Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

LEÓN (EL BUENO PARA NADA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional de León, el bueno para nada, bajo la dirección de Hugo Arrevillaga.

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El menospreciarse es una de las actitudes más nefastas para el desarrollo social de una persona, más alarmante y destructivo cuando el afectado es un niño. León es un pequeño inseguro, su hermano mayor es su apoyo, padece la irresponsabilidad de su madre, soporta las burlas y agresiones de sus compañeros escolares. Se crea la necesidad de suponer que ingiriendo tuercas y tornillos, y comprarse unas ruedas metálicas adquirirá la energía de un tren. En concreto, él mismo está convencido es un bueno para nada. A la postre descubre que la fuerza de carácter en más de alguno sólo es un caparazón, oculta la debilidad interior.

 

Por este camino existencial, psicológico, nos conduce el canadiense Francis Monty con su obra LEÓN, EL BUENO PARA NADA, pensada para un público juvenil, desde mi punto de vista está enfocada a los niños, de hecho, por momentos, da la sensación de tratarse de la narración de un cuento más que un texto dramático. Un monólogo, un actor, varios personajes, el mensaje es que no se puede madurar de golpe, en forma instantánea, las transformaciones llevan tiempo, por fortuna -o desgracia- la infancia se cura, todos de niños soñamos, anhelamos con ser adultos. La traducción, un docto en estos menesteres, es de Humberto Pérez Mortera.

 

Uno de nuestros grandes directores, Hugo Arrevillaga, lleva a escena la intención de la toma de conciencia para no subestimarse. Nuevamente muestra su gran capacidad creativa, es un director que parte de la “sencillez” para alcanzar propuestas inolvidables. Su imaginación lo lleva a emplear escenografías nada ostentosas y el peso de la puesta recae en el actor, recordemos se trata de un monólogo. Hugo es un pilar de la renovación, de la revitalidad del teatro mexicano contemporáneo.

 

Leonardo Zamudio es León, Esteban (hermano mayor) y la madre. Muy buenas caracterizaciones, ligeros cambios de voz y actitudes; lleva al espectador de la compasión a la admiración. Naturalidad es en concreto lo transmitido, como si el protagonista hubiera sido inspirado por él.

 

Una producción ideal para niños, jóvenes y adultos, fondo y forma van de la mano, LEÓN, EL BUENO PARA NADA, está en temporada en La Capilla (Coyoacán, Ciudad de México), los sábados a las 12:30 horas, hasta el 27 de agosto.

LA BELLEZA (RELACIÓN PERVERSA, UNA PASIÓN DE AMOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de Internet

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La belleza se entiende en términos generales como el conjunto de cualidades cuya contemplación produce deleite. Sin embargo, es un concepto subjetivo, lo que ayer fue bello hoy ya no lo es y viceversa, lo que para unos es atractivo para otros no, inclusive está condicionada por la moda, en cada época ha sido diferente su apreciación. Ahora bien, ¿puede producir deleite, en el sentido de la definición, lo que para la mayoría sería fealdad? En esta disyuntiva nos involucra David Olguín -autor y director- en su más reciente propuesta dramatúrgica bajo el título LA BELLEZA.

 

El texto cuenta la historia de Julia Pastrana, una sinaloense nacida en el siglo XIX, quien padecía el síndrome de hipertricosis lanuginosa, esto es, el cuerpo cubierto de pelo. Una compleja relación de Pastrana con su propietario, Theodor W. Lent, un empresario circense del sur de los Estados Unidos. La obra profundiza en una relación entrañable, perversa, una pasión de amor. (Sinopsis de la programación de julio de la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes). Hay una rara, sorprendente simbiosis entre ambos personajes, el amo se siente atraído sentimentalmente por la “simio”, de igual forma ve en ella un interés económico, exhibirla explotando el morbo de la gente. A tal grado llega la relación que cuando Julia le comunica a Theo su embarazo y le externa su temor de heredar el síndrome, el segundo siente aún más alegría. Hay más, lo dejamos hasta aquí para despertar el interés entre los posibles asistentes a su representación.

 

La mancuerna de varias aventuras teatrales conformada por David Olguín y Gabrie Pascal (escenografía e iluminación) conjugan sus dones artísticos, crean un espacio para dar paso al teatro en el teatro. La obra es complicada, profunda, evoca la imaginación y la reflexión, a pesar de ello David nos adentra en lo humano, inclusive se vale de lo poético. No menos poética es la propuesta de Gabriel, un mundo escénico para enmarcar la “contradicción” vivida por los personajes. Si David es un gran dramaturgo, no menos es su capacidad como director, es de los pocos que pueden asumir sus propios textos y no traicionarse, por el contrario enaltecerlos como en este caso, la estética literaria y el montaje por delante.

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La corona de la puesta la lleva una reina del teatro, Laura Almela, una de las mejores actrices de nuestro país, David optó en el sentido de que el papel masculino lo hiciera una mujer, Laura, y viceversa, Mauricio Pimentel es la desafortunada bestia peluda. Por fortuna los involucrados están muy bien caracterizados, no hay joterías o actitudes marimachas. Un excelente trabajo de ambos actores, acompañados por Rodrigo Espinosa (varios roles).

 

Esta historia perversa y apasionada se lleva a cabo en el teatro El Galeón (Ciudad de México), jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas, hasta el 21 de agosto.

EN CASA EN EL ZOO (EL TALENTO DE EDWARD ALBEE)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen de Ítari Marta tomada de la página de Facebook del Foro Shakespeare

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Un hombre (Peter) con una vida tranquila, realizado como persona, felizmente casado, padre de dos hijas, buena posición económica es obligado a meditar por su esposa (Ann) sobre su forma de hacer el amor; más tarde por un desconocido (Jerry) un encuentro casual con éste, tiene una confrontación por una banca del parque, sin antes un intercambio de ideas; ambos, esposa y desconocido, cambiarán toda su perspectiva existencial y se verá involucrado en…

Este personaje (Peter) surgió de la genialidad de Edward Albee, catalogado como el dramaturgo vivo más representativo de los Estados Unidos. En su origen, bajo el título EL CUENTO DEL ZOOLÓGICO (1958), narra el encuentro de dos personajes con diferentes idiosincrasias, formas de ver la vida, esto a fin de cuentas los lleva a entablar una polémica, centrada, en forma sutil, por momentos velada en otras abierta, digamos en el subtexto, sobre la desigualdad social y la deshumanización. Interesante ignorar en aquellos años y muchos después por qué Peter en vez de alejarse, escucha e intercambia posiciones con Jerry.

 

En 204, Albee escribió una presecuela intitulada HOMELIFE. esta segunda parte se convirtió en el primer acto y la concebida en 1958 en el segundo. En conjunto ahora se les identifica como EN CASA EN EL ZOO, donde los protagonistas enfrentan situaciones límite, al borde de la demencia, juego de ideas, temas van y vienen, se adentran en el absurdo. El texto de Albee, reunidas las dos partes, se presenta por primera vez en México, bajo la producción del Foro Shakespeare. Comedia negra, Peter salta del mundo civilizado al de la barbarie. Cabe comentar, el dramaturgo agrega un personaje en la precuela, Ann, la esposa.

 

La traducción y dirección son de Víctor Weinstock, cercano en forma personal con el autor, muestra una amplia identificación con la obra, una propuesta que permite a los personajes violentarse, tranquilizarse, tomar aire y reiniciar la lucha bestial, producto de la naturaleza animal del ser humano. Víctor forma parte, al menos en este caso, de los directores que saben la importancia de la palabra, pero ésta no sería nada o no tendría ningún valor sin la emotividad, él lo sabe y conduce a sus actores por ese puente que no permite los exabruptos sino la necesidad de caracteres fuertes y débiles en forma casi simultánea. Opta, en el primer acto, por un espacio íntimo, elegante y sobrio, las paredes en colocadas en forma triangular con relación a la audiencia, unos cuantos muebles; el espacio se abre para dar paso al parque en el segundo acto, sin embargo la acción tiene desplazamientos reducidos, lo cual favorece el montaje, el movimiento no se convierte en un distractor. El diseño de escenografía es de Patricia Gutiérrez y el vestuario -alusivo a los años setenta del siglo XX- de Adriana Pérez.

 

Ahora bien, quiénes encarnan a estos entes que se desenvuelven entre arenas movedizas y tierra firme: Ítari Marta, Odiseo Bichir, y Bruno Bichir. Excelente conjugación, cada uno embona con el texto, con la psique de los seres aprehendidos en el escenario, sus actuaciones se agradecen, permanecen en el recuerdo. En particular da gusto el caso de Bruno, se apartó del “hombre simpatías” y asume con toda seriedad a Jerry. Odiseo es apto para cualquier género, sin embargo, los roles de carácter se le dan en forma natural como en esta ocasión, gran participación en los dos actos. Ítari en lo mejor de su trabajo escénico y, comentario al margen, muy guapa en su caracterización.

 

EN CASA EN EL ZOO se representa en el Foro Shakespeare, foro principal (Ciudad de México), viernes 20:30, sábados 20:00 y domingos 18:00 horas.

EL LÍQUIDO TÁCTIL (OBRA OBSCENA, PERVERSA, EXTRAÑA Y MISTERIOSA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional y foto del facebook

Líquido táctil

El argentino Veronese es sin la menor duda un innovador del teatro contemporáneo, tanto como autor y director, apartado de las reglas, su dramaturgia no es fácil, en ocasiones es irreverente, lo cierto es un creador propositivo, no teme arriesgar, tiene el valor para enfrentar cualquier reto, inclusive los que él mismo se impone. La compañía Los Endebles, bajo la dirección de Boris Schoemann, lleva al escenario EL LÍQUIDO TÁCTIL, obra considerada por éste como “obscena, perversa, extraña y misteriosa”.

 

Adjetivos perfectos para definir el texto. No hay propiamente una historia, por tanto no hay en esencia un hilo conductor claro, objetivo, preciso. Dos hermanos y la esposa de uno de ellos reunidos en un jardín, degustando cervezas, cada uno con su tema, hablan defendiendo posturas y gustos, los diálogos se entrecruzan por momentos, a fuerza de insistir, cada uno va por su cuenta, obvio hay desavenencias, ataques de histeria, los traumas salen a flote, envidias, justificaciones, encuentros y desencuentros emocionales.

 

A la postre hay temas en los que se hace énfasis, en apariencia en forma deshilvanada, se requiere concentración para llegar al fondo, el subtexto es más importante que el texto. Veronese “juega” con el espectador, incluso lo hace cómplice y lo obliga a reír. Los tópicos abordados son Chejov, el teatro y el cine, los perros, el cigarro… Cada uno de estos se convierte en obsesión para los integrantes del triángulo, hay argumentos para atacar y defender, duelo de desquiciados. El autor vuelve a hacer de las suyas para bien o para mal, queda en los asistentes asumir la postura que desee o pueda discernir.

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Boris, fundador y director de Los Endebles -compañía que está celebrando 16 años de existencia- infunde su toque personal a partir de la importancia de las ideas y deja bajo la responsabilidad del elenco tocar la sensibilidad del público.Una escenografía realista y sobria, el mínimo indispensable para recrear el lugar del encuentro. Es un buen director, desde su arribo a nuestro país lo ha demostrado al frente de innumerables montajes, nuevamente lo confirma, tal vez el único pero en su trayectoria en México es su tendencia por llevar a escena dramaturgos extranjeros, fundamentalmente franco parlantes, al mismo tiempo hay que reconocerle que esta preferencia nos ha permitido acercarnos a autores de otras latitudes lo cual se le agradece.

 

Gabriela Zas Montero, Jorge Chávez caballero y Daniel Bretón reciben la oportunidad de la compañía y su director, estos últimos tienen importantes logros en su ya considerable existencia. Los tres responden a las exigencias de la puesta y retos del dramaturgo, asumen el ritmo pausado, los silencios marcados, salen avantes de la reunión forzosa y la incomodidad que conlleva. Plenamente enlazados, hay trabajo de conjunto a pesar de las individualidades propias de cada uno. Cabe destacar lo hecho por Gabriela, tiene escenas dignas de reconocimiento, tiene cambios de estado de ánimo impresionantes, en cierto sentido es la razón de ser actoralmente hablando. Hay un cuarto participante, su presencia es de segundos, da vida a Titán, un perro, lleva una máscara y apoyado en sus movimientos corporales, el can es una realidad.

 

EL LÍQUIDO TÁCTIL se representará durante lo que resta del presenta año, los domingos a las 18:00 horas, en La Capilla (Coyoacán, Ciudad de México).

 

EL DIPUTADO (TRANSGREDIR LA LEY, PAGAR LAS CONSECUENCIAS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imágenes de El Diputado

El diputado

Los estudiosos de las ciencias sociales -juristas, antropólogos, psicólogos, filósofos, sociólogos…- si no todos, una mayoría considera a la pobreza y a la necesidad como causas de la delincuencia, personas que toman caminos equivocados con la finalidad de llevar el pan a sus familias, desamparados asumen decisiones que transgreden la ley, el resultado es pagar – con la privación de la libertad- su conducta delictiva y demás consecuencias como la afectación a cónyuges, hijos y demás seres allegados.

 

Chucky -protagonista de EL DIPUTADO, de Edelberto Pilo Galindo- es un modesto empleado en un bar, eso por las noches, además descarga trailers en largas jornadas por el día. Sus miserables ingresos y ante la necesidad urde -ingenuamente- el secuestro de un licenciado, cliente asiduo del tugurio. Actúa de “buena fe”, aspira a obtener un rescate de 50 mil pesos, está dispuesto a hacer una rebaja con tal de cubrir sus deudas. Ignora que el susodicho licenciado a la postre resulta ser un diputado federal. Se inicia una relación “rara” entre víctima y victimario, hay varias vueltas de tuercas, varios supuestos implicados cuando todo ha sido planeado en forma individual, tortura a los cercanos, un final inesperado. La necesidad y la ingenuidad fatal combinación para iniciarse como secuestrador.

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La dramaturgia transita por varios géneros, una estructura oscilante en diferentes tiempos y tres lugares, atrayente, bien escrita, mejor desarrollada, a pesar de la temática abunda el humor, en gran parte éste fluye de la inocencia de Chucky. En un momento dado pareciera el dramaturgo se desvía del fondo principal para entrar en un discurso sobre el quehacer de los diputados, las cifras ofensivas de sus emolumentos, su función en la aprobación de las leyes, sobre el oficio político y el hecho de alcanzar el poder. Sin embargo, cerca del final se entiende el por qué de este tema paralelo, si no justificación si explicación del proceder de Chucky. Hay “largos” monólogos para ubicar hechos y personajes basados en rompimientos escénicos.

 

Uriel Bravo, al frente de integrantes de Avatares Compañía Teatral, con sede en la ciudad de Querétaro, toma la batuta, da forma a la trama. Acertado cómo guía a su elenco, esto es, explota sus cualidades y aminora su deficiencias, el conjunto es por demás heterogéneo, mientras unos sobresalen otros deberían abandonar el teatro. El trazo es sucio, las entradas, sobre todo las salidas en las diferentes escenas son forzadas y a destiempo. El espacio es mal aprovechado, una barra -la del bar- va de una posición lateral -pasiva- al proscenio, cuando se podría “dividir” el escenario en dos secciones y con la iluminación ubicar el tugurio y el sitio donde permanece confinado el secuestrado. La escenografía es lamentable, la citada barra no alcanza ni el calificativo de artesanal, “decorada” con unos papelajos de quinto patio, su desplazamiento sobre una plataforma con rueditas, apenas como para transportar verduras en un mercado. La iluminación sencilla, aceptable.

 

Los miembros de Avatares en esta propuesta queretana son: Manuel Gómez Becerril, Manuel Puente, Cecilia Navarro, Bernardo Lira y Rafael Ramírez. Manuel Gómez, extraordinario, un deleite su personaje, no es fácil caracterizar a un ingenuo, siempre el riesgo de cruzar la línea que conlleva a la estupidez, por fortuna el actor se queda del lado que el protagónico exige; posee naturalidad, bis cómica en el buen sentido del término, un gozo su participación, es el alma del montaje. En contraparte, Rafael Ramírez una decepción, un gay con una jotería falsa, rebuscada, cae en el estereotipo para este tipo de personajes, no aporta nada, por el contrario sus escenas deslucen la totalidad del montaje.

 

Avatares Compañía Teatral presentó una función única en el Foro Contigo América de EL DIPUTADO, nos brindó la oportunidad de adentrarnos en lo que se está llevando a cabo en la vecina entidad, ojalá que como este grupo nos visiten más en la Ciudad de México.

 

ADIÓS MARINEROS (EXCESO DE NARRACIÓN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Crédito fotografías: Ale Mostra

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Una de las características de un texto dramático -la excepción los ahora llamados unipersonales- son los diálogos, esto es, dos o más personajes intercambian o alternan parlamentos. Es válido que un actor quede solo en el escenario, exprese ideas o pensamientos para sí mismo, en otros casos rompimientos para que un narrador se dirija directamente al público para ubicar personajes, hechos, fechas… Gibrán Portela, a través de ADIÓS MARINEROS, ADIÓS MONSTRUOS DEL MAR, lleva al exceso, al abuso despiadado la narración, obvio los diálogos son excepcionales, tres actrices explicando cada escena, contando todo, a tal grado, de no ser por el ritmo acelerado del montaje, conllevaría al aburrimiento y perderse entre tanta palabrería.

 

Dos historias en una, en apariencia o en principio, nada que ver una con la otra, inclusive desconcertante el planteamiento, desarrollo, por tanto la estructura. En una se habla sobre un capitán de navío quien prometió no volver a pisar tierra, de entrada se desconoce el motivo. En la otra una mujer solicita los servicios de un detective privado para seguir al marido, un conocido miembro de la comunidad, nada más y nada menos que Baldor, sí ese que nos trae a la memoria el famoso libro de álgebra. La trama es confusa de inicio, se va aclarando a medida que transcurre la obra y se entrecruzan lo que parecía no tenía ninguna relación. Asesinatos, misterios, encrucijadas. Un puerto rodeado por la neblina, alrededor un mar que no se ve ni se oye, donde habitan monstruos quienes pueden arrasar con todo; monstruos que bien pueden ser los demonios que asolan al capitán en su interior, no pisar tierra igual a evadir la realidad, los habitantes del puerto espectros en busca de su liberación. Claro, todo lo anterior es mi interpretación, igual estoy errado de principio a fin.

 

La dirección de Ricardo Rodríguez es una concepción “rara”. El capitán y su tripulación en un mundo “mítico”, los habitantes del puerto salidos de una película estadounidense de las décadas de los años 30 o 40 del siglo XX, desde el tonito como la velocidad con la que hablan los personajes; en forma lamentable a la larga torturante el alto volumen de voz, éste queda atrapado en los gritos. Por otra parte, Auda Caraza y Atenea Chávez proponen una escenografía que sólo ellas saben qué es o lo que pretende simbolizar, a mí no me transmitió nada sólo confusión. Jesús Hernández, iluminación, por largos periodos lanza la luz directo a los espectadores, hecho por demás molesto y lo que debería ser visible se convierte en invisible. Hablando de lo invisible, las intérpretes “manipulan” diferentes objetos que no están en escena, acertado el concepto, en realidad estamos frente a pantomima.

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Tres entusiastas muchachas, voluntariosas, entregadas, con el vigor de la juventud, entrega total, ritmo vertiginoso, van y vienen, mueven las estructuras escenográficas, muchos personajes desfilan ante la audiencia, la dirección les impone un fuerte desgaste físico y emocional. Respeto por su motivación a Verónica Bravo, Teté Espinoza y Rebeca Trejo.

 

ADIÓS MARINEROS, ADIÓS MONSTRUOS DEL MAR tiene lugar en el Foro Shakespeare (Foro Urgente 2), Ciudad de México, hasta el 22 de agosto, los lunes a las 20:30 horas.

 

3 DÍAS EN MAYO

Por: Dalia María Teresa De León Adams

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La obra teatral original de Ben Brown bajo la traducción y codirección de Alberto Lomnitz dio inicio el día jueves 29 de julio gracias a la producción de la Sociedad Artística Sinaloense y la Secretaría de Cultura, através del Centro Cultural Helénico.

Es una historia que narra de manera minuciosa y plagada los datos históricos ocurridos en el momento en que al haber estallado la Segunda Guerra Mundial, Alemania se posesiona de casi toda Europa y, justo en el momento en que Francia estaba por rendirse, Inglaterra advierte la opción de negociar un tratado de aparente “paz” con Hitler. Ello bajo someterse a un acuerdo condicionado qué el entonces Primer Ministro del Reino Unido, Winston Churchill observó, como un total sometimiento al dominio alemán.

Esto fue la razón por la cual Churchill enfrentó las diversas posturas de su gabinete, para convencerlos de mantener una postura firme ante la Guerra y continuar luchando; resolución que se tomó en el lapso de 3 DÍAS EN MAYO (28,29 y 30 de 1940) Gracias a ello se pudo obtener la derrota del ejercito alemán, en territorio ruso y con ello, el gozo de la libertad mundial.

3 DÍAS EN MAYO es en resumen uno de los momentos más cruciales de la humanidad en base a la resolución de Churchill en Londres, celebrado tras las puertas de Downing Street, apenas 16 días de haber obtenido el cargo de Primer Ministro.

3 DÍAS EN MAYO se presenta bajo la creativa escenografía de Sergio Villegas, quien expone en ésta puesta en escena un gran mapa, donde conjuntamente con la explicación de los sucesos por parte de un personaje narrador, se explican los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial. Éstos se van detallando marcando las rutas del avance del ejercito hitleriano.

También se simula el interior del Downing Street con una elegante sala de juntas y un telón a manera de puertas que se abren para dar paso a cada uno de los que entonces fueran los miembros del gabinete ingles.

La ambientación de dicho periodo histórico se logra también con la ambientación musical a cargo de Jordi Bachbush, compositor y productor musical quien se ha ido desempeñado tanto en televisión en el canal Once y en Televisa, así como en el medio teatral. Con sus arreglos artísticos logró transportar en ésta obra al público espectador, a la época que sugiere.

Como si fuera poco, el reparto estelar reconocido por su talento histriónico en el medio actoral, se encuentra Sergio Zurita en el rol estelar de Winston Churchill, con una caracterización realmente sorprendente en cuanto al parecido físico con su personaje. Junto a él actúan Luis Miguel Lomban, José Carlos Rodríguez, Fernando Bonilla, Pedro Mira, Miguel Conde, Nicolás Sotnikoff y Juan Carlos Beyer.

Dirigida con gran talento por parte de su directora artística Lorena Maza, la obra es una promesa para aquellos que gozan del género teatral histórico.

 

3 DÍAS EN MAYO (SUCUMBIR DIGNAMENTE ANTES QUE VIVIR COMO ESCLAVOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen tomada de la página en Facebook de la producción

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Mayo de 1940. Mes decisivo para el futuro de Inglaterra en particular, de Europa y tal vez del mundo en su conjunto. Ocho hombres encabezados por Winston Churchill, tomarán la opción de acceder a las peticiones de Mussolini para fungir como intermediario ante Hitler. Esto implicaría la cesión de varios territorios del imperio británico -incluyendo el Canal de Suez y Gibraltar-, siempre con la incertidumbre de sí los dos líderes fascistas cumplirían con los acuerdos en caso de firmarse, a la postre podría significar o entenderse como la rendición de Inglaterra -Francia estaba invadida por las tropas alemanas, Bélgica había sucumbido, Estados Unidos indeciso en involucrarse en la Segunda Guerra Mundial.

 

La capitulación no estaba en la mente de Churchill, sin embargo, enfrentaba la postura de los laboristas quienes preferían la negociación. La decisión no se limitaba a una cuestión política y/o militar, era la posibilidad de sacrificar la vida de millones de personas. El final lo conocemos, Churchill se impuso con determinación, sucumbir dignamente antes que vivir como esclavos. Su carácter fue fundamental, libró la Batalla de Inglaterra -resistencia ante el embate de la aviación enemiga-, los nazis derrotados, jugó todo o nada y ganó. Todo lo anterior -los tres días de debate- se llevó a cabo en la clandestinidad, la población ni por enterada, tiempo después salió a la luz pública por el diario de un colaborador del primer ministro inglés.

 

Esta amplia introducción nos ubica en la delicada temática de 3 DÍAS EN MAYO (2011), del periodista y dramaturgo Ben Brown. El talento de Lorena Maza se concretiza en el escenario, con el apoyo de Alberto Lomnitz (codirector), Sergio Villegas (escenografía e iluminación), Edyta Rzewuska (vestuario e imagen) y Jordi Bachbush (música original). Nuestra directora y su equipo creativo propiciaron un espacio sui géneris: en proscenio un telón -fondo negro- donde se proyecta el mapa de Europa, con láser se delimita en forma alternada cada país hasta llegar a la imagen de área total del dominio nazi en el viejo continente es su momento cumbre, unas puertas “rasgan” el telón, son el acceso y salida de los personajes; al fondo, el salón de juntas -realista- donde se reune el Consejo de Guerra Británico, una bóveda (techo) movible, en su momento sirve de pantalla.

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Lorena nos presenta -en forma por demás acertada- a los protagonistas en un contexto íntimo, penetra en lo más recóndito de su personalidad, crea un puente entre el drama y los espectadores. Si bien Churchill fue el inglés más popular de su época, aquí florece su lado humano, su fuerte temperamento, su férrea determinación, la mismo tiempo el gran estadista que fue. Lo mismo sucede con el resto de los personajes, Lorena hace énfasis en mostrar su interior, lo que los llevó a unirse ante la situación, todo por el bien de una nación por encima de los intereses personales. El tema en principio pareciera antiteatral, más para aqueloos buscadores de la diversión fácil -sin negar que por momentos es teatro documental- , sin embargo, Lorena le da un tono idóneo, un ritmo que hace olvidar el transcurrir del tiempo, aprehende a la audiencia, permite a cada actor dar lo mejor, aprovecha hasta sus últimas consecuencias el histrionismo de su elenco.

 

Éste tiene al frente a Sergio Zúrita (Churchill), Luis Miguel Lombana (Nerville Chamberlain, ex Primer Ministro, líder del Partido Conservador), José Carlos Rodríguez (Lord Halifax, ministro de Asuntos Exteriores, miembro del Partido Conservador), Fernando Bonilla (Jock Colville, secretario de Churchill), Pedro Mira y Miguel Conde (ambos miembros del Partido Laborista), Nicolás Sotnikoff (Paul Reynaud), Primer Ministro de Francia) y Juan Carlos Beyer (General Dill, Ministro de Guerra).

 

Sergio en el personaje de su vida actoral, tal vez ese siempre presente en el sueño e ilusiones de todo actor, sin discusión lo mejor de su trayectoria, impresionante, un trabajo provocador de la admiración y respeto de la concurrencia, bien por este hombre de teatro. Del resto, habría mucho que decir, todos son de primer nivel, grandes histriones, todos con muchos éxitos escénicos, se requeriría de muchas líneas para hablar de cada uno de ellos, su lenguaje es el teatro, su caracterizaciones son el testimonio de sus dones.

 

3 DÍAS EN MAYO se representa en el Teatro Helénico (Ciudad de México), los viernes 20:30, sábados 18:00 y 20:30 y domingos 18:00 horas, hasta el 25 de septiembre.

TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

Texto y foto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

La Crítica de Teatro en México se presentará en el Palacio de Bellas Artes

Gracias al apoyo de Miguel Ángel Pineda y Roberto Perea de la Secretaría de Cultura, se presentará el más reciente libro de Benjamín Bernal: La crítica de Teatro en México, el lunes 25 de julio; es el tercero que edita México (cuentos y monólogos), comala.com (novela-guión de cine). Este ensayo literario periodístico permite hacer un análisis de la calidad de la crítica en México; también se le ha calificado como libro de texto para quienes piensan dedicarse al periodismo cultural, además de que a los críticos en activo les ha gustado el estilo, nada dogmático, orgánico, le han llamado, sin el lenguaje erudito que es tan común en la crítica de arte, ni tan frívolo como se usa en algunos programas de radio, televisión y columnas.

Los presentadores están en la cumbre del arte escénico: ​Jorge Ortiz de Pinedo, productor, director y actor; Maricela Lara, directora y promotora teatral, dirigió Las Jornadas Alarconianas, entre otros éxitos; ​Juan Ignacio Aranda (por confirmar), actor de cine, teatro y televisión; funge como ​maestro de ceremonias: Alfonso Villarreal, pintor, conductor de televisión y director de la Galería veracruzana de arte. La cita es el lunes 25 de julio 2016 a las 19:00 horas en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

Ahí les esperamos para platicar de los nuevos rumbos de la crítica teatral en el mundo y en México, así como de los diferentes niveles de producción: grande, mediana, minimalista, hasta los performance e intervenciones.
En Casa en el Zoo, Foro Shakespeare

teatrikando_en casa en el Zoo

“Es una historia nueva, ¿qué pasó en su casa?”

Es un experimento muy especial que podemos ver en el Foro Shakespeare con Itari Marta, Bruno y Odiseo Bichir, bajo la dirección de Víctor Weinstock. Se estrenó hace pocas semanas; el día que lo vi tenía una excelente entrada y no era función con festejo. El texto es de Edward Albee; la segunda parte es un clásico de la comedia negra: El cuento del zoológico; fue escrita casi cincuenta años después, por lo que resulta un híbrido muy peculiar, un experimento metaliterario. Con este formato se estrenó en el off-Broadway en 2007, bajo el título de Peter y Jarry, ¿por qué inventarle una precuela?, porque le dio la gana, claro, para lograr así una obra completa, en que se dan explicaciones, continuidad a pensamientos y acciones de ambos seres ¿solitarios?, necesitados de contacto humano, aunque sea al nivel que nos dejan ver en el pequeño espacio del Foro Shakespeare, primero con una sala convencional; en el segundo estábamos en las bancas del parque. En los primeros minutos, el personaje de Itari va del romance puro al confrontamiento que busca sacar a su pareja de esa perfecta línea recta en el carácter de Peter, por ello puede recibir una bofetada de cada uno casi sin inmutarse; ¿por qué se queda a escuchar las palabras de Ann, lo mismo que las historias imposibles de quien le aborda en la banca del jardín, Jerry es festivo, irreverente, bufonesco: nadie lo sabe, ni siguiera Albee, ¿alguna vez lo pensaría?

Puede usted ver este trabajo depurado en cuanto a texto, ritmo, tono, sutilezas: jueves y viernes a las 20:00 horas; domingos, 18:00 horas.

 

 

 

 

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

“Aplauso” conjunción de estrellas y cuerpos celestes

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Sólo los valientes se atreven a estrenar un gran musical el año 2016 en medio de una crisis global (el Brexit y otras hierbas) la danza macabra preelectoral en que cada semana hay un suspirante y lo bajan a periodicazos; el dinero desaparece de nuestra cartera a toda velocidad y los precios del teatro se han ido a la estratósfera. Por eso agradecemos que Aplauso sea un musical: que no se ha visto antes, precios razonables y un elenco con muchas estrellas; encabezadas, claro, por Verónica Castro.

Usted ya sabe: la ojiverde empezó muy pequeña, por lo que ya tiene un historial que rebasa los 50 años de experiencia escénica; el teatro San Rafael está a punto de cumplir 40 años y es el más grande de la capital con 1,400 localidades, confortable, ya que permite entrar y salir de nuestra butaca con comodidad para todos; además de que se encuentra en el Broadway mexicano, zona donde están el Aldama, Arlequín, Milagro y Milán, entre otros.

Así que vimos a Eugenio Montessoro como el eterno enamorado de la actriz que ha llegado al cenit de su carrera, Verónica, en tanto una joven se eleva lentamente, Natalia Sosa. Luis Gatica, Lenny Zundel, Christian Uribe, Gloria Toba, María Barbosa y Olivia Bucio son testigos de las humorísticas situaciones en que se van colocando todos ellos. La trama es agradable, familiar y las actuaciones no tienen falla, cada uno va teniendo unos minutos para deslumbrar al público. La señora Castro encabeza varios números musicales, los grandes conjuntos se enseñorean del tablado para convencer que estamos frente a un musical maduro; la joven Gloria Toba en dos melodías muestra las gigantescas dotes que le ha dado la naturaleza, canta, baila, actúa y tiene carisma, seguro tendrá estelares en unos cuantos meses. En eso tiene doctorado la señora Fela Fábregas, en detectar el talento y catapultarlo ante los directores, productores y estrellas que están yendo a disfrutar de Aplauso.

Eugenio, Luis, Olivia, Lenny son primeras figuras que demuestran en esta producción por qué son eminentes figuras de los musicales y ya están en la historia. Así que no se puede usted perder este gran musical que tiene como productor ejecutivo a Manolo Sánchez Navarro, traducción al español de Virginia Sánchez Navarro y adaptación de Marco Villafán al libreto de Betty Comden / Adolfo Green. Excelente.
 

“Mi amiga la Gorda” sale de gira

Este mes tiene múltiples estrenos: Despellejando chiles, Parejas vemos, tríos no sabemos, Normal, Celia, En casa del Zoo, por mencionar unas pocas, así que elegí Mi amiga la Gorda que encabeza Ana Patricia Rojo con Gabriel Varela, Ferdinando Valencia y Pablo Lyle, después le contaré con detalles. Con una trama sencilla, nos dan un mensaje respetuoso: los gorditos también tienen corazón y belleza, durante dos horas nos hicieron reír las gracejadadas de Varela (comediante al nivel de Jorge Ortiz de Pinedo o el Caballo Rojas) más las puntadas de todos, creo que la mitad de los chistes eran inventados en ese momento. Salen de gira a Culiacán, Mazatlán, Hermosillo, Piedras Negras, Nuevo Laredo, Matamoros y Tampico. No se la pierdan.