Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

DE MIS HUMEDADES VENGO (ESPECTÁCULO POÉTICO-MUSICAL DE BEATRIZ CECILIA)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Facebook de Beatriz Cecilia

 

Creo, siempre que en un escenario se presente un hecho artístico estaremos frente a las denominadas artes escénicas, valga la expresión. En BUTACA TEATRAL por la esencia propia de su objetivo y de su finalidad, se abordan montajes dramatúrgicos. Sin embargo, partiendo de la premisa inicial comentaré sobre DE MIS HUMEDADES VENGO, espectáculo poético-musical a cargo de Beatriz Cecilia.

 

Tercera llamada. El escenario luce un decorado donde predomina el color azul, con toques lilas y  blancos. Todo, absolutamente todo forrado con esa tela, da la impresión a primera vista de algo “floreado”; entiéndase por todo, todo: cortinas, cubre asientos de dos sillas, manteles, teléfono, botella de vino, perchero… La atmósfera visual está creada, puede parecer cursi u original. Aparece la actriz, ya no es sorpresa, su vestido es igual a toda la decoración. Dicen los que saben sobre la psicología de los colores, el azul da tranquilidad, produce serenidad, un calmante para el alma.

 

El unipersonal -en su cuarta temporada- aborda un tema general: la soledad. Poesía cálida, noble, emanada en forma sincera, su mayor pretensión es provocar emociones a partir de lo cotidiano, de lo conflictivo y difícil de las relaciones sentimentales. Hay nostalgia, desamor, frustración, poca esperanza, sin embargo, no hay derrumbamiento, conflicto existencial si. Perseguir el sueño, el recuerdo del sueño, el sueño del sueño. Saber en tu casa está la mentira y a la vuelta de la esquina la verdad. Expresar: “quería morir por ti, no vivir contigo”. No tengo ni la más remota idea si los poemas sean producto de experiencias personales o meros actos de inspiración, lo cierto el tema de la soledad es recurrente.

 

Lo poético es apoyado con acertados y bellas canciones y sin ser estrictamente coreografías, pasos de baile, rumba y tango, entre otros. El escenario se engalana con temas como: QUÉ LÁSTIMA, DE MIS HUMEDADES, SOÑABA EN MI, BAÚL DE LUNA, YA NO CAUTIVA, ALQUIMIA…

 

Beatriz Cecilia es versátil, actúa, canta, baila, declama -no es lo mismo que recitar-, llena el espacio escénico, se desplaza con soltura, con gracia, con elegancia; tiene mucho que explotar y lo hace. Rompe la cuarta pared, la cercanía con el espectador rompe la formalidad, hay un contacto personal, se enriquece el espectáculo. Los poemas escritos en una ensaladera, en el periódico, en las servilletas, en cartas, recurso, bien, lo malo es que los lea cuando es la autora. Sin necesidad se apoya con el multimedia- muy mal producido por cierto-, recurso innecesario cuando, a fuerza de ser repetitivo, ella por sí misma llena el espacio.

 

Si el vino es poesía embotellada y el ser humano el único animal que bebe sin tener sed, le basta la soledad para hacerlo, DE MIS HUMEDADES VENGO es una buena oportunidad para disfrutar de un Cafe-concert, los sábados a las 21:15 horas, en Casa Actum (Coyoacán, Ciudad de México), hasta el 5 de marzo.

Alejandro Luna fue galardonado con la Medalla Bellas Artes

Alejandro Luna
Fotografía benjamín Bernal 
Alejandro Luna fue galardonado con la Medalla Bellas Artes, un merecido reconocimiento al más destacado escenógrafo e iluminador teatral y operístico de la segunda mitad del siglo XX y del XXI. Formador directo e indirecto de las actuales generaciones. Más de 200 puestas en escena y 20 óperas, tanto en México, Estados Unidos, Asía y Europa. Cinco décadas compartiendo su talento y creatividad.
AESCENA TEATRO se congratula por esta medalla y se une a la alegría de la comunidad artística que lo acompañó en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO (LA CONDICIÓN FEMENINA DESDE LA TEATRALIDAD)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional

 

Para soñar

Una reina huye con su sirvienta, deambula por diferentes lugares, es perseguida por un “contratista” (asesino a sueldo) mandado por el rey con la orden de matarla. Viaja en una cama arrastrada por su servidora, hecho que da pauta al título PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO, texto onírico de y dirigido por Ana Francis Mor, bajo el planteamiento de la condición femenina desde la teatralidad.

La obra inicia con un sueño que la reina cuenta a su sirvienta, un interesante punto de vista sobre Dios, una “teología” sui géneris, con desarrollo lógico e irreverente. Consignas fuertes como: “La conciencia es un estorbo”. Tres seres a quienes el destino une, una odisea, una aventura emocional. Personajes que escapan a los estereotipos y, sin embargo, muy humanos. La mujer víctima, huir para salvar su vida o, tal vez, salvarse de sí misma. Todo concluye de forma inesperada, porque…

Ana Francis -programa de mano- se pregunta: “¿Existen personajes femeninos interesantes, verdaderamente protagónicos, heroicos, aventureros, autónomos, arrojados, cuya narrativa no dependa de un discurso amoroso o maternal?” Es evidente que si. Sin embargo, hay que reconocerle, en este caso y reiterando, es la naturaleza intrínseca de la mujer ante las circunstancias existenciales lo que prevalece.

Siempre he tenido la idea de que Ana Francis es una excelente directora, el destino la llevó por otro camino, más redituable, no se le puede criticar. En este caso no hay escenografía, sólo un telón de fondo y una cama de latón de donde brotan diversos objetos, más simbólicos que realistas. Un gran trazo, mejor ritmo y lo más loable como aprovecha las cualidades histriónicas de su reparto. ésta es la tercera temporada del montaje, luce más que cuando se representó en el teatro Benito Juárez. Conoce a fondo su texto, sabe lo que quiere transmitir y cómo lograrlo, al final de cuentas es lo importante.

Marisol Gasé, Amanda Schmelz y Antonio Cerezo convierten lo que en su origen fue un sueño escrito en papel en un mundo escénico, en él que se preguntan: “¿Duele morir?” Creen tenemos a la muerte tan confundida que tal vez duela más vivir. Los tres extraordinarios, portentos de actuación, cada uno en su estilo y características. Impresiona Marisol, por varios momentos es el alma de la puesta, combina gracia y seriedad, ingenio e ingenuidad, bondad y maldad… es un crisol donde el teatro emana de una sola persona, de una mujer.

PARA SOÑAR QUE NO ESTAMOS HUYENDO se representa en el teatro El Galeón (Centro Cultura del Bosque), lunes y martes a las 20:00 horas, hasta el 1 de marzo.

MILAGROS (ABEJAS, SOYA TRANSGÉNICA Y ENDROMETRIOSIS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Cartel promocional

 

milagros

Apenas en una nota anterior comentaba que la dramaturgia nacional contemporánea, en buena medida, está abocada en abordar problemas sociales de toda índole y si bien el teatro no cambiará la realidad si influye en la toma de conciencia por parte del espectador. Ahora en el texto MILAGROS, coautoría de Vicky Araico y Nir Paldi, a partir de una idea original de la primera, se abordan varios tópicos: las abejas -en especial la denominada Melipona, cultivada por las comunidades mayas desde los tiempos precolombinos- y la afectación que están sufriendo por los pesticidas; el problema de la siembra de soya transgénica, y; la endometriosis, enfermedad que afecta en nuestro país a una de cada diez mujeres.

 

En apariencia temas que no tienen correlación entre si, sin embargo, la estructura de la obra logra entrelazarlos de forma inteligente, se combina la realidad con la ficción como suele suceder en la dramaturgia. No se trata de un panfleto, no cae en lo didáctico, plantea hachos, no toma posturas fundamentalistas, es ameno, capta la atención de principio a fin. Hay un “enfrentamiento” entra la forma de pensar urbana y la de las comunidades indígenas. Hay hipótesis sobre posibles causas de la endometriosis, se proporcionan sus consecuencias. Se puede decir las abejas juegan un rol protagónico. Sabia manera de combinar todo lo anterior, en un texto de carácter social a partir de la esencia del teatro.

 

Nir Paldi asume la dirección. Demuestra que siempre está presente la posibilidad de hacer un montaje sin parafernalia, de hecho, literalmente, no hay nada, así, nada en el escenario, sólo dos actrices. En forma curiosa da la impresión de un gran desplazamiento escénico por parte de éstas, es un efecto, la verdad ambas se desenvuelven en un espacio de unos pocos metros cuadrados. El único apoyo es un músico en vivo -Diego Pérez Lombardini, guitarra- quien crea un ambiente sonoro permanente.

 

La propia Vicky Araico y Norma Pablo dan vida, en principio, a Laura y Milagros, en principio porque caracterizan a varios personajes durante el desarrollo de la obra, por fortuna sin exagerar en los absurdos cambios de voz o algún sombrerito o algo por el estilo. Su expresión facial y lenguaje corporal son impresionantes, así como el empleo de la mímica. realmente excelsas las dos.

 

MILAGROS, una obra para los amantes del buen teatro y para quienes además a partir de éste les gusta la reflexión. La cita es en la Sala Xavier Villaurrutia (Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México), hasta el 8 de febrero, los lunes a las 20:00 horas.

MILAGROS (ABEJAS, SOYA TRANSGÉNICA Y ENDROMETRIOSIS

TIERRA ERES, DOCUMENTAL TEATRAL SOBRE LOS MIGRANTES (HAMBRE, VIOLENCIA, ASESINATOS, VIOLACIONES, ROBOS, AMPUTACIONES)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

El teatro desde su surgimiento ha abordado los temas relacionados con la condición humana. Desde hace algunas décadas hay muchos dramaturgos(a) abocados a tratar temas de carácter social, como las femenicidios en Ciudad Juárez, el narcotráfico, la violencia y una lista interminable. Obvio, el tema de los migrantes no ha quedado al margen del quehacer escénico. Ariadna Aragón es autora de TIERRA ERES, obra en la que cuatro mujeres e igual número de hombres entrecruzan sus destinos con la ilusión de llegar a los Estados Unidos en busca del sueño americano, ocho centroamericanos que pasarán toda una serie de vicisitudes, donde la línea que separa la vida de la muerte es tan indeleble como la incertidumbre con la que se desplazan. Los rieles por donde corre el tren conocido como “La Bestia” son guillotinas para muchos, unos “sólo” perderán alguna de sus extremidades, en el mejor de los casos, otro su vida, ahí quedarán sus cuerpos y sus ilusiones.

 

Seres humanos cuyo único pecado es desear un mejor estilo de vida, sostener en forma digna a sus familias arriesgando todo, desde la existencia física hasta la dignidad. Salir de Centroamérica, intentar cruzar la República Mexicana y alcanzar el destino final. El precio a pagar para muchos de ellos y ellas es pasar hambre y sed, ser sujetos de la violencia, robos, extorsiones, pérdida de alguna parte del cuerpo y en el caso de las mujeres siempre latente la posibilidad de ser violadas, no una sino varias veces. Este es el triste panorama que nos presenta la dramaturga. Lo relevante es que asume el tema de los migrantes, pero no de los mexicanos que intentan ingresar al territorio de nuestro vecino del norte, sino de los centroamericanos que son vejados y violentados en sus derechos humanos en nuestro territorio. Un teatro documental, no sólo plantea situaciones, da cifras alarmantes, increíbles, la realidad es por demás deprimente.

 

Francisco Escárcega, al frente del grupo Teatro Tlancualejo, con sede en Irapuato, Guanajuato, es el responsable de la dirección, en verdad digna de admirarse. Con el escenario vacío, con tan solo una estructura metálica y una lámpara recrea a la famosa “Bestia”. El teatro documental no es del agrado de muchos, sin embargo el director logró captar la atención de principio a fin, llegar a lo más profundo de los espectadores, un silencio sepulcral durante 75 minutos. Ocho actores entregados, desgarrándose -literalmente- entregados, por momentos pareciera en verdad encarnaban a los personajes y eran presas de las situaciones. Un reconocimiento para el grupo y Francisco, cuando el teatro logra conmover es de agradecer, es sabido que éste no cambiará la situación, pero al menos es una posibilidad para tomar conciencia de hechos que nos pasan desapercibidos. Cuando un montaje está magníficamente dirigido y actuado con entrega y soporte del elenco -unos muy bien, otros regular y otros…-, aún el teatro documental se vuelve atractivo. La representación se dio en el marco del XXVIII Encuentro nacional de los Amantes del Teatro que se lleva a cabo en el Teatro Jiménez Rueda, en la Ciudad de México.

 

MEDARDO TREVIÑO TRIUNFA EN EL ENCUENTRO AMANTES DEL TEATRO (ALEJANDRO LUSTRIAL OVACIONADO EN SIN SOMBRERO Y CON GUARLAPAS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto del face Festival

 

 

Sin sombrero

 

Inició el XXVII Encuentro Nacional de los Amantes del Teatro, con un triunfo rotundo de Medardo Treviño como autor y director de SIN SOMBRERO Y CON GUARLAPAS. Transcribo un fragmento de la nota que publiqué en su momento -estreno en la Ciudad de México-: “Un extraordinario monólogo donde el hecho dramático brilla por sí solo, una estructura impecable que oscila entre lo convencional y lo propositivo. Transita por varios géneros en forma imperceptible. No hay exageraciones, no hay azotes ni golpes de pecho, es un teatro emanado de una realidad, no es una copia de ésta llevada al escenario, es una interpretación dramatúrgica, un hecho artístico, un espejo estético de la sociedad norteña. Un autor en plena madurez, representa el desarrollo relevante de la dramaturgia en las entidades federativas, no son obras localistas o regionales, es un tema universal inspiradas en particularidades. Una obligación abrir esas ventanas y ver a través de ellas la riqueza teatral en la República Mexicana -en este caso Tamaulipas-, un ejemplo es Medardo. Lo interesante de esta ocasión es que Alejandro Lustrial estuvo impresionante en la forma de representar el monólogo, es increíble cómo se va transformando de un joven adolescente en un viejo decrépito, un verdadero histrión del escenario. A fin de cuentas, la ovación, muchos de pie, fue conmovedora, tanto para el actor como para el público.

 

En realidad la inauguración, esto es la primera función, estuvo a cargo de Gabriel Retes, quien es el responsable de la adaptación y dirección de TRAINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO, de Irvine Welsh. Para los amantes de la cinematografía, recordarán la memorable película. El maestro Retes gozará de mucha fama, sin embargo su adaptación dejó mucho que desear y su dirección más. Un lenguaje vulgar, sus actores arremeten en forma grosera contra el respetable. Una propuesta que bien se podría ubicar en la década de los setenta del siglo pasado. Sus actores con altibajos, sólo Vicente Flores y Fernando Juvenal con momentos acertados, el elemento femenino para llorar.

 

Procedente de Acapulco, Guerrero, Manuel García Campos representó HUEHUETLATOA, un unipersonal “donde se incorpora la tradición ancestral de los rituales de la montaña de la citada entidad federativa y como base de la historia el cuento cómo el HUITZIZLLI (colibrí), adquirió los colores tornasol y la ligereza del viento”, de Arturo Meza Rodríguez. Narrativa, bien lograda, apoyada en un excelente movimiento corporal, de hecho en ocasiones se trata más de una coreografía que de teatro.

 

Un gran texto es RIÑÓN DE CERDO PARA EL DESCONSUELO, de Alejandro Ricaño, sin embargo la representación de Xalapa, Veracruz, la compañía DesenCajados, no pudo llevarlo a buen término. Iván Chimal y María Bravo con grandes problemas de dicción y de voz, sobre todo la segunda, mucho entusiasmo, pocos resultados.

 

Lo que en verdad fue un desastre fue la participación de la compañía Formación Actoral Al Trote, representando al estado de Aguascalientes, con NI PRINCESAS NI ESCLAVAS, de Humberto Robles y “dirección” de José Claro Padilla”. Un texto que pretende ser comedia, digamos como género, con “chistes” de lo más trillado, tratado de incluir aspectos contemporáneos de la política y acontecer nacional. La dirección, paupérrima, nada de imaginación, no hay trazo, bueno no hay nada. Tres muchachas que no tienen nada que hacer en un escenario teatral, tal vez en teatro-cabaret: Jenetzi Sema, Ivone Gallegos y Anayeli Campos, buenas intenciones, malas actuaciones.

LO MEJOR DEL TEATRO EN LA CIUDAD DE MÉXICO EN 2015

Por: Alejandro Laborie Elías,crítico de teatro

 

La Ciudad de México goza de una impresionante oferta teatral, en ésta encontramos de todo, desde verdaderos bodrios como de excelentes puestas en escena. A continuación presento una relación de lo que considero fue de lo mejor que vi, claro, desde una perspectiva personal y por lo tanto subjetiva, en gustos se rompen géneros. De antemano ofrezco una disculpa, sé que hay producciones que deberían estar incluidas, sin embargo, por una u otra razón no pude asistir a su representación. El orden en que aparecen es simplemente cronológico, esto es, como se fueron estrenando en el año.

 

*DHl

 

De: Luis Eduardo Yee

Dir: Ricardo Rodríguez

 

*SHAHRAZAD

 

De: Christian Courtois

Dir: Gina Botello

 

*ANAMNESIS

 

De: Jaime Chabaud

Dir: Richard Viqueira

 

*PUNZOCORTANTE

 

De y dir: Richard Viqueira

 

*COCO, MADENOISELLE GABRIELLE

 

De y dir: Silvia Peláez

 

*HUMBOLDT. MÉXICO PARA LOS MEXICANOS

 

De: Ernesto Anaya Ottone

Dir: David Salmon

 

*EXILIOS

 

De. Varios autores

Dir: Sandra Félix

 

*LA MUJER JUSTA

 

De: Sandor Marai

Dir: Enrique Singer

 

*ANIMALIA

 

De y dir: Diego Álvarez Robledo

 

*VOLANDO AL SOL

 

De y dir: Medardo Treviño

 

*RUINAS

 

De y dir: Edna Ochoa

 

*CITA EN NOTRE DAME

 

De: Roxana Andrade y Vicente Ferrer

Dir: Gema Aparicio

 

*VOCES DE UN ASESINO CON CARA LARGA Y SIN SONRISA

 

De: Daniel de la O

Dir: Josejuan Meraz y Daniel de la O

 

*PUNTOS SUSPENSIVOS

 

(Se representó en Micro Teatro México)

De: Valeria Vera

Dir: Cecilia Suárez

 

*SONETO PARA DOS ALMAS EN VILO

 

De y dir: Martín Zapata

 

*EL CÍRCULO DE CAL

 

(Reposición)

De: Bertolt Brecht

Dir: Luis de Tavira

 

*CONTRACCIONES

 

De: Mike Bartlet

Dir: Alejandro Velis

 

*BANG

 

(Se representó en Micro Teatro México)

De: Alberto González

Dir: Miguel Santa Rita

 

*MADERO O LA INVOCACIÓN DE LOS JUSTOS

 

De: Antonio Zúñiga

dir: Mauricio Jiménez

 

*LA GAVIOTA

 

De Antón Chéjov

Dir y adaptación: Diego del Río

 

XXVIII ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO (54 PRODUCCIONES INDEPENDIENTES)

jimenez rueda

 

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía face.

 

Como ya es tradición se llevará a cabo el ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO, es su vigésima octava edición, con la participación de 54 producciones, provenientes de 14 entidades de la República Mexicana: Tamaulipas, Guerrero, Veracruz, Aguascalientes, Baja California Sur, Guanajuato, Estado de México, Nuevo León, Querétaro, Jalisco, Puebla, Morelos, Sonora y Ciudad de México.

Este encuentro -originalmente se le denominaba SELECTIVA NACIONAL DE TEATRO- es uno de los más antiguos en el ámbito nacional, con la particularidad de no recibir ningún tipo de apoyo económico oficial, aun cuando es auspiciado por el Instituto Nacional de Bellas Artes con las instalaciones del Teatro Jiménez Rueda, sede de la fiesta escénica. Cabe destacar que todos los grupos y compañías participantes en esta próxima edición financian sus producciones y cubren por sí mismos sus gastos de traslado, hospedaje y alimentación, lo cual es digno de reconocer, en verdad son amantes del teatro.

Como es natural habrá de todo -excelente, bueno, regular y malo- lo importante es apreciar el entusiasmo. Por otra parte de las ediciones anteriores han surgido montajes que han representado a nuestro país en congresos internacionales de las asociaciones que integran el Instituto Internacional de Teatro UNESCO, donde han obtenido premios y menciones honoríficas.

También es importante que un buen número de obras a representarse son de autores mexicanos, tales como Medardo Treviño, Alejandro Ricaño, Noé Nolasco, Alejandro Licona, Wilberto Cantón, Berta Hiriart, Emilio Carballido, Felipe Santander, Mario Ficachi, Sabina Berman, Óscar Liera…

El encuentro se inaugurará con TRASINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO, de Irvine Welsh y dirección de Gabriel Retes y SIN SOMBRERO Y CON GUARLAPAS, autoría y dirección de Medardo Treviño. Ésta tendrá lugar en el Teatro Jiménez Rueda del 8 al 31 de enero, de viernes a lunes, con excepción de la última semana, que se realizará de jueves a domingo, en diversos horario, en general a partir de las 16:00 la primer función, las obras para niños a las 12:00 horas. Como cada año se esperan llenos totales en el recinto escénico.

EL ÚLTIMO ENCUENTRO

Por: Dalia María Teresa De León Adams.

 

-“A finales del siglo XIX y principios del XX, Henrik, general de la guardia imperial y Konrad, su Viejo compañero de la Academia Militar, se reúnen en un Castillo de los Cárpatos húngaros, donde todo sigue como si no hubieran transcurrido 41 años sin volver a verse. En la inmensa mansión, Nini la nodriza, es testigo de lo que pesa el silencio. Va ha consumarse el ultimo encuentro.”-

 

Este es uno de los párrafos textuales que encontramos en el programa de mano que se ofrece en la puesta en escena de la obra teatral EL ÚLTIMO ENCUENTRO original del escritor húngaro Sándor Márai intitulado por el mismo autor como “Las velas se consumen hasta el final”, pero que al ser traducido al español se le reconoce como EL ÚLTIMO ENCUENTRO.

 

El director de esta obra teatral es el Señor Salvador Flores quien junto con Gabriel Pascal, encargado de la escenografía de la puesta en escena, lograron un excelente trabajo al presentar una obra difícil, en cuanto a su representación escénica, debido a los largos diálogos entre sus dos personajes protagónicos.

 

Sin embargo, el cubrir los detalles descritos en esta obra, como son la presentación de la degustación de vinos y licores  en una suntuosa cena en el castillo, son manejados a detalles otorgándole mayor verosimilitud a este drama, durante una discusión sobre un pasado compartido y triangulado.

 

El lujo logra ser patente entre la presencia de actores que interactúan como parte del servicio de una familia de abolengo en donde empero al lujo y aparente bienestar, reina la triste y la soledad. El personaje de la vieja nana llamada Nini sirve al autor para dar los pormenores de la trama utilizándola como presentadora de la historia, como una narradora omnisciente y omnipresente de los hechos.

 

Un cuarto personaje cobra gran peso en la narrativa, pese a que es breve su intervención, que es el de la condesa Krizstina, quien forma el centro de la disputa simulada y callada durante 41 largos años, entre dos colegas y amigos en aras de un mismo amor.

 

EL ÚLTIMO ENCUENTRO es sin embargo una obra en donde la amistad es la parte medular de la trama y qué busca justificación de su ruptura en un amor que los personajes protagónicos de Hénrik  y Konrad le profesaran a Krizstina.

Las preguntas a medio contestar son la premisa de los diálogos que pretenden una conversación o riña entre los amigos, muy a manera aristocrática, en donde nunca se debe perder la compostura, ni los buenos modales.

 

Todo ello fue lo que hizo que la Compañía Nacional de Teatro se interesara en esta obra, en donde además se celebra la colaboración del gran trabajo escénico de la primera actriz Marta Verduzco (Nini) y su excelente director escénico Salvador Flores, ambos reconocidos por su ardua y valiosa labor durante un poco más de cuarenta años.

 

LA GAVIOTA (MIEDOS, CONFLICTOS, PASIONES)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

La gaviota

Antón Chéjov, pilar de la dramaturgia universal, nos adentra en las diversas facetas de la naturaleza humana a través de uno de sus textos más acabados: La gaviota. Miedos, conflictos, pasiones envuelven el devenir de cada uno de los personajes, con sus propias condiciones psicológicas. Desde una perspectiva, creo, lúdica aborda sentimientos, frustraciones, emociones, ilusiones y cómo cada persona entiende y vive el amor en particular y las relaciones humanas en general. Encontramos arquetipos, curiosamente, vuelvo a creer, desde una perspectiva empapada por el mundo onírico.

 

Si lo anterior es fundamental es interesante que en buena medida Chéjov lleva la teatralidad a su máxima expresión, esto es, teatro en el teatro. De hecho hay un cuestionamiento y defensa de esta expresión artística mediante un interesante diálogo entre dos personajes. Inclusive uno de ellos entabla una discusión con su madre, uno buscando la vanguardia, el cambio, la otra preservando  y aferrándose por lo convencional. Claro que hay una historia, más bien varias que se entrelazan en la unidad del hilo conductor.

 

Diego del Río es el responsable de la adaptación y la dirección. Sobre la primera es importante reconocerle conserva la esencia, la profundidad del texto. Con relación a la segunda hay varios aspectos a destacar. Junto con Auda Caraza y Atenea Chávez crean un espacio apartado de cualquier escenografía convencional. Digamos dos planos no divididos sino unidos por el trazo, así se logra el marco para que cada personaje (actor) se desenvuelva con soltura y deje abierta la puerta que lleve al interior de sus almas. De lado izquierdo, viendo el escenario de frente, hay seis sillones individuales desde donde los actores inician o terminan sus escenas, equivaldría a la entrada o salida por las piernas en una puesta tradicional. Por otra parte, no hay diseño de vestuario, tal y como arriban al recinto teatral, con su ropa personal, así entran a escena, por tanto todos los días la vestimenta es diferente. Concluyo este rubro comentando el ritmo pausado, no hay exabruptos , ni siquiera en las escenas más violentas de la oralidad de Chéjov.

 

Un elenco de primer nivel encabezado por Blanca Guerra, acompañada por Odiseo Bichir, Mauricio García Lozano, Carlos Valencia, Pilar Flores del Valle, Paulette Hernández, Adriana Llabrés, José Sampedro y Pablo Bracho. Diferentes formaciones y generaciones se encuentran, lo importante es como de esta mezcla Diego logra unidad en favor del resultado final. Trato de buscar un adjetivo para definir el montaje, no lo encuentro a menos que caiga en lugares comunes, mejor lo dejo a criterio de cada espectador.

 

LA GAVIOTA, deleite teatral, se puede disfrutar en el Foro Shakespeare (Ciudad de México) hasta el 8 de enero del próximo año, de lunes a sábado a las 20:30 y domingos a las 18:00 horas, excepto 24 y 31 del presente mes.