Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

EMBRUJULADOS (RENUNCIA A AQUELLO QUE NUNCA FUE PARA TI)

Embrujulados

 

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía de La Producción

 

 En muchas ocasiones los hombres y las mujeres nos aferramos a alguien o a algo, mantenemos una esperanza vana, sin embargo, la vida misma nos marca el rumbo razonable: renuncia a aquello que nunca fue para ti.

Este es el planteamiento esencial de EMBRUJULADOS, “comedia romántica” a decir de su autor Daniel de la O. Si soy sincero, desde mi particular punto de vista, la obra no es una comedia, al menos como se entiende convencionalmente, más allá de la estructura la que hoy nos ocupa tiene algunos toques de humor pero nada más. De hecho me atrevo a sostener, a reserva de las diferencias que pueda tener con el escritor, posee un lenguaje más cinematográfico que dramatúrgico. Cae de lleno en el género del road movie, esto es, una autopista como analogía del rumbo existencial que da paso a “la historia del viaje que inician dos seres humanos y que sin saberlo, los llevará a encontrar el rumbo de sus vidas…”

Dos personajes, Cristina y Lalo, la casualidad los reune. Una retrospectiva, diez años antes, cuando lo que pudo ser no pasó, el desencuentro, la ruptura, la resignación… cada uno su camino, ya no en automóvil por un camino, sino… Al principio no hay diálogos, más bien cada personaje habla para sí mismo, si se quiere para ubicar al público a través de la narrativa. Los diálogos surgen. Da la sensación de una conversación intrascendente, de hecho lo es, queda en cada espectador buscar y encontrar el fondo del subtexto y así reflexionar en la intención temática del dramaturgo.

Daniel asume la dirección de su obra. Una escenografía indefinible, bien abstracta, tal vez posmodernista o, por qué no, algo semejante a una instalación, sin embargo efectiva, diseñada por Ricardo García, al igual que la iluminación. Un trazo marcado por desplazamientos a un determinado punto del escenario, quedarse ahí en el mismo lugar durante toda una escena y así subsecuentemente. El ritmo es pausado, más bien lento, inclusive con tan solo una duración de 80 minutos, pareciera se prolonga por la “eternidad”.

Las actuaciones están a cargo de Assira Abbate y Fernando González, a quienes se les debe reconocer captan a la perfección la intencionalidad de la dirección. Sus caracterizaciones hacen de lo sencillo, en apariencia, que los personajes transmitan lo que hay en lo más íntimo, en lo emotivo. Bien por ellos, se entregan en favor del montaje.

Por cierto, la palabra embrujulados no existe, es un término que emplea el personaje de Cristina, con él hace referencia verbal, embrujular a: “Acción de ajustar el compás interior de sí mismo o alguien más. Metáfora de saber qué se requiere en la vida y así timar las decisiones necesarias para seguir ese rumbo:

EMBRUJULADOS tiene como sede La Capilla (Coyoacán, Ciudad de México), los miércoles a las 20:00 horas, hasta el 16 de diciembre.

 

CONTRACCIONES (METÁFORA DE LA CONDICIÓN HUMANA)

 

Contracciones

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Fotografía de la Producción.

El ser humano es impredecible en muchas ocasiones. ¿Hasta dónde es capaz de llegar una persona para subjugar a otra y ésta sacrificar todo, incluyendo la dignidad, para conservar un status, un trabajo, una estabilidad económica?

Esto es la esencia de CONTRACCIONES, del dramaturgo inglés Mike Bartlett, considerado como uno de los jóvenes autores más importantes del teatro contemporáneo, en opinión de Alejandro Velis, quien es el responsable de la puesta en escena. Nos dice el director: “La obra es reveladora e inteligente, es de un humor que duele y que hace cuestionarnos sobre lo que es realmente importante. Este es el punto de partida para entender que la obra trata sobre una metáfora de la vida, de la existencia y de la condición humana”.

Dos mujeres, una jefa de la otra quien es una gran vendedora. La primera apegada al reglamento interno acosando a la segunda sobre el tipo de relación -sexual y/o romántica- que tiene con un compañero. La monitorea con cámaras de circuito cerrado, conoce de la A a la Z su vida, su intimidad, sus debilidades. Una imposición de poder, humillar a la subordinada, someterla hasta destruirla moral y psicológicamente. La lucha entre la poderosa y la débil, entre la amargura y la desesperación.

Un texto inteligente, de una manufactura impecable; tenso, fuerte, doloroso, desgarrador, desesperante para el espectador, sin embargo, muchas escenas inmersas en un humor álgido, éste sirve de catarsis ante las situaciones límite que acontecen en escena. Juego de palabras, ideas y posturas, tratar de imponer aberrantes políticas laborales, en contraparte tratar de defenderse de las mismas. Lo descepcionante de la obra es el desenlace, porque…

Alejandro Velis se reafirma como gran director. Su propuesta es impecable, a cada escena le da su tiempo, tono y color, el cambio de cada una de éstas es con música idónea para el ambiente tenso, creo se trata de rock alternativo. Patricia Gutiérrez lo apoya con una escenografía tipo pasarela, no todo sucede en ella, al fondo una estructura donde aparecen y desaparecen, con apoyo de la iluminación diversos objetos, además alberga la cámara del circuito cerrado. Lo más loable, además de la creatividad y talento de Alejandro es la forma como combina las capacidades histriónicas de sus actrices.

Ellas son Aída López y Carmen Mastache. Siempre he sostenido y sostendré, Aída es una de las mejores actrices de este país, tiene un don natural para el teatro, una solvencia impresionante, se desenvuelve con soltura; en este caso, ella es la jefa, es tan convincente que dan deseos de matarla, claro a su personaje. Carmen, con características diferentes, mano a mano, provoca toda clase de sentimientos, desde ternura hasta angustia por un ser desvalido que se consume poco a poco; la actriz en un gran momento, creo de lo mejor interpretado en su carrera. Ambas un deleite, hacen una exquisitez de montaje.

Alejandro Velis celebra con esta puesta en escena 30 años de carrera como director, una forma de acompañarlo en su festejo es acudir al teatro El Granero, Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México, lunes y martes a las 20:00 horas. La temporada concluye el 8 de diciembre.

 

MADERO O LA INNOVACIÓN DE LOS JUSTOS

Por Dalia María Teresa De León Adams.

 

Obra teatral original de Antonio Zúñiga quien interesado en la dirección escénica del director teatral Mauricio Jiménez, escribió la dramaturgia de MADERO O LA INNOVACIÓN DE LOS JUSTOS para tal logro.

Antonio Zúñiga expresó que él solamente se sintió el instrumento junto con su pluma, del personaje histórico de Francisco Ignacio Madero.

La trama por supuesto esta basada en Madero quien como es sabido por todos, sustituyó la presidencia de Don Porfirio Díaz, para asumir dicho cargo como legislador de nuestro país.

La obra desmenuza dicho pasaje histórico, rompiendo con la cronología temporal; es decir, muestra los sucesos más trascendentales de éste periodo, en relación a Francisco I Madero, para hacer uso de la presentación de la ideología y situación imperante, así como de los pormenores que hicieron que el acaudalado personaje detonara el movimiento revolucionario en México, con su libro intitulado “La sucesión presidencial”; escrito  que logró influir en el ya descontento pueblo mexicano, ante la presidencia vitalicia que Porfirio Díaz asumió durante tres décadas.

Tras la huída de Díaz rumbo a Francia, Francisco I Madero sería electo por votación popular, a asumir la presidencia de nuestro país por el periodo del quinquenio que en esa época se estilara dentro de la política interna gubernamental. Sin embargo, sólo duraría mantenerse por el corto periodo de 15 meses en el poder, debido a ser asesinado por el General Victoriano Huerta, a quien el mismo había nombrado con el alto cargo de General de división.

La traición, el poder, el amor, la pasión entregada bajo un alto sentimiento patriótico, son los ingredientes que se mezcla en esta obra teatral, para conocer más de cerca de los hermanos Madero.

Esta espléndida puesta en escena muestra a Madero desde una perspectiva humana; lo vemos como el hombre vulnerable, victima de su propia propuesta ideológica que le llevó a ser conocido por su pueblo como “El apóstol de la democracia”. Bajo la dirección de Mauricio Jiménez, los personajes logran mostrarse con gran emotividad.

En la obra se destaca la actuación de la actriz Aída López, quien representa diversos personajes y quien encarna a Carola, la mujer de Gustavo Madero, quien se desgarra de dolor ante la perdida de su marido, asesinado de una manera desgarradora; dolor que la actriz logra inferirle al personaje, con gran talento histriónico.

El reparto  estelar esta compuesto con talentosos actores que hacen gala de ello, durante todo el tiempo escénico que cuenta con un solo acto , en una escenografía muy ad-hoc para el desarrollo del drama.

MADERO O LA INNOVACIÓN DE LOS JUSTOS Usted podrá verla en el foro Juan Ruiz de Alarcón, del Centro Cultural Universitario, de miércoles a domingos.

 

LOS CHICOS DE LAS GABARDINAS (EL COMPLICADO CAMINO DEL AMOR Y DE LAS RELACIONES HUMANAS)

Gabardinas

 

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

 

Hay muchas teorías, al menos posturas, sobre lo complicado que resulta estar enamorado y la fragilidad de las relaciones humanas. En muchas ocasiones lo que debería ser el sentimiento más sublime se convierte en una real tortura, la felicidad no llega y da paso al sufrimiento a pesar del esfuerzo, paciencia y dedicación que puedan poner ambos integrantes de la pareja. Las relaciones humanas se complican, en la actualidad lleva a las personas a la ruptura total, no es raro que lo amado se transforme en lo odiado.

 A grandes rasgos es la temática de LOS CHICOS DE LAS GABARDINAS, de y dirigida por Rodolfo Guillén, joven egresado de la Escuela Nacional de Arte Teatral, del Instituto Nacional de Bellas Artes. El Foro Shakespeare fue testigo de una función con la que la compañía Teatro en Exceso y otras Patologías celebra el sexto aniversario de su fundación, cabe aclarar se había presentado este montaje en temporada en la sala Marlowe.

Rodolfo, como director, se vale de una propuesta en apariencia sencilla, sin embargo, incluye varios elementos como teatro de sombras, títeres y voces en off, para apoyar los diálogos y varios monólogos que integran el texto. Éste está basado en la premisa del sociólogo polaco Zygmunt Bauman acerca del “amor líquido”. La obra plantea una problemática generacional a través de dos personajes que se cuestionan constantemente acerca del verdadero significado de vivir en pareja y de lo que cada uno hace para lograr que su relación funcione, comenta Rodolfo. La obra tiene matices muy interesantes, lástima que ocasiones se desvanecen por caer en lo reiterativo.

Paulina Sabugal y Kevin Carlock dan vida a tan singulares personajes -Paola y Carlos- y su conflictiva relación. Excelentes trabajos de los dos, en momentos sus actuaciones son tan contundentes y vívidas que dan la sensación de una pareja real, no una ficción en el escenario.

La compañía Teatro en Exceso y otras Patologías culminará la celebración de su sexto año de fundada con la representación de EL DÍA QUE DEJE DE SER NOCHE, del propio Rodolfo Guillén, la cual se llevará a cabo el 6 de diciembre, en el Foro Shakespeare, a las 18:00 horas. Historia sobre un hombre que abandonó su vida y no se dio cuenta. Interesante ¿no?

V ANIVERSARIO DE MICRO TEATRO

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Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán.

 

Micro Teatro surgió en noviembre de 2009 en España.  Su creador es Miguel Alcantud, director de cine, teatro y televisión.  Si bien Alcantud reside en España, nació en Cartagena, Colombia.  Ante la necesidad de que hubiera un centro donde cualquier artista pudiera expresarse libremente, se le ocurrió la idea de convocar a actores, dramaturgos y directores, para proponerles que hicieran obras cortas que se representarían en un solo lugar.  De este modo, ellos se expresarían y el público disfrutaría de diversas opciones.

Las personas a quienes compartió su idea se mostraron entusiasmados por participar, así que se dio a la tarea de definir el formato, mismo que conocemos ahora:  obras con una duración máxima de 15 minutos, para 15 espectadores, en un espacio no mayor a 15 metros cuadrados de superficie.   Nombró al proyecto MICRO TEATRO.  Buscó un espacio que constituyera su sede y, tras ver varios inmuebles, el que le pareció más apropiado por su estructura, dimensiones y distribución resultó ser uno que anteriormente había sido un prostíbulo.  Consideró que esto enriquecería el proyecto, toda vez que las paredes guardan secretos.

Tras ciertos ajustes y mejoras en el edificio, MICRO TEATRO abrió sus puertas.  Su primera edición fue POR DINERO.  Una vez instalados, tanto Miguel como todos los involucrados invitaron a familiares, amigos y conocidos para que fueran a ver sus micro obras.  Una vez que todos sus contactos cercanos habían acudido, comenzaron a repartir entre el vecindario y alrededores trozos de papel que ellos mismos elaboraban. Poco a poco se fue corriendo la voz y llegó el día en que al llegar a MICRO TEATRO Miguel se sorprendió al ver que no conocía a ninguna de las personas que estaban formadas adquiriendo boletos o dispuestas a entrar en alguna de las salas.

A partir de ese momento, el éxito le sonrió.  La idea que inicialmente concibió como una forma de expresión rendiría mucho más frutos de los que él hubiera podido pronosticar.

Entre los diversos galardones que le han sido otorgados, destaca el Premio Escena del Festival Internacional de Teatro Contemporáneo Lazarillo, por considerar como innovadora la propuesta del concepto MICRO TEATRO.  Así mismo, estuvo entre los nominados al VI Premio Valle-Inclán.

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Personas de diversos países enviaron solicitudes para abrir sedes locales de MICRO TEATRO locales.  Miguel Alcantud gustosamente otorga licencias para la apertura de alguna nueva sede de MICRO TEATRO, siempre y cuando se respete el concepto original y se comprometan a cuidar la calidad de lo que ahí se representará.  Para tal efecto, Miguel Alcantud se entrevista lo más directamente posible con quienes le formulan estas peticiones.  En la actualidad la red internacional de MICRO TEATRO abarca España, Estados Unidos,  Argentina, Perú, México, Costa Rica y Perú.

Alejandra Guevara y Andrea Novelo abrazaron el proyecto y abrieron las puertas de MICRO TEATRO MÉXICO en el año de 2010.  Al igual que el concepto original, su primera temporada se denominó POR DINERO.    Estas dos incansables mujeres han dedicado gran parte de su tiempo a MICRO TEATRO y día con día se esmeran más por mantenerlo en desarrollo.

En nuestro país se han sumado algunos de los Estados de la República Mexicana y ya se tienen sedes de MICRO TEATRO en Veracruz, Puebla, Guadalajara y Aguascalientes.

Las estadísticas muestran que la idea de Miguel Alcantud resultó genial.  A cinco años del surgimiento de MICRO TEATRO han participado 772 actores, 433 autores y 342 directores.

Como parte de la conmemoración del V Aniversario de MICRO TEATRO, Miguel Alcantud estuvo de visita en la sede de la Ciudad de México.  MICRO TEATRO MÉXICO convocó a una conferencia de prensa para conocer a este hombre tan talentoso.  La grata presencia de Miguel y su carismática personalidad convirtió la conferencia en una amena charla.

Además de Alejandra Guevara, Andrea Novelo y Juan Pablo Rivas, directivos de MICRO TEATRO MÉXICO, estuvieron presentes las bellas promotoras de MICRO TEATRO, como Laura de Ita, Valeria Vera, Aleyda Gallardo, Ximena Ayala y Claudia Lizaldi.

POR LOCURA MICRO TEATRO MÉXICO

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Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán.

  

Ahora que ha llegado MICRO TEATRO  a Aguascalientes, podría interesarles esta Nota sobre la sede en el Distrito Federal.

Continúa el auge de  MICRO TEATRO MÉXICO, en cada temporada incrementan la expectación y día con día tienen más adeptos.  Como lo hemos comentado, el formato de Micro Teatro México es la representación de 13 Micro Obras, cada una con un máximo de 15 minutos de duración, para sólo 15 espectadores, en un espacio no mayor a 15 metros cuadrados de superficie.   Se realiza una convocatoria y de entre las obras recibidas las 13 obras que se representarán.

 

El ciclo actual se denomina  POR LOCURA.  Los desórdenes mentales tienen tantas aristas como posibilidades.  Como coloquialmente se dice, “de músico, poeta y loco, todos tenemos un poco”. Así que todos aquellos que atendieron la Convocatoria de MICRO TEATRO MÉXICO para este ciclo, tuvieron mucha tela de donde cortar.

 

Debe haber sido difícil para los responsables de MICRO TEATRO MÉXICO Alejandra Guevara Castillo  y  Julián Robles en Producción General,  Mariana Medina Nieto  en Producción Ejecutiva,  Andrea Novelo y Juan Pablo Rivas  en Coordinación de Producción, seleccionar las 13 obras que se presentarían.  A continuación, un recuento de algunas de esas 13 obras.

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Sala 1.  ALEJANDRO, escrita y dirigida por Juan Martín Vargas.  Esta historia se basa en hechos reales.  El día 13 de febrero de 1962 una familia fue brutalmente asesinada.  Es el asesino quien narrar lo sucedido.  Notablemente perturbado  Alejandro explica los “motivos” que, según él, tuvo para llevar a cabo el sangriento ataque.  Comenta que creció en una familia disfuncional.  Podría haber tratado de superarse y lograr algo en la vida a través de estudios y trabajo, pero optó por otro rumbo.  El espectador quedará impactado al conocer lo que encierra la mente de este perturbado joven y su despiadado crimen.  Lo peor en estos seres es que ni siquiera toman conciencia de su crueldad.  Texto con una interesante narrativa.  Impecable labor de dirección por parte del autor.  Bien ambientado el espacio escénico.  La producción es de Luis Fernando Peña,  el diseño de Paris Roa, la escenografía de Beatriz Olaeta, el vestuario de Norma Ochoa y la asistencia de producción de Emmanuel Sagaón.  Estupenda la labor histriónica por parte de Fabián Robles.

Sala 2.  ES TU PENDO de la autoría de Claudio Guarneros, bajo la dirección de Juan Ríos. ¿Nacer o no nacer? He ahí el dilema.  Divertida historia sobre una pareja que está planeando tener un bebé.  Al parecer, ella ha quedado embarazada.  Antes de comunicárselo a su esposo, se hará una prueba de las que venden en la farmacia.  Es una decisión muy importante que cambiará la vida que han llevado hasta ahora. ¿Estarán seguros de que es la decisión correcta? La verdad, se vuelven un poco locos ante sus propios cuestionamientos.  Ingeniosa la forma en que el espectador verá a la pareja en su cama matrimonial.  Fluido texto con más preguntas que respuestas.  Brillante dirección de Juan Ríos.  Buenas actuaciones por parte de Sara Cavazos, Marisol Paredes y Pablo Montemayor, quien alterna funciones con Pablo Montemayor.  La producción es de Marcela Morett.

Sala 4.  HOTEL ALKAR, escrita por Juan Manuel Martín Labarthe Hernández, dirigida por Anais Pareto Onghena.  Una noche cualquiera, un huésped baja al lobby del hotel para avisar a la encargada que acaba de escuchar un disparo.  Aun cuando el hombre está muy alterado, la mujer permanece imperturbable y le pide que le permita seguir trabajando.  A él le sorprende esta actitud, hubiera pensado que ella correría a ver qué es lo que sucedió en donde él oyó el impacto.  Evidentemente es un hotel extraño.  Quizá lo mejor sea salir a toda prisa.  Texto pleno de suspenso.  Bien logrado el diseño del entorno.  Estupenda labor de dirección.  Convincentes actuaciones por parte de Horacio García-Rojas  y  Mercedes Fernández.  La dirección de arte es de Yazmín Aranda  y  la producción de Xaina Andrea Novelo  y  Anais Pareto Onghena.

Sala 7.  EL HOMBRE DE MI VIDA de la autoría de Mario Montes Pozo, bajo la dirección de Andrés Tena.  La triste historia de una mujer que se casa perdidamente enamorada con quien ella considera el hombre de su vida, para luego preguntarse dónde quedó aquel hombre caballeroso y educado que la pretendía.  Un tipo de locura muy generalizado en hombres que creen que poseen a las mujeres y que no se conforman con dominarlas, sino que las agreden física y psicológicamente.  Algunas mujeres habrán de soportar esto hasta el fin de sus vidas, sea por amor, por los hijos o por guardar las apariencias.   Sin embargo, la protagonista nos cuenta qué hizo para liberarse de la situación.  Excelente narrativa para conocer los pormenores de la situación.  Brillante dirección por parte de Andrés Tena.  Entrañable la interpretación de Mariana León.  La producción es de Araujillo Producciones y Teatro al Viento.  Daniel M. Cervantes es el asistente de dirección.  Bárbara Enríquez diseña la escenografía,  Oscar Castañeda tiene a su cargo la iluminación  y  Santiago Ulloa el diseño gráfico.

 

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Sala 8.  VIVA LA VIDA, escrita por Santiago Zenteno  y  dirigida por Santiago Zenteno y Alonso Iñiguez.  Un hombre y una mujer tienen una vida rutinaria.  A pesar de vivir en pareja, no se comunican uno con el otro.  El único escape que encuentran es ver la televisión.  Es tal la forma en que se apasionan por sus programas preferidos que si les llega a fallar la energía eléctrica o la transmisión caen en la desesperación.  Literalmente enloquecen.  Lo novedoso de este montaje es que para resaltar la incomunicación que priva entre ellos, los actores no pronuncian una sola palabra durante la representación, lo cual es un reto para ellos, al tener que dejar de lado el habla y expresarse sólo corporalmente.  Bien diseñado el entorno, consistente en un departamento.   Impecable dirección, buen trabajo actoral por parte de Catalina López,  Marcela Morett,  Daniel Haddad  y  Rodrigo Ostapp  (alternando funciones).  La producción es de Araujillo Producciones.  Assira Abbate es la asistente de dirección,  La escenografía e iluminación es creación de Mauricio Ascencio.  el diseño gráfico es de Santiago Ulloa.

Sala 9.  HORA DE JUGAR de la autoría de Juan Carlos Araujo, bajo la dirección de Andrés Tena.  Cada pareja tiene el derecho de incorporar fantasías o juegos, a fin de disfrutar más de su relación.  Mientras ambos estén de acuerdo, todo es válido.  Ellos han ideado un juego que incluye disfraces de princesas y han comprado diversos para preservar la sorpresa.  Este juego significa mucho para ambos.  Ellos se aman y no les importa si lo que hacen es convencional o no.  Conmovedora historia.  Formidable texto que va dosificando los detalles del juego.  Estupenda la dirección de Andrés Tena.  Extraordinarias actuaciones por Aleyda Gallardo,  Alejandra Marín,  Constantino Morán  y  José Sedek  (alternando funciones).  Un montaje muy logrado en un entorno idóneo.  La producción es de Astudillo Producciones y Teatro al Viento.  Karla Bourde es la asistente de dirección,  la escenografía es de Salvador Núñez,  Sergio Lugo es el constructor escenográfico,  Isaac Weisselberg está a cargo de la iluminación,  Cecilia García diseñó el vestuario,  Jack Duarte editó la música,  y  Santiago Ulloa es el responsable del diseño gráfico.

Sala 13.  CONTRA SENTIDO, escrita por Miguel Ángel González  y  dirigida por Daniel Bretón.  “El tiempo no se detiene sobre las cosas, el coche tampoco lo hizo”.  La historia de un joven que vive en duelo constante.  Él adoraba a su hermana  y no puede soportar el dolor que siente a partir del momento en que le dicen que fue atropellada y que el conductor se dio a la fuga.  La tristeza que experimenta se le convierte en obsesión.  Una historia impactante.  Montaje innovador, donde el espectador verá la acción a través de un espejo.  Fluido e interesante texto.  Destacada dirección.  Extraordinaria interpretación por parte de Héctor Berzunza, plena de matices.  Héctor alterna funciones con Fernando Bueno.  Co-producción de Andrea Novelo,  Mariana Medina  y  B Teatro.

Como siempre, teatro de calidad para todos los gustos.  Conozca historias con tintes de locura que le serán narradas en tan sólo quince minutos.

 

Los horarios del ciclo POR LOCURA son:  jueves y viernes a partir de las 20:00 horas,  sábados a partir de las 19:00 horas,  domingos a partir de las 18:00 horas.  Las obras se presentan en la sede de MICRO TEATRO MÉXICO, ubicada en  Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México.  Las matinés de Micro Teatro Infantil son los sábados a partir de las 12:00 horas  y  los domingos a partir de las 13:00 horas.  Los costos son:  Una micro obra por $70.00,  Combo de 3 micro obras por $180.00,  y  Abono General a $50.00 por cada obra.

 

BASTEDAD (CULPABILIDAD, RELIGIOSIDAD, AMOR, SUICIDIO Y POESÍA)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Fotografías de la Producción.

 

Reza el refrán: zapatero a tus zapatos. Lo anterior viene a colación porque el poeta Alejandro Massa Varela se obsesionó, se aferró, con la idea de llevar a escena su “poema dramático” intitulado BASTEDAD. Si bien es cierto existe una historia, inclusive momentos de clímax, hasta el más neófito se percata que carece por completo de una estructura dramática, todo es poesía, valga lo reiterativo, llevado a escena sin resultados positivos.

Tengo entendido Massa Varela ofreció, el poema, a varios directores teatrales, uno a uno se negaron a escenificarlo, hasta que se encontró con Sergio Rüed, director de intrascendente trayectoria por no decir un desconocido en el ambiente. Sin embargo, hay que reconocer es mucho lo que hace con el poema como tal al dramatizarlo, sólo desde la oralidad y poco como propuesta escénica.

El propio Sergio lo interpreta acompañado de Yunuén Flores, ambos declaman sobre la culpabilidad, el amor, el suicidio… todo enmarcado en un ambiente de religiosidad exacerbada, a tal grado que más de algún espectador debe quedar con la sensación de haber asistido a una sesión de catequesis y no a una obra de teatro. Es de suponerse que el poeta es un hombre muy creyente, está por publicar su primer libro, EL SER CREADO, ejercicios sobre mística, una serie de ensayos de filosofía y religiosidad.

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La anécdota, cito: “Es un poema dramático dentro del cual un joven escritor, virgen por convicción, se enamora de una bella prostituta. El deseo, la carne, la pasión, la religión, la muerte y la espiritualidad se entremezclan con la poesía y la escena”. Interesante, en principio, descepcionante en el escenario. Creo, que Rüed o algún otro debió hacer una adaptación, no se puede llevar un poema al teatro tal cual.

El montaje de Rüed se basa más, como ya mencioné, en la oralidad que en lo actoral. Su escenografía se limita a una mesa, actor y actriz giran en torno a ella durante todo el desarrollo, una total falta de imaginación, para rematar finalizan trepados en ella. Iluminación, vestuario y maquillajes elementales. Eso sí, desnudos totales, igual de intrascendentes que lo demás.

En fin, poeta a tus poemas. Por lo pronto BASTEDAD se presenta en Casa Actum, Coyoacán, Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas, hasta el 8 de diciembre.

TEATRIKANDO

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Por Benjamín Bernal, presidente de la APT.

 

Valle Hidalgo asegura: Dulcinea dejó de ser muda

Felipe Oliva comanda el El teatro Enrique Lizalde, frecuentemente tiene invitados del extranjero, hace un año vi un grupo francés que hizo Comedia Del Arte, este 2015 vino una dama española: Valle Hidalgo con un monólogo denomina “Dulcinea toma la palabra” Platicamos antes del montaje y creí entender que hablaba de la lucha hombres vs mujeres, el gastado mensaje del feminismo tardío. Así que acudí para ver cómo enfocaba el tema esta actriz; me fue sorprendiendo gratamente, ya que ella descubre a Miguel de Cervantes Saavedra de otra forma, relata a través de Don Quijote y Sancho deja mudas a Dulcinea y Aldonza que son dos niveles de ficción. Ya sabe usted, Aldonza, sencilla labradora, es real dentro de la novela y Dulcinea del Toboso será sólo ideal mítico para dedicar las aventuras heroicas del Hidalgo. Imagine mito sobre mito.

Platicar con una actriz es labor que lleva horas y si es ibérica más aun. Pero no tuvimos tiempo de extendernos, así que brevemente me dijo Valle Hidalgo: “las jovencitas se han comido entera la mitología de Broadway “en cada mujer hay una buscadora de ranas que al besarlas se convertirán en príncipes, para que ellas un dia se conviertan en Blanca Nieves, obviamente deberán tener a su alrededor siete enanos que las admiren, totalmente enamorados y babeantes” . Con el enfoque que maneja en su obra estoy de acuerdo, no recuerdo otra que haga una narración lateral, a partir de imaginar mentes femeninas que nunca dibujó Cervantes.

Excelente trabajo escénico que va ahora a la Paz, Baja California, estará en la Alianza Francesa; para enseguida viajar a Broadway, en la Black Box Theater de Nueva York. Así que véanla quienes tengan oportunidad, es excelente su texto, dirección y desempeño.

La Anarquista termina temporada en el Milagro

Merece alargar temporada la obra que dirige Enrique Singer con actuaciones de Marina de Tavira y Lisa Owen y escenografía mínima de Gabriel Pascal. Nos recibe un lugar que parece sótano-oficina gubernamental- el interior de una cárcel, sería exacto decir que es una obra con bajo presupuesto para dejar que el verdadero teatro brille y no sea opacado por el chantilly del pastel. Luz natural, escuchamos hablar de ideas religiosas de rabino o de protestantes, hasta llegar a revelaciones de Cristo.

Hablan de algunos textos de juventud de la presa Lisa Owen, que tiene su propio idioma, anotaciones laterales en libros que le han sido confiscados, son incendiarios, revolucionarios, deciden: hay un idioma del colonialismo. Recuerdan ahí que se detonaría el terrorismo: una opción era la izquierda, la oposición, otra era el sistema, o sea, la derecha; la tercera se va adivinando: es la fe. “A los jóvenes todo les es ajeno, por eso se seducen” -He pecado, -¿te has purificado? Exploran: Después de la muerte ¿qué hay? Hay momentos en que actúan sobre pocos registros emocionales-vocales, rara vez explotan, pero vemos grandes cascadas de elocuencia. -Quizá la catarsis le llevó al error- Hay crispamientos/no hay cambios de luces/se turnan en ser débil/fuerte/dominadora/decadente.

Brillan por igual Marina de Tavira frente a Lisa Owen, aunque si hiciéramos una encuesta de salida, seguramente habría un empate, por el dominio de los espacios, voces, tonos, registros, devoluciones de odios. El Texto de David Mamet, merece comentario aparte, no me parece que desde un punto de vista ético-moral-filosófico soporte el interior de esa investigadora-fiscal y la sentenciada, pues religión y ley juzgan-califican-sentencian de manera muy diferente. Ojalá regrese la obra y no sea tan breve la temporada.

Sociedad de Caricaturistas de México cumplió 40 años

El 29 de octubre se presentó mi libro “La Crítica de Teatro en México, pasado, presente y futuro” en el Museo de la Caricatura. Paco Baca presidió la mesa, el es un caricaturista famoso, por lo que la noche transcurrió llena de anécdotas divertidas. Cumplió 40 años la Sociedad Mexicana de Caricaturistas, realizó una semana de fiestas culturales; eso merece espacio aparte, lo comentaremos.

T-TIME (DANZA DE TERROR)

T-Time

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Una de las expresiones escénicas que más me llaman la atención es la danza contemporánea, siempre, al menos la mayoría de las veces, hay un atractivo visual. Sin embargo, al leer las sinopsis en los programas de mano en muchas ocasiones siento me falta imaginación para encontrar la relación entre lo visto y la supuesta narración coreográfica de una historia. Comento lo anterior, aun cuando no hay sinopsis, en razón del espectáculo T-TIME (Danza de Terror), a cargo de la compañía Akto Zero, bajo la dirección de Diane Eden.

La agrupación define su propuesta como:”una obra coreográfica que se inspira en el surrealismo pop que nace en California en la década de los 70s. En este contexto se desarrollan situaciones y personajes que nos invitan a descubrir un universo onírico y a la vez desafiante. T-TIME pretende reunir diversas formas de expresión como la danza butoh, la mima corporal, teatro y danza contemporánea, es así que logra un lenguaje escénico de múltiples lecturas. la riqueza visual y simbólica es parte del contexto y determina el reto escénico. La caracterización de cada personaje es la reflexión de una estética visual traducida al cuerpo”.

Me permití transcribir el largo párrafo anterior porque describe a la perfección lo que por mi mismo no podría hacer. En verdad es como si se echara de todo en una licuadora obteniendo un exquisito manjar. Visualmente el montaje es muy atractivo. El movimiento y expresión corporal se caracterizan por su fuerza y delicadeza; sensualidad; lo macabro presente, gozo y burla ante el sufrimiento. Coreografía, una mezcla sui géneris de estilos, sin embargo, transmiten diversas emociones más allá de la razón; ternura y terror, gracia y “robostismo”.

Por escenografía una mesa, el espacio enmarcado con flores y hojas. Musicalización y efectos sonoros hasta ruidos; lo mismo el trinar de pájaros, campanas, un organillero, canciones, voces en off… Desarrollo y brutales rompimientos. Tres intérpretes, sobre todo en la primera parte, provocando el deleite dancístico; un espectro y uno que… Cambios de vestuario, de personajes, siempre impresionante, el mismo espacio diferentes lugares, las mismas bailarinas diferentes entes. La propuesta gira entre lo abstracto y lo concreto, entre lo ficticio y lo real, a fin de cuentas un espectáculo multidisciplinario. Una loa a la danza contemporánea y a la vez un acto irreverente; desconcertante y emocionante, toda una odisea para el espectador.

T-TIME es interpretado por Griselda Medina, Denirio Pérez, Ambar Quiñones, Marisol Zepeda y Diane Eden. La breve temporada tiene lugar en el Foro Contigo América.

ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS (PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Uno de los graves problemas que padecen las expresiones artísticas -ópera, teatro, danza…- en la República Mexicana es la carencia de profesionales, esto es, personas capacitadas en la producción y difusión de las diferentes alternativas que se ofrecen -en muchos casos sólo queda en una pretensión- al público. De ahí la importancia del libro ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS. PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN, (segunda edición), de Marisa de León, forma parte de la colección INTERSECCIONES del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

José Antonio Mac Gregor, en la presentación del volumen, expresa que una gran obra de arte puede derrumbarse por condiciones adversas generadas por errores u omisiones del productor ejecutivo. Por el contrario, un espectáculo puede engalanarse, llegar con más intensidad, gracias a un productor ejecutivo talentoso y profesional. Desde su punto de vista está obra será de utilidad para promotores, gestores culturales, artistas, empresarios, funcionarios vinculados al hecho escénico e, incluso, puede interesarle a los espectadores, quienes podrán apreciar mejor las implicaciones de cada evento en su totalidad.

Marisa De Léon sostiene que en la medida en que se profesionalice el ámbito de la gestión y la producción escénica, los resultados creativos serán mejores, los procesos más placenteros, la sociedad se verá favorecida y la cultura enriquecida al contar con productos escénicos y espectáculos de calidad con servicios competitivos que favorezcan el desarrollo y posecionamiento de la escena en el ámbito local, nacional e internacional, porque el productor ejecutivo posibilita que la imaginación y visión artística del equipo de creadores se potencie y no se desvíe.

Por su parte, Silvia Peláez escribió una introducción para el capitulo de la difusión. Comenta es de gran importancia la planeación, la organización y la precisión de las estrategias, tareas y acciones que se realicen, pues sólo así se puede tener pleno control del proceso para garantizar resultados óptimos. Uno de los grandes retos de la difusión para los espectáculos escénicos es capturar la esencia del proyecto, traducirlo en un lenguaje asequible, generar estrategias imaginativas con acciones congruentes y producir una sinergia entre el producto artístico, sus creadores, la campaña de difusión y el público.

El libro esta dividido en dos grandes capítulos; la producción y la difusión. Esta segunda edición, corregida y aumentada, incluye subtemas como los aspectos legales, hace énfasis en un aspecto tan relevante como son los contratos. Algo que lleva al fracaso a muchos grupos y compañías es el desconocimiento del financiamiento y la administración de los recursos; De León ofrece una serie de condiciones y requisitos para alcanzar estos objetivos. Inclusive proporciona estrategias a seguir para la producción de giras y festivales artísticos.

En el rubro de la difusión destacan el proceso y la definición particular para cada espectáculo de los medios, ya sean tradicionales, masivos, digitales, sociales o alternativos. En este capítulo Marisa contó con la importante colaboración de Silvia Peláez.

La presentación de la segunda edición de ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS. PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN se llevó a cabo en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes, con una gran asistencia. Marisa agasajó a sus invitados con vino tinto y esquisitos bocadillos de la cocina griega, al tiempo que plasmó dedicatorias en los libros adquiridos.