Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

ESCORIAL (EL REY QUE QUISO SER BUFÓN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional.

 

escorial2_nac

Escrita en 1928, aun cuando pudo ser ayer, BUFÓN es una obra que nos adentra en el manejo del poder por parte de un rey absolutista y su relación con el pueblo. Considerado un baluarte de la dramaturgia universal, Michel de Ghelderode (Bélgica), nos brinda una comedia grotesca con tonos de tragedia. Un rey quien representa el poder; un bufón quien simboliza a los súbditos. El primero, ante la agonía de su odiada esposa, saca a relucir todas sus frustraciones, sobre todo la impotencia cuando se percata no todo se mueve a su voluntad. Folial, su bufón, es obligado a representar una farsa, ésta tiene la peculiaridad de que ambos cambian sus roles, esto es, el rey quiso ser bufón. Éste no cree en su rey y por su alteza no cree en la fidelidad del otro. La idea del autor, supongo, es convertir a los dos -cuando intercambian los roles- , hacerlos más humanos. Un texto empapado en la poesía, de una gran teatralidad y contundencia escénica, nada le falta nada le sobra. En concreto, la eterna lucha por el poder y sus consecuencias en la relación gobernante-gobernado.

 

Luly Rede montó esta obra hace 17 años, hoy la retoma con el mismo vigor e ímpetu. Una propuesta artística, crea la atmósfera para el encuentro personajes-espectadores. Un trazo de gran manufactura. Parece que el primer estreno fue ayer, la farsa no ha perdido frescura, si se permite la expresión, profundiza escénicamente en lo fundamental y permite la catarsis con los toques de humor ahí infiltrados. Por escenografía, sólo el trono; el vestuario sugiere una época pasada, ¿cuál?, no es importante y una iluminación con la que refleja el interior de los personajes. Una gran propuesta de dirección. Considero a Luly no se le ha dado el reconocimiento y lugar que merece en el ámbito teatral.

 

Patricio castillo y Roberto Sosa, dos portentos de la actuación. Se conjuntan en forma perfecta. El primero tiene la habilidad histriónica de transmitir la decadencia del soberano, como otros sentimientos: culpa, soledad, dependencia, angustia… El segundo encarna el dolor, no sólo propio sino el de toda una sociedad; admirables e inolvidables escenas cuando caracteriza a un can, sus expresiones faciales y corporales indescriptible como impresionantes, da gusto encontrarse con dos histriones en el mismo escenario, transforman el teatro en toda una expresión de ARTE. También aparecen en escena Roberto Ríos “Raki” y Tania Arredondo, papeles circunstanciales -un monje y la reina- a tal grado que la actriz no pronuncia una sola palabra.

 

Puesta en escena apoteótica, de esas que la gente -los verdaderos teatrófilos- no debe perdérsela, una experiencia inolvidable. ESCORIAL se representa en el Foro Shakespeare, los sábados de julio a las 13:00 horas.

 

EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA

Textos y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

el misterio_nac

 

Parte de los problemas que existen en nuestro mundo es porque quisiéramos que los demás fueran como nosotros.  Eso es imposible.  En realidad, lo que nos distingue como seres únicos e inigualables es la individualidad y ésta no podría notarse si no viviéramos en un mundo donde priva la diversidad.  Imaginen un mundo donde hubiera 10, 20 ó mil personas iguales.  Eso sería un caos.  No podríamos reconocer ni a nuestros propios familiares.  Todos y cada uno de los seres humanos tiene derecho a vivir su vida como mejor le parezca y a sentirse orgulloso de ser quien es.

 

Cada quien tiene habilidades y discapacidades.  Se puede ser bueno para el estudio y malo para el deporte o viceversa.  Cada persona nace con particularidades en su fisonomía, por ejemplo, color de piel, de ojos, altura, complexión, etcétera.  Así mismo, hay quienes carecen de determinada facultad, como la vista, el habla, el oído, la movilidad.  Son seres con capacidades diferentes, pero depende de su esfuerzo personal el que puedan superar sus carencias y vivir una vida totalmente normal.

 

En el ámbito teatral, Seña y Verbo: teatro de sordos, fundada en 1993 por iniciativa de Alberto Lomnitz, es una compañía integrada por actores sordos y actores oyentes, que presenta durante todo el año obras para  adultos y para niños, en las cuales la Lengua de Señas Mexicana (LSM) se combina en escena con el español hablado, para crear espectáculos que todos pueden disfrutar.  Seña y Verbo lleva más de veinte años de labor continua, durante los cuales ha producido veinte obras originales y ha realizado giras internacionales y nacionales.  En su haber tienen más de dos mil representaciones en la Ciudad de México.

 

En forma paralela a sus actividades artísticas, han incursionado en forma significativa en materia de educación, promoviendo activamente la Lengua de Señas Mexicana –LSM– y el respeto a la cultura de los sordos de nuestro país.

 

Una de sus obras más recientes es EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA, de la autoría de Alberto Lomnitz y Carlos Corona.  Un texto de buena factura, cuya narrativa aborda la contratación de la detective Maraña para esclarecer el caso de un hombre que desapareció en un circo.  El problema estriba en que, al principio, la joven Maraña no entiende de qué se trata, pues quien requiere de sus servicios es sorda.

 

Para aceptar el trabajo y poder tener una buena comunicación, Maraña se verá precisada a aprender la Lengua de Señas Mexicana.  Ya en el circo, además de realizar las actividades propias de su trabajo, la detective tendrá oportunidad de disfrutar del acto de los felinos –un león y una leona adorables–, el de unos graciosos payasos y el del mago, quien será clave para la solución del caso.

 

El montaje está muy bien ambientado.  La escenografía diseñada acertadamente por Alberto Lomnitz y Carlos Corona hace que con unos cuantos elementos el espectador sienta que está frente a un circo.  El vestuario, concebido por Edyta Rzewuska es colorido y muy variado, reflejando el ámbito circense.

el misterio2_nac

La música original de Taniel Morales e interpretada en vivo por Alejandro Uribe coadyuva a proporcionar el entorno mágico y festivo.

 

La labor de dirección por parte de Alberto Lomnitz es impecable, trazo escénico bien equilibrado, acción constante, buen ritmo.

 

Extraordinario trabajo histriónico de todo el elenco.  La bella y carismática Valentina Sierra da vida a la detective Maraña, en tanto que Roberto De Loera, Eduardo Domínguez y Socorro Casillas interpretan a todos los demás personajes del circo, mostrando su versatilidad y cambiándose de vestuario entre escena y escena.  Igual son leones, domador, payasos, mago, o empleados del circo.  Valentina alterna funciones con Daniela Flores.

 

El resto del equipo creativo está conformado por Brenda Daniela Guerrero en producción,  Diego Calderón en asistencia de producción,  Antonio Zacruz en gestión y gerencia operativa,  Karla César Bazán en coordinación de comunicación y asistencia de gestión,  Dora Pérez Aguinaga en administración,  Blanca Pérez en asistencia de administración  y  Sandra Narváez en prensa y difusión.

 

Es loable que se realice este tipo de teatro.  En el mundo mágico del circo, atractivo para chicos y grandes, los pequeños toman conciencia de que existen seres con otras capacidades que son lindos y simpáticos.  Los personajes llaman su atención y se muestran muy interesados en aprender la forma de comunicación que ahí se les explica, combinando el abecedario con la Lengua de Señas Mexicana.  Un espectáculo donde lo didáctico es impartido de una manera mucho muy divertida.

 

Recientemente concluyó temporada EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA tras presentarse con gran éxito en el TEATRO SERGIO MAGAÑA de la Ciudad de México.

 

DESIERTA (TEXTO Y PUESTA EN ESCENA APOCALÍPTICOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Jonathan Ramos hace su debut teatral -ópera prima- como dramaturgo y director de DESIERTA, texto y montaje con esencia indiscutible de apocalípticos, versión escénica -por cierto muy socorrida y desgastada por la cinematografía- de la posible extinción del ser humano como especie, en un planeta -Tierra- donde hasta las cucarachas están desapareciendo.

 

En concreto: “Espectáculo escénico que narra la historia de la existencia de Desierta en un mundo post catástrofe. Un mundo donde humanos han evolucionado y los seres no evolucionados están siendo eliminados”. Seres que no quieren ser historia pero son ella. Purgadores -así se denominan a los evolucionados- son los asesinos del nuevo estado. Los no evolucionados se la pasan huyendo de sector en sector. Un mundo -ya se mencionó- apocalíptico, reina el caos, el desastre, la persecución, el miedo, el hambre, la lucha por la existencia, tener como objetivo extinguir a otros, unos pocos no evolucionados sobreviven. Para unos está cerca el final, en un estado terrorista, donde la prisión y la tortura es habitual; el vacío, en todo sentido, predomina.

 

Por tratarse de una ópera prima se debe reconocer es un buen inicio en un medio tan competitivo. Demasiado lineal el desarrollo de la trama, habría que recortarle un poco, no tanto por la duración sino porque a fuerza de poner a filosofar a los personajes, el autor cae en la retórica, llega el momento en que ya no aporta mucho, la esencia está dicha el resto es discursivo. No deja de ser interesante su visión futurista -en demasía pesimista, aun cuando hay un acto de contrición- sobre la desaparición del ser humano. Nuestro nobel dramaturgo tiene provenir, de él depende hasta dónde quiere llegar.

 

Vayamos al Jonathan director. Si partimos de las carencias y por lo mismo limitaciones de los equipos de iluminación, proyección y sonido, para cualquiera es un reto montar en Casa Actum. Él resuelve con actuaciones, coreografías, vestuario (harapiento) y una “escenografía” completamente sin imaginación, unas bancas arrumbadas en una orilla del escenario, éstas simbolizan la destrucción, al menos es mi lectura. Las coreografías sirven, en forma, para dar paso a los actos de violencia, acertada la decisión, son peleas sugeridas, no reales. Por fortuna todo el peso recae en su equipo actoral, quienes le imprimen vigor al texto, una exaltación a los purgadores como seres enseñados a despreciar a los no evolucionados, estos están convencidos que los recuerdos duelen porque han vivido demasiado, además huyendo. Multimedia espantoso, un desastre, no un apoyo.

 

El reparto está conformado por Michele Ayala, Ernesto Licuona, Emiliano Lourel, Ana Belén Ortiz y el propio Jonathan Ramos (cuidado con querer ser todólogo, esto casi siempre lleva al fracaso en todos los rubros). Grupo bien conjuntado, acoplado, comprometido con el trabajo de conjunto, todos entregados al mismo fin, el desgaste mental y físico es alto, por fortuna logran salir avantes. El único pero es el de Ernesto Lecuona, quien al menos en esta ocasión no asimiló es diferente una voz de actor firme, segura con volumen audible y otra gritar hasta desgañitarse.

 

DESIERTA está en temporada en Casa Actum (Héroes del 47-9, Col. San Diego Churubusco, Metro General Anaya, Ciudad de México), los miércoles hasta el 27 de julio a las 20:30 horas.

 

APOTÉOTICO MONTAJE SOBRE COCO CHANEL

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

 

Pilar Boliver demuestra sus cualidades histriónicas en un apoteótico montaje del monólogo COCO MADEMOISELLE GABRIELLE, escrito magistralmente por Silvia Peláez. Ambas hicieron una amplia y profunda investigación sobre una de las mujeres más importantes del siglo XX, no sólo por el estilo que creó en la forma de vestir de la mujer, sino por ser pionera del concepto que ésta debía ser libre e independiente aunque eso le significara, al final de cuentas, la soledad aún cuando gozara del poder, la riqueza económica y el disfrute de todos los placeres mundanos.

 

La actriz domina el escenario, proyecta la soberbia del personaje y al mismo tiempo su lado humano. da una cátedra, literalmente, sobre la interpretación de un montaje unipersonal. De principio a fin atrapa al público, su expresión facial es impresionante, proyecta emociones, sentimientos, estados de ánimo; conduce con su actoralidad a lo más profundo del alma de Coco. Sin ninguna duda estamos en la plena madurez de Pilar, es innegable que es el mejor trabajo de su larga trayectoria artística.

 

Por otra parte, Silvia -autora y directora- ofrece un texto y una puesta en escena impecables, una pieza dramática inmersa en el sarcasmo, con algunos tintes de humor. Nos adentra en lo más íntimo de una de las mujeres más influyentes de la pasada centuria. El texto inicia con una mujer en los últimos momentos de su vida, en la decrepitud, a los 87 años de edad, agobiada por problemas respiratorios (cigarro), el consumo de morfina. Hace una retrospectiva de su existencia, curiosamente contándosela a sí misma, a Gabrielle su otro yo, la niña que quedó huérfana, creció en un orfanatorio, pero a quien el trabajo le salvo la vida.

 

La obra está tan bien escrita que a pesar de tratarse de un monólogo biográfico, nunca cae en lo didáctico, menos en lo narrativo. la vejez, la soledad, la añoranza, una cierta demencia, amores, fracasos, poder…; abrir la ventana de una existencia, de una mujer que no creó una moda sino un estilo de vida, del buen gusto -más allá del renombrado perfume Chanel No. 5-, de quien hizo una filosofía a partir de que la ropa que alguien se pone proyecta lo que en verdad es. Todo lo anterior es lo que Silvia lleva al escenario con una exquisitez dramatúrgica digna de todas las loas. Afortunadamente no traicionó su texto, su dirección le dio vida plena y gozosa al personaje.

 

Si la mancuerna actriz-dramaturga es excelsa, no se debe pasar por alto la contribución del equipo creativo: escenografía sin parafernalia, lo justo para ambientar el drama e iluminación sobria pero efectiva, ambas de Martha Benítez; diseño sonoro de Rodrigo Mendoza y vestuario y maquillaje de la propia Boliver.

 

COCO MADEMOISELLE GABRIELLE se representa en La Capilla (Ciudad de México), los lunes a las 20:00 horas, hasta el 29 de agosto.

 

BAR NOSTALGIA (EXPLORACIÓN DEL DOLOR Y LA NOSTALGIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Facebook, de la página de Marisol Cal y Mayor

Bar nostalgia_nac

 

Marisol Cal y Mayor -idea original y dirección- pretende llevarnos a una exploración del dolor y nostalgia, inquietudes y pasiones de ella misma a través del espectáculo BAR NOSTALGIA, un combinación de danza y en menor grado de teatralidad, música, magia y circo.

 

Cito: “Cuando el dolor de la violencia, se embelese, llega la nostalgia. Este es un retrato íntimo e imaginario de un universo donde cada cuerpo se convierte en un territorio para destruir, construir, oprimir y disfrutar. En este bar abandonado, Elvis acompaña a los más solitarios. BAR NOSTALGIA canta al placer del dolor” (Programa de mano) Ésta es la síntesis, se necesita mucha imaginación, como sucede casi siempre con la danza, para ver en el escenario todo lo anterior, en buena parte puede ser esté sugerido, lo claro es el ambiente sadomasoquista -“el tugurio ha conocido mujeres dispuestas a perder los ojos por un abrazo”- arrabal para féminas y sus fantasmas, refugio de asesinos y suicidas.

 

Ya se mencionó gira en torno a la danza, poco al teatro, salvo algunas frases, inclusive en voz en off. Las coreografías son extraordinariamente sencilla, una -por cierto más o menos prolongada- en cámara lenta los movimientos, verdaderas mujeres fantasmas por el escenario, sin embargo, se debe reconocer hay estética. Ni remota idea dónde exploró Marisol para el espectáculo pero el proceso creativo no debió ser grato, recordemos la idea original es de ella.

 

En forma lamentable el número de magia, en la primera función de la cuarta temporada, falló en su totalidad, hecho desapercibido para la mayoría de la audiencia. Con relación al circo éste no se ve por ningún lado a menos que se refiera a dos hombres que dominan sus respectivos látigos, sin embargo, éste nos lleva más a la violencia y vejación de las mujeres.

 

Lo digno de todas las loas, de reconocimiento y admiración es la música original de León Felipe Tapia “León Colman”, muy cercano al New Ege, al menos fue la impresión que me provocó igual nada que ver. Una excelente interpretación del tema ÁMAME ETERNAMENTE, por parte de Héctor Ortiz como el rockero “Elvis”, no hay que ponerle apellido para saber de quien se trata.

 

La puesta inicia con una verdadera cursilería, en proscenio aparece una botarga, un conejo, al quitársela quien la porta, aparece una mujer a medio vestir, cuál es la idea, cada quien puede interpretas lo que quiera. Aparecen después las verdaderas bailarina, cuerpazos, en algunas escenas desnudas del torso, gracia, y a fuerza de repetir, le dan sentido estético a las coreografías por más sencillas que sean. En conjunto participan en el escenario: Marisol Cal y Mayor, Dionisia Fandiño, Mary Patricia Koyak, Milena Pitombo, Leonardo Villa y Salvador Petrola.

 

BAR NOSTALGIA se presenta los martes, hasta el 13 de setiembre, a las 20:30 horas, en el Teatro Helénico (Ciudad de México).

 

PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (EL MITO DE LA JUSTICIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Facebook de José Alberto Gallardo

 Agamenón_nac

 

A partir de la narración de Homero sabemos Agamenón fue el jefe de la expedición a Troya para rescatar a Helena. Un hombre de gran valor, pero de poca resolución. Por su parte, Electra es hija de Agamenón y Clitemnestra. Fue ayudante de su hermano Orestes para vengar la muerte de su padre. (Mitología Griega. Dioses y Héroes, Ángel Garibay). Jose Alberto Gallardo, autor y director reune en escena a estos dos míticos personajes, el texto se intitula PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (suponemos al menos habrá una segunda parte).

 

Hay dos temas centrales, el mito de la justicia (como el subtítulo lo indica), sin embargo, en todo el desarrollo está presente la sed de venganza como una obsesión, casi como la única razón de existir. Dramaturgia densa, muchos personajes sólo se mencionan, hay que tener un ojos y  oídos avisores para no perder ningún detalle. Todo es relevante para la comprensión por parte de la audiencia. Hay mucho fondo filosófico, además psicológico, poco a poco se entiende por qué se comportan de tal o cual forma los personajes, sobre todo, por qué piensan cómo lo hacen. Si bien la estructura es loable, considero José Alberto no pudo evitar la retórica, se puede entender, en el mundo helénico ésta era todo un arte.

En síntesis: ” Al enterarse de la supuesta muerte de su hermano Orestes, Electra se plantea ejercer la venganza en contra de los asesinos de su padre Agamenón: su madre Clitemnestra y el amante de ésta, Egesto. En una suerte de desmitificación, Electra se pregunta acerca de la pertinencia de llevarlo a cabo, acerca de los supuestos, jerarquías y valor de la familia y, sobre todo, acerca del sentido de la venganza y la veracidad de la justicia” (volante publicitario). Reza una frase: ” Si la venganza es el manjar de los dioses que amarga debe ser su comida. Electra pierde las dimensiones de la realidad, es tanta su sed de venganza y justicia que raya en la demencia. A reserva de lo ya comentado, en lo personal creo la dramaturgia tiene muchos dones, no es fácil unir dos historia en el mismo escenario, por qué dos…

 

La puesta en escena se desarrolla en torno a una magnifica escenografía, es todo y es nada, el escenario cubierto con aserrín, carne animal real, una soga al centro, diseño de Jesús Hernández, en realidad crea un espacio protagónico. Magnifico diseño sonoro a cargo de Rodrigo Castillo. Lastima, José Alberto lleva en los protagónicos femeninos a dos muchachas quienes no son actrices, de formación bailarinas, ahí se da el desastre actoral, por lo mismo en lugar de dar paso a diálogos y monólogos parece están recitando, ellas son Irxel Razo y Melva Olivas. Las apoyan y acompañan Damián Cordero y el propio José Aleberto Gallardo, mejor que las muchachas, sin ser las actuaciones de su vida.

 

PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (EL MITO DE LA JUSTICIA) se representa en UN TEATRO (Col. Roma, Ciudad de México), los lunes a las 20:30 horas, hasta el 1 de agosto.

 

VIAJE DE TRES (FE EN LOS CHAMANES-CHARLATANES)

VIAJE DE TRES (FE EN LOS CHAMANES-CHARLATANES)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

Viaje de tres_nac

Hay dos mitos que han afectado el quehacer teatral en la República Mexicana. El primero, sólo en la Ciudad de México se produce con calidad estética y se representan las mejores puestas en escena del país, lo cual no es cierto, si bien las condiciones son más favorables, en muchas regiones se están llevando a cabo propuestas dignas de toda loa. El segundo es que un montaje requiere de la parafernalia, una gran producción -escenografía, vestuario, iluminación, musicalización- lo cual tampoco es cierto, en muchas ocasiones el éxito está en la sencillez fundamentada en la imaginación de los creativos. Lo anterior queda demostrado por el Grupo Viajero de Guadalajara con el apoyo de la Secretaria de Cultura de Jalisco. En una breve temporada en la capital del país, el grupo presenta Viaje de tres, de Jorge Fábregas y dirección de Luis Manuel Aguilar “Mosco”.

La trama gira en torno a un hombre mayor quien decide realizar un largo y pesado viaje para ser recibido y atendido por un chaman -en realidad un charlatán- como su única y, tal vez, última alternativa para sanar de una enfermedad terminal. Lo acompañan su hijo (un pesimista e hipocondríaco), y su enfermera, una mujer madura, indecisa en sus sentimientos y, por lo mismo, necesitada de afecto. Si se tratara de una película en su primera parte sería lo conocido como Road movie, como se puede deducir del título de la obra.

Un padre y un hijo -casi como si fuera un juego del cual disfrutan a plenitud, una razón de ser de su vida-, en confrontación permanente sin importar cuál sea la razón, sin embargo, unidos por estrechos lazos filiales. Hay varias lecturas, uno de ellas desenmascarar a los charlatanes quienes aseguran sanan las enfermedades del cuerpo y, sobre todo, del espíritu. No cobran, “sólo” solicitan donativos, claro, sugieren la cantidad, y engatusan a cuanto ingenuo cae en sus manos. Cabe aclarar, de principio a fin, el texto está inmerso en el humor fino, blanco, la risa siempre está presente en los espectadores.

La dirección atinada, compenetrada con la intención del autor, explotar el humor, aprovecha al máximo las posibilidades y potencialidades actorales. Por escenografía, sólo un cuadrado en el escenario, valga la redundancia, cubierto con tierra y cuatro sillas, el resto, el peso del montaje queda en quienes caracterizan a los cuatro personajes, los ya citados y el chaman. El elenco lo conforman Jesús Hernández, Mauricio Cedeño, Lucía Cortes y Ollaff Herrera. Todos magníficos, dado que no los conozco, sólo el que asume el rol del chaman queda por debajo del trabajo de sus compañeros. Se les agradece cómo manejan el humor, la sencillez que se convierte en grandeza para atrapar al público y mantenerlo en continua carcajada. Bienvenidos a la Ciudad de México; ojalá actores con esta entrega vengan continuamente.

Viaje de tres se presenta en el Teatro Orientación hasta el 3 de julio: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

Viaje de tres2_nac

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Las Analfabetas visitan la Roma

Las analfabetas, del chileno Pablo Paredes, en el elegante foro La Teatrería, dirige Paulina García y lleva como intérpretes a Dolores Heredia y Gabriela de la Garza. El tema: una analfabeta, quizá lo es por propia voluntad, ha contratado a una profesora para leer con ella el periódico, tratar de entender el mundo y, quizá, aprender a interpretar las letras. Se trata de un mundo sin contexto, no hay signos del país que habitan, ellas pueden pasarse todo el tiempo que quieran peleando, sintiendo amistad, cercanía, lejanía, con peculiar sentido del humor, al fin que nada importa: parece que viven en un mundo no perteneciente al planeta tierra. Lejos del contexto sociopolítico que todos sentimos.

Hay pequeñas revelaciones acerca de la psique humana, superficiales, sin que lleguen a amarrar un verdadero conflicto, como en La lección de Ionesco, uno trata de convencer al otro de algo, quizá no muy claro, la mujer de más edad sólo desconfía y rechaza sin verdadera reflexión. En este caso, el refrigerador no es el paso a un lugar de otro tiempo espacio, como con Alejandro Ricaño; simplemente contiene cerveza tibia, porque hace años que no sirve. El elenco se esfuerza al máximo para interesarnos y lo logra, quizá muy por encima de un texto que dice poco en esta situación extrema, el máximo riesgo que se corre es explotarle un buche de cerveza en la cara a la otra.

¿Por qué se agradan y a la vez se rechazan las dos -casi- amigas? Una, para sentirse viva debe enseñar; la otra en un constante avanza retrocede, explora imaginaria definiciones semánticas. Con un vago final que nadie esperaría. Buena pieza para entretenernos en La Teatrería de Tabasco 152, colonia Roma, los fines de semana.

Los Productores estuvieron en el Xola

Produce Artestudio, que dirigen Mauricio Salas y Efraín González. Como cada año fue un excelente trabajo el que produjo esta Escuela de Comedia musical y todo lo que son Artes Escénicas, les hemos visto Los Miserables, Evita, Jesucristo Superestrella y ahora este clásico de Mel Brooks, que habla de cómo ganar dinero con un sonado fracaso en Broadway. Hay varios muchachos que prometen, como Enrique Espeleta, Rodolfo Zarco, en los roles centrales, acompañados de Ulla, Andrea Sánchez o Rebeca Villalobos. El tamaño del riesgo que tomaron es de este nivel: hicieron estos roles Pedro Armendáriz, Adal Ramones, Gerardo González, Natalia Sosa, nada más ni nada menos. Felicitamos al numeroso grupo en el que no introdujeron profesionales. Bravo Mauricio.

Broadway por Amor… Evolution

Cada año, Ana María Collado reúne a importantes talentos y los presenta en el Teatro Rafael Solana. Escuchamos y disfrutamos bellas coreografías de un musical: Something Rotten, Sé la verdad (Miss Saigon) también de Wonderland, The Wiz, Hairspray, La Bella y la Bestia, Jekyll and Hyde, Calle 42 y otras. Participan: Héctor Arroyo, Anabel Dueñas, Sergio Carranza, Eduardo Ibarra, Elaine Haro, José Antonio López Tercero, Paola Minguer, Gilda Villarreal, espectáculo conducido por la talentosísima Laura Luz. Habrá otra función el 28 de junio y concluyen.

teatrikando broadway_nac

LOBOS POR CORDEROS (LA TRAGEDIA LOS UNE Y LOS SEPARA)

LOBOS POR CORDEROS (LA TRAGEDIA LOS UNE Y LOS SEPARA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

La escena acontece en la oficina de una escuela; ahí están reunidos la directora, un matrimonio y una madre. La tragedia los ha reunido y al mismo tiempo los separa. Un accidente ha acabado con la vida de dos niños -Víctor y Saúl- y el chofer del camión de la escuela; el hijo de la primera está en estado de coma. La reunión, en un acto de “contricción”, los dueños del plantel han decidido recompensar la pérdida con un millón de dólares por cada niño. Surge la indignación y al mismo tiempo la duda, nada regresará la vida a los infantes y la cantidad es tentadora como para no pensarlo. La duda surge, sólo el señor Betancurt es firme en su decisión de no aceptar, considera que la ausencia de su hijo no tiene precio. Interesante debate, cada uno expone sus argumentos, su razón de ser para asumir o no el trato. En principio se pensaría que la discusión se da entre la directora y los padres de familia, sin embargo, también se da entre ellos, inclusive salen a relucir las desavenencias entre los cónyuges Betancurt.

Situación lamentable, perder un hijo es lo peor que le puede pasar a un ser humano, sólo queda la resignación, ésta a la postre igual no sirve para nada. Reynolds Robledo nos plantea el tema en Lobos por corderos desde una dramaturgia de buena manufactura, el hilo conductor es completamente lineal y hasta cierto punto el final predecible; hay buenos argumentos en cada uno de los diálogos, inclusive, una reflexión por demás interesante en un monólogo a cargo de la directora del plantel. Invita a reflexionar al respetable, porque uno se pregunta durante el desarrollo del montaje: ¿Yo recibiría un millón de dólares por guardar silencio y no denunciar las deplorables condiciones en las que se encontraba el camión escolar? El dinero es el dinero, se tendía que vivir el caso -espero nunca- para saber cuál sería la decisión.

Hay una codirección a cargo de Daniela Padilla y el propio Reynolds Robledo: acertada, pulcra, manejo excelente del espacio, un ritmo semilento que permite captar a la perfección cada oración, cada pensamiento y exposición de los personajes. La escenografía es realista con un aire de modernidad, sencillamente el interior de la oficina de la dirección escolar. Ambos permiten que sus actores se desenvuelvan de acuerdo con las características y capacidades de cada uno, si bien el trazo es importante, el peso del montaje recae en los cuatro que aparecen en escena.

Los actores son: Mónica Huarte, Mariana Garza, Alejandro de la Madrid y Fernanda Borches. Mónica, como siempre, ya hasta parezco grabadora, excelente, su caracterización de primer nivel, maneja las emociones y las situaciones, su monólogo impecable, actriz de larga trayectoria, la experiencia la ha enriquecido, su sola presencia llena el escenario. Mariana con una participación digna de reconocerse, se entrega, tiene personalidad y la aprovecha en todos sentidos; deja ver sus capacidades para interpretar lo que en el argot teatral se conoce como papeles de carácter. Alejandro y Fernanda, bien; el primero un poco exagerado, con exabruptos, en ocasiones no se ve muy natural; Fernanda exactamente lo contrario, demasiado apocada y no se le cree el pesar por el que pasa la madre que interpreta. Sin embargo, hay equipo, están consolidados para llevar a buen término la representación. El final es en verdad una tragedia. El público reconoce el valor intrínseco de la dramaturgia y a los cuatro actores dando vida a los personajes quienes proporcionan con su trabajo los elementos para pensar. Es la típica obra que se desarrolla en un acto, en el recinto teatral, el segundo viene en la cena o al calor del hogar, cuando quienes asistieron se preguntan: ¿Tú qué hubieras hecho?

Lobos por corderos se representa en el Teatro Milán, Ciudad de México, durante 10 semanas a partir de la presente, los miércoles a las 20:30 horas.

FIN DE PARTIDA (BECKETT DESDE OTRA PERSPECTIVA)

FIN DE PARTIDA (BECKETT DESDE OTRA PERSPECTIVA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Fin de partida_nac

Siempre he admirado a los directores osados, aquellos quienes llevan un clásico (“una vaca sagrada”, se diría en el argot teatral) con una adaptación propia -no por fuerza- y una puesta que rompe con todos los cánones convencional y/o tradicionales, que puede fracasar o enriquecer el quehacer escénico. Para fortuna de los teatrófilos, Manuel Domínguez, a partir de su propia adaptación, presenta Fin de partida, de Samuel Beckett, desde otra perspectiva.

Texto recortado con algunas modificaciones; a pesar de lo denso del lenguaje y complejidad temática es accesible a todo público (adolescentes y adultos). Un hecho “novedoso”, en pleno desarrollo de la función, el propio Manuel irrumpe desde el área de butacas reclamando la interpretación de los actores; en un segundo momento entra a escena interrumpiéndola, regañando a su elenco por no seguir el texto y hasta un conato de bronca hay, claro, todo es parte del montaje. Rompimientos acertados, bien ejecutados, le dan un toque de humor a la propuesta y sirve de catarsis, basta recordar el fondo es fuerte, lastimero, la dirección le da frescura sin apartarse de la seriedad del tema, sin que esto sea una contradicción. Las manos, literalmente hablando de uno de sus actores, se convierten en personajes, en este caso hay modulación y matices de voz.

La escenografía se limita a un sillón (de peluquero) transformado y proporcionando una imagen tenebrosa. El vestuario es casual (contemporáneo, si se quiere). Sorprende en verdad la iluminación (aun cuando la mayor parte del desarrollo se da en la penumbra y varios oscuros) y la sonorización. En mi larga trayectoria por el teatro jamás había visto un equipo tan rudimentario como el empleado en este caso: una grabadora casera y una instalación eléctrica -los cables y los contactos a la vista del público-, a tal grado que cualquier “diablito” de puesto ambulante sería alta tecnología. La actriz la hace de todo, es la encargada de la iluminación y la musicalización; cuando uno de los actores se retira por el “conato” de pleito, entra al quite con el personaje de aquel, al estilo lectura dramatizada, además rompe la cuarta pared e interactúa con el público; por otra parte se convierte en una “iluminadora ambulante”, con linternas dirige luz a varias escenas. Al final, otro toque de humor, los integrantes del elenco ofrecen “disculpas” por las irrupciones del director. Si bien el texto en buena medida es desolador, sin esperanza, inmerso en cierto pesimismo, la propuesta es ágil, el tiempo transcurre en forma veloz, en un abrir y cerrar de ojos concluye de principio a fin; una buena dirección logra eso.

Los responsables de llevar a buen fin la imaginación de Manuel son Roldán Ramírez, Carlos Rodríguez y Meraqui Pradis. Roldán maravilloso, siempre en el personaje al que retorna con una facilidad increíble después de los citados rompimientos. Carlos no está al nivel del primero, hay escenas donde se lo “comen”, le falta compenetración. Meraqui muy bien en sus diferentes tareas a cumplir, desde técnico hasta actriz, por muy leída que sea su intervención.

Fin de partida se representa los lunes y martes a las 20:30 horas, hasta el 28 de junio en el Traspatio escénico, Saltillo 134, Col. Condesa, Ciudad de México. Posteriormente, como ya es costumbre, un nuevo espacio aún por definir.