Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Festeja 10 años ArtEstudio: escenifica A Chorus line

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Usted recuerda a Mauricio Salas y Efraín González (nacen en Ocesa) iniciaron Artestudio hace diez años, la especialidad de esta escuela es la comedia Musical; durante todas estas generaciones les hemos visto festejar cada año, el 2016 es A Chorus Line, que ellos estaban actuando hace cinco años en los teatros de Puebla y Cuauhtémoc. Ahora se presentaron en el San Jerónimo con orquesta en vivo dirigida por Carlos Ramírez y Adolfo Silva, más un numeroso conjunto actoral. Usted sabe, hay bailarines- cantantes, pero que además actúen no es frecuente; ellos lo han logrado con gran éxito, aquí  anotaremos algunos nombres al azar: Lety Rojas, Adolfo Romero, Ana Guzmán, Juan Pablo Escutia, Chantal García, Astrid Solís y Alejandra Monteverde.

 

El sueño americano incluye viajar a Broadway, entrar a una producción, ser contratado y crecer; mas no hay lugar para todos, van a esta Audición (casting) para competir con todo tipo de talentos, nerviosismo, preparación y anhelos. Hay una pareja de recién casados, casi todos se cambian el nombre: unos quieren exhibir que son latinos, otros lo ocultan, en general sus padres llegaron de otros países. La belleza visual del montaje, grandes conjuntos, voces poderosas, el desempeño dancístico y los momentos emotivos o humorísticos son el andamiaje de este trabajo.

 

Quizá usted conoce la trama: el coreógrafo se reúne con los actores para ir eliminando y quedarse con lo mejor, una actriz muy experimentada desea cualquier rol, aunque sea en el ensamble, no la quiere aceptar pues fue su pareja en el pasado; ella lo dejó porque el manager estaba absorto en su trabajo. Bello trabajo, se le puede considerar clásico si para usar la palabra no se implican telarañas. El esfuerzo de los directores: Estibalitz Ruiz, Marcia Peña, Jorge Zepeda, Efraín González y Mauricio Salas ha sido coronado con una exitosa temporada que terminó el 10 de mayo. Felicitamos el trabajo global.

 

 

Festival de Primavera: Felipe Oliva y Mariana Brito

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En el Teatro Enrique Lizalde de Coyoacán se lleva a cabo durante cinco semanas un festival-competencia, en el que hay un jurado, premios en efectivo para el primer lugar y temporada, el segundo lugar gana temporada. En estos tiempos los foros teatrales están escasos y hay pocos tan bellos como esta capilla que está bien cuidada y el conjunto fue recientemente remodelado, al lado encontramos la escuela de escritores, el teatro Rodolfo Usigli y las oficinas de la Revista paso de Gato.

 

Participan El Rencor, que dirige Juan Manuel Martínez, Amores Paralelos bajo la égida de Laura Mirandé; El comienzo que dirige Alma Bernal; El Ultimo Caballero que dirige Rafael Caballero y Saldos, que conduce Donnovan Santos. Ya hemos visto dos, que tienen buen nivel, se presentan los miércoles y jueves hasta el 26 de mayo. El jurado está integrado por Willebaldo López, Joana Brito, Rosa Eguiza y Benjamín Bernal. Entrada libre.

A CHORUS LINE, MÁS ALLÁ DEL ESCENARIO

Texto y fotos Sebastián Figueroa 

 

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¿Por qué no creer que en la vida existe una energía muy peculiar que nos motiva a crecer constantemente? Como cuando nos enamoramos, o cuando descubrimos una actividad que nos apasiona profundamente. Esa energía que hace que nos levantemos diariamente con nuevos sueños, nuevas metas. Esa energía que hace que por momentos nuestra percepción del mundo sea totalmente diferente, así como la noción del tiempo.

 

Hace cinco años, comenzaba mi camino por los escenarios, mi formación profesional como actor. Curiosamente, hoy tengo la oportunidad de seguir creciendo y aportándole a esta profesión que tanto amo. En esta ocasión ha tocado aprender del área de producción, estar detrás del escenario, apoyando y absorbiendo un poco de cada elemento que hace posible el espectáculo (audio, iluminación, utilería, vestuario, taquilla, tramoya, música, dirección escénica,  coreográfica y vocal).

 

Una experiencia totalmente nueva, una responsabilidad distinta y que agradezco profundamente. Curiosamente, me ha tocado estar presente en esta obra tan icónica de la historia del teatro musical en Broadway. Esta obra nos lleva a la esencia del teatro, y por consecuencia me ha hecho conectarme con mi esencia. Recientemente me he puesto a pensar si esta obra realmente es dirigida únicamente a la gente que se dedica a las artes escénicas, tengo mis dudas al respecto. Si ustedes me lo permiten, les platicaré por qué. A lo largo de mis 25 años, la vida me ha dado importantes lecciones en cuanto al significado de la palabra “amor”. He aprendido a encontrar esa delgada línea entre el amor y el apego, entre la pasión y  la obsesión. No sé ustedes mis queridos lectores, pero debo confesarles que mi percepción del amor ha cambiado radicalmente conforme he adquirido experiencia. El amor hacia una profesión, una persona, o una situación, no tiene porque ser una experiencia conflictiva. Siempre habrá diferencias de creencias o pensamientos, pero el amor es más grande que todo esto. El amor es incluyente, no excluyente. El amor solo tendrá como objetivo el crecimiento. ¿Alguna vez han experimentado esa maravillosa sensación de satisfacción al contribuir al crecimiento de otras personas? Quizá valga la pena poner un alto en nuestra rutina de vez en cuando, preguntarnos por qué hacemos lo que hacemos, por qué estamos donde estamos.

 

Curiosamente, A Chorus Line es una obra que refleja perfectamente todo esto. Una obra especialmente hecha para que ninguno de sus ejecutantes jale foco. Ese emblemático número final llamado “One”, en el cual se puede ver a cada miembro del elenco en perfecta sincronía, dejando la impresión de ser un solo cuerpo. A Chorus Line nos lleva a un viaje, nos permite conocer el origen de cada historia personal, sin prejuicios, nos enseña a apreciar la belleza de lo imperfecto. En esta obra se puede ver la pasión de un grupo de personas por lograr un objetivo específico, las ganas de llegar hasta las últimas consecuencias. Incluso, podemos ver un momento en que los personajes se preguntan qué será de sus vidas una vez que ya no puedan ejercer esta profesión que tanto aman: la danza. Ese momento que les comenté hace un momento, la delgada línea entre amor y dependencia, también se ve reflejada en un momento de la obra, cuando uno de los personajes es cuestionado luego de haber abandonado una relación sentimental debido a su obsesión por trascender en el medio artístico.

 

A Chorus Line es una obra que me deja pensando constantemente. Hoy toca comenzar a despedir este proyecto, y agradecer las enseñanzas que me ha dejado. A mi principal guía de este proceso, nuestro stage manager Jorge Zepeda. Gracias al maestro Carlos Ramírez, y su increíble orquesta. Gracias a José Sampedro y Marcia Peña, mis maestros, quienes han hecho un maravilloso trabajo en la parte actoral y vocal, respectivamente. Gracias a Estibalitz Ruiz, una persona que ha sido sumamente importante en todo mi proceso, la directora de este proyecto. Solo me queda desearte lo mejor en cada faceta, no te detengas por nada del mundo, te quiero y te agradezco infinitamente.

Gracias también a mis compañeras de staff, Andrea Pérez y Daniela Guasque, por compartir risas, prisas, anécdotas. Gracias a Efrain González, por todo lo que le estás aportando al teatro mexicano como productor. Y más que nada, gracias al elenco, mis compañeros de Artestudio, por su confianza, su profesionalismo. Su compromiso y amor al proyecto, me han inspirado muchísimo y no me permiten quedarme atrás. Es muy difícil para mí explicar la sensación que me deja verlos tan involucrados en la obra, constantemente me invadía la necesidad de que cada elemento estuviera en su lugar, de que ustedes estuvieran bien. Agradezco a los involucrados, por no permitirme rebasar esa delgada línea de la que tanto he hablado en este artículo. Aprender que todos somos importantes, pero que nadie puede ver por nadie. Gracias A Chorus Line por enseñarme de una manera distinta a respetar a esto que tanto amo, el teatro. Hoy he crecido un poquito más, me pregunto si los que estuvieron conmigo en este proyecto lo habrán hecho también.

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¿Qué me deja esto más allá de la vida en los escenarios? Quizá uno de los mayores errores de nuestra raza humana es creer que los momentos, personas o lugares serán eternos. ¿Por qué no practicamos por un momento todo lo contrario? Pensar que nada es permanente. Quizá eso nos permita disfrutar más y aprender de las condiciones externas, ¿no creen? Agradecer constantemente la generosidad de los demás, y aportar a su crecimiento también, unir nuestras fuerzas con la persona que tenemos a nuestro lado.

 

Todo eso se logra de una sola manera: con amor. Vale la pena ponerlo en práctica, se los prometo. ¿ya vieron cómo esta obra no es tan ajena a nuestra vida cotidiana?

 

Gracias, nos vemos en el camino.

Y recuerden que “nunca me arrepentiré, no podré olvidar que fue por amor” .

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

“Duele” interesante texto

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En el Teatro Ignacio López Tarso podemos ver esta pieza extraña que deja un grato sabor de boca: sobre todo cuando se discute si las obra lineales están enfrentadas o rebasadas por las que dan saltos cuánticos en universos paralelos y no son rectilíneas en su avance.

Rajiv Joseph, es el autor, que ha ganado el premio Pultizer, su padre es de la India y su madre euroamericana, el ha sido voluntario en Senegal, África, por lo que dice tener una combinación peculiar, se ha sentido un poco fuera de lugar, pero bendecido por crecer entre múltiples razas y culturas. Ha construido “Duele” mediante forwards y flash backs: presenciamos el encuentro de dos niños en una enfermería, hablan de todo lo que es natural en esos días, más adelante él muestra afición por tomar riesgos y caerá con frecuencia en manos de los médicos, enfermerías y hospitales, el eje de las escenas es el amor declarado, lo mismo que el otro, guardado, oculto; que se revela cuando ella le grita mongolito o super mongol.

Dice Ludwika Paleta que deseaba elegir una obra que le atrajera profundamente y este fue el caso, ya que con Osvaldo Benavides la seleccionaron y ensayaron, para enseguida invitar a Pedro Ortiz de Pinedo a coproducirla, en tanto dirige Diego del Rio; el resultado es emotivo, de alta calidad, con escenografía de Jorge Ballina, que gira, debemos entender que se trasladan en el tiempo, el vestuario es sencillo para que se vayan transformando en estos avances-retrocesos temporales, intervalos que musicalizan con guitarras acústicas Silvia Siu e Iker Madrid.

Se puede ver en el Teatro Ignacio López tarso de San Ángel, cada fin de semana, como siempre dicen: corta temporada, lo que puede ser cierto, ya que usted ve que en la función 25 ó 30 algunas producciones bajan telón. No se la pierda.

 

 

Leonora Carrington y Remedios Varo son reunidas por Estela Leñero

 

Bajo la dirección de Gema Aparicio, la interpretan Gabriela Betancourt y Bertha Vega, quienes hacen un trabajo más allá de la biografía para revelarnos el inconsciente que les vio Estela Leñero y denominó “Remedios para Leonora”, Carolina Jiménez apoya en la parte visual. Hay momentos poéticos, acompañados de pasos y posturas dancísticas, para que en algunos instantes revivamos la formación de estas dos cumbres del Surrealismo y algunos eventos destacados como la prisión sufrida por Max Ernst en la época de las invasiones de los nazis.

Tardó mucho en crearse la Fridomanía, hasta que sus pinturas llegaron a las grandes subastas neoyorquinas, con muchos ceros a la derecha, ahora si la mujer izquierdista de conductas transgresoras, es aceptada en las altas cumbres de las galerías; toca su turno a estas dos retratistas de la psique oculta.

Puede usted ver este trabajo lleno de imaginería en El Milagro, de Milán 24, colonia Juárez, los martes y miércoles.

He subido pequeños videos a youtube de todas las que menciono. Y vi otras: Una familia de tantas, Animales 2081 y El Atascadero, que merecerán ser analizadas en las siguientes columnas.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

El Atascadero

 

Es una obra al estilo del Maestro Tomás Urtusástegui, “Teatro Escatológico”. Se puede ver los martes en el Wilberto Cantón de Guadalupe Inn. El rol único está a cargo de María Teresa Garagarza. ¿Pues qué le puedo contar? Un día como cualquiera hay un atorón en el periférico y también en el segundo piso, su auto de lujo queda atrapado en el enjambre vehicular, le empieza a entrar la desesperación: pues debe llegar a su compromiso, va elegantemente vestida, nos va contando su punto de vista sobre la sociedad, los que tienen autos nuevos, viejos, los contaminantes y ¡nadie avanza! Así que se maquilla, reflexiona sobre los políticos, polución, organización de los no circula, la Lady Periférico y… recuerda que no tiene celular, eso si es para volver loca a una dama del siglo XXI, no puede whatsapear, twitear, facebookear, nada. Eso es como quitarle la mitad del alma.

Después de un buen rato, siente ruidos en el estómago… No le cuento más. Me gusta el humor del autor, a ella la siento por momentos en un tono, el claxon no le ayuda podría tener diversidad, intensidades para que no llegue el momento de saturación. La escenografía podría ser con un poco de multimedia, porque las luces se sobreentienden vehículos, pero sólo se sobreentienden. Buen esfuerzo que le va a hacer reír y va a cooperar con las groserías que todos decimos contra los congestionamientos viales. Dirige Mauricio Somuano.

 

 

Una familia de tantas

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Un elenco numeroso Alicia Campos, Moisés Cardez, Luis Francisco Arroyo, Gabriela Ortiz, Eduardo Rosas, Beylin Sabeth, Monse Hernández, Iván Raday, Guadalupe Rammath y Dante. Se puede ver en la Carpa Geodésica todos los fines de semana, adaptaron una película estelarizada por Fernando Soler, David Silva, Martha Roth -y otras míticas figuras- nos llevan a viajar a una época que no ha desaparecido, la familia en que el padre es monolítico, religioso, moral rígida y todo le sale al revés, una hija resulta que… y el hijo se mete en problemas amorosos, todo más o menos dentro de los cartabones del cine que ahora se ve en la TV a las cinco de la tarde en blanco y negro. Así que esa admiración por el filme les llevó a un trabajo con ciertas estructuras previsibles, como la demostración de simpatía y muchos cursos de ventas que tomó el joven que enamorará a otra hija. Todos hacen un buen esfuerzo, al público le gusta, quizá me hubiera gustado que tomaran más riesgos propios, además de rendir homenaje a un filme de los que llaman clásico ahora, pero en su momento sólo eran calificados de lacrimosos y repetítivos, como ahora hay modas pasajeras, de las que hablaremos en breve. Dirige Liliana Xo.

 

Y se nos quedan en el tintero varias obras, como el Festival de Teatro de Primavera (5 obras) que organizan Felipe Oliva y Mariana Brito, en el Teatro Enrique Lizalde, darán dos premios.

 

Remedios para Leonora

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De Estela Leñero. Con Gabriela Betancourt y Bertha Vega, dirige Gema Aparicio. Trabajo onírico, meta histórico, en El Milagro de Milán 24, Colonia Juárez. Martes y miércoles de abril y mayo 2016. Excelente trabajo.

REMEDIOS PARA LEONORA

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

Por:  Eugenia Galeano Inclán

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Cuando un autor concibe una obra, goza de total libertad para determinar el tema, las características de sus personajes, a qué se dedican, las condiciones en que viven y el lugar o lugares donde se encuentran.  Sin embargo, si desea escribir una obra sobre alguien, para realizar la dramatización, antes debe documentarse y tomar en cuenta sus datos biográficos.

 

El insigne autor Vicente Leñero (1933-2014) se desempeñó como novelista, periodista, guionista, ingeniero civil, dramaturgo y académico.  Como legado dejó un caudal literario.  Fue uno de los precursores del teatro documental y uno de sus más distinguidos exponentes.  La obra más reciente de su hija, la reconocida dramaturga Estela Leñero, aborda el teatro documental.

 

Tras realizar una exhaustiva investigación, Estela Leñero escribe en torno a la amistad que unió a dos ilustres representantes del surrealismo: Remedios Varo (1913-1963) y Leonora Carrington (1917-2011) y, jugando con las palabras, intitula su obra REMEDIOS PARA LEONORA.  Con conocimientos sobre arte, cultura y, desde luego, el sentir femenino, Estela crea un entorno onírico donde ocurre el imaginario reencuentro de estas dos mujeres.  En tanto que la pintora española Remedios Varo había fallecido años atrás, la escultora y escritora inglesa Leonora Carrington siente que la muerte le acecha.

 

A través de un hechizo -como aquellos que en complicidad hacían cuando jóvenes-, Leonora logra traer de vuelta a Remedios.   Remedios se muestra sorprendida.  Está consciente de que reposaba plácidamente junto a un eucalipto, en un “lugar sin contradicciones ni terrores nocturnos“, pero se alegra de ver a Leonora.  Como si el tiempo no hubiera transcurrido, retoman su amistad de siempre, conversan fluidamente yendo de un tema a otro -amores, traiciones, pintura, escultura, personajes con quienes se interrelacionaron, temores, viajes, exilio, guerras-.

 

Leonora le reclama a Remedios, ya que considera que lo que la mató fueron las 3 cajetillas que se fumaba y las 20 tazas de café que se tomaba.  También hay confidencias respecto de amantes, amigos y conocidos.  Se entristecen al recordar los horrores de la guerra -sea civil o mundial- y sus propios infortunios, mientras una estuvo presa, la otra fue recluida en una clínica psiquiátrica.  Ríen alegremente cuando rememoran algo divertido.  Deciden realizar un nuevo hechizo para viajar a las estrellas o a las constelaciones, pasando por laberintos, hasta llegar adonde deseen.

 

Un texto brillante mediante el cual Estela Leñero hilvana la realidad con la ficción en forma muy acertada.  En el grato reencuentro se hacen puntuales referencias a fechas en que ocurrieron determinados eventos de la vida de estas mujeres tan creativas como aguerridas.  Con sensibilidad, Estela logra retratar fielmente la esencia individual de cada una de las dos grandes artistas.

 

El montaje es totalmente acorde al bello texto.  Pocos elementos son utilizados, colores neutros, ambiente surrealista, un armario/espejo, mantas vaporosas, para representar el estudio de Leonora donde habrán de encontrarse las protagonistas.

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La labor de dirección por parte de Gema Aparicio es formidable.  Profundiza en el texto y diseña una corporalidad que hace ver a las actrices casi etéreas, cual si pudieran volar y traspasar tiempo y espacio.  Incorpora un atinado uso del multimedia con imágenes del documental Remedios Varo, misterio y revelación dirigido por Tufic Makhlouf Akl.  Impone un ritmo preciso.

 

Otro acierto es el vestuario, también en colores neutros, el cual, además de ser práctico es versátil.  Junto con el programa de mano, entregan un útil Glosario en el que se describe lo que es el surrealismo y se resumen datos biográficos de las personas a quienes se hace alusión durante la obra.

 

El trabajo histriónico y corporal es extraordinario.  Gabriela Betancourt da vida a Remedios  y  Bertha Vega a Leonora.  Ambas representan a sus personajes con emotividad para reflejar en escena su dualidad, por un lado, genios artísticos, por el otro, mujeres sensibles.  Tanto Gabriela como Leonora encuentran las expresiones, los movimientos y las inflexiones de voz apropiados para cada momento.

 

El resto del equipo creativo lo integran:  Carolina Jiménez en diseño escénico,  David G. Martínez en música original, diseño gráfico y foto fija,  Julio Martínez en video,  Lorena Glinz en asesoría corporal,  Arturo Cruz en asistencia general,  Constructores Escénicos, Antonio Pérez en la realización de escenografía,  Talleres Santa Elisa en la realización de vestuario,  Trama en calzado,  Alejandra Vega Barrera en muñecas,  INNSITE/Pamela Rendón en prensa y difusión,  y  Carolina Jiménez en producción ejecutiva.

 

La producción es de Este Lado del Teatro.  Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

 

Revisitar a grandes representantes del arte siempre resulta atractivo y más si es en una puesta en escena tan bien lograda.  Texto interesante, estupenda dirección y entrañables actuaciones.  La temporada es breve, así que apresúrate a acompañar a Remedios y a Leonora en su viaje onírico y llegarás a lugares insospechados que llegarán a tu corazón.  Tanto Remedios Varo como Leonora Carrington, desde su plano de eternidad, han de estar complacidas y orgullosas de la imagen que se da de ellas en REMEDIOS PARA LEONORA.  Altamente recomendable.

 

REMEDIOS PARA LEONORA

se presenta martes  y  miércoles  a las 20:30 horas en el

Teatro EL MILAGRO,

ubicado en Milán número 24 -entre Lucerna y General Prim-, colonia Juárez,  Ciudad de México.

La temporada concluye el día 25 de mayo de 2016.

 

 

 

 

 

GRUPO DE TEATRO PUNTO Y COMA

Por la compañía Punto y Coma

 

El grupo de teatro Punto y Coma busca la reflexión y la experimentación sobre el ejercicio escénico, con propuestas que aún en su complejidad, muestren nuestro sentir sobre los temas emergente de la vida; en este primer trabajo de hálito “pos dramático”, fusionamos diferentes lenguajes hasta formar el discurso del espectáculo.

El grupo Punto y Coma lo podríamos definir como un laboratorio sensorial donde el teatro es el punto y fin de partida para manifestarse. En él, la palabra estará presente aun en su ausencia y la imagen cobrará vida, no como un elemento esencial pero si como un componente del discurso escénico.

Los integrantes de Punto y Coma, anteriormente integrantes del grupo “Los Mismos”, y algunos otros integrantes de diversas disciplinas que se han ido sumando al proyecto, reaparecemos en escena, gozando de nuestro presente después de una larga pausa; sin que esto haya sido un abandono al arte, puesto que nosotros, de manera colectiva e individual, seguimos nuestro camino, integrándonos a otros tantos proyectos artísticos y académicos; cuyo bagaje de experiencias acumuladas, nos sirven de soporte para organizar y dar un nuevo enfoque a nuestras propuestas teatrales.

Con una mecánica de trabajo en línea y una reunión presencial por mes, dimos inicio al proceso de investigación, que ha confrontado nuestras percepciones, con aseveraciones de diversos filósofos y estudiosos del “amor”, tema que nos ocupa en esta ocasión. Para nosotros, uno de los gustos más placenteros es hacer teatro, con la consciencia de que uno de sus propósitos fundamentales es la desestabilización emocional de quien lo experimenta, ya sea como actor, de manera activa o como espectador, al sentirse reflejado en la escena.

Nuestro Director del grupo “Punto y Coma” Luis Colín Velázquez; egresado del grupo, “Teatristas de Aguascalientes” quien ha trabajado en diversas ocasiones en Aguascalientes, realizando diversos montajes de teatro infantil y para adultos, actualmente radica en la ciudad de Guanajuato y cuenta con una experiencia como actor, director y dramaturgo, de más de 40 años; en un acto de buena voluntad, se sincroniza con este deseo de creación colectiva catalizando las iniciativas de cada uno de los integrantes, para armar el espectáculo “Sólido, líquido y otras perversiones sentimentales” que a finales de junio, presentaremos a la opinión aguascalentense. Grupo “Punto y coma”

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Un Picasso

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En las Matemáticas Teatrales surge el binomio Garcini- López Tarso; que se eleva a trinomio con la integración de Aracely Arámbula; para demostrar que cuando hay obra, ritmo, cadencia y sinceridad se logra deleitar hasta al espectador más exigente, eso es lo que ví en el Teatro San Jerónimo. Nuevamente el productor Daniel Gómez Casanova demuestra fino olfato para integrar los elementos esenciales: calidad y sencillez, sin ser demasiado intelectual -en ocasiones repele- ni intrascendente o vulgar.

12 hombres en pugna, Macario, Elsa y Fred, El Cartero, Aeroplanos son las recientes obras de López Tarso, con diferentes productores y directores, en muy diferentes escenarios, también es emblemática “El de la Triste figura” que interpreta con Juan Ignacio Aranda y dirige Eduardo Ruiz Saviñon, así que la variedad de temas, personajes y ambientaciones son la carta de presentación de ILT. Pablo Picasso se enfrenta a Miss Fischer, crítica de arte, pero también representante del Nazismo en esta obra de Jeffrey Hatcher, interpretada por Aracely Arámbula, a quien recordamos por su trabajo en “Por qué los hombres aman a las…”, Perfume de Gardenia y Las muchachas de Nueva York, todas diferentes, para que ella navegue por todos los géneros.

El tema de la obra es lo de menos, debo decirle que hay ocultamientos y sorpresas, ingenio para ir derrotando los argumentos del otro: han de reconocer cuál de tres obras es falsificada; el tema no es tan sencillo como parece, pues deben explorar la sicología de cada uno. Así, se convierten en detectives que analizan cada línea, cada trazo. La puede ver los fines de semana hasta allá, en San Jerónimo.

 

Anna Ciocchetti sigue muy activa

 

En Yosemite 40, colonia Nápoles, está Teatro en Corto, ellos cambian su programación cada mes, así que me tocó ver una de las últimas funciones de “Piensa en mí” de David Palazuelos, con Anna Ciocchetti y Eduardo Walls, se habla del holocausto, la forzada separación de los hijos y la muerte que les ronda todo el tiempo. Me dice Palazuelos que la micro obra irá creciendo para llevarla a una temporada formal con noventa minutos, ahora con la moderna multimedia será posible irnos todos a pasear en un ferrocarril, sentir el aire de las montañas, el calor de las estaciones de trenes y el aroma que provoca el miedo a la mirada de la Gestapo. Felicitamos a Teatro en Corto por brindar calidad, por cierto en otra sala estaba Sofía Castro, hija de la primera dama de la nación, no la alcanzamos a ver.

 

Se busca Marido

 

Se puede ver en el Teatro Silvia Pinal, que está en una zona conflictiva, a dos calles de la Secretaría de Gobernación. Esta comedia, muy sencilla incluye a Sebastián Ferrat, Bárbara Torres, Pedro Prieto. Déjeme contrale que el elenco viene de la TV; la exitosa serie El Señor de los Cielos, La Familia Peluche, el programa Hoy y la obra Hércules. Habla de una situación que debería ser graciosa, pero el aplauso se lo llevan los gags de Bárbara que hace reír con sus poses e inflexiones de voz. Ellos están muy por encima del texto: Sebastíán (perverso en el Señor de los cielos) es un gay que no tiene marido, atropella a Pedro y… no le contaré más. Pero el final es muy bajo, si quieren ideas de cómo mejorarlo que nos consulten. Bien a secas.

LUZ DE LUNA

Por:  Eugenia Galeano Inclán

Cartel promocional

luz de luna

La luna siempre ha estado presente en nuestras vidas.  Es la compañera inseparable del Sol.  En forma alterna nos marcan el día y la noche.  En tanto que el sol nos ilumina y da calor, la luna es un satélite que no tiene luz propia.  La parte brillante que vemos es el reflejo de la luz solar.  Según sea la distancia entre la luna y el sol, será más o menos visible la luna.  Para completar su órbita alrededor de la tierra, la luna está en movimiento constante.  A este ciclo se le denomina lunación y dura aproximadamente 27 días.  La lunación consta de 9 fases que comienzan en luna nueva, pasan por creciente y menguante, hasta llegar a luna llena, cuando se puede apreciar la brillantez de la luna redonda en todo su esplendor.

Tanto los astrónomos como los astrólogos están pendientes de la luna.  Los signos zodiacales y los horóscopos están estrechamente ligados a las fases lunares.  Los esotéricos también le prestan atención. Para todos es importante la luna.  Además de formar parte de nuestra cotidianeidad, está en la literatura, en la música, en el arte, en la cultura.  Uno de los grandes anhelos de la humanidad es viajar a la luna.  Hay quienes la creen mágica y le piden deseos.  Se ha dicho que la luna es de queso.  Se recomienda la dieta de la luna para adelgazar.  Nos gusta tanto que al viaje de bodas, se le llama “luna de miel”.

En la magia y en la sanación, la luna es trascendental, toda vez que su energía fortalece o debilita el plano emocional del ser humano.  La teoría básica es que nuestros fluidos internos se mueven en correlación con la gravedad que se ejerce entre la luna y la tierra.  Se trata de un fenómeno físico.

Hace unos cuantos días tuvimos una luna llena en Escorpio.  Este signo zodiacal simboliza la fuerza misteriosa y conlleva mucha fuerza psíquica y emocional, brindando un caudal de energía.  Actúa como catalizador para el ser humano y propicia una sanación interior que puede resultar renovadora.  Para evocar el misticismo que inspira la luna, la Secretaría de Cultura, a través del Sistema de Teatros trajo a México el espectáculo LUZ DE LUNA.

El viajero“, un poema del austriaco Johann Gabriel Seidl que en una de sus estrofas el viajero dice a la luna: “Tú siempre te sientes en tu casa donde quiera que estés y yo que viajo por el mundo, nunca me siento en mi casa” sirvió de inspiración para crear LUZ DE LUNA –Francia/Suiza/México–.

LUZ DE LUNA fusiona la música con la danza.  El espectáculo fue estrenado en 2014 y se ha presentado en importantes recintos y encuentros internacionales, por ejemplo en el Carnegie Hall de Nuevas York, el Orchard Hall de Tokio y el Festival Origen en Suiza.  El elenco está integrado por cuatro prominentes artistas.

Los bailarines son:  Aurélie Dupont, quien ingresó en 1983 a la Escuela de la Ópera de París Danza, donde se ha desempeñado como Coryphée, Primera Bailarina y Bailarina Estrella.      En su haber se encuentran preseas tan relevantes como la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Danza de Varna, Bulgaria,  el Círculo Carpeaux -París, Francia-,  el Premio AROP (por sus siglas en francés de Association pour le Rayonnement de l’Opéra national de Paris — Asociación para la Propagación de la Ópera Nacional de París),  la Mejor intérprete Benois de la Dance, y el nombramiento de Caballero de la Orden de las Artes y Letras en Francia.

Hervé Moreau, originario de Saint-Mandé, Francia.  Desde los 17 años ingresó a la Ópera de París, formando parte del cuerpo de baile, para luego ser Coryphée, Primer Bailarín y Bailarín Estrella.  Al igual que Aurélie Dupont recibió el Premio AROP.  Ha participado en numerosas giras en Estados Unidos y Japón.

Los músicos son:  Lionel Colett, de Ginebra, Suiza, graduado de la prestigiosa escuela de música Julliard School de Nueva York, Nueva York, E.U.A.  Entre sus logros se encuentran ser el ganador en las Audiciones Nacionales de Artistas Astral que se lleva a cabo en Filadelfia, E.U.A. y obtener el Premio Suizo del Embajador.  Ejecutando el cello, ha participado como solista en la Academia San Martin en los Campos, la Orquesta Sinfónica del Estado Ruso y la Filarmónica de Belgrado.  Se ha presentado en salas de concierto tan prestigiadas como la Wigmore Hall de Londres, la Philharmonie de Berlín y la Victoria Hall de Ginebra.  Actualmente colabora con la Orquesta Filarmónica Bayerischen Rundfunks en Alemania.

Jorge Villadoms, oriundo de Durango, México.  Jorge comenzó a tocar el piano a los 15 años.  Para su mayoría de edad, fue aceptado en el Conservatorio de Lausanne en Suiza.  Cuenta con maestría con mención honorífica.  Entre los reconocimientos que tiene en su haber, se encuentran el Gran Premio Marguerite Meister de Zúrich, Suiza,  el Gabrielle Agostini de Ginebra  y resultó ganador en el Concurso Kiefer Hablitzel Wettbewerb en Berna, Suiza.  Fue nombrado profesor titular de piano en el Conservatorio de Lausanne, Suiza, convirtiéndose en el académico más joven en obtener ese puesto.  Ha ofrecido conciertos para la Organización de las Naciones Unidas en diversas partes del mundo.

En 2012 constituyó la Fundación Crescendo con la Música, una institución dedicada al altruismo, la cual él preside.  A la fecha la Fundación ha conseguido más de 300 instrumentos en Europa y los ha trasladado a México con el propósito de crear un nexo gratuito para la población infantil que no cuenta con recursos económicos.  Ha realizado varias giras en nuestro país para recaudar fondos.  Algunos de los recintos donde se ha presentado son el Teatro Victoria de Durango, Durango, el Teatro Degollado de Guadalajara, Jalisco  y  el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

La música de LUZ DE LUNA incluye melodías de célebres autores:  Luna, Vocalise de Serguei Rachmaninov,  Claro de Luna de Claude Debussy,  La muerte del Cisne de Camile Saint Saéns y Estrellita de Manuel M. Ponce.  Para la danza, participaron los reconocidos coreógrafos Benjamin Millepied, Director del Ballet de la Ópera de París y coreógrafo de la película El Cisne Negro,  y  Jiri Burbenicek.

Un espectáculo digno de verse y escucharse.  Los integrantes de LUZ DE LUNA son auténticos virtuosos de la música y de la danza.  El piano y el cello son ejecutados magistralmente.  Los bailarines logran una estética dancística extraordinaria.  A teatro casi lleno, el público quedó arrobado viviendo “el hechizo de una noche pasional, soñadora, clandestina y artística”.  A quienes asistimos llegó la energía de este cuarteto tan pleno de talento y perfección en su desempeño.  Cabe mencionar que los fondos reunidos serán donados a la Fundación Crescendo con la Música.  Al final de la función, el aplauso fue estruendoso.

Se trató de una función única, presentada el domingo 24 de abril de 2016 en el Teatro la Ciudad Esperanza Iris, gracias a la Secretaría de Cultura, a través del Sistema de Teatros, en el .  Esperemos que pronto se presenten nuevamente.

 

CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO ((Gastronomía Escénica)

Por:  Eugenia Galeano Inclán

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Los seres humanos somos sensoriales.  A partir del nacimiento, comenzamos a ver, escuchar, oler, tocar y degustar.  Lo primero que un bebé reconoce es el olor de su madre.  Con el tiempo, vamos almacenando recuerdos que van ligados a lo que sentimos en ciertos momentos especiales.

 

Los mexicanos estamos muy orgullosos de nuestra gastronomía y no es para menos, a finales del año 2010 la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) declaró patrimonio cultural inmaterial de la humanidad a la comida mexicana.  Nuestra base fundamental es la familia y cuando nos reunimos, se perciben los olores provenientes de los platillos que juntos habremos de compartir.  La calidez de nuestros seres queridos y los sabores de los alimentos preparados con amor es una sensación tan particular que deja un recuerdo imborrable.  Cada región de nuestro país tiene sus especialidades culinarias.  Toda festividad o tradición también conlleva alimentos preparados para la ocasión.

 

Entre nuestras tradiciones, se encuentra la de celebrar a los muertos.  Para honrarlos hay pan de muertos y calaveritas de azúcar.  La costumbre es armar un altar adornado con flores de cempasúchil -de intenso color naranja-, velas o veladoras y fotografías de quienes se han ido.  Se pueden incluir crucifijos o imágenes de algún Santo o Virgen.  Se tiene la creencia de que en ese día los difuntos regresan para visitar a sus seres amados, así que, como ofrenda, no pueden faltar los platillos que disfrutaban, así como dulces, algún refresco, licor o vino de su preferencia y hasta cigarros, a fin de honrarlos y hacerles patente que los recordamos con cariño.

 

Independientemente de este ritual, nuestro país es conocido en todo el mundo por “jugar” con la muerte.  En ciertos aspectos, la usamos para reír.  Se hacen calaveras literarias para seres vivos cuyos objetivos son que rimen y que sean divertidas.  En ellas se aluden características específicas de la persona a quien van dirigidas.  Es famosa la imagen de “La Catrina”, originalmente llamada “La Calavera Garbancera” creada por José Guadalupe Posada y bautizada por el muralista Diego Rivera, la cual es un esqueleto caricaturizado que representa a una dama elegantemente ataviada.  La jocosidad de estas costumbres resultan incomprensibles para los extranjeros.

 

Lo cierto es que somos muy sentimentales, cuando alguien se va, lo dejamos descansar en paz, pero atesoramos las enseñanzas y los gratos momentos a su lado, en tal forma que su recuerdo permanece vivo en nuestro corazón y, por lo tanto, consideramos que no desaparecen del todo mientras los recordemos.

 

Una amplia y colorida gama de memorias, tradiciones, sabores y olores es captada por Vaca 35 Teatro en Grupo en su más reciente producción intitulada CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO – Gastronomía Escénica.

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Vaca 35 Teatro en Grupo, comandada por Damián Cervantes, es una “agrupación teatral independiente, que tiene su creencia en el diálogo directo con el espectador, en base a la creación de espectáculos escénicos, que dialoguen con nuestro entorno, y que propongan una forma de pensamiento, así como de reflexión profunda, en la escena, en el actor y en la vida que puede representar lo teatral”.

 

Comenzaron las presentaciones de Vaca 35 Teatro en Grupo cuando sus integrantes recién habían concluido sus estudios.  Poco a poco se fueron dando a conocer y una vez que realizaron una gira a España sorprendió tanto su trabajo allá que los retuvieron el mayor tiempo posible, razón por la cual han pasado años en la península ibérica.  Con una cadena de éxitos y varios reconocimientos y preseas en su haber están cumpliendo su noveno aniversario.

 

Formaron alianza con España para coproducir el proyecto de CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO – Gastronomía Escénica, el cual fue estrenado en Fira Tàrrega, para luego presentarse en diversos escenarios como el Teatro Circo de Murcia,  el Festival Internacional de Cádiz,  el Teatro Villarroel en Barcelona,  el Teatro Español Matadero Madrid,  y  de regreso a México participaron en el FITU Festival Internacional de Teatro Universitario 2015-2016.

 

CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO – Gastronomía Escénica es una propuesta escénica excepcional.  El espectador es invitado a una reunión llena de vida, aun cuando se hable de muerte.  Los actores referirán ciertas vivencias y, mientras lo hacen, cocinan platillos que les traen recuerdos entrañables.  Cada uno de ellos describe lo que sintió al saborear por primera vez el platillo que prepara y aluden a la persona de quien recibieron el legado.  En medio de la charla y los atrayentes aromas de la cocción, bailan, ríen, cantan, lloran y ¿por qué no? también discuten, de otro modo, no quedaría bien plasmada la esencia humana.

 

En cuanto a comida, Irene Caja (de Murcia, España, platica sobre la morcilla -en México llamada moronga o rellena-,  Maite Urrutia (de Santurce, municipio de la provincia de Vizcaya, España) nos cuenta de la porrusalda sopa de puerros -poros- y papas, asegurando que en invierno “el que la toma, se entona“.  Mari Carmen Ruiz (su familia salió de España durante la guerra civil para refugiarse en México) nos dará los secretos de preparación de las alubias con chorizo.  Nuestros compatriotas Diana Magallón, José Rafael Flores y Luis Alberti nos comparten cómo se preparan los chiles rellenos, los huauzontles en salsa de jitomate y los plátanos rellenos, así como algunas de sus remembranzas.  Alejandro González (de España) ameniza la reunión con su guitarra.

 

A través de su charla, rinden homenaje a sus seres queridos, tanto a los que aún los acompañan como a aquellos que han partido.   Demuestran su conciencia social no sólo mencionando aterradoras cifras de atrocidades que están ocurriendo en los dos países, sino también dando voz a indígenas, desaparecidos o asesinados.

 

La  producción de este proyecto interdisciplinario es de Vaca 35 Teatro en Grupo, Fira Tàrrega, Nau Ivanow / Iberescena / México en Escena.  El texto es de creación colectiva, ya que está integrado por los parlamentos que derivan de los eventos memorables que cada uno de los participantes ha elegido revelar.  Conforme se van entrelazando las historias, va en aumento el interés del espectador.  El montaje es muy creativo, fusiona recuerdos individuales, música, fiesta, alegorías, eventos importantes, tradiciones  y cultura de dos naciones y por supuesto gastronomía, todo lo cual se enmarca en un inmenso altar de muertos.   La labor de dirección por parte de Damián Cervantes es precisa y acertada.  La coordinación y el ritmo están en sincronía.  Incorpora una visualidad de impresionante estética en los movimientos corporales,  en las coreografías conjuntas y en su interacción con elementos escénicos.

 

Todos y cada uno de los componentes del concepto integral son eficaces y bien ejecutados.  Damián Cervantes, Diana Magallón, Mari Carmen Ruiz, José Rafael Flores, Luis Alberti, Maite Urrutia, Irene Caja y  Alejandro González realizan una admirable labor de principio a fin, en lo individual y como equipo.

 

Teatro para todos los sentidos es lo que el espectador encuentra en CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO – Gastronomía Escénica.  La propuesta está llena de sonidos y de interesantes relatos que surgen de la memoria y el corazón de los participantes.  Los aromas que inundan el espacio abren el apetito.  Tiene atractivo visual tanto escénico como personal, ya que todos los chicos son encantadores.  Al final de la función, los platillos cocinados  -verdaderas delicias- son compartidos en una grata convivencia.  Convoca a la reflexión de honrar y agradecer a seres amados que nos han impregnado su esencia y nos deja el consuelo de que quienes se van no desaparecen.  ¡Embárcate en esta aventura teatral y gastronómica!  Es una oportunidad fuera de serie al conjuntar teatro, degustación y convivencia.  Corre a verla porque la temporada es breve.

 

CUANDO TODOS PENSABAN QUE HABÍAMOS DESAPARECIDO

Gastronomía Escénica

se presenta los viernes a las 20:00 horas,  los sábados a las 19:00 horas,

y  los domingos a las 18:00 horas  en el

Teatro EL MILAGRO, ubicado en Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.

La temporada concluye el domingo 8 de mayo de 2016

 

 

 

 

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

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Puras cosas Maravillosas, Every Brilliant Thing

 

El trabajo empieza desde elegir la obra: en este caso es de Duncan MacMillan y Jonny Donahoe, con traducción de Pilar Ixquic Mata, han logrado un monólogo con rasgos diferentes y la dirección ha corrido a cargo de Sebastián Sánchez Amunátegui. Usted o yo podríamos (desearíamos) haberla escrito, imagine coleccionar en una libreta sus recuerdos desde la infancia: “el sabor del helado favorito, las camisas con rayas, la visita al veterinario, la inyección que recibirá nuestra mascota, el instante en que vimos a una jovencita en la biblioteca, ¿qué libro lees? Ella mira mi libro, ¿los intercambiamos?” Y así seguiríamos el registro de sucesos memorables, la primera meta es coleccionar cien, el número no es importante, sino los sentimientos al escribirla re leerlos y que la madre del personaje la lea. ¿Sabe si la recorre con la mirada amorosa? Si, pues ha corregido las faltas de ortografía.

El Foro Lucerna tiene una cartelera variada y garantiza una buena velada porque selecciona las propuestas que llegan, es el caso de este monólogo que ha recibido un tratamiento moderno, incluyente, alternando flashes de vértigo con los de quietud. Los autores abordan la depresión y sus puntos más elevados que rozan con el suicidio, mediante la preocupación del hijo por ir mostrando a  su progenitora lo que hay de maravilloso en la vida cotidiana. Admiro al psiquiatra Víctor Frankl y sus propuestas para disfrutar lo que tenemos, sea lo que sea, es mejor que la ausencia total; es el tema que maneja Perroni con tino, armonía y buen humor; los espectadores se prestan al juego que va inventando y que seguramente, cada día tiene notables diferencias, pues verse envuelto en el tejido literario- escénico es un pequeño shock (pensamos: ojalá le toque al de junto, no a mi) Un gran trabajo el de Pablo, quien asegura que “no tratamos de hacer una propuesta de autoayuda” y lo logran, antes que nada vimos una obra teatral, agradable divertida, disfrutamos un texto notable y el binomio director-actor muy bien aterrizado. Los martes en Lucerna y Milán.

 

Recibió condecoración el Dr. Andrés Roemer, nace la Casa de la Música

 

Usted ha leído que es un activista incansable, si por la cultura: cofundador y curador del “Festival Internacional Mentes Brillantes”, La Ciudad de las Ideas, que se realiza en el estado de Puebla. Creador del pre-G20 “Designing the Future” de la Cumbre del G-20 de Los Cabos; recientemente, el Festival Cultural “Mexiam” en San Francisco, Cal. en 2014, actividad que desarrolló en cuanto fue nombrado Cónsul General de México en esa ciudad.

El gobierno de Austria, a través de la Dra. Eva Hager, le otorgó la medalla de Honor por su propuesta: crear la Casa de la Música de Viena en Puebla, proyecto que tardó más de diez años en concretarse y ya se puede visitar. Es un logro que usó como modelo el que existe en Viena; en la ciudad de Puebla se logró instalar en lo que fue la fábrica textil La Constancia. El Dr. Roemer es autor de varias obras teatrales: El otro Einstein, Oskar y Jack, también ha producido recientemente La última sesión de Freud. Felicitamos al inquieto e incansable diplomático, que en la sede de la Embajada estuvo acompañado por Elena Poniatowska, Homero Aridjis, Sari Bermúdez, Rafael Tovar y de Teresa, entre otras personalidades.