Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

APOTÉOTICO MONTAJE SOBRE COCO CHANEL

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

 

Pilar Boliver demuestra sus cualidades histriónicas en un apoteótico montaje del monólogo COCO MADEMOISELLE GABRIELLE, escrito magistralmente por Silvia Peláez. Ambas hicieron una amplia y profunda investigación sobre una de las mujeres más importantes del siglo XX, no sólo por el estilo que creó en la forma de vestir de la mujer, sino por ser pionera del concepto que ésta debía ser libre e independiente aunque eso le significara, al final de cuentas, la soledad aún cuando gozara del poder, la riqueza económica y el disfrute de todos los placeres mundanos.

 

La actriz domina el escenario, proyecta la soberbia del personaje y al mismo tiempo su lado humano. da una cátedra, literalmente, sobre la interpretación de un montaje unipersonal. De principio a fin atrapa al público, su expresión facial es impresionante, proyecta emociones, sentimientos, estados de ánimo; conduce con su actoralidad a lo más profundo del alma de Coco. Sin ninguna duda estamos en la plena madurez de Pilar, es innegable que es el mejor trabajo de su larga trayectoria artística.

 

Por otra parte, Silvia -autora y directora- ofrece un texto y una puesta en escena impecables, una pieza dramática inmersa en el sarcasmo, con algunos tintes de humor. Nos adentra en lo más íntimo de una de las mujeres más influyentes de la pasada centuria. El texto inicia con una mujer en los últimos momentos de su vida, en la decrepitud, a los 87 años de edad, agobiada por problemas respiratorios (cigarro), el consumo de morfina. Hace una retrospectiva de su existencia, curiosamente contándosela a sí misma, a Gabrielle su otro yo, la niña que quedó huérfana, creció en un orfanatorio, pero a quien el trabajo le salvo la vida.

 

La obra está tan bien escrita que a pesar de tratarse de un monólogo biográfico, nunca cae en lo didáctico, menos en lo narrativo. la vejez, la soledad, la añoranza, una cierta demencia, amores, fracasos, poder…; abrir la ventana de una existencia, de una mujer que no creó una moda sino un estilo de vida, del buen gusto -más allá del renombrado perfume Chanel No. 5-, de quien hizo una filosofía a partir de que la ropa que alguien se pone proyecta lo que en verdad es. Todo lo anterior es lo que Silvia lleva al escenario con una exquisitez dramatúrgica digna de todas las loas. Afortunadamente no traicionó su texto, su dirección le dio vida plena y gozosa al personaje.

 

Si la mancuerna actriz-dramaturga es excelsa, no se debe pasar por alto la contribución del equipo creativo: escenografía sin parafernalia, lo justo para ambientar el drama e iluminación sobria pero efectiva, ambas de Martha Benítez; diseño sonoro de Rodrigo Mendoza y vestuario y maquillaje de la propia Boliver.

 

COCO MADEMOISELLE GABRIELLE se representa en La Capilla (Ciudad de México), los lunes a las 20:00 horas, hasta el 29 de agosto.

 

BAR NOSTALGIA (EXPLORACIÓN DEL DOLOR Y LA NOSTALGIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen de Facebook, de la página de Marisol Cal y Mayor

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Marisol Cal y Mayor -idea original y dirección- pretende llevarnos a una exploración del dolor y nostalgia, inquietudes y pasiones de ella misma a través del espectáculo BAR NOSTALGIA, un combinación de danza y en menor grado de teatralidad, música, magia y circo.

 

Cito: “Cuando el dolor de la violencia, se embelese, llega la nostalgia. Este es un retrato íntimo e imaginario de un universo donde cada cuerpo se convierte en un territorio para destruir, construir, oprimir y disfrutar. En este bar abandonado, Elvis acompaña a los más solitarios. BAR NOSTALGIA canta al placer del dolor” (Programa de mano) Ésta es la síntesis, se necesita mucha imaginación, como sucede casi siempre con la danza, para ver en el escenario todo lo anterior, en buena parte puede ser esté sugerido, lo claro es el ambiente sadomasoquista -“el tugurio ha conocido mujeres dispuestas a perder los ojos por un abrazo”- arrabal para féminas y sus fantasmas, refugio de asesinos y suicidas.

 

Ya se mencionó gira en torno a la danza, poco al teatro, salvo algunas frases, inclusive en voz en off. Las coreografías son extraordinariamente sencilla, una -por cierto más o menos prolongada- en cámara lenta los movimientos, verdaderas mujeres fantasmas por el escenario, sin embargo, se debe reconocer hay estética. Ni remota idea dónde exploró Marisol para el espectáculo pero el proceso creativo no debió ser grato, recordemos la idea original es de ella.

 

En forma lamentable el número de magia, en la primera función de la cuarta temporada, falló en su totalidad, hecho desapercibido para la mayoría de la audiencia. Con relación al circo éste no se ve por ningún lado a menos que se refiera a dos hombres que dominan sus respectivos látigos, sin embargo, éste nos lleva más a la violencia y vejación de las mujeres.

 

Lo digno de todas las loas, de reconocimiento y admiración es la música original de León Felipe Tapia “León Colman”, muy cercano al New Ege, al menos fue la impresión que me provocó igual nada que ver. Una excelente interpretación del tema ÁMAME ETERNAMENTE, por parte de Héctor Ortiz como el rockero “Elvis”, no hay que ponerle apellido para saber de quien se trata.

 

La puesta inicia con una verdadera cursilería, en proscenio aparece una botarga, un conejo, al quitársela quien la porta, aparece una mujer a medio vestir, cuál es la idea, cada quien puede interpretas lo que quiera. Aparecen después las verdaderas bailarina, cuerpazos, en algunas escenas desnudas del torso, gracia, y a fuerza de repetir, le dan sentido estético a las coreografías por más sencillas que sean. En conjunto participan en el escenario: Marisol Cal y Mayor, Dionisia Fandiño, Mary Patricia Koyak, Milena Pitombo, Leonardo Villa y Salvador Petrola.

 

BAR NOSTALGIA se presenta los martes, hasta el 13 de setiembre, a las 20:30 horas, en el Teatro Helénico (Ciudad de México).

 

PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (EL MITO DE LA JUSTICIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Facebook de José Alberto Gallardo

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A partir de la narración de Homero sabemos Agamenón fue el jefe de la expedición a Troya para rescatar a Helena. Un hombre de gran valor, pero de poca resolución. Por su parte, Electra es hija de Agamenón y Clitemnestra. Fue ayudante de su hermano Orestes para vengar la muerte de su padre. (Mitología Griega. Dioses y Héroes, Ángel Garibay). Jose Alberto Gallardo, autor y director reune en escena a estos dos míticos personajes, el texto se intitula PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (suponemos al menos habrá una segunda parte).

 

Hay dos temas centrales, el mito de la justicia (como el subtítulo lo indica), sin embargo, en todo el desarrollo está presente la sed de venganza como una obsesión, casi como la única razón de existir. Dramaturgia densa, muchos personajes sólo se mencionan, hay que tener un ojos y  oídos avisores para no perder ningún detalle. Todo es relevante para la comprensión por parte de la audiencia. Hay mucho fondo filosófico, además psicológico, poco a poco se entiende por qué se comportan de tal o cual forma los personajes, sobre todo, por qué piensan cómo lo hacen. Si bien la estructura es loable, considero José Alberto no pudo evitar la retórica, se puede entender, en el mundo helénico ésta era todo un arte.

En síntesis: ” Al enterarse de la supuesta muerte de su hermano Orestes, Electra se plantea ejercer la venganza en contra de los asesinos de su padre Agamenón: su madre Clitemnestra y el amante de ésta, Egesto. En una suerte de desmitificación, Electra se pregunta acerca de la pertinencia de llevarlo a cabo, acerca de los supuestos, jerarquías y valor de la familia y, sobre todo, acerca del sentido de la venganza y la veracidad de la justicia” (volante publicitario). Reza una frase: ” Si la venganza es el manjar de los dioses que amarga debe ser su comida. Electra pierde las dimensiones de la realidad, es tanta su sed de venganza y justicia que raya en la demencia. A reserva de lo ya comentado, en lo personal creo la dramaturgia tiene muchos dones, no es fácil unir dos historia en el mismo escenario, por qué dos…

 

La puesta en escena se desarrolla en torno a una magnifica escenografía, es todo y es nada, el escenario cubierto con aserrín, carne animal real, una soga al centro, diseño de Jesús Hernández, en realidad crea un espacio protagónico. Magnifico diseño sonoro a cargo de Rodrigo Castillo. Lastima, José Alberto lleva en los protagónicos femeninos a dos muchachas quienes no son actrices, de formación bailarinas, ahí se da el desastre actoral, por lo mismo en lugar de dar paso a diálogos y monólogos parece están recitando, ellas son Irxel Razo y Melva Olivas. Las apoyan y acompañan Damián Cordero y el propio José Aleberto Gallardo, mejor que las muchachas, sin ser las actuaciones de su vida.

 

PARTE I: AGAMENÓN Y ELECTRA (EL MITO DE LA JUSTICIA) se representa en UN TEATRO (Col. Roma, Ciudad de México), los lunes a las 20:30 horas, hasta el 1 de agosto.

 

VIAJE DE TRES (FE EN LOS CHAMANES-CHARLATANES)

VIAJE DE TRES (FE EN LOS CHAMANES-CHARLATANES)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Mostra

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Hay dos mitos que han afectado el quehacer teatral en la República Mexicana. El primero, sólo en la Ciudad de México se produce con calidad estética y se representan las mejores puestas en escena del país, lo cual no es cierto, si bien las condiciones son más favorables, en muchas regiones se están llevando a cabo propuestas dignas de toda loa. El segundo es que un montaje requiere de la parafernalia, una gran producción -escenografía, vestuario, iluminación, musicalización- lo cual tampoco es cierto, en muchas ocasiones el éxito está en la sencillez fundamentada en la imaginación de los creativos. Lo anterior queda demostrado por el Grupo Viajero de Guadalajara con el apoyo de la Secretaria de Cultura de Jalisco. En una breve temporada en la capital del país, el grupo presenta Viaje de tres, de Jorge Fábregas y dirección de Luis Manuel Aguilar “Mosco”.

La trama gira en torno a un hombre mayor quien decide realizar un largo y pesado viaje para ser recibido y atendido por un chaman -en realidad un charlatán- como su única y, tal vez, última alternativa para sanar de una enfermedad terminal. Lo acompañan su hijo (un pesimista e hipocondríaco), y su enfermera, una mujer madura, indecisa en sus sentimientos y, por lo mismo, necesitada de afecto. Si se tratara de una película en su primera parte sería lo conocido como Road movie, como se puede deducir del título de la obra.

Un padre y un hijo -casi como si fuera un juego del cual disfrutan a plenitud, una razón de ser de su vida-, en confrontación permanente sin importar cuál sea la razón, sin embargo, unidos por estrechos lazos filiales. Hay varias lecturas, uno de ellas desenmascarar a los charlatanes quienes aseguran sanan las enfermedades del cuerpo y, sobre todo, del espíritu. No cobran, “sólo” solicitan donativos, claro, sugieren la cantidad, y engatusan a cuanto ingenuo cae en sus manos. Cabe aclarar, de principio a fin, el texto está inmerso en el humor fino, blanco, la risa siempre está presente en los espectadores.

La dirección atinada, compenetrada con la intención del autor, explotar el humor, aprovecha al máximo las posibilidades y potencialidades actorales. Por escenografía, sólo un cuadrado en el escenario, valga la redundancia, cubierto con tierra y cuatro sillas, el resto, el peso del montaje queda en quienes caracterizan a los cuatro personajes, los ya citados y el chaman. El elenco lo conforman Jesús Hernández, Mauricio Cedeño, Lucía Cortes y Ollaff Herrera. Todos magníficos, dado que no los conozco, sólo el que asume el rol del chaman queda por debajo del trabajo de sus compañeros. Se les agradece cómo manejan el humor, la sencillez que se convierte en grandeza para atrapar al público y mantenerlo en continua carcajada. Bienvenidos a la Ciudad de México; ojalá actores con esta entrega vengan continuamente.

Viaje de tres se presenta en el Teatro Orientación hasta el 3 de julio: jueves y viernes a las 20:00 horas; sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

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TEATRIKANDO

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Las Analfabetas visitan la Roma

Las analfabetas, del chileno Pablo Paredes, en el elegante foro La Teatrería, dirige Paulina García y lleva como intérpretes a Dolores Heredia y Gabriela de la Garza. El tema: una analfabeta, quizá lo es por propia voluntad, ha contratado a una profesora para leer con ella el periódico, tratar de entender el mundo y, quizá, aprender a interpretar las letras. Se trata de un mundo sin contexto, no hay signos del país que habitan, ellas pueden pasarse todo el tiempo que quieran peleando, sintiendo amistad, cercanía, lejanía, con peculiar sentido del humor, al fin que nada importa: parece que viven en un mundo no perteneciente al planeta tierra. Lejos del contexto sociopolítico que todos sentimos.

Hay pequeñas revelaciones acerca de la psique humana, superficiales, sin que lleguen a amarrar un verdadero conflicto, como en La lección de Ionesco, uno trata de convencer al otro de algo, quizá no muy claro, la mujer de más edad sólo desconfía y rechaza sin verdadera reflexión. En este caso, el refrigerador no es el paso a un lugar de otro tiempo espacio, como con Alejandro Ricaño; simplemente contiene cerveza tibia, porque hace años que no sirve. El elenco se esfuerza al máximo para interesarnos y lo logra, quizá muy por encima de un texto que dice poco en esta situación extrema, el máximo riesgo que se corre es explotarle un buche de cerveza en la cara a la otra.

¿Por qué se agradan y a la vez se rechazan las dos -casi- amigas? Una, para sentirse viva debe enseñar; la otra en un constante avanza retrocede, explora imaginaria definiciones semánticas. Con un vago final que nadie esperaría. Buena pieza para entretenernos en La Teatrería de Tabasco 152, colonia Roma, los fines de semana.

Los Productores estuvieron en el Xola

Produce Artestudio, que dirigen Mauricio Salas y Efraín González. Como cada año fue un excelente trabajo el que produjo esta Escuela de Comedia musical y todo lo que son Artes Escénicas, les hemos visto Los Miserables, Evita, Jesucristo Superestrella y ahora este clásico de Mel Brooks, que habla de cómo ganar dinero con un sonado fracaso en Broadway. Hay varios muchachos que prometen, como Enrique Espeleta, Rodolfo Zarco, en los roles centrales, acompañados de Ulla, Andrea Sánchez o Rebeca Villalobos. El tamaño del riesgo que tomaron es de este nivel: hicieron estos roles Pedro Armendáriz, Adal Ramones, Gerardo González, Natalia Sosa, nada más ni nada menos. Felicitamos al numeroso grupo en el que no introdujeron profesionales. Bravo Mauricio.

Broadway por Amor… Evolution

Cada año, Ana María Collado reúne a importantes talentos y los presenta en el Teatro Rafael Solana. Escuchamos y disfrutamos bellas coreografías de un musical: Something Rotten, Sé la verdad (Miss Saigon) también de Wonderland, The Wiz, Hairspray, La Bella y la Bestia, Jekyll and Hyde, Calle 42 y otras. Participan: Héctor Arroyo, Anabel Dueñas, Sergio Carranza, Eduardo Ibarra, Elaine Haro, José Antonio López Tercero, Paola Minguer, Gilda Villarreal, espectáculo conducido por la talentosísima Laura Luz. Habrá otra función el 28 de junio y concluyen.

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LOBOS POR CORDEROS (LA TRAGEDIA LOS UNE Y LOS SEPARA)

LOBOS POR CORDEROS (LA TRAGEDIA LOS UNE Y LOS SEPARA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

La escena acontece en la oficina de una escuela; ahí están reunidos la directora, un matrimonio y una madre. La tragedia los ha reunido y al mismo tiempo los separa. Un accidente ha acabado con la vida de dos niños -Víctor y Saúl- y el chofer del camión de la escuela; el hijo de la primera está en estado de coma. La reunión, en un acto de “contricción”, los dueños del plantel han decidido recompensar la pérdida con un millón de dólares por cada niño. Surge la indignación y al mismo tiempo la duda, nada regresará la vida a los infantes y la cantidad es tentadora como para no pensarlo. La duda surge, sólo el señor Betancurt es firme en su decisión de no aceptar, considera que la ausencia de su hijo no tiene precio. Interesante debate, cada uno expone sus argumentos, su razón de ser para asumir o no el trato. En principio se pensaría que la discusión se da entre la directora y los padres de familia, sin embargo, también se da entre ellos, inclusive salen a relucir las desavenencias entre los cónyuges Betancurt.

Situación lamentable, perder un hijo es lo peor que le puede pasar a un ser humano, sólo queda la resignación, ésta a la postre igual no sirve para nada. Reynolds Robledo nos plantea el tema en Lobos por corderos desde una dramaturgia de buena manufactura, el hilo conductor es completamente lineal y hasta cierto punto el final predecible; hay buenos argumentos en cada uno de los diálogos, inclusive, una reflexión por demás interesante en un monólogo a cargo de la directora del plantel. Invita a reflexionar al respetable, porque uno se pregunta durante el desarrollo del montaje: ¿Yo recibiría un millón de dólares por guardar silencio y no denunciar las deplorables condiciones en las que se encontraba el camión escolar? El dinero es el dinero, se tendía que vivir el caso -espero nunca- para saber cuál sería la decisión.

Hay una codirección a cargo de Daniela Padilla y el propio Reynolds Robledo: acertada, pulcra, manejo excelente del espacio, un ritmo semilento que permite captar a la perfección cada oración, cada pensamiento y exposición de los personajes. La escenografía es realista con un aire de modernidad, sencillamente el interior de la oficina de la dirección escolar. Ambos permiten que sus actores se desenvuelvan de acuerdo con las características y capacidades de cada uno, si bien el trazo es importante, el peso del montaje recae en los cuatro que aparecen en escena.

Los actores son: Mónica Huarte, Mariana Garza, Alejandro de la Madrid y Fernanda Borches. Mónica, como siempre, ya hasta parezco grabadora, excelente, su caracterización de primer nivel, maneja las emociones y las situaciones, su monólogo impecable, actriz de larga trayectoria, la experiencia la ha enriquecido, su sola presencia llena el escenario. Mariana con una participación digna de reconocerse, se entrega, tiene personalidad y la aprovecha en todos sentidos; deja ver sus capacidades para interpretar lo que en el argot teatral se conoce como papeles de carácter. Alejandro y Fernanda, bien; el primero un poco exagerado, con exabruptos, en ocasiones no se ve muy natural; Fernanda exactamente lo contrario, demasiado apocada y no se le cree el pesar por el que pasa la madre que interpreta. Sin embargo, hay equipo, están consolidados para llevar a buen término la representación. El final es en verdad una tragedia. El público reconoce el valor intrínseco de la dramaturgia y a los cuatro actores dando vida a los personajes quienes proporcionan con su trabajo los elementos para pensar. Es la típica obra que se desarrolla en un acto, en el recinto teatral, el segundo viene en la cena o al calor del hogar, cuando quienes asistieron se preguntan: ¿Tú qué hubieras hecho?

Lobos por corderos se representa en el Teatro Milán, Ciudad de México, durante 10 semanas a partir de la presente, los miércoles a las 20:30 horas.

FIN DE PARTIDA (BECKETT DESDE OTRA PERSPECTIVA)

FIN DE PARTIDA (BECKETT DESDE OTRA PERSPECTIVA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

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Siempre he admirado a los directores osados, aquellos quienes llevan un clásico (“una vaca sagrada”, se diría en el argot teatral) con una adaptación propia -no por fuerza- y una puesta que rompe con todos los cánones convencional y/o tradicionales, que puede fracasar o enriquecer el quehacer escénico. Para fortuna de los teatrófilos, Manuel Domínguez, a partir de su propia adaptación, presenta Fin de partida, de Samuel Beckett, desde otra perspectiva.

Texto recortado con algunas modificaciones; a pesar de lo denso del lenguaje y complejidad temática es accesible a todo público (adolescentes y adultos). Un hecho “novedoso”, en pleno desarrollo de la función, el propio Manuel irrumpe desde el área de butacas reclamando la interpretación de los actores; en un segundo momento entra a escena interrumpiéndola, regañando a su elenco por no seguir el texto y hasta un conato de bronca hay, claro, todo es parte del montaje. Rompimientos acertados, bien ejecutados, le dan un toque de humor a la propuesta y sirve de catarsis, basta recordar el fondo es fuerte, lastimero, la dirección le da frescura sin apartarse de la seriedad del tema, sin que esto sea una contradicción. Las manos, literalmente hablando de uno de sus actores, se convierten en personajes, en este caso hay modulación y matices de voz.

La escenografía se limita a un sillón (de peluquero) transformado y proporcionando una imagen tenebrosa. El vestuario es casual (contemporáneo, si se quiere). Sorprende en verdad la iluminación (aun cuando la mayor parte del desarrollo se da en la penumbra y varios oscuros) y la sonorización. En mi larga trayectoria por el teatro jamás había visto un equipo tan rudimentario como el empleado en este caso: una grabadora casera y una instalación eléctrica -los cables y los contactos a la vista del público-, a tal grado que cualquier “diablito” de puesto ambulante sería alta tecnología. La actriz la hace de todo, es la encargada de la iluminación y la musicalización; cuando uno de los actores se retira por el “conato” de pleito, entra al quite con el personaje de aquel, al estilo lectura dramatizada, además rompe la cuarta pared e interactúa con el público; por otra parte se convierte en una “iluminadora ambulante”, con linternas dirige luz a varias escenas. Al final, otro toque de humor, los integrantes del elenco ofrecen “disculpas” por las irrupciones del director. Si bien el texto en buena medida es desolador, sin esperanza, inmerso en cierto pesimismo, la propuesta es ágil, el tiempo transcurre en forma veloz, en un abrir y cerrar de ojos concluye de principio a fin; una buena dirección logra eso.

Los responsables de llevar a buen fin la imaginación de Manuel son Roldán Ramírez, Carlos Rodríguez y Meraqui Pradis. Roldán maravilloso, siempre en el personaje al que retorna con una facilidad increíble después de los citados rompimientos. Carlos no está al nivel del primero, hay escenas donde se lo “comen”, le falta compenetración. Meraqui muy bien en sus diferentes tareas a cumplir, desde técnico hasta actriz, por muy leída que sea su intervención.

Fin de partida se representa los lunes y martes a las 20:30 horas, hasta el 28 de junio en el Traspatio escénico, Saltillo 134, Col. Condesa, Ciudad de México. Posteriormente, como ya es costumbre, un nuevo espacio aún por definir.

REENCARNACIONES (VENTANA DEL TIEMPO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Ojalá algún día el mundo comprendiera que las guerras sólo destruyen. Tras los fatídicos bombardeos nucleares ocurridos en Hiroshima y Nagasaki durante la segunda guerra mundial, Japón quedó devastado. El número de fallecidos se aproxima a 190,000 y otros tantos heridos. Por la calles deambulaban personas con quemaduras y lesiones en todo el cuerpo. Los más dañados, de pronto colapsaban. Se veían escenas terroríficas. Los artistas sólo conocen la creatividad para su catarsis. Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, cuyo talento es ampliamente reconocido, sintieron que necesitaban de un acicate para seguir adelante, algo en memoria de sus muertos y que redefiniera el cuerpo humano y la relación que éste tiene con el cosmos. De esa reflexión surgió el Ankoku Butō–denominado Butō o Butoh en Occidente–, también llamado la “danza hacia la oscuridad“.

A través del Butoh, buscarían un nuevo cuerpo –el cuerpo de la postguerra–.El butho es una disciplina que conjunta varias técnicas dancísticas.  Se basa en movimientos lentos, expresivos e imaginativos. Hay quienes lo ejecutan sin ropa alguna y quienes se pintan de blanco. La improvisación es un elemento fundamental, mediante sus movimientos el bailarín debe expresar lo que siente, permitiendo que su cuerpo hable por sí mismo. Debe haber varios cambios de estado anímico y transitar entre uno y otro. El propósito básico es unificar mente y cuerpo.

El artista mexicano José Bravo, quien se iniciara como bailarín y coreógrafo en danza contemporánea, con los maestros Luis Fandiño e Isabel Hernández, viajó a la ciudad de Nueva York para ampliar sus estudios en el Merce Cunningham Dance Studio (Estudio de Danza Merce Cunningham).  Así mismo, estudio técnica Limón con Jim May. Estando en aquella ciudad, descubrió la danza Butoh de la mano de Mariko Okamoto, con quien colaboró en el grupo Vagabondage Dance Theatre (Vagancia Danza Teatro). José sintió que el butoh le llegó al espíritu y quedó tan seducido que desde entonces se ha dedicado a investigar la expresión de esa disciplina, junto a maestros como Anzu Furukawa, Natsu Nakajima y Diego Piñón.

Después de Nueva York, estuvo en Montreal, Canadá, trabajando con la Compagnie de Théatre de Pol Pelletier (Compañía de Teatro de Pol Pelltier). Ha sido merecedor de diversas becas y reconocimientos.

José Bravo considera que de la danza Butoh emana una sanación no sólo para el ejecutante sino para los espectadores.  Asegura que practicar esta danza es un acto de auto-confesión y que el ritual se reactualiza como relato del espíritu.  José es fundador y director del Centro de Artes del Movimiento Butoyolotl en la Ciudad de México. Aprovechando que la improvisación es parte fundamental del Butoh, José le ha infundido parte de nuestra cultura.La denominación del colectivo que él comanda es una fusión de las palabras Buto (Butoh) y yolotl –que en náhuatl significa corazón–.

En fecha reciente, José Bravo presentó su nueva producción intitulada REENCARNACIONES –VENTANA DEL TIEMPO, donde el artista interpreta a diversos personajes pertenecientes a vidas pasadas, en busca de una recreación de su propio colectivo, bajo la premisa de que las vidas pasadas son la herramienta idónea para conectarnos con nuestros sentimientos.

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Con REENCARNACIONES — VENTANA DEL TIEMPO, José Bravo dio una verdadera cátedra de la disciplina Butoh. Ante un lleno total, José presentó una variada muestra de la danza butoh, ejecutando él los movimientos con magistral precisión. En cada cuadro hubo cambios significativos, incluso en el vestuario, mediante elementos que José incorporaba sobre el escenario.  En cuanto a la musicalización, también se nota la intervención de José, puesto que no fue todo al ritmo de la acostumbrada música oriental, sino que en un cuadro el sonido asemejaba una marcha y otro tenía cierto toque de sensualidad. Lo cierto es que llegó al corazón de los espectadores.

Es sorprendente la perfección que ha alcanzado este artista mexicano en la disciplina Butoh y el dominio total que tiene sobre cada músculo de su propio cuerpo.Los asistentes se adentraron en el ritual, con respeto y admiración.

La propuesta encontró un digno marco al ser presentada en el solemne AUDITORIO DIVINO NARCISO, dentro de la UNIVERSIDAD DEL CLAUSTRO DE SOR JUANA, ubicado en José María Izazaga número 92, Centro Histórico, Ciudad de México. Al final de la función, el público respondió al artista con un estruendoso aplauso de pie. La presentación fue única, sin embargo, les anticipamos que el colectivo del Movimiento Buyolotl que José Bravo dirige y en el que participa se presentará en septiembre de 2016 en la Sala de Ensayos del Centro Cultural de la Universidad Autónoma de México –UNAM–, así que les recomendamos ampliamente que estén al pendiente de la cartelera y, desde luego, que asistan.

 

PERROS (¿QUIÉN ES EL ASESINO?)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Siempre me ha llamado la atención cómo puede un dramaturgo escribir una obra y una vez agotado el tema central, sobre todo si es desde el inicio, se pierda en el bla, bla, bla… y a cuenta gotas agregue algunos elementos o detalles, para, por fin, llegar a una conclusión. Es el caso del finado Lizandro Duarte con la obra PERROS, bajo la dirección de Jorge Arizmendi.

 

En un Centro de Adiestramiento cinco militares son arrestados por el homicidio de un compañero. Todos son sospechosos, inclusive uno es hermano del occiso, todos tienen motivo y ninguno uno clara coartada. Salen a relucir características de la personalidad de cada uno y forma de vida como el homosexualismo, por citar un solo ejemplo. La quinteta decide llevar a cabo un juicio entre ellos mismos para llegar a la verdad y descubrir al homicida. Entre todos se echan la culpa, los cinco se declaran inocentes, al concluir la responsabilidad recae en… El texto avanza lentamente, los diálogos se repiten en el sentido de ir a lo mismo, estrictamente no es lineal más bien se desarrolla en espiral, se vuelve repetitivo y a la postre cansado a pesar de los comentarios que a continuación expresaré.

 

La dirección plantea un ritmo de mucho desgaste físico (peleas entre ellos o conatos de pleito) escenas con desplazamientos por todo el espacio a un ritmo veloz. Por otra parte, durante el desarrollo los actores se la pasan gritando, no en un tono de voz alto, literalmente gritando. Es de suponerse que ante la situación que decidirá su futuro inmediato, la posibilidad de ser llevados a un Consejo Militar la aflicción, la preocupación y la incertidumbre del qué va a pasar, los llevaría a momentos de angustia, hasta de reflexión y meditación, ese silencio que domina ante situaciones límite de este tipo, no gritando de principio a fin. No hay escenografía en forma estricta, cinco sillas un catre, una mesa y una escalera. La penumbra es la característica de la iluminación. El vestuario: pantalón y botas militares, camiseta en el torso. Una dirección discutible, en lo personal no de mi agrado.

 

Las actuaciones a cargo de cinco jóvenes, incluyendo al propio Jorge Arizmendi, omito el crédito de los otros cuatro al no haber programa de mano y acepto no los conocía. Mucha entrega, arrojo, deseo de convencer, hasta ahí, porque más que actuar parecen luchadores, problema de dirección.

 

PERROS tiene temporada en el teatro La Capilla, Ciudad de México, los martes a las 20:30 horas.

PARÁSITOS (UNA SÁTIRA CÓMICA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografías de Ale Nostra

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La necesidad del ser humano por poseer en ocasiones lo lleva a realizar cualquier cosa para obtener bienes materiales, a tal grado de perder el sentido de la realidad. El dramaturgo inglés Philip Ridley es autor de PARÁSITOS, definida como una sátira cómica. Plantea un tema oscuro y escabroso producto de una gran imaginación como es… indigentes. Las acciones de un matrimonio, como por arte de magia, van transformando una casa que les fue obsequiada, las mejoras se van dando, son hechos sobrenaturales. Ésta va transformándose hasta convertirse en una mansión lujosa, no en el escenario en términos realistas sino en la imaginación de los espectadores.

 

Cito: “Una pareja ordinaria -Julia y Oliver- reciben una propuesta extraordinaria por parte de una figura -Miss Dee- encantadora demoniaca. Ellos arrancan una serie de actos monstruosos con el fin de tener una mejor vida. Con este texto

 

Philip Ridley apela a la entraña del espectador hablándole de frente y cuestionándole ¿cómo reaccionarías tú ante una propuesta conveniente pero importantemente dañina para tu moral? (Programa de mano) Cierto, los personajes traicionan sus valores éticos y morales para satisfacer sus deseos y tener más y más, reiterando, bienes materiales. Una comedia cargada de humor fino, negra por la temática y su tratamiento.

 

Buena estructura, tópicos tratados con profundidad, salvo hacia el final -la acción se lleva a cabo en una fiesta infantil- cuando curiosamente los actores dan lo mejor de sus potencialidades y los diálogos se vuelven intrascendentes, eso sí inmersos en el humor. Una ficción, no sucede en un lugar específico. El texto inicia con los personajes dirigiéndose al público directamente, narran cómo adquirieron la propiedad, en varias escenas vuelven a repetirse este tipo de rompimientos.

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Miguel Santa Rita -director y responsable de la traducción- guía al trío de actores. Adrian Martínez- su crédito es la escenografía- optó por un espacio vacío, minimalista, sólo una “pared” y dos sillas; la iluminación -Roberto Paredes- de lo más sencilla; el vestuario -Mario Marín del Río- casual. El director todo lo deja a la imaginación del público, los objetos no están físicamente todo es sugerido. Opta en una escena por romper la cuarta pared, en honor a la verdad sin ningún sentido. Se le debe reconocer destaca y da prioridad al trabajo de su reparto. Excelente trazo y desplazamiento, buen ritmo y tono.

 

Regina Blandón, Alberto Guerra y Mónica Dionne integran el elenco. Los dos primeros perfectamente conjuntados, la comedia les va bien, lo más importante, valga lo obvio, la actúan, convierten lo que en principio, para o bien o para mal, podría calificarse como teatro comercial, en una puesta de calidad que invita a pensar y no por ello reír durante toda la función. Mónica maravillosa, un encanto de personaje, sus intervenciones son mínimas pero fundamentadas en el histrionismo que la caracteriza.

 

PARÁSITOS, teatro creativo y propositivo, se representa en el Teatro Helénico, Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas, hasta el 7 de diciembre.