Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

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Performance con ritual prehispánico y Rock progresivo

El cuarto álbum de Orgón es un viaje nostálgico, folklórico y montañístico con canciones de la juventud idealista de Lorenzo de Orgón, de sus recorridos por los riscos y las alturas de Amatlán de Quetzalcóatl y de su vena tropical y romántica. La canción-tema es el relato de cómo un selecto grupo de músicos-exploradores, incluido el productor Leo Díaz, emprendieron una misión especial en las montañas: buscar un copal. Encontraron muchas cosas más, y el Copal terminó encontrándolos a ellos.

Es la historia de los buscadores de la planta sagrada, quienes llegaron a tierras abruptas y lejanas, y descubrieron no sólo el copal botánico sino la inspiración para engarzarlo con el copal-cáliz del incienso y el mensaje del copal como encarnación de uno mismo en los estamentos de la realidad humana y metafísica.

El álbum incluye el Tema de Pálator, suite sinfónica que el cantautor compuso para su obra de teatro Pálator, el buscador errante, tragedia en ocho actos, con 23 escenarios y cientos de actores en el elenco; su duración aproximada es de seis horas, que presentó en su versión abreviada con aclamación del público en el Teatro Xola – Julio Prieto, de la Ciudad de México en el 2001. También el poema sinfónico Opus #111: La Procesión, pieza instrumental con que comienza la ambientación del track principal de la saga del Copal.

El álbum es temático: contiene canciones de búsqueda humanista, natural, romántica y espiritual que llevan al público por una dimensión interna de luz y reflexión. Como es habitual en el recorrido de sus álbumes, incluye canciones rítmicas y bailables como Pueblos del Cielo, La luz de tu sonrisa, y siempre una canción progresiva en inglés, Watching the stars.

Dos grupos musicales intervienen en la grabación y producción del álbum: el grupo rockero y el ensamble sinfónico, sumando un total de 30 músicos que ejecutan piezas deliciosas de rock, nahua-pop, swing, waltz, shuffle, jazz, balada, calipso, trova, cha-cha- chá y tropical. Ése es el ritmo y el estilo del Orgón.

Sugey Abrego actualmente está en la obra 23 Centímetros, Teatro 11 de julio, Narvarte.

Otras notas curriculares del intelectual mexicano: Ha escrito 13 libros: Palator, El Rio de la Vida, Misión al Aconcagua, Ascenso a los Volcanes, Vivir con sabiduría, La conspiración feminista, entre otros.

Ha ascendido todas las cumbres de México y varios de los más elevados picos del planeta.

LA ÚLTIMA PALABRA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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En fechas recientes las redes sociales se revolucionaron ante la etiqueta (#hashtag) “mi primer acoso”.  Innumerables historias sobre acoso, abuso, golpes, maltrato y/o violación fueron narradas por usuarios.  Estos relatos -algunos realmente tenebrosos-, narrados en primera persona, no sólo nos conmovieron sino que nos llevaron a la reflexión que deriva de la equívoca premisa sobre el sexo fuerte, que no es sino el machismo. El abuso de poder o de fuerza física para dañar a una víctima es un acto deleznable que no debe ser permitido. Salieron a la luz algunos nombres y apellidos, y no nos queda sino esperar que se imparta la justicia.

Existe otro tipo de crueldad de la que, comúnmente, no se habla, pero que está mucho más generalizada de lo que creemos y se trata de la violencia intrafamiliar, la cual es igual de abominable que los demás actos de acoso o abuso, con el agravante de que ocurre dentro de un lugar preciado. Todo ser viviente se preocupa y esfuerza por tener un hogar, llámese nido, madriguera, colmena o casa; es el lugar que sirve de protección y amparo, donde uno se siente cobijado y seguro. Los hombres que agreden a sus mujeres dentro del hogar cometen una doble afrenta: victimizan a quien los ama y mancillan su hogar.

Por naturaleza, las mujeres son románticas y cuando se enamoran lo hacen con todo su ser. Suelen ver al elegido como su príncipe azul y lo idealizan agregándole cualidades que sólo están en su pensamiento. Les cuesta mucho trabajo situarse en la realidad.  La mayoría de los ataques son bajo el influjo del alcohol. Al principio, ellas tratan de encontrar justificaciones: “cometí un error, lo hice enojar, tomó de más”, etcétera, porque su mente no puede aceptar que su príncipe sea un agresor. Sin embargo, mientras más a menudo o más intensas sean las agresiones, llegará el momento en que tomen conciencia de lo que realmente ocurre. Por profundo, sincero e incondicional que sea el amor termina por esfumarse y el rostro del ser amado se va desdibujando para redefinirse en el de un miserable. Es ahí cuando se le puede ver tal y como es.  La desilusión, el dolor y el terror que padecen estas mujeres son inenarrables. Lo lógico sería intentar una separación, sin embargo, es muy difícil que el verdugo libere a su víctima, tanto como pretender arrancar una presa de las garras de un depredador. En caso de que medien amenazas de muerte o si la mujer siente que su vida o la de sus hijos corre peligro, el instinto de supervivencia le infundirá la fortaleza necesaria para buscar la forma de suprimir los ultrajes, incluso, si la única salida es matar o morir.

Un caso semejante a éste es la temática elegida por el connotado autor argentino Luis Agustoni para La última palabra, un texto de excelente factura, muy estructurado, escrito con inteligencia y conocimiento, con parlamentos fundamentados y personajes bien definidos, que capta el interés de principio a fin. En nuestro país recordamos a Luis Agustoni por Los Lobos, uno de sus grandes éxitos. Su trayectoria teatral es amplia y en la misma se engloban sus diversas facetas, toda vez que se ha desempeñado como actor, director, docente y dramaturgo. Ha sido merecedor de numerosos premios, entre los cuales hay muchos de gran relevancia. Sus obras han sido presentadas, básicamente, en Argentina, México, Chile, Uruguay, Brasil, Perú, Venezuela y Colombia.

La trama de La última palabra versa sobre la deliberación de un jurado para emitir sentencia a Adriana Vélez, quien asesinó a Ernesto Molina, su esposo. En la sala del tribunal, tres jueces habrán de llegar a un acuerdo unánime que decidirá el destino de Adriana. En el expediente del caso consta que Adriana era víctima de violencia intrafamiliar. En varias ocasiones trató de levantar denuncias en contra de su marido, pero éstas no prosperaron. Optó por separarse de su esposo y conseguir un trabajo.  Dado que durante el matrimonio procrearon a Tomás, continúa reuniéndose con Ernesto cuando él hace las visitas paternas.

Tras la revisión, cada uno de los jueces da un veredicto distinto. El problema es que deben unificar su decisión y dictar la sentencia definitiva. Para alcanzar un acuerdo tal vez requieran escuchar La última palabra de Adriana.

La dirección corre a cargo de la primera actriz Angélica Aragón, quien hace una labor brillante. Planea bien el desplazamiento escénico de su elenco y acentúa las características individuales de cada personaje, mediante la corporalidad adecuada.  Mantiene buen ritmo.

El montaje es realista. Representa la sala de un tribunal de justicia, moderna, con tintes propios de burocracia, mobiliario adecuado, café, jugo y agua para hidratarse, computadora portátil para que la secretaria del jurado lleve constancia de la deliberación. La escenografía e iluminación son provistas por Edgar Sánchez.

El elenco para personificar a los tres magistrados y a la secretaria del tribunal está conformado por: Roberto D’amico,  Pablo Perroni,  Víctor Hugo Martín  y  Adriana Llabrés, quienes ofrecen un formidable trabajo histriónico y corporal. Roberto encarna al magistrado decano, a punto de jubilarse, muy respetado por su experiencia y desempeño; Pablo al magistrado joven, inteligente, de carácter fuerte, de físico cuidado, algo galán e impulsivo; Víctor Hugo al magistrado tradicional, ecuánime, educado, elegante, siempre en busca de una solución justa, y Adriana a la abogada que funge como secretaria del tribunal, la belleza no le resta inteligencia ni profesionalismo, con una memoria tan privilegiada que dicen de ella: “tiene un disco duro en el cerebro“.

El resto del equipo creativo lo integran: Mariano Ducombs y Eloy Hernández en producción, Sebastián Ventura en multimedia, Rubén Vera en diseño gráfico, Memo Pineda en relaciones públicas y medios, Julio Arroyo en asistencia de dirección,  Patricia Hernández Mendoza, Alejandra Sandi, Francisco Hernández Castelán y Georgiana Cueto en coordinación de producción.

Cabe hacer la aclaración que se trata del estreno mundial de La última palabra. No pierdas la oportunidad de ver esta obra. Texto interesante sobre un tema de actualidad, acertadas interpretaciones y buena dirección. Sería maravilloso que el teatro contribuyera a que, al menos, un agresor se concientice de cuánto daño causa y que entienda que mientras mejor trate a su mujer más placentero será su hogar.

La última palabra se presenta los lunes a las 20:30 horas en el Teatro Helénico, ubicado en Avenida Revolución número 1500, colonia Guadalupe Inn -cerca de la Estación Barranca del Muerto del Metro-, en la Ciudad de México. La temporada concluye el lunes 1° de agosto de 2016.

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SÁNCHEZ HUERTA (ALARMANTE EL SUICIDIO INFANTIL)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto del Cartel promocional

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Un hecho, en el ámbito mundial en general y el nacional en particular, es el incremento en el número de suicidios entre los infantes y adolescentes. Sólo para tener una idea, entre 2000 y 2010 el suicidio de niños de 5 a 14 años de edad alcanzó la cantidad de 150; hoy día se reportan alrededor de 16 casos por día en la República Mexicana.

Un tema dramático, escabroso, preocupante. Como hemos mencionado en otras ocasiones, al teatro le conciernen todos los asuntos inherentes al ser humano, por ello Claudia Ríos aborda el tema desde la dramaturgia bajo el título de Sánchez Huerta, apellidos de una niña de 12 años de edad quien se quitó la vida. Una pequeña inteligente, aplicada, simpática, aparentemente feliz y con muchas comodidades materiales a su alcance, casi perfecta. ¿Qué la llevó a tomar esa decisión? Tal vez porque su madre la recluyó en un internado de lujo, sin embargo, la privó de su afecto, de sus abrazos; tal vez por un supuesto abuso sexual por parte de…; tal vez la lejanía geográfica con relación a su padre. En concreto, sin descontar muchos tal vez, la indiferencia de sus progenitores; tener todo y al mismo tiempo nada, sobre todo lo deseado.

Claudia nos presenta un texto que inicia por el final, esto es, Eva Alicia (nombre de pila de la niña) ya ha dispuesto de su vida, la obra avanza, en cierta forma, hacia atrás, escudriñar las circunstancias que la llevaron a tomar tan drástica decisión. Una madre, quien sufre la pena, el remordimiento, cuando ya no hay nada que hacer. Quienes le sobreviven a un suicida quedan marcados para siempre, personas y familias se fracturan emocional y moralmente. Una obra que ataca de forma frontal lo visceral -en el buen sentido del término- emotivo, busca las diferentes circunstancias del hecho, por momentos didáctico, una buena dosis de argumentos éticos. Idónea para ser representada en escuelas y, por supuesto, a los padres con hijos menores o adolescentes.

La dirección es responsabilidad del maestro Banjamín Cann, uno de los más reconocidos en este rubro. Sin embargo, en esta oportunidad opta por un ritmo lentísimo, sobre todo, en el primer tercio del montaje, tan lento que se vuelve somnolienta la puesta. El padre de la niña de principio a fin, en todas sus intervenciones, carga una maleta, inclusive en un cambio de ropa, es de suponerse tiene algún simbolismo, se requiere de la semiótica para descifrarlo, no fue mi caso. Durante el desarrollo de la puesta hay apagones y encendidos de segundos de duración, vistosos. En algunos momentos multimedia. Todo sucede en un salón de clases de la escuela donde se dio el hecho lamentable, el diseño del espacio escenográfico a cargo de Matías Gorlero, éste incluye una especie de fuente con agua real alrededor de una tarima.

El reparto: Ana Karina Guevara, Mónica Dionne, Roberto Sosa, Damayanti Quintanar, y Socorro Miranda. Mónica maravillosa, como siempre, mujer teatro (actualmente en tres montajes en forma simultánea), en este caso en un papel de carácter, si bien no es la protagonista, sus escenas son exquisitas. Roberto es un gran actor, sin embargo, en esta ocasión queda por debajo de sus potencialidades, más por la dirección y la maleta citada. Comentario aparte merece Ana Karina Guevara, un gran trabajo, no sólo es la protagonista, es el alma de la propuesta, lleva adelante a su personaje con cambios sutiles de emociones y sentimientos, a pesar de ese ritmo lentísimo adoptado por Cann.

Sánchez Huerta tiene lugar en el Teatro Milán (Ciudad de México), los viernes a las 20:20; sábados 18:00 y 20:15, y domingos: 17:00 y 19:15 horas, hasta el 27 de agosto.

 

 

POSEÍDOS (UNA HISTORIA DE FANTASMAS)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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Para quienes gustan de las historias de fantasmas, nada mejor que asistir a la puesta en escena intitulada Poseídos, de Henry James, adaptación a cargo de Luis Terán, de la novela Otra vuelta de tuercas, un clásico del género. Provocar el misterio en el cine es fácil, claro con un buen director y alta tecnología, no así en el teatro, este no tiene tantas posibilidades, menos cuando los recursos económicos no son abundantes.

Es de reconocer la propuesta de dirección de Martha Luna. La anécdota acontece en la Inglaterra de 1898, en una mansión integrada por un sin fin de salones y habitaciones. La escenografía es realista, mobiliario que sugiere la época al igual que el vestuario. Con relación a la iluminación y la musicalización se podría darles más juego para reforzar el misterio, aún cuando respecto a la primera se usa la penumbra para proporcionar un ambiente de terror. Hay multimedia, también realista, las imágenes en blanco y negro. Las escenas se desarrollan en dos niveles, uno a raíz de suelo, frente al público, otro en la parte alta del foro; se aprovecha bien todo el espacio; el trazo, a pesar de lo reducido que es el escenario, es satisfactorio. Sin que estrictamente se pueda decir que se rompe la cuarta pared, hay fragmentos de escenas que acontecen a espaldas de los espectadores.

El protagónico recae en Ángeles Marín que, como nos ha acostumbrado, muestra su talento y madurez histriónica en el papel de la señorita Giddens, sin embargo, hay momentos que se va muy arriba, sus compañeros casi la ven como público, insistiendo, es pecata minuta, da una cátedra, esta consolidada como actriz, sigue sorprendiendo, además, por decirlo de alguna forma, el melodrama y la tragedia le viene como anillo al dedo. Bien por ella.

La acompañan Alejandra de la Rosa (Grose), Jorge Karlóz (Tío), Fede Porras (Miles), Matilde Luna (Flora), Claudia Frías (Ana), Jorge Karlóz (Peter) y Rosalba Castellanos (Jessel). Fede es un niño con gran talento, a pesar de su corta edad -tal vez unos diez años- tiene presencia escénica, dominio actoral, no se amedrenta; las mejores escenas del montaje las protagoniza con Ángeles Marín, alterna sin miedo; está llamado a destacar en el teatro.

La señorita Giddens se convierte en la institutriz del niño Miles y su hermana Flora; viven en una lúgubre mansión en el campo. Dos abominables espectros intentan posesionarse de los infantes. “¿La llegada de Miles -a la mansión- futuro pupilo de la institutriz, logrará desatar las fuerzas sobrenaturales en la que los espectros parecen vagar alrededor del lago y en el interior de la propiedad? ¿Según su percepción, quieren apoderarse de los niños o lo han hecho ya? Un desenlace inesperado. Es recomendable en la primera oportunidad que se tenga leer Otra vuelta de tuercas; es un agasajo literario, más no por no dejar de reconocer que la presente adaptación y montaje son dignos del buen teatro que se ofrece en la Ciudad de México.

Poseídos, una historia de fantasmas, se representa en el Círculo Teatral (Ciudad de México), los sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

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PASIÓN (LA INFIDELIDAD, VIOLENCIA SIN MORETONES)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto del Cartel promocional

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Una hermosa joven acosa y seduce a un hombre maduro, un cincuentón, quien lleva 25 años de casado y de fidelidad. La belleza y juventud lo llevan a un caos existencial, sus valores morales se tergiversan, al grado de proponerle a su cónyuge el intercambio de parejas, a menos que cada uno disfrute de su sexualidad por su cuenta. La joven, por naturaleza promiscua, no se conforma con él, también quiere con la esposa. A la postre salen a la luz una serie de hechos y confesiones, habrán ambos de tomar decisiones. La infidelidad es violencia que no deja moretones.

Una fina comedia del inglés Peter Nichols, destacado dramaturgo galardonado con varios premios. En esta ocasión el escenario se ve engalanado con Pasión, estrenada en Londres en 1981 a cargo de la Royal Shakespeare Company y fue galardonada como la mejor obra por los reconocidos Evening Standard Awards. El autor expresa en su diario: “Lo cierto es que la pasión de amor, como acto transgresor, crece en un campo sembrado de traiciones. Como buen humorista, explora ese doble filo, a la vez superficial y profundo, donde “un montón de mentiras” permite florecer, en medio de la catástrofe, de separaciones dolorosas y dobles caras que se caen de sin vergüenza, la verdad simple y destructora que encierra una sola palabra: pasión”. Comedia inteligente, inmersa en el humor, en muchos casos negro, el sarcasmo y la ironía; provoca la risa y la reflexión en forma simultánea; lúdica y seria. La protagonista siempre presente y a la vez invisible: la pasión.

David Olguín, destacado dramaturgo y director, es el encargado del montaje. Un trazo pulcro, el desplazamiento de los actores no tiene parangón, ritmo exacto; en ningún momento se cae la puesta, mantiene el interés de principio a fin, asume un espacio “triangular”, minimalista, todo queda en su grupo actoral, no hay parafernalia, hay teatro, excelente teatro, muestra y demuestra que con un buen texto y un director con talento se puede hacer comedia de calidad, de arte.

El deleite emana del trabajo, entrega y profesionalismo de Carmen Beato, Juan Carlos Barreto, Verónica Merchant, Moisés Arizmendi, Alejandra Ambrosi, Paloma Woolrich y Verónica Bravo. Todos conjuntados más si tomamos en cuenta que cada uno de los integrantes del matrimonio tiene su alter ego, por lo mismo los diálogos se alternan, el mismo personaje: dos actores. En verdad da gusto ver histriones, quienes hacen del género la oportunidad de reír durante dos horas, aproximadamente. Paloma gran actriz, tiene una participación relativamente breve, sin embargo, sus escenas son el alma de la comedia.

Un restaurador de arte moderno y una joven escribiendo un libro, provocan que surja la desconfianza, con las notas de La pasión según San Mateo. Esta fina comedia, bajo la guía de David Olguín y el excelente trabajo actoral, se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México) hasta el 3 de julio; los viernes a las 20:30; sábados, 18:00 y 20:20, y domingos: 17:00 y 19:00 horas.

 

 

PASEO POR LAS ESTRELLAS (METÁFORA DE LOS DISTANTE SIEMPRE PRESENTE)

Por Alejandro Laborie, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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Siempre es difícil perder a un ser querido, más cuando los lazos de unión son tan estrechos que literalmente hay una simbiosis. Esto ocurre con frecuencia entre abuelos y nietos. En torno a la muerte de agradable anciano, el niño Pablo se abocará a ir a su encuentro, claro, en un mundo de ensueño donde las estrellas del firmamento juegan un rol importante.

En síntesis: “Este montaje nos habla sobre Pablo, un niño que siempre está aprendiendo de su anciano abuelo. Pablo encuentra el gozo y la diversión en descubrir nuevas estrellas y bautizarlas. Un día su abuelo se irá y el niño encontrará en las estrellas la respuesta a la ausencia de su abuelo”.

Estamos hablando de la primera obra para niños escrita por Silvia Peláez, una de las más destacadas dramaturgas contemporáneas mexicanas, con más de 50 obras en su haber. El texto no es muy afortunado, no atrapa y menos entretiene. En favor de la autora, cabe aclarar que ha sido alterado, lo cual deja la duda si las modificaciones sólo son de forma o también de fondo. La obra lleva por título Paseo por las estrellas, bajo la dirección de Alicia Martínez Álvarez.

La dirección, al parecer no interviene en forma directa, asume una escenografía sencilla: dos cajones (tipo baúl), un pianito, un… supuestamente es el árbol de los suelos y un… la Constelación del Cisne (requieren de mucha imaginación). Un títere y como gusta a Alicia, el actor con máscara. Se sugiere al abuelo a través de un silloncito y encima de éste unos anteojos tamaño natural. El trazo es de lo más sencillo, simple si se quiere, no hay mayores complicaciones, rompe la cuarta pared sin que pase nada. Alicia ha tenido varios montajes acertados pero este no es su mejor propuesta.

Fernando Sakanassi -encargado de la pobre creación escénica con el resultado de ser más “vistosa” que creativa- “interpreta” a Pablo. Su participación es deprimente, un monólogo requiere de un histrión no de un improvisado; siempre en el mismo tono (aburrido), emotividad fingida, sin modulación o matices de voz, en verdad somnoliento. Si como actor no tiene nada que hacer, al menos en este unipersonal, como manipulador de títeres menos.

Una lástima que tiren a la borda la ópera prima de teatro para niños de Silvia Peláez; se pierde la oportunidad dramatúrgica y escénica de adentrarse: “En la profunda oscuridad del espacio donde el abuelo y nieto se unirán en un inolvidable viaje por las estrellas, como metáfora de los distante siempre presente, de ese brillo que atraviesa el tiempo para llegar a nosotros, como ocurre con la presencia de los seres queridos que ya han partido”.

Paseo por las estrellas se presentará hasta el 10 de julio, sábados y domingos a las 13:00 horas, en la carpa de Huerto Roma Verde, ubicada en Jalapa 234, colonia Roma Sur, Ciudad de México.

 

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ESCUCHA MI SILENCIO (LA PANTOMIMA EN TODO SU ESPLENDOR)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Cuernavaca, Morelos. Es sabido, en muchas ocasiones es difícil contar una o varias historias con palabras, hay que imaginarse el dominio de la técnica de la pantomima para narrar y los espectadores comprendan, se compenetren con los personajes y lo que están “diciendo”.

Óscar Flores Acevedo (radica en Cuernavaca), a través de Escucha mi silencio, escrita y dirigida por él mismo, da una cátedra de la expresión artística que nos ocupa. Varios elementos se conjugan en el escenario -loables maquillajes, vestuario y una escenografía “sencilla” paro eficaz-, sin embargo, sólo son apoyos. Múltiples personajes desfilan frente al respetable -policía, equilibrista, etcétera- todos convincentes, psicológicamente bien definidos, mejor caracterizados-. El trabajo actoral es impecable, por momentos conmovedor, en todo caso una muestra de lo que es una de las expresiones de las artes escénicas más complicadas de lograr, Óscar lo hace lúdico.

Flores Acevedo es actor -incursiona en todos los géneros: comedia, farsa, tragedia, infantil, pantomima-, director y dramaturgo. Es egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes. Realizó estudios con Lecoq, Carbone 14, Potlach, Héctor Mendoza y en el CADAC. Debutó en El loco, de Gibrán (1974), a la que la siguen Las tribulaciones de un lagartijo, de Tomás Espinosa (1986); Pastorela Serendipity, adaptación de Miguel Sabido; Roja doméstica, de Carmen Bulluosa; Cupo limitado, de Tomás Urtusástegui (1989), entre otras. Recientemente estrenó Ubu un gobernador, adaptación de Óscar a partir de Uburey, de Alfred Jarry. Reconozco es un hombre de teatro, en realidad lo encarna, lo goza, lo disfruta, con pocos recursos económicos, pero con talento y creatividad, sorprende con sus propuestas como en este caso. No sé qué tanto le convenga radicar en Cuernavaca, lo cierto es la excelente oferta teatral que brinda.

Vivir en la ciudad de la eterna primavera como teatrista es problemático, no se pueden realizar temporadas de viernes a domingo durante varias semanas, por eso a pesar del amplio repertorio de la compañía Sextosol, al frente de la cual se encuentra Óscar, en ocasiones, de cada una de sus propuestas sólo se da una función al mes, por ello es recomendable consultar la página web de La morada, sede de la agrupación, con la seguridad de gozar y disfrutar esta cátedra de pantomima y apreciar el trabajo de uno de los mejores mimos de nuestro acerbo en este rubro.

 

CAFÉ Y CIGARRILLOS

Por Dalia María Teresa De León Adams

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La puesta en escena Café y cigarros que hoy día se presenta en el Foro El Galeón, bajo la dirección, concepto y coreografía de Stephanie García, es nada menos que la recreación del filme dirigido por Jim Jarmush en el año de 2003.

El film contaba con once historias cortas o viñetas, en donde Café y cigarros eran el móvil para presentar una cinta cinematográfica en torno a la cual, estos ingredientes servían para escenificar diálogos y cuadros, desde fársicos hasta dramáticos.

Los diálogos terminaban siendo incompresibles en el sentido de que hablan indistintamente, tratando temas desde consideraciones acerca de Nikola Tesla, por ejemplo, o dos mujeres que hablan de un tema personal bochornoso, o bien, un hombre y una mejer hablando de frivolidades.

La película contaba con  un reparto estelar muy reconocido, en el que se encontraban Roberto Benigni, Steve Buscemi y Bill Murray, además de grandes músicos como Jack Whit, Meg White o Iggy Pop.

La película resultó ser una especie de comedia bizarra, en la medida en que no contaba realmente con una trama. Presentada en blanco y negro, logró dar el efecto de una película de época.

El humorismo y la excentricidad son los elementos en torno a los cuales la película logró una apariencia agradable y vistosa, así como ahora en el caso de la obra teatral. Esto además se logra gracias a la presencia de un vestuario llamativo a la usanza de los años sesentas.

Este efecto no es casual, pues además tiene un paralelismo con las películas musicales al estilo, por ejemplo, de Amor sin barreras, en cuanto a que son musicales que presentan bandas de jóvenes que cantan y bailan, pese a escenificar dramas. Estos elementos evidentemente también los encontramos en la puesta teatral de Café y cigarros de Stephanie García.

La obra cuenta con una coreografía, cuyo reparto estelar está compuesto por jóvenes actores: Angélica García, Lorena López Aguado, Tlatui Maza, Alberto Mora, Hugo Martínez y Daniela Rochín. Artistas que bailan, actúan, cantan y realizan pequeñas acrobacias. La puesta en escena es presentada en un solo cuadro escenográfico que simula una especie de café-danzante, y en un solo tiempo escénico de una hora con treinta minutos.

Usted la podrá ver bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura en el Centro Cultural del Bosque, los días lunes y martes a las 20:00 hasta el 5 de julio.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Ariane Pellicer actúa en “Noche de Estreno”

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Acudimos para disfrutar “Noche de estreno” en El Galeón, atrás del Auditorio Nacional. El elenco es de primera: Ariane Pellicer, Arturo Ríos, Tina French, Karina Hurta-do y Pamela Ruz. Nos recibió una obra extraña, o le faltaba ritmo todavía; en la cafetería, al final, uno de los actores deslizó “con las funciones van a amarrar las escenas” y creemos que sí; quienes vemos mucho teatro, sabemos que dentro de un mes sentiremos todo más fluido. ¿De qué habla? Es una irónica mirada acerca de un montaje y cierta famosa actriz que son víctimas de la decadencia.

Hay otras acciones: una fan esta maravillada con la celebridad, la echan del camerino, sale y es atropellada, casi de inmediato muere; empieza una coexistencia de admiradora/miedos/mente en black out/ alcohol/café cargado para que vaya reconstruyéndose el alma de la actriz que interpreta la bella Pellicer, en tanto el ser que encarna Martín Altomaro sufre las eternas repeticiones que se requieren para trabajar una pieza, un plástico blanco es el altar para hacer fotografías de arte (nunca se usa por cierto, sólo se transita encima) Antonio Castro tiene un colmillo largo y retorcido para hacer que madure esta idea de John Cassavetes, usted sabe, es un filme de nombre Opening Night, presentado en 1977 al gran público, espero verla otra vez en unas semanas,  pues tengo confianza en esta conjunción astral y deseo llegue a la perfección.

 

“La Última Palabra”

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Hasta el sur, en el Helénico, se puede ver este montaje que reúne a un grupo talentoso, Roberto Damico, Víctor Hugo Martín, Adriana Llabrés y Pablo Perroni, a quienes dirige Angélica Aragón. Luis Agustoni también escribió Lobos: usted recuerda, habla de un grupo de amigos, políticos y empresarios que han llevado a cabo actos ilícitos y están a punto de ser descubiertos, en aquella ocasión estaban Víctor Trujillo, Pedro Armendáriz, Roberto Damico y Rafael Sánchez Navarro, gustó mucho por el deseo que tenemos todo de conocer las entrañas de los que toman dinero público, la obra se ubica en otro país, claro.

 

En “La última palabra” el autor nos ubica en una sala donde deliberan jueces a solas, acerca del asesinato de un hombre por su esposa, que había sido víctima de maltrato; ella se separó y ya había iniciado una nueva relación. Estos detalles y varios más, acerca del expediente judicial no son perfectos (porque separado no es divorciado) para la narración del origen y consecuencias: una por una, la gran pregunta ¿Es inocente porque actuó en defensa propia, 12 años o 20 de penalidad? Al estilo de Doce hombres en pugna se van manejando los detalles -quizá con menos impactos que en la que consagró a López Tarso-Blandón, Ripoll, Trujillo et al – pero con buena eficiencia narrativa. Todo el público quedó satisfecho de este trabajo que deseo ver varias veces para disfrutar sus avances. Acerca de la violencia de género que enarbolan: es frágil: ¿si el asesino hubiera sido el marido, también le defendería el autor? –o sólo hay un género que tutelar-

 

Para que usted se ría: “Harry el Crítico” no existe

 

En las redes sociales nació y murió sin que supiéramos su identidad (bailarín, productor o actor) un puñado de admiradores aplaudían sus comentarios medianamente fuertes, no sobre todo tipo de teatro, sino de musicales, castings, siempre alabando lo extranjero. No existe. Usó en facebook la foto de un chef de Nueva York (apuesto, no parecía mexicano) inventó un nombre que parecía de prestigio. Borró todo en cuanto se vio exhibido como “un perfil falso”. Al rato reaparecerá con otro nombre extranjero, porque su origen no le gusta.

 

El Cantautor y Dramaturgo Lorenzo de Orgón presenta Disco

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Quizá usted recuerde: durante 2001 en el Teatro Xola se presentó la obra “Palator” que habla de un hombre que quiere trascender sus limitaciones, inicia un camino hacia su yo interno para elevar su nivel de conciencia. Escribió el drama más extenso que exista, ocho actos, que necesita decenas de actores para su realización; se presentó en el Xola una condensación de 90 minutos. Después ha seguido con la necesidad de transmitir este mensaje, por ello tiene listo el cuarto álbum que llama “Buscando el Copal” que narra a través de catorce canciones esta epopeya personal.

 

El ritmo al que ha llegado es el rock- jazz- progresivo que denomina “Orgón”.

“Pueblos del cielo”, “La búsqueda”, “La luz de tu sonrisa”, “Poema sinfónico de la Procesión” son algunos de los temas que narran esta hazaña: salir de nuestras limitaciones. Hay una fuerza original, laica, que todos presentimos y podemos buscar a través de la música del siglo XXI. Podemos disfrutar este concierto teatralizado el 8 de junio 2016 en el Salón Voila de Antara, en Polanco. Hay que recordar que Orgón también es autor de trece libros, uno de ellos acerca de la filosofía china.

 

Ariane Pellicer; una fanática muere y se convierte en fantasma ¿o se la imagina?

 

Disfrutamos “Noche de estreno” en El Galeón. El elenco es de primera: Ariane Pellicer, Arturo Ríos, Tina French, Karina Hurtado y Pamela Ruz. Nos recibió una obra extraña, o le faltaba ritmo; en el coctel, un actor deslizó esto “con las funciones van a amarrar las escenas” y creemos que sí; quienes vemos mucho teatro, sabemos que dentro de un mes sentiremos todo más fluido.

 

Es la irónica mirada acerca de un montaje y cierta famosa actriz que son víctimas de la decadencia, una fan esta maravillada con la gran actriz, la echan del camerino, sale y es atropellada, casi de inmediato muere. Empieza una coexistencia de admiradora/miedos/mente que no reacciona/ alcohol/café cargado para que vaya reconstruyéndose el alma de la actriz que interpreta la bella Pellicer, en tanto el ser que encarna Martín Altomaro sufre las repeticiones que se requieren para convivir con ella, un plástico blanco sirve para fotografías de arte (nunca se usa, sólo se transita encima). Antonio Castro, quien dirige, tiene la experiencia para hacer que mejore esta idea de John Cassavetes, usted sabe, es un filme de nombre Opening Night, presentado en 1977 al gran público, espero verla otra vez en unas semanas,  pues tengo confianza en esta suma de talentos y deseo llegue a la perfección.

TÓCALA DE NUEVO, CACHO

Por:  Eugenia Galeano Inclán

 

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En México hay mucha gente que hace teatro, lo cual deriva en una amplia cartelera de oferta teatral. Además del teatro comercial, existen teatros, complejos teatrales, foros alternativos y algunos restaurantes o bares. Cada quien decide qué ver y dónde verlo. Por lo general, se prefieren los teatros conocidos a los pequeños foros, Se cree que en los espacios alternos sólo se presentan obras experimentales o actores recién egresados, lo cual no es cierto.  En ocasiones, hay buen teatro en esos lugares.  Este es el caso de TÓCALA DE NUEVO, CACHO, co-escrita por Oscar “Tato” Tabernise y Enrique Morales, dramaturgos argentinos. Se trata de una comedia al estilo de teatro cabaret.

 

Los personajes de TÓCALA DE NUEVO, CACHO, también llamada Catálogo de Perversiones, son en su mayoría mujeres y las hay de todo tipo, algunas de ellas están inspiradas en los casos reales que Sigmund Freud describió en sus libros.  El estructurado texto lleva al espectador a ser testigo de la minuciosa investigación que lleva a cabo un detective privado para localizar a Cacho Bongiovanni.

 

Segismundo Bogart es un hombre algo soñador, le encanta ir al cine y  leer, sobre todo, novelas policiacas. Al ejercer su trabajo, se siente protagonista de esas novelas.  Es gran admirador de su tocayo de apellido, el actor Humprey Bogart. Una mujer lo llama y le dice que desea contratarlo para que esclarezca la desaparición de su marido, Cacho Bongiovanni. Segismundo acude a conocer a su cliente -una mujer con doble personalidad- que, cambia entre ser Charlotte y Ana O.  De cualquier modo, la dama impacta a Segismundo y no dejará de tenerla en mente durante su investigación. El caso se va complicando devbido a que Cacho es un amante empedernido y Segismundo habrá de visitar a todas las mujeres relacionadas con Cacho.  Es así como tiene que interrogar entre otras a a Mesalina, Juliet, Jusanita y su abuelita, la licenciada en análisis veterinarios Paloma Sánchez, Marta y hasta a Narcisa, la mejor bailarina del mundo.  ¿Logrará el detective ubicar a Cacho?

 

Sin escenografía, el montaje se basa en el desempeño actoral y la corporalidad del elenco.  Los entornos son creados mediante musicalización y múltiples cambios de vestuario femenino. Cada vez que el detective se entrevista con una nueva mujer habrá de recordar a Charlotte / Ana O con un tema musical “tan pequeña es … tan fragil es“. El espectáculo está muy bien planeado y logrado. El elenco y el encargado de la musicalización forman un equipo muy profesional y comprometido.

 

Admirable trabajo histriónico y corporal por parte de Guillermo Jair (Segismundo Bogart) y Adriana Reséndiz, quien, además sorprende con su versatilidad al interpretar a todos los personajes femeninos. Como actor invitado, Andrés de León encarnando a Cacho Bongiovanni y deleitando al público con su melodiosa y educada voz. Cada semana un invitado distinto se incorpora al proyecto e interactúa con el dúo formado por Guillermo y Adriana.  Los próximos invitados serán: Alberto Reyes (22 de mayo)  y  Fercho Nolla (29 de mayo). La producción está a cargo de Sergio Hernández López.

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Embárcate en la vertigionosa aventura de investigar la desaparición de Cacho, acompañando y apoyando al detective Segismundo Bogart. La diversión está garantizada. Pásate una tarde de domingo distinta, disfrutando de un espectáculo bien armado y actuaciones muy convincentes. Como el foro es de cupo limitado, te sugerimos llegar temprano para asegurar tu lugar. Hasta podrías llegar con tiempo, comer ahí -platillos deliciosos-, o bien, tomarte una aromática taza de café recién hecho, un frappé, una cerveza o una Margarita. Incluso, tienen ciertas promociones si muestras el boleto de entrada.

 

TÓCALA DE NUEVO, CACHO

se presenta los domingos a las 18:00 horas en el

FORO DEL TEJEDOR

–dentro de la Cafebrería El Péndulo–, ubicado en Álvaro Obregón número 86,

colonia Roma, Ciudad de México.

La temporada concluye el domingo 29 de mayo de 2016.