Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

BELISA ¿DÓNDE ESTÁS? (EL MISTERIO DE LAS NIÑAS DESAPARECIDAS)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Gran problemática en el ámbito nacional es la desaparición de infantes y jóvenes, principalmente niñas y jóvenes adolescentes. En días recientes mucho se ha hablado de la trata de blancas, situación que en muchos casos inicia con la privación ilegal de la libertad, sin importar edad o condición social. La explotación no sólo es sexual, se da en el territorio laboral, esto es, féminas quienes son obligadas a trabajar contra su voluntad, una esclavitud contemporánea, bajo condiciones infrahumanas, en muchas ocasiones sin recibir paga alguna.

 

El tema es llevado al teatro, esto no tendría nada de novedoso, sin embargo, Berta Hiriart -dramaturga y directora- tiene como destinatarios de su texto, fundamentalmente, a los infantes. Considera es tema que el teatro para niños debe abordar para crear conciencia en ellos, de los peligros a los que están expuestos. De hecho, se abre una posibilidad preventiva y motivo de reflexión en los adultos.

 

La obra se intitula Belisa ¿dónde estás? (el misterio de las niñas desaparecidas); el montaje emplea varios recursos: un carromato, títeres (diferentes técnicas), una bicicleta, instrumentos musicales (flauta, pandero y tambor), máscaras, coreografías (tap, flamenco), canciones (rap), mímica, dragón chino y multimedia. A pesar del anterior listado, la puesta en escena es “sencilla”, accesible para los menores, el tema es tratado en forma sutil, inteligente, sin amarillismo. Como la mayoría de las historias dirigidas a nuestros hijos, obvio, hay un final feliz con un discurso moralista.

 

María del Carmen Félix (alegre, vivas, ágil, carismática, es el alma de la propuesta), Alberto Cerz y Benjamín Martínez interpretan varios personajes, manipulan títeres, bailan y cantan, son el deleite de los niños, padres y abuelos.

 

Belisa ¿dónde estás? (el misterio de las niñas desaparecidas), se representa en La Gruta, Centro Cultural Helénico, Ciudad de México, hasta el 14 de octubre, los domingos a las 13:00 horas.

AMOR ES MÁS LABERINTO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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El idioma es algo que nos identifica y nos permite comunicarnos. El español o castellano es una lengua romance del grupo ibérico y uno de los seis idiomas oficiales de la Organización de las Naciones Unidas. En la literatura universal, destacadas obras han sido escritas en idioma español. Para los grandes autores, además de su talento personal, el idioma es la herramienta más importante que tienen a su alcance. En la medida que sepan utilizar dicha herramienta, darán más lucimiento a su escritura.

 

Con el propósito de que se haga un buen uso del idioma, los encargados de educación se han preocupado por crear programas escolares tendientes a enseñar desde los primeros años lo relativo al manejo del lenguaje hablado y escrito. Desde luego, cada quién habrá de aprovechar los conocimientos adquiridos según sus capacidades. Además de lo que se aprende en las aulas, leer es muy útil para ampliar el vocabulario y profundizar en las virtudes del idioma. En nuestro país ha habido diversas corrientes para incentivar la lectura.

 

Los literatos y la gente culta se esmeran en honrar la palabra utilizándola de la mejor manera posible. Sin embargo, existe gente que no le tiene aprecio, incluso, hay quienes optan por utilizar modismos, apócopes, anglicismos o expresiones coloquiales para su comunicación cotidiana. Con el tiempo pareciera que la importancia de hablar y escribir bien ha ido perdiendo importancia.

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Es una lástima que con el surgimiento de las redes sociales, el detrimento del idioma se haya agravado. Con tal de ahorrar espacio y tiempo, los jóvenes han inventado una peculiar jerga que en ocasiones resulta siendo incomprensible y eso sin mencionar los constantes errores ortográficos.

 

En fin, hemos de sentirnos orgullosos de nuestro idioma que ocupa el segundo lugar como lengua materna en el mundo y el tercero en internet. No podemos cambiar las costumbres juveniles de nuestros tiempos, pero sí continuar disfrutando del buen español a través de la lectura y de ver buen teatro. En estos días está en cartelera una obra inspirada en la escritura original de la mexicana Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, a quien conocemos como sor Juana Inés de la Cruz (1648-1695). Una de las más prominentes autoras de todos los tiempos, mujer que se dedicó a enaltecer el idioma español tanto en la poesía como en la prosa. Sor Juana es considerada como la máxima figura del Barroco Español, su obra es plena de sabiduría filosófica. Se le acostumbra nombrarla como la Décima Musa. El acervo cultural que legó a la humanidad incluye dos obras teatrales. Una es Los empeños de una casa y la otra es Amor es más laberinto.

 

Es un verdadero deleite acudir a la escritura de una autora tan eminente. Amor es más laberinto es una comedia de enredos y confusiones ambientada en el mundo clásico. Las protagonistas son Ariadna y Fedra, dos jóvenes hermanas que, como todas las jovencitas, sueñan con el romanticismo y están en busca del amor, para lo cual están más que dispuestas a recorrer cualquier camino. Por azares del destino se internarán en la profundidad de ciertos laberintos, como puede ser un baile de máscaras donde nadie sabe quién es quién o transitar por calles oscuras cuando aún no había luminarias y poco se alcanzaba a ver. Teseo, príncipe de Atenas, deambula por los mismos lugares que ellas, ¿cuál de las dos hermanas robará el corazón a Teseo?

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Los creadores de la propuesta actual de Amor es más laberinto, la describen de la siguiente manera: “Atenas se encuentra bajo el dominio de Creta. El rey Minos exige que cada año siete jóvenes sean entregados para morir en el laberinto del Minotauro, como venganza por la muerte de su hijo. -Este año Teseo, el príncipe de Atenas, ha sido elegido como una de las víctimas. Ya en Creta, las hijas del rey -Ariadna y Fedra- se enamoran de él”.

 

El brillante texto de sor Juana Inés de la Cruz es uno de los clásicos que todos debieran leer. Para la adaptación del proyecto actual, Gilberto Guerrero, Paola Izquierdo y Ortos Soyuz se inspiraron en la obra homónima de sor Juana Inés de la Cruz, combinándola con textos de Fray Juan de Guevara, para luego actualizar ciertas circunstancias, respetando los textos originales. El relato es divertido y capta el interés del público de principio a fin. La dirección por parte de Gilberto Guerrero es impecable. Su trazo escénico es acorde, buen balance entre acción y pausas, buen aprovechamiento del espacio.

 

El desempeño histriónico y corporal del elenco es un buen trabajo de equipo. Destaca la interpretación de las ilusionadas hermanas por parte de dos de las mejores actrices jóvenes del teatro mexicano, quienes engalanan a sus personajes con su capacidad, experiencia, belleza y gracia natural. Ariadna es encarnada por Paola Izquierdo, mientras que Fedra es representada por Sonia Franco. Minos es Fermín Zúñiga, Lidoro es Gersón Martínez, Baco es Fernando Memije, Teseo es Ortos Soyuz, Racimo/Tebrando son Ginés Cruz, Laura es Alheí Abrego, Atún es Fabián Varona y Cinthia/Licas son Darinka Olmedo.

 

El resto del equipo creativo: La producción es de la Dirección de Teatro UNAM, el diseño de escenografía e iluminación de Arturo Nava, el diseño de vestuario de Cristina Sauza, la musicalización de Salvador González de la Vega, la coreografía de Evelia Kochen, los combates fueron impartidos por Ramón Cadaval, la productora es Ana Luisa Alfaro, en asistencia de escenografía está Sonia Flores y en asistencia de dirección Natalia Guerrero. Participan en el montaje Compañía Perro Teatro y Delirio Teatro. La temporada actual es presentada por el Sistema de Teatros.

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Siempre es grato revisitar a los grandes clásicos de la literatura universal y más aún que sean representados por jóvenes talentosos y comprometidos con el buen teatro. Un dinámico montaje, la dicha de escuchar nuestro idioma en su máxima expresión, situaciones divertidas expuestas con acierto. El espectador se adentró en los recovecos que afrontan Ariadna y Fedra tratando de encontrar a su pareja ideal.

 

Amor es más laberinto acaba de culminar su segunda temporada con gran éxito. La primera temporada fue en Teatro UNAM y la segunda en Sala Novo, ubicada en Coyoacán, Ciudad de México.

CONSÍGUEME UNA VIDA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

IMG_0016Suele decirse que las mujeres somos complicadas, pero, en lo personal, yo diría que la vida es un poco más complicada para nosotras. Existen muchas diferencias entre hombre y mujer, la más relevante, tal vez sea, que las mujeres son las únicas que pueden generar vida. Para los hombres convertirse en padres proviene de un momento de placer, en tanto que para las mujeres consiste en nueve meses de gestación y toda una vida de cuidados y amor. Hubo épocas en que la maternidad era algo casi obligatorio para las mujeres, quienes eran educadas sólo para dedicarse al hogar, ni siquiera se les permitía estudiar para ser profesionistas. Una vez que se casaban, todos comenzaban a preguntar en qué momento vendría el primer bebé. Afortunadamente, hoy en día, la mujer ya está en posición de tomar sus propias decisiones en cuanto a estudio, trabajo, parejas y maternidad. De cualquier forma, continúan existiendo ciertas complicaciones exclusivas para el llamado sexo débil, por ejemplo: menos oportunidades para la obtención de un puesto de trabajo, menores salarios en comparación con los ofrecidos al sexo opuesto, ser la principal encargada de la organización del hogar, lo cual duplica sus actividades, ya que luego de sus compromisos laborales habrá de realizar labores hogareñas. Casi todas las mujeres han demostrado ser aptas para lidiar con ello, sin embargo, una cosa es la capacidad para realizar varias tareas y otra el estrés que se acumula para tener todo a punto. Cuando la carga que llevamos a cuestas nos agobia, puede ser que estemos deseosas de “tirar la toalla“. Mientras esto sea sólo momentáneo, no hay de qué preocuparse, pero si sucede constantemente, habrá que buscar ayuda.

La casa productora Drama Cero fue fundada en 2017 por Ana Francis Mor, Shoshana Turkia, Adela Jalife y Antonio Arámburu. El nombre de Drama Cero conlleva su propósito, que es, según ellos afirman: “el de producir teatro sin drama y con buen ondeo”. Consígueme una vida es la obra con la que Drama Cero inicia actividades escénicas.

IMG_0019Para Consígueme una vida la autora, Adela Jalife, construye una ficción sobre el universo femenino con sólidos cimientos de realidad y la estructura en forma tal que aun cuando los personajes son diversos, algunos son alter egos de la protagonista. El tema central es la crisis que atraviesa una bella y exitosa psicoanalista, que ha llegado al hartazgo de su cotidianeidad y las presiones. Su único deseo es huir, aunque sea por la puerta falsa. En consistencia con la premisa de Drama Cero, Adela hábilmente trastoca la tragedia en comedia y aborda temas variados que atañen a la mujer y que son de interés general. El relato mantiene el interés del público de principio a fin.

La acción inicia cuando Eva Liliana ha tomado la decisión de suicidarse. Algo que parece inexplicable, pues pareciera que tiene todo para ser feliz, es muy guapa, en su profesión le va muy bien, su hogar y consultorio es un lujoso pent-house, pero se siente infeliz, tal vez esté hastiada, decepcionada o deprimida. El caso es que se quitará la vida.  Por fortuna, una llamada interrumpe el fatal acontecimiento. Una de sus pacientes le pide ayuda, da algunos consejos y vuelve a su cometido. Mientras persiste en su intento, llega Diego Armando, un visitante celestial que asegura ser todopoderoso, Eva Liliana lo pone a prueba pidiéndole: Consígueme una vida, ante lo cual Diego Armando le brindará la oportunidad de conocer el sentir íntimo de otras mujeres, a fin de que ella pueda ponerse en los zapatos de cada una para determinar cuál es la vida que le gustaría tener. ¿Qué vida elegirá Eva Liliana? Será la de la mujer para quien el matrimonio y la maternidad son lo más importante, preferirá ser una sensual y fogosa amante o bien lo que anhela es ser una mujer empoderada sumida en negocios y dinero.

Ana Francis Mor acude a su talento, experiencia y sensibilidad para crear el montaje y, además, en forma acertada le añade música, dotándolo de mayor vivacidad. El resultado es formidable. La labor de dirección por parte de Ana Francis es extraordinaria. Su trazo escénico es dinámico. Distribuye acción, pausas, baile, canto y música con equilibrio. Aprovecha a fondo el espacio y lo dimensiona. Diseña un concepto integral y lo lleva a buen puerto.

IMG_0033Eva Liliana es interpretada por Gabriela de la Garza, revistiéndola de una amplia gama de matices, además de sorprender con su entonada voz, ya que es la primera vez que Gabriela canta en un escenario. Diego Armando/Dios es encarnado por Pedro Kóminik, con su innata vis cómica y su privilegiada voz. La esposa/madre es la carismática Laura de Ita, maravillosa en su rol. La amante es Muriel Ricard, con toda su sensualidad y gracia, así como su melódica voz. La mujer de negocios es Daniela Schmidt, luciendo muy alfa, fría y despiadada. La labor histriónica, corporal y vocal de todos los integrantes del elenco es simplemente formidable y, por si fuera poco, la belleza de todos es un lujo.

El diseño sonoro es de Tareke Ortiz, la escenografía y la iluminación son de Érika Gómez,  la coreografía es de Talía Loaria y el vestuario es creación de Rafael Villegas y Raymundo Sánchez. En sus respectivas áreas cada uno de los creativos logra un trabajo formidable en beneficio del montaje. La producción es de Drama Cero, la producción general de Shoshana Turkia.

Sabemos bien que el “felices para siempre” no existe. Para ser feliz hay que trazar metas y lograrlas, rodearse de gente positiva, atesorar momentos gratos y recordarlos en momentos oportunos y alejarse de todo aquello que dañe o disguste. En Consígueme una vida no cambiarán tu vida, pero sí tu perspectiva. En forma lúdica y muy divertida harán que veas tu propio entorno en forma mucho más placentera. Embárcate en esta gran aventura musical donde todos y cada uno de los que integran el equipo han aportado talento, capacidad y habilidades. Una bocanada de aire fresco para oxigenar tu problemática habitual.

IMG_0043 (2)¡No te la pierdas! Te sugiero que compres tus boletos con anticipación porque el éxito ha sido tan espectacular que en todas las funciones tienen lleno total. De hecho, se vieron precisados a extender la temporada inicialmente programada.

Consígueme una vida se presenta viernes a las 20:30; sábados a las 17:30 y a las 20:00, y domingos a las 18:00 horas en el Foro principal del Teatro Shakespeare, ubicado en Zamora número 7, colonia Condesa -cerca de la estación Chapultepec del Metro-, Ciudad de México. La duración aproximada es de 120 minutos. El costo de la localidad es de $380.00 pesos. Descuentos acostumbrados a personas con credencial vigente. La temporada concluye el domingo 23 de septiembre de 2018.

ENEMIGO DEL PUEBLO (CONFLICTO ENTRE LO PÚBLICO Y LO PRIVADO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen del cartel promocional

El enemigo del pueblo1Acabamos de concluir un proceso electoral en la República Mexicana, un toma y daca entre los candidatos, un preocupación e incertidumbre reales entre los inversionistas y empresarios particulares, y las posturas de los entonces candidatos a la presidencia, verdaderos conflictos entre los intereses públicos y privados. Por ello nada más oportuno que la reposición de Enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen, en versión libre y dirección de Daniel Gaitán.

La adaptación se caracteriza por varias modificaciones con relación al texto original, sobre todo a la estructura dramática. En concreto, se redujeron los personajes a tan sólo seis; se deslizan hechos que rebasan en tiempo el final del siglo XIX donde transcurre la historia y, por último, lo más alarmante: el cambio de carácter y forma de ser del Dr. Stockmann, personaje principal, quien pasó de un hombre bonachón originalmente a un misógino, agresivo, malhablado y medio desadaptado con relación a su entorno familiar y social. La gran pregunta era: ¿Ante todas estas modificaciones qué quedaba de la esencia de Ibsen en esta versión mexicana? Una segunda interrogante: ¿No era más “fácil” elaborar un nuevo texto?

A través de dos hermanos, los Stockmann, uno el alcalde y el otro el doctor del pueblo. El primero representa lo público, el poder, el manejo de los recursos, la manipulación, la corrupción; el segundo, el interés de la comunidad, la salud como prioridad ante lo económico. Más que un conflicto político es ético. Profundiza Gaitán en conceptos, con una visión contemporánea, tales como la democracia, la censura y la autocensura de la prensa, el bien común, los derechos humanos. Además hay un análisis sobre las consecuencias al interior de una familia. En concreto: ¿qué se debe hacer?

El conflicto se centra en un balneario. Por un lado, desde su apertura ha aportado un importante ingreso económico en beneficio del poblado, sin embargo, sus aguas son tóxicas, dañinas a largo plazo para la salud. ¿Se debe alertar, cerrar y remodelar? Se convoca a una asamblea pública, ahí se determinará el destino del conflicto.

Gaitán logra una gran adaptación, moderniza el tema y lo enriquece con una visión conceptual contemporánea. Hay una buena dosis de humor, de ironía, de sarcasmo, esto es, a través de la hilaridad aborda la seriedad. Lleva a los espectadores mediante un hilo conductor congruente con cada personaje, invita a la reflexión, no en forma pasiva, por el contrario, el público -una parte- participa con unas pistolitas que disparan burbujas de jabón, éstas se utilizan cuando hay un comportamiento reprobable e inmoral por parte del protagonista, el Dr. Stockmann.

Como director emplea el multimedia apoyado con voz en off, fundamentalmente para instruir sobre el uso y sentido de las pistolitas. Con la colaboración del gran maestro Alejandro Luna, se presenta una escenografía sobria, sutil y elegante: un mapa del barrio de Coyoacán, reproducción de uno elaborado en 1847 por espías estadounidenses. Una formidable y creativa iluminación. Juventud y experiencia se dan cita en el mismo escenario. Gaitán con maestría embona las diferentes, más bien opuestas personalidades, sin caer en lo panfletario -sólo en el discurso moralista de la conclusión-, conjuga las ideas políticas del socialismo y psicológicas del psicoanálisis, así como un severo cuestionamiento al capitalismo. Dramaturgo-director se encuentran estéticamente para beneficio del teatro.

Luis Rábago y Antonio Rojas excelentes, sobre todo el primero, convincente, nuevamente en uno de sus mejores papeles en su larga trayectoria. Los acompañan Amanda Schmels, Ana Paola Loaiza, Miguel Cooper y Rodrigo Alonso, quienes dan realce a la puesta cuando se vuelven protagonistas.

Este enfrentamiento entre lo público y lo privado, cuando dos posturas son válidas por contradictorias que parezcan entre sí, se representa bajo la producción de la Compañía Nacional de Teatro y escenifican en el Teatro Julio Castillo, de la Unidad Cultural del Bosque, Ciudad de México, hasta el 12 de agosto, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

SHANGHÁI (AGONÍA Y FIN DE UNA RELACIÓN)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Imagen del cartel promocional

Shanghaái (1)Una pareja -dos hombres- viven una tormentosa, enfermiza, dependiente, sadomasoquista y hasta esquizofrénica relación. Estamos frente a la agonía y fin, una ruptura más física que emocional, en Shanghái, escrita por Gibrán Ramírez Portela, bajo la dirección de Pablo Marín. El volante publicitario expresa: “La puesta es un estudio violento, minucioso, casi científico sobre la separación amorosa…” (Las cursivas son mías)

A fuerza de ser sincero, sobre todo objetivo, de “casi científico” no tiene nada y en lo que a mí concierne dramatúrgicamente la obra es paupérrima, no hay nada en el contenido que no hayamos visto y oído en decenas, cientos de textos. Carece de una estructura psicológica definida, sólo dos desquiciados en escena, viviendo una circunstancia inexistente, más bien alucinan en un “viaje simbólico”, ambos buscando y encontrando problemas donde no los hay, las telarañas están en sus mentes irracionales y en la falta de imaginación del autor.

Uno de los susodichos un día de la nada decide radicar en Shanghái y, literalmente, arrastrar al otro al citado destino. La pobreza dramatúrgica es tal que por momentos el protagonista es un avión y en forma paralela la aeromoza. Una obra, por cruel que parezca el calificativo, instrascendente.

La dirección de Pablo Marín remarca lo antes dicho. Unas sillas con las que pretende crear simbolismos, unas esferas alumbradas en rojo para que la mente del espectador ubique la historia en la citada ciudad. El escenario le queda grande, pudo trazar una línea a lo ancho y ya, de ahí, en buena parte del montaje, no se desplazan los actores, formaditos con una acción mínima. En complicidad con Ramírez abusa de la narrativa, nuevamente sin acción, y se vale de distractores para justificar su intención. Cuatro en escena, omito los nombres porque el volante publicitario menciona a seis, como no los reconozco no les puedo atribuir su colaboración en lo que pretende ser una propuesta teatral.

Shanghái tiene temporada hasta el 22 de agosto, martes y miércoles a las 20:00 horas, en el teatro Sergio Magaña -por cierto éste cumplió 27 años de su habilitación como espacio escénico el 26 de julio-, ubicado en la Ciudad de México.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Dime abuelita ¿por qué? Llegó al Royal Pedregal

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¿Todo tiempo pasado fue mejor? ¡No es cierto! Éste es el mejor momento de todos y quedó demostrado con la puesta en escena que recrea las canciones de Francisco Gabilondo Soler “Cri Cri” en el Teatro Royal Pedregal. Disfrutamos una hora las canciones, bailes y risas que nos permitieron reconocer al mejor autor de música infantil que ha dado México. Vi a los niños disfrutar, reír, bailar y, sobre todo, cantar las canciones que han hecho las delicias de más de cinco generaciones.

La puesta en escena me dejó clara una cosa, con profesionalismo y talento se puede ofrecer un espectáculo dominical que cumple las expectativas de chicos y grandes. La escenografía cumple perfectamente su cometido, así como los arreglos y las coreografías. Mi reconocimiento al trabajo de los niños y jóvenes que le han dedicado horas y horas al aprendizaje del canto, el baile y la actuación; difícil decidir si alguien sobresale, todos espléndidos y un gusto ver a Norma Herrera disfrutando hacer su trabajo dentro del montaje. No dejen de llevar a los niños, ¡aún cuando ya tengan 90 años!

El nuevo mundo del circo, en el Rafael Solana

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Llega en su nueva etapa a un teatro de Coyoacán, en que los elementos que conocemos hacen su aparición, sorprendentes magos deslumbrantes, payasos como no había visto antes, guapas jovencitas, fuertes hombres que nos maravillaran con su destreza y mil sorpresas más. Es un platillo especial para los niños que estarán de vacaciones varias semanas. A su disposición desde el 21 julio de 2018, a las 12:30 horas. A partir de esta fecha consulte la cartelera.

Nosotros en la final, también en el Rafael Solana

Es una fiesta futbolera, que nos habla del partido de partidos, la fecha culminante del balonpié nacional, el día que México hace su aparición en la final de la Copa del Mundo, sí, está Usted leyendo bien. Esta fantasía futbolera se presenta los dos próximos fines de semana: sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00 horas, en el teatro ubicado en Coyoacán. Es un trabajo producido por Bernardo Cárdenas y Marco Vieyra, con buen uso de los elementos teatrales más modernos, como mapping y escenografía básica, pera meternos en una ambientación deportiva. Jose Luis Saldaña, Guillermo Dorantes, Bernardo Cárdenas y Marco Vieyra manejan el balón y conducen a los hinchas (nosotros) a vivir el sabor futbolero en su máxima expresión.

Casa de muñecas, segunda parte

Pasó al Teatro Insurgentes, esta visión posmoderna (2017 se estrenó la de Lucas Hnath) al clásico de Henrik Ibsen (se vio por primera vez en 1879 en Copenhague, Dinamarca), en que cada quien tiene su momento de lucimiento, han moderado alguna expresión medio fuera de lugar y vuelto a dirigir ciertas escenas, para dejarla a pedir de boca. Volveremos al tema.

PEQUEÑAS INFIDELIDADES (LA VENGANZA ES PACIENTE)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Encuentro “casual” entre Emma y Alejandro. Después de 20 años de disuelto su matrimonio, se dan la oportunidad de aclarar sus diferencias, exponer sus reclamos, rencores, resentimientos e intentos para recordar algún momento de felicidad. Lo anterior es el fondo de Pequeñas infidelidades, del dramaturgo argentino -radicado en Miami-, quien con anterioridad nos deleitó con Cita a ciegas. El montaje está bajo la dirección de Víctor Carpinteiro, escenografía e iluminación de Mónica Kubu, vestuario a cargo de Cristina Souza.

¿Es capaz un hombre de sembrar la vida de su esposa de terror? ¿Se pueden discutir cuestiones más que obvias? Disertar las diferencias entre la verdad y el engaño. Afirmar que en cuestión de sentimientos no hay una verdad absoluta. ¿Es factible ser tolerante ante la hipocresía? Lo cierto y fundamental es que la venganza es paciente sin importar el tiempo transcurrido entre la ofensa y el desquite. El cobro de la vejación es sorprendente, inimaginable, sólo Diament lo pudo concebir.

El texto es fuerte, a medida que transcurre la obra, los diálogos van de lo afable a lo hiriente, sobre todo por parte de Emma, cuyo propósito es acabar con Alejandro, quien trata de abogar a su favor. Palabras con un dejo de admiración, esto es, de sorpresa ante las evidencias del pasado.

Carpinteiro asume un ritmo idóneo, a pesar de la temática nunca cae en exabruptos; perfecto desplazamiento escénico; diálogos pausados más allá de las palabras, se transmiten emociones, sentimientos y resentimientos, una caminar entre la frustración y desenmascarar al otro; maneja con precisión el rencor, la amargura postergada durante 20 años. Apoyado en Kuble, la escenografía es en apariencia el espacio vacío de un departamento, sin embargo, Víctor lo llena con su dirección de actores, cumple aquella tesis de que para llenar un escenario primero hay que vaciarlo. La iluminación es apariencia sencilla, crea el medio para el encuentro. Cristina opta por un vestuario casual, también sencillo, pero ad hoc para la ocasión y los personajes.

La trama es protagonizada por Ángeles Marín y Luis Cárdenas White. La primera consolidada como actriz, madurez y presencia escénica; con inteligencia, sin falsas poses, saca avante a su personaje con creces; cambios de estado de ánimo indiscutibles, ella llena el espacio aparentemente vacío, un gozo verla en el rol de Emma. Luis a la altura de los retos dramatúrgicos y escénicos, sus expresiones faciales convincentes, tanto en la hipocresía como en el sarcasmo. Una pareja para el deleite de los amantes del buen teatro.

Pequeñas infidelidades tiene lugar en La Teatrería (Tabasco 152, col. Roma, Ciudad de México), el domingo 29 de julio a las 19:00; del 7 al 28 de agosto, los martes a las 21:00, y del 9 al 30 de septiembre, los domingos a las 19:00 horas.

EL NUEVO TRAJE DEL EMPERADOR

Texto por Mónica C. Huerta

El cuento clásico de Hans Christian Andersen que varios hemos leído y conocemos la historia, ahora en teatro dirigida al público infantil, en la cual los pequeños son atrapados en el castillo del emperador desde el inicio de la misma, y aunque no es una obra interactiva, de repente le dicen cosas al Emperador, se escuchan sus exclamaciones, risas, etcétera. Son representados diversos temas como el poder, la vanidad, el engaño. El reparto lo conforman: Daniel Adissi, Ana Kupfer, Gustavo Gonzalo, Assira Abbate, Ester Gombau y Dunia Alexandra.

Puesta en escena adaptada y dirigida por Sara Nieto, diplomada en arte dramático por la Escuela Cristina Rota de Madrid, cuenta con diversos cursos y seminarios. La escenografía e iluminación a cargo de Miguel Ángel Moreno; Gustavo Gonzalo Sanz, asistente de dirección; Héctor Gabriel Ancira, diseñador de vestuario y maquillaje; Daniel Adissi, música original.

Presentada por Ana Kupfer, la compañía FunFanfarria y Little Me, en el Teatro del Hotel NH, los domingos a las 13:00 horas, ubicado en la calle de Liverpool núm. 155, col. Juárez, del 22 de julio al 7 de octubre.

EL HILADOR (CRUZAR FRONTERAS METAFÍSICAS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Crédito de la fotografía: Paulina Watty, de Once Once Producciones

 

El hilador

Pertenezco a una generación que creció escuchando cuentos, desde los tradicionales hasta los que inventaban nuestros abuelos y padres, era un deleite imaginar, transformar palabras que nos hablaban de personajes, de situaciones, de lugares, de emociones… Acudo al teatro y me encuentro con una escenificación de “una historia de amor… con algunos detalles colaterales”, poco o nada ortodoxos; la posibilidad de combinar la realidad con la ficción y cruzar fronteras metafísicas. El texto lleva por título EL HILADOR, producto de la imaginación, creatividad y talento de Paula Zelaya Cervantes, joven dramaturga a quien no tengo el gusto de conocer, sin embargo, con esta obra, además dirigida por ella misma, es indudable que los tres adjetivos me permiten, sin temor a equivocarme, estamos frente a una promesa, por llamarlo de alguna forma, hecha realidad. No sé su edad, el programa de mano refiere su juventud y una formación en importantes instituciones en el extranjero, así como un buen número de becas y reconocimientos.

 

La historia nos remite a un mundo donde un niño huérfano es reclutado por la Muerte, para traer y llevar fallecidos; una niña, quien ama la luz de la velas, que eran elaboradas por su padre, fallece cuando la primera decide que es hora de su partida. Hay un encuentro entre ambos, creo que más que infantes se deben ubicar en la adolescencia, surge un sentimiento entre ellos; sin embargo sólo pueden estar juntos cuando alguien muere, por ello urden un plan para lograrlo. Como en todo cuento que se precie de serlo hay una madrastra malvada y malhablada, la cual es más referencia circunstancial que protagonista. Sin embargo, en ese mundo, digamos onírico, no encuentran la tranquilidad para su felicidad, deciden trasponerlo para incursionar en el mundo real, Más odiseas, la esclavización con las preocupaciones de lo cotidiano, en ocasiones intrascendentes y aburridas. No abundo para no vender la trama de esta fascinante historia, qué si bien tiene mucho de narrativa, como debe ser, a la postre se convierte en un cuento dramatizado.

 

Paula, como directora, sorprende. Junto con su escenógrafo e iluminador, Sergio Villegas y Matías Gorlero, respectivamente, sin descontar el diseño de vestuario de Sara Salomón, concibe(n), más allá de un lugar, un espacio tétrico, fantasmal, lúgubre, sombrío, la atmósfera ideal para evitar caer en el terror y dar paso a una historia conmovedora a pesar de presencia de la Muerte y los daños colaterales de esta odisea. La caracterización la última sale de los convencionalismos que conocemos y desgastados, otro acierto, es más hay momentos de intenso humor provocados por ésta, además responsable de los efectos especiales en escena, técnicamente sencillos pero efectivos.

 

Ana González Bello (Elena), Eván Regueira (Quirón), y Marcos Rodosh (Muerte) espléndidos, naturales, no dramatizan un cuento, se introducen en él, son parte de la historia, más importante llegan a lo más profundo de quienes disfrutan la labor histriónica de estos actores. Al concluir la función a la que asistí, no era para prensa e invitados especiales, el público, en su mayoría jóvenes, los ovacionó de pie, considero que con este último comentario, no hay más que agregar.

 

EL HILADOR, se representa en el Teatro Helénico, Ciudad de México, los miércoles a las 20:30 horas.

 

 

Julio 2018

 

TEN CUIDADO CON LO QUE DESEAS (PLASTICIDAD ATLÉTICA Y ESTÉTICA

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Ten cuidado con lo que deseas

Una demostración de plasticidad atlética y estética tuvo como sede, en función única, la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, de la propuesta coreográfica intitulada TEN CUIDADO CON LO QUE DESEA, del coreógrafo e intérprete Francisco Córdova, al frente de la Compañía Physical Momentum Scenic Action. Si bien hay toda una intencionalidad artística, los integrantes de la agrupación demostraron que antes que bailarines son verdaderos atletas, con una fortaleza física combinada a la perfección con la flexibilidad y agilidad, a esto hay que agregar la emotividad que transmitieron, contagiaron, convirtieron el escenario en un festín de danza contemporánea.

 

Expresa Córdova, en el programa de mano, se trata de una propuesta que expresa y habita la arquitectura de un infierno contemporánea: “Muros como metáforas de nuestro deseo, obstáculos continuos hacia ningún lugar en un terrible episodio de sinrazones y pérdidas infinitas. Las fronteras son humanas y los muros nuestros miedos. Fronteras entre nosotros y nuestros deseos que nos permiten seguir fallando y esperando alguna eterna salida”.

 

Digamos que lo anterior sería la dramaturgia, el hilo conductor de un planteamiento con alto contenido metafísico y filosófico. Como suele suceder en la danza contemporánea, una cosa es lo que se quiere vea y comprenda el espectador y otra que así sea. Lo importante es disfrutar de las posibilidades corporales de los bailarines, de su expresividad en el más amplio sentido del término, superar las situaciones límite exigidas, arriesgar el físico y salir avantes por el profesionalismo, entrega y amor a una profesión que se resume en una palabra: ARTE.

 

Si bien la coreografía es espectacular, los apoyos merecen los mismos calificativos. El diseño escenográfico de Fernando Feres, formado al lado de Jorge Ballina, representan los muros de los que habla el coreógrafo, sin embargo, no son estáticos, tienen movilidad -si se me permite la expresión- es una “escenografía danzante”; giran, suben y bajan, se agrandan y achican, son versátiles, comparten la agilidad de los intérpretes. La iluminación fuera de serie, 50 “lámparas” y más, no se limitan a alumbrar, son parte de la atmósfera psicológica de los personajes, quienes representan parte del ser y quehacer del ser humano cuando éste no tiene plena conciencia de lo qué desea y qué desea, sin descontar la musicalización cautivadora. Como concluye Córdova: “Cuidado con respirar, pensar, amar y vivir, porque se nos puede cumplir” En fin le daremos el beneficio de la duda, porque asistimos con la ilusión de un gran espectáculo y se nos cumplió.