Categoría: Notas Nacionales

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MERMELADA CADA TERCER DÍA (MAL LOGRADO MONTAJE PARA INFANTES)

MERMELADA CADA TERCER DÍA (MAL LOGRADO MONTAJE PARA INFANTES)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías por Ale Mostra

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Hace ya varios años, tantos que ya no recuerdo cuántos, la cartelera teatral para niños ofrecía una cantidad enorme de puestas en escena, a tal grado que en fin de semana era tan amplia como la de adultos. Una verdadera mina de oro, sin embargo, la vorágine de los productores los llevó al fracaso, espantaron a los padres de familia por los altos costos de los boletos y montajes de mínima calidad. Otro factor del desastre fue que, en su mayoría, se trataba de cuentos clásicos adaptados, a lo que se debe agregar la inclusión forzada en ellos de algún personaje de moda de los dibujos animados de la televisión. Todo esto daba la sensación de pocos dramaturgos mexicanos preocupados por el público infantil, cierto, eran escasos, pero existían. Salvo honrosas excepciones como el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), son pocas las opciones en la actualidad de puestas en escena con calidad, contenido y propuestas estéticas.

Comento lo anterior ante el verdadero bodrio cuya reposición tiene lugar en el Foro Shakespeare, bajo el título Mermelada cada tercer día, a partir de Alicia en el país de las maravillas, de Lewis Carroll. La adaptación es de Ana María Aparicio y Ariadna López. En este caso, Alicia es una pequeña de once años de edad quien es obligada por sus padres a vender galletas en la calle. Un día de mala venta la mercancía le es robada por un conejo, lo persigue, cae en una coladera que la transporta a un mundo extraño…, de ahí en adelante un fusil del cuento original. El trasfondo del texto, cuando lo hay, se pierde en la parafernalia, porque si bien la propuesta escénica es vistosa -como cuando ella es enana o un títere con la técnica rusa- por lo demás es intrascendente, por momentos aburrida. No hay explicación lógica de esa necesidad, terquedad, de adaptar cuentos clásicos cuando hay un sinnúmero de dramaturgos nacionales escribiendo para niños.

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El montaje es aún más deprimente. La propaganda dice que se trata de una propuesta escénica que explora una interesante estética onírica (?), apoyada por efectos de ilusionismo mágico. Ni remotamente se acerca a lo anterior, lo único rescatable es el vestuario; la iluminación da la sensación de discoteca. La propia Ana María Aparicio dirige, convierte el escenario en una verbena, todos corren como locos, gritos y más gritos, apagones innecesarios -falta de imaginación- los actores, hay que reconocerlo, se divierten solos, reiterando, demasiados gritos y exceso de movimiento corporal, en particular la reina, quien aturde, parece una desquiciada mental; las coreografías parecen ataques de epilepsia. En concreto, un mal logrado montaje, además de un asalto con premeditación, alevosía y ventaja si se toma en cuenta la friolera del costo del boleto: trescientos pesos.

En fin nada más que comentar. Mermelada cada tercer día está en el Foro Shakespeare (Ciudad de México), los sábados de agosto a las 13:00 horas.

 

MEJOR NO CONTESTES

MEJOR NO CONTESTES

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 Aún en estos tiempos en que prevalece la tecnología y que estamos ligados a la comunicación, hay ocasiones en que hubiéramos preferido no contestar alguna llamada. De hecho, los avances electrónicos nos permiten ver quién llama, tanto en los teléfonos fijos como en los aparatos celulares. A pesar de que hay llamadas indeseables, ciertas normas de conducta, o bien, por cortesía o cariño, hacen preciso que atendamos el teléfono. Esto es lo que viene a nuestra mente al ver el título de la obra Mejor no contestes.

mejor no contestes

Como lo hemos comentado en notas anteriores, el Teatro El Milagro alterna obras de autores conocidos con las de aquéllos que apenas buscan darse a conocer. Es uno de los teatros que presenta más apoyo a los proyectos independientes. Tanto su Consejo directivo y artístico conformado por Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi, David Olguín y Gabriel Pascal, como su administración, a cargo de Eduardo Pascal, apoyan e incentivan a jóvenes estudiantes de teatro o recién egresados de carreras relacionadas con el quehacer teatral, para que colaboren en el recinto. Cuando alguno de estos jóvenes les presenta una propuesta que les parezca viable, no dudan en abrir sus puertas para su presentación.

Tal es el caso de Emmanuel Varela, que desde hace tiempo colabora en el Teatro El Milagro brindando apoyo técnico y ahora presenta como director y coautor Mejor no contestes, obra compleja que Naolli Eguiarte, Alejandro García y Emmanuel Varela conciben a partir del mundo de Raymond Carver (1928-1988), escritor estadounidense, quien contribuyó a revitalizar el cuento corto en el ámbito de la literatura durante los años 80 y considerado por muchos críticos como el creador de la corriente denominada realismo sucio. Definitivamente, Carver es reconocido como uno de los mejores cuentistas del siglo y muchos lo equiparan con Antón Chejov.  En su narrativa, Carver describe las situaciones con crudeza y, por lo general, alguno de sus personajes padece de alcoholismo, quizá porque él tuvo que luchar contra esa terrible adicción la mayor parte de su vida, ya que le era común entrar y salir de clínicas de rehabilitación.  En Argentina, Carver es tan admirado que diversos autores y directores destacados han tomado su prosa como fuente de inspiración para sus obras.

El texto de Mejor no contestes tiene buena estructura y mantiene el interés de principio a fin.  Versa sobre una familia, cuyos integrantes están estrechamente ligados. Seres imperfectos, ninguno de ellos ha logrado alcanzar sus sueños y todos en algún momento han caído en el alcoholismo. Consideran que los lazos familiares son lo más importante y siempre están dispuestos a apoyarse. Lo malo es que por ser tan inestables les es difícil conservar el trabajo, una pareja, cierta seguridad económica, etcétera y, para colmo, se les va haciendo costumbre que sea uno solo a quien acuden los demás en busca de ayuda.

La esposa de Gabriel terminó con él a causa de su alcoholismo. Esto lo sacudió en tal forma que ha dejado de beber y está intentando dejar también el cigarro. Desde hace tiempo vive con su novia Ana. La ama y siente que le brinda paz. Mientras están solos son felices, aún con las dificultades cotidianas que hay que sortear, por ejemplo, que al perro del vecino le gusta defecar justo en la puerta de la casa de ellos. Ana trabaja en una veterinaria donde asea y peina perros. No entiende por qué si su trabajo es tratar bien a los perritos, puede odiar tanto al perro que vive al lado de ellos. Sin embargo, los problemas realmente fuertes surgen siempre que aparece algún miembro de la familia de Gabriel. La madre cifra su felicidad en las mudanzas. Su hermana Julia está casada con Julián, un hombre abusivo y para ganar algo de dinero, básicamente para sus hijos, vende gelatinas Conejo. Julio, el hermano, acaba de divorciarse y perdió el empleo, así que muy a menudo requiere de préstamos. ¿Podrá subsistir la relación de Ana y Gabriel a tanto embate? Llega el momento en que Ana suplica a Gabriel: Mejor no contestes.

La dirección corre a cargo de Emmanuel Varela y la codirección a cargo de Naolli Eguiarte. Ambos realizan una labor impecable.  Bien diseñado el trazo escénico. Total aprovechamiento del espacio. Ritmo preciso. Acción constante. Mantienen la continuidad de los cuadros en forma apropiada, incluso, cuando algunos se sobreponen unos a otros.

La escenografía también es responsabilidad de los coautores y codirectores Emmanuel Varela y Naolli Eguiarte. En este renglón su labor es asimismo un logro.  La escenografía consta de mobiliario tradicional, integrando un departamento completo con recámara, baño, sala, cocina, comedor y segundo piso.

Participan en el proyecto para crear el entorno adecuado: Rodrigo Espinosa en diseño sonoro y Natalia Sedano, en iluminación. La fotografía es de Alejandro García.

El trabajo histriónico y corporal es estupendo. Todos y cada uno de los integrantes del elenco encarnan a sus personajes con compromiso y veracidad, dotándolos con variedad de expresiones y matices. Diana Sedano, impresionante en su versatilidad al dar vida tanto a la Madre como a Ana; Ricardo Rodríguez es Gabriel -queriendo hacer todo bien-,  Isaac Pérez Calzada es Julio -ocurrente y aprovechado-, Natalia Goded es Sofía -graciosa y atribulada- y Ramiro Galeana, al igual que Diana, interpreta a dos personajes: Julián y El conejo.

La producción es de El Milagro y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, mediante el programa México en escena del Fondo Nacional de Cultura y las Artes.

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Teatro hecho por jóvenes mexicanos comprometidos con su quehacer. Loable la forma en que superan los retos que ellos mismos se imponen. La historia interesante de una familia disfuncional que anhela alcanzar la normalidad. Según ellos se esmeran lo más que pueden. Diversión garantizada a base del humor negro que manejan. Convoca a la reflexión sobre prioridades y empeño. Acompaña a estos peculiares personajes para ver la forma en que viven. ¡No te la pierdas! En Mejor no contestes encontrarás un acertado montaje y actuaciones sorprendentes.

Mejor no contestes se presenta a las 20:30 horas: lunes y martes en el Teatro El Milagro, ubicado en Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México. La temporada concluye el martes 13 de septiembre de 2016.

 

LA ARTESTREADA TRUPETERA (ESPECTÁCULO MUSICAL, ENCUENTRO DE LAS BELLAS ARTES)

LA ARTESTREADA TRUPETERA (ESPECTÁCULO MUSICAL, ENCUENTRO DE LAS BELLAS ARTES)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de la Trouppe, bajadas de su página en Facebook

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Con 35 años de existencia, una de las compañías más añejas, constantes y tradicionales de la República Mexicana, sorprende a niños y adultos con su más reciente espectáculo: La artestreada trupetera, musical donde se encuentran y coinciden la mayoría de las bellas artes. La Trouppe, con múltiples galardones en el ámbito nacional e internacional, se ha ganado el cariño y preferencia del público; quienes hace unas décadas, siendo infantes, disfrutaron sus puestas en escena, hoy lo hacen como adultos, inculcando en sus hijos el gusto por el quehacer teatral.

Mauro Mendoza es el creador del musical, en codirección con Sylvia Guevara. Payasos, títeres, maquetas (tipo libro, esos que se abren y las imágenes adquieren la tercera dimensión), cámara negra, lienzos, músicos en vivo, bailarines… son los elementos que en forma integral transforman las caras de los asistentes en alegría, en un mundo onírico, mágico, en un universo de color.

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Un viaje al pueblo Florido, Michoacán, donde un grupo de singulares personajes arriban para erradicar la apignosis, enfermedad ocasionada por Ilak, un dragón alérgico a la alegría de la gente. Un juglar cuenta la historia. La lucha es contra un virus, después del estornudo de Ilak, quien contamina el agua del lugar provocando apatía generalizada -algunos no se levantan de sus camas por largos periodos-, aburrimiento, tristeza, en concreto, la falta de interés por la vida. La forma de erradicar estos males del alma es por medio del arte: la pintura, la escultura, el canto, la música, el baile, el teatro. La cura: fomentar el amor por la educación, apreciar las artes, invocar a las musas del Olimpo para que inspiren a los habitantes de Florido. El proceso tiene éxito, el cuento o la fábula, si se quiere, tiene un final feliz. La moraleja es: cuando se aprende a trabajar en equipo, nace la amistad; la creatividad estética enriquece al ser humano.

Una experiencia inolvidable mediante el humor blanco, la imaginación es atraída para disfrute de la audiencia. Diecisiete integrantes de La Trouppe en escena, entre actores, titiriteros y cantantes. Una excelente opción para todo público, la cita, el próximo domingo 14 de agosto a las 13:00 horas, en el Lunario (atrás del Auditorio Nacional, Ciudad de México).

 

 

 

LA ALONDRA

LA ALONDRA

 Por Dalia María Teresa De León Adams

Fotografía Andrea López

 La Alondra

La Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, mediante la Dirección de Teatro y Enrique González Torres presentan la puesta en escena de La alondra, que dio inicio el viernes 5 de agosto en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz, en el Centro Cultural Universitario, de jueves a domingos.

La alondra es una obra teatral original del dramaturgo francés Jean Anouilh, que recrea la vida de Juana de Arco, conocida también como La alondra o La Dama de Orleans. Fue una mujer que logró, a tan sólo sus 17 años de edad, ser nombrada Comandante de los Ejércitos Franceses por el Rey Carlos, reconocido como El Rey Delfín.

Su historia es mundialmente conocida. Fue una joven campesina que en aras de salvar su patria y a su rey, siguiendo según afirmara las voces de Dios y de algunas Santas que le pedían alzarse en armas y, luchar en contra de los ingleses. Debido a su gran inteligencia, tenacidad y valentía logró su objetivo de alinearse a la armada. Difícil tarea para cualquier persona y más aún tratándose de una mujer de la Edad Media.

Los directores de esta puesta se interesaron en hacer un montaje sobre la vida real de la Dama de Orleans, debido a constituir el prototipo ideal que aún en la actualidad  se necesita para manifestar sus ideales, aun en contra de la autoridad, reafirmando el valor humano de expresarse; característica de hecho, que le ha valido el ser representada tanto en filmes como en escenarios teatrales.

La alondra parece ser sacada de un cuento de hadas o extraída de una historia épica ante el ingenio de una pluma de un ávido escritor y, sin embargo, fue real. Por ello, la trama nos narra la vida de una niña campesina, quien motivada por la encomienda de “salvar a su pueblo y a su rey” salvaguardó todos los obstáculos que ello implicaba, desde el hecho mismo de hacerse escuchar por el Delfín, hasta la pretensión de ser apoyada por él. Finalmente logró su objetivo, pues el rey le entregó el comando de su ejército, en aras de desalojar al enemigo inglés. Sin embargo, pese a haber cumplido un año de triunfal combate, Juana de Arco fue apresada por la Iglesia y condenada a ser quemada en la hoguera.

La traducción al español corrió a cargo de su misma directora, María González, quien logró junto con su homónimo José Caballero, una atractiva puesta en escena, con un gran reparto estelar como son: Erando González, Miguel Flores, Carlos Mendoza, Sofía Vogël, Miguel Cooper, Juan José Tagle, Alex Peña, Arusi Santesteban, José Sefami, Paola Loaiza, María González, el mismo Juan Caballero y su actriz protagónica Thallis Santesteban, ello además de un gran equipo de realizadores quienes lograron adentrar al espectador en el drama de La alondra, obra teatral que terminará su temporada de representaciones el día 4 de septiembre.

HAMLET (UN ENCUENTRO CONSIGO MISMO)

HAMLET (UN ENCUENTRO CONSIGO MISMO)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen bajada de Google

 Llegó el día esperado, mucha expectación por ver la producción de Teatro di Roma, Festival Romaeuropa, 369gradi, en coproducción con el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. La obra, Hamlet, de William Shakespeare, bajo la dirección de Andrea Baracco, con la colaboración de la dramaturgista Francesca Macri. El propósito: presentar al personaje en un encuentro consigo mismo.

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En concreto esta versión contemporánea saca al personaje de los lugares comunes, descifra sus acciones complejas en sí mismas, pone de manifiesto su fragilidad, suprime las imágenes estereotipadas, importantísima la plasticidad, minimalismo para permitir la agilidad del desarrollo.

Dos funciones en el máximo recinto cultural del país, el Palacio de Bellas Artes, las localidades agotadas. Omito la anécdota, es del dominio de los teatrófilos, de hecho es la obra más representada en el ámbito mundial escrita por el Cisne de Avón. Desde la perspectiva de Baracco, su pretensión es mostrar la esencia interior y las debilidades del personaje. Reza el programa de mano: “A través de la construcción de la imagen que, en este caso, se producirá tanto desde la interpretación de los actores, como desde el video editado en tiempo real, buscaremos dar forma, peso y profundidad a la palabra, con el fin de constituir un imaginario dentro del cual poder mover todo el universo de Hamlet”. (Baracco).

Se prescinde del fondo político del texto, más que estar frente a un príncipe, el lado humano es lo relevante, ver a un ser de carne y hueso -si vale la expresión-, la palabra tiene su importancia intrínseca, sin embargo, el aspecto plástico sobresale, es una versión moderna apoyada en la tecnología, sin caer en la parafernalia. De hecho el escenario está semidesnudo, sólo la pantalla y una serie de mamparas en las que también se proyecta y en un momento dado se hace teatro de sombras.

La escenografía, luces y vestuario brotaron de la imaginación de Luca Brinchi y Roberta Zamardo. La iluminación da la sensación de sencillez, sin embargo, es parte fundamental; el vestuario casi casual, contemporáneo, en realidad híbrido. Destaca la musicalización y efectos sonoros, se puede decir son protagónicos en el concepto integral, lamentablemente no hay crédito en el programa de mano.

Siete actores, otro en audio y video: Lino Musella, Eva Cambiale, Paolo Mazzarelli, Michele Sinisi, Andrea Trapani, Woody Neri, Livia Castiglioni y Gabriele Lavia. Todos muestran gran formación dramática, disciplina para seguir el ritmo “seco”, no hay exabruptos, diálogos “tranquilos”, salvo algunos de Hamlet y un monólogo de Ofelia, entre otros pocos. Un estilo diferente al nuestro, otra visión actoral, ni mejor ni peor, simplemente otra forma de asumir el teatro.

Ante un lleno total, la ovación no se hizo esperar, entrega y reconocimiento del público mexicano. Las expectativas se cumplieron para beneplácito de todos. Es de desearse la compañía nos visite pronto nuevamente.

 

 

ESTO NO ES DINAMARCA (INSPIRADA EN HAMLET DE SHAKESPEARE)

ESTO NO ES DINAMARCA (INSPIRADA EN HAMLET DE SHAKESPEARE)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes bajadas de la página de Ocho metros cúbicos (compañía) en Facebook

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Edgar Chías, dramaturgo siempre dispuesto a sorprendernos, nos pone frente a una obra, Esto no es Dinamarca, inspirada en Hamlet, de William Shakespeare. Una analogía con tintes poéticos entre la realidad de la tragedia del príncipe y, sobre todo, la situación social que lo rodeaba y la del México contemporáneo. Sangre, traiciones, humor negro, fuerzas políticas defendiendo e imponiendo sus intereses particulares sin importar sobre quiénes se pase o transgredan sus derechos.

El dramaturgo en forma clara, asienta, no hay compromisos por parte de los miembros del ente sociopolítico en ambos casos. Retoma del Cisne de Avón, a las brujas deformes, feas, beodas y apestosas, quienes adquieren un carácter simbólico en el ámbito contemporáneo. Si bien el lenguaje es poético, en varios momentos es escatológico. Se asume un destino trágico sin una explicación lógica de la desgracia, se sobreentiende que el mal en su forma más depurada es siempre la destrucción. Lo nuevo será lo viejo sin que nadie pueda decir y viceversa. Los personajes shakesperianos, en particular Hamlet, ocupan su lugar en el entorno mexicano. Seres con vacíos existenciales, enfrentan que no siempre lo justo y la justicia tienen empatía.

Se entiende que en el México actual no hay seguridad, menos estado de derecho, un país perdido en un laberinto, en apariencia, sin salida, el crimen organizado haciendo de las suyas, los intereses económicos por encima de los ciudadanos. Sin embargo, Chías, a pesar de sentenciar que el orden es sólo una buena intención, considera hay un dejo de esperanza.

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David Jiménez es el encargado de darle forma escénica a la imaginación dramatúrgica. Minimalista su propuesta a partir de una estructura sin forma específica, pero con un movimiento con sentido, puede ser todo o nada en el imaginario colectivo. Un espectro, un ser momificado, ¿el futuro estado de la humanidad?, sobreviviente del caos, sentado en la primera fila, impávido, ¿espectador o protagonista? Cada una de las escenas poseen características plásticas, imágenes pictóricas; el desplazamiento escénico es mínimo pero efectivo, la oralidad tiene un peso específico, la carga del contenido en el elenco. Hay números coreográficos, dentro de lo catastrófico hay instantes de alegría, tal vez porque el ser humano a final de cuentas, como especie, no se derrota. Se reconoce que David se distancia de lo convencional para bien de la propuesta y de los espectadores.

Antón Araiza, David Gaitán, Andrea Celeste Padilla, Aldo González y Raúl Villegas, en ocasiones son los personajes de Shakespeare, en otras, mexicanos debatiéndose en su fatal devenir. Integrados como equipo, su trabajo redondea las intenciones, hechas realidad, de Chías.

La compañía Ocho metros cúbicos concluyó con este montaje su residencia en el Museo Universitario del Chopo. A partir del 22 de agosto y hasta el 27 de septiembre, Esto no es Dinamarca se representará en la sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México, a las 20:00 horas, los lunes y martes.

 

 

ENTREMESES ENTRE MESAS (ESPECTÁCULO GASTRONÓMICO TEATRAL)

ENTREMESES ENTRE MESAS (ESPECTÁCULO GASTRONÓMICO TEATRAL)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Francisco Arias

 En la actualidad, sobre todo en la Ciudad de México, cualquier espacio es bueno, por lo mismo aprovechado y acondicionado, para montar espectáculos escénicos. El Mesón del Cid, con 46 años de fundado, es la sede de Entremeses entre mesas, espectáculo gastronómico teatral. Éste consiste en una combinación de platillos netamente españoles y el entremes, pieza teatral breve, en un solo acto, de tono humorístico, que originalmente se representaba en los entreactos de una comedia o melodrama.

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El espectáculo que hoy nos ocupa en síntesis es: “Comedia, personajes populares y el teatro clásico español, pródigo de picardía, de alegría de vivir y de amor por los placeres de la carne. Una experiencia escénica que se complementa con los incitantes olores y sabores del vino y la cocina cervantina. Una provocación para el cuerpo y el alma”.

En la función inicial de la temporada, Adrián Arroyo Legaspi, en su calidad de anfitrión, comentó que los manjares que menciona Cervantes en todas sus obras, incluyendo el Quijote, no son meros instrumentos dramáticos, sino protagonistas de la trama. No transcurre un capítulo del Quijote sin que mencione delicias culinarias de nombre que hoy se nos antojan exhuberantes y misteriosos: duelos y quebrantos, hartatunos, tojunto, olla podrida, cochifrito, matambre… Esta conjunción de platillos y piezas teatrales es interesante y hasta curiosa, porque en México cuando escuchamos o hablamos de entremeses los relacionamos más con un alimento que se sirve antes del primer plato.

Gonzalo Blanco -actualmente catedrático del Siglo de Oro Español, en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)- seleccionó y dirige La cueva de salamanca, de Miguel de Cervantes Saavedra; La tierra de jauja, de Lope de Vega, y Los habladores, atribuida a Cervantes. Entremeses inmersos en el humor, desde la óptica contemporánea ingenuos, eso sí, escritos con un conocimiento profundo de la palabra, del verso y, por qué no, de la naturaleza humana de ayer y hoy. Aprovecha en gran forma el espacio que le brinda el restaurante, las mesas colocadas de tal manera que le permiten usar un pasillo como pasarela, incorporar una puerta y, claro, una tarima al frente donde están instalados los músicos -integrantes de la Estudiantina de la Facultad de Contaduría y Administración de la UNAM- frente a ella se llevan a cabo la mayor parte de las escenificaciones. Retomando la musicalización, es un placer al oído recordar y revivir los tiempos de la secundaria, al menos de mi generación, con esa alegría contagiosa transmitida por estas agrupaciones.

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Eduardo Cano, Salvador Domínguez, Rodrigo Cano, Eduardo Mercado y Marco A. Ramírez con sus instrumentos apoyan el viaje por el tiempo, un pasado que se vuelve presente. El director se aparta de la pronunciación española, esto es, la Z queda en el olvido, se habla en la forma común de nuestros días, otro acierto, porque luego unos actores van por un lado y otros por otro o a medio camino ya no saben cómo expresarse. Vestuario y utilería alusivos a la época del Siglo de Oro. Además, la decoración propia del Mesón ideal para el fin deseado y logrado.

Bernardo Hernández González, Iliana Bahena, Imelda Castro, José Luis Alanés, Alejandro Téllez y Russel Álvarez, con entusiasmo, entregados, dan vida a los personajes de Cervantes y Lope de Rueda, van y viene, asumen poses, divierten al público, convierten la propuesta en hilarante, es grato que recreen un tiempo que ha quedado en el olvido.

El espectáculo, Entremeses entre mesas, se representará los jueves hasta el mes de noviembre, a partir de las 19:30 horas. Durante el mismo, los asistentes degustarán un exquisito menú español: empanada confitada (lechón y conejo), estofado de vaca, buñuelos de frutas y vino tinto servido en porrones. El Mesón del Cid se ubica en Humboldt 61, Centro Histórico de la Ciudad de México.

 

EL JUGLARÓN

EL JUGLARÓN

Por Dalia María Teresa De León Adams

EL JUGLARON

El Carro de comedias, por medio de la Dirección de Teatro, reanudó la temporada de sus representaciones, con esta obra teatral denominada El juglarón, del escritor y poeta León Felipe, con cuyas poesías comienza la presentación de ocho cuentos breves, de los cuales cuatro de ellos el público tendrá la opción de elegir, a petición del locutor o juglarón del Carro de Comedias.

La obra presenta ocho breves dramaturgias que León Felipe escribió durante su exilio en México en el año de 1961, historias que son descritas o narradas por un viejo juglarón. Empero a ello, cada representación cuenta con tan sólo la mitad de éstas, debido a que la puesta en escena está programada en tan sólo una duración de 90 minutos.

Todos los realizadores de este montaje son jóvenes provenientes de la Escuela Nacional de Arte y Teatro, del Colegio de Literatura Dramática y de Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Son artistas entusiastas que interesados en llevar obras clásicas y contemporáneas se presentan en diversos estados, municipios, delegaciones y escuelas. Incluyen trajes llamativos con gran colorido, pelucas y títeres que alegran la obra junto con algunos cantos, bailes y música en vivo, utilizando castañuelas, una guitarra y un acordeón. Sus nombres son Alicia González, Itzel Raquel Saucher, Georgina Areola/Darinka Olmedo, Vicky de Fuentes, Fabián Varona y Emmanuel Macías Rangel.

Un carromato les sirve a la compañía Carro de comedias de escenario para presentar cuatro cuentos, en el cual utilizan grandes telas a manera de cuadro escenográfico colgados en una de las paredes, las cuales cambian a manera de grandes páginas que atan en el extremo izquierdo, cada que seleccionan una de las imágenes.

Uno de los cuentos se llama La mordida, en donde se narra el encuentro de un joven cuya herencia le cambia a un Señor siervo que halla en su camino y, quien le vende a su hermoso ganso a cambio. La venta parece ventajosa, pues el joven entrega su pequeña fortuna, por un solo animalito. Los juglares, con quienes momentos antes se topara, se burlan de tal hecho. El joven, quien por nombre tenía Simplicio, sólo sabía bailar y pretendía llegar a ser un juglar o consejero del rey y para ello decide ir a obsequiar el ganso a su rey. Éste se encuentra en su castillo con dos servidores de la corona, quienes intentarán sobornar a Simplicio pidiéndole la mitad de lo que su emperador por agradecimiento le entregue.

Otro de los cuentos es La injusticia. Trata de cómo una princesa entrada a la época de su madurez no ha contraído aún nupcias, por lo cual pide a su padre, el rey, le haga casar con un duque a quien ama desde hacía tiempo. Él, tiempo atrás, le prometió esposarla, pero al creer que el rey no accedería ante tal petición, contrajo matrimonio con una infanta buena y amable a quien exigirá el rey ejecutar, por complacer a su hija.

La justicia habla del juicio que presenta Sancho Panza, tras de ser el rector de un condado. Su primer caso consiste en la denuncia de una bella joven, quien asegura haber sido violada por un campesino. Este último dice ser inocente, debido a que la dama fue quien lo sedujo. Por esta razón, Sancho Panza ordena que el campesino le entregue una bolsa con monedas a la joven, para compensarla. Ella, tras de irse el supuesto violador, deberá intentar quitárselas por sugerencia de Sancho Panza, hecho que el campesino no logra aún cuando se esfuerza en quitárselo a la mujer. El rector al darse cuenta de la manera en que la joven se defendió, impidiendo que le quitaran el saco de monedas, decide restituir el dinero al campesino, asegurando que de igual manera la mujer no intentó realmente defender su honra. Éste es en realidad una narración bíblica sobre el justo y sabio rey Salomón, como lo hace saber finalmente el narrador del Carro de comedias.

El cuento Tristán y Anolda narra cómo el amor puede llevar a los sacrificios más extremos a una pareja cuando realmente se quieren. Los pormenores son sorprendentes y llevan a la conclusión de que lo realmente importante es el mantenerse juntos.

Si Usted asiste podrá gozar de cuatro cuentos más, todos ingeniosos y divertidos. La dirección escénica de esta obra teatral se encuentra a cargo de Gilberto Guerrero y se presenta en la Explanada del Centro Cultural Universitario UNAM, los sábados y domingos a las 13:00 horas.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

 Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 El Diccionario, descubre a una mujer excepcional

teatrikando 2                                         Una mujer excepcional, enfrenta una tarea que le lleva toda la vida

Se puede ver en la Sala Xavier Villaurrutia hasta el 7 de agosto; quizá la trasladen a otros foros. El diccionario, estrenada en 2012 en el Teatro de la Abadía de Madrid, publicada hasta 2013, ganó el Premio Nacional de Literatura Dramática en 2014. Habla de la bibliotecaria y lexicógrafa española María Moliner, quien integró el “Diccionario de uso del español”; consideran la obra un homenaje a la figura femenina en la cultura; nos recuerda que la mente y la palabra son los únicos lugares donde existe la libertad.

María Moliner vivió de 1900 a 1981, y ya no la podremos imaginar con otro rostro que el de Luisa Huertas, a quien vemos preocupada por ciertas etimologías y su uso práctico, lo mismo que por surcir calcetines y angustiarse por Francisco Franco, de poder soberano. Es innecesario decir que en ocasiones el “uso práctico de ciertas palabras como legalidad, democracia, justicia, equidad” son entelequias cubiertas con maquillaje lingüístico; sus conceptos sólo viven en el papel, al llevarlas al mundo hablado cambian y en la realidad son traicionadas.

La actriz interpreta a una filóloga y lexicógrafa que dedicó su vida a terminar el Diccionario de Uso del Español (DUE); afirmaba el personaje que era imposible terminarlo, pues el lenguaje cambia frecuentemente. La escenografía son las fichas que ha escrito y los pasillos que transitan están flanqueados por kilos de papel que contienen sus definiciones y exploraciones de la lengua; curiosamente, entre más escritos ha reunido, más va creyendo que pierde la memoria o sufre arteriosclerosis. Así, como ama las letras, así ha amado a su familia y algo muy parecido a los celos surgen en su esposo, interpretado por Óscar Narváez, ellos se han acompañado toda su vida y lo seguirán haciendo. Roberto Soto e Israel Islas completan el reparto. El médico permite un contrapunto: ¿realmente se deteriora su mente? ¿existe el diccionario del que habla? ¿alguien lo publicaría? Esa es la dinámica para que estemos al pendiente de cada palabra, gesto y doble juego de María Moliner. El método narrativo permite estar informados de su vida familiar, cuidados domésticos y la cercanía de la vida académica con el extraño poder que ejerció Franco. No le puedo contar todas las reflexiones que surgen al recibir los impactos de esta mujer que se mete en nuestra construcción de ecos e imágenes, por ello debe verla. La sala Villaurrutia esta atrás del Auditorio Nacional.

Sánchez Huerta, una reflexión necesaria

 teatrikando 2a                                         Roberto Sosa y Ana Karina Guevara en “La tragedia de ser perfecto”

En el Foro Milán de la colonia Juárez vimos a Roberto Sosa, Ana Karina Guevara, Mónica Dionne, Damayanti Quintanar y Socorro Miranda, quienes dan vida a un texto de Claudia Ríos. Brillan Ana Karina, Damayanti y Roberto, que tienen mayor peso en cuanto a diálogo y descubrimientos. La escenografía es bella, parece un capricho para meternos a un salón de clase, flanqueado por pasillos, salas, donde pueden tener espacios juntos-separados. Nos cuenta una historia como es posible haya muchas: una niña perfecta, un padre que se va, una madre poco afecta a visitar la escuela de religiosas, y un fatal desenlace. Sí, no es frecuente escuchar en los colegios acerca de suicidios, pero hay niños-jóvenes-adultos que sin darse cuenta un día perdieron su destino. Buen trabajo individual y grupal, dirige Benjamín Cann.

 

TEATRIKANDO, LA CRÍTICA TEATRAL EN MÉXICO

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Libro sobre La Crítica Teatral en México

*¿Qué opinaron los expertos?

*Benjamín Bernal llena un hueco editorial

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Presentó libro Benjamín Bernal en Bellas Artes

El 25 de julio cayó una tormenta, el Palacio de Bellas Artes desaparecía del panorama por momentos, sepultado por las ráfagas de lluvia; a las siete de la tarde debía iniciar la presentación del libro La Crítica de Teatro en México en la sala Manuel M. Ponce. A las 7:15, ante setenta amigos dio inicio el programa: video con un breve recuento de actividades de la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT), de donde Benjamín Bernal es Presidente; los siguientes minutos serían para escuchar a los presentadores de su tercer libro: la maestra Maricela Lara, el primer actor: Juan Ignacio Aranda y Jorge Ortiz de Pinedo: productor, director y actor. Condujo la mesa el maestro Alfonso Villarreal, curador de la Galería Veracruzana de Arte.

Cada uno usó diferentes enfoques: la maestra Lara encontró que es un excelente libro de texto, útil para quien estudia periodismo, tanto como para los teatristas, pues le calificó de entretenido y ligero. “Hace un repaso general del periodismo, del teatro, su evolución”, recordó anécdotas de Ignacio Manuel Altamirano, Guillermo Prieto (Fidel). Recordó que teatro y periodismo han sido gravemente afectados por la política en varias épocas de nuestro país. A los directores, en varios espectáculos a lo largo de su carrera por ser única función, les ha resultado importante que acudan los críticos, sin pensar que sus publicaciones les pudieran proporcionar venta de boletos, son dos temas absolutamente diferentes. Afirmó: “las obras que se anuncian en la cartelera no son todas, hay quizá 500 grupos en nuestra ciudad y todos tratan de sostener un montaje”.

Por su parte, Juan Ignacio Aranda, alabó la revisión histórica que contiene la publicación, como es breve, el lector puede ir haciendo en su mente las notas comparativas; le surgirán los enfrentamientos; confrontación sobre la profundidad, estilo y objetividad que han aplicado a lo largo de las décadas. Opinó como el resto del panel: si habla bien de la obra, es buen crítico, si no, todo lo contrario. Coincidió con la maestra Lara, este libro deben leerlo los estudiantes y críticos en formación.

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“La crítica es importantísima en el teatro de todo el mundo, aunque sean los más odiados del planeta, porque si habla bien de ti, es muy bueno y si no…” afirmó Jorge Ortiz de Pinedo: “Bernal habla del pasado, del presente y del futuro, porque señala en sus páginas que está creciendo el número de periodistas cibernéticos que emiten su opinión; esto lo percibimos al navegar por la red; el libro servirá para que vayan teniendo mayor profundidad y sustento teórico”. “El autor de este libro describe y reconoce que es su punto de vista, no la verdad absoluta, que le hubiera gustado esto o aquello, se documenta y menciona a todos los que intervienen en una obra, parece mentira, pero es algo fundamental para una verdadera crítica”. “Cuando llenan sus espacios con palabras rimbombantes, se convierte en otra cosa; si la hiciera entendible sería un halago para el actor, director o escenógrafo y verdadera comunicación”.

La sala se había ido llenando, ocuparon un lugar de honor: Miguel e Irene Sabido, José Solé, Alonso Sordo Noriega, Mario de la Reguera, René Cervantes, Diego y Paco Rabell, Emireth Rivera, Elaine Haro, Humberto Morales, Fernando Santos, casi se había llenado la histórica sala a pesar de la lluvia que no paraba, a las ocho treinta se declaró cerrada la reunión literaria.