Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

forever young 1Forever young en un hotel de la zona rosa

Se empezó a preparar en 2017, se conoció el contenido: la tercera edad, en ese momento pensé, es “el tema”, como en Aeroplanos, El padre, Instrucciones para una muerte feliz; se habla de un problema que todos tenemos cerca, papá, mamá, abuelos, tíos, vecinos, amigos, que se enfrentan a este proceso natural para el que no estamos totalmente preparados. Esta obra nace en Suecia y pasa a España con la compañía Tricicle, de ahí se lanza a invadir el planeta.

El reto que debe usted vencer es el embellecimiento de la zona rosa, donde está el hotel NH, lleno de agujeros y tierra, pero al llegar, usted disfrutará un elenco que es de primerísimo orden: Maria Fillipini, Beto Torres, Claudio Espíndola, José Manuel Fiigueroa, con una singular comediante: Alicia Paola, que se quedará en su memoria. Los números son tomados de The Doors, Café Tacuba, Alex Syntek, Bee Gees y otros genios de la música, que así están presentes para hacer un ensamblado atractivo, en el que el guión sí importa, porque permite ver fresca y alegra cada una de las canciones y escenas; del poder vocal, solo tengo que recordarles: cada uno de ellos ha sido estelar en algún(os) musical(es). Sí, un grupo de actores de la tercera edad nos platican sus recuerdos, añoranza, sueños, desde la casa del actor.

La agilidad con que avanzan las escenas y las coreografías, es de excelente factura, intervienen en ellas varios actores, para que el resultado sea vibrante, vigoroso. Los jóvenes viven como si nunca fueran a llegar a una venerable edad, no se cuidan, lo que al paso de los años se refleja en la salud, articulaciones y ojos, así que ver este montaje dirigido por Anahí Allué (la maestra en Billy Elliot, claro) le ayudará a reír, preparándose para esta parte de la vida. ¡No se la pierda!

Canción rota para un perdedor fortuito

Monólogo interpretado por Arturo Amaro, formó parte del Encuentro Amantes del Teatro que se desarrolla en el Conjunto del Bosque, atrás del Auditorio Nacional. Este festival sigue todos los fines de semana de enero; es gratuito. Arturo Amaro habla de un migrante que no sabe si quiere irse, tener más novias, escapar de las críticas paternas y llega a la cantina el Humazón. Vaya a este festival organizado por el Centro Mexicano de Teatro, ITI UNESCO. Canción rota… estuvo en la Sala Xavier Villaurrutia.

Cuarteto de una pasión, entró a la sala Xavier Villaurrutia

Elenco: Olivia Collins, Jéssica Decote, Fernanda Vizzuet y Gema Garoa; Alex Sirvent tiene un pequeño rol. Un grupo de teatristas hizo una pequeña campaña en redes, quejándose pocuarteto de una pasión 2r la presencia de actores televisivos en un espacio cultural; opino que deben revisar la historia de estos espacios, INBA o UNAM, donde hemos visto a Ofelia Guilmain, López Tarso, Julieta Egurrola, Verónica Langer, Juan Carlos Colombo, por citar muy pocos. Acerca de Cuarteto de una pasión diré que me gustó, tiene detalles a mejorar, pero luego le amplío mi apreciación.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Mr. Teatro, Manolo Fábregas, cumple 22 años de ser inmortal

Manolo Fabregas y familiaRecordemos, nace el de 15 julio 1921 y fallece el 4 febrero 1996, fue nieto de Virginia Fábregas, encabezó compañías con nombres que hoy son leyenda, Andrea Palma, Gustavo Rojo, Virginia Manzano, Amparo Rivelles, María Félix, Carmen Montejo, Luis Beristain, Carmen Molina, Silvia Pinal, Rita Macedo, Fernando Soler, entre muchos otros; traía las escenografías de Francia e Italia, poco a poco se irían desarrollando también los dramaturgos como Luis G. Basurto.

Se comenta y describe frecuentemente la evolución del teatro en nuestro país, sin duda ha sido una de las principales fuentes de entretenimiento y cultura, con dos exitosas etapas, gratamente ligadas a los nuevos medios de comunicación: radio y tv; que tuvieron la buena idea de transmitir radio teatros (alrededor de 1930) y teleteatros (a partir de 1946), con las mejores figuras del momento. También hubo programas acerca de la escena mexicana conducidos por Maruxa Villalta, otro con Luis G. Basurto; a Manolo Fábregas lo invitaron a conducir un exitoso programa de charlas en la elegante sala de una casa, para cantar y narrar sabrosas anécdotas.

Este es el tipo de sinergias que ya no se han dado y hacen mucha falta, interesar al público en ir a la escena, que conozcan a las figuras del momento, difundir las obras clásicas, lo mismo que nuevos dramaturgos, reducidos a una hora o completos, sin miedo, porque deben recordar que la tv otorga popularidad, el teatro refrenda calidad y el cine es la inmortalidad. (Ahora hay chismes al por mayor).

Estas letras son para brindar homenaje a Manolo Fábregas, que fue importante no solo como actor, locutor, director, productor e importante empresario y fundador de una sólida familia, su trabajo global participaba en la promoción del arte Teatral, Televisivo, Cinematográfico del siglo XX. ¿Cuántos artistas de esta dimensión ha dado México en los siglos XX y XXI? Un abrazo respetuoso para doña Fela Fábregas, Manolo, Virginia, Martha, Mónica y Rafael Sánchez-Navarro.

Por favor Dios mío hazme viuda

dios mio hazme viuda 2Rubén Lara es el más exitoso productor que aborda los problemas de género: ahora le da oportunidad a este libro de Josefina Vázquez Mota, publicado en 1999, reúne a Sherlyn (ganadora de premio APT hace pocos años), Helena Rojo, Ivonne Montero, Rebecca Jones y Paulina Goto, quienes prometen provocar risas todo el tiempo. Aseguran que se trata de una variación libre al libro de autoayuda, para ese tema que arranca con Entre mujeres, por los 80. Es teatro leído al estilo de Monólogos de la vagina, comentan no saber cuándo vendrá al ex DF, empiezan por Pachuca y Morelia. La combinación que plantea, mujeres: babyboomers, generación X, Millenials, centenials, touch… ouch.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

El padre, joya de la filatelía teatral que le falta tener a Ud.

El padre flyerUna dupla sin igual: Ignacio López Tarso-Salvador Garcini, cada vez que trabajan en equipo hacen historia. En esta ocasión completan el elenco Érika Buenfil (lleva el mayor peso actoral), Lisardo (La novicia rebelde, Tierra salvaje), Sergio Basañez, Lucero Lander y Adriana Nieto. A varios de ellos usted los tiene frescos en la mente, porque Sergio es un malo muy malo en El Chema; Érika en La doble vida de Estela Carrillo y Busco marido impotente; Adriana en La piloto, por mencionar unos cuantos de sus trabajos. Salvador Garcini tiene largo historial, desde Hamlet, con rock y láser, en el Xola (así lo describo en mi libro, que pronto aparecerá), hasta Aeroplanos y Un Picasso. Así que guise usted estos ingredientes con exquisito sabor, consiga la mano de un sublime chef y logrará El padre, sí, que puede ver en el San Jerónimo.

No le debo describir o sugerir la trama, en este caso no tiene nada que ver con el resultado; el texto es de Florian Zeller (versión de Fernando Masllorens y Federico González del Pino), que toma una vida cualquiera, escenas sueltas, personajes prototípicos, para describirnos una mente agradable, llena de vida, sensaciones, experiencias y logros, dentro de una casa, y ya acabé de describir las secuencias de esta narraturgia. He eEl Padre ILT 9ncontrado magistral: el tiempo y la cadencia (Pepe Solé dixit), así como las sorpresas continuas que va generando el máximo intérprete de corridos, que tiene las iniciales ILT.

Así que vale la pena trasladarse hasta el Teatro San Jerónimo para disfrutar una obra teatral de altísimo nivel, antes o después llevarse a la familia a tomar un café o cenar, a la vieja usanza, en que la cultura es pretexto para una grata velada familiar. Estoy seguro que le dejará una larga impresión agradable este hombre, padre, seductor, afable, que no puede reconocer ayer, hoy y mañana, pero le ven con la misma mirada amorosa todos los que le rodean. No deje de verla, junto con El cartero, Aeroplanos, Un Picasso, los cuales se guardarán en su memoria como un timbre filatélico invaluable y, claro, debe de coleccionar para tener completo su álbum.
Notas breves 

Ana Ma. Collado cumplió XV años de realizar Broadway por amor; en esta ocasión, en el Rafael Solana de Coyoacán. Muchas estrellas sobre el escenario, muchos amigos de toda la vida aplaudiendo.

Mario Ficachi presentó su libro El Teatro. Ha reunido anécdotas, brillos y tropezones de su larga carrera sobre la escena. El autor de Los juniors estuvo acompañado por sus amigos y colegas, que llenaron el Teatro Usigli -que recibió El Diario de un loco, que dirigí hace siete años para homenajear (y recordar) al maestro Carlos Ancira-. ¡Bravo Mario, hay que escribir otro que hable de tus montajes recientes!

www.astl.tv (televisora por Internet) rebasó los cuatro años de edad, renueva su imagen y mejora contenidos. El programa de Alex y Benjamín Bernal, Ciber@rte, excede tres años en los que hemos platicado con Maricela Lara, Angélica Aragón, Tato Alexander, Ángeles Marín, Elaine Haro, Emireth Rivera, Carmen Baqué, Tzaitel Santini, por citar talentosas damas; agradecemos a Alejandro Ruiz Robles y Malena Miranda todo el apoyo técnico y promocional de un medio nuevo: la televisión por Internet. Pasamos miércoles (12:00 a.m.) y viernes (13:00 horas).

 

ANTONIO Y CLEOPATRA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

cleopatra_ligeroEl Teatro El Milagro da inicio a sus actividades del año 2018 con el Ciclo de Teatro Isabelino, un proyecto conjunto de la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) y el elenco de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), donde se presentarán siete obras dirigidas por los recién egresados de la citada Maestría. El título del ciclo obedece a que las obras representadas se relacionan de una u otra forma con el Reino Unido, comandado por la Reina Isabel y, sobre todo, inspiradas en textos del insigne autor William Shakespeare, oriundo de Inglaterra.

Toca el turno de abrir el Ciclo de Teatro Isabelino a Antonio y Cleopatra, versión y dirección de Gutemberg Brito Patatiba, flamante egresado de la Maestría en Dirección Escénica.

Gutemberg Brito Patatiba se desempeña como actor, dramaturgo, director, bailarín y docente. Nació en Bahía, Brasil, y radica en México desde hace más de una década. Gutemberg tiene en su haber una amplia gama de estudios y una larga trayectoria laboral. Es graduado de la Escuela Nacional de Ballet Clásico de Sao Paulo, Brasil, para luego, ya en nuestro país, egresar de la Carrera de Actuación en La Casa del Teatro, adquirir la especialidad en terapia psicocorporal en el Instituto Humanista de Terapia Psicocorporal y graduarse en Semiología de la Vida Cotidiana. Ha participado en exitosas obras de teatro,  algunas películas y varias series de televisión. Debutó como dramaturgo y director en el año de 2011 con su obra Escuela de hormigas. En danza dirigió El muro, en 2010. Así mismo, durante más de diez años ha impartido cursos.  Es fundador y director de Corazón Compañía Creativa y creador del Ciclo de conferencias Abriendo la puerta.

Para la presentación de su primer trabajo como egresado de la Maestría en Dirección Escénica, Gutemberg eligió la obra Antonio y Cleopatra, contando la historia a partir de la mirada del erotismo y la sensualidad, bajo la premisa de que el sexo, el poder y el dinero son tres conceptos de los que ningún ser humano puede escapar, y respecto de los cuales no se puede dejar de tener una postura.

En su versión, Gutemberg toma como punto de partida la historia concebida por William Shakespeare en 1606, quien, a su vez, se inspiró en la traducción que Thomas North hizo de la obra Vida de Marco Antonio, de la autoría de Plutarco.

La historia original consigna el tempestuoso amor entre Marco Antonio y Cleopatra, dramatizándolo sin ajustarse a los hechos o la cronología de lo realmente ocurrido.  Aun cuando Marco Antonio estaba hechizado por la belleza y sensualidad de Cleopatra, se separa de ella para casarse con Octavia, lo cual rompe el corazón de la hermosa Cleopatra. Se capta la vida cotidiana de ellos, de sus asistentes y de quienes formaban el triunvirato que regía la antigua Roma, conformado por Marco Antonio, Marco Emilio Lépido y César Octaviano.

cleopatra 2_ligeroLa versión de Gutemberg retoma la misma historia, pero cambia la perspectiva.  Gutemberg echa a volar su imaginación y la narra desde una óptica sensual, donde prevalecen el erotismo y el sexo. En la cotidianeidad de los personajes prevalece la libertad de los sentidos e, incluso, hay orgías. Desconocen los límites y no hay miramientos de género, edad ni rangos.

La acción comienza con la impactante desnudez total de casi todo el elenco. El toque divertido lo brinda una bufona -quizá porque en toda corte había un bufón-, cuyo objetivo es provocar la risa del espectador, sea mediante parlamentos con altas dosis de doble sentido o haciendo malabares y juegos con diversas frutas.

En sus dos encomiendas -versión y dirección- Gutemberg Brito Patatiba tiene muchos aciertos y algunos excesos. Definitivamente, Gutemberg es un joven vanguardista y transgresor que no se ciñe a los cánones tradicionales. El trazo escénico es de buen diseño y el ritmo es preciso. Resulta atinado el manejo de telas que sustituyen otro tipo de objetos. Tremendo contraste entre las bien logradas coreografías de estético diseño con el asco que provoca ver a alguien escupir. En ciertos cuadros, hay tres escenas simultáneas en el escenario, al igual que en los circos de tres pistas, lo cual en cierta forma distrae al espectador.

El elenco ofrece un formidable desempeño histriónico y corporal. Destacan, desde luego, Adriana Ríos como Cleopatra y Christián Diez como Antonio. Los demás conforman un equipo comprometido y eficiente. Ellos son: José Antonio Becerril,  Edurne Ferrer, Tania Cabagne, Rafael Valverde, Mariano Linares, Huematzin Rossel,  Adriana Medina, Karel Hartz, Alejandra Peñafiel, Melissa Villarreal, Jheraldy Palencia y  Josué Aguilar.

El vestuario, diseñado por Anabel Ortega, es estéticamente bello, a base de mantas, prevaleciendo el tono marfil, engalanado por tonos cálidos, sin embargo, no es muy práctico ni funcional para los actores y actrices, les cuesta trabajo mantenerlo en su lugar y, de vez en cuando, se les enreda o lo pisan.

La joyería, diseñada y realizada por Hamlet Casas, es bella, original y lucidora. La iluminación -por parte de Alejandra Ortega- está bien impartida. El diseño sonoro es muy variado, va de cantos clásicos a música tribal. Complementan el equipo creativo: Antonio en producción, David Olguín como asesor, y Rafael Valencia como asistente de dirección.

La producción es de Corazón Compañía Creativa. Antonio y Cleopatra es presentada por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Arte Teatral, la Maestría en Dirección Escénica de la ENAT y Teatro El Milagro.

Ciertamente, es la versión más erótica de Antonio y Cleopatra, plena de piel, caricias y besos, no dudes en correr al teatro. Siempre es grato ver las tendencias de las nuevas generaciones. En esta ocasión, serás de los primeros en ver las obras que presentarán quienes apenas han adquirido su Maestría en Dirección Escénica.

Antonio y Cleopatra abrió el Ciclo de Teatro Isabelino con localidades agotadas. Toma en cuenta que el ciclo continúa, así que tienes opción de ver las obras que elijas, consultando la Cartelera. La cita es en el Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán, número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.

 

PESTES DEL SIGLO XXI (RETRATO HIPERREALISTA DE NUESTRO MUNDO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Bajo el título, Pestes del siglo XXI, Roberto Corella reúne cuatro obras, las cuales desde la perspectiva del dramaturgo Alejandro Román -prólogo- el autor nos adentra en la cruda situación social de la República Mexicana: “No es un mundo insólito… es un retrato hiperrealista de nuestro mundo y nuestra realidad, que ya cada vez tiene menos sentido o lo ha perdido por completo”.

Corella forma parte de un destacado grupo de sonorenses, quienes en las últimas tres décadas han dado realce a la dramaturgia de esa entidad federativa. Autores que han tomado el teatro como un medio de denuncia de la problemática de violencia e impunidad que azota a nuestro país, en particular, en el noroeste, en sus diferentes ámbitos y modalidades.

Continúa Román: “Son textos de familias dislocadas, de parejas retorcidas, almas perdidas que se encuentran, de hombres y mujeres rotos, que viven en su soledad colectiva, en su miseria, en su abyección”. Personajes, situaciones, realidades desgarradoras, desesperadas, basadas en el diario devenir, mismo que rebasa nuestro acontecer. Fundamentado en hechos verídicos -creo- la única ficción es el traslado a la dramaturgia. Seres que no debían existir, sin embargo, son parte de nuestro entorno, conviven -convivimos- con ellos, tragedias modernas. El teatro -aún el de Corella- no transformará el medio nefasto, pero considero puede ayudar a tomar consciencia, lo idóneo debería ser lo leyeran los responsables de la seguridad social, las autoridades en los tres niveles de gobierno y actuaran conforme al mandato legal, sin embargo, el dramaturgo deja en forma explícita e implícita la responsabilidad, por qué no la indiferencia, de los propios ciudadanos.

Pasemos a las particularidades de las cuatro obras. La más perrona remix, conformada por varios monólogos, a decir de Román y confirmado por Corella, se puede considerar como un narcocorrido con desenlaces desgarradores; las mujeres -en este caso en singular- involucradas en el tráfico de drogas. Es interesante que lo trágico esté escrito con tonos poéticos, la desgracia adquiere “belleza”.

Vario pinto, una o tres obras, como quien lo quiera considerar, aborda tres por medio de igual número de parejas: amor, ira y miedo. Amor y desamor, el sadismo, la venganza, un esbozo de lo mejor y al mismo tiempo una ventana hacia lo peor del ser humano.

Por siempre jamás, un encuentro de los personajes y el lector con la soledad, padecimiento de nuestra época, tema interesante cuando los medios para hacerlo han alcanzado a la ciencia ficción. Corella nos conduce por un camino contradictorio, no importa estar acompañado, lo grave es sentirse solo.

Cierra el cuarteto dramatúrgico con En familia. Un delincuente en prisión, lugar desde el que controla todo, sigue desde allí cometiendo sus fechorías; el encierro no es limitante para continuar la carrera delictiva. El núcleo social primario, un verdadero desastre; la corrupción inicia donde debería nacer todo lo contrario.

Roberto Corella, autor de Pestes del siglo XXI, cruel o sincero, nos presenta un teatro desolador y a la vez con una posibilidad para tomar consciencia. Asume como dramaturgo una función social, sacrifica el divertimento por la tragedia. Queda en cada lector -a la postre espectador- aprobar o desaprobar.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Dos más dos, promete risas a granel y cumple

dos mas dos ligero

Fuimos a la última función del año 2017, ya sabe usted, se presenta en el Jorge Negrete, cerca del monumento a la Madre (¿ya lo reconstruyeron?) todos los que deseaban comprar un boleto formaban una larga fila, lo que se ve en muy pocas ocasiones, además 2017 fue un año especialmente difícil para vender boletos, nos recibió un teatro lleno, para ver esta comedia que dura casi dos horas. El elenco no tiene desperdicio: el regiomontano Adal Ramones refrenda su calidad sobre las tablas, además de la TV, le hemos visto, y muy bien, en Sueños de un seductor; Consuelo Duval que será recordada largos años por XXXX y ¿Por qué los hombres aman a las c.?; Mónica Dionne cliente frecuente de los teatro y la TV, la recuerdo recientemente en Casa Matriz y Un tranvía llamado deseo; para amarrar el elenco está Mauricio Islas que hace poco estuvo en Aventurera y Las Criadas; así las cosas, el director es Alonso Iñiguez que logra un tiempo escénico eficiente para que no perdamos el tiempo en los cortes y cambios de lugar, aunque la escenografía pudo ser menos convencional, reproduce una sala-comedor con cocineta y pasillos, en dos niveles.

El personaje de Mauricio tiene una nueva afición, fraternizar con parejas swinger, han ido a cenar los cuatro y al final hay sugerencias para que se unan a esta novedosa idea de intercambiar parejas; porque si bien usarán la mía, tengo a cambio la ventaja de explorar en la de mi amigo y socio. Bueno, esa es la estructura básica para que Adal interprete un rol de empresario conservador- pero-moderno, su esposa parece más open mind y viene la dinámica de avanzar- retroceder… pero no le contaré más. La trama psicológica de esta comedia de Daniel Cuparo, es sin otra finalidad que provocar nuestras risas y quizá el final no me convenció del todo, pero, ya nos tenía en vilo con esos dos arquitectos y socios, uno de ellos siempre acaba por opacar al otro (¿inconscientemente?) y un día vendrá la revancha.

No se la pierda, Adal-Consuelo-Mónica-Mauricio saben rato largo de estos menesteres, acuda y comparamos opiniones.

RESUMEN TEATRAL 2017 (tercera parte)

Una lección de teatro resultó El Padre con Ignacio López Tarso, Erika Buenfil, Lisardo, Lucero Lander, Adriana Nieto y Sergio Basáñez. Don Ignacio sigue imparable, ya que El Cartero, Un Picasso y Aeroplanos han sido ases que complementan el póker. La Estética del crimen es un trabajo entretenido y con momentos brillantes, destacan Mario Alberto Monroy y Omar Medina. Josefa fue un buen musical que no tuvo suerte, quizá el mes y la economía tan difícil le frenaron la taquilla. Un acto de Dios ha recibido opiniones encontradas, mayormente favorables, Horacio Villalobos hace un casi monólogo-stand up para inquietar al público con una reinterpretación de los diez mandamientos. Romeo y Julieta tuvo buenos comentarios pero otros criticaron que adornaran a Shakespeare con música, albures y escenas ajenas. De otras producciones hablaremos en las siguientes semanas, cuando ya regresan a la cartelera los valientes que no cerraron después del sismo, no se arredraron con la crisis y ¡quieren competir con las elecciones y el mundial de futbol!, que llenan los espacios publicitarios con información profusa, confusa y difusa. Recordamos que el teatro ha competido con los mundiales y pocos productores tienen recuerdos felices. ¡Feliz Año¡

 

 

2018, Año electoral con Mundial de Futbol, ¡agárrense¡

 Extraños en un tren 3

La cartelera teatral empieza a llenarse con los montajes más exitosos de 2017 y todavía se conoce poco de los nuevos, a vuelapluma les comentaré: El padre tiene la calidad para atraer al público, con Ignacio López Tarso el frente. Privacidad con la dupla Diego Luna, Luis Gerardo, sigue adelante. La Familia de diez se va y regresa a la cartelera, siempre con la misma convocatoria. Mentiras ya rebasó las 3,100 funciones, hay que hacer notar, es el montaje mexicano que todos tratan de imitar, pero es difícil lograr el jalón que lograron López Velarde y Morris Gilbert, récord absoluto de los musicales.

La Estética del Crimen seguirá dando funciones, es un remontaje al que vimos en el Helénico en 2003, o sea, el teatro no es una verdad absoluta, el montaje, teatro, elenco, deben coincidir con la campaña de difusión y claro, comprar una pata de conejo. Acudí a las funciones de Conversaciones con mamá y me capturó: el trabajo de Jesús Ochoa y Queta Lavat es preciosista. Dos más dos es una producción con el ritmo preciso para hacer reír, así que Adal Ramones, Consuelo Duval, Mauricio Islas y Mónica Dionne, salen a probar que tienen talento y fama.

Un acto de Dios es divertida, irreverente, reúne talkshow-standup y monólogo, con algunos actores complementarios, permiten que Horacio Villalobos deslumbre y provoque controversia, la gente ríe todo el tiempo. Extraños en un tren ha cambiado de teatro y de elenco, sigue gustando con Plutarco Haza, Sherlyn, Antonio Alcántara a la cabeza. Hay temas recurrentes, uno de ellos es la tercera edad: El cuidador habla del Alzheimer, Sergio Ochoa homenajea a su madre Leonorilda Ochoa. El Hombre de la Mancha ni qué decir, va y viene de la cartelera siempre con éxito, por su evidente calidad. Perro Ámame, lo mismo, tiene los elementos para gustar. Variaciones Enigmáticas, uf convence con su ritmo y calidad. Otro hitazo es La Dama de Negro que rebasa 23 años dando funciones y 6,300 representaciones. Hablaremos en las siguientes columnas de las obras que tienen el requisito fundamental: gustar al respetable.

 

ENCUENTRO AMANTES DEL TEATRO 2018

 

En el teatro Julio Castillo (atrás del auditorio) hay un festival gratuito los fines de semana, fui el domingo a darme un atracón, en la mañana teatro infantil: La extraordinaria historia de Nina, la niña come libros, del DF, con Valentina Arias, Emiliano Valverde, Luka Herrera, Betzabé Jara, entre otros, la historia es agradable, una pequeña desea ser muy inteligente, devora con los ojos muchos libros, vemos pasar a Cervantes, monstruos, Sor Juana, para transmitir un inteligente montaje. Escenografía, vestuario, trazo, todo fue muy disfrutable.

Vimos también Detenidos de Aguascalientes, un buen trabajo, con algunas carencias. Los Invertebrados (cd. De Mex.) vimos mucho entusiasmo y algunas fallas. La Vida es una Ofrenda también del ex DF, muchas ganas, medio convencieron. El Teatro Julio Castillo tiene mil butacas, con 250 espectadores se ve vacío, el festival estuvo varios años en el Jiménez Rueda de 300 butacas, se hubiera visto lleno. Consejos para los diversos grupos: seleccionen el texto, que sea dramático (género tronco) porque corren el riesgo de que parezcan diálogos sin sentido; estudien el manejo de la voz o les va a gritar el público “no se escucha”, ahora las escuelas les hacen confiar en los micrófonos, los cruces sobre el escenario tienen reglas, que mal manejados matan la escena. El nerviosismo natural de los niños y jóvenes se combate con estudio, ensayos previos y repetición ad infinitum.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS

Texto y fotos por  Eugenia Galeano Inclán

Cartel-EL.JARDIN.DE.LOS.CEREZOS

 

Entre los dichos que acostumbramos decir los mexicanos está aquel de “nada es verdad ni mentira, todo es según el color del cristal con que se mira“.  Lo cierto es que no existe la verdad absoluta, toda verdad tiene algo de mentira y viceversa, pero en lo cotidiano, cada individuo tiene su propia percepción de lo que es verdadero y lo que no.   En el caso de la obra que nos ocupa, este dicho podría aplicarse por partida doble.  En cuanto a verdad o mentira, en uno de los momentos claves de la obra, alguien dice “al menos una vez en la vida, hay que mirar la verdad cara a cara“, lo cual es contundente, pues nadie puede eludir la verdad que enfrenta.  Por otra parte, en lo que alude al cristal con que se mira, la adaptación realizada por Angélica Rogel deja en claro que la visión del creador teatral es la piedra angular del montaje.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS es la última obra que escribió Antón Chéjov (1860-1904), originario de Rusia, que es considerado como el autor más representativo de la escuela realista de su país.  Su obra ocupa un lugar destacado tanto en dramaturgia como en narrativa dentro de la literatura universal.   Liberal por naturaleza, Chéjov fue de los primeros literatos en apartarse de los cánones moralistas que privaban en su época, al retratar la vida tal cual es sin artilugios.  Una de las características que lo distingue es mostrar los pensamientos más íntimos de sus personajes, cual si radiografiara su mente.  Esta complejidad interna resulta atrayente para cualquier actor o actriz, toda vez que es un reto interpretar a cualquier personaje chejoviano.   Resulta paradójico que Chéjov se haya convertido en tan prestigiado autor, considerando que su vocación era la medicina, carrera que cursó.  Fue ya adulto cuando se dio cuenta de que lo que más disfrutaba era escribir.  Continuó ejerciendo la medicina, pero la alternaba con su pasión literaria.  Solía bromear con sus amigos, diciendo “La medicina es mi esposa legal; la literatura, sólo mi amante“.

Entre sus obras más conocidas, se encuentran “La Gaviota” (1896),  “Tío Vania” (1897),  “Las tres hermanas” (1901),  y  EL JARDÍN DE LOS CEREZOS (1904).  Sus textos pueden ser trasladados a la actualidad y se han hecho infinidad de montajes en todo el mundo.  Lo que hace que la obra de ciertos autores perdure es que se fundamentan en el sentir del ser humano, toda vez que éste sigue siendo el mismo a pesar del transcurso del tiempo.  Pueden cambiar los entornos, las circunstancias, pero no lo que se siente.

El más reciente montaje de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS está a cargo de Angélica Rogel, egresada de la Escuela Nacional de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes -INBA-, quien se ha desempeñado como actriz y directora.  Cuenta con una trayectoria de poco más de dos décadas.  Como actriz ha trabajado con importantes directores.  En su faceta de directora escénica debutó con “Placer y Dolor” de Chantal Bilodeau en el año de 2006, a partir de la cual se ha anotado varios éxitos, entre los que destacan:  obras de varios ciclos de los tradicionales “Antinavideños” del Teatro La Capilla,  “Riñon de cerdo para el desconsuelo“,  “El juego de la silla“,   “Happy”  y  “La piel de Venus“.  Angélica es una mujer profesional, inquieta y muy sensible, gusta de explorar técnicas y ha adquirido experiencia en diversos ámbitos teatrales, lo que le ha servido para plasmar en escena justo lo que visualiza.

En los dos rubros que le fueron encomendados Angélica Rogel realiza un trabajo formidable.  En su adaptación de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS, respetó el brillante texto de Antón Chéjov, pero lo proveyó de atemporalidad, puesto que, en realidad, es una historia que podría suceder en cualquier época.  En el programa de mano, Angélica menciona:  “a poco más de 100 años de distancia, la voz de Chéjov sigue haciendo eco en nuestras cabezas, sus obras son dardos certeros que atacan nuestra mediocridad que nos gritan ¡muévete!

En cuanto a su labor de dirección, Angélica cuidó todos los detalles para crear un concepto integral de EL JARDÍN DE LOS CEREZOS.  Su trazo escénico es fluido, asume riesgos, por ejemplo, la entrada de ciertos actores es a manera de presentación, lo cual es original.  Incorpora varias técnicas, entre las cuales está el teatro de sombras.   El diseño sonoro juega un papel importante para marcar ciertos momentos.  El desplazamiento de su elenco es coordinado y preciso, las coreografías están bien administradas, balancea los parlamentos con las pausas y el ritmo es preciso.

La historia versa sobre una familia adinerada, aristocrática, venida a menos.  Han dispendiado su fortuna y están atravesando serios problemas económicos.  Andrea, quien nació en cuna de oro y sábanas de seda jamás aprendió a cuidar el dinero y lo malgasta a diestra y siniestra, sin pensar que le es vital para su manutención.  Están a punto de perder la propiedad familiar que ha sido su hogar durante generaciones.  Lo que más teme Andrea es tener que prescindir de su adorado jardín, donde abundan los árboles de cerezo.  Una tragedia la hizo alejarse por un tiempo, en su ofuscación se enamoró de un hombre que la explota económicamente para luego abandonarla.  Al saberla sola, su hija Ana va a buscarla, para convencerla de que regrese.  La acción comienza cuando ambas llegan a la finca.

El elenco está conformado por Blanca Guerra (Andrea),  Carlos Aragón (Leonardo),  Concepción Márquez (Duna),  Adriana Llabrés (Ana),  Alejandro Morales (Aleks),  Ana Beatriz Martínez (Varia),  y  Nacho Tahhan (Pedro).   Todos ellos ofrecen una labor histriónica y laboral estupenda.   Destaca, desde luego, Blanca Guerra, no sólo por la gama de emociones que infunde a su personaje, sino por su belleza, su porte y su impactante presencia escénica.  Los demás también realizan un excelente trabajo.  Carlos Aragón encarna al hermano de Andrea, tratando de administrar los recursos y salvar la finca.  Concepción Márquez aporta su dulzura a la fiel ama de llaves,  Adriana Llabrés es la amorosa hija, cuyo principal objetivo es evitar sufrimientos a su madre,  Alejandro Morales se muestra multifacético, navegando entre la sumisión y la ambición, sin dejar ver sus verdaderas intenciones,   Ana Beatriz Martínez es una hija adoptiva, tierna, enamorada y con muchas ilusiones, además de ejecutar el violín,  y  Nacho Tahhan, un alegre estudiante que trata de conquistar a Ana.

El equipo creativo lo complementan:  Aldo Vázquez Yela en diseño de escenografía y vestuario.  Fabulosa labor en ambas áreas.  La escenografía, a base de bastidores flexibles accionados por los propios integrantes del elenco, permite crear diversos entornos, en tanto que el vestuario en tonos neutros, con telas de buena caída y alta confección.  Patricia Gómez Martínez en asistencia de escenografía.  Félix Arroyo en diseño de iluminación.  Hans Warner en música original y diseño sonoro.  Dan Petris y Patricia Trujillo en diseño gráfico.  Alberto Hidalgo en fotografía.  Maricela Estrada en asesoría de peinado y maquillaje.  Diego Santana en asesoría de magia,  Antonio Pérez / Constructores escénicos en construcción de escenografía,  Giselle Gutiérrez y Patricia Gómez Martínez en pintura escénica.  Elda Mar en realización de vestuario.  Pedro Martínez es el sastre.

La producción es de:  BH5,  La Rama de Teatro  y  Oscar Uriel.    Los productores son:  Oscar Uriel, Rodrigo Trujillo y Jacobo Nazar.  El productor ejecutivo es Diego Flores.  La supervisora de producción es Mónica Bravo.  Producción La Rama de Teatro a cargo de Sofía Sereno y Denisse Prieto.  Producción administrativa a cargo de Víctor Hugo Pujol y Ángel Trejo Santos.  Contabilidad a cargo de José Guadalupe Miranda.

Icunacury Acosta en relaciones públicas,  Alma Reyes es coordinadora de lanzamientos,  Alejandra Vidal es la Digital Project Manager,  y  María José Santana se encarga de la animación gráfica.

Un insigne autor, una obra clásica, una acertada adaptación, un concepto integral, impecable dirección, entrañables actuaciones, ¿qué más se puede pedir?  Nos congratulamos de que nuestro cierre del 2017 haya sido con broche de oro, al ver esta auténtica joya teatral.  Así que ahora, te recomiendo ampliamente que corras a verla.  Empieza bien el año viendo teatro de calidad.  Están dando funciones diarias.  Adquiere tus boletos con anticipación porque están teniendo teatro lleno.

EL JARDÍN DE LOS CEREZOS

Se presenta a las 20:30 horas del jueves 4 al miércoles 10 de enero de 2018 en el FORO PRINCIPAL del TEATRO SHAKESPEARE,

ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa -cerca de la Estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México.

El costo de la localidad es de $350.00

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Casa de muñecas vuelve a la cartelera

Esta obra de Henrik Ibsen regresa con regularidad, en 1904 la actuó por primera vez en México la actriz italiana Teresa Mariani, Mercedes Navarro y Julio Taboada; Teresa Mariani (En el Arbeu, 1916) causó una verdadera conmoción porque contravenía la moral conservadora del momento. En 1940, las legendarias hermanitas Blanch la presentan exitosamente en el Ideal; en 1945, la escenifica Pita Amor; en 1976 con dirección de Dimitrio Sarrás, María Eugenia Ríos, Claudio Brook, Ada Carrasco, Graciela Doring (en el desaparecido Polyforum) y de cuando en cuando se han arriesgado a realizarla sin dejar algo impreso en nuestra memoria.

En su estreno (1879) fue contraria a la familia conservadora en boga, por lo que recibía alabanzas, poco a poco queda como una pieza de museo, llegará un momento que interesará solo porque el autor no consideraba haber escrito una obra feminista, como yo también lo creo, resulta una lectura más allá del texto. El reparto lo integran Moisés Arizmendi, Erando González, Olga González, Francisco Mena y Andrea Salmerón, con un ritmo lento, que finalmente le hace durar en exceso. Con la adaptación no me parece agreguen algo el vestuario y las tareas escénicas; hay rutinas y actitudes que no me convencieron, si yo le cuento que Nora se quita los zapatos de tacón veinte veces no habré exagerado, no entiendo qué quiso decir con esto el montaje. Si la obra es aceptada por la mente del público del siglo XXI, qué bueno, si no, para qué le ayudan.

La escenografía de Gabriel Pascal representa una Casa de muñecas (sugerida, deja ver el interior), se ven dos puertecitas y los cuartos posteriores, con no mucha utilidad; así que los actores hacen su mejor esfuerzo en ese espacio para mostrar la anécdota que usted probablemente conoce. Es un gran esfuerzo, dirigida por Mauricio Jiménez, que gusta a una parte del público, porque el elenco se entrega con entusiasmo. Acuda y lea antes o después la obra para que intercambiemos opiniones.

 

Pedro Kominik cautivó a su audiencia

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El Segundo Ciclo de Cabaret se realizó en el Galeón, estuvieron De príncipes, princesas y otros bichos, Dicen que me parezco a Santa Anna, entre otras; acudimos a ver La pasión según Lupe Lemper que dirige y actúa Pedro Kominik, con Gabriel Jiménez y Pamela Castañeda; le dan formato de Cabaret al recinto teatral, las butacas conviven con mesa y sillas, para sentirnos en un centro nocturno, también hay meseros, bocadillos y vino. La anécdota es sencilla, interpreta a una espía que en la Segunda Guerra Mundial canta, baila y seduce. La referencia a Ute Lemper es para darnos contexto: música, cabaret, canciones, bellas mujeres que guardan secretos. Con una buena producción, hace bromas, canta, baila, se mete con los políticos de moda (ahora que casi no se habla de candidateables y de políticos honrados), pasamos casi dos horas muy divertidos. Este ciclo que está rescatando el teatro de revista tiene como ingredientes canciones, elegancia, color, sensualidad y frases atrevidas, aunque es realmente familiar. La defensa de los derechos humanos es un tema que a todos nos inquieta y cuando se hace con humor inteligente, se aplaude con entusiasmo.

 

Notas breves

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Frida y Diego musicalizada. La talentosa Ana Hally estrena Diego y Frida, me gusta la biografía condensada de la pintora coyoacanense, en Reforma 169 (dentro del nuevo corredor cultural de la colonia Juárez), esta terraza de un hostal queda muy cerca de Insurgentes. Más adelante les haré una descripción de los valores del texto, canciones y, por supuesto, la muy bella voz de esta actriz, es una narración ilustrada con las pinturas de la Kahlo. Felicitaciones a Diego y Frida.

Bonanza cumplió 5,200 funciones

Arturo Amaro escribió Bonanza, acaba de cumplir 5,200 funciones en el Foro Off Spring; habla del bulling -que ahora creen se acaba de descubrir- cuando el teatro costaba 100 pesos en promedio, antes de que quitaran tres ceros a la economía, o sea, cien mil pesitos. También Arturo va cumpliendo seis meses con Canción rota para un perdedor fortuito. Pero de las tres obras, hablaremos en las siguientes columnas.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, Presidente de la APT

 

Yo nunca lloro, ¿por qué soy teatrista?

Se trata de una idea nacida en Adelheid Female Economy, colectivo multidisciplinario con sede en Amsterdam, se llama Yo nunca lloro, textos e ideas adicionales de Laura Almela y Daniel Giménez Cacho. Ojalá regrese a la cartelera durante 2018 porque el año se acaba. Ellos nos van platicando detalles de su vida, otros son la estructura de la narrativa original, para convertir el foro El Milagro en algo parecido a un bar con cómodos sillones, como en casa, algunos de ellos son simples cojines enormes para descansar, ser jalados o acostarse sobre ellos. Estábamos como treinta espectadores,  -casi todos jóvenes- pero hubiéramos cabido, quizá, 60 cómodamente, la idea es que nos vayamos involucrando poco a poco, con algunas proyecciones multimedia que aportan datos humorísticos para hablarnos de ídolos, su validez y las extrañas conductas que vamos recibiendo en casa, la familia y con la(s) pareja(s). Platican acerca de su facilidad para llorar, gustos, sueños y fobias.

Los grandes dramas ya están escritos, por lo que mejor nos platican el propio, algo así como un constante deambular entre certezas y dudas vivenciales para que el espectador piense, se identifique: aquella experiencia con mi padre, mi madre, no se parecen en nada ¿o sí? Sin una estricta narrativa de principio-centro-fin y un personaje que asesina al otro, nos hacen sentir a gusto cuando mueven a alguien de aquí para allá, arrastran su sillón y al final nos regalan un bocadillo. Se parece un poco a los montajes ochenteros que reproducían las ideas de moda, como Erich Berne, que acababan casi en una terapia catártica.

Mínima escenografía, iluminación sin muchos adornos, de Gabriel Pascal. Acuda, la va a pasar bien desde los primeros minutos, no le cuento más, para que se sumerja en ese espacio del corredor cultural de la Juárez, que permite varias formas de representación escénica.

Macbeth vuelve a la carga

 

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Ahí cerca, en el Teatro Milán pudimos ver uno de los textos emblemáticos y más representados de William Shakespeare, el poder es la droga más poderosa de la historia y viene al caso en este periodo preelectoral, con las fuerzas del mal totalmente desatadas. Juan Manuel Bernal (Macbeth) tiene buen desempeño en esta versión no muy larga, para que Lisa Owen se exhiba como intensa y precisa en cada momento. El resto del elenco son Raúl Villegas (Macduff), Paula Watson (Lady Macduff y Bruja), Hamlet Ramírez (Banquo), Diego Jáuregui (Duncan), Miguel Santa Rita (Malcolm), Assira Abbate (Bruja) y Julián Segura (Ross). La primera parte (no hay intermedio) es un poco lenta, hay instantes en que la dicción no es perfecta, la segunda va tomando solidez para que veamos llegar las escenas de poderosa confrontación, dominar a los otros y poseer una corona sigue siendo el motor de los humanos, en los cinco continentes y todos los siglos. Se ha utilizado una escenografía sencilla, práctica, de Adrián Martínez, que permite tener varias profundidades sin necesidad de pérdidas de tiempo, también el vestuario de Mario Marín, sobrio, para bocetar el uso eterno de los símbolos de poder. El colorido, el conjunto utilizado, es bello. Así que acudamos a ver la pulcra dirección de Mauricio García Lozano y actuaciones de alto nivel.