Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

EL DIPUTADO (TRANSGREDIR LA LEY, PAGAR LAS CONSECUENCIAS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de El Diputado

El diputado

Los estudiosos de las ciencias sociales -juristas, antropólogos, psicólogos, filósofos, sociólogos…- si no todos, una mayoría considera a la pobreza y a la necesidad como causas de la delincuencia, personas que toman caminos equivocados con la finalidad de llevar el pan a sus familias, desamparados asumen decisiones que transgreden la ley, el resultado es pagar – con la privación de la libertad- su conducta delictiva y demás consecuencias como la afectación a cónyuges, hijos y demás seres allegados.

 

Chucky -protagonista de EL DIPUTADO, de Edelberto Pilo Galindo- es un modesto empleado en un bar, eso por las noches, además descarga trailers en largas jornadas por el día. Sus miserables ingresos y ante la necesidad urde -ingenuamente- el secuestro de un licenciado, cliente asiduo del tugurio. Actúa de “buena fe”, aspira a obtener un rescate de 50 mil pesos, está dispuesto a hacer una rebaja con tal de cubrir sus deudas. Ignora que el susodicho licenciado a la postre resulta ser un diputado federal. Se inicia una relación “rara” entre víctima y victimario, hay varias vueltas de tuercas, varios supuestos implicados cuando todo ha sido planeado en forma individual, tortura a los cercanos, un final inesperado. La necesidad y la ingenuidad fatal combinación para iniciarse como secuestrador.

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La dramaturgia transita por varios géneros, una estructura oscilante en diferentes tiempos y tres lugares, atrayente, bien escrita, mejor desarrollada, a pesar de la temática abunda el humor, en gran parte éste fluye de la inocencia de Chucky. En un momento dado pareciera el dramaturgo se desvía del fondo principal para entrar en un discurso sobre el quehacer de los diputados, las cifras ofensivas de sus emolumentos, su función en la aprobación de las leyes, sobre el oficio político y el hecho de alcanzar el poder. Sin embargo, cerca del final se entiende el por qué de este tema paralelo, si no justificación si explicación del proceder de Chucky. Hay “largos” monólogos para ubicar hechos y personajes basados en rompimientos escénicos.

 

Uriel Bravo, al frente de integrantes de Avatares Compañía Teatral, con sede en la ciudad de Querétaro, toma la batuta, da forma a la trama. Acertado cómo guía a su elenco, esto es, explota sus cualidades y aminora su deficiencias, el conjunto es por demás heterogéneo, mientras unos sobresalen otros deberían abandonar el teatro. El trazo es sucio, las entradas, sobre todo las salidas en las diferentes escenas son forzadas y a destiempo. El espacio es mal aprovechado, una barra -la del bar- va de una posición lateral -pasiva- al proscenio, cuando se podría “dividir” el escenario en dos secciones y con la iluminación ubicar el tugurio y el sitio donde permanece confinado el secuestrado. La escenografía es lamentable, la citada barra no alcanza ni el calificativo de artesanal, “decorada” con unos papelajos de quinto patio, su desplazamiento sobre una plataforma con rueditas, apenas como para transportar verduras en un mercado. La iluminación sencilla, aceptable.

 

Los miembros de Avatares en esta propuesta queretana son: Manuel Gómez Becerril, Manuel Puente, Cecilia Navarro, Bernardo Lira y Rafael Ramírez. Manuel Gómez, extraordinario, un deleite su personaje, no es fácil caracterizar a un ingenuo, siempre el riesgo de cruzar la línea que conlleva a la estupidez, por fortuna el actor se queda del lado que el protagónico exige; posee naturalidad, bis cómica en el buen sentido del término, un gozo su participación, es el alma del montaje. En contraparte, Rafael Ramírez una decepción, un gay con una jotería falsa, rebuscada, cae en el estereotipo para este tipo de personajes, no aporta nada, por el contrario sus escenas deslucen la totalidad del montaje.

 

Avatares Compañía Teatral presentó una función única en el Foro Contigo América de EL DIPUTADO, nos brindó la oportunidad de adentrarnos en lo que se está llevando a cabo en la vecina entidad, ojalá que como este grupo nos visiten más en la Ciudad de México.

 

ADIÓS MARINEROS (EXCESO DE NARRACIÓN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Crédito fotografías: Ale Mostra

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Una de las características de un texto dramático -la excepción los ahora llamados unipersonales- son los diálogos, esto es, dos o más personajes intercambian o alternan parlamentos. Es válido que un actor quede solo en el escenario, exprese ideas o pensamientos para sí mismo, en otros casos rompimientos para que un narrador se dirija directamente al público para ubicar personajes, hechos, fechas… Gibrán Portela, a través de ADIÓS MARINEROS, ADIÓS MONSTRUOS DEL MAR, lleva al exceso, al abuso despiadado la narración, obvio los diálogos son excepcionales, tres actrices explicando cada escena, contando todo, a tal grado, de no ser por el ritmo acelerado del montaje, conllevaría al aburrimiento y perderse entre tanta palabrería.

 

Dos historias en una, en apariencia o en principio, nada que ver una con la otra, inclusive desconcertante el planteamiento, desarrollo, por tanto la estructura. En una se habla sobre un capitán de navío quien prometió no volver a pisar tierra, de entrada se desconoce el motivo. En la otra una mujer solicita los servicios de un detective privado para seguir al marido, un conocido miembro de la comunidad, nada más y nada menos que Baldor, sí ese que nos trae a la memoria el famoso libro de álgebra. La trama es confusa de inicio, se va aclarando a medida que transcurre la obra y se entrecruzan lo que parecía no tenía ninguna relación. Asesinatos, misterios, encrucijadas. Un puerto rodeado por la neblina, alrededor un mar que no se ve ni se oye, donde habitan monstruos quienes pueden arrasar con todo; monstruos que bien pueden ser los demonios que asolan al capitán en su interior, no pisar tierra igual a evadir la realidad, los habitantes del puerto espectros en busca de su liberación. Claro, todo lo anterior es mi interpretación, igual estoy errado de principio a fin.

 

La dirección de Ricardo Rodríguez es una concepción “rara”. El capitán y su tripulación en un mundo “mítico”, los habitantes del puerto salidos de una película estadounidense de las décadas de los años 30 o 40 del siglo XX, desde el tonito como la velocidad con la que hablan los personajes; en forma lamentable a la larga torturante el alto volumen de voz, éste queda atrapado en los gritos. Por otra parte, Auda Caraza y Atenea Chávez proponen una escenografía que sólo ellas saben qué es o lo que pretende simbolizar, a mí no me transmitió nada sólo confusión. Jesús Hernández, iluminación, por largos periodos lanza la luz directo a los espectadores, hecho por demás molesto y lo que debería ser visible se convierte en invisible. Hablando de lo invisible, las intérpretes “manipulan” diferentes objetos que no están en escena, acertado el concepto, en realidad estamos frente a pantomima.

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Tres entusiastas muchachas, voluntariosas, entregadas, con el vigor de la juventud, entrega total, ritmo vertiginoso, van y vienen, mueven las estructuras escenográficas, muchos personajes desfilan ante la audiencia, la dirección les impone un fuerte desgaste físico y emocional. Respeto por su motivación a Verónica Bravo, Teté Espinoza y Rebeca Trejo.

 

ADIÓS MARINEROS, ADIÓS MONSTRUOS DEL MAR tiene lugar en el Foro Shakespeare (Foro Urgente 2), Ciudad de México, hasta el 22 de agosto, los lunes a las 20:30 horas.

 

3 DÍAS EN MAYO

Por: Dalia María Teresa De León Adams

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La obra teatral original de Ben Brown bajo la traducción y codirección de Alberto Lomnitz dio inicio el día jueves 29 de julio gracias a la producción de la Sociedad Artística Sinaloense y la Secretaría de Cultura, através del Centro Cultural Helénico.

Es una historia que narra de manera minuciosa y plagada los datos históricos ocurridos en el momento en que al haber estallado la Segunda Guerra Mundial, Alemania se posesiona de casi toda Europa y, justo en el momento en que Francia estaba por rendirse, Inglaterra advierte la opción de negociar un tratado de aparente “paz” con Hitler. Ello bajo someterse a un acuerdo condicionado qué el entonces Primer Ministro del Reino Unido, Winston Churchill observó, como un total sometimiento al dominio alemán.

Esto fue la razón por la cual Churchill enfrentó las diversas posturas de su gabinete, para convencerlos de mantener una postura firme ante la Guerra y continuar luchando; resolución que se tomó en el lapso de 3 DÍAS EN MAYO (28,29 y 30 de 1940) Gracias a ello se pudo obtener la derrota del ejercito alemán, en territorio ruso y con ello, el gozo de la libertad mundial.

3 DÍAS EN MAYO es en resumen uno de los momentos más cruciales de la humanidad en base a la resolución de Churchill en Londres, celebrado tras las puertas de Downing Street, apenas 16 días de haber obtenido el cargo de Primer Ministro.

3 DÍAS EN MAYO se presenta bajo la creativa escenografía de Sergio Villegas, quien expone en ésta puesta en escena un gran mapa, donde conjuntamente con la explicación de los sucesos por parte de un personaje narrador, se explican los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Éstos se van detallando marcando las rutas del avance del ejercito hitleriano.

También se simula el interior del Downing Street con una elegante sala de juntas y un telón a manera de puertas que se abren para dar paso a cada uno de los que entonces fueran los miembros del gabinete ingles.

La ambientación de dicho periodo histórico se logra también con la ambientación musical a cargo de Jordi Bachbush, compositor y productor musical quien se ha ido desempeñado tanto en televisión en el canal Once y en Televisa, así como en el medio teatral. Con sus arreglos artísticos logró transportar en ésta obra al público espectador, a la época que sugiere.

Como si fuera poco, el reparto estelar reconocido por su talento histriónico en el medio actoral, se encuentra Sergio Zurita en el rol estelar de Winston Churchill, con una caracterización realmente sorprendente en cuanto al parecido físico con su personaje. Junto a él actúan Luis Miguel Lomban, José Carlos Rodríguez, Fernando Bonilla, Pedro Mira, Miguel Conde, Nicolás Sotnikoff y Juan Carlos Beyer.

Dirigida con gran talento por parte de su directora artística Lorena Maza, la obra es una promesa para aquellos que gozan del género teatral histórico.

 

3 DÍAS EN MAYO (SUCUMBIR DIGNAMENTE ANTES QUE VIVIR COMO ESCLAVOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página en Facebook de la producción

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Mayo de 1940. Mes decisivo para el futuro de Inglaterra en particular, de Europa y tal vez del mundo en su conjunto. Ocho hombres encabezados por Winston Churchill, tomarán la opción de acceder a las peticiones de Mussolini para fungir como intermediario ante Hitler. Esto implicaría la cesión de varios territorios del imperio británico -incluyendo el Canal de Suez y Gibraltar-, siempre con la incertidumbre de sí los dos líderes fascistas cumplirían con los acuerdos en caso de firmarse, a la postre podría significar o entenderse como la rendición de Inglaterra -Francia estaba invadida por las tropas alemanas, Bélgica había sucumbido, Estados Unidos indeciso en involucrarse en la Segunda Guerra Mundial.

 

La capitulación no estaba en la mente de Churchill, sin embargo, enfrentaba la postura de los laboristas quienes preferían la negociación. La decisión no se limitaba a una cuestión política y/o militar, era la posibilidad de sacrificar la vida de millones de personas. El final lo conocemos, Churchill se impuso con determinación, sucumbir dignamente antes que vivir como esclavos. Su carácter fue fundamental, libró la Batalla de Inglaterra -resistencia ante el embate de la aviación enemiga-, los nazis derrotados, jugó todo o nada y ganó. Todo lo anterior -los tres días de debate- se llevó a cabo en la clandestinidad, la población ni por enterada, tiempo después salió a la luz pública por el diario de un colaborador del primer ministro inglés.

 

Esta amplia introducción nos ubica en la delicada temática de 3 DÍAS EN MAYO (2011), del periodista y dramaturgo Ben Brown. El talento de Lorena Maza se concretiza en el escenario, con el apoyo de Alberto Lomnitz (codirector), Sergio Villegas (escenografía e iluminación), Edyta Rzewuska (vestuario e imagen) y Jordi Bachbush (música original). Nuestra directora y su equipo creativo propiciaron un espacio sui géneris: en proscenio un telón -fondo negro- donde se proyecta el mapa de Europa, con láser se delimita en forma alternada cada país hasta llegar a la imagen de área total del dominio nazi en el viejo continente es su momento cumbre, unas puertas “rasgan” el telón, son el acceso y salida de los personajes; al fondo, el salón de juntas -realista- donde se reune el Consejo de Guerra Británico, una bóveda (techo) movible, en su momento sirve de pantalla.

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Lorena nos presenta -en forma por demás acertada- a los protagonistas en un contexto íntimo, penetra en lo más recóndito de su personalidad, crea un puente entre el drama y los espectadores. Si bien Churchill fue el inglés más popular de su época, aquí florece su lado humano, su fuerte temperamento, su férrea determinación, la mismo tiempo el gran estadista que fue. Lo mismo sucede con el resto de los personajes, Lorena hace énfasis en mostrar su interior, lo que los llevó a unirse ante la situación, todo por el bien de una nación por encima de los intereses personales. El tema en principio pareciera antiteatral, más para aqueloos buscadores de la diversión fácil -sin negar que por momentos es teatro documental- , sin embargo, Lorena le da un tono idóneo, un ritmo que hace olvidar el transcurrir del tiempo, aprehende a la audiencia, permite a cada actor dar lo mejor, aprovecha hasta sus últimas consecuencias el histrionismo de su elenco.

 

Éste tiene al frente a Sergio Zúrita (Churchill), Luis Miguel Lombana (Nerville Chamberlain, ex Primer Ministro, líder del Partido Conservador), José Carlos Rodríguez (Lord Halifax, ministro de Asuntos Exteriores, miembro del Partido Conservador), Fernando Bonilla (Jock Colville, secretario de Churchill), Pedro Mira y Miguel Conde (ambos miembros del Partido Laborista), Nicolás Sotnikoff (Paul Reynaud), Primer Ministro de Francia) y Juan Carlos Beyer (General Dill, Ministro de Guerra).

 

Sergio en el personaje de su vida actoral, tal vez ese siempre presente en el sueño e ilusiones de todo actor, sin discusión lo mejor de su trayectoria, impresionante, un trabajo provocador de la admiración y respeto de la concurrencia, bien por este hombre de teatro. Del resto, habría mucho que decir, todos son de primer nivel, grandes histriones, todos con muchos éxitos escénicos, se requeriría de muchas líneas para hablar de cada uno de ellos, su lenguaje es el teatro, su caracterizaciones son el testimonio de sus dones.

 

3 DÍAS EN MAYO se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México), los viernes 20:30, sábados 18:00 y 20:30 y domingos 18:00 horas, hasta el 25 de septiembre.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

La Crítica de Teatro en México se presentará en el Palacio de Bellas Artes

Gracias al apoyo de Miguel Ángel Pineda y Roberto Perea de la Secretaría de Cultura, se presentará el más reciente libro de Benjamín Bernal: La crítica de Teatro en México, el lunes 25 de julio; es el tercero que edita México (cuentos y monólogos), comala.com (novela-guión de cine). Este ensayo literario periodístico permite hacer un análisis de la calidad de la crítica en México; también se le ha calificado como libro de texto para quienes piensan dedicarse al periodismo cultural, además de que a los críticos en activo les ha gustado el estilo, nada dogmático, orgánico, le han llamado, sin el lenguaje erudito que es tan común en la crítica de arte, ni tan frívolo como se usa en algunos programas de radio, televisión y columnas.

Los presentadores están en la cumbre del arte escénico: ​Jorge Ortiz de Pinedo, productor, director y actor; Maricela Lara, directora y promotora teatral, dirigió Las Jornadas Alarconianas, entre otros éxitos; ​Juan Ignacio Aranda (por confirmar), actor de cine, teatro y televisión; funge como ​maestro de ceremonias: Alfonso Villarreal, pintor, conductor de televisión y director de la Galería veracruzana de arte. La cita es el lunes 25 de julio 2016 a las 19:00 horas en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

Ahí les esperamos para platicar de los nuevos rumbos de la crítica teatral en el mundo y en México, así como de los diferentes niveles de producción: grande, mediana, minimalista, hasta los performance e intervenciones.
En Casa en el Zoo, Foro Shakespeare

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“Es una historia nueva, ¿qué pasó en su casa?”

Es un experimento muy especial que podemos ver en el Foro Shakespeare con Itari Marta, Bruno y Odiseo Bichir, bajo la dirección de Víctor Weinstock. Se estrenó hace pocas semanas; el día que lo vi tenía una excelente entrada y no era función con festejo. El texto es de Edward Albee; la segunda parte es un clásico de la comedia negra: El cuento del zoológico; fue escrita casi cincuenta años después, por lo que resulta un híbrido muy peculiar, un experimento metaliterario. Con este formato se estrenó en el off-Broadway en 2007, bajo el título de Peter y Jarry, ¿por qué inventarle una precuela?, porque le dio la gana, claro, para lograr así una obra completa, en que se dan explicaciones, continuidad a pensamientos y acciones de ambos seres ¿solitarios?, necesitados de contacto humano, aunque sea al nivel que nos dejan ver en el pequeño espacio del Foro Shakespeare, primero con una sala convencional; en el segundo estábamos en las bancas del parque. En los primeros minutos, el personaje de Itari va del romance puro al confrontamiento que busca sacar a su pareja de esa perfecta línea recta en el carácter de Peter, por ello puede recibir una bofetada de cada uno casi sin inmutarse; ¿por qué se queda a escuchar las palabras de Ann, lo mismo que las historias imposibles de quien le aborda en la banca del jardín, Jerry es festivo, irreverente, bufonesco: nadie lo sabe, ni siguiera Albee, ¿alguna vez lo pensaría?

Puede usted ver este trabajo depurado en cuanto a texto, ritmo, tono, sutilezas: jueves y viernes a las 20:00 horas; domingos, 18:00 horas.

 

 

 

 

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

“Aplauso” conjunción de estrellas y cuerpos celestes

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Sólo los valientes se atreven a estrenar un gran musical el año 2016 en medio de una crisis global (el Brexit y otras hierbas) la danza macabra preelectoral en que cada semana hay un suspirante y lo bajan a periodicazos; el dinero desaparece de nuestra cartera a toda velocidad y los precios del teatro se han ido a la estratósfera. Por eso agradecemos que Aplauso sea un musical: que no se ha visto antes, precios razonables y un elenco con muchas estrellas; encabezadas, claro, por Verónica Castro.

Usted ya sabe: la ojiverde empezó muy pequeña, por lo que ya tiene un historial que rebasa los 50 años de experiencia escénica; el teatro San Rafael está a punto de cumplir 40 años y es el más grande de la capital con 1,400 localidades, confortable, ya que permite entrar y salir de nuestra butaca con comodidad para todos; además de que se encuentra en el Broadway mexicano, zona donde están el Aldama, Arlequín, Milagro y Milán, entre otros.

Así que vimos a Eugenio Montessoro como el eterno enamorado de la actriz que ha llegado al cenit de su carrera, Verónica, en tanto una joven se eleva lentamente, Natalia Sosa. Luis Gatica, Lenny Zundel, Christian Uribe, Gloria Toba, María Barbosa y Olivia Bucio son testigos de las humorísticas situaciones en que se van colocando todos ellos. La trama es agradable, familiar y las actuaciones no tienen falla, cada uno va teniendo unos minutos para deslumbrar al público. La señora Castro encabeza varios números musicales, los grandes conjuntos se enseñorean del tablado para convencer que estamos frente a un musical maduro; la joven Gloria Toba en dos melodías muestra las gigantescas dotes que le ha dado la naturaleza, canta, baila, actúa y tiene carisma, seguro tendrá estelares en unos cuantos meses. En eso tiene doctorado la señora Fela Fábregas, en detectar el talento y catapultarlo ante los directores, productores y estrellas que están yendo a disfrutar de Aplauso.

Eugenio, Luis, Olivia, Lenny son primeras figuras que demuestran en esta producción por qué son eminentes figuras de los musicales y ya están en la historia. Así que no se puede usted perder este gran musical que tiene como productor ejecutivo a Manolo Sánchez Navarro, traducción al español de Virginia Sánchez Navarro y adaptación de Marco Villafán al libreto de Betty Comden / Adolfo Green. Excelente.
 

“Mi amiga la Gorda” sale de gira

Este mes tiene múltiples estrenos: Despellejando chiles, Parejas vemos, tríos no sabemos, Normal, Celia, En casa del Zoo, por mencionar unas pocas, así que elegí Mi amiga la Gorda que encabeza Ana Patricia Rojo con Gabriel Varela, Ferdinando Valencia y Pablo Lyle, después le contaré con detalles. Con una trama sencilla, nos dan un mensaje respetuoso: los gorditos también tienen corazón y belleza, durante dos horas nos hicieron reír las gracejadadas de Varela (comediante al nivel de Jorge Ortiz de Pinedo o el Caballo Rojas) más las puntadas de todos, creo que la mitad de los chistes eran inventados en ese momento. Salen de gira a Culiacán, Mazatlán, Hermosillo, Piedras Negras, Nuevo Laredo, Matamoros y Tampico. No se la pierdan.

RICARDO III (CONSPIRACIÓN, TIRANÍA, MUERTE)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

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En un hombre se concentran el conjunto de todos los males sin mezcla de bien alguno, más grave cuando se convierte en el rey de Inglaterra. Para lograrlo no le importa la muerte de su padre, no se tienta el corazón para asesinar a su hermano, a sus sobrinos, a todo aquel que sea un obstáculo para alcanzar su fines: la corona. Ese personaje es abordado dramatúrgicamente en RICARDO III, por William Shakespeare, bajo la dirección del maestro Mauricio García Lozano.

 

Esta obra es la más larga escrita por el Cisne de Avón, después de HAMLET, en ella el poder juega un papel protagónico, el pueblo es sometido, enajenado, los allegados al trono con capaces de todo, la mentira y el engaño pululan en todo el entorno de la corte. El traidor es traicionado, las mujeres sometidas -no importa si es la madre o la viuda del exmonarca-, vejadas; una nación es llevada a la guerra ante la sublevación de quienes claman justicia, al frente de ellos el duque de Buckingham. Una frase lapidaria resume todo el fondo: “La conciencia es el concepto del cobarde”. ¿Qué se puede decir de Shakespeare y su obra? Nada, todo está dicho; lenguaje cuya belleza literaria es única; lo poético es cada frase; directo en sus planteamientos; una dosis, en este caso, de humor a partir de la ironía y el sarcasmo.

 

En alguna ocasión, conversando con un crítico de teatro me sugirió tener cuidado al emplear la palabra “genio”, durante años he seguido su consejo. Sin embargo, en la actualidad contamos con varios directores quienes personifican en estricto sentido este calificativo -Claudio Valdés Kuri, Hugo Arrevillaga, entre otros-. indiscutiblemente uno de ellos es Mauricio García Lozano. Este texto lo llevó a escena hace unos dos años, meses más meses menos, cautivando a propios y extraños, críticos y espectadores. Para fortuna de los teatrófilos regresa al escenario con su propuesta en el marco del denominado SHAKESPEARE FRENTE A FRENTE. Un montaje moderno, ágil, las casi tres horas se esfuman ante su talento. Puestas en escena sobre la obras de Shakespeare con pretensiones posmodernistas aparecen a diario, en su mayoría verdaderos bodrios, fallidos intentos. Para nuestra el maestro Mauricio con una escenografía que no representa lugares, más bien el medio donde se recrean las emociones (Jorge Ballina); iluminación para crear atmósferas (Ingrid SAC); vestuario “contemporáneo” (María Marín del Río), y; música original y musicalización apoyan los sentimientos, buenos y malos (Pablo Chemot). Llama la atención los telones, elaborados con plástico, tiene funciones múltiples; cadáveres suspendidos; el público “acomodado” en el escenario. Todo en conjunto nos transporta a una obra de ARTE teatral, misma que sólo un genio puede alcanzar.
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Rey, nobles, funcionarios y pueblo son caracterizados por Carlos Aragón, Jorge Zárate, Haydée Boetto, Leonardo Ortizgris, Paloma Woolrich, Sophuie Alexander-Katz, Américo del Río, Tamara Vallarta, Assira Abbate, Daniel Haddad y Ricardo Esquerra Carlos extraordinario (Ricardo III), impresionante, una representación tan bien lograda, como se dice en el argot, provoca subir al escenario a matar al personaje, proyecta la maldad en todo lo que ésta significa, trabajo desgastante, casi tres horas en escena, además de verse obligado a cojear y apoyarse en un bastón. Otros destacados trabajos son los de Jorge Zárate y Haydée Boetto, dignos representantes del selecto grupo de histriones mexicanos. Cabe destacar, todos los involucrados actoralmente interpretan varios personajes.

 

Todo aquel que desee entrar en contacto con la conspiración, la tiranía y la muerte a través de una obra de arte teatral, tiene una cita en el teatro Julio Castillo, Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México). RICARDO III se alterna con MEDIDA POR MEDIDA, también de la autoría de Shakespeare, por ello se sugiere consultar en Internet la página www.inba.gob.mx para conocer fechas y horarios de ambas obras.

 

Julio 2016

 

REMEDIOS PARA LEONORA

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

Título muy ad-hoc a la obra teatral escrita por Estela Leñero, en la cual nos narra cómo más allá de una relación amistosa entre dos grandes íconos del surrealismo, se establecieron un gran vínculo de apoyo moral y emocional. Nos referimos al vínculo casi fraternal que existió entre Remedios Varo (1913- 19639 y Leonora Carrington (1917-2011).

 

Ambas destacadas y reconocidas pintoras surrealistas del siglo pasado, quienes en el arte surrealista, rescataban el simbolismo del inconsciente, mediante lo mítico y lo onírico plasmado en el arte pictórico.

 

Ambas compartieron en su vida real, momentos que les dejaron grandes huellas vivenciales tanto, de complicidad, como de sufrimiento, ante la pesadilla de haber padecido la desesperanza y el infierno de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, ambas decidirían huir, exiliándose en México, en donde vivieron hasta perecer.

 

La dramaturgia de Estela Leñero muestra esa íntima relación que les cobijó durante muchos años, siendo ambas almas gemelas. Se narra la tragedia de vivir en la locura temporal por parte de Leonora, cuyo padre rico y apoderado envió a Leonora a una clínica mental; suceso que marcaría su vida dejándole profundas huellas. Las desavenencias con su padre son esbozadas; influencias que Leonora cargaría con gran peso y, de las que solamente, se desafanó a través del psicoanálisis.

 

Se manifiesta en el mismo tiempo escénico el sufrimiento de Remedios Varo ante el encarcelamiento por ser la esposa de Benjamín Péret y pertenecer al movimiento logofobista (con quien se refugió en México). Por su parte Leonora tuvo que casarse con el poeta y diplomático mexicano Renato Leduc, para también poder establecerse en nuestro país. El gran amor de Leonora por Max Ernst, es pincelados en ésta obra teatral, así como los constantes amantes de Remedios Varo. Todo esto mediante el uso de diálogos coloquiales establecidos entre ambas, el supuesto escénico de encontrarse pos-mortem. La trama REMEDIOS PARA LEONORA, en cuyo título se refleja perfectamente un pretendido reencuentro entre ambas artistas, cuyos espíritus acuden a las remembranzas del pasado.

 

La escenografía a cargo de Carolina Jiménez muestra dos grandes cajas blancas de donde se extraen figurillas, muñecos, cigarros y bebidas qué utilizan en el escenario, junto con una larga tela que sirve como pantalla para reflejar una de las pinturas de Remedios Varo; esto con el apoyo multimedia de Julio Martínez, además de un mueble tipo ropero. Escenas que se armonizadas ocasionalmente con la música original de David G. Martínez.

 

Actuada en un solo acto escénico de 70 minutos, la obra es representada bajo la plástica actoral de Gabriela Betancourt y Berta Vega, bajo la dirección escénica de Gema Aparicio. La obra es un proyecto apoyado por el Fondo de Nacional para la Cultura y las Artes. Se presentará en corta temporada, en el Círculo Teatral.

 

REMEDIOS PARA LEONORA (DOS GRANDES REPRESENTANTES DEL SURREALISMO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen y cartel promocional de REMEDIOS PARA LEONORA, de Estela Leñero

(Tomadas de la página de Facebook de Gema Aparicio)

 

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Dos mujeres, grandes exponentes y representantes del surrealismo, se dan cita en el escenario teatral, bajo la pluma de Estela Leñero, en REMEDIOS PARA LEONORA. Remedios Varo nació en España (1913-1963), perteneció al movimiento logofobista en Barcelona; se exilió en nuestro país en 1942, donde realizo la mayor parte de sus pintura. Por otra parte, Leonora Carrington (1917-2011), vio la luz primera en Inglaterra, también se exilió en México en el mismo año que su colega, donde desarrolló toda su obra plática y literaria.

 

Estela es una de las dramaturgas mexicanas más destacadas, ha incursionado en múltiples géneros, su formación como antropóloga ha influido en buena parte de sus obras. Sencilla como persona, no “pierde el piso”, ya inobjetable su importancia en las letras teatrales, inclusive con proyección internacional. Su carácter es alegre, en contrario sensu es muy seria en el tratamiento y contenido de sus textos; su compromiso con el quehacer teatral le ha valido el reconocimiento de sus pares, críticos y público.

 

En la obra que hoy nos convoca están las dos protagonistas ya mencionadas, sin embargo, juega un rol fundamental el surrealismo. Ahora bien, de qué hablamos o qué es esta corriente artística y filosófica: “Vanguardia basada en la existencia y preponderancia del inconsciente, la cual busca nuevos mitos a partir de la exploración del inconsciente y las posibilidades que el encuentro de los objetos disímbolos, ofrecen al arte y la poesía”. (Glosario anexo al programa de mano)

 

El talento, percepción y sensibilidad de la autora nos hace penetrar a la parte humana de las pintoras: deseos, frustraciones, sueños; remembranzas de juventud, del colegio con las monjas, miedos y hasta la creencia sobre la efectividad de los hechizos. Personajes vivo o muertos, tal vez resucitados; ubicación, cualquier lugar menos uno real, se menciona una torre. Estela se sumerge en un universo onírico, por qué no surrealista, un laberinto más allá del minotauro, más bien existencial. Si bien hay datos biográficos, se aluden personalidades importantes en la vida de ambas, no cae en lo didáctico, inclusive hay fragmentos poéticos y conmovedores.

 

Gema Aparicio toma el texto. Una visión personal la conduce al minimalismo, una musicalización discreta; proyecciones -claro surrealistas- en una tela vertical (hace las veces de lienzo) y en el escenario (piso), por cierto gran efecto plástico. Lo he comentado en varias oportunidades, sobre todo cuando hoy día las escenografías están en vías de extinción, la parte actoral es el eje en torno al cual gira el mundo dramatúrgico y de dirección, Gema resuelve atinadamente, su planteamiento digno de la propuesta de Estela.

 

Gabriela Betancourt (Remedios Varo) y Bertha Vega (Leonora Carrington) asumen la identidad, la personalidad, hasta la desfachatez de las pintoras, se adentran en el sueño del reencuentro, defienden -actoralmente- las ideas, su trabajo merece reconocimiento.

 

“En el mundo de los sueños donde todo es posible Remedios Varo y Leonora Carrington juegan a reinventar su historia”. Todo aquel que desee incorporarse al juego, asista al Círculo Teatral (Veracruz 107, Col. Condesa, Ciudad de México), los miércoles a las 20:30 horas, hasta el 31 de agosto.

 

QUEMAR LAS NAVES. EL VIAJE DE EMMA (POESÍA TEATRAL Y COREOGRÁFICA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Quemar las naves. El Viaje de Emma (tomada de la página en Facebook de la producción)

 

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A través de una teatralidad coreográfica, Rocío Carrillo nos lleva por un universo mitológico, los personajes de La Odisea de Homero, junto con otros más, cobran vida para dar paso a QUEMAR LAS NAVES. EL VIAJE DE EMMA, una historia con un hilo conductor para la imaginación, cada espectador puede hacer su propia deducción sobre lo que está viendo y admirando. propuesta nada fácil de digerir, sobre todo para aquellos que no están familiarizados con la mitología helénica. Los personajes desfilan ante nuestros ojos, unos son “identificables” a simple vista, otros quedan en la duda de quiénes son.

 

Me permitiré transcribir lo que la autora escribió en el programa de mano para ubicar sus intenciones, más allá de mi interpretación personal, misma que puede ser equivocada, al menos tergiversarla en alguna medida: “Una mujer madura que emprende un viaje iniciático es ¿un arquetipo tan antiguo que apenas quedan resabios de su existencia en el inconsciente colectivo? o ¿tan reciente que es necesario trazar su cartografía a partir de modelos heroíicos masculinos? QUEMAR LAS NAVES. EL VIAJE DE EMMA aborda, desde una perspectiva interdisciplinaria, el viaje marítimo que inicia una mujer en busca del sentido de la vida. La obra revisita tangencialmente el mito de Ulises y el recorrido iniciático que representa LA ODISEA. Sin embargo, en la travesía de Emma la compañía y yo exploramos la relación de la heroína con los cíclopes, las sirenas, Circe, Calipso, etc. con el propósito de resignificar el lugar de la mujer madura en nuestra cultura”.

 

Debo ser sincero y reiterar, no para todos, creo que a los menos les queda claro todo lo anterior, hay muchos simbolismos, el hecho de ser una heroína y no un héroe es una visión y una postura; una mujer de alrededor de 50 años de dad, en una aventura digna de la protección de los dioses del Olimpo. Más allá de lo anterior, hay una conjunción interdisciplinaria digna de toda alabanza,: teatro, danza, música, multimedia… En realidad se trata de un poema teatral y dancístico. La belleza penetra por los sentidos, conmueven las escenas, los personajes arriban hasta el fondo de cada espectador, lo importante no es razonar sobre la anécdota, es sentir, ser capaces de emocionarse ante el riesgo asumido por Rocío, porque se aparta de lo fácil, de lo ya digerido, obliga a poner toda la atención posible y por qué no, vivir la odisea de la mano, en el mismo barco, que Emma.

La belleza plástica inicia desde la propia escenografía y vestuario de Erika Gómez; la primera una mezcla entre el realismo, la sinopsis de un barco y el espacio vacío, donde se llevan a cabo las coreografía, la danza en su máximo esplendor, en este último rubro cabe destacar que los intérpretes son actores, no bailarines profesionales, por lo cual es más loable su desempeño; por otra parte el vestuario, podría remitir a un época antigua, en realidad es intemporal, no estrictamente híbrido. Participaron con su asesoría y respectivos dones artísticos, Betsy Pecanins y Margie Bermejo, diseño de sonido y laboratorio vocal, respectivamente. El diseño de iluminación, digno de respeto por los ambientes emocionales que logra, es de la propia Rocío Carrillo: Óscar Acevedo es el responsable de lo que en el programa de mano se denomina “dramaturgia sonora en vivo”, varios instrumentos predominando las percusiones, mismas que combina con música grabada.

 

Un espectáculo para quienes buscan algo diferente, arriesgado, sobre todo, inmerso en la armonía del arte en varias de sus modalidades. Rocío ha logrado conjuntar un equipo de creativos reconocidos cada uno en sus respectivas áreas de trabajo, juntos alcanzan sublimes momentos, por fortuna compartidos con los espectadores, quienes en la función de estreno se entregaron y reconocieron el esfuerzo con una estruendosa ovación. Quienes deseen navegar con Emma por los mares de la imaginación y la creatividad, sólo tiene que acudir al puerto que lleva por nombre Foro  Polivalente Antonieta Rivas Mercado, Biblioteca de México (Ciudad de México), los sábados y domingos hasta el 13 de agosto, a las 13:00 horas.

 

Julio 2016