Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

BASTEDAD (CULPABILIDAD, RELIGIOSIDAD, AMOR, SUICIDIO Y POESÍA)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Fotografías de la Producción.

 

Reza el refrán: zapatero a tus zapatos. Lo anterior viene a colación porque el poeta Alejandro Massa Varela se obsesionó, se aferró, con la idea de llevar a escena su “poema dramático” intitulado BASTEDAD. Si bien es cierto existe una historia, inclusive momentos de clímax, hasta el más neófito se percata que carece por completo de una estructura dramática, todo es poesía, valga lo reiterativo, llevado a escena sin resultados positivos.

Tengo entendido Massa Varela ofreció, el poema, a varios directores teatrales, uno a uno se negaron a escenificarlo, hasta que se encontró con Sergio Rüed, director de intrascendente trayectoria por no decir un desconocido en el ambiente. Sin embargo, hay que reconocer es mucho lo que hace con el poema como tal al dramatizarlo, sólo desde la oralidad y poco como propuesta escénica.

El propio Sergio lo interpreta acompañado de Yunuén Flores, ambos declaman sobre la culpabilidad, el amor, el suicidio… todo enmarcado en un ambiente de religiosidad exacerbada, a tal grado que más de algún espectador debe quedar con la sensación de haber asistido a una sesión de catequesis y no a una obra de teatro. Es de suponerse que el poeta es un hombre muy creyente, está por publicar su primer libro, EL SER CREADO, ejercicios sobre mística, una serie de ensayos de filosofía y religiosidad.

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La anécdota, cito: “Es un poema dramático dentro del cual un joven escritor, virgen por convicción, se enamora de una bella prostituta. El deseo, la carne, la pasión, la religión, la muerte y la espiritualidad se entremezclan con la poesía y la escena”. Interesante, en principio, descepcionante en el escenario. Creo, que Rüed o algún otro debió hacer una adaptación, no se puede llevar un poema al teatro tal cual.

El montaje de Rüed se basa más, como ya mencioné, en la oralidad que en lo actoral. Su escenografía se limita a una mesa, actor y actriz giran en torno a ella durante todo el desarrollo, una total falta de imaginación, para rematar finalizan trepados en ella. Iluminación, vestuario y maquillajes elementales. Eso sí, desnudos totales, igual de intrascendentes que lo demás.

En fin, poeta a tus poemas. Por lo pronto BASTEDAD se presenta en Casa Actum, Coyoacán, Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas, hasta el 8 de diciembre.

TEATRIKANDO

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Por Benjamín Bernal, presidente de la APT.

 

Valle Hidalgo asegura: Dulcinea dejó de ser muda

Felipe Oliva comanda el El teatro Enrique Lizalde, frecuentemente tiene invitados del extranjero, hace un año vi un grupo francés que hizo Comedia Del Arte, este 2015 vino una dama española: Valle Hidalgo con un monólogo denomina “Dulcinea toma la palabra” Platicamos antes del montaje y creí entender que hablaba de la lucha hombres vs mujeres, el gastado mensaje del feminismo tardío. Así que acudí para ver cómo enfocaba el tema esta actriz; me fue sorprendiendo gratamente, ya que ella descubre a Miguel de Cervantes Saavedra de otra forma, relata a través de Don Quijote y Sancho deja mudas a Dulcinea y Aldonza que son dos niveles de ficción. Ya sabe usted, Aldonza, sencilla labradora, es real dentro de la novela y Dulcinea del Toboso será sólo ideal mítico para dedicar las aventuras heroicas del Hidalgo. Imagine mito sobre mito.

Platicar con una actriz es labor que lleva horas y si es ibérica más aun. Pero no tuvimos tiempo de extendernos, así que brevemente me dijo Valle Hidalgo: “las jovencitas se han comido entera la mitología de Broadway “en cada mujer hay una buscadora de ranas que al besarlas se convertirán en príncipes, para que ellas un dia se conviertan en Blanca Nieves, obviamente deberán tener a su alrededor siete enanos que las admiren, totalmente enamorados y babeantes” . Con el enfoque que maneja en su obra estoy de acuerdo, no recuerdo otra que haga una narración lateral, a partir de imaginar mentes femeninas que nunca dibujó Cervantes.

Excelente trabajo escénico que va ahora a la Paz, Baja California, estará en la Alianza Francesa; para enseguida viajar a Broadway, en la Black Box Theater de Nueva York. Así que véanla quienes tengan oportunidad, es excelente su texto, dirección y desempeño.

La Anarquista termina temporada en el Milagro

Merece alargar temporada la obra que dirige Enrique Singer con actuaciones de Marina de Tavira y Lisa Owen y escenografía mínima de Gabriel Pascal. Nos recibe un lugar que parece sótano-oficina gubernamental- el interior de una cárcel, sería exacto decir que es una obra con bajo presupuesto para dejar que el verdadero teatro brille y no sea opacado por el chantilly del pastel. Luz natural, escuchamos hablar de ideas religiosas de rabino o de protestantes, hasta llegar a revelaciones de Cristo.

Hablan de algunos textos de juventud de la presa Lisa Owen, que tiene su propio idioma, anotaciones laterales en libros que le han sido confiscados, son incendiarios, revolucionarios, deciden: hay un idioma del colonialismo. Recuerdan ahí que se detonaría el terrorismo: una opción era la izquierda, la oposición, otra era el sistema, o sea, la derecha; la tercera se va adivinando: es la fe. “A los jóvenes todo les es ajeno, por eso se seducen” -He pecado, -¿te has purificado? Exploran: Después de la muerte ¿qué hay? Hay momentos en que actúan sobre pocos registros emocionales-vocales, rara vez explotan, pero vemos grandes cascadas de elocuencia. -Quizá la catarsis le llevó al error- Hay crispamientos/no hay cambios de luces/se turnan en ser débil/fuerte/dominadora/decadente.

Brillan por igual Marina de Tavira frente a Lisa Owen, aunque si hiciéramos una encuesta de salida, seguramente habría un empate, por el dominio de los espacios, voces, tonos, registros, devoluciones de odios. El Texto de David Mamet, merece comentario aparte, no me parece que desde un punto de vista ético-moral-filosófico soporte el interior de esa investigadora-fiscal y la sentenciada, pues religión y ley juzgan-califican-sentencian de manera muy diferente. Ojalá regrese la obra y no sea tan breve la temporada.

Sociedad de Caricaturistas de México cumplió 40 años

El 29 de octubre se presentó mi libro “La Crítica de Teatro en México, pasado, presente y futuro” en el Museo de la Caricatura. Paco Baca presidió la mesa, el es un caricaturista famoso, por lo que la noche transcurrió llena de anécdotas divertidas. Cumplió 40 años la Sociedad Mexicana de Caricaturistas, realizó una semana de fiestas culturales; eso merece espacio aparte, lo comentaremos.

T-TIME (DANZA DE TERROR)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Una de las expresiones escénicas que más me llaman la atención es la danza contemporánea, siempre, al menos la mayoría de las veces, hay un atractivo visual. Sin embargo, al leer las sinopsis en los programas de mano en muchas ocasiones siento me falta imaginación para encontrar la relación entre lo visto y la supuesta narración coreográfica de una historia. Comento lo anterior, aun cuando no hay sinopsis, en razón del espectáculo T-TIME (Danza de Terror), a cargo de la compañía Akto Zero, bajo la dirección de Diane Eden.

La agrupación define su propuesta como:”una obra coreográfica que se inspira en el surrealismo pop que nace en California en la década de los 70s. En este contexto se desarrollan situaciones y personajes que nos invitan a descubrir un universo onírico y a la vez desafiante. T-TIME pretende reunir diversas formas de expresión como la danza butoh, la mima corporal, teatro y danza contemporánea, es así que logra un lenguaje escénico de múltiples lecturas. la riqueza visual y simbólica es parte del contexto y determina el reto escénico. La caracterización de cada personaje es la reflexión de una estética visual traducida al cuerpo”.

Me permití transcribir el largo párrafo anterior porque describe a la perfección lo que por mi mismo no podría hacer. En verdad es como si se echara de todo en una licuadora obteniendo un exquisito manjar. Visualmente el montaje es muy atractivo. El movimiento y expresión corporal se caracterizan por su fuerza y delicadeza; sensualidad; lo macabro presente, gozo y burla ante el sufrimiento. Coreografía, una mezcla sui géneris de estilos, sin embargo, transmiten diversas emociones más allá de la razón; ternura y terror, gracia y “robostismo”.

Por escenografía una mesa, el espacio enmarcado con flores y hojas. Musicalización y efectos sonoros hasta ruidos; lo mismo el trinar de pájaros, campanas, un organillero, canciones, voces en off… Desarrollo y brutales rompimientos. Tres intérpretes, sobre todo en la primera parte, provocando el deleite dancístico; un espectro y uno que… Cambios de vestuario, de personajes, siempre impresionante, el mismo espacio diferentes lugares, las mismas bailarinas diferentes entes. La propuesta gira entre lo abstracto y lo concreto, entre lo ficticio y lo real, a fin de cuentas un espectáculo multidisciplinario. Una loa a la danza contemporánea y a la vez un acto irreverente; desconcertante y emocionante, toda una odisea para el espectador.

T-TIME es interpretado por Griselda Medina, Denirio Pérez, Ambar Quiñones, Marisol Zepeda y Diane Eden. La breve temporada tiene lugar en el Foro Contigo América.

ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS (PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN)

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Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.

Uno de los graves problemas que padecen las expresiones artísticas -ópera, teatro, danza…- en la República Mexicana es la carencia de profesionales, esto es, personas capacitadas en la producción y difusión de las diferentes alternativas que se ofrecen -en muchos casos sólo queda en una pretensión- al público. De ahí la importancia del libro ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS. PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN, (segunda edición), de Marisa de León, forma parte de la colección INTERSECCIONES del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes.

José Antonio Mac Gregor, en la presentación del volumen, expresa que una gran obra de arte puede derrumbarse por condiciones adversas generadas por errores u omisiones del productor ejecutivo. Por el contrario, un espectáculo puede engalanarse, llegar con más intensidad, gracias a un productor ejecutivo talentoso y profesional. Desde su punto de vista está obra será de utilidad para promotores, gestores culturales, artistas, empresarios, funcionarios vinculados al hecho escénico e, incluso, puede interesarle a los espectadores, quienes podrán apreciar mejor las implicaciones de cada evento en su totalidad.

Marisa De Léon sostiene que en la medida en que se profesionalice el ámbito de la gestión y la producción escénica, los resultados creativos serán mejores, los procesos más placenteros, la sociedad se verá favorecida y la cultura enriquecida al contar con productos escénicos y espectáculos de calidad con servicios competitivos que favorezcan el desarrollo y posecionamiento de la escena en el ámbito local, nacional e internacional, porque el productor ejecutivo posibilita que la imaginación y visión artística del equipo de creadores se potencie y no se desvíe.

Por su parte, Silvia Peláez escribió una introducción para el capitulo de la difusión. Comenta es de gran importancia la planeación, la organización y la precisión de las estrategias, tareas y acciones que se realicen, pues sólo así se puede tener pleno control del proceso para garantizar resultados óptimos. Uno de los grandes retos de la difusión para los espectáculos escénicos es capturar la esencia del proyecto, traducirlo en un lenguaje asequible, generar estrategias imaginativas con acciones congruentes y producir una sinergia entre el producto artístico, sus creadores, la campaña de difusión y el público.

El libro esta dividido en dos grandes capítulos; la producción y la difusión. Esta segunda edición, corregida y aumentada, incluye subtemas como los aspectos legales, hace énfasis en un aspecto tan relevante como son los contratos. Algo que lleva al fracaso a muchos grupos y compañías es el desconocimiento del financiamiento y la administración de los recursos; De León ofrece una serie de condiciones y requisitos para alcanzar estos objetivos. Inclusive proporciona estrategias a seguir para la producción de giras y festivales artísticos.

En el rubro de la difusión destacan el proceso y la definición particular para cada espectáculo de los medios, ya sean tradicionales, masivos, digitales, sociales o alternativos. En este capítulo Marisa contó con la importante colaboración de Silvia Peláez.

La presentación de la segunda edición de ESPECTÁCULOS ESCÉNICOS. PRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN se llevó a cabo en el Aula Magna del Centro Nacional de las Artes, con una gran asistencia. Marisa agasajó a sus invitados con vino tinto y esquisitos bocadillos de la cocina griega, al tiempo que plasmó dedicatorias en los libros adquiridos.

TEATRIKANDO

El 43 Festival Internacional Cervantino, a punto de concluir

 Por fin, el Festival más importante de México vuelve a tener su eje en el teatro, como todos sabemos fue el objetivo de Enrique Ruelas al fundarlo; en la segunda semana se pudo ver lo más importante:

Peter Brook trajo El Valle del Asombro, montaje que no vi, pero leí antes y después acerca de la propuesta; habla de un ser “diferente” que tiene una memoria perfecta, nunca puede olvidar, es sinestésica, también puede “sentir” los colores, sonidos, escuchar colores, percibe multidimensionalmente los gustos, de una forma más aguda que usted y yo. Nada le es fácil, en ninguna parte le aceptan y termina en un circo. Esta forma de sentir se debe (según una hipótesis) a la conexión cruzada de algunas zonas del cerebro. Gran trabajo, como todos los de Brook.

 

En el Teatro Principal pude disfrutar de Ubu Rey

 Con el grupo Cheek by Jowl de Francia/Reino Unido, usted recuerda, describe la honesta conducta de los gobernantes que hemos conocido; el que vi a Peter Brook hace más de  20 años eran hombre y mujer de las cavernas, que dan golpe de estado (con un mazaso sobre la cabeza del antiguo Rey) y enseguida sale a recorrer sus propiedades sobre la carreta de cobrar impuestos. En la versión franco inglesa 2015 ubican la acción en una clase social alta, viajamos de la realidad a la mente de los poderosos, mediante algo parecido a una pantomima-danza, en tanto un joven va de un lado a otro con la cámara de video, cuyas imágenes se muestran en la pantalla gigante para espiar las fantasías internas del director, de Alfred Jarry el autor, y de quienes anhelan robar la corona. Es un trabajo redondo que divierte sin dejar de deslumbrar con la metáfora de Jarry, quien la escribió a los 16 años e influyó en el nacimiento del Teatro del absurdo, pues la estrena en 1896, en tanto Ionesco escenificará La Cantante Calva en 1955 y Beckett Esperando a Godot en 1952. Quizá este trabajo tiene reiteraciones y alarga en exceso las tomas de video, pero en fin, así les dio la gana hacerlo. Disfruté mucho el casco de hacer finanzas y cobrar impuestos; así como el trabajo bicolor (vestuario crema y piel humana) en ese contexto cotidiano de quienes se enseñorean y ensañan al dominar al planeta.

 

Vimos en el Teatro Juárez la ópera Motezuma (o Montezuma)

 Se estrenó en 1733 en Venecia, escrita por Antonio Vivaldi, libreto en italiano de Girolamo Giusti, basado en el libro “Historia de la conquista de México, población y progresos de la América septentrional, conocida con el nombre de Nueva España” de Antonio de Solís y Rivadeneyra -1684, Madrid- Ha tenido algunos vuelcos esta ópera, ya que no aparecían el principio del primer acto y un fragmento del tercero.  Lo pudimos ver en el Teatro Juárez con el grupo Antiquo de Italia; interesante el rescate, escuchamos esta visión de la conquista, muy lejana a la realidad ya que su origen es del Siglo XVII, con poca historicidad y mucho melodrama. El detalle de instalar un sarape de Saltillo en el hombro del cantante principal, correctamente vestido de negro, resultaba cómico. Debieron ver los vestuarios de la inglesa que diseño para los personajes de Códice Tenoch hace unos meses. Pero, el rescate arqueológico es digno de aplauso.

 

En la Alhóndiga de Granaditas escuchamos a Antonio Sánchez and Migration

 Jazz de primer nivel. Antonio es sobrino de Ignacio López Tarso, además de ser el musicalizador de la película Birdman. Se esperaba con una especial admiración a este joven que ha iniciado una sólida carrera en el extranjero; es difícil el mundo del jazz, y todavía más problemático si lo intenta en norteamérica.

Aciertos del Festival Internacional Cervantino: volvió a centrarse en el Teatro, vimos alta calidad en los grupos; unió Ciencia y Arte, hubo conferencias de Jorge Volpi y Pepe Gordon, como “La Neurona de Jennifer Anistone”. Desaciertos: exceso de policías, patrullas y motos atendiendo la seguridad, subieron los precios de hoteles, restoranes y taxis, vi menos turismo extranjero que otros años. Bueno y malo: vi mucho preadolescente y menos adolescentes.

TEATRIKANDO

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Por Benjamín Bernal, presidente de la APT.

 

En la Alhóndiga de Granaditas escuchamos a Antonio Sánchez and Migration

 Es un grupo de Jazz en el primer nivel mundial. Antonio es sobrino de Ignacio López Tarso, además de ser el musicalizador de la película Birdman. Se esperaba con una especial admiración a este joven que ha iniciado una sólida carrera en el extranjero; es difícil el mundo del jazz, y todavía más problemático competir en el país del Norte.

La entrevista fue larga y sólo se cortó cuando se dio cuenta que tenía ensayo para probar el equipo de sonido. Le preguntamos: ¿volverás a hacer música para cine o teatro? No es mi ideal, porque se topa uno con directores que no comprenden nuestro trabajo, en ocasiones el primer ejemplo, es el que eligen, pero ya pidieron antes otros diez. Te gustan las presentaciones en vivo: si, pero no como en el bar que están comiendo o bebiendo y nadie te hace caso. Es difícil el medio del jazz: si, sobre todo en la cuna de los grandes, Norteamérica. Hay que vestir los conciertos, ya no son nada más de subirse e interpretar, sino llenarlo de luces, glamour, porque la competencia es muy dura, por ejemplo antes había jazzistas que tocaban con un nivel sofisticado, que solo ellos entendían, pretendían que el público estuviera atento, comparara a muchos y pudiera descubrir por qué debería admirarlo; esos músicos son para conocedores, que en realidad son muy pocos y se extinguen solos.

Ese día llenó Antonio Sánchez la explanada de la Alhóndiga y le seguían pidiendo “otra, otra, otra”

 

Discusión, Corea del Sur

También acudí al Teatro Cervantes pudimos ver “Discusión” del grupo Choe Contemporary Dance, intenta escenificar un juego narrativo acerca de las sociedades occidentales. El grupo es de Corea del Sur, debo contarles: exhibe una disciplinada expresión corporal en cada actor, así como coordinación grupal, quizá un poco fríos. No deja de dar la impresión de que son mentes del otro lado de la lógica aristotélica, queriendo involucrarse con otras posturas estéticas completamente distintas, quizá sea mi mirada sea prejuiciosa, eso sí, hay un profundo dominio dancístico-teatral para viajar a los festivales. Divirtió cuando usaron como fondo unos ladridos de perro, totalmente musicales.

 

En el Teatro Principal pude disfrutar de Ubu Rey

Esto fue con el grupo Cheek by Jowl de Francia/Reino Unido, usted recuerda, describe la honesta conducta de los gobernantes; el que vi a Peter Brook hace 20 años eran hombre y mujer de las cavernas, que dan golpe de estado (con un mazaso sobre la cabeza del antiguo Rey) enseguida sale a recorrer sus propiedades sobre la carreta de cobrar impuestos. En la versión franco inglesa 2015 ubican la acción en una clase social alta, viajamos de la realidad a la mente de los poderosos, mediante algo parecido a una pantomima-danza, en tanto un joven va de un lado a otro con la cámara de video, cuyas imágenes se muestran en la pantalla gigante para espiar las fantasías internas: del director, de Alfred Jarry el autor, y de quienes roban la corona. Divierten sin dejar de deslumbrar con la metáfora de Jarry, quien la escribió a los 16 años e influyó en el nacimiento del Teatro del absurdo, pues la estrena en 1896, en tanto Ionesco escenificará La Cantante Calva en 1955 y Beckett Esperando a Godot en 1952. Quizá tiene reiteraciones y alarga las tomas de video, pero en fin, así les dio la gana hacerlo. Disfruté mucho el casco para cobrar impuestos; así como el trabajo bicolor (vestuario crema y piel humana) en ese contexto cotidiano de quienes se ensañan al dominar al planeta. De lo mejor del 43 Festival Internacional Cervantino.

CONCLUYE EL XI FESTIVAL DE DRAMATURGOS COMUNITARIOS MEXICANOS

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Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro.
 Foto tomada de facebook
El teatro tiene sus orígenes, al menos en occidente, a partir de rituales, de hechos místicos y hasta con una buena dosis de mágico. El Festival de Dramaturgos Comunitarios Mexicanos terminó con éxito su XI edición en Amecameca y Tlalmanalco, Estado de México. Éste se caracteriza por ser el resultado de un taller previo, con una duración aproximada de seis meses, impartido por la maestra Sonia Enríquez, en el que participan personas del pueblo (estudiantes de secundaria y preparatoria, amas de casa, normalistas, empleados, obreros…) esto es, no son escritores profesionales.
Si lo anterior es destacado, tanto o más importante es el hecho de las temáticas: todas basadas o inspiradas en leyendas, mitos, tradiciones que rememoran el México precolombino con sus deidades a partir de una visión contemporánea, la vigencia del imaginario colectivo en la vida cotidiana de nuestros pueblos. En algunos casos las obras son el resultado, al menos de inicio, de hechos reales que se fueron transformando hasta nuestros días y finalmente convertirse, reiterando, en mitos y leyendas, con la salvedad ahora con una estructura dramatúrgica.
Analicemos las propuestas del presente año. Iniciemos por JUU SIWA NAKEO, LA FLOR DEL AMOR, drama legendario yoreme, de Neyra del Carmen Ovando. Una tragedia, una historia de amor con una desastrosa conclusión. En el subtexto se encuentra un conflicto de carácter religioso (bautizados en contraposición con los que no lo están), un sincretismo entre dioses prehispánicos y el Dios de los blancos; también hay una disputa entre una madre posesiva y una joven enamorada. Un texto de buena manufactura, ágil, lineal y desgraciadamente más que previsible la conclusión. Por momentos poético, un canto a la palabra, una historia de amor desde un punto de vista diferente. Se nota que hay oficio, no en vano es la décima obra de la autora.
La puesta en escena a cargo de la Compañía Fusión Escénika, del municipio de Nicolás Romero. La función presenciada se llevó a cabo en el auditorio Sor Juana de la Universidad Autónoma del Estado de México. La impresión es que el montaje se concibió de origen para un espacio abierto, porque los actores en vez de expresarse con buena voz, con firmeza, de principio a fin gritaron. Ernesto Fuertes, responsable de la dirección se valió de un trazo sencillo pero eficaz, explotando el valor intrínseco del texto y las limitaciones, no sólo de voz, de algunos de sus actores.
ESCUELA DE NAHUALES, juguete legendario azcapotzalca, de Édgar Vera Suárez (homenaje póstumo al autor). Obra para niños, combinación de elementos prehispánicos en un entorno contemporáneo. Interesante la anécdota, lenguaje sencillo, lineamiento didáctico sobre lo nahuales, los dioses, la naturaleza y el control de los elementos, luchar y pasar la prueba de la ignorancia sobre tan singulares personajes (nahuales); una mitología.
Miguel Araujo Cid, al frente de la Academia de las Artes, a través de un montaje simple, vestuario híbrido, niños en el elenco, destaca Antuán Axel Chavarría. Un trazo sin mayores complicaciones, nada para resaltar. Bien el empleo de la percusiones y silbatos, le dan ambientación. La propuesta mejoró cuando se presentó en el atrio del Sacromonte.
Mercedes Macías presentó su “juguete legendario” LOS ALUXEX. De estructura sencilla, lineal, conclusión más que predecible. Escenas que se alargan en el planteamiento ya agotado, se diluye la esencia. Sin embargo, es interesante el fondo, la defensa de las tierras, el respeto a los duendes que protegen y castigan. No importa la modernidad, las tradiciones ancestrales, modificadas, perduran, ahí el interés del texto. El montaje quedó fuera de comentario por problemas internos de la compañía Ensamble de Títeres.
Lucy Ceballos, autora de SE DICE DEL CACAO QUE…, presentó una obra de gran estructura dramatúrgica, despierta el interés de principio a fin. Sus personajes bien definidos con relación a sus caracteres, buena inserción de los coros. Plantea con agilidad la lucha y venganza entre los dioses y diálogos acertados entre ellos. El programa la define como una “comedia mítica”, cada uno puede entender por comedia diferentes cosas, no creo tenga cabida en ese género, más allá de eso la dramaturga ofrece un texto idóneo para escenificarse.
El grupo Corpus Teatro (UNAM) bajo la batuta de César Mejía captó a la perfección el sentido de la obra, la agilidad e interés los consiguió en escena, así como todos sus valores. Un vestuario y un maquillaje cuidados, en el caso de los coros hasta alegóricos; una musicalización sutil, lo suficiente para ambientar (percusiones, cuerdas y alientos). Ritmo y trazos dignos de reconocimiento.
EL ENCANTAMIENTO DEL AGUA, autoría de Ricardo Mendoza, posee un lenguaje altisonante, sin embargo, no ofensivo. Hay escenas muy largas, texto de altibajos; un híbrido con relación a los géneros, por momentos se aparta de lo dramatúrgico y cae de lleno en la narrativa.
La puesta a cargo del grupo La Urgencia, bajo la dirección de Daniela Parra, se caracterizó por escenas planas, el montaje tiene algunos aciertos, sin embargo, el elenco muy disímbolo, algunos destacaron otros desmerecieron.
Por otra parte, Hugo Cortés participó con la obra ITZAMNA E IXEL (drama mítico maya), de excelente estructura, manejo ideal de los coros. El conflicto emana de la intriga, derivando en otros rubros como el suicidio; formidable desarrollo de la trama hasta llegar a un epílogo explicativo, pero no didáctico.
Bajo la guía escénica de Hugo Cortés, el Colectivo Zazil (UNAM) convirtió en un deleite la representación, un gran trazo aprovechando al máximo el espacio abierto donde tuvo lugar. Conocimiento sobre la función de los coros, con sus diferentes arquetipos. Percusiones tenues sólo matizando situaciones. Lo mejor del festival.
Concluyamos con LEYENDA ÓPATA DE LA LUNA, de Virginia López Ruiz, melodrama contando una historia con muchas deficiencias dramatúrgicas, más en la narrativa, sin clímax, de hecho inmerso en la cursilería. de lo presentado en el Festival el texto más pobre y menos elaborado.
Si lo anterior es grave, más lo fue la representación a cargo del grupo Teatro Kali, dirección de Zyanya Zamora. Una total falta de imaginación, trazo paupérrimo, a lo que hay que agregar las deficiencias actorales notorias, incluyendo el olvido de los diálogos que llevaron a “tiempos muertos”, no es lo mismo que pausas escénicas. Sin vestuario y un “maquillaje” improvisados.
Esto es en síntesis el resultado del XI Festival de Dramaturgos Comunitaros Mexicanos, celebrado del 22 al 25 de octubre.

KARAOKE (CUENTO MÁS QUE REALISTA)

Por Alejandro Laborie, crítico de teatro.
Édgar Chías forma parte de la generación de dramaturgos mexicanos que rompió con todos los cánones y convencionalismos que predominaron durante la segunda mitad del siglo XX, Se apartaron de la academia y se olvidaron de lo géneros tradicionales. Un grupo en principio muy criticado, inclusive más de alguno profetizó no había lugar ni futuro como autores para ellos a largo plazo, el tiempo no les dio la razón a sus detractores, ahí están dando la batalla.
Sin embargo, hay que reconocer que Édgar es un autor complicado, denso, sus textos no son digeribles para cualquiera, se requiere de cierta cultura para su comprensión. KARAOKE es un ejemplo claro de lo anterior. Una obra inmersa en la metáforas, en las analogías (el hombre y las piedras), hay un lenguaje poético. Convoca a cuatro (cinco) personajes, al mismo tiempo sui géneris y típicos habitantes de la gran urbe. En el fondo una necesidad de relacionarse, hasta por conveniencia, en contradicción las dificultades para lograrlo y el deseo de poseer el control sobre el otro.
Hay dos personajes principales: una joven nice, editora, sin problemas económicos, tiene casi todo menos…; el otro un escritor, seguro e inseguro en forma simultánea, cree todo lo puede dominar y con sus “encantos” lograr la publicación de su novela. Tres personajes más, desde mi punto de vista circunstanciales pero fundamentales para el desarrollo del planteamiento dramatúrgico.
Miguel Alejandro León asume la dirección. Una gran labor de interpretación escénica, parte de la sencillez para darle vida a lo complicado. A cada escena le da su tiempo y ritmo adecuados, sabe de las posibilidades de cada uno de los integrantes de su elenco y los conjunta en forma adecuada, el resultado un loable montaje digno del buen teatro mexicano, apoyado en una “abstracta” escenografía de Raúl Ruiz Arriaga y por él mismo, vestuario de Zaira Campirano. Por último cabe mencionar que el trazo incluye aspectos coreográficos.
El elenco está conformado por: Diana Renée Gerardo , Karina Lechuga, Azucena Acevedo, Daniel Ortiz y el propio Miguel Alejandro. Todos en armonía, integración indiscutible, cada uno con sus propias cualidades enriquecen el espacio; una entrega total de cinco jóvenes quienes podrían irse por texto menos complicados, sin embargo, arriesgan. En particular destaca Karina, esplendorosa, con personalidad, soltura y, sobre todo, convincente.
KARAOKE concluyó temporada en el Foro El Bicho, ahora quedamos a la espera de su reestreno, como se anunció.

ADECDOTARIO

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

ADECDOTARIO es una obra teatral que gusta al espectador por su trama chusca y novedosa, en donde aparecen en escena tres actores, quienes tras de obtener por parte del público, antes de entrar al foro, una frase acerca de alguna situación poco usual o insólita que hayan vivido, éstas frases por escrito se colocan en una base de cristal, de donde los actores ya en escena, seleccionan al azar, para construir con algunas de ellas, una situación en la que dicen haberse inmiscuido anteriormente.

Ello da apertura a la puesta en escena, y sirve de parte intermedia a la misma, aún cuando la obra es en un solo acto escénico.

ADECDOTARIO realmente consta de dos historias, siendo la primera en donde se narra el viaje de dos jóvenes a la India, de donde partirán a Egipto, para dirigirse a Normandía, ante el deseo de regresar desde ahí a su tierra natal, es decir México.

Es agradable observar como tres actores cambian de identidad con gran facilidad, lo cual no resulta tan fácil para algunos, pues para lograrlo hay que hacer cambios de voz y gesticular y modular el cuerpo, según el personaje que se pretende representar y que son tanto femeninos como masculinos.

El vestuario es casual, aún cuando los tres actores llevaban camisas a cuadros, que les diferenciaba del músico, presente en un extremo del foro teatral.

Dos de los actores actúan durante todas las presentaciones, con un tercero que es invitado, lo cual hace que junto con los pormenores que inicialmente explique, que cada puesta en escena resulte diferente.

Los tres actores tienen el apoyo en escena del músico, quien ambienta las circunstancias en las cuales se ven inmiscuidos los personajes. El músico utiliza para tal efecto, un teclado y un cuatro.

La puesta en escena es muy agradable debido a la jovialidad que logran inferirle el grupo, a la puesta en escena.

La obra es una creación del”Grupo Rompecabezas, quienes en su página WEB publican acerca de las pretensiones que tienen como equipo, en cuanto a la dinámica de su obra:   -“La dinámica propone que un grupo arme un rompecabezas observando restricciones comunicacionales para la resolución colectiva del mismo. El resto de los participantes  toma nota y observa el trabajo y los comportamientos, así como las dificultades y la manera en que estas son afrontadas por los participantes.”-

El Grupo Rompecabezas” forman un equipo entusiasta de jóvenes que desean experimentar nuevos aciertos y desaciertos en el mundo del espectáculo teatral, a los cuales les deseamos buena suerte.

La obra ADECDOTARIO se presenta en breve temporada los días miércoles a las 20:30 horas en uno de los foros que conforman el teatro Shakespeare

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TEATRIKANDO

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Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Psico Embutidos en el Chopo

Hizo una corta temporada en el foro que se arriesga más con sus propuestas, el de El Chopo de la colonia Santa María la Ribera. Ahí Luis Mario Moncada y Richard Viqueira nos deslumbran con una propuesta que casi llega a la perfección, para lograr un mosaico flasheante que pone en shock a usted como espectador-contemplante y la sociedad que siempre espera llegue el Mesías a salvarle; cuando la respuesta está en tu mente.

Trazaré breves pinceladas como fui sintiendo: larga espera de 20 turnos, pues van pasándonos casi cada cuatro minutos, subo ocho metros por escalera de caracol, ya he visto que dialogan (ríen o reflexionan) con actores/actrices desnudos en diferentes niveles, se lanzaron por ductos descendentes para lograr algo, luego me entero, me dan un reloj que me permite viajar en el tiempo, en la mente; no debo entregar el reloj a los espías enemigos; Salchicha desea sepultar a su madre ¿Longaniza? y carne y espíritu son dos niveles. Salchicha convivirá con un embutido porno, salchichones nazis, res kosher brota de campos de concentración, intemporales mortadelas, curas pedófilos ante salchichitas, gurú albóndiga que le encuentra a usted su vocación para estar en equilibrio. No podían faltar los Pepperonis y butifarras, tampoco ginecólogos o proctólogos. Lograron un trabajo disciplinado, que fue calificado por algún asistente como Iniciático-mistérico, ya que usted no sale sin antes saludar a una calavera y trasladarse por un largo túnel negro. Esencia de una iniciación la obscuridad de la matriz anuncia que encontraremos una nueva luz. Buen trabajo, cada uno tiene su genialidad, pero sumados son más de dos, -(contradiciendo a Pitágoras)

 

Microteatros

Me resulta complicado ir a más de tres obras por semana y algunos foros están lejísimos. Así que voy poco a los Microteatros, Santa María la Ribera, pero tuve suerte y me tocaron Marta Zamora con Sorbos de café, Lalo Partida con Guárdame el chupón y Por Venganza, es un manicomio, con Francesca Guillén (dicen que será llevada al cine), interesantes trabajos, aunque me gustaría se desarrollaran más ¿por qué quince minutos? Pienso que los autores, directores y actores sienten una camisa de fuerza que los obliga a crear el equivalente a cuentos breves o cortometrajes, donde más tarde podrían agregar otras escenas. Buenos trabajos los tres mencionados.

 

Animalik XXX, performance en la Cineteca

Es un experimento teatral: convocaron a un festival de Cortos Eróticos (palabra muy diferente a porno) así que llegaron de Polonia, Inglaterra, Corea, Francia, Estados Unidos, Dinamarca, Italia e Israel, curiosamente de México ninguno. La sexualidad es explorada a través de la plastilina, muñequitos, trazos de lápiz, animaciones digitales o sugerencias llenas de buen humor. Es un festival con precios populares y los descuentos de siempre, estará todos los fines de semana de octubre y el día 31 lo realizarán sumando un espectáculo teatral en el estacionamiento de la Cineteca, con música de sax, guitarras, teclados, bailarines, actores y atrevidas escenas en vivo. El 31 será sin costo (ojalá no llueva).