Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

UN SUEÑO PROFUNDO (AUTOEXPLORACIÓN DE LA HISTORIA DE UNA VIDA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Si por amnesia entendemos la pérdida parcial total de la memoria, debemos imaginar lo desesperante y la tortura para la persona que la sufre, vivir en pleno desconocimiento existencial. Es el tema de fondo de UN SUEÑO PROFUNDO, de Jonathan Huesca, texto por demás interesante en su planteamiento, inteligente, en ocasiones denso y misterioso, de ahí obligada la atención permanente, cualquier distracción puede ser fatal para el espectador.

 

Romel, nombre del protagonista amnésico, se percata de estar en un lugar desconocido junto a una mujer inconsciente, no sabe quién es. Sin embargo, se enfrenta con dos personas éstas lo quieren ayudar, apoyar para que recobre la memoria. Cito: “Romel, desconfiado, tendrá que hacer un esfuerzo de autoexploración y desentrañar la historia de su vida, pero deberá darse prisa, sólo le quedan 24 horas”. (Programa de mano) La limitación de tiempo tiene una razón de ser, es parte del misterio dramatúrgico, no entro en mayores detalles por razones obvias.

 

Jonathan Huesca tomó la decisión de autodirigirse, Desde mi perspectiva le deja todo el peso a la riqueza del texto, de la anécdota, sin embargo, la puesta es pobre con relación a la dramaturgia. La escenografía -más simbólica, nada realista. se reduce a unas tarimas, el público debe imaginar lugares, situaciones, lo cual no es malo, es parte de lo antes mencionado: un descuido, una distracción y se pierde el hilo conductor de la obra. Se le debe reconocer el trazo es loable, parece caigo en un contradicción, sin embargo, reitero, entre la riqueza del texto y el montaje hay mucha distancia. La iluminación, considero, podría ser mejor, muy sencilla, más aparatosa pero efectiva. La asistencia de dirección es de Erika Medina y la producción ejecutiva de Erick Saúl Elizondo.

 

Destacadas actuaciones de Natalia Plascencia de la Torre, Tamara Vallarta, Sergio Belver y Aldo Barhego. Un cuarteto de entrega total, asimilan el texto en forma impecable, cada uno compenetrado con la historia, más importante con la psicología de los personajes. Llevan a a los asistentes por el intrincado laberinto de emociones que plantea Jonathan. No ubico por nombre a las chicas, sin embargo, reconozco el gran trabajo de quien hace de inconsciente, no es fácil estar una buena parte de una puesta en escena sin hacer “nada”.

 

Hay cosas que no se pueden ocultar por más que uno quiera callar, sostiene Jonathan, cuáles, mejor asistir al Foro Shakespeare (Ciudad de México), los martes a las 20:30 horas.

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

XXXIII Entrega de Premios APT

 

* Establece criterios que los demás observan o imitan

    Mario Ivan

 

Sin duda, la frase de Zaide Silvia Gutiérrez “El premio es la terna” es absolutamente cierta,  los historiadores tienen un programa de mano para conocer <Lo mejor que hubo en la escena 2015>. Los grandes musicales ganadores fueron La Jaula de las Locas “Remontaje Musical del Año”, El Rey León “Premio Manolo Fábregas para musical Internacional”; Broadway a la sexta “Premio Memo Méndez, Musical Nacional”, algunos de ellos estaban trabajando a esa hora, Carlos Rivera y su concierto en el Hipódromo de las Américas terminó a las dos de la mañana, donde por cierto, lo escuchó Antonio Banderas.

 

Cada entrega de Premios APT lleva más producción: en la XXXIII entrega tuvimos un video semblanza de Mr. Teatro, Manolo Fábregas, quien cumplió 20 años de fallecido: el primer número musical lo mandó Gerardo Quiróz, el segundo fue regalo de Marco Villafán y Andrés Naime. La entrega de estatuillas fue en el Centro Teatral Manolo Fábregas gracias al apoyo de la Señora Fela Fábregas, como siempre la dirección de escena corrió a cargo del talentoso Manolo Sánchez Navarro.

 

Odiseo Bichir

Entre los momentos más emotivos: cuando Blanca Guerra recibió el “Premio Silvia Pinal para mejor actriz”, por La Gaviota y dijo con nostalgia “es el primer premio que recibo”; la Actriz Infantil María Perroni recibió otra estatuilla por Anita la Huerfanita, tiene carisma; Pilar Pellicer vivió un momento vibrante cuando Juan Ignacio Aranda -conductor junto con Thelma Dorantes- hizo una semblanza acerca de su trabajo cinematográfico, televisivo y también estuvo hace poco en el Galeón con “La Mirada de las moscas”. Tambien fueron conductores: Angeles Marín, Adriana Llabrés y Luis Manuel Avila; geniales, con estilos propios, muy alegres y con ritmo vigoroso.

 

Paco Rabell

Las obras más galardonadas, con tres estatuillas cada una: La Gaviota, La Dalia Negra y La Jaula de Las Locas. Jorge Ortiz de Pinedo estaba de gira, subió su hijo Pedro en varias ocasiones con el elenco de la obra que introduce el nuevo concepto “Cinemática Teatral”, comic, foto fija, filme y escenas actuadas, que dirigió magistralmente el equipo integrado por Matías Gorlero, Alejandra Ballina, Sergio Villegas, Pedro y el adaptador Oscar Ortiz de Pinedo. La Gaviota: Premio “Silvia Pinal” para Blanca Guerra, Presea “Ignacio López Tarso” Odiseo Bichir y Diego del Rio la estatuilla “Salvador Novo”.

 

Dieron brillo en un número musical, Karina Avalos, Joaquín Enríquez, Scarlett Chico y Tzáitel Santini (Quiroz Producciones y ProArt).  En el otro: Eugenio Montessoro, Andrés Elvira y Mauricio Romero (Broadway a la sexta), vimos altísimo nivel en ellos, también en el video semblanza que hizo Fernando Izquierdo, otras imágenes del año teatral fueron aportado por Laura Martínez y Alejandro Bernal (programa ciber@rte).

 

Ariadne

“Ariadne Diaz, La dalia negra, su primer galardón teatral”

 

Los más asediados para las entrevistas: Ariadne Díaz, Mario Iván Martínez, Pedro Ortíz de Pinedo, Odiseo Bichir, Blanca Guerra, Alejandro Ruiz Ramos (desarrollador del servicio de obras teatrales por internet “on demand”). Breve, duró menos de dos horas. Y hay más que comentar, pero lo haré en mi siguiente columna.

 

HEY! WOYZECK PERRO! (LA TRAGEDIA DEL HOMBRE COMÚN)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Refiere Eve K. Sedgwich (Permomativad Queer): “La vergüenza es el sentimiento que cubre el umbral entre la introversión y la extroversión, entre la absorción y la teatralidad, entre la permomatividad y la permotavilidad. Vergüenza y ataque son los temas centrales de HEY! WOYZEECK PERRO! (La tragedia del hombre común) propuesta escénica de creación colectiva, bajo la dirección de Carmen Ramos, versión libre sobre la obra WOYZECK de George Buchner.

En más de alguna ocasión he comentado, los conservadores no están de acuerdo con las adaptaciones libérrimas de un texto, en contraparate están los que apoyan se asuman riesgos para dar un enfoque moderno, variaciones para tratar un tema. Así, Carmen Ramos y compañía se aventuran en una propuesta escénica, más que teatral, creo, es un performance, irreverente, contundente y directo, do0nde se habla o se aborda el tema del ataque, curiosamente el protagónico, por decirlo de alguna forma, lo lleva más el atacante no el atacado, el primero tiene una serie de “justificaciones”, llámese el medio social donde vivió o cualquier otra razón. Una necesidad de agredir porque él otro es o posee lo que no tiene. Un planteamiento por demás interesante, motivo de análisis, claro no es lo mismo que algo condicione a que lo determine. Queda a criterio del espectador.

Carmen Ramos, en su calidad de directora, emplea un espacio muy amplio y poca escenografía  con relación a éste. Varios planos se manejan, se entreponen escenas, por momentos hay caos, sin exagerar no es aventurado decir los actores gozan más que el público, éste está disertando: ¿Qué pasa en el escenario? Butacas mobibles, susto cuando pasa por primera vez; se rompen las cuatros paredes (digamos se trata de teatro circular); juego de dados y barajas los asistentes participan, hay premios; se ofrecen bebidas; naturalismo (comida) en el escenario. Permomnance o sise quiere teatro experimental o de búsqueda.

El caos escénico lo provocan Anabel Saavedra, Roldán Ramírez, Alejandro Navarrete, Roberto Campos, Roberto Paredes, Isaí Flores. Juan c. Saavedra y la propia Carmen Ramos. ¡Actores u ocho locos dando rienda suelta a sus inquietudes escénicas? Cada espectador lo decidirá. Lo cierto, una propuesta diferente a lo convencional, entretenida o aburrida según la postura de cada persona. Ser irreverente en el teatro ha sido el camino de grandes creadores.

HYE! WOYZEECK, PERRO! será polémica, hay que asistir y emitir opinión, por ello acudir al teatro El Galeón, los lunes y martes a las 20:00 horas, hasta el 24 de mayo (suspende el 5 de abril).

HEY! WOYZECK PERRO!

Por: Dalia De León Adams.

 

Como es sabido, la obra de George Büchner HEY! WOYZECK PERRO! es una tragedia en donde la consigna parece ser el paralelismo entre la vergüenza y orgullo, a través de cómo una persona puede proyectar su vergüenza oculta en aras de un supuesto orgullo.

 

HEY! WOYZECK! Por supuesto ha sido una obra polémica por su complejidad en el tratamiento psicológico y por su cruenta historia.

Por todo ello la obra es difícil tanto de dirigir como de actuarla. Sin embargo el día de ayer lunes 7 de marzo se dio inicio a la puesta en escena de dicha obra, solo que bajo la versión libre del grupo juvenil teatral “Creación escénica colectiva” bajo la dirección escénica de Carmen Ramos, quien además también actúa en ella junto con Anabel Saavedra,  Roldán Ramírez, Alejandro Navarrete, Roberto Campos, Roberto Paredes, Isaí Flores, Juan Carlos Saavedra y Carmen Ramos.

El texto es una inspiración y una manera de devorarlo según ellos mismo consideraron, para hacer una obra teatral diferente en donde el ambiente es una especie de casino en donde todo puede suceder, dentro de ese pequeño mundo de diversión en donde surgen riñas e incluso, un asesinato.

 

Es una historia en donde la manipulación y pasión son los elementos que sazonan la trama, junto con la agresión y los excesos

El público se divierte siendo parte del espectáculo, pues todos son invitados por los mismos actores, a jugar y apostar e incluso a ganar algunas sofisticadas bebidas, las cuales además muestran su manera de preparación.

El espectador es invitado a colaborar y por lo tanto es cambiado constantemente de ubicación dentro del foro, en donde la escenografía es movible e ingeniosa.

Palabras altisonantes son parte de un determinado tiempo escénico, en donde el significante es utilizarlas para darle la fuerza de agresión que se precisa en un momento determinado en los conflictos que constantemente surgen entre las personas y más constantemente en momentos de competencia.

 

La puesta en escena es en un solo acto escénico con duración aproximada de 90 minutos y se presenta los días lunes y martes a las 20:00 horas en el Teatro El Galeón, en el Centro Cultural del Bosque, bajo la producción del INBA y la Secretaría de Cultura.

 

 

LA OBRA DE BOTTOM (AMOR, ESTUPIDEZ Y COMEDIA)

Por: Alejandro Laborie Elías,crítico de teatro

Fotografía de Ale Mostra

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Hoy día parece que el teatro se divide en dos rubros, lo cual en parte es cierto, el cultural y el comercial. Sin embargo, el primero en términos generales se ha apartado de la comedia, género con el que nació -junto con la tragedia- esta expresión artística. Ante lo anterior es un placer, un gusto, un deleite que Iona Weissberg nos ofrezca un texto y una puesta en escena hilarante de principio a fin. Curiosamente ella define el contenido de la obra como “amor, estupidez y comedia”.

 

Si se trata de una “estupidez” ojalá todos los días se escribiera dramaturgia con tal nivel de calidad. Intitulada LA OBRA DE BOTTOM (nombre de uno de los personajes), la anécdota gira en torno a un carpintero, un sastre y un herrero quienes entran a una competencia teatral, ésta tiene como premio 25 mil chelines. Esto es hay teatro en el teatro. Aun cuando en principio los hechos se ubican en 1595, el texto incluye temas y frases contemporáneas, sui géneris combinación, efectiva para producir la risa en todo momento. Reza el programa de mano: “LA OBRA DE BOTTOM o como Shakespeare escribió la comedia de la trágica historia de Píramo y Tisbe en una noche de verano”, agrega “tres tremendos pero irreverentes actores tratan de escoger una obra para representar en la boda de la reina. Su elección, SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO… o algo parecido”. Lo cierto, a fuerza de ser reiterativo pero sincero, Iona demuestra su talento y creatividad con esta obra, una comedia impecable. Más satisfactorio, humor blanco, no hay leperadas o albures, lo cual se le agradece y se le reconoce.

 

La dirección corre a cargo de la propia Iona y Aline De la Cruz. Ritmo fascinante, un trazo impecable, el desplazamiento aprovecha todo el escenario; pantomima, objetos que cobran vida y “actúan”. Coreografías por demás divertidas, cómicas, musicalización con diversos géneros. Vestuario que sugiere una época, aun cuando en este sentido hay giros curiosos. La mayor parte de la puesta es sin escenografía, todo queda bajo la responsabilidad actoral. Sin caer en la falsa adulación, Iona y Aline hacen una gran propuesta escénica.

 

Si hasta aquí, dramaturgia y codirección son dignas de toda loa, no menos relevante para el éxito rotundo son las actuaciones de Artús Chávez (carpintero), Fernando Córdova (sastre) -alterna Rodrigo Murray- y Jerónimo Best. Los tres con una bis cómica impresionante, son el complemento ideal del montaje, es increíble como sostiene el ritmo, no dan pausa para dejar de reír, dominan el género de la comedia, se les agradece su capacidad histriónica. Ojalá el año próximo las asociaciones de críticos les hagan justicia.

 

LA OBRA DE BOTTOM, presentación de La Piara y Brujas Producciones, tiene como sede el Foro Shakespeare (Ciudad de México), los sábados hasta el 28 de mayo a las 13:00 horas.

 

A ESPALDAS DEL MUNDO ENCUENTRO TEATRAL DE CIENCIA Y FE)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía  de Ale Mostra

 a espaldas

Muchos son los que consideran que la ciencia y la fe religiosa tiene pocos o ningunos puntos de coincidencia, lo cual es inexacto como lo demuestra el dramaturgo y director mexicano Xavier Villanova en su texto intitulado A ESPALDAS DEL MUNDO. Lleva a escena un encuentro por demás interesante entre estos dos mundos, uno racional y el otro básicamente de creer.

 

Cito: ” Eduardo (un matemático irracional) y Magdala (una evangelista seductora), dos seres vulnerables, abandonados por el mundo en el que no consiguen ‘encanjar’, se entrelazan en un juego de infinitas variables, amor y muerte compartidas, y juntos emprender un viaje al origen, donde quizás, lograrán ver un dragón”. Este ultimo tiene un significado simbólico en la obra, por obvias razones no entro en mayores razones. Un texto inmerso de lleno en lo filosófico y lo teológico, invita a la reflexión. Sin embargo, por curioso que parezca hay otros dos temas centrales: la sexualidad (orgasmos) y la muerte.. Se plantea una una sentencia clara y firme: “Vivir sin motivo es un acto cobarde”.

 

Una puesta en escena intimista, hay un contacto, un acercamiento directo con el público, si bien en algún momento se rompe la cuarta pared, da la sensación de vivir la trama junto con los actores. No hay escenografía, si una buena iluminación, con un fondo (telón) negro, ideal para la temática. En varias escenas los protagonistas dialogan en dos planos, esto es, no lo hacen en forma directa, cara a cara, lo que enriquece la propuesta. Un aspecto curioso, por llamarlo de alguna forma, la dirección lleva a los actores a la farsa, por qué, queda a criterio de la audiencia.

 

Las actuaciones están a cargo del propio Xavier Villanova y Laura Camés (codirectora del montaje), excelentes trabajos, sobre todo la segunda, una entrega total, profesionalismo indiscutible, y más allá de lo teatral una mujer muy guapa. Ambos mantienen una cercanía con el público, literalmente, lo conducen a un realismo mágico, no muy frecuente en e teatro contemporáneo nacional. Logran al término de la función haya una disertación entre el pensamiento basado en la lógica y el mundo espiritual.

 

A ESPALDAS DEL MUNDO se representa en El Tintero de los Ironistas, espacio recientemente inaugurado digno de las necesidades teatrales de la Ciudad de México, ubicado en Avenida Cuauhtémoc 875, Col. Narvarte (Metro Eugenia). La temporada se llevará a cabo hasta el 2 de abril, jueves y sábados a las 20:30 horas.

PUNTA COMETA

Por: Dalia María Teresa De León Adams.

 

punta cometa

Recobrar la identidad, ser parte de un mundo, desplayar sentimientos y rencores, así como vivenciar realidades y mitos, es la temática medular a través de la cual se ensalza y muestran elementos autóctonos culturales, vivenciales, así como religiosos de la etnia zapoteca, en una obra que sitúa un mundo imaginario para contra una historia, la historia de PUNTO COMETA, el cual sirve de referente.

 

Dramaturgia de Verónica Musalen que intenta mostrar el mundo zapoteca alojado en los territorios Oaxaqueños, y que en ésta obra se intentan rescatar de manera somera.

Una familia se reúne en el núcleo matriarcal, en el ocaso del patriarca, como le llaman al tío quien los formó y educó a causa del deceso de su verdadero padre.

El tata, estelarizado por el primer actor Miguel Flores, es un hombre bueno, zapoteca, con un alto sentido filosófico acerca de la vida, quien decide reunir a sus cuatro sobrinos a quienes tiempo atrás criara, en vísperas de su muerte con el fin de hablar sobre la herencia que les legará. Ello tras de primero pedirles actuar en un lugar al cual denomina PUNTA COMETA y en donde pretende que sus sobrinos estelarizen a algunos de los dioses zapotecas que conformaran su ancestral religión y con ello, lograr que asuman sus orígenes.

 

La actuación de Miguel Flores como siempre es excelsa, sin desmeritar las actuaciones de los demás actores en escena y, quienes son Juan Carlos Vives, Muriel Ricard, Lourdes Echeverría, Gabriela Betancourt, Sonia Franco y Francisca Mena todos ellos con gran plástica actoral.

La matriarca y una nana conviven ante el cobijo de algunos recuerdos que les atormentan, al igual que a los cuatro jóvenes hijos, quienes muestran públicamente también sus frustraciones y desasosiegos.

 

También rasgos interesantes sobre la gastronomía zapoteca son descritos y ejemplificados con el apoyo escenográfico de fotografías que aparecen a manera de lienzos o muros y que nos permiten visualizar la riqueza y delicia de los platillos locales.

La historia transcurre en el marco de un solo tiempo escénico y tres cuadros escenográficos que nos llevan a imaginar el comedor de una rica casona, así como la estancia o un foro situado en el mismo PUNTO COMETA.

 

El amor filial y el enfrentamiento fraternal son puestos en manifiesto en ese encuentro familiar en donde la muerte parece rondar los muros.

PUNTO COMETA es una obra de corte surrealista en cuanto al tratamiento que la dramaturga le infiere y en donde todo puede pasar y es posible.

Escrita por Verónica Musalem bajo la dirección de David Ferré, el diseño escenográfico de Alain Kerriou y el diseño del vestuario de Teresa Rovalo, PUNTA COMETA se presentará en el Teatro Orientación de jueves a domingos, bajo la producción del INBA y La Secretaría de Cultura

 

LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO

Texto y fotos por: Eugenia Galeano Inclán

 

la arquitectura del silencio

La Compañía de Teatro El Ghetto, cuyo objetivo es ofrecer propuestas escénicas de calidad artística, cuenta con una trayectoria de más de dos décadas, durante las cuales ha participado exitosamente en numerosos festivales nacionales e internacionales. Su fundador y director es Agustín Meza. Desde hace varios años la sede de El Ghetto es la ciudad de Querétaro en el Estado de Querétaro, México

Cada creador tiene su visión particular sobre la forma de hacer teatro y, en base a ésta se definen las características del grupo que comanda. El Ghetto se ha distinguido por la versatilidad de sus producciones. Entre los montajes con los que El Ghetto ha obtenido mayor reconocimiento se encuentran: El Pasatiempo de los Derrotados … Cartas de un Idiota de Agustín Meza, Fe de Erratas de Agustín Meza, Esperando a Godot de Samuel Beckett, Woyzeck de Georg Büchner, El abuelo dice que el tiempo es un niño que juega a las canicas, Anatomía de la Gastritis de Itzel Lara, Gritos y Susurros de Ingmar Bergman, y La habitación y el tiempo de Botho Strauss.

Agustín Meza es un hombre de gran talento y mucha sensibilidad, en cuyas venas corre el teatro. La inspiración la tiene a flor de piel. Es un creativo que no se ciñe a cánones establecidos ni cae en lugares comunes. Es un apasionado de los retos y tiene la convicción de que el teatro es un arte vivo cuya ductilidad es ilimitada. Prueba de esto es el trazo escénico diseñado para Anatomía de la Gastritis, mismo que cambió diametralmente entre sus presentaciones en la ciudad de Querétaro y la Ciudad de México. Otro ejemplo es La habitación y el tiempo donde, además del dispositivo multimedia colocado en el ciclorama, utilizó papel periódico en lugar de escenografía.

No considera indispensable conformar un elenco con actores o actrices, por lo que cualquier persona ligada al arte puede ser su intérprete. Cree firmemente en la expresión artística y en la creación colectiva. Incentiva a los participantes a formular propuestas y si éstas funcionan en beneficio del proyecto, quedarán integradas.

Su más reciente creación es LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO / Homenaje escénico a Andrei Tarkovsky, la cual, fue estrenada en el Festival de teatro para el fin del mundo a finales del 2015 en la ciudad de Tampico, Estado de Tamaulipas, México, para luego viajar a Uruguay y Argentina, donde El Ghetto se vio precisado a dar el triple de las funciones que tenía programadas, por la efusividad con la que el público recibió la obra y la demanda que surgió.

El proyecto está inspirado en las imágenes de las películas de Andrei Tarkovsky, a quien se considera el más emblemático cineasta ruso. Los cimientos de LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO definitivamente van de la mano con algunas de las premisas que Tarkovsky menciona en su libro Esculpir el tiempo: El arte, anhelo por el ideal, tiempo impreso, predestinación y destino, la imagen cinematográfica, el tiempo, ritmo y edición, la realización plástica, la música y el sonido ambiental, el autor en busca de su público, la responsabilidad del artista, poemas …

Agustín Meza, como admirador de Tarkovsky, le rinde homenaje traduciendo todo esto al lenguaje teatral y concibe un montaje innovador de creación colectiva. El concepto integral es de su autoría y ciertas acciones y algunos parlamentos son propuestas de los ejecutantes. Por la intimidad que se requiere, LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO no se presenta en foros sino en espacios poco convencionales que son intervenidos. Se trata de una propuesta escénica contemporánea, radical y liminal, en la que se explora el silencio.

Al rendir este merecido tributo al reconocido Tarkovsky, Agustín Meza, al intitular su obra como LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO también homenajea, quizá inadvertidamente, al insigne arquitecto mexicano Luis Barragán, gran ser humano, quien fuera el primero que integró la naturaleza a su arquitectura. Comenzó urbanizando el Pedregal de San Ángel, donde creó bellísimos jardines respetando la roca volcánica que había en ellos, para más tarde, basar su arquitectura en juegos de luz, construyendo columnas o muros con determinadas ranuras, a fin de permitir que los efectos de luz y sombra en habitaciones o espacios vayan cambiando conforme avanza el sol a lo largo del día. A semejanza de Tarkovsky, Agustín aspira al ideal y esculpe el tiempo para el viaje del espectador y, al igual que Barragán, integra el espacio a su propuesta teatral y sabe cómo filtrar ésta al corazón del público para generar sensaciones.

El elenco de LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO es de cinco integrantes y sólo puede albergar a cinco espectadores. Lo primero que se observa es una llama encendida. El fuego sensibiliza y brinda paz. Es el propio Agustín Meza quien da la bienvenida y entrega el “boleto” de entrada. Dado que no hay telón, antes de dar tercera llamada, el público tiene la oportunidad de ver las indicaciones que da el director a los participantes para la función en turno, misma que será única e irrepetible. Una vez que se acuerda la consigna, Agustín se retira y uno a uno los ejecutantes irán eligiendo a la persona de quien serán anfitriones. Él o ella los conducirán al interior y en una atmósfera muy íntima con aroma a incienso y copal, al calor de velas, frente a un altar repleto de objetos simbólicos, procederán a un ritual para que el espectador se adentre en el silencio.

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Justo ahí comienza un viaje de breve duración en tiempo, pero ilimitado en espacio. Se escuchan fragmentos de historias que provienen de lo vivencial o lo escrito, tan entrañables, que activan la imaginación de los asistentes. En un momento dado, también se oye algo de música emanada de instrumentos variados, contemporáneos o antiguos, de origen diverso, incluso de medio oriente o prehispánico. Cada espectador podrá viajar adonde la palabra, el sonido o el silencio lo lleven. Las opciones son múltiples, tal vez rememore un pasaje de su vida, recuerde a alguien que se ha cruzado en su camino, reconozca un paisaje olvidado, identifique una situación como propia o de algún conocido, explore nuevos horizontes, o bien, haga una introspección profunda y descubra facetas ignoradas de su personalidad o vislumbre motivos hasta entonces incomprendidos. La interacción del espectador queda a su albedrío. Puede hablar o callar, reír o llorar, liberarse de alguna culpa, compartir un secreto … Es más, hasta podrá pedir un deseo. El silencio que aquí se invoca hará que lo invisible se vuelva visible.

La dirección escénica por parte de Agustín Meza es impecable. La forma en que interviene el espacio escénico y lo hace parte integral de su concepto es asombrosa y el ritmo que imprime es preciso. De nuevo supera el reto que se impuso y logra concretar su poética haciendo que la gente entre en una zona donde arte y espiritualidad convergen.

Los copartícipes de Agustín Meza en esta sorprendente aventura, Genny Galeano, Alejandro Obregón, Diana Lara Santoyo / Beatriz Juan Gil, Roberto Sayavedra e Irma Malena Monterrubio, son los chamanes del teatro que guían a su aliado individual, brindándole su protección y confianza mediante la palabra, el silencio y la cercanía. Excelente trabajo que da cuenta clara de la manera en que este grupo de jóvenes artistas se ha comprometido con el proyecto.

La producción es de la Compañía de Teatro El Ghetto. LA ARQUITECTURA DEL SILENCIO es presentada gracias al Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico de Querétaro PECDA 2015, a la Beca Bancomer de Apoyo a las Artes de la Fundación BBVA Bancomer 2015, y el apoyo de FONDEADORA como proyecto exitoso (2015).

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Adriana Llabres

Adriana Llabrés

Semblanza de la Agrupación de Periodistas Teatrales

Empiezan a confirmar conductores

Hace 34 años se formó la Agrupación de Periodistas Teatrales, estuvieron en el Café Place Vendome, estaba en la Avenida Reforma, Emmanuel Haro Villa, Humberto Morales y Marco Antonio Acosta, son los socios fundadores que han continuado, otros se han ido retirando. Al fallecer Emmanuel, hace catorce años, fui designado Presidente y me ha tocado organizar 13 Entregas de Premios, las últimas quince han sido en el Centro Teatral Manolo Fábregas, gracias a la generosidad de Doña Fela Fábregas y su hijo Manolo Sánchez Navarro, quien dirige la escena.

 

La instalación de la mesa directiva fue en el Palacio de Bellas Artes, corría el año 1983, el Director General del INBA Víctor Sandoval, les tomó la protesta, por cierto hace pocos meses falleció el insigne poeta. Así fueron transcurriendo los años y se cumplieron fielmente las entregas de premios, cada año. Han sido galardonados los más famosos de cada época, quienes gentilmente comparten con la juventud que está construyendo su futuro: Ofelia Guilmáin, Nadia y Antonio Haro Oliva, Sergio Bustamante, Adriana Roel, Alma Muriel, Pepe Solé, Miguel Sabido, Andrés Roemer, Nicolás Alvarado, Angélica María, Natalia Sosa, Lisardo, son algunas de las grandes figuras que nos han acompañado.

 

La 33 Entrega de Premios APT

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Ángeles Marín

Se realizará el 7 de marzo de 2016 y los primeros famosos que han confirmado su participación son: Juan Ignacio Aranda, Luis Manuel Ávila, Ángeles Marín, Thelma Dorantes y Adriana Llabrés. En el lobby estará el grupo de jazz de Alfonso Silva. Los números musicales serán una cortesía de Alejandro Gou, Gerardo Quiroz y Marco Villafán. Lo que voy a transcribir son simples notas que tomamos en las juntas, todavía no están clasificadas con rigor académico, son los finalistas, horas antes de hacer las ternas: Autor Mexicano: Adrian de la O, Embrujulados, Oler la sangre, Ro banda, Richard Viqueira-Luis Mario Moncada, Psicoembutidos, Adrián Vázquez, Wenses y Lala, Sombras en el paraíso, Alberto Estrella, Cuerdas, Bárbara Colio.

Juan Ignacio Aranda

Juan Ignacio Aranda

Director: Flavio González Mello, Hamlet. Diego del Rio, Entonces bailemos, La Gaviota, Wit. Alejandro Ricaño, Hotel Good Luck. José Manuel López Velarde, Constelaciones. Sergio Villegas, La Dalia Negra; Eduardo Ruiz Saviñón, Melville y Minetti.

Como verán ustedes, ir filtrando el número de finalistas es un proceso difícil, en ocasiones no es posible decidir ¿qué fue más bello, conmovedor, actual, inquietante, profundo o divertido? Las únicas en las que siempre estamos de acuerdo es ¿cuál provocó más ronquidos? En nombre de los “mensajes universales” en ocasiones nos meten unas aburridas…

 

BLACKOUT

BLACK OUT

Los montajes se realizan desde la perspectiva de cada quien. Igual vemos una puesta en escena de alguien y luego vemos la de otra persona. Tal vez nos guste más una que otra, pero no se trata de comparar. Como espectador debemos apreciar esas perspectivas. Todos tenemos derecho a expresar lo que nos mueve y conmueve de una obra. No se trata de comparar, sino de que nos sea grato vivir en este tiempo en que la diversidad prevalece.

 

Anteriormente, nadie podría pensar en ver dos versiones, por ejemplo, de “Nosotros los pobres”, joya cinematográfica que continúa viéndose en la televisión. Aun cuando no vivimos en aquella época de oro de la cinematografía mexicana, conocemos una sola versión.  Hoy en día se vale ver distintas versiones.

 

En la Ciudad de México tuvimos la oportunidad de ver ANAMNESIS de la autoría de Jaime Chabaud, bajo la dirección de Richard Viqueira  y todos la calificamos como extraordinaria. Un excelente montaje de la obra en base a la extrema corporalidad que se representaba en escena.

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Hoy tenemos oportunidad de ver BLACKOUT  que es la misma obra -ANAMNESIS- desde la visión de El Rinoceronte Enamorado, una compañía teatral mexicana fundada en 1994 en San Luis Potosí, que está celebrando su vigésimo aniversario, habiendo realizado treinta y cinco montajes, la mayoría de los cuales han sido dirigidos por Jesús Coronado, director artístico y general de la compañía, quien pertenece al Sistema Nacional de Creadores de Arte.

 

A diferencia del montaje anterior basado en la corporalidad, la del Rinoceronte Enamorado tiene como prioridad el texto del Jaime Chabaud y lo hace lucir en todo su esplendor.  A través de la forma pausada en que transcurre la escenificación, apoyada en la musicalización y teniendo como prioridad el desempeño actoral, esta puesta en escena es formidable.

 

BLACKOUT, una obra inspirada en el Rey Lear de Shakespeare nos presenta a un hombre disminuido a causa de la edad y la enfermedad que padece de blackouts -desmayos, pérdida de memoria, apagones-. Tal vez una especie de Alzheimer.  Recuerda más el pasado que el presente.  Le cuesta trabajo reconocer a quienes lo rodean, pero tiene clara memoria de eventos de su vida pasada.  Se encuentra muy enfermo, probablemente está viviendo sus últimos días.

 

Está fuertemente ligado al Rey Lear y, de hecho, así lo llama su fiel enfermero. Está muy enfermo, se podría decir, al final de su vida.  Siente la impotencia de estar prostrado en una cama, quisiera brincar, correr, tan solo caminar, pero le es imposible. Se da cuenta de su padecimiento, pero, a la vez, trata de sobreponerse y reflexiona “no me imagino no recordar el nombre de las cosas”.  Sus trillizas llevan los mismos nombres que las del rey Lear.   Anhela ver a sus hijas, quisiera contar con cariño y apoyo, sobre todo, el de Cordelia -de sus hijas, la más amada.  Lamentablemente, ellas no quieren saber nada de su padre y sólo las mueve el interés económico.  Darían todo por encontrar el cuadernillo donde su padre anotaba todo: números, cumpleaños, contraseñas.  Necesitan abrir la  caja fuerte.  El dinero es lo que las mueve.

 

El enfermero se dedica a atender al paciente y a narrar a los espectadores lo que sucede.  Comparte con el espectador detalles del estado anímico y de salud de Lear, así como las características que distinguen a cada una de sus tres hijas.  Fiel a su oficio, trata de desempeñar su labor lo mejor que puede.  Está consciente de que en las herederas de Lear suele provocar … la invisibilidad.  Acepta que, para ellas, él no existe.

 

Goneril, la mayor, es la primera que visita a su padre.  En un momento dado, Lear exclamará “eres mi retrato, qué horrible padre he sido”.  La segunda visitante es Regan, la hija de en medio.  Mujer viuda que se dedica a verse bien.  Ella es muy fitness, gusta de practicar deportes y ¿por qué no? hacerse una que otra cirugía de vez en cuando.  Además, muy moderna y abierta a todo lo que se le ofrezca.  Es capaz de sonrojar al enfermero.

 

Lear las recibe, soportándolas, en espera de que llegue su consentida, Cordelia, quien lo visita de última.  Hace 15 años que se alejó de la casa paterna.  Es una chica dulce que al ver a su padre dice para sí:  “Heme aquí en un torbellino de recuerdos … en un ejercicio de anamnesis …”  Tiene sus propios problemas, a veces, se le confunden los personajes.  Se acuesta al lado de su padre, como lo hacía de niña y sueña que él la sueña cabalgando sobre sus rodillas”.  Cómo quisiera que su padre conociera a sus hijos, sabe que se sentiría orgulloso de ser abuelo de dos varones.

 

BLACKOUT -ANMNESIS, título original- es un texto de excelente factura, donde Jaime Chabaud escudriña la condición humana y los lazos fraternales entre padre e hijas cuando hay intereses de por medio.  Interesante de principio a fin.  Una obra inspirada en el Rey Lear de Shakespeare, trasladada al mundo contemporáneo, con celulares y tecnología actual.  Personajes bien delineados, historia atemporal.  Frases tan contundentes como “México es un país que nadie entiende y que Shakespeare ya escribió”, o bien “un castillo tan inmenso para tan disminuido padre”.

 

La labor de dirección por parte de Jesús Coronado es impecable.  Toma el reto de representar una obra que ha sido un éxito y lo hace desde su propia visión, logrando un formidable resultado.  Apuesta por el desempeño actoral y se apoya en un entorno musical, que va de música estridente a dulce -entre tambores, viento y campanas-.

 

Eduardo López Martínez (Lear) y Alfonso Alba (enfermero) ofrecen una labor histriónica de calidad.  Por su parte, Gabriela Betancourt hace gala de su versatilidad al encarnar a Goneril, Regan y Cordelia, dotando de matices distintos a cada una de ellas.

 

La escenografía, aparentemente sencilla -un sillón, una silla, una cama y un pequeño mueble- se dimensiona con una ventana/espejo en la parte posterior que irradia luz y sombra, es creación de Angustias Lucio, al igual que el apropiado vestuario.  La iluminación y la producción ejecutiva recae en Caín Coronado.  La música original -que va de lo estridente a lo armonioso, pasando por lo clásico- es producto de Armando Corado.

 

Complementan el equipo:  Víctor Cuéllar en asistencia de producción,  la Familia Pardo en construcción de escenografía, Blanca Almaguer en confección de vestuario,  Elvia Hernández y Sagrario Orta en drapería  y  Óscar Ramírez en fotografía.

 

Una historia interesante de un autor clásico -Shakespeare-, en la cual se inspira uno de los más brillantes dramaturgos mexicanos -Jaime Chabaud-, para hacerla atemporal y ubicarla en nuestro entorno, una dirección bien administrada, actuaciones consistentes, de gran compromiso en creación de personajes y en el lucimiento del proyecto, con un estupendo equipo, brindand teatro de calidad al espectador.  ¡No se la pierda!  Sólo le quedan dos funciones este domingo.

 

BLACKOUT

se presenta dentro del marco del Sexto Ciclo TEATRO DE LOS ESTADOS,

a las 13:00 y a las 18:00 horas del domingo 7 de febrero de 2016

en el Teatro EL MILAGRO, ubicado en la calle Milán número 24 –entre Lucerna y General Prim–,

colonia Juárez, Ciudad de México.