Estación ETIOPÍA del Metro de la Ciudad de México. La sinopsis promociona de ETIOPÍA es la siguiente:  “Las relaciones disfuncionales de la actualidad en una época donde las formas de “comunicación” nos permiten evadirnos del verdadero sentir personal, escondiendo el dolor y la soledad. Todos estamos solos, pero podemos estar juntos. … Un viaje que va desde la capa gris de una ciudad, hasta el eco del susurro de los fantasmas personales del desierto. ‘Los demonios vuelven al cielo. Alas siempre han tenido’.”

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Los protagonistas de la historia de Alberto son tres:  un tío abuelo, su sobrino y una joven.  Cada uno de ellos tiene cargos de conciencia que no los dejan tranquilos.  Celedonio Cecilio, a quien cariñosamente llaman Totío -apócope de abuelito-tío-, sabe que no fue un buen esposo, a pesar de que amaba profundamente a Amalia.  Hoy en día extraña a su difunta esposa y a su pierna, misma que perdió a causa de una enfermedad.  Es un tipo que sólo ve por sí mismo y toma ventaja de todo lo que tiene a su alcance.  Es adicto a su iPhone y le encanta usar la aplicación Tinder.  Es ahí donde conoció a su actual novia.

Su sobrino Arcady acaba de salir de la cárcel, estuvo largo tiempo encerrado a raíz de un accidente automovilístico en el que atropelló a un hombre.  Es el único al que no le interesan los celulares, pues ni siquiera los conocía.  Emma es una joven que trabaja y se ejercita.  Lo único que le aterra es la soledad, así que con tal de tener compañía tiene a su peor-es-nada, a quien, desde luego, no ama.  En el pasado, ella y Arcady mantuvieron una relación, así que se alegra al verlo de nuevo después de años.

Estos tres seres tan distintos entre sí, un buen día, deciden hacer un viaje.  Se van al desierto de Wirikuta -uno de los territorios más sagrados de los indígenas wixarika (huicholes)-, en el Estado de San Luis Potosí.  Al igual que los huicholes quieren consumir el hikuri -peyote-.  Si quieren saber qué sucede durante su travesía, habrá que ir a ver ETIOPÍA.

La labor de dirección por parte de Cristian Magaloni es impecable.  Logra un buen trazo de movimiento escénico, a fin de alternar distintos tiempos y espacios.   El ritmo es fluido.

El elenco está conformado por Jaime Garza como Totío,  Alberto Wolfgang como Arcady  y  Roxana Andrade como Emma.  Los tres brindan un buen trabajo histriónico y corporal.

El diseño de escenografía -tan solo unas cajas de madera, pero prácticas y multifuncionales- está a cargo de Patricia Gutiérrez Arriaga, a quien también se debe la variada iluminación.  El Maping es creación de Lizo Sambrano.   Reno Bëltz brinda asistencia de dirección y producción.

Participan también Edgar Sánchez en realización de escenografía,  Gloria Castro en redes sociales,  Johnatan Molina en diseño gráfico,  Alberto Castañeda en Personal técnico foro emergente 2.

La producción es de Gisela Sandoval y Mariano Ducombs.

Una obra que habla de soledad y culpabilidades no resueltas en la época en que vivimos, donde la comunicación es mejor a través de aparatos que en persona, sin pensar en que es una manera de abstraerse de lo cotidiano, o bien, de tratar de ocultarse hasta de sí mismos.  Una historia particular, acertada dirección y actuaciones convincentes.  Recomendable.

 

ETIOPÍA

se presenta cada sábado en dos funciones, a las 18:00 horas  y  a las 20:00 horas,

en el ESPACIO URGENTE 2 del FORO SHAKESPEARE,

ubicado en la calle de Zamora número 7, colonia Condesa -cerca

de la Estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México.

La temporada concluye el sábado 17 de diciembre de 2016.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

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En el Teatro López Tarso hay un “Fantasma en el Espejo”

 

Obra muy especial, el texto es de Susan Hill, autora de La dama de Negro, que se estrenó hace 22 años, cuando el boleto costaba cien pesos, por cierto, fui al estreno en el Arlequín y tuvo una temporada exitosa, inició un largo viaje que le ha llevado a cumplir 22 años con seis mil funciones. Las épocas son diferentes, la tecnología era rudimentaria, sonido, luces y efectos, el éxito fue el ritmo, dirección y elencos; poco a poco se ha ido introduciendo tecnología en ella. La de 2016, demuestra la malicia escénica de la autora, traductor y equipo actual, usted sabe, adapta Oscar Ortiz de Pinedo, producen Jorge y Pedro con un elenco equilibrado, Pablo Valentín, Sergio Zaldívar, Juan Diego Covarrubias, César Ferrón, Alicia Paola, quienes interpretan diversos personajes.

Está en el Teatro Ignacio López Tarso de San Ángel en Avenida Revolución, los fines de semana los puede ver, por cierto, felicitamos su estrategia de precios, están realmente accesibles para llevar a toda la familia. Usted ha visto, que los boletos se han ido poniendo inaccesibles para el promedio del consumidor. No le voy a contar la historia, que tiene como motivo central un libro que será leído poco a poco para involucrarnos en una maldición familiar, hay secuencias sobre la escena, otras estarán mezcladas con desplazamientos de los actores por los pasillos. La estética visual es obscura para que relajemos (o alertemos) los sentidos y nos dejemos llevar al territorio de las sorpresas, suspenso y emociones.

El humor está mezclado, en ocasiones pensamos: ¿me río porque estoy medio nervioso? Vimos caras descreídas, pero podía ser pose para mostrarse inmunes al miedo, otras personas se dejaron llevar por la magia de esa producción y gritaban sin apenarse para nada. Anuncian breve temporada, que deseamos no sea tan corta, porque el teatro de suspenso es un género poco frecuentado y muy pocos han podido sostener sus temporadas. Es un Thriller, con momentos de humor negro.

 

Dos invitaciones curiosas: Nada y Don Juan

 

Nos invitaron a ver “Nada” de Janne Teller, dirige Mariana Giménez. Llegamos al Santa Catarina y no era “función para prensa” sino “sesión de imágenes” (como las grandes producciones) nos pasaron unas escenas breves y evitaron platicar el contenido de la obra, para “mantener el suspenso”, actúan Eduardo Abraham, Lila Avilés, Pablo Marín, Andrea Riera, Lucía Uribe, Leonardo Zamudio y después supimos que les faltaba memoria y estaban en proceso, se les notaba, había movimientos y textos todavía no “agarrados”.

Para disipar tan profundo misterio busqué el contenido en la web ”novela para preadolescentes: un muchacho llamado Pierre Antón abandona la escuela y se sube a un ciruelo, reclama a gritos que la vida no tiene sentido, a partir de esto van subiendo de tono las quejas existenciales y sus compañeros le llevan objetos que piensan darán sentido a su vida” Al estilo de Pablo Perroni en “Puras cosas maravillosas” que escribe un diario para provocar alientos de vida a su madre -quien tiende al suicidio-.

Es difícil que un crítico vaya dos veces a un cierto foro para intentar ver una obra. Así que les deseo suerte.

 

Otra invitación hilarante es la que hacen a “Don Juan” (se sobreentiende que es una variante al Tenorio) para ver una lectura dramatizada. En el Teatro Helénico con las actuaciones estelares de Sofía Sisniega, Nacho Tahan, Salvador Petrola, Norma Angélica, José Caballero, Jorge Ávalos, María José Brunet, Ramón Márquez, Santiago Zenteno, Ernesto Coronel y Patricia Yáñez. El objeto de esa lectura es tomar imágenes (fotos y video) otra sesión de fotos, pero texto en mano.

Conclusión: No hay obra, apenas la están ensayando y estrenaran posteriormente. Hágame el favor, fotos y video de una lectura -obra por la que cobraran boleto- más bien parece ser un estreno prematuro. Dos obras que habré de pensar: ir o no ir…

 

LA CRÍA

Por: Eugenia Galeano Inclán

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Los animales actúan por instinto y los seres humanos gozan de raciocinio.  Sin embargo, en lo que se refiere al cuidado de sus crías, sea instintiva o razonadamente ambos proceden en forma similar.  Por ejemplo, las aves construyen minuciosamente los nidos donde albergarán, cobijarán y protegerán a sus crías, desde el momento en que la hembra pone los huevos hasta que las avecillas despliegan sus alas por sí mismas.  Las mujeres llevan en su vientre al bebé a partir de su concepción hasta producirse el alumbramiento, y mantienen su cuidado durante toda la vida.

 

Antaño era costumbre que si una pareja contraía matrimonio, procreará lo más pronto posible.  Hoy en día ya no es así, pues se puede decidir cuándo ser padres o, simplemente, no serlo.  Muchas mujeres optan por no ser madres jamás, en tanto que para otras es el anhelo más grande en sus vidas.  Hay quienes llegan a obsesionarse con la idea.  La llamada “dulce espera”, a veces no lo es tanto, dado que algunas mujeres se preocupan en extremo por el bienestar del bebé y suelen tener pesadillas horribles, en las que imaginan que llega enfermo o anormal.

 

Carlos Talancón, actor y dramaturgo mexicano, quien ganara fama con su obra “El Nahual”, un monólogo escrito y actuado por él, mismo que resultó ganador  en el séptimo Rally de Teatro Independiente y, posteriormente, se anotara otro éxito con “Últimas alucinaciones de un hombre muerto”, concibe ahora LA CRÍA, una mezcla de amor filial, relación de pareja, impotencia, carencias, sacrificio y un enorme deseo por proveer de todo lo necesario al hijo, todo esto relatado con un humor negro tan marcado que llega a ser espeluznante.

 

LA CRÍA fue seleccionada como finalista en el Premio Nacional de Dramaturgia Joven Gerardo Mancebo del Castillo en el año 2014 y cuenta con el apoyo del Programa Fomento y Coinversiones del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes -FONCA-.

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El estructurado texto de LA CRÍA narra la historia de una joven pareja que vive en condiciones muy precarias.  Ambos tienen que lidiar con la sombra de haber perdido a su primogénito, lo cual les produjo un dolor insoportable.  Tienen la convicción de que a su segundo hijo no le pasará lo mismo.  Están dispuestos a dar absolutamente todo para alimentarlo y protegerlo.  El principal problema de ellos es que sus hijos no son bebés comunes, sino por el contrario, nacen monstruosos, son enormes y tienen un hambre desmedida.  Les es imposible tenerlo dentro de su vivienda, por lo que lo mantienen aislado en un ático apartado. Ellos llegarán hasta las más imaginables consecuencias, sin límite alguno, con tal de brindar protección a su hijo.  El mundo exterior es representado por un inspector que los visita, para vigilar que la crianza del “pequeño” sea la apropiada.

 

El propio autor toma a su cargo la dirección de LA CRÍA y realiza una labor impecable.  En un montaje austero que refleja la lúgubre cotidianidad de los personajes -cual si vivieran encerrados en una jaula-, diseña un acertado desplazamiento actoral, mantiene buen ritmo y aprovecha a fondo el espacio escénico.

 

El elenco está conformado por Miriam Balderas, Emmanuel Morales y Javier Sánchez.  Tanto Miriam (la madre), como Emmanuel (el padre) muestran su complicidad con el autor para hacer que la historia resulte lo más verosímil posible.  El histrionismo y la corporalidad de ambos es de extraordinaria intensidad. En particular, el trabajo corporal de Emmanuel es realmente impresionante.  Javier (el Inspector) realiza breves intervenciones con atinada circunspección.

 

El diseño sonoro creado por Rodrigo Castillo Filomarino coadyuva enormemente a proveer al proyecto del entorno idóneo a través de la resonancia de tétricos acordes.

 

La adecuada escenografía y la bien administrada iluminación son creación de de Miguel Moreno.  La producción está a cargo de Erick Saúl Elizondo y, como productor asociado, funge La Gracia Producciones.  Sandra Narváez es la encargada de prensa y difusión.

 

El espectador encuentra en LA CRÍA una historia que lo mantendrá en suspenso de principio a fin, en un original montaje con actuaciones plenas de vehemencia y una estupenda musicalización.  El texto invita a reflexionar sobre hasta qué punto debe ser la responsabilidad de crianza de un hijo.  Desde luego, el sórdido relato es exagerado, pero existen casos de sacrificio casi ilimitado.

 

LA CRÍA

se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el

FORO LA GRUTA del CENTRO CULTURAL HELÉNICO

ubicado en Avenida Revolución número 1500, colonia Guadalupe Inn

-cerca de la Estación Barrancas del Muerto del Metro-, Ciudad de México.

La temporada concluye el miércoles 14 de diciembre de 2016.

 

ALGUNAS HISTORIAS

Por:  Eugenia Galeano Inclán

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Cuando somos niños, de pronto llegamos a la edad de los “¿por qué? “.  Atosigamos a nuestros padres con preguntas sobre todo tipo de temas.  Conforme crecemos, esto continúa latente.  Igual y hasta desarmamos -por no decir destruimos- algún juguete sólo para verlo por dentro y tratar de entender cómo funciona.

 

Más adelante, nos interesamos por la ciencia,  la matemática, la computación, los deportes, la automovilística, en fin, el universo entero.  Estamos ávidos de conocimiento y de desentrañar secretos.  A todo lo desconocido lo rodea un halo de misterio y anhelamos develarlo.

 

Descubrir algo produce excitación y asombro y es bastante satisfactorio.  Imaginemos qué habrá sentido Cristóbal Colón al llegar a un Nuevo Mundo tan distinto al que habitaba. Hemos experimentado esa sensación cuando logramos resolver un problema algebraico,  cuando hacemos algo que no habíamos hecho, cuando amamos por vez primera, cuando se nos dice un secreto que ni imaginábamos.  Es un hecho que ese placer es personal y,  por lo general, inolvidable.

 

Es difícil que alguien nos revele sus intimidades, por ello, hay que estar alertas cuando ocurre.   Laura Almela es sin lugar a dudas una de las mejores actrices con las que cuenta nuestro país.  Sin importar rango de edad, género o fisonomía, ella interpreta cualquier personaje, el cual resulta más que convincente.  Con cada una de sus interpretaciones, Laura reafirma que la esencia de la teatralidad radica en el arte del actor.   Ella forma parte del muy selecto grupo de histriones que hacen que el público vea y palpe lo inexistente.

 

En forma espontánea y generosa, a través de ALGUNAS HISTORIAS, Laura nos comparte su táctica personal para explorar su creatividad escénica.  Cómo aborda personajes cuando no está trabajando ni estudiando el texto de algún proyecto en puerta.

 

Laura lee cuentos.  Muchos dirán: “¡yo también leo!”  Es cierto, pero Laura no sólo los lee, los vive, los vibra, llega hasta el rincón más profundo de cada detalle y encarna a los personajes que ahí residen.  Al respecto, nos dice “…  Estas historias forman parte de mi proceso personal, son resueltas en forma libre y partiendo de determinados pasajes mentales, estados de ánimo, asociaciones o simples y descarados deseos de jugar … “.

 

El caso es que Laura ilumina la historia o cuento con infinidad de colores y provee a los personajes con una amplia gama de matices.  Un trabajo insuperable.  Lo que para ella es parte de su proceso, para el público es algo impresionante. Nos lleva de la mano por caminos y situaciones que vemos con los ojos de la mente  y  nos conmueve profundamente con el acontecer del personaje.

 

Los autores a los que Laura acude para ALGUNAS HISTORIAS son Juan José Arreola -escritor, académico, traductor y editor mexicano, nacido en Jalisco-,  Alice  Munro -escritora canadiense, reconocida como una de las mejores cuentistas vivas, hay quienes la consideran la Chéjov de Canadá-,   Henry Graham Greene -escritor, guionista y crítico británico-,   y  Hector Hugh Munro, conocido por el pseudónimo de Saki -escritor, novelista y dramaturgo británico-.

 

Acompaña a Laura Almela, ejecutando música en vivo, Daniel Hernández Mena entre una y otra historia.  El acertado diseño de iluminación es de Gabriel Pascal.

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ALGUNAS HISTORIAS no es una obra de teatro ni un montaje, es una puesta en escena única e irrepetible que expone la creatividad personal de una destacada actriz.  Algo verdaderamente digno de verse.  Teatralidad pura que nos lleva por caminos insospechados en un intercambio energético incomparable. Para quienes se dedican al quehacer teatral es una auténtica master class y para todos en general una experiencia sublime.

 

Apresúrate a vivir el teatro y cargarte de energía.  Laura Almela te hará reír, emocionarte y tal vez llorar.  Lo disfrutarás tanto que querrás acudir varias veces y siempre verás algo distinto, pues los cuentos varían cada semana.  Es algo entrañable, además, la entrada es libre, sólo tienes que reservar previamente al 55 35 12 91, de 11:00 a 14:00 horas.

 

ALGUNAS HISTORIAS

se presenta los lunes a las 20:30 horas en el

TEATRO EL MILAGRO

ubicado en la calle de Milán número 24, colonia Juárez,  Ciudad de México

La temporada concluye el lunes 21 de noviembre de 2016

 

TRAINSPOTTING (ESTAR INMISCUIDO EN EL MUNDO DE LAS DROGAS)

TRAINSPOTTING (ESTAR INMISCUIDO EN EL MUNDO DE LAS DROGAS)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 La sabiduría popular expresa: “zapatero a tus zapatos”. La cita viene a colación con relación a la nueva propuesta de Gabriel Retes (hijo del maestro Ignacio Retes) de la novela Trainspotting, del escritor británico Irvine Welsh, después llevada al cine -con gran éxito- por Danny Boyle y adaptada al teatro por Harry Gibson. En concreto, la trama gira en torno a lo que significa y las consecuencias que conlleva para los jóvenes estar inmiscuidos en el mundo de las drogas.

Gabriel es un destacado cineasta, reconocido en los ámbitos nacional e internacional. Sin embargo, una cosa es la cinematografía y otra el quehacer teatral; diferentes lenguajes, técnicas, posibilidades, recursos y un largo etcétera. Esta es la tercera versión que veo de Gabriel Retes de la obra en cuestión, todas desafortunadas, a pesar de que en la primera el elenco lo encabezaba el histrión Roberto Sosa (hijo). En términos generales se podría ubicar como una tragedia moderna: el director la convierte en una malograda comedia, chistes desgastados, carentes de humor, pretende hacer reír por incorporar una alusión al presidente Enrique Peña Nieto y algunas frases de la política y acontecer social de nuestros días. Un tema cuya raíz es seria, profunda y preocupante se diluye en un contexto híbrido, porque se pierde el género prístino, quiere provocar hilaridad, ¡no lo logra!

Para ubicar esto último transcribo la trascendencia y contexto por el que debería transitar: “Trainspotting nos habla sobre la vida de Marco, un chavo adicto a la heroína; cuenta las anécdotas con sus amigos Toni, Alicia y Franco, un grupo de chicos sin aspiraciones en la vida, a través de los cuales conocemos lo duro que es estar inmiscuido en el mundo de las drogas y las consecuencias que esto trae consigo”. El fondo es cruel y violento, en buena medida se pierde en el transcurso de la puesta, no se puede, no se debe, hacer un chiste de una temática ríspida que afecta a nuestro México contemporáneo. En forma errónea al hablar del universo de las drogas se hace, en términos generales, a partir de los narcotráficantes y quienes los combaten, pocas veces de los consumidores y Retes, con su pretendida hilaridad le da en la ma…ceta a la reflexión que conllevaría una obra como la que nos ocupa.

Hay exceso de narrativa -explicaciones directas al público- recurso que denota falta de imaginación escénica, largos monólogos. En su afán por hacer divertida la propuesta, llega a la osadía de que uno de los personajes femeninos (responsable de contratar personal) hable como una verdadera idiota. Además Retes es el responsable del diseño escenográfico: unos espejos al fondo, tal vez pretende que el público se vea reflejado en ellos; al frente minimalista (tres sillas de oficina). Esto se traduce en que el peso de la puesta queda en los actores, quienes cierran el círculo del malogrado montaje. Ellos son: Vicente Flores (Marco), Juan Claudio Retes -supongo hijo de Gabriel- (Franco), Raúl Andrade (Toni) y Merixtell Gález (Alicia).

En fin, para todos aquellos que se consideren lo suficientemente ingenuos para reír sin motivo, la cita  es en el Teatro Rodolfo Usigli (Eleuterio Méndez 11, Coyoacán), los viernes y sábados a las 18:30 y 20:30 horas, hasta el 31 de diciembre.

TIRADERO A CIELO ABIERTO

TIRADERO A CIELO ABIERTO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 Uno de los crímenes más deleznables en la humanidad es la trata de personas. Se da contra los dos géneros, pero es más común que las víctimas sean del sexo débil. Engatusar a jovencitas o, incluso, a niñas, haciéndoles promesas de amor, de fama o de dinero, para luego privarlas de la libertad y, bajo amenazas, obligarlas a prostituirse, es algo sumamente cruel. Mujercitas inocentes con ilusiones y anhelos que ansían conocer el amor y experimentar emociones nuevas, sin saber que su piso puede desaparecer y que su destino será vagar como alma en pena. Las deslumbran prometiéndoles un cielo lleno de estrellas y, de pronto, se ven sumidas en un infierno del cual no pueden salir.

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Mauricio Garmona, nacido en Apizaco, Tlaxcala, egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), quien se ha desempeñado como actor, productor y director escénico, es un hombre comprometido con el quehacer teatral y con la sociedad. Alarmado ante las noticias que leía y consciente de que el teatro no sólo es entretenimiento, decidió utilizar éste como medio a fin de alertar a padres e hijos respecto del peligro que representa el dejarse llevar por falsas esperanzas. Realizó una profunda investigación y basó su proyecto en la tesis de Óscar Montiel Torres intitulada: Trata de personas: padrotes, iniciación y modus operandi, misma que fue seleccionada como la mejor tesis de género Sor Juana Inés de la Cruz (Maestría, 2008).

Conversó del tema con el destacado dramaturgo Alejandro Román, uno de los más galardonados por su capacidad creativa, quien se ha especializado en captar universos aciagos y, en muchas ocasiones, su inspiración emana de casos de la vida real. Una vez que Alejandro accedió a escribir lo que Mauricio le solicitaba, surgió la alianza de estos dos talentos.

Tiradero a cielo abierto es un texto de excelente factura, como todos los que nos ofrece Alejandro Román, mediante el cual refleja el sentir de un joven que se dedica a la trata de personas. Con sensibilidad, Alejandro no enjuicia al protagonista, sino que lo muestra como ser humano. Es un joven ignorante, sin estudios, educado como se acostumbra, es decir, desde la infancia se les enseña que los hombres no lloran, que son fuertes, que dominan, etcétera. Para colmo, crece al lado de un tío que se dedica a la trata, así que el joven no sólo lo ve como un modus vivendi, sino como algo común. Se habitúa a ver en un cuarto de su vivienda hasta media docena de niñas o “m’hijas“, como les dice su tío, quien se aprovecha del respeto y cariño que le tiene el jovencito, para adiestrarlo en el negocio. Desde temprana edad, le va inculcando sus enseñanzas: “A Hernán Cortés le dieron como tributo a treinta hembras“, “todas son presa fácil“, sólo hay que mantener “pecho de acero, pecho de acero siempre“, porque “el rencor de una dama despechada no tiene límite” y no se cansa de repetirle una y otra vez usted “enamórela y véndala m’hijo“.

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Sin tener otro medio de subsistencia, resulta lógico que el joven quiera ganar dinero haciendo lo mismo que ha visto siempre. A pesar de dedicarse a tan nefasta actividad, no es un monstruo, en ocasiones siente remordimientos y alcanza a ver que lo que hace es reprobable, pero su inconsciencia y la falta de un oficio, no le permiten cambiar de giro. Su arrepentimiento comenzó cuando conoció a Aurora, una de tantas de las chiquillas que se ha llevado. Es la única mujer que estremeció sus sentimientos.

Además de haber concebido la idea de Tiradero a cielo abierto, Mauricio Garmona se hace cargo de la dirección escénica y actúa. En ambos rubros la labor de Mauricio es excelente. En la dirección, Garmona aprovecha a fondo el espacio escénico, su desplazamiento es constante y coordinado, el apoyo del multimedia sirve para crear imágenes sobre los sucesos, el ritmo es preciso. En cuanto a la actuación, además de su capacidad histriónica, Mauricio pone todo su corazón y personifica al proxeneta en forma tan convincente, que logra conmover al público. La producción es independiente y está a cargo de la Compañía Teatro Vientos.

Lamentablemente, millones de mujeres viven esta situación en todo el mundo, así que es más que loable concientizar a través del teatro. Tiradero a cielo abierto es un montaje bien diseñado, con un texto interesante y con una magnífica actuación. Ya ha cubierto varias temporadas en la Ciudad de México y se ha presentado en diversas ciudades de México y del extranjero. Varias instituciones nacionales la han llevado a talleres y seminarios. Recientemente lo hizo la Secretaría de Turismo, por medio de su división Código de Conducta Nacional para la Protección de las Niñas, Niños y Adolescentes en el Sector de los viajes y el turismo, donde se abarrotó el foro donde fue presentada.

Es una obra que todos deben ver. Los padres y maestros para alertar a los menores, y los adolescentes para tomar conciencia. Independientemente de esto, es un entrañable trabajo teatral.

Esperamos que algún productor o alguna institución de Aguascalientes, Aguascalientes, haga lo posible por presentarla en esa bella ciudad.

 

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CLOWN (DIVERSAS PROPUESTAS LO CONSOLIDAN COMO UN GÉNERO VERSÁTIL)

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CLOWN (DIVERSAS PROPUESTAS LO CONSOLIDAN COMO UN GÉNERO VERSÁTIL)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

El Centro Cultural Helénico es la sede del Cuarto Encuentro Internacional de Clown, que albergará 13 espectáculos con artistas mexicanos y de cinco países invitados: España, Argentina, Canadá, Suiza y Perú, quienes mostrarán “un amplio panorama de las diversas maneras de hacer clown en el mundo, propuestas que consolidan a esta disciplina como uno de los géneros más versátiles y apreciados por el público”.

Este lunes 7 de noviembre se llevó a cabo la apertura con el espectáculo Varieté inaugural, donde se conjuntaron fragmentos de las puestas de varios de los clowns que participan en esta edición, provocando la hilaridad, explotando el buen y blanco humor, padres e hijos gozaron con esta primera función. Hay algunos aspectos a destacar: el uso casi generalizado de la pantomima, el empleo de la palabra es mínimo, la originalidad del vestuario y el minimalismo escenográfico. Actos de magia, el pronunciarse en latín, efectos sonoros, máscaras, entre otros. Tanto mexicanos como extranjeros mostraron y demostraron el dominio de la(s) técnica(s), personalidad, cada uno con sus estilos particulares, dominio escénico, manejo del humor, penetración y compenetración con el público, elementos que en su conjunto deleitaron a los espectadores.

El elenco de Varieté inaugural estuvo conformado por la suiza Gardi Hutter, considerada la clown más notable del mundo, quien abrió su enorme costurero para dar paso a…; las canadienses Josette y Francoise Lépine, con su espectáculo Kif Kif, interactuando con los espectadores. Por el lado mexicano estuvieron presentes La Sensacional Orquesta Lavadero, Azis Gual, Perico El Payaso, Rulo Clown y Ensamblerías. La coordinación general estuvo a cargo de Andrés Aguilar (Argentina-España).

En esta cuarta edición se suma como sede el Centro Nacional de las Artes (CENART) Plaza de la Danza y Foro de las Artes, lo que representará llegar a un mayor número de público, hecho que a la postre se traducirá en una mayor penetración de esta expresión artística.

Por otra , se impartirán cuatro talleres: Improclown (Fernando Córdoba), Iditología para la vida. El arte del payaso (Andrés Aguilar), Ser complicado es simple, ser simple es complicado (Gardi Hutter) y El placer de la honestidad en el clown (Hermanas Kif Kif). En el Foro La Gruta se llevarán a cabo clases magistrales, tales: Clown excéntrico (La Gran Pompa), Magia clown (Adrián Conde) y Clown todo terreno: hospitalario vs. escénico (Wendy Ramos), en este caso la entrada es libre.

Una gran oportunidad para disfrutar del clown, dejar que emane nuestra alegría, olvidarnos por un rato de nuestras preocupaciones cotidianas y, lo más importante, espectáculos familiares. Diariamente habrá funciones en diferentes horarios, hasta el 14 de noviembre. Para conocer los pormenores de la programación de todas las actividades consultar: www.helénico.gob.mx y www.cenart.gob.mx.

 

EL VENTRÍLOCUO

EL VENTRÍLOCUO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

La manipulación es algo intrínseco en el ser humano. Antes de hablar, el bebé manipula a la madre a través de su llanto. Todos hemos manipulado o sido manipulados al menos en una ocasión. Entre parejas, es común que exista cierto tipo de manipulación: la esposa se pone melosa cuando quiere que el marido le compre algo; el hombre galantea a su mujer cuando pide acceda a lo que requiere. La manipulación forma parte de los juegos entre hermanos. Lo importante es no caer en excesos. Un poquito de manipulación puede resultar agradable. En cambio, si ésta es extrema, es intolerable. Ninguna persona quiere convertirse en muñeco de ventrílocuo de alguien.

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El escritor canadiense Larry Tremblay, nacido en Chicoutini, provincia de Quebec, tiene en su haber una brillante trayectoria, durante la cual ha recibido numerosos galardones, sus obras han sido traducidas a varios idiomas. Una de las características de la obra de Tremblay es su marcado contenido psicológico. La compañía Los Tristes Tigres eligió su obra El ventrílocuo para presentarla en nuestro país.

El ventrílocuo versa sobre una pareja de hermanos que se aman y a la vez se envidian. Se la pasan molestándose uno al otro, incluso, humillándose. La situación los ha llevado al diván del psicoterapeuta en varias ocasiones. A ella se le ve en sus consultas con el doctor Limestone. Es difícil comprender qué piensan estos jóvenes. El estructurado texto se desenvuelve en forma tal que cada suceso se va develando paulatinamente, cual si se fuera quitando una cubierta tras otra. De hecho, esta metáfora aparece en la historia el día del cumpleaños de Gaby, quien abre un regalo y se sorprende de que dentro de la caja hay otra caja, y otra, y otra más.

Gaby apenas tiene 15 años, pero sueña con ser una destacada escritora y no cejará hasta crear la más bella novela del mundo. Su hermano, mayor que ella, es escritor y gusta de manipular a su hermana, incluso, tiene una rutina en la que la manipula como títere.

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Un texto complejo que expone las diferentes formas de pensar del ser humano y sus emociones. La traducción a nuestro idioma fue realizada por Boris Schoemann.

La labor de dirección por parte de Adrián Vázquez es brillante, con escasa escenografía, dimensiona el espacio para que vayan apareciendo múltiples planos (físicos y mentales) de los acontecimientos, define con acierto lo que viven los hermanos y los tiempos. Incorpora la desnudez como algo natural. Bien administradas las imágenes que se proyectan en una enorme pantalla en el ciclorama. El ritmo es preciso, la acción coordinada y son fluidos el desplazamiento y la corporalidad del elenco.

La labor histriónica y corporal es formidable, tanto de Rafael Balderas (Ventrílocuo / Dr. Limestone), como de Estefanía Ahumada (Gaby), quienes se transforman en sus personajes y los dotan de una amplia gama de matices y emociones.

El resto del equipo creativo está conformado por: José Goro en asistencia de dirección; Arleth Gamino e Ismael Gallegos, en asistencia de producción; Adrián Vázquez en diseño de iluminación, escenografía y vestuario del Dr. Limestone; Escénica Producciones en construcción de escenografía; Adrián Vázquez y Rafael Balderas en diseño de audio; Arturo Sandoval y Adrián Vázquez en grabación de multimedia; Arturo Sandoval, Rafael Balderas y Carlos Armando Escobedo en edición multimedia; Leonor Téllez en diseño y construcción de vestuario del ángel y de Gaby; Flaviana Moreno en diseño-construcción de títere; Sergio Cupido en diseño de cartel y animaciones; Francisco Beverido, Gustavo Schaar, Valeria España, Tomás Owen, Thania García y María Dolores son los actores que aparecen grabados en multimedia. La producción es de Los Tristes Tigres y de Estefanía Ahumada.

Una obra diferente, un texto interesante de principio a fin que explora los vericuetos de la mente, montaje estupendo y actuaciones comprometidas. No dejes de ver El ventrílocuo, disfrutarás de la compañía de Gaby y de su hermano.

El ventrílocuo se presenta viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas, y domingos a las 18:00 horas en el Teatro Sergio Magaña, ubicado en la calle de Sor Juana Inés de la Cruz número 114, colonia Santa María la Ribera -cerca de la estación San Cosme del Metro-, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 13 de noviembre de 2016.