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PEQUEÑOS ZORROS

Por: Dalia María Teresa De León Adams

Fotografía cartel publicitario

 

 

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PEQUEÑOS ZORROS es una obra teatral original de la escritora estadounidense Lillian Helman la cual presentó por primera su dramaturgia con gran éxito en el año de 1939. La historia en aquella época causó gran expectación debido a tocar un tema cruento y relevante para su gente, quien comenzaba a vivir situaciones muy parecidas debido al bienestar general que comenzaba a infiltrarse en el sector empresarial.

Lillian Helman formó parte del grupo de grandes creadores de obras como lo fueron Fitzgerald, Hemingway, Faulkner y Hammet, quienes se colocaron en el gusto y preferencia de lectores y amantes del teatro internacional rápidamente

En México la puesta es presentada por uno de los mejores directores teatrales en México, me refiero al maestro Luis de Tavira quien desde tiempo atrás es muy reconocido en el medio por su gran labor como director artístico, bajo la versión artística de José María de Tavira.

Aunado a ello PEQUEÑOS ZORROS cuenta con la escenografía de otro de los grandes del mundo escénico, como lo es el maestro Alejandro Luna, padre del también destacado actor y director escénico, Diego Luna.

En su escenografía muestra una gran escalera que da la idea de conducir rumbo a las recámaras de los moradores. A pie se observa un lujoso hall o recibidor, desde donde se puede apreciar mediante el reflejo de un espejo, un amplio comedor; muebles elegantes, acorde a la moda de los años 30’s.

La historia nos presenta a una familia carente de ética y de escrúpulos, quien en aras de poder y enriquecimiento, no dudan en defraudar a su propio pueblo y familiar a quien le roban una cuantiosa suma de dinero. También se denota aunque de manera más velada, la manera de explotación del hombre blanco sobre el negro, subordinados al servicio de explotación presente en el sistema capitalismo.

El referente de la obra es aplicable a cualquier población de la Unión Americana, en donde el desarrollo industrial a enriquecer a gran parte del sector empresarial a inicios del siglo XX.

Familias adineradas se traicionan en base a obtener un mejor estatus económico. Un sector naciente de nuevos ricos son matizados en ésta historia, por lo cual el título de PEQUEÑOS ZORROS de entrada nos enmarca la parte medular de la trama.

Perteneciente al género dramático, la puesta del Señor Luis de Tavira es cautivadora, manteniendo de pie a gran parte del público asistente, quien así ovacionó a los realizadores de ésta puesta en escena.

El reparto estelar cuenta con grandes actores de la talla de Juan Carlos Vives, Arturo Ríos, Stefanie Weiss, Rodolfo Gueri, Ana Clara Castañón, Raúl Adalid, Marisol Castillo, Pedro de Tavira, José Antonio Becerril y Yulleni Pérez Vertti. A partir del jueves 18 de agosto se ha estado presentando la obra teatral.

PEQUEÑOS ZORROS de la dramaturga estadounidense Lillian Hellman, obra teatral qué Usted la podrá ir a ver, los fines de semana en el Teatro Santa Catarina, en el barrio de Coyoacán de esta ciudad, solamente hasta el día 9 de octubre.

SATISFACTION

SATISFACTION

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Es indudable que hombres y mujeres somos distintos.  Las diferencias no son sólo físicas sino internas.  Las mujeres tenemos una sensibilidad que ningún hombre podría tener.  Mientras a ellos les gusta la acción, nosotras somos mucho más apacibles.  A pesar de que por años hemos luchado por la igualdad de géneros, aún vivimos en un mundo dominado por los hombres.  En todos los ámbitos existen mujeres que han logrado destacar, pero en la vida cotidiana, no podemos dejar de ver que los empresarios prefieren contratar hombres o que los sueldos para un mismo puesto son distintos si se trata de hombre o mujer. En el mundo hay muy pocas Presidentas, líderes o astronautas, en virtud de que los cargos realmente importantes están reservados para el género masculino.  Se nos considera el sexo débil cuando en realidad hay mujeres con tremenda fortaleza.

 

En el universo femenino caben todos los sentimientos y contamos con el enorme privilegio de dar vida.  Sin embargo, nos toca caminar por un sendero mucho más escarpado que el que toca a los hombres.  En cuestiones laborales tenemos que esforzarnos para que nuestras capacidades y habilidades sean reconocidas.  En el plano personal, corremos el riesgo de toparnos con cualquier “macho“, de esos que creen que mientras más mujeres conquistan, se incrementa su supuesta “hombría“, o de aquellos que con palabras dulces al oído nos enamoran, para luego, ejercer su dominio sobre nosotras o, peor aún, golpearnos.  Basta con revisar las estadísticas, para comprobar que el índice de violencia intrafamiliar es alto.   Y no se diga, los repugnantes violadores que utilizan a las mujeres para saciar sus bajos instintos y, en ocasiones, hasta les arrebatan la vida.

 

Por fortuna, aun cuando son difíciles de encontrar, quedan algunos caballeros que comprenden que hombres y mujeres pueden caminar juntos y convivir en armonía, si la base de su relación son el  amor y el respeto.  Ellos saben que mientras mejor traten a sus parejas más felicidad habrá en el hogar.  Independientemente de su condición amorosa, la mujer puede encontrar muchas satisfacciones en su vida, al igual que cualquier otro ser humano que así se lo proponga.

 

Carmen Zavaleta, mujer atractiva, apasionada del teatro y trabajadora incansable, cursó estudios en la Escuela Nacional de Arte Teatral, en los Centros de Educación Artística –CEDART– Luis Spota Saavedra y Frida Kahlo.  Se desempeña como actriz y como periodista teatral.  Ahora incursiona en la dramaturgia con SATISFACTION (Satisfacción), un texto estructurado e interesante para un unipersonal, en el que devela la esencia femenina, un tema que le es inherente por naturaleza.  Aparte de ser la autora, es la propia Carmen quien da vida a Sara, la protagonista.

 

De entrada, en el material de promoción de SATISFACTION se lee:  “¿Cuál es tu tipo de primate?” y no sabemos a qué se refiere y, a nuestra vez, nos preguntamos  ¿Por qué primate?, ¿de qué se tratará esta obra?, ¿será de monos?.  Pronto saldremos de la duda.  Elegantemente ataviada en color negro -pantalones ceñidos, blusa suelta de corte moderno recamada con algunas lentejuelas y zapatos rojos de alto tacón-, aparece Carmen sobre el escenario y, transformada en Sara, se dirige al público hablando en primera persona.  Comienza contándonos que creció al lado de su padre, toda vez que su madre se alejó de ellos.  En consecuencia, Sara no tiene un modelo a seguir y habrá de explorar por sí misma el comportamiento femenino.

 

Por la época en que Sara tenía 7 años de edad, su papá la lleva al cine a ver la película King-Kong.  Es inenarrable el impacto que provoca en Sara observar la majestuosidad y el poderío del enorme gorila, en contraste con la delicadeza que dispensa a la heroína.  Sin siquiera darse cuenta, Sara queda fascinada con semejante monstruo, incluso, su cuerpecito infantil experimenta por vez primera un atisbo de sensualidad.

 

Fue así como, a diferencia de la mayoría de las nenas que sueñan con el Príncipe Azul, Sara soñaba con un primate.  Un ser gigantesco con fortaleza abrumadora que pudiera protegerla y librarla de todo mal.  Le tenía sin cuidado que no fuera guapo.   Quería que ser levantada del piso y elevada por los aires.  Eso sí sería sentirse fuera de este mundo.  Con pensamientos tan peculiares, Sara no lograba comprender a sus compañeras y casi no tenía amigas.

 

Cual si se confesara consigo misma, Sara continúa compartiendo todas y cada una de sus experiencias, sin guardarse nada, haciendo un recuento de todo aquello que para bien o para mal marcó su vida.  Su charla es tan vívida que el espectador casi se siente testigo presencial de cada acontecimiento.  Así mismo, dará voz a ciertos personajes que tuvieron que ver con ella.  En sus remembranzas habrá risas, llanto, conmoción, incluso, antojo -cuando describe la forma en que degusta la crema de ciertos pastelillos-.  Sara ha vivido intensamente sus penas y glorias.  Acaba de cumplir 45 años, se siente plena, sabe lo que quiere y lo que no.  Ha llegado el momento de darle la bienvenida a la SATISFACTION.

 

Ángel Luna, el destacado actor joven que hemos visto en obras tan exitosas como Monster Truck,  Abrasados  y  Desvenar, entre otras, asume la dirección escénica de SATISFACTION y realiza una labor impecable.  Diseña una dinámica tan fluida como el relato para que Carmen no quede estática ni un solo instante.  Con discreción, es ella quien enciende o apaga las luces colocadas sobre el escenario.  Ángel aprovecha a fondo el espacio y con muy pocos elementos realza ciertos detalles de uno que otro acontecimiento.  Mantiene un ritmo preciso.  Lizet Rodea brinda asistencia en la dirección.

 

El diseño del espacio y la música original también son creación de Ángel Luna.  La escenografía es por demás sencilla, le basta un sillón.  Al igual que en la película de Mary Poppins, una bolsa de mano contiene los elementos escénicos que serán hábilmente utilizados como complementos -anteojos, cartulina, plumón-.  La música compuesta especialmente para dar el entorno propicio.

 

Carmen hace gala de sus aptitudes histriónicas, corporales, de expresión y dicción.  A la par que habla, camina, brinca, baila, se agacha, se incorpora, ríe, llora.  Definitivamente, este es uno de sus trabajos más entrañables hasta ahora.

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El resto del equipo creativo está conformado por Roberto Paredes en iluminación,  Roxana Deneb y Diego Álvarez en diseño gráfico,  Carmen Zavaleta en vestuario,  Carlos Alvar en fotografía,  Sandra Narváez en producción y difusión,  y  Adriana Jiménez en asistencia de difusión.

 

Lo único que realmente molesta a Sara es la soledad, así que acompañémosla.  Estará feliz de recibirnos y desnudará su alma ante nosotros, relatándonos hasta el último detalle de su devenir.  Una obra que capta el interés absoluto del espectador.  Apoyemos al teatro independiente que se hace con sangre, sudor, lágrimas y mucho esfuerzo, por amor al arte, por la necesidad de crear, sobre todo, si apoyándolo vamos a reírnos y conmovernos en un montaje logrado, con un texto interesante, una actriz entregada que aporta su físico y toda su emotividad al personaje, al lado de un joven director que acertadamente la conduce.  ¡No te la pierdas!  Quedan pocas funciones.

 

SATISFACTION se presenta los jueves a las 20:00 horas en un espacio que recientemente abrió sus puertas, la SALA NOVO -al fondo del inmueble donde está el Teatro La Capilla-, ubicado en Madrid número 13 -casi esquina con Centenario-, en Coyoacán, Ciudad de México. La temporada concluye el jueves 1° de septiembre de 2016.

 

QUE DIGAN QUE ESTOY DORMIDO (SKETCHES SOBRE LA REALIDAD MEXICANA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes Facebook de la producción

 

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Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, mejor conocido como LEGOM en el ámbito teatral, es un autor reconocido, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA) y Premio Nacional de Dramaturgia (2000). Entre sus múltiples características están las de ser directo, no anda con cuentos, su humor es álgido, domina el sarcasmo y la ironía, incursiona en todos los géneros, sus textos han trascendido al ámbito internacional. Por lo pronto tiene en temporada QUE DIGAN QUE ESTOY DORMIDO, revista teatral que recorre mediante sketches y números musicales la realidad contemporánea de nuestro golpeado México.

 

En las líneas que anteceden menciono el humor negro, condimento picante e irreverente con el que sazona sus platillos dramatúrgicos, obvio no en todos. Entre lo más sobresaliente de su producción están LAS CHICAS DEL TRES Y MEDIO FLOPPIES, SENSACIONAL DE MARICONES y ODIO A LOS PUTOS MEXICANOS, ésta última una fuerte autocrítica. Al enterarme del montaje que hoy nos ocupa, en forma inmediata lo agende -no pude asistir al estreno-, con lo ya expresado y tratándose de sketches pensé la risa, mejor dicho la carcajada estaba asegurada. Resultó que no, algo pasó porque la hilaridad brilla por su ausencia, salvo algunos instantes, esporádicos momentos, a cuenta gotas.

 

Una de las incursiones inevitables del sketch es la política, en los últimos tres LEGOM da rienda suelta, más que divertidos dan la impresión de un acto de denuncia, de protesta, hacer partícipe al teatro de la inconformidad de los mexicanos ante la inmundicias de nuestros gobernantes y la impunidad imperante. Un gobernador busca casarse con una actriz para proyectar su imagen -clara alusión a Enrique Peña Nieto y su gaviota-; una burla con nombre y apellido a costillas de Beatriz Paredes; una acusación sin tapujos contra el gobernador actual de Veracruz -Javier Duarte Ochoa-. a quien tilda de gorila, imbécil, asesino, rodeado de un grupo de trabajo conformado por criminales, responsable de desviar millones de pesos de fondos destinados a la Universidad Veracruzana… y; otro malandrín quien le juega una broma a su familia diciéndoles que ya lo cacharon en sus fechorías, el cinismo queda al descubierto cuando él, la esposa y los hijos brindan por la impunidad. Reitero, esto, lo político, es lo más atractivo del texto, el humor se quedó en el tintero del dramaturgo, al menos no fue tan espléndido como esperaba. Los números musicales no provocan mayor comentario.

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Si el dramaturgo es por sí mismo un atractivo para asistir, se debe agregar a Martín Acosta destacado director. A fuerza de ser sincero su propuesta es atractiva visualmente, diferente, imaginativa, es lo más valioso de la puesta en escena. Ignoro si sigue las acotaciones, en caso de haberlas por parte de LEGOM o es producto de su creatividad. La escenografía –Natalia Sedano- está compuesta por cajas de cartón -salvo dos de madera-, inclusive en uno de los cuadros son el vestuario. Martín conduce a sus actores con buen ritmo, trata de aprovechar al máximo las posibilidades del texto, hay más humor en su concepción que en la del autor. Sin embargo, es un director no un mago.

 

Esto último viene al caso porque su elenco no está en posibilidades de proporcionarle a Martín mucho de donde “agarrarse”, cuatro dando su mejor esfuerzo, pero nadie da lo que no tiene, entusiasmo y entrega, a la postre entusiasmo y entrega, nada más, por parte de Benjamín Castro, Fernando De Ita, Leticia Valenzuela y Laura Castro.

 

El teatro Sergio Magaña (Ciudad de México) hospeda a QUE DIGAN QUE ESTOY DORMIDO, hasta el 4 de septiembre, los viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

 

 

PARA ELIZA

Por:Eugenia Galeano Inclán

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En varias notas hemos hablado del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos fundado y comandado por Xavier Villanova, a quien en 2010 se le otorgara el Premio Nacional de Dramaturgia Emilio Carballido por su obra “Birdstrike”. El concepto de este Movimiento es similar al de teatro de cámara, pero con mayor intimidad, dado que se representa en una casa habitación y no en un foro convencional. La cercanía entre público y elenco es como la que se tiene con familiares o amigos en una sala de estar. Esto impacta notablemente al espectador. No es lo mismo sentarse en una butaca a observar el quehacer teatral que sentirse partícipe del mismo al lado de los actores. Se produce un pacto de solidaridad que hace que quien presencia la obra termine involucrándose en la historia y, en ocasiones, se vea precisado a interactuar al ser convocado por los actores o actrices.

 

Desde que inició el Movimiento, Xavier le ha dedicado tiempo y esfuerzo para ofrecer obras de calidad, tanto propias como ajenas. Ha abierto las puertas a jóvenes que no cuentan con los recursos suficientes ni apoyos para estar en posibilidad de alquilar un foro, a fin de brindarles la oportunidad de presentar sus propuestas teatrales. Poco a poco el Movimiento Teatro Intimo para Departamentos ha ido ganando adeptos y hoy en día goza de popularidad.   Es loable lo que hace Xavier porque esto le reporta satisfacciones y experiencia, mas no ingresos, dado que el cupo es limitado y la cooperación voluntaria apenas alcanza para la recuperación de gastos y para cubrir la nómina del elenco.

Hasta ahora, la obra más emblemática del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos es PARA ELIZA, por ser una de las que marcaron su comienzo y la más representada de su repertorio. PARA ELIZA es de la autoría de Xavier Villanova, quien también la dirige. Se trata de una obra fuerte, para adultos.  Versa sobre dos hermanas con un padre ausente y una madre promiscua, lo cual, desde luego, las ha dejado marcadas de por vida. Predicar con el ejemplo es lo aconsejable, pero hay padres que no se percatan de cuánto pueden afectar la integridad psicológica de sus hijos si ellos a temprana edad los ven abusando de alcohol o drogas, en actos inmorales o ejerciendo violencia. Los niños no sólo sufren, sino que se desorientan respecto de su propio comportamiento.

Eliza y Elena viven dentro de una dualidad de amor y odio.  Se apoyan o se agreden. Ambas han tenido que acudir a psicoterapeutas, aparte de lo que han padecido con sus padres, los familiares se han aprovechado de ellas. Sufrieron abusos de un tío. Sus aptitudes artísticas las expresan dibujando. Como viven solas, para escapar de la rutina, han inventado ciertos juegos particulares, como personificar a seres presentes en sus vidas -un enamorado, un médico, un familiar-. Elena se dedica a la actuación y le pide a Eliza que repase sus líneas con ella, pero del texto pasan a la improvisación para representar pasajes de sus vivencias cotidianas. Echan a volar su imaginación y no se sabe si lo que interpretan realmente ocurrió o no. Por momentos, esos juegos se tornan peligrosos, por ejemplo, cuando aluden a una violación.

Las heridas del pasado persisten, no encuentran cómo evadirlas. En ocasiones, saben que sólo cuentan la una con la otra y eso hace aflorar el cariño y la ternura. El lazo que las une es indisoluble. Lo malo es que sus emociones son como un péndulo que oscila entre el bien y el mal.

El trabajo histriónico y corporal de Laura Camés (Eliza) y Paula Vrelly (Elena) es digno de toda admiración.  Interpretan sus roles intensamente y los iluminan con emotividad, se mantienen dentro de la ficción y se despojan de su ropa a unos cuantos centímetros del público.

El texto es estructurado y capta el interés absoluto del espectador. El montaje está bien diseñado, incluye coreografías coordinadas y estéticas. En sustitución de cambios de vestuario, las actrices se visten y desvisten para crear entornos distintos.Un punto importante es la interacción con el público. Al azar eligen a ciertos espectadores y los invisten de personajes alternos.

La labor de dirección por parte de Xavier es impecable. Asimismo, participa activamente, ya sea como alguien relacionado con las hermanas o escribiendo con celeridad sobre un cuaderno.

PARA ELIZA es una obra muy impactante para el espectador al ser testigo de los demonios internos de dos chicas atribuladas por las circunstancias que han tenido que atravesar.

La producción es de Oscura y Verde Realidad.

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Xavier Villanova consideró que PARA ELIZA había cumplido su cometido y decidió culminarla a las 100 representaciones, pero debido a que seguía teniendo demanda, llegó a las 107.  Fue estrenada el 28 de octubre de 2013, cubrió 7 giras en el territorio nacional.  A casi tres años de ser representada por vez primera, PARA ELIZA cierra su ciclo con la develación de la placa que conmemora 100 funciones.

Entre los asistentes a la última función de PARA ELIZA estuvieron Leonora Cohen, Ignacio Eduardo Corona, Flora Villanova Pijoan, Georgina Espinosa, David Gaitán, Rocío Vázquez, Bonny Carpozo, Javier Fle, Isaac Weisselberg, Viridiana Sánchez, PauSo Oliver, Dorte Jansen, Michelle Ramírez, Juan Carlos García Alvarez, Raúl Solís, Pepe Appo, Hugo Yoffe, Johnatan Molina Arroyo, Juan Carlos Manrique (espectador que vio la obra en 10 ocasiones), Viridiana Sánchez, Julia Ioulia, Oliver Barona, Sergio Baeza y Mariano Ducombs.

El aplauso verdaderamente apoteótico fue un digno broche de oro en la despedida de la entrañable PARA ELIZA. Duele decir adiós, pero PARA ELIZA continuará siendo una estrella del Movimiento Teatro Intimo para Departamentos y formando parte de la trayectoria de sus artífices.

Los padrinos de develación fueron Ximena Escalante y Martín Acosta que, en su momento, fueron maestros de Xavier. Al develar la placa, Ximena comentó que ella siempre supo que Xavier era un fabulador, en tanto que Martín compartió con el público algunas anécdotas del paso por las aulas de Xavier. Ambos coincidieron en que se sienten orgullosos de los logros de su alumno.

Después de la develación, hubo una grata convivencia con charla, risas y nostalgia. Se degustaron exquisitas brochetas de queso, salchicha, jamón, tomates baby y aceitunas, acompañadas de mezcal, vino, refrescos. Una noche inolvidable.

 

LAS PENAS SABEN NADAR

Texto y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

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A primera vista, pudiera parecer extraño el título de LAS PENAS SABEN NADAR, pero si se lee en el programa de mano la frase que la antecede: “El alcohol no ahoga las penas …”, queda claro que beber de más para tratar de evadir los pesares es inútil. Abelardo Estorino (1925-2013), uno de los más reconocidos dramaturgos cubanos, ganador de dos de los Premios Nacionales más importantes en Cuba -el de Literatura en 1992 y el de Teatro en 2002, se inspiró en la actriz Adria Santana, a quien consideraba su musa, para escribir LAS PENAS SABEN NADAR.

 

Milleth del Carmen Gómez Sánchez –Milleth Gómez– es una joven actriz originaria de Morelia, Michoacán, con amplia trayectoria. Se graduó como Licenciada en Actuación en La Casa del Teatro. Ha participado en numerosos montajes, bajo la dirección de algunos de los más prestigiados directores de nuestro país. Gracias a su talento, ha sido becaria del FONCA en el área de Creadores Escénicos en dos ocasiones, estuvo becada por la Universidad de Córdova España, en el Programa Intercampus América Latina- España, y también fue becaria del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Querétaro dentro del Programa de Estímulos para el Desarrollo Artístico Individual de Ejecutantes.

 

Así mismo, ha ejercido la docencia en La Casa del Teatro y en el Centro de Educación Artística de Televisa.  En su faceta de actriz siempre se ha mostrado muy profesional al crear acertadamente sus personajes y ha dejado constancia de su versatilidad al asumir cualquier caracterización y lograrla en forma convincente.

 

Tras leer el texto de LAS PENAS SABEN NADAR, Milleth se entusiasmó tanto que determinó llevarlo a escena, imponiéndose un gran reto personal que gracias a su esfuerzo y dedicación logró superar.  El camino no fue fácil. Como todos sabemos, hacer teatro implica sortear una serie de dificultades.  Se requiere armar el proyecto, convocar a un equipo de creadores para la atención de cada una de las áreas correspondientes, conseguir recursos económicos para producción, costos del teatro, publicidad, difusión, promoción y nómina.

 

Para la dirección escénica, Milleth convocó a Óscar Rojas, egresado de la carrera de Literatura Dramática y Teatro de la UNAM, quien se has desempeñado como actor, director y docente. El resto del equipo creativo está conformado por: Erick Moreno en música original, Evelyn Cortés en diseño gráfico y de imagen, Daniel Hernández en diseño de Iluminación y video, y Francisco D. Ramírez en asistencia de dirección. En cuanto a la producción, la propia Milleth incursiona como productora de LAS PENAS SABEN NADAR.

 

La obra fue estrenada en el Centro Cultural de las Artes Escénicas María Rojo en octubre de 2015. Ante la buena acogida por parte del público que tuvo oportunidad de verla, Milleth y su equipo se sintieron listos para una temporada formal, así que recurrieron a solicitar el apoyo de FONDEADORA, donde el proyecto resultó exitoso, gracias a la gente que creyó en éste y puso su confianza en Milleth realizando alguna aportación a fin de que se alcanzara la meta fijada. Con este fondeo, LAS PENAS SABEN NADAR se presentó hace unos meses en el Foro del Centro Cultural Carretera 45 Teatro, donde su temporada fue muy exitosa. Ahora está por re-estrenarse en otro espacio.

 

LAS PENAS SABEN NADAR versa sobre el relato de una actriz que se presenta en un festival de monólogos, en el que curiosamente ni siquiera se había inscrito.  De cualquier modo, a ella lo que le interesa es impresionar al público con “La Voz Humana” de Jean Cocteau.  Para darse valor, toma unos tragos de alcohol, pero esto es sólo el comienzo, ya que conforme avanza su soñada representación se va embriagando y, por momentos, olvida su objetivo.  Termina por abrir su corazón en el escenario, revelando que acaba de terminar con su novio, lo cual la entristece y decepciona.  Entrada en confidencias, pasa a compartir otros de sus desasosiegos, como lo difícil que le ha sido abrirse camino en la actuación, lo estresante que resultan las audiciones, lo tedioso que es esperar una llamada que nunca llega, las dificultades económicas que enfrenta cuando no consigue trabajo, lo inexplicable que le parece no ser aún la protagonista de alguna obra, a pesar de todo lo que tuvo que estudiar y lo mucho que se ha esmerado.  Se siente víctima de las circunstancias y le teme a la soledad.

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El montaje es sencillo y su base es la buena estructura del texto y la capacidad histriónica de Milleth Gómez.  La escenografía es sustituida por ciertos elementos que estratégicamente apoyan la narrativa.  La labor de dirección por parte de Óscar Rojas es impecable.  Impone un fluido desplazamiento a su actriz y mantiene un ritmo bien equilibrado.

 

Como de costumbre, Milleth ofrece un trabajo actoral pleno de emotividad, acudiendo a sus expresiones, modulaciones de voz y una gran corporalidad, para representar fielmente los contrastantes sentimientos de esta frustrada mujer coincidente con Milleth en cuanto a la vocación, pero opuesta en idiosincrasia.

 

En LAS PENAS SABEN NADAR el espectador conoce los sentimientos más íntimos y los avatares  de una mujer que ansía llegar al estrellato, a través de un texto tan interesante como divertido.  También verá un proyecto creado por Milleth Gómez, mismo que gracias al empeño y talento de ella y de su comprometido equipo de creativos logró ser llevado a escena.  El buen teatro siempre es apreciado.  Altamente recomendable.  Además, ahora se presenta en un espacio cultural que tiene un restaurante de cocina internacional de estilo vanguardista.  Así que haga sus planes.  Puede llegar temprano y consumir alimentos o tomar un café antes de entrar al teatro.

 

LAS PENAS SABEN NADAR

se presenta los sábados a las 19:00 horas

}y tendrá dos presentaciones especiales los domingos 2 y 9 de octubre de 2016, a las 18:00 horas en

LA TEATRERÍA,

ubicada en Tabasco número 152, colonia Roma Norte, Ciudad de México.

La temporada inicia el 20 de agosto y concluye el 9 de octubre de 2016

 

DESDÉMONA (Réquiem por el deseo)

Texto y fotos por : Eugenia Galeano Inclán

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Uno de las figuras más célebres en la literatura universal es, sin duda alguna, William Shakespeare (1564-1616), reconocido como el más importante escritor de la lengua inglesa en todos los tiempos.. Nacido en Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Inglaterra se desempeñó como escritor, dramaturgo, poeta y actor.

De su vida personal poco se sabe. Contrajo matrimonio sólo una vez. Él y su esposa procrearon tres hijos: la primogénita fue Susanna y luego nacieron unos mellizos Hamnet y Judith. Lamentablemente, Hamnet, su único hijo varón falleció a los 11 años de edad, por lo que el apellido no se perpetuó. Diversas leyendas rodean su historia.  Se cuestionó su autoría, debido a que muchos no creían que alguien de extracto rural pudiera poseer múltiples recursos lingüísticos, lo cual, según sus detractores, sólo podría ser atribuible a escritores egresados de escuelas prestigiosas y por consiguiente, de la alta esfera social. Lo cierto es que nadie pudo probar jamás que él no fuera el verdadero autor. También se especuló sobre su presunta homosexualidad a causa de una colección de sonetos cuya publicación no fue autorizada por él. Sin embargo, se cree que su inspiración para uno de sus más bellos sonetos intitulado “La esposa del mundo” (The world’s wife) fue precisamente su mujer.

En la época en que falleció Shakespeare era costumbre que, por cuestiones de espacio, cuando se necesitaban nuevas sepulturas se vaciaban las antiguas. Según la Enciclopedia Británica, ante tal temor, el propio Shakespeare redactó su epitafio:  “Buen amigo, por Jesús abstente de cavar el polvo aquí encerrado. Bendito sea el hombre que respete estas piedras y maldito el que remueva sus huesos“. Esto dio origen a la creencia de que el autor fue enterrado con sus obras inéditas, pero nadie se ha atrevido a comprobarlo por miedo a la maldición consignada en el epitafio.

El caso es que Shakespeare ha seducido con su escritura a propios y extraños.  Su obra ha trascendido tiempo y distancia y constituye parte fundamental del teatro.  Ahora toca el turno de caer ante tal seducción a Luis Santillán, dramaturgo y director de escena mexicano, quien iniciara su trayectoria cuando le fue otorgado el Premio UAM-Xochimilco en 2004 por su obra “La historia del oso polar que se quedó encerrado en el baño del restaurante“. Entre sus obras más conocidas, podemos citar: “Autopsia a un copo de nieve“, “De nuevo el principio“, “Polvo de Hadas“,  y “Malintzin“.

La compañía teatral SORGINAK –palabra euskera que equivale a “bujas”– vio su primera luz en 2012.  Luis Santillán es su fundador y director. Respecto de SORGINAK, el programa de mano señala que “una de las características radica en que sólo convoca actrices. Desarrolla un trabajo escénico en el cual los personajes femeninos son quienes detonan tanto el relato como las acciones dramáticas…”. Con respecto a su obra actual, mencionan: “Contaminados por los 400 años del natalicio de William Shakespeare, SORGINAK inicia una exploración y diálogo con las obras de este autor británico, siendo el primer trabajo a presentar DESDÉMONA (réquiem por el deseo)”.

Para su más reciente montaje, Luis tomó como base la obra que todos conocemos como Otelo, de la autoría de William Shakespeare, cuyo título original es “La tragedia de Otelo“, el Moro de Venecia (The Tragedy of Othello, the Moor of Venice). En virtud de que Luis Santillán se caracteriza por recrear universos femeninos en su obra, resulta lógico que el rol protagónico se lo dé a la mujer del Moro y no a él. Es así como surge DESDÉMONA (réquiem por el deseo)”.

En su texto de DESDÉMONA (réquiem por el deseo), Luis conserva parte de la trama de la tragedia shakespeareana que versa sobre amor puro, pasión, orgullo, perversidad, hipocresía, venganza y, desde luego, celos.DESDÉMONA se enamora perdidamente de Otelo, un general moro. Él la rapta para luego casarse con ella.  Por normas del servicio militar, Otelo y Desdémona viajan separadamente a Chipre, donde habrán de reunirse.  Otelo tiene dos subalternos Casio y Yago.  Acaba de nombrar teniente a Casio, lo cual hace que Yago se sienta desdeñado al sentirse merecedor del cargo. Por su parte, Emilia –esposa de Yago– se siente despechada al saber que Otelo prefirió a Desdémona.  Emilia urde su venganza y, utilizando a Yago para sus fines, envuelve a Otelo en una serie de intrigas y finalmente logra que Otelo piense que Desdémona le ha sido infiel. Muy tarde comprenderá Otelo el profundo amor de Desdémona y su honestidad.

Para su puesta en escena, Luis Santillán no sólo traslada el clásico de Shakespeare, convertido en DESDÉMONA (réquiem por el deseo), a la actualidad, incorporándole un diseño sonoro con música de Los Beatles y los Rolling Stones, sino que se aventura en dos innovaciones. La primera es que, aun cuando respeta la característica de SORGINAK de sólo convocar actrices, tres de ellas interpretan personajes masculinos en contraposición con el teatro que se presentaba en los tiempos de Shakespeare en que la profesión actoral estaba reservada a varones y, si la obra incluía mujeres, éstas eran encarnadas por hombres. La segunda, es que enmarca el montaje en un mundo acuático, para lo cual utiliza un dispositivo escénico donde se desarrolla la acción con su elenco sumergido en agua.

La labor de dirección por parte de Luis Santillán es impecable. Le infunde acción constante con buen ritmo. La corporalidad es parte primordial de la puesta en escena.  Las coreografías están bien diseñadas y muy bien logradas. Ciertos cuadros coreográficos son de particular belleza estética, como, por ejemplo, cuando se hacen a la mar.

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El elenco está conformado por: Ingrid Bravo (Desdémona), Lorena de la Parra (Emilia), Darling Lucas (Yago), Ixchel de la Rosa (Otelo), Montserrast Mundo (Bianca), y María Figueroa (Casio). Todas ellas integran un buen equipo. Ha de ser bastante difícil trabajar en agua a lo largo de toda la función. Para evitar resbalones su única protección es portar botas o livianas sandalias de material antiderrapante. En ocasiones, se sumergen por completo, quedando empapadas con el cabello escurriendo. Que las actrices hayan aceptado el reto y que venzan las dificultades e incomodidades correspondientes, es digno de admiración. Su labor corporal es formidable y coordinada. Su compromiso y entrega suplen ciertas deficiencias en su desempeño histriónico, por falta de experiencia–titubeos o errores en sus parlamentos, deficiente dicción, y falta de modulación en la voz para estar en posibilidad de reflejar las intensas emociones de los personajes. Por ejemplo, Lorena de la Parra utiliza un invariable tono fársico en todo momento.

El equipo creativo lo integran: Luis Santillán en autoría, dirección escénica e iluminación, Francisco Mondragónen asistencia de dirección y producción, Alejandro Huicochea en coreografías y asesoría de movimiento corporal, Fernanda Jardi en dispositivo escénico, Gatitas Siniestras en diseño de vestuario, Teresa García y Lissete Jiménez en realización de vestuario, Midra Diseño en diseño gráfico, Francisco Mondragón en fotografía, Asunción Pineda en difusión y prensa. La producción es de SORGINAK.

Según Luis Santillán, el autor, “una mujer puede perdonar que no la ames, per nunca perdonará que no la desees“. ¿Será cierto esto?. Compruébalo yendo a ver DESDÉMONA (réquiem por el deseo).  Ahí encontrarás un texto de buena estructura que captará tu atención, una versión erótica de la clásica tragedia en un montaje muy original y arriesgado, con escenas plenas de sensualidad y lujuria, interpretadas por bellas jóvenes que lucen sus esbeltos cuerpos al desnudo.  Sumérgete en el mundo de los celos y la falta de fe en el amor verdadero.

DESDEMONA (réquiem por el deseo)

se presenta los sábados a las 19:00 horas en la

SALA NOVO

-al fondo del mismo inmueble del Teatro La Capilla-,

ubicado en Madrid número 13 -casi esquina con Centenario-, en Coyoacán, Ciudad de México.

La temporada concluye el sábado 1° de octubre de 2016.

 

DELIRIO … 3:45 am

Por:Eugenia Galeano Inclán

 

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Los dos órganos más importantes de nuestro cuerpo son el corazón y el cerebro.  Si el corazón deja de latir, no hay vuelta atrás, todo termina.  En tanto que el cerebro es la más compleja de todas las estructuras vivas.  Procesa información sensorial, coordina y mantiene todas las funciones vitales del organismo.  Está conformado por aproximadamente un billón de células nerviosas (neuronas) que trabajan en conjunto a través de impulsos eléctricos.  Si cualquiera de dichas células falla, sobreviene un deterioro que pudiera ser imperceptible.  Todos hemos sufrido por lo menos en alguna ocasión pequeñas deficiencias del funcionamiento mental, tal vez olvidando dónde guardamos algo, no sabiendo en qué lugar dejamos las llaves, no recordando un nombre o un rostro, o cualquier otra cosa similar.  Sin embargo, si se presentaran varias deficiencias a la vez o en forma subsecuente, lo aconsejable es acudir al médico.  Una vez que se lleven a cabo estudios, podrá determinarse si se trata de algo transitorio o permanente y cuál es el padecimiento.  Existen muchos tipos de desórdenes mentales, algunos de los cuales si no son diagnosticados a tiempo y/o medicados apropiadamente pudieran derivar en pérdida de la razón.

 

En la actualidad, se ha incrementado notablemente el índice de un desorden mental en particular: la depresión.  Antiguamente, sólo la padecían adultos, hoy en día, hay casos en que aparece a temprana edad.  Los síntomas de este trastorno son profunda tristeza, decaimiento anímico, baja autoestima, apatía, falta de energía, dificultad para conciliar el sueño o frustración.  La vida cotidiana de quienes la padecen se ve seriamente afectada.  Todo lo que antes hacían con normalidad, cada vez se les dificulta más.  No tienen ánimo de limpiarse ni acicalarse, se les quita el hambre, no duermen, se ausentan del trabajo y de la realidad, todo lo que quieren es escapar y, en casos graves, incluso tienen comportamientos suicidas.

 

Según los médicos, las personas más susceptibles de padecer depresión son aquellos que pierden a un ser querido, viven bajo amenazas, tienen trabajos estresantes, terminan una relación importante, se ven obligados a abandonar sus casas o sus países, severos problemas financieros, es decir, cualquier cambio drástico o intolerable en su forma de vida puede detonar la enfermedad.

 

Ángeles Marín egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes, cuenta con una trayectoria de más de 30 años como actriz de cine, teatro, televisión, series y lecturas.  Desde muy jovencita destacó en su carrera.  Sin importar cuán pequeño fuera su papel, ella lo desempeñaba con energía.  Hoy nadie duda de que es una primera actriz en toda la extensión de la palabra.  Se distingue por su entrega absoluta al personaje en turno, al cual borda y dota de un enorme caudal de emociones gracias a su talento y su indiscutible capacidad histriónica.  Si al revisar la cartelera teatral o cinematográfica, ella forma parte del elenco, el público acude sabiendo que tiene garantizada una interpretación entrañable.

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Preocupada por la alta incidencia de depresión en el país, Ángeles decidió hacer algo al respecto desde la plataforma teatral.  Para tal propósito, llamó a su amiga Verónica Musalem, mujer culta, inteligente, talentosa, observadora y sensitiva.  Obtuvo su título de Licenciada en Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM–.  Se ha desempeñado como dramaturga, directora, guionista y docente.  A pesar de ser netamente mexicana, se podría decir que es ciudadana del mundo porque ha viajado a muchos países por estudios, trabajo o placer, pero jamás se ha olvidado de sus raíces a las que honra y respeta utilizando su impetuosa pluma para trazar con amplitud de colores la cultura, la cartografía, la vegetación, la artesanía, las tradiciones, las creencias, los sabores, los aromas, las leyendas y, sobre todo, el sentir del pueblo de su amada Oaxaca.

 

Ángeles pidió a Verónica que escribiera una obra de teatro sobre la depresión y la crisis otoñal en la mujer.  Ambas convocaron a Víctor Carpinteiro, reconocido actor con una larga trayectoria en cine, teatro y televisión.  Hace casi 12 años, Alberto Estrella y él fundaron El Círculo Teatral, espacio escénico que ellos han transformado por completo, a base de dedicación, esfuerzo, trabajo e inversiones.  En El Círculo Teatral el espectador encuentra tres foros, galería, cafetería y cursos de teatro y de danza.  A los discípulos se les brinda la oportunidad de presentar sus trabajos en alguno de los foros.  Tanto Alberto, como Víctor participan activamente en todo lo que atañe a El Círculo Teatral, así que además de impartir clases, actúan o dirigen algunas de las obras que ahí se presentan.

 

Fue así como surgió DELIRIO … 3:45 am, un texto de excelente factura que capta el interés de principio a fin, mediante el cual Verónica lleva al espectador a adentrarse en los laberintos mentales de su protagonista y tome conciencia del sentir de quien está atravesando una crisis a causa de la depresión crónica que padece.

 

DELIRIO … 3:45 am versa sobre una mujer que heredó los genes de su madre.  Por la brecha generacional, ella ni cuenta se da de cuán parecidas son.  Al llegar a la pubertad su belleza florece en la misma medida en que la de su mamá se va apagando.  Ya adulta, se sabe hermosa.  Le encanta atrapar todas las miradas, mientras las mujeres la admiran o envidian, los hombres la desean.  En su profesión le va muy bien, se presenta en una televisora y gana bastante dinero.  Por exigencias de su trabajo y por gusto propio, viste ropa de diseñador y porta calzado de marca.  Cualquiera que la vea piensa que nada le queda por desear.  Ella suele comentar:  “tengo el trabajo perfecto, el marido perfecto y hasta el gato perfecto“.

 

De pronto, un día frente a un espejo descubre el rostro de su madre en lugar del de ella.  Esto la desequilibra, tiene “miedo de sentir miedo“.  No se detiene a pensar que el físico es lo único que cambia con la edad y que los valores y cualidades permanecen por siempre.  Entra en depresión.  Pierde interés en todo, no puede dormir.  Quisiera alejarse de sus problemas, tener alas y volar.  Como no puede, se conforma con salir en su auto y conduce sin rumbo a alta velocidad.

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Víctor Carpinteiro se compenetra a fondo con la poética de Verónica y la espléndida interpretación de Ángeles y, a través del montaje, les proporciona un marco inmejorable.  Con creatividad entreteje la trama con la acción y diseña una bella y fluida coreografía que coadyuva al lucimiento del texto y de la actriz.  Su labor como director es extraordinaria, aprovecha el espacio a lo largo y a lo ancho y el ritmo es preciso.

 

Como de costumbre, Ángeles Marín se mimetiza con el personaje y hace gala de sus dotes histriónicas y corporales.  Su trabajo en esta obra sólo puede calificarse como magistral.

 

El resto del equipo lo conforman: Mónica Kubli en escenografía con un diseño apropiado que incluye diversas texturas en piso, un columpio para “volar”, una bandeja con líquido vital.  La iluminación es consistente con la acción y acentúa momentos estratégicos.  Cristina Sauza en vestuario -con pocas prendas logra versatilidad y va desde un elegante vestido hasta un glamoroso camisón.  Angélica González en asistencia de dirección.  Leticia Olvera en fotografía.  Rodney Steve en pista sonora.  Juan de Dios Mastachi es el técnico de sonido,  y la producción ejecutiva es de Al Producciones

 

El estreno de DELIRIO … 3:45 am fue todo un acontecimiento teatral al que se dieron cita muchas personalidades, entre quienes se encontraban los dramaturgos Medardo Treviño y Miguel Sabido, las actrices Vanessa Bauche e Isaura Espinosa, los actores Luis Cárdenas y Javier Escobar.  El público aplaudió de pie por varios minutos.  No todos los días se tiene la oportunidad de ver algo tan creativo.

 

Tres seres comprometidos, talentosos, sensibles y apasionados del teatro tienen la satisfacción del deber cumplido, mientras que el público queda conmovido, llevándose reflexiones, un mejor entendimiento acerca de la depresión, concientización, y una inmensa gratitud a quienes se dedican a hacer teatro de calidad que se ve, se siente y se vive.

 

DELIRIO… 3:45 am se presenta los martes a las 20:30 horas en EL CÍRCULO TEATRAL ubicado en Veracruz número 107, colonia Condesa, Ciudad de México. La temporada concluye en noviembre.

 

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

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Parejas vemos, tríos no sabemos, en el Wilberto Cantón

Un guión disparatado sirve para divertirnos dos horas: Emireth Rivera interpreta una chica que cae por casualidad en ese salón de belleza, Maru Dueñas es la dueña y sabe manicure pero no peinar, dato importante; Luisa Muriel es la ayudante en general, excelente desempeño y voz; José Luis Guarneros, Gerson Martínez, Alfredo Barrera y Betthoven Arbelaez son los representantes del sexo débil, sí, porque en esta ocasión las damas se llevan el triunfo al final.

Entrevisté a Emireth y me dijo que era una obra dedicada a proclamar la equidad de género; respetar a las féminas, estoy de acuerdo, pero la divertida comedia que vi sólo nos entretiene, le voy a contar un poco: la dueña de un laboratorio de belleza necesita tratamientos y embellecer su pelo, cuando la están atendiendo entra un asaltante novato de aires femeninos, quien sí sabe peinar; medio tenso en su desempeño, llega el esposo de Emireth; el cónyuge de Luisa Muriel entra y se arma la rebambaramba. Si todo eso es un discurso feminista: la gente no iría, pero si le cuento que Alfonso Paso escribía con ese estilo de situaciones forzadas, para carcajearse, seguro que sí compra boleto, también si le quitaran media hora ganaría en agilidad. La puede ver en el Teatro Wilberto Canton.

Vimos Hamlet en Bellas Artes

Vino la compañía de Andrea Baracco, Italia, para dar vida a un texto que todo mundo conoce, para mostrar su punto de vista peculiar, cambia escenas, simplifica textos, una montaña rusa gigantesca nos apantalla (claro, mediante multimedia) para que reflexionemos, sí, así es la vida, subimos, bajamos, sentimos miedo, pero también un poco de placer. Lanzan Luz contra el público, ropa contemporánea, piernas gigantescas proyectadas. En algunos momentos Hamlet camina con pasos sin ritmo y con bufonesco rostro, grandes telas transparentes sirven para proyectar imágenes que inquieten al asistente mexicano, ellos hablan en italiano y sobre la boca escena hay letreros con las traducciones, breves. Dura dos horas, realmente es atractivo el famoso parlamento que inicia “Ser o no ser” se escucha casi al final.

Ofelia yacerá casi desnuda tras de unos paneles transparentes, en tanto hay una lucha simbólica, nunca entrecruzan las espadas para dar paso a las muertes secuenciadas de los contendientes y la reina.

Buen trabajo que dio sólo dos funciones, después estará en Monterrey: Sólo ocho actores, Lino Musella, Eva Cambiale, Paolo Mazarelli, Michelle Sinisi, Andrea Trapani, Woody Neri, Livi Castiglioni y Gabriele Lavia logran la magia de renovar un texto que (dicen ellos) ha subyugado a los grupos y actores, que siempre esperan algo muy parecido a un modelo. En efecto lo logran. Busque en Internet, hay reportajes acerca de su trabajo que es muy visual. Lo malo es que en breve veremos algún clon por parte de nuestros directores posmodernos.

SATISFACTION (¿QUÉ ES LO QUE NOS SATISFACE?)

SATISFACTION (¿QUÉ ES LO QUE NOS SATISFACE?)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotos proporcionadas por la producción

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El destacado filósofo español José Ortega y Gasset (1883-1955) dejó una frase para la posteridad: “Somos arquitectos de nuestros propios destinos”. En principio es cierto, sin embargo, no siempre es así. ¿Por qué? Porque mucho de lo acontecido en nuestro devenir histórico depende de decisiones propias, pero también hay hechos que nos afectan en forma directa y nuestra voluntad es ajena a lo sucedido y sus consecuencias. Por ejemplo, más alguno trabaja en lo que encuentra no en lo que quiere; a alguien, sin deberla ni temerla, lo atropella un vehículo, lo deja inválido, cambia su vida, su capacidad de decisión y nada tuvo que ver; quisiéramos ser correspondidos por quien amamos y ella o él ni siquiera nos voltea a ver; el doctor nos diagnostica una enfermedad terminal, todos nuestros planes se modifican. Todo lo anterior nos lleva a la interrogante: ¿Qué es lo que nos satisface? En ocasiones, nuestros logros, en otras, lo que nos depara el destino, en otras, nada. La pregunta la hace Sara, protagonista del monólogo Satisfaction, de la autoría e interpretado por Carmen Zavaleta.

Continúa el cuestionamiento: “¿El amor, la comida, el sexo, el éxito, el dinero? ¿Todo lo anterior y algo más? Sin duda son una serie de acciones en el tiempo las que nos llevan al estado de satisfacción. Aquí yace una mujer que se le complica el mundo desde pequeña, ¿a quién no? Sara nos abre sus recuerdos y su presente para recorrer con ella esta singular historia donde librará una batalla con su cuerpo, su padre, sus amores, la comida y la soledad. ¿Se elige una vida en la soledad o ésta nos elige a nosotros? (Ángel Luna).

Me permito transcribir este largo párrafo porque hay que reconocerle a Carmen (autora), cómo a partir de hechos cotidianos, simples, en apariencia intrascendentes, nos lleva por un laberinto emocional y existencial cuya puerta de salida sería la satisfacción o, por el contrario, la insatisfacción personal. Sara narra, nos cuenta sus sueños, fantasías, alegrías, frustraciones, en forma lineal, parte desde su infancia hasta la edad de 45 años. Nos lleva a la reflexión con detalles de sus relaciones con su padre, un novio de la adolescencia, un desafortunado encuentro con un primo; sus fantasías con King Kong, su desgracia, a la postre su secreto, de haber sido violada en un taxi, las consecuencias: “se robó mi cuerpo y lo tiró a la basura”. No es una dramaturgia inmersa en lo denso, en lo rebuscado, en lo intelectual, es un texto que a partir de la sencillez se vuelve un deleite, una experiencia teatral donde se combina la tragedia y el humor.

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Ángel Luna, en su calidad de director, asume la sencillez formal de la obra y sin exabruptos profundiza en su esencia. Desde el minimalismo, tan sólo un sillón, deja fluir la historia, permite a Carmen-Sara ser ella misma, convierte al espectador en un intruso del yo interno del personaje. Resulta interesante su trazo, la actriz se desenvuelve en una superficie de unos cuatro metros cuadrados a lo sumo, sin embargo, da la sensación de estar en un escenario de mayores dimensiones. Por otra parte el movimiento, sin caer en la exageración, se convierte en una coreografía.

Carmen da vida a Ana, el personaje creado por ella misma, hasta dónde real, hasta dónde ficticio, es irrelevante. Goza, a pesar de los momentos fuertes, sus facciones contagian alegría a partir de la tristeza; entusiasmo, me refiero a una actriz disfrutando su trabajo. Durante una hora mantiene la atención de la audiencia, comparte una experiencia teatral, junto con Ángel hace de la historia una vivencia.

El monólogo Satisfaction se lleva a cabo en la Sala Novo (Coyoacán, Ciudad de México), los jueves, hasta el 1 de septiembre, a las 20:30 horas.

 

 

 

PROYECTO SUTIL (O DE LA INFINITESIMAL DIFERENCIA)

PROYECTO SUTIL (O DE LA INFINITESIMAL DIFERENCIA)

Por Eugenia Galeano Inclán

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Entre la amplia variedad de opciones que ofrece la cartelera teatral en la Ciudad de México, de vez en cuando cabe la posibilidad de asistir a una propuesta poco convencional, algo que no se ciñe a lo que consideramos teatro. En lugar de que la narrativa tenga planteamiento, desarrollo y conclusión, pudiera ser una antihistoria o un contrarelato. Los creadores teatrales tienen libre albedrío para determinar sobre qué tema harán su propuesta, así como para elegir el proceso a utilizar para concretar su proyecto.

Tal es el caso de Proyecto sutil, al cual se dio inicio hace poco más de un año. Un director, un dramaturgo y una actriz concertaron reuniones periódicas para generar material que investigara puntos de encuentro entre Francia y México. Durante sus sesiones pusieron sobre la mesa temas que alguno de ellos trajera a colación al considerar que pudiera aportar algo a la interrelación de las dos naciones. Conversaron sobre Antonin Artaud, Porfirio Díaz, la nanotecnología, la gastronomía y cualquier otro tipo de lazo histórico o cultural. Investigaron conceptos, historias y personajes, y comenzaron a pensar en la ficción que los representaría. Los sucesos que ocurrieron en ese tiempo fueron cambiando el rumbo de sus cuestionamientos iniciales y ampliando sus inquietudes. Tras largas disertaciones, el resultado de este laboratorio llevado a cabo por tres creativos fuertemente ligados al teatro -Diego del Río, Edgar Chías y Sophie Alexander Katz- fue presentar una obra en proceso, a la cual denominaron Proyecto sutil (o de la infinitesimal diferencia).

Cuando Aurora Cano, creadora y directora del Dramafest se encontraba organizando su edición 2016, se enteró del Proyecto sutil y decidió incluirlo, aprovechando que el país invitado de este año era precisamente Francia. Es así como Proyecto sutil pasa a formar parte del Dramafest 2016.

El enfoque básico de Proyecto sutil (o de la infinitesimal diferencia) es sobre la vida de tres personajes: una francesa mexicana, un iraní y un mexicano que, sin conocerse, en forma casual, coinciden en un atentado terrorista en marzo de 2016. Tal vez el que ocurrió en Bruselas. Se trató de un ataque coordinado en el aeropuerto de Zaventem y en una de las estaciones del metro, los cuales dejaron alrededor de 30 muertos y más de 200 heridos. En su momento, Bélgica activó el nivel de alerta máxima. Quienes los presenciaron los describen como una auténtica pesadilla.

En medio del caos y la confusión Sophie, Kaveh y Guillermo se conocen. Tres personas que se encontraban en el lugar y en el momento inadecuados. Inevitablemente, a partir de ese momento en sus conversaciones no dejarán de hacer referencia al incidente que los unió. Aquellos que han tenido el infortunio de vivir un atentado saben que el impacto mental es más fuerte que el físico. Las lesiones tienden a sanar, pero para lo que se siente y piensa no existe paliativo. Son seres que quedan marcados de por vida y jamás podrán olvidarlo.

Tras el estruendo de la detonación, se dijeron: “la libré“. Se echaron a correr por su vida, huyendo de lo desconocido, lo incomprensible.  Ella, al verse al espejo, se figuró que era “una muñeca con una mirada tristísima y fría“. Se percatan de que el cambo operó radicalmente en sus mentes. Pensaban muy distinto antes del incidente: “germinaban otros mundos y otros sueños“.  Ahora consideran: “que el futuro no es otra cosa que una posibilidad“, o bien, que “somos máquinas en el proceso evolutivo del planeta“.

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Kaveh pregunta al público qué es lo que sabe de Irán. Poco sabemos de un país tan lejano. Continúa diciendo: “Irania es la antigua Persia“. “Yo crecía en una tierra que no era la mía, en Alemania, algo perdido a los 17 años“. Por su parte, Sophie comenta que nació en Francia, pero ha vivido en México la mayor parte de su vida. Guillermo, supuestamente, buscaba lograr su nacionalización en Francia. Se sienten tan libres que pueden hablar sobre cualquier tema, incluso su propia muerte.

Proyecto sutil (o de la infinitesimal diferencia) no es teatro entretenido, es una flagrante confrontación entre la individualidad y el anonimato. Todo lo que conlleva nuestra identidad, estamos formados por los genes de nuestros ancestros, llevamos en la sangre partículas de distintas nacionalidades o razas. Difícilmente podría encontrarse a alguien con una sola nacionalidad en sus venas. La migración forma parte del universo desde tiempos inmemorables. Somos un todo y no somos nada. A veces sólo formamos parte del entorno y nos convertimos en seres paisaje: “Mapas de territorios ignotos se encuentran aquí debajo de nuestra piel“. Los sobrevivientes de un atentado son “anónimos decimales en las estadísticas del daño colateral“.

La dramaturgia de Edgar Chías provee un fiel retrato del sentir de las víctimas de un atentado. Diego del Río realiza una formidable labor de dirección que, sin cuarta pared, permite al elenco dialogar con el público, mantiene el ritmo y diseña un dinámico desplazamiento, aprovechando a fondo el espacio escénico. Pilar Flores del Valle y Ana Karen Flores brindaron asistencia a Diego en la dirección.

Sophie Alexander Katz, Kaveh Parmas y Raúl Villegas dan vida a los personajes en forma muy convincente, mediante su buen desempeño histriónico, corporal y vocal. Convencen al público y lo hacen sentir partícipe de su impactante experiencia. Pilar Flores del Valle será alternante en algunas funciones.

Auda Caraza y Atenea Chávez diseñan una escenografía idónea para dar la idea de aislamiento y área común, con tintes de azul sideral. Matías Gorlero aporta la iluminación con creatividad, haciendo lucir los reflejos de la luz neón caprichosamente distorsionados sobre el cristal o acrílico, dotando el espacio de belleza plástica. Félix Arroyo funge como asistente de Matías.

La exploración vocal es provista por Muriel Ricard. Julia Reyes Retana es la responsable del diseño de vestuario. La producción es de Dramafest y de Teatro UNAM.

Una propuesta muy interesante conformada por investigación, diálogo y reflexión. No siempre hay que ir al teatro buscando entretenimiento. En el mundo hay eventos que quisiéramos que no ocurrieran, pero, aunque lo lamentemos, ocurren. Un tema impactante que convoca a la reflexión y a un mejor entendimiento del planeta que habitamos y de nuestra presencia en éste. Un montaje original, bien cimentado. Altamente recomendable.

Proyecto sutil (o de la infinitesimal diferencia) se presenta dentro del marco del Dramafest 2016: miércoles, jueves y viernes a las 20:00 horas en el Teatro Juan Ruíz de Alarcón, dentro del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad de México. La temporada concluye el viernes 14 de septiembre de 2016.