Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

DIOS, O NO SER (UN SER SUPREMO CRUEL; DESEAR MORIR Y NO PODER)

DIOS, O NO SER (UN SER SUPREMO CRUEL; DESEAR MORIR Y NO PODER)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

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No cabe duda, la existencia o no de Dios ha sido y es motivo de disertaciones y discusiones, ensayos y libros; unos a favor otros en contra; para unos es cuestión de fe, creer en él, sólo eso; para otros un invento del hombre, en principio para darle razón de ser a lo inexplicable -por ejemplo, los fenómenos naturales en la antigüedad-, en segundo lugar, aferrarse a un ente, quien brinda esperanzas, incluyendo un más allá después de la muerte terrenal.

Dios, o no ser, de David Gaitán y dirección de Martín Acosta, nos presenta dos temas fundamentales, al menos en términos generales: un Dios cruel y omnipresente, y desear morir y no lograrlo. Alguien atrapada en una especie de limbo huye del mandato divino, de un Dios castigador y vengador -muy similar al que describe el Antiguo Testamento en la Biblia- malo, perverso con los hombres. Texto caracterizado por su fervor filosófico, abstracto y a la vez concreto, inmerso en la metafísica más que en lo teológico, irreverente; la existencia requiere huir de Dios. Texto complicado, denso, por momentos confuso, imaginativo.

Varias ciudades y lugares dan pauta a la escenificación dramatúrgica, muy larga en su desarrollo. Una mujer quien es Dios porque lo vio. En realidad representa, si se desea metafóricamente, a la última persona en creer en la divinidad, seguida de un discípulo. Dejar de temerle a Dios es matarlo.

Según la información proporcionada, la propuesta de David surgió de una pregunta trivial: “¿En dónde está el avión de Malaya Airlines desaparecido en 2014?”. De hecho hay referencias directas sobre el accidente, inclusive un “muerto” cuyo espectro aparece 10 años después del misterio aéreo. En fin, un texto nada fácil de asimilar, el tiempo dirá sobre la aceptación o no del público.

Martín Acosta, uno de los más destacados directores en el teatro intimista, de cámara o pequeño formato, vuelve a demostrar su capacidad e imaginación. Parte de un minimalismo, curiosamente cobra relevancia una cuerda tensada, ésta cruza el escenario con un valor simbólico, divide… Da su tiempo y valor a la palabra, a pesar de que al principio parecen frases deshilbanadas, incongruentes, sin un aparente hilo conductor. Da relevancia a la parte actoral, inclusive, saca “adelante” al propio Gaitán, quien muestra muchas carencias como actor.

Además de David, aparecen en escena la mexicana Diana Sedano, un trabajo impecable; es el alma y mente de la puesta, en realidad es el eje en torno al cual gira todo lo demás, probablemente lo mejor de su carrera teatral. Por otra parte, están los españoles: Domingo Cruz y Carolina Rocha, apegados a la dirección, sin exabruptos, muestran experiencia y con ella enriquecen el montaje. Éste cuenta con el apoyo de Iberescena.

Todo aquel que desee involucrarse en esta disertación sobre la existencia o no de Dios, deben acudir a La Gruta, del Centro Cultural Helénico (Ciudad de México), hasta el 17 de agosto; los miércoles a las 20:30 horas.

 

LOS PURITANOS (Ópera)

Por: Eugenia Galeano Inclán

Fotografía de  Blendaboy Graphis y cartel promocional 

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Por lo general, acostumbramos hablar sobre la obra musical de los compositores, pero, a veces, vale la pena, conocer ciertos datos de su vida personal.  Vincenzo Salvatore Carmelo Francesco Bellini (1801-1835), quien acortó su nombre para ser conocido profesionalmente como Vincenzo Bellini, nació en un entorno musical.  Vincenzo Tobia, su abuelo, se ganaba la vida como agricultor, pero era un apasionado de la música, tanto que se convirtió en violinista aficionado y tocaba su instrumento en cuanta reunión se lo solicitaran.  Heredó a su hijo Rosario Bellini su pasión y éste se convirtió en organista profesional.  Cuando nació Vincenzo Bellini, tanto el padre como el abuelo le impartieron sus primeras lecciones de música desde muy temprana edad.

 

Vincenzo Bellini no tardó en convertirse en niño prodigio.  Cuentan sus biógrafos que al año y medio de edad podía cantar un aria completa, que a los dos años comenzó a estudiar teoría musical, a los tres inició sus lecciones de piano, instrumento que llegó a tocar con soltura dos años después, es decir, a los cinco de edad.  Gracias a que se supo de sus sorprendentes avances, el duque de San Martino le otorgó una beca en el Colegio San Sebastián de Nápoles, Italia, donde cursó estudios de armonía con Giovanni Furno, de contrapunto con Giacomo Tritto y composición con el célebre Nicola Zingarelli.

 

Vincenzo Bellini compuso música sacra, de cámara, un concierto para oboe, sinfónica y otros géneros musicales.  Sin embargo, fue la ópera la que le dio fama.   Su primera ópera fue “Adelson e Salvini” en 1825, cuyo éxito fue rotundo y, a raíz de éste, Domenico Barbaja, director del Teatro de San Carlos de Nápoles y de La Scala de Milán, encargó a Bellini que produjera más obras.  Probablemente, su ópera más conocida es “Norma“, sobre todo, porque en una de sus reposiciones fue protagonizada por la afamada cantante María Callas.

 

Los expertos dicen que las óperas de Bellini son representativas de la pasión romántica.  Se sabe que Bellini sirvió de inspiración a otros célebres compositores, como Verdi y Wagner en el aspecto operístico, mientras que en el ámbito instrumental a Chopin y Liszt, entre otros.  Quizá por su sensibilidad y conocimientos Vincenzo Bellini hubiera sido el más grande compositor de todos los tiempos, pero lamentablemente la vida no le duró tanto para serlo.  La obra que cerró su ciclo creativo fue LOS PURITANOS (I puritani), con libreto de Carlo Pepoli, basada en Têtes rondes et cavaliers (Cabezas redondas y caballeros) de Jacques-François Ancelot y Joseph Xavier Saintine, misma que fue estrenada en París en el Théatre Italien (Teatro Italiano) el 24 de enero de 1835.  Unos cuantos meses después, Vincenzo Bellini perdió la vida tras una breve enfermedad, el día 23 de septiembre de ese año, teniendo tan solo 34 años de edad.

 

A pesar de su corta vida, Vincenzo Bellni es reconocido como un insigne compositor y destacado melodista. La ópera es una de las disciplinas musicales que más trabajo demanda.  De principio, se requiere de     un texto, luego los parlamentos con arias y recitativos, algunos coros para apoyar a los intérpretes, la composición musical y la orquestación.  Cada melodía debe ser interpretada por un cantante con determinada tesitura,   Así mismo, se debe mantener la continuidad de la acción dramática y combinar los cuadros con precisión y las voces con armonía.

 

La trama de LOS PURITANOS es un triángulo amoroso.  Riccardo está muy enamorado de Elvira y regresa del campo de batalla dispuesto a conquistarla, pero al llegar se entera de que Elvira está por casarse con Arturo.  Tras un malentendido, la boda no se celebra.  Elvira pierde la razón por el amor que profesa a Arturo,  La acción se desarrolla en una época en que estaba de moda Escocia, con todo su romanticismo, aunado a sus brumas y castillos tenebrosos.  Cromwell había derrocado a Carlos I, último rey de la dinastía Estuardo, así que al drama romántico que viven los protagonistas, se le suman los conflictos social, político y religioso que privan en esos momentos.  Se sabe que los partidarios de Cromwell practicaban un protestantismo extremo que, en aquel entonces, se definía como 2puritanismo”.  De ahí el título de esta ópera.

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Los personajes son:  Elvira –soprano– (hija de Lord Valton, enamorada de Arturo).  Lord Arturo Talbot –tenor– (novio de Elvira, Capitán, partidario de los Estuardo),  Sir Riccardo Forth  –barítono– (coronel, líder Puritano y enamorado de Elvira),  Sir Giorgio Valton –bajo– (tío de Elvira, coronel retirado, Puritano),  Enrichetta de Francia –mezzosoprano o soprano– (viuda de Carlos I, fugitiva de Cromwell),  Sir Bruno Robertson –tenor– (oficial Puritano, amigo de Riccardo),  Lord Gualterio Valton –bajo– (padre de Elvira, Puritano, Gobernador del Castillo de Plymouth),  y  el Coro (soldados, Puritanos, habitantes del castillo y otros).

 

Aun cuando Vincenzo Bellini concibió la expresión lírica demandando gran precisión y agilidad vocal, así como la utilización de marcadas y variadas coloraturas, el elenco mexicano superó el reto y sorprendió a la audiencia con su magistral interpretación.  Leticia Altamirano (Elvira),  Javier Altamirano / Alessandro Luciano (Lord Arturo Talbot),  Armando Piña (Sir Riccardo Forth),  Rosendo Flores (Sir Giorgio Valton),  Isabel Stüber Malagamba (Enrichetta de Francia),  Enrique Guzmán / Edgar Gutiérrez (Sir Bruno Robertson),  y  José Luis Reynoso (Lord Gualterio Valton).  Los Covers o Suplentes son:  Angélica Alejandre (Elvira),  Hugo Colín (Lord Arturo Talbot),  y  Oscar Velázquez (Sir Riccardo Forth).

 

El diseño de escenografía de Luis Manuel Aguilar es muy acertado, provee el ambiente propicio, práctica y ofrece ciertas variantes.  La espectacularidad escénica reside en el diseño de vestuario por parte de Brisa Alonso, a quien con esta encomienda se le dio la oportunidad de tener un lienzo de mayores dimensiones para plasmar su arte.  En esta ocasión, Brisa pudo echar mano de oropeles, gasas, sedas, linos, rasos, mantas, brocados, apliques, complejos bordados, y hasta hojalateó armaduras, sin dejar de lado los múltiples detalles, como botonaduras y demás.  Brisa Alonso desplegó su creatividad en todos los atuendos de dama y de caballero.  Combinó telas y colores en forma impresionante.  La elegancia y vistosidad alcanzadas son incomparables.  La talentosa Brisa no se ciñe por esquemas ni se impone límites, sin embargo, realiza una exhaustiva investigación para determinar tendencias y modo de la época de que se trate.  Igual confecciona un traje varonil en tonos vivos que provee vuelo a una falda sin necesidad de un miriñaque metálico.  Prueba de ello es que Elvira, enfundada en su suntuoso vestido de novia, puede hincarse, correr, o arrojarse al suelo, sin denotar rigidez alguna por el vestuario.  Definitivamente, Brisa es una de las mejores diseñadoras de vestuario en nuestro país.

 

El resto del equipo creativo está integrado por:  Srba Dinic, director concertador,  Ragnar Conde, director de escena,  Carlos Arce, diseño de iluminación,  Gabriel Ancira, diseño de maquillaje y peluquería, Orquesta y Coro del Palacio de Bellas Artes,  Christian Gohmer, director huésped del coro,  Bertha Coutiño, producción,  Rogelio Riojas-Nolasco, asistente musical,  Gilberto Gamboa,  Sergio Vázquez y Ángel Rodríguez, pianistas y maestros internos,  César Velázquez y León Felipe Tapia, maestros internos,  Hilda Pamela Garduño, asistente de dirección de escena,  Francisco Méndez Padilla, traducción y supertitulaje.

 

LOS PURITANOS se estrenó en México en el Teatro Principal en febrero de 1843.  Se volvió a representar en el Palacio de Bellas Artes hasta mayo de 1952 y recientemente a finales de mayo de 2016.

 

El desempeño de los artistas mexicanos dedicados al  bel canto es extraordinario.  Varios de ellos son constantemente contratados para plazas importantes en todo el mundo y representan a México con mucha dignidad.  Nos sentimos muy orgullosos de ellos.  Esperamos que LOS PURITANOS sea repuesta en un futuro próximo.  De cualquier forma, es grato saber que el Palacio de Bellas Artes siempre ofrece una cartelera amplia y atractiva.

 

LAS ANALFABETAS (INCONGRUENTE E INTRASCENDENTE)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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En el sentido más simple de los términos, entendemos por incongruente algo imposible en la realidad y por intrascendente algo que no aporta casi nada o nada, con estas palabras definiría el texto LAS ANALFABETAS, de Pablo Paredes, dirigido por Paulina. Veamos por qué.

 

Una mujer, Ximena, de cincuenta y tantos años de edad, no sabe leer ni escribir a pesar de haber asistido a la escuela, por lo menos al primer año de primaria; nadie, ni sus maestras se percataron del “pequeño detalle”, hubiera sido más creíble ubicarla como una niña a la que sus padres nunca mandaron a un plantel educativo. Posee un carácter agrio, siempre atacando, cuestionando todo, rebelde, de repente cede para contra atacar. Desea aprender para escribirle cartas al presidente de la República, a los Reyes Magos, a su madre -a la que odia- y leer una carta dejada por su padre antes de que la abandonara. Incongruencia en el fondo dramatúrgico, sobre todo por lo primero apuntado en las primeras líneas de este párrafo. Además, analfabeta, pero vive en un departamento cómodo, con qué subsiste económicamente, sabrá Dios.

 

Transcurren varios, mejor dicho muchos minutos desde el inicio, ya sabemos que Ximena es analfabeta, ha contratado una maestra particular de español, para que la enseñe. Jaqueline muestra paciencia de santo con esa rebelde; en concreto el texto no aporta nada en gran parte del desarrollo inicial, diálogos intranscendentes, nada para meditar, una obra para el olvido. Si una es maestra de español por qué el título en plural, la pretensión, hay muchas formas de ser analfabeta.

Llega la lectura de la carta paterna, igual de intrascendente que toda la obra.

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Si el texto no da para mucho, la dirección menos. Paulina García -en medio de una escenografía realista , el interior del departamento de Ximena, e iluminación de Laura Rode- nos lleva por un montaje monorítmico, plano, sin emotividad -salvo dos escenas, una cachetiza entre ambas y un baile producto de la borrachera- el trazo es muy limitado, en su favor sólo se puede decir que ante un texto tan incongruente e intrascendente es mucho lo propuesto.

 

Un elenco de primer nivel, Dolores Heredia y Gabriela de la Garza, dos histriones, reconocidas nacional e internacionalmente, ambas con muchos triunfos en sus carreras, tanto cinematográficas como teatrales. es una lástima, ante la falta de un buen texto, digamos al menos fuera aceptable, y una dirección sin imaginación, es demasiado lo hecho en el escenario. En verdad un desperdicio.

 

LOS ANALFABETAS se representa en La Teatrería, colonia Roma, los viernes a las 21:00, sábados 18:00 y 20:00 y domingos 17:00 y 19:00 horas.

 

 

LA COLABORACIÓN

Por: Dalia María Teresa De León Adams

 

La Compañía Nacional de Teatro está estrenando la obra de Ronald Harwood La Colaboración.

 

Harwood nació en Ciudad del Cabo, Sudáfrica el día 9 de noviembre, de 1934, sin embargo se trasladaría a vivir en la ciudad de Londres en 1951, en donde se unió a la importante Shakespeare Company, fue presidente del PEN club y, obtuvo preseas como ganador por mejor adaptación de los guiones cinematográficos de “El pianista” en 2002 y, “La escafandra y la mariposa” en 2007. Actualmente Sergio Bela se dio a la tarea de traducir la obra al español La colaboración de Ronald Harwood, dirigiéndola magistralmente.

 

Sergio  Bela fue motivado ante su predilección por el afamado músico alemán Richard Strauss; música que inclusive dirigió en dos ocasiones en la Unión Americana y, que fueron la opera de “Salomé” y “La mujer sin sombra”. Por ello decidió traducir La colaboración, pues dicha dramaturgia está basada en un episodio de la vida artística del alemán Richard Strauss.

 

La trama de ésta puesta en dos tiempos escénicos. La narración está hecha a través de la imaginación de su autor, quien imaginara los posibles diálogos que surgieron en la época hitleriana entre el músico Richard Strauss y su escritor Stefan Zweig, mientras ambos componían la obra operística “La mujer silenciosa”.

 

La obra también ventila la situación imperante en cuanto que en aquellos tiempos, cuando el Tercer Reich se daba a la tarea de eliminar cualquier influencia judía, dentro de la cultura alemana recalcitrante quedó prohibida la obra, pese al gran éxito obtenido en el estreno.

 

Los pormenores de la gran mistad qué había surgido entre éstos dos grandes genios, son plasmadas en ésta obra teatral con las magníficas actuaciones de Juan Carlos Remolina y Diego Jáuregui, compartiendo créditos con otros grandes actores entre los que se encuentran Andrés Weiss, Renata Ramos, Mariana Gajá y Ricardo Leal.

 

Además nos encontramos con el diseño escenográfico y de iluminación por parte del destacado maestro Alejandro Luna y, de la presentación en vivo durante el tiempo intermedio de un grupo de jóvenes músicos de cámara, que incluye al pianista, a una soprano, un bajo y un tenor; todos ellos interpretando un fragmento de “La mujer silenciosa”, la cual estará por siete ocasiones en el hall del teatro.

 

La obra se presentará en la Sala Héctor Mendoza del CNT de jueves a domingos hasta el día 31 de Julio.

 

JOB (FUNCIÓN CON UN SOLO ESPECTADOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen Facebook de Vicente Ferrer

 

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He vivido muchas anécdotas en torno al teatro, unas las he gozado, las menos sufrido, sin embargo, me acaba de suceder una para el libro de los récords: ser el único espectador -además con cortesía- en la sala; aun cuando expresé no tener ningún inconveniente si suspendían, los encargados del lugar me dijeron se daría la representación. La falta de público en esta forma escandalosa y patética tiene su razón de ser: un fallido monólogo en todos los sentidos.

 

Lleva por título Job, gira en torno a la vida del santo -sabemos no existió, es un personaje mítico legado por la religión judía y aceptado por el cristianismo-, cuya principal virtud fue la abnegación, aunadas a la paciencia y fe que siempre tuvo en Yavé. El texto es nada más y nada menos de Fernando Savater. ¿Qué se puede decir del mismo? De una gran profundidad, de reflexión, se desarrolla entre lo teológico y lo filosófico y, obvio, una riqueza poética. Después de todas las calamidades sufridas por Job -pérdida de sus propiedades, ganado, riqueza y familia- se refugia en una caverna, ahí lo sitúa Savater en una meditación ficticia, esto es, más allá de la versión bíblica.

 

Normalmente cuando un monólogo fracasa se culpa al actor, en este caso toda la responsabilidad, al menos la mayor parte, es del director, Juan Carlos Torres, quien puede presumir de falta de imaginación y creatividad. esto se traduce en creer que proyectando unos fotomurales -hacen las veces de ciclorama- se recrea la caverna; no hay escenografía, absolutamente nada, sólo algunos, mínimos elementos de utilería. Unos silencios interminables, recordemos en el teatro un minuto es una eternidad; apagones van y viene. El actor extiende una tela, dibuja -creo- una “figura humana”, qué simboliza, excelente pregunta pero sin respuesta. En una escena mientras dice el actor su texto, éste se la pasa limpiándose las piernas, en realidad ni él lo cree, en otra la voz se convierte en un susurro. Lo único rescatable, emplea voz en off para escuchar parte del Capítulo 1 del libro de Job (Biblia). La lista de desaciertos es interminable, ahora se entiende por qué no hay público.

 

La víctima de la dirección es Vicente Ferrer, entregado, hace su lucha, pero ante todo lo anterior no hay mucho por hacer. No hay más que decir, sólo agradecer la tortura dura 50 minutos.

 

JOB se presenta en el Círculo Teatral (Ciudad de México), los domingos de julio a las 18:00 horas.

ESCORIAL (EL REY QUE QUISO SER BUFÓN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional.

 

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Escrita en 1928, aun cuando pudo ser ayer, BUFÓN es una obra que nos adentra en el manejo del poder por parte de un rey absolutista y su relación con el pueblo. Considerado un baluarte de la dramaturgia universal, Michel de Ghelderode (Bélgica), nos brinda una comedia grotesca con tonos de tragedia. Un rey quien representa el poder; un bufón quien simboliza a los súbditos. El primero, ante la agonía de su odiada esposa, saca a relucir todas sus frustraciones, sobre todo la impotencia cuando se percata no todo se mueve a su voluntad. Folial, su bufón, es obligado a representar una farsa, ésta tiene la peculiaridad de que ambos cambian sus roles, esto es, el rey quiso ser bufón. Éste no cree en su rey y por su alteza no cree en la fidelidad del otro. La idea del autor, supongo, es convertir a los dos -cuando intercambian los roles- , hacerlos más humanos. Un texto empapado en la poesía, de una gran teatralidad y contundencia escénica, nada le falta nada le sobra. En concreto, la eterna lucha por el poder y sus consecuencias en la relación gobernante-gobernado.

 

Luly Rede montó esta obra hace 17 años, hoy la retoma con el mismo vigor e ímpetu. Una propuesta artística, crea la atmósfera para el encuentro personajes-espectadores. Un trazo de gran manufactura. Parece que el primer estreno fue ayer, la farsa no ha perdido frescura, si se permite la expresión, profundiza escénicamente en lo fundamental y permite la catarsis con los toques de humor ahí infiltrados. Por escenografía, sólo el trono; el vestuario sugiere una época pasada, ¿cuál?, no es importante y una iluminación con la que refleja el interior de los personajes. Una gran propuesta de dirección. Considero a Luly no se le ha dado el reconocimiento y lugar que merece en el ámbito teatral.

 

Patricio castillo y Roberto Sosa, dos portentos de la actuación. Se conjuntan en forma perfecta. El primero tiene la habilidad histriónica de transmitir la decadencia del soberano, como otros sentimientos: culpa, soledad, dependencia, angustia… El segundo encarna el dolor, no sólo propio sino el de toda una sociedad; admirables e inolvidables escenas cuando caracteriza a un can, sus expresiones faciales y corporales indescriptible como impresionantes, da gusto encontrarse con dos histriones en el mismo escenario, transforman el teatro en toda una expresión de ARTE. También aparecen en escena Roberto Ríos “Raki” y Tania Arredondo, papeles circunstanciales -un monje y la reina- a tal grado que la actriz no pronuncia una sola palabra.

 

Puesta en escena apoteótica, de esas que la gente -los verdaderos teatrófilos- no debe perdérsela, una experiencia inolvidable. ESCORIAL se representa en el Foro Shakespeare, los sábados de julio a las 13:00 horas.

 

EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA

Textos y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

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Parte de los problemas que existen en nuestro mundo es porque quisiéramos que los demás fueran como nosotros.  Eso es imposible.  En realidad, lo que nos distingue como seres únicos e inigualables es la individualidad y ésta no podría notarse si no viviéramos en un mundo donde priva la diversidad.  Imaginen un mundo donde hubiera 10, 20 ó mil personas iguales.  Eso sería un caos.  No podríamos reconocer ni a nuestros propios familiares.  Todos y cada uno de los seres humanos tiene derecho a vivir su vida como mejor le parezca y a sentirse orgulloso de ser quien es.

 

Cada quien tiene habilidades y discapacidades.  Se puede ser bueno para el estudio y malo para el deporte o viceversa.  Cada persona nace con particularidades en su fisonomía, por ejemplo, color de piel, de ojos, altura, complexión, etcétera.  Así mismo, hay quienes carecen de determinada facultad, como la vista, el habla, el oído, la movilidad.  Son seres con capacidades diferentes, pero depende de su esfuerzo personal el que puedan superar sus carencias y vivir una vida totalmente normal.

 

En el ámbito teatral, Seña y Verbo: teatro de sordos, fundada en 1993 por iniciativa de Alberto Lomnitz, es una compañía integrada por actores sordos y actores oyentes, que presenta durante todo el año obras para  adultos y para niños, en las cuales la Lengua de Señas Mexicana (LSM) se combina en escena con el español hablado, para crear espectáculos que todos pueden disfrutar.  Seña y Verbo lleva más de veinte años de labor continua, durante los cuales ha producido veinte obras originales y ha realizado giras internacionales y nacionales.  En su haber tienen más de dos mil representaciones en la Ciudad de México.

 

En forma paralela a sus actividades artísticas, han incursionado en forma significativa en materia de educación, promoviendo activamente la Lengua de Señas Mexicana –LSM– y el respeto a la cultura de los sordos de nuestro país.

 

Una de sus obras más recientes es EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA, de la autoría de Alberto Lomnitz y Carlos Corona.  Un texto de buena factura, cuya narrativa aborda la contratación de la detective Maraña para esclarecer el caso de un hombre que desapareció en un circo.  El problema estriba en que, al principio, la joven Maraña no entiende de qué se trata, pues quien requiere de sus servicios es sorda.

 

Para aceptar el trabajo y poder tener una buena comunicación, Maraña se verá precisada a aprender la Lengua de Señas Mexicana.  Ya en el circo, además de realizar las actividades propias de su trabajo, la detective tendrá oportunidad de disfrutar del acto de los felinos –un león y una leona adorables–, el de unos graciosos payasos y el del mago, quien será clave para la solución del caso.

 

El montaje está muy bien ambientado.  La escenografía diseñada acertadamente por Alberto Lomnitz y Carlos Corona hace que con unos cuantos elementos el espectador sienta que está frente a un circo.  El vestuario, concebido por Edyta Rzewuska es colorido y muy variado, reflejando el ámbito circense.

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La música original de Taniel Morales e interpretada en vivo por Alejandro Uribe coadyuva a proporcionar el entorno mágico y festivo.

 

La labor de dirección por parte de Alberto Lomnitz es impecable, trazo escénico bien equilibrado, acción constante, buen ritmo.

 

Extraordinario trabajo histriónico de todo el elenco.  La bella y carismática Valentina Sierra da vida a la detective Maraña, en tanto que Roberto De Loera, Eduardo Domínguez y Socorro Casillas interpretan a todos los demás personajes del circo, mostrando su versatilidad y cambiándose de vestuario entre escena y escena.  Igual son leones, domador, payasos, mago, o empleados del circo.  Valentina alterna funciones con Daniela Flores.

 

El resto del equipo creativo está conformado por Brenda Daniela Guerrero en producción,  Diego Calderón en asistencia de producción,  Antonio Zacruz en gestión y gerencia operativa,  Karla César Bazán en coordinación de comunicación y asistencia de gestión,  Dora Pérez Aguinaga en administración,  Blanca Pérez en asistencia de administración  y  Sandra Narváez en prensa y difusión.

 

Es loable que se realice este tipo de teatro.  En el mundo mágico del circo, atractivo para chicos y grandes, los pequeños toman conciencia de que existen seres con otras capacidades que son lindos y simpáticos.  Los personajes llaman su atención y se muestran muy interesados en aprender la forma de comunicación que ahí se les explica, combinando el abecedario con la Lengua de Señas Mexicana.  Un espectáculo donde lo didáctico es impartido de una manera mucho muy divertida.

 

Recientemente concluyó temporada EL MISTERIO DEL CIRCO DONDE NADIE OYÓ NADA tras presentarse con gran éxito en el TEATRO SERGIO MAGAÑA de la Ciudad de México.

 

DESIERTA (TEXTO Y PUESTA EN ESCENA APOCALÍPTICOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Jonathan Ramos hace su debut teatral -ópera prima- como dramaturgo y director de DESIERTA, texto y montaje con esencia indiscutible de apocalípticos, versión escénica -por cierto muy socorrida y desgastada por la cinematografía- de la posible extinción del ser humano como especie, en un planeta -Tierra- donde hasta las cucarachas están desapareciendo.

 

En concreto: “Espectáculo escénico que narra la historia de la existencia de Desierta en un mundo post catástrofe. Un mundo donde humanos han evolucionado y los seres no evolucionados están siendo eliminados”. Seres que no quieren ser historia pero son ella. Purgadores -así se denominan a los evolucionados- son los asesinos del nuevo estado. Los no evolucionados se la pasan huyendo de sector en sector. Un mundo -ya se mencionó- apocalíptico, reina el caos, el desastre, la persecución, el miedo, el hambre, la lucha por la existencia, tener como objetivo extinguir a otros, unos pocos no evolucionados sobreviven. Para unos está cerca el final, en un estado terrorista, donde la prisión y la tortura es habitual; el vacío, en todo sentido, predomina.

 

Por tratarse de una ópera prima se debe reconocer es un buen inicio en un medio tan competitivo. Demasiado lineal el desarrollo de la trama, habría que recortarle un poco, no tanto por la duración sino porque a fuerza de poner a filosofar a los personajes, el autor cae en la retórica, llega el momento en que ya no aporta mucho, la esencia está dicha el resto es discursivo. No deja de ser interesante su visión futurista -en demasía pesimista, aun cuando hay un acto de contrición- sobre la desaparición del ser humano. Nuestro nobel dramaturgo tiene provenir, de él depende hasta dónde quiere llegar.

 

Vayamos al Jonathan director. Si partimos de las carencias y por lo mismo limitaciones de los equipos de iluminación, proyección y sonido, para cualquiera es un reto montar en Casa Actum. Él resuelve con actuaciones, coreografías, vestuario (harapiento) y una “escenografía” completamente sin imaginación, unas bancas arrumbadas en una orilla del escenario, éstas simbolizan la destrucción, al menos es mi lectura. Las coreografías sirven, en forma, para dar paso a los actos de violencia, acertada la decisión, son peleas sugeridas, no reales. Por fortuna todo el peso recae en su equipo actoral, quienes le imprimen vigor al texto, una exaltación a los purgadores como seres enseñados a despreciar a los no evolucionados, estos están convencidos que los recuerdos duelen porque han vivido demasiado, además huyendo. Multimedia espantoso, un desastre, no un apoyo.

 

El reparto está conformado por Michele Ayala, Ernesto Licuona, Emiliano Lourel, Ana Belén Ortiz y el propio Jonathan Ramos (cuidado con querer ser todólogo, esto casi siempre lleva al fracaso en todos los rubros). Grupo bien conjuntado, acoplado, comprometido con el trabajo de conjunto, todos entregados al mismo fin, el desgaste mental y físico es alto, por fortuna logran salir avantes. El único pero es el de Ernesto Lecuona, quien al menos en esta ocasión no asimiló es diferente una voz de actor firme, segura con volumen audible y otra gritar hasta desgañitarse.

 

DESIERTA está en temporada en Casa Actum (Héroes del 47-9, Col. San Diego Churubusco, Metro General Anaya, Ciudad de México), los miércoles hasta el 27 de julio a las 20:30 horas.

 

APOTÉOTICO MONTAJE SOBRE COCO CHANEL

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

 

Pilar Boliver demuestra sus cualidades histriónicas en un apoteótico montaje del monólogo COCO MADEMOISELLE GABRIELLE, escrito magistralmente por Silvia Peláez. Ambas hicieron una amplia y profunda investigación sobre una de las mujeres más importantes del siglo XX, no sólo por el estilo que creó en la forma de vestir de la mujer, sino por ser pionera del concepto que ésta debía ser libre e independiente aunque eso le significara, al final de cuentas, la soledad aún cuando gozara del poder, la riqueza económica y el disfrute de todos los placeres mundanos.

 

La actriz domina el escenario, proyecta la soberbia del personaje y al mismo tiempo su lado humano. da una cátedra, literalmente, sobre la interpretación de un montaje unipersonal. De principio a fin atrapa al público, su expresión facial es impresionante, proyecta emociones, sentimientos, estados de ánimo; conduce con su actoralidad a lo más profundo del alma de Coco. Sin ninguna duda estamos en la plena madurez de Pilar, es innegable que es el mejor trabajo de su larga trayectoria artística.

 

Por otra parte, Silvia -autora y directora- ofrece un texto y una puesta en escena impecables, una pieza dramática inmersa en el sarcasmo, con algunos tintes de humor. Nos adentra en lo más íntimo de una de las mujeres más influyentes de la pasada centuria. El texto inicia con una mujer en los últimos momentos de su vida, en la decrepitud, a los 87 años de edad, agobiada por problemas respiratorios (cigarro), el consumo de morfina. Hace una retrospectiva de su existencia, curiosamente contándosela a sí misma, a Gabrielle su otro yo, la niña que quedó huérfana, creció en un orfanatorio, pero a quien el trabajo le salvo la vida.

 

La obra está tan bien escrita que a pesar de tratarse de un monólogo biográfico, nunca cae en lo didáctico, menos en lo narrativo. la vejez, la soledad, la añoranza, una cierta demencia, amores, fracasos, poder…; abrir la ventana de una existencia, de una mujer que no creó una moda sino un estilo de vida, del buen gusto -más allá del renombrado perfume Chanel No. 5-, de quien hizo una filosofía a partir de que la ropa que alguien se pone proyecta lo que en verdad es. Todo lo anterior es lo que Silvia lleva al escenario con una exquisitez dramatúrgica digna de todas las loas. Afortunadamente no traicionó su texto, su dirección le dio vida plena y gozosa al personaje.

 

Si la mancuerna actriz-dramaturga es excelsa, no se debe pasar por alto la contribución del equipo creativo: escenografía sin parafernalia, lo justo para ambientar el drama e iluminación sobria pero efectiva, ambas de Martha Benítez; diseño sonoro de Rodrigo Mendoza y vestuario y maquillaje de la propia Boliver.

 

COCO MADEMOISELLE GABRIELLE se representa en La Capilla (Ciudad de México), los lunes a las 20:00 horas, hasta el 29 de agosto.

 

BAR NOSTALGIA (EXPLORACIÓN DEL DOLOR Y LA NOSTALGIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Facebook, de la página de Marisol Cal y Mayor

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Marisol Cal y Mayor -idea original y dirección- pretende llevarnos a una exploración del dolor y nostalgia, inquietudes y pasiones de ella misma a través del espectáculo BAR NOSTALGIA, un combinación de danza y en menor grado de teatralidad, música, magia y circo.

 

Cito: “Cuando el dolor de la violencia, se embelese, llega la nostalgia. Este es un retrato íntimo e imaginario de un universo donde cada cuerpo se convierte en un territorio para destruir, construir, oprimir y disfrutar. En este bar abandonado, Elvis acompaña a los más solitarios. BAR NOSTALGIA canta al placer del dolor” (Programa de mano) Ésta es la síntesis, se necesita mucha imaginación, como sucede casi siempre con la danza, para ver en el escenario todo lo anterior, en buena parte puede ser esté sugerido, lo claro es el ambiente sadomasoquista -“el tugurio ha conocido mujeres dispuestas a perder los ojos por un abrazo”- arrabal para féminas y sus fantasmas, refugio de asesinos y suicidas.

 

Ya se mencionó gira en torno a la danza, poco al teatro, salvo algunas frases, inclusive en voz en off. Las coreografías son extraordinariamente sencilla, una -por cierto más o menos prolongada- en cámara lenta los movimientos, verdaderas mujeres fantasmas por el escenario, sin embargo, se debe reconocer hay estética. Ni remota idea dónde exploró Marisol para el espectáculo pero el proceso creativo no debió ser grato, recordemos la idea original es de ella.

 

En forma lamentable el número de magia, en la primera función de la cuarta temporada, falló en su totalidad, hecho desapercibido para la mayoría de la audiencia. Con relación al circo éste no se ve por ningún lado a menos que se refiera a dos hombres que dominan sus respectivos látigos, sin embargo, éste nos lleva más a la violencia y vejación de las mujeres.

 

Lo digno de todas las loas, de reconocimiento y admiración es la música original de León Felipe Tapia “León Colman”, muy cercano al New Ege, al menos fue la impresión que me provocó igual nada que ver. Una excelente interpretación del tema ÁMAME ETERNAMENTE, por parte de Héctor Ortiz como el rockero “Elvis”, no hay que ponerle apellido para saber de quien se trata.

 

La puesta inicia con una verdadera cursilería, en proscenio aparece una botarga, un conejo, al quitársela quien la porta, aparece una mujer a medio vestir, cuál es la idea, cada quien puede interpretas lo que quiera. Aparecen después las verdaderas bailarina, cuerpazos, en algunas escenas desnudas del torso, gracia, y a fuerza de repetir, le dan sentido estético a las coreografías por más sencillas que sean. En conjunto participan en el escenario: Marisol Cal y Mayor, Dionisia Fandiño, Mary Patricia Koyak, Milena Pitombo, Leonardo Villa y Salvador Petrola.

 

BAR NOSTALGIA se presenta los martes, hasta el 13 de setiembre, a las 20:30 horas, en el Teatro Helénico (Ciudad de México).