Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

PROYECTO FAUSTO (DISTINTOS NIVELES DEL INFRAMUNDO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imágenes tomadas de Facebook

 

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Una odisea por los distintos niveles del inframundo es lo que el espectador encontrará en PROYECTO FAUSTO, un enfrentamiento teatral con el poder en todos los sentidos, desde el ejercido por un ser humano sobre otro; el económico, mantener a un bueno para nada a cambio del placer sexual, sin importar no haya amor de por medio; el poder sugestivo de la brujería; cuestionamientos sobre la fe, creer en qué, tal vez en nada. Como Fausto, inmortalizado en la literatura por Goethe, vender el alma, la existencia al demonio, firmar un contrato con sangre, adquirir la obligación de…

 

El texto es autoría de Rolando Jara (Chile), proyecto y dirección general Juan José Alavarrieta y dirección general Pilar Couto. Tengo entendido Juan José falleció previó a la concretización escénica y entró al quiete Pilar; de hecho parte de las cenizas mortuorias de Juan José serán esparcidas en México. El estreno mundial se llevó a cabo en el Goethe Institud de Chile.

 

Un texto alternativo, de búsqueda, experimental en el buen sentido del término, apartado de lo común y corriente, fuerte, inclusive violento en varios aspectos, irreverente y al mismo tiempo un culto al teatro, un desnudar a los dramaturgos, sobre todo sus frustraciones. Pesimista, todo negro, la dignidad sucumbe para los protagonistas, asumir el oficio de hacer lo que el otro (a) quiere; escribir con la finalidad de vivir y comer; nunca alcanzar el arte, la verdad ni a Dios; desear en secreto a una niña de 16 años de edad; necesidad de drogar; rostro desfigurado y cuerpo inútil; sociedades secretas…

 

Un escritor -reencarnación de Fausto- dice estar en la búsqueda de la obra para consagrarse, a su alrededor gira toda la trama; en forma paralela un director y un dramaturgo planean un texto. La interrogante es quién escribe, el personaje o el dramaturgo, ambos se reescriben, anhelos, complejos, entre alcohol e inseguridad existencial.

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La dirección propone un ritmo semilento, con algunos exabruptos, coreografía eróticas. Una escenografía sugerente de los niveles del inframundo, mobiliario de tipo modernista. Vestuario híbrido, intemporal, mezcla de todo y nada, máscaras. El aspecto actoral fundamental, camina en forma paralela con la oralidad, desplazamiento escénico de seres vivos o tal vez espectros, ¿existen o no?, quizás sólo en el imaginario de los asistentes. En dos rubros falta imaginación para jugar con el fondo: la iluminación y la musicalización, a ambas se les podría sacar mayor provecho en beneficio del montaje.

 

Estos seres infernales o espectros se materializan con Marcela Rigoletti, Meraqui Pradis, Tomás Rojas, Gutemberg Brito, Verónica Contreras, Roldán Ramírez y Horacio Trujillo. Interacción con Chile, oportunidad de contactar, palpar con otras latitudes latinoamericanas. Siete actores dan vida a un proyecto por demás interesante, atractivo, el público puede sucumbir ante él para bien o para mal, además de degustar anís servido en tubo de ensayo.

 

PROYECTO FAUSTO, tiene lugar en el averno en que se transforma La Gruta del Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), los jueves hasta el 1 de septiembre, a las 20:30 horas.

 

 

 

PASAJERAS DE LA VIDA (RECUERDOS DE LA NIÑEZ, DE LA FAMILIA, DE LA VIDA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página de Facebook de Avatares Compañía Teatral)

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Recordar es vivir, somos nuestro pasado, el presente es efímero, el futuro sólo esperanza. Dos hermanas establecen contacto epistolar, una le comunica a la otra la cercanía del deceso de su madre. Añoranzas de la niñez, de la familia, de la vida de ambas, de cómo marcó su devenir existencial, las influencias recibidas, frustraciones y alegrías, envidias y amores; confesiones, infidelidades, cinismo, librarse de una maldición que conlleva a la liberación. Nueve mujeres nos adentran por su intimidad a través de la interlocución de las hermanas, una visión por medio de los ojos de dos seres, más que juzgar narran con sus diálogos.

 

Lo anterior acontece en PASAJERAS DE LA VIDA, de Rubén Pires, bajo la batuta de Manuel Gómez Becerril al frente de Avatares Compañía Teatral, procedente de la ciudad de Querétaro. La agrupación ofreció una función en el Foro Contigo América, oportunidad para entrar en contacto con el quehacer teatral de esa urbe, misma que cada día se enriquece con el surgimiento de nuevos grupos independientes.

 

El texto va de menos a más, inicia con diálogos cotidianos, superfluos, triviales (salvo opinión en contrario), a medida que transcurre va profundizando en los diversos temas, casi filosofando, sobre el tiempo, por ejemplo. Una mezcla de amores y odios; mujeres siempre en forma fatal condenadas a la soledad; nueve idiosincrasias, en alguna reflejados cada uno de nosotros, aún los varones.

 

No conocía el trabajo de Manuel Gómez Becerril. Acepté su invitación, él asumió el riesgo de mi opinión, desde ese hecho llamó profundamente mi interés, son muchos lo que me evaden, la verdad no sé bien por qué, el teatro es parte esencial en mí, es más lo que me gusta que lo que me desagrada, si no para qué ir. Después de este desvarío mental, sigamos con Manuel. En esta propuesta demuestra talento, imaginación no sólo personal sino provocarla en el público, capaz de convertir una escalera metálica, de esas utilizadas por los pintores, entre otros; la convierte en múltiples objetos, lo más importante en lugares e increíble en un vehículo de emociones. Escenografía sencilla, muebles y utilería, en apariencia no tiene relación, unidad entre sí, cobran razón de ser con la historia de cada una de las mujeres.

 

Aún con las limitaciones técnicas del espacio, ideó una excelente iluminación a pesar de medio abusar de la penumbra. La palabra, las ideas son fundamentales para él, así como la importancia dada al aspecto actoral. El pero, cuando los personajes de la niñez hablan como bobas, esto lo debe superar porque hasta Chabelo es ya historia. Si bien el recurso no es nuevo, acertadamente los cambios de vestuario para dar paso a cada personaje se hacen frente al público. Falta un poco de musicalización para resaltar estados de ánimo y situaciones, bueno desde mi consideración personal. El trazo escénico es idóneo, desplazamientos cuando se requiere, el mismo lugar en torno a una mesa según las necesidades del texto. Logra que el simbolismo, de las cerezas por citar uno, adquiera sentido. No estoy refiriéndome a una obra de arte, más bien a un montaje digno, una muestra de cómo con voluntad y sin mayores recursos económicos se logra hacer del teatro una expresión social y trascendente.

 

Berenice Acosta y Paulina Quetzallin encarnan a las nueve mujeres (desde la niñez hasta la ancianidad). escenas buenas, regulares y para el olvido. Mucho entusiasmo, algunas carencias de formación. Sin embargo, considero Berenice tiene facilidad para esta profesión, está en edad para seguir preparándose y destacar en este medio tan competitivo. Habrá una nueva oportunidad para apreciar e Avatares Compañía Teatral, el sábado 30 de julio, a las 19:00 horas, en el Foro Contigo América (Ciudad de México), con la puesta en escena EL DIPUTADO.

 

 

 

LAS AVENTURAS DE PERICLES (STRATFORD FESTIVAL EN EL LUNARIO)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de la puesta en escena Pericles, de William Shakespeare, con la compañía  Stratford Festival

(Tomada de la página de Facebook de la agrupación teatral)

 

Pericles

 

 

Los amantes del teatro del teatro de excelencia de la Ciudad de México tuvimos la oportunidad de admirar una excelente puesta en escena, en el Lunario, LAS AVENTURAS DE PERICLES, de William Shakespeare, a cargo de Stratford Festival. Esta agrupación, con sede en Ohio, Estados unidos, ha establecido los estándares para el teatro clásico estadounidense por más de 60 años. Con las obras del Cisne de Avón como esencia, esta aclamada compañía presenta temporadas anuales de siete meses con al menos una docena de producciones en cuatro recintos con los que cuentan, además organizan actividades paralelas para enriquecer la experiencia de acudir al teatro.

 

Puesta en escena del director Scott Wenworth. Una pasarela por donde transitan múltiples personajes. Propuesta netamente minimalista, sólo una vitrina con cráneos en la primera escena y una cama en otras subsecuentes. Un vestuario elegante, costoso, de gran manufactura -inclusive creo elaborado a mano por expertos en este rubro-, exquisito, nada relacionado con la época de la historia, con estilo, claro para la nobleza y allegados; no precisamente harapos, pero si hay diferencia, obvio, con la vestimenta del pueblo, marinos y piratas. Música original (Paul Shilton), excelsa iluminación (Kevin Fraser), peleas con espada muy bien logradas; incorporación de canciones. El único pero es la voz melosa de Marina, empalaga, peor que comer azúcar a bocanadas. Hay un efecto de un barco, apantallante, logrado con base a la iluminación, movimientos corporales y una simple soga, en verdad impactante visualmente, más si se parte de la sencillez de los elementos para crearlo. Da la importancia a los toque de humor.

 

Las actuaciones son de primer nivel, de alta escuela, a leguas se ve la formación -nada es improvisado- que respalda a cada uno de los integrantes. En los roles principales: Evan Buliung (Pericles), Devorah Hay (Taisa y Marina), Wayne Best (Antíoco), Sean Arbuckle (Cleón), Claire Lautier (Dionisa), entre otros incontables participantes en el montaje.

 

Pericles, príncipe de Tiro parte a Antioquía para pedir la mano de la hija del rey, debe resolver un acertijo para conseguirla , de no hacerlo morirá. Lo logra y descubre el incesto del monarca en contra de la princesa. Huye en tanto brinda ayuda a un pueblo hambriento. Continúa su navegar, naufraga, arriba a Pentápolis, ahí gana un torneo, se le concede la mano de Taisa, hija del rey Simónides. Es atrapado por una tormenta, su esposa da a luz en esos instantes; cree que muere en el parto, deposita su cuerpo en el mar: Lleva a Marina, su recién nacida hija a Tarsos para le sea cuidada, donde ella años después salva la vida tras una pretensión de ser asesinada. Es vendida en un prostíbulo. Taisa en realidad no ha muerto. Al final hay un reencuentro: Pericles, Taisa y Marina. Como decimos, el típico “Happy end”.

 

Estas proyecciones digitales que se llevan a cabo en el Lunario, con subtítulos en español, son una opción para deleitarse con grandes producciones de otras latitudes, como en el caso del ciclo LO MEJOR DE SHAKESPEARE. Las próximas citas con la compañía Stratford Festival, en la misma sede, serán el 14 y 15 de agosto, a las 18:00 y 20:00 horas, respectivamente. La obra en turno será LA FIERECILLA DOMADA.

 

LA MÁQUINA DE LA SOLEDAD

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

Es una obra teatral documental, perteneciente al género del “Teatro de Objetos” qué esta basada en narrativas, tanto escritas como en testimoniales.

Las cartas y escritos fueron adquiridos por mediante algunos donantes, quienes las obsequiaron con el objetivo de que dichos documentos sirvieran a los realizadores  de ésta puesta en escena, denominada MÁQUINA DE LA SOLEDAD, para la realización escénica.

Sus creativos son Shaday Larios y Jomi Oligor. Ambos utilizan dichos testimonios en la presentación de distintas historias, utilizando para ello maquetas y pequeños objetos que muestran por separado, dependiendo de cada narración.

Los testimonio tienen como referente los inicios del siglo pasado, así como la década de los 60’ y los 70’s, armonizando la presentación con música original de la época.

Su objetivo es impresionar al espectador, con narraciones de la vida real en la que se incluye por ejemplo, la llegada de una pareja de mexicanos a tierras estadounidenses, en la cual describen las peripecias y descilusiones vividas por ambos.

La cercanía que se logra loscreativos con su público se debe a que todo transcurre en un ambiente escénico cerrado, semi oscuro.

La cercanía a la escenografía y el efecto de la iluminación es en base a la maqueta o a los pequeños objetos que encierran la historia y que muestran por partes.

Son maquetas que van desde una casa habitación, hasta la presentación real de algunos objetos que la madre de uno de los personajes poseía; o bien, la imitación de colonia Correspondencia en miniatura, colonia cuyo nombre fue otorgado, dicho sea de paso, por la cantidad de correos que ahí han ido funcionado.

Los carteros, por supuesto, también son parte de la narrativa de LA MÁQUINA DE LA SOLEDAD.

El día de hoy se presentará la escribana Frida Robles, con la finalidad de debelar una placa, pues la obra aún cuando el día de ayer, jueves 7 de julio, tuvo apertura en el teatro “El Galeón” del Centro Cultural del Bosque, en realidad cumple sus cien representaciones, a lo largo de dos años que sus creativos la han ido presentando en espacios españoles y mexicanos.

Frida es una mujer quien durante los últimos tres meses se ha dedicado a investigar acerca del “Amor”. Su inquietud surgió a raíz de trabajar como escribana de cartas de amor, en la Plaza de Santo Domingo. Esto fue lo que motivo a Shaday y Jomi a invitarla para tal efecto.

Tanto el INBA como la Secretaría de CULTURA producirán LA MÁQUINA DE LA SOLEDAD de jueves a domingos, hasta el día 17 del presente mes.

 

LA COLABORACIÓN (LA CREATIVIDAD DE STRAUSS Y ZWEIG)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Fotos (Tomadas de la página de Facebook de la Compañía Nacional de Teatro)

 

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LA COLABORACIÓN nos acerca al trabajo conjunto en el rubro operístico desarrollado por Richard Strauss y Stefan Zweig. El primero fue un gran director de orquesta; utilizó los efectos orquestales, logrando un realismo descriptivo insuperable (F. Cataño). Entre sus obras más destacadas están: SALOMÉ, DON QUIJOTE, SINFONÍA DE LOS ALPES y LA MUJER SILENCIOSA, en torno a ésta última gira la trama que hoy nos convoca. El segundo es conocido por las magistrales biografía escritas en forma novelada, entre ellas las de María Antonieta y María Estuardo, además de la gran novela -una de mis favoritas- VEINTICUATRO HORAS EN LA VIDA DE UNA MUJER.

 

Ambos hicieron una mancuerna insuperable, uno como compositor, el otro como guionista. El destino los unió y los separó; uno alemán (ario) el otro austriaco (judío); uno vivía para la música, el otro idealista y pacifista; uno es “agraciado” por el nacismo (bajo amenaza en contra de su nuera quien era judía, por tanto sus nietos llevaban esa sangre); es nombrado presidente de la Cámara de Música del Reich, contra su voluntad acepta. Zweig es censurado, su libro MOMENTOS ESTELARES DE LA HUMANIDAD es mandado a la hoguera; finalmente junto con su pareja opta por el suicidio.

 

Mencioné que el destino los desunió. Hitler decreta, ninguna obra creada o en la que haya colaborado un judío podrá representarse en los teatros alemanes. Strauss se solidarizó con su amigo y guionista, a la postre pago las consecuencias. En concreto es la anécdota de LA COLABORACIÓN, de Ronald Harwood. Si bien el tema central gira en torno a los dos creadores, en el fondo hay mucho del sufrimiento de los judíos provocado por los náciz, aquellos encarnados por Zweig. El texto inicia en forma “floja”, tarda en concretizarse el conflicto, de hecho el segundo acto es infinitamente superior al primero.

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Sergio Vela es el responsable de la puesta en escena y la versión castellana. La verdad no recuerdo, por lo mismo no sé si haya ocurrido, ningún montaje teatral a su cargo, para mí su medio natural es el musical, por ello me sorprendió gratamente su propuesta. Dos horas y media se esfuman a pesar de lo pausado del desarrollo; ágil en el sentido de capturar la atención de la audiencia, aprovecha al máximo los toques de humor. Apoyado con el talento de Alejandro Luna, la escenografía y la iluminación son de gran exquisitez , sobrias y elegantes, realistas; lo mismo se puede decir del vestuario diseñado por Violeta Rojas. Curiosamente el director es músico, uno de los protagonistas gran director de orquesta y el compositor más importante de su época, sin embargo, no hay musicalización de por medio; hay un piano en el escenario, adquiere más un carácter simbólico que real.

 

Extraordinarias actuaciones, literalmente, de Juan Carlos Remolina (Strauss), Diego Jáuregui (Zweig) y Renata Ramos (Pauline Strauss), cada uno con sus características personales encarnan, se posesionan de los personajes, sufren con ellos. Juan Carlos y Diego ya no son novedad, montaje tras montaje no sorprenden, confirman ser de los mejores, insustituibles del quehacer teatral, fundamentales del elenco estable de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), productora del montaje. En un rol circunstancial Mariana Gaja y breves intervenciones de Andrés Weiss y Ricardo Lea, por cierto este último apartado del concepto general, sobreactuado y nada convincente.

 

“La política pasa, el arte permanece”, expresa Zweig, ¿Serpa así siempre? Lo cierto, la CNT lo espera en su sede, Francisco Sosa 159, Barrio de Santa Catarina, Coyoacán (Ciudad de México), de jueves a sábado a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas, hasta el 7 de agosto. La entrad es libre, cupo limitado, para reservaciones entrar a publicos.cnteatro@inba.gob.mx

 

ESPERANDO A GODETTE (ALEJANDRO BRACHO DESTROZA LA OBRA DE BECKETT)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía Tomada de la página de Facebook de Alejandro Bracho

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Son contados(a) quienes poseen talento para crear, incursionar con éxito en alguna de las múltiples expresiones artísticas; muchos con la “capacidad” -consciente o inconsciente- para embaucarse en propuestas fallidas, instrascendentes, verdaderos insultos al arte. Alejandro Bracho destroza -literalmente- una de las obras más relevantes de la dramaturgia universal, pilar del teatro del absurdo, ESPERANDO A GODOT, de Samuel Beckett (1906-1089, Premio Nobel de Literatura 1969), mediante una adaptación donde los personajes -cuatro de ellos- son caracterizados por mujeres -ninguna novedad-, el quinto por el propio Bracho, quien en su calidad de todólogo asume la dirección. Esta mal lograda versión se intitula ESPERANDO A GODETTE. Por cierto alguien debería decirle al “ilustre maestro” Bracho que Beckett se escribe con doble te, no con una como está en toda su publicidad, sólo que su adaptación incluya el nombre.

 

El texto -“adaptación”- se caracteriza por su vulgaridad, lenguaje soez creyendo con eso provocar la risa; irreverente, el original recortado impunemente, se entiende no es obligación respetar el hilo conductor y el desarrollo en forma estricta. Sin embargo, queda la inquietud de admiración: ¡Qué manera de destrozar una obra clásica!

 

Si la versión de Bracho es lamentable, peor la puesta en escena. Su “dirección”, por llamarle de alguna forma, realza lo prosaico, carente de estética, el lenguaje -gran número de groserías sin ningún sentido dramático- parece emanar de bocas de carretoneros no de personajes teatrales. Los “protagonistas” se dan largos besos de boca a boca, se fajan ante el público, no es adoptar una falsa moral como espectador, es sentirse ajeno a lo prosaico. Se debe reconocer más de alguno se divierte con lo que para mí es un verdadero bodrio; sin ritmo, las actrices con un volumen de voz de confesionario, no transmiten emociones -culpa del susodicho- más bien provocan pena, a tal grado es la vulgaridad que en un fragmento se lleva a cabo un juego en donde ambas protagonistas se dicen de groserías, ¡vaya forma de entretenerse!

 

Morganna Love, Ana Dizain, Isabela Sánchez-Mejorada, Carilú Navarro y Alejandro son los responsables de la deplorable puesta en escena y sin lavar responsabilidades las cuatro primera son víctimas; en realidad, por lo expuesto, Alejandro debería ser el último en dedicarse al teatro. Si salir a medio vestir con un cuerpo que nadie le puede envidiar y con un super pene adherido a su calzoncillo con el que vulgariza -reiterar la palabra es obligado- no sólo el personaje, creo Bracho pierde la dignidad y al primero a quien le falta al respeto es a él mismo.

 

ESPERANDO A GODETTE, para quienes se animen o los motive el morbo, pueden perder su tiempo en Traspatio Escénico los sábados a las 19:00 y 21:00 horas, hasta el 10 de septiembre.

 

EL DICCIONARIO (EL CONOCIMIENTO ES LO QUE DA LA LIBERTAD)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto tomada del facebook de la Compañía Nacional de Teatro

El diccionario

María Moliner, una mujer incansable, tenaz y obsesiva con el objetivo que se fijó, le llevó 15 años de su vida, elaborar el DICCIONARIO DE USO DEL ESPAÑOL. Consideraba el conocimiento como el medio para alcanzar la libertad y en cierta forma la igualdad. Manuel Calzada Pérez le rinde un homenaje dramatúrgico a través de EL DICCIONARIO, el fondo, resaltar la idea de la insigne diccionarista de llevar a la gente por los recursos del idioma castellano con la finalidad de expresarse correctamente, como comunicarse con las palabras adecuadas porque se conoce su etimología (origen) y significado.

 

La connotada licenciada en Filosofía y Letras se rehusó abandonar la Península Ibérica después de que Franco asumiera el poder. Soportó el embate en su contra; durante la época de la República fue directora de Bibliotecas de España, al término de la guerra civil fue degradada al cargo de archivista. Nada la doblegó, dos tomos, alrededor de tres mil páginas, conforman el citado diccionario, considerado por Gabriel García Márquez como el mejor, incluso del de la Real Academia de la Lengua Española.

 

La biografía dramatúrgica, hechos reales y una penetración -desde la perspectiva del autor- a la mente, el sentir de una mujer víctima de la arteriosclerosis cerebral, condenada a perder la memoria. Por momentos roza con el documental, la estructura es aristotélica -seguramente el dramaturgo no comulgará con la idea-, lineal de principio a fin, con una conclusión más que obvia, lo cual es irrelevante lo importante es el fondo, el lado humano de María.

 

La puesta en escena fue encomendada a Enrique Singer, quien se caracteriza por un estilo tradicionalista, conservador, clásico si se quiere, no asume riesgos, sin embargo efectivo en sus propuestas, siempre atrapa a la audiencia, mantiene ritmos ágiles, tonos acordes a la psique de los personajes. En esta caso sobresale su manejo de los diálogos de la protagonista, intercalados con el público, entre ella con su doctor, su esposo y un militar franquista. Su montaje se desarrolla en medio de una escenografía hiperrealista, con una pared construida con fichas,(donde María realizaba sus definiciones, una por cada palabra), misma que se va derruyendo junto con el devenir de la protagonista, a la vista quedan el consultorio clínico y su espacio de trabajo en su hogar, diseñados por Auda Caraza y Atena Chávez; vestuario de Estela Fagoaga; iluminación de Víctor Zapatero y música original de Antonio Fernández.

 

Un elenco de un nivel digno de la Compañía Nacional de Teatro (CNT) -productora de la puesta en escena-, encabezado por Luisa Huertas (María Moliner), Óscar Narváez (esposo), Roberto Soto (Neurólogo) e Israel Islas (varios personajes). Luisa maravillosa, habla desde lo más profundo de su alma, cada palabra, frase o concepto quedan perfectamente claros, a pesar que el texto incursiona por momentos en lo didáctico; una primera actriz, el teatro se le da en forma innata, su naturalidad y presencia escénica son impresionantes. Óscar -un gran actor- en esta ocasión tiene una participación, su personaje- más modesta que en otras propuesta de la CNT, sin embargo, no es motivo para deja de reconocerle su capacidad y talento. Por su parte,Roberto -a quien he tenido oportunidad de seguir desde sus inicios- es un consagrado de la escena, su papel no tiene un solo pero, compenetrado con el doctor y el valor intrínseco en el devenir de María. Israel con intervenciones circunstanciales, valorando su intervención como militar franquista.

 

El mejor homenaje que se le puede tributar a esta excelsa luchadora en la defensa y promoción del correcto sentido y significado de nuestro idioma, es acudir a la sala Xavier Villaurrutia, Centro Cultural del Bosque (Ciudad de México), a las 20:00, 19:00 y 18:00 horas, jueves y viernes, sábados y domingos, respectivamente, hasta el 7 de agosto.

 

 

TERROR Y ASCO. VIDA PRIVADA DE GENTE FELIZ. POSTALES ALEMANAS

TERROR Y ASCO. VIDA PRIVADA DE GENTE FELIZ. POSTALES ALEMANAS

Por Dalia María Teresa De León Adams

El objetivo en torno a la cual está escrita esta obra teatral es el cuestionarse respecto a el porqué existe el antisemitismo, el racismo y la xenofobia en la sociedad alemana, de manera tan recalcitrante.

Perspectiva que se presenta bajo el punto de vista de Dirk Laucke, su escritor, quien intitulara a su obra acorde con una previa investigación que incluyó alguna  correspondencia entre la gente en Alemania, así como el comportamiento de su sociedad.

Furcht und Elend im Dritten Reich que en español significa Terror y miseria del tercer reich, fue su título original.

En México aparece traducida como Terror y asco. Vida privada de gente feliz. Postales alemanas, resumiendo con ello su trama.

Esta obra no es una historia a seguir, sino una serie de lecturas dramatizadas, ocasionalmente actuada, sobre alguna correspondencia entre la gente en Alemania.

Por otro lado, es un acercamiento a la idiosincrasia y forma de vida del grueso común de su gente. De tal modo que pudimos presenciar diálogos estructurados específicamente para no tener seguimiento, así como una simulación de diversos cuadros escénicos inexistentes, debido a ser descritos únicamente de manera oral.

En el reparto estelar estuvieron, el mismo Damián Cervantes, Diana Magallón, Héctor Hugo de la Peña, José Rafael Flores y Maricarmen Ruiz.

La escenografía estaba conformada por diversos bloques de pasto que uno de los personajes constantemente cambiaba de lugar y una pantalla televisiva, que alternaba con imágenes acorde con los diálogos.

Una mujer obesa constantemente consumía palomitas y bebía cerveza con el resto del reparto estelar, intentando simbolizar el cotidiano consumo excesivo del alemán por dicha bebida.

Esta obra no solamente explica la xenofobia, el racismo y el antisemitismo, sino que al mismo tiempo, al intentar hacer una reflexión sobre el porqué de ello, el autor sin darse cuenta presenta una crítica severa al comportamiento alemán.

La puesta en escena fue con base en la traducción de Sven Olsson, bajo la dirección artística de Damián Cervantes y la producción ejecutiva de Vania Sauer.

Esta obra es una de las que ha formado parte al Encuentro de Dramaturgia Contemporánea Alemana en México nominado: Theater Welt, que se ha ido presentando en los foros del INBA desde el día 13 de junio y, que terminará su temporada el día domingo 10 de julio, con entradas gratuitas, en coproducción con La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de las Bellas Artes.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

 Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Homenaje a Paco Rabell en la Ciudad que lo vio nacer

teatrikando 1                                                               Paco Rabell en un patio repleto de aficionados

Hace muchos años que visito El Corral de Comedias de Querétaro, en cuanto supe que le darían un homenaje en la Casa de la Cultura, que fue de su abuelo (en Cadereyta, Qro.) dije: tenemos que ir a reportear. El presidente municipal, León Enrique Bolaño, esposa y funcionarios, acudieron para entregar presea y regalos a Don Paco, hijo predilecto de esta bella ciudad. Nos contó que en el centro político estuvieron dos casas, una donde vivió su niñez, otra que le vio nacer. Así de emotivo resultó acudir a Cadereyta de Montes, a pocos kilómetros de la bella Querétaro.

Vimos: Se casó Tacho con Tencha la del ocho, que rinde homenaje a la mexicanidad y, claro, a Chava Flores; con este trabajo han dado la vuelta al mundo: España, Francia, Alemania, Norteamérica y otros países les han invitado para demostrar que el humor mexicano es universal. Escuchamos otra noticia digna de difusión: han sido seleccionados para el Primer Certamen Nacional de Teatro Clásico MX. Esta competencia cultural se realizará en diversos foros, Fuenteovejuna será representada por el grupo que preside Fernando Rabell (nieto de Paco) el 21 de septiembre. El grupo ganador vendrá a la Teatrería de la colonia Roma, lo que constituye excelente noticia.

Además, vimos dos obras de El Corral de Comedias: Se casó Tacho… comedia fársica y Fuenteovejuna, un clásico del Siglo de Oro que ha recibido actualización en cuanto a forma, ritmo, con total respeto al verso de Lope de Vega. Lo disfrutamos en el Corral, que tiene al centro una fuente, misma que fue cubierta con un templete y así ganaron amplios espacios para moverse sin límite bajo las arcadas, instrumentos sinfónicos alternando con sintetizadores. Intervinieron Fernando Rabell Mandujano, Jerónimo Rabell Catalá, Verónica Barranco, entre otros brillantes jóvenes, porque ya están sobre la escena tres generaciones. Deseamos ganen y los veamos en La Teatrería. Felicitaciones a Paco Rabell, que hizo crecer a Cómicos de la Legua y fundó El Corral de Comedias.

Hombres sin Barrera, dirige Alonso Barrera

teatrikando2                                                            Todos quieren casarse… y enseguida divorciarse

En la ciudad de Querétaro crearon La Fábrica, que aprovecha el amplio espacio para hacer un moderno foro, restorán y mesas para tomar café o comer. Ahí se pueden ver Hombres sin barrera y Mujeres con Aura, que aluden a Alonso Barrera y María Aura. La que vimos habla de una despedida de soltero en una oficina promedio, con jóvenes que estudiaron y formaron dentro del standard mexicano, ¿de qué platican? De los miedos naturales, por ejemplo a las chicas, que si bien de dientes para afuera se las quieren comer, en la realidad les urgen consejos y asesorías que a veces son las más falsas del mundo. Nadie entiende a las mujeres (ni ellas mismas) ¿entonces por qué las perseguimos? Hay juegos verbales como los que escuchamos en la calle, dobles sentidos y revelaciones psicológicas; intervienen Alonso Barrera (autor y director), Rodrigo Alatorre, Ramiro Baranda, Bony Barrera, Alan Bremont, Olivia Lara, Romina Reynoso y Andrea Ornelas, para alimentar nuestra percepción de que el noviazgo tradicional está en decadencia, pero qué divertido es reírnos del mismo. Han logrado un gran espacio para las artes; hay fotografía, pintura, conciertos y espectáculos teatrales para encontrarnos con grupos de jóvenes talentosos.

Niño perdido

Me dice Rebeca Moreno, la productora, que es remontaje, bueno, no tuve oportunidad de verle la primera, así que no podré comparar; a veces es muy injusto este tipo de escrutinio, porque cada obra se debe entender en cuanto a foro, actores y director. Así que le puedo decir “sí, me gustó”, salvo algunos detalles. El texto es de Quecho Muñoz, intervienen: Lupita Sandoval, Gerardo González, Quecho Muñoz, José Daniel Figueroa, Crisanta Gómez; se les puede ver cada lunes en el Xola. Había muchas madres de familia, jóvenes y niños, lo que quiere decir que se promueven hacia esos segmentos de población; quizá empezó como libro de autoayuda, mi niño interior y esos conceptos, para convocar a los espectadores a vivir más acordes con su vocación, lo que es difícil. La presencia de Lupita en el primer acto es genial; en el segundo hacen grandes esfuerzos por divertirnos, por momentos lo logran plenamente. El primer acto es superior. El mensaje es totalmente válido; ojalá todos pudiéramos satisfacer nuestros ideales, en ocasiones lo que falta es dinero, apoyo, oportunidades. Le falta algo al segundo acto, pero, los teatro aficionados salen muy contentos, ¡Felicitaciones!

MEDIDA POR MEDIDA (SHAKESPEARE FRENTE A FRENTE)

MEDIDA POR MEDIDA (SHAKESPEARE FRENTE A FRENTE)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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Tercera llamada, inicia la función, entran los actores, dan paso a una coreografía violenta, erótica, entre gemidos, el éxtasis, música en vivo; llega la catarsis, el ambiente adquiere un tono romántico. Es el preámbulo de Medida por medida, de William Shakespeare, en el marco de una temporada denominada Shakespeare frente a frente, en donde se incluye la reposición de Ricardo III, ambas bajo la dirección de Mauricio García Lozano. La primera: “la historia de una justicia que intenta ser ciega, la historia de una tentación irresistible, la historia de un amor apasionado…”; la segunda “es una obra sobre las alianzas impúdicas que se establecen para alcanzar cualquier trono”. (Programa de mano).

Medida por medida transcurre en Viena. Claudio embaraza a su novia Julieta. Existe una ley no aplicada en muchos años, la pena de muerte a quien fornique. El duque Vicentio se va a un supuesto viaje y le otorga amplios poderes a Ángelo, lo nombra su Delegado; éste condena al joven, sin embargo, él comete el mismo delito, tratando de chantajear a Isabela, hermana de Claudio, su virginidad a cambio de una vida.

El poder obliga a quien lo ocupa a ser un tirano; el libertinaje se burla de la justicia; leyes estrictas sin aplicar; un duque usa a otro para aplicar la ley sin que él se desprestigie; una cosa es la tentación y otra caer en ella; perdonar con frecuencia causa dolor sin querer… Son algunas de las premisas planteadas por el Cisne de Avón en este texto, inmerso en varios aspectos de la psicología del poder y la sumisión obligada de los súbditos, sin embargo, hay mucho humor, una comedia para la meditación y, por contradictorio que parezca, para sufrir.

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Mauricio García Lozano, un pilar de la dirección en el ámbito nacional, se caracteriza por ser propositivo, arriesgado y osado, en ocasiones irreverente, siempre con alternativas diferentes, es una garantía en cada montaje. Ubica la anécdota entre el tiempo real en que acontece y el presente, a la postre es intemporal, lo importante es la presentación de los valores intrínsecos del texto. Música en vivo y coreografías finas respaldan el conjunto oral. Escenario tipo pasarela; un templete ubica un tugurio, vestuario casual, se puede decir contemporáneo; la escenografía, mesas y sillas (en un momento pasan a ser percusiones). Relativamente pocos elementos le bastan para una gran puesta en escena, esas que transcurren más rápido que un suspiro. Un gran director, cuando cuenta con un soberbio texto, sabe, intuye, percibe y decide; el broche de oro son los actores, como en este caso; los desplaza por todo el escenario, el ritmo siempre rico y acorde a la emotividad de los personajes, apoyado con una “sencilla” iluminación. Nuevamente nos sorprende en forma grata, un triunfo más en su fructífera carrera. Moderniza, para bien, un clásico que no ha perdido vigencia.

Lo acompañan en esta aventura de comedia negra los actores: Harif Ovalle, Constantino Morán, Daniel Haddad, Leonardo Ortizgris, Carlos Aragón, Ricardo Esquerra, Pablo Chemor, Haydée Boetto, Miguel Santa Rita, Ilse Salas, Paula Watson y Ximena Romo. A todo el grupo se le reconoce su entrega y esfuerzo, sin embargo, destacan Ximena, Carlos, Constantino, Harif y Haydée.

La temporada Shakespeare frente a frente, incluye Medida por medida y Ricardo III, ésta se llevará cabo hasta el 25 de septiembre (se alternan las obras) en el Teatro Julio Castillo (Ciudad de México) hasta el 25 de septiembre, de jueves a sábado a las 19:00; domingos, 18:00 horas. En el mes antes citado habrá algunas funciones a las 12:00 horas, además de las ya mencionadas.