Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal

Amor eterno se une a las revistas musicales memorables

¿Recuerdan el tira-tira mediático que ha tenido este montaje? Las opiniones que he escuchado el primer día son excelentes, pero hubo sociedades autorales y oficinas públicas que le metieron freno durante 2016. Fue hasta el mes de julio 2017 que la pude ver, no en el estreno, porque en ocasiones son caóticos. El elenco que alterna está así: Natalia Sosa, Pablo Montero, César Bono, Rubén Plascencia, Gloria Aura, Lenny de la Rosa, Dulce, en los roles centrales; otros días se puede disfrutar a Bobby Pulido, Lucía Méndez, Manoella Torres y Mariana Seoane. El elenco es numeroso.

Hacer guión para revista musical es fácil: una historia sencilla, muchas figuras televisivas, canciones conocidas de arraigo popular, momentos graciosos, algunos flashes picantes, chicas que luzcan su bella piel al máximo, vestuario caro, orquesta en vivo, coreografías espectaculares, algunas bromas sobre los gobernantes en turno.

Califiquemos Amor eterno como si estuviéramos en examen universitario: está cerca del diez perfecto; algunos detalles que me llaman la atención, es que no hay un número coreográfico contundente, el vestuario y aspecto de las chicas podrían verse en horario para niños, el final me pareció triste, un año en que necesitamos mensajes optimistas. Los máximos brillos de la noche: el talento y entusiasmo que exhiben Dulce, Natalia, Rubén, Pablo Montero, Lenny, en su trabajo.

No contaré la historia, porque seguramente la ha escuchado: un talentoso compositor llega a la capital, es descubierto muy lentamente y nace un romance. Este tipo de Revistas tiene una duración cercana a las tres horas, lo cual implicaba el riesgo de que pudiera llover a cántaros, no fue así: toda la noche de ese sábado fue perfecta, buen clima, no hubo lluvia y el trabajo musical más esperado corrió con singular ligereza; música y arreglos de alto nivel, excelentes voces, sorprende gratamente la entrada del mariachi, para ratificar que Juan Gabriel es Juan Gabriel, la historia es lo de menos. Al salir felicité a Omar Suárez y le señalé: “es un producto de exportación”, sí, porque fácilmente levanta un segundo elenco -también con primeras figuras, claro-, para viajar a Norteamérica y traerse los bolsillos llenos de dólares. Felicitaciones.

Canción rota para un perdedor fortuito, en la colonia San Rafael

La escribió Arturo Amaro en el taller de Estela Leñero: además, sirve para celebrar que cumple 30 años de haber egresado de la UNAM, también hace cinco inauguró este Foro, el Off Spring, que se encuentra en Francisco Pimentel 14, colonia San Rafael.

Esta obra con humor negro pregunta, ¿por qué nos vamos de México? Por los salarios, las diferentes oportunidades, experiencias y retos. Hay quien tiene problemas y sale huyendo, ¿de qué?, de la familia, el primer amor, las posteriores novias, los hijos que tuvo o que nunca logró. Los recuerdos de esta aventura nos van a durar toda la vida si es que la conserváramos. Dirijo este montaje, lo que representó un reto especial, para hacerlo diferente, memorable, usted sabe, la cartelera anual se llena de monólogos, es un género muy practicado hoy día; dirigir a un actor experimentado es un verdadero honor. Se puede ver los domingos a las 18:00 horas, Foro Off Spring, Francisco Pimentel 14, San Rafael, cerca del teatro Aldama.

Josefa, un musical mexicano diferente

En el Teatro Hidalgo, acabamos de ver un trabajo monumental (como todos los musicales) y mexicano hasta las cachas: produce José Dolores González, Ricardo Robledo le ayuda en la composición, Óscar Acosta ilumina. El elenco tiene antecedentes en este género y salen bien librados todos: doña Josefa Ortiz de Domínguez es Jimena Parés, en tanto que quien interpreta al padre Hidalgo es José Antonio López Tercero; Manuel Landeta es el santo Inquisidor, antagonista que se hace odiar; Hugo Serrano, Ignacio Allende; Sergio Morell, Félix María Calleja. Lalo Partida (es Joaquín Arias), un agente doble. El elenco es numeroso, así que no los mencionaremos a todos. Usted ve un resumen de la historia de México, hay una aspiración, héroes luchando contra españoles que vienen de una dominación árabe por seiscientos años; se desquitan con los que acaban de dominar. Véala, la va disfrutar, más allá de que es una rebanada de historia.

LA CONTRADICCIÓN

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Suele decirse que “la curiosidad mató al gato”, pero la verdad es que nuestra naturaleza hace que todos seamos curiosos. Siempre quisiéramos enterarnos de que hay detrás de las cosas o las personas. Leemos publicaciones biográficas, investigamos o preguntamos con el afán de saber más de la gente. Cuando se trata de alguien a quien conocemos personalmente, o bien, que admiramos, se alertan nuestros sentidos. A través de La contradicción, Sonia Franco comparte con el público algunos de sus recuerdos.

Sonia Franco es una de las mejores actrices de su generación. Poco después de egresar en 2009 del Centro Universitario de Teatro (CUT) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), Sonia hizo su debut profesional en la obra Usted está aquí de la autoría de Bárbara Colio, bajo la dirección de Lorena Maza. No obstante alternar con un elenco de primeria línea conformado por actores de la talla de Zaide Silvia Gutiérrez, Rodrigo Murray, Karina Gidi y José Carlos Gutiérrez, Sonia brilló en escena, gracias a su labor histriónica y corporal.

A partir de entonces, Sonia ha consolidado su trayectoria en teatro, cine y televisión. En sus numerosas participaciones en teatro ha dado muestra de su compromiso y entrega. Para la interpretación de un personaje en la telenovela Yo no creo en los hombres, Sonia dejó en claro que su profesionalismo no tiene límites, pues siendo de constitución delgada, aumentó alrededor de 20 kilos de peso.

En la actualidad, Sonia se encuentra trabajando en sus proyectos como Becaria del Programa Creadores Escénicos 2016 del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Concibió La contradicción como una inquietud personal de explorar el territorio de la memoria. Aun cuando toma como hilo conductor a Patti Smith, en realidad rinde honor a sus padres rememorando situaciones de su infancia.

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Patricia Lee Smith, mejor conocida como Patti Smith, es una destacada cantante, autora y poetisa estadounidense. Patti saltó a la fama desde su primer álbum discográfico llamado Horses (Caballos), del cual Robert Mapplethorpe tomó las fotografías. Nacida en Chicago, Illinois, E.U.A., Patti se trasladó a Nueva York en pos de mayor proyección. El primer día en que llegó a la gran urbe conoció en forma accidental a Mapplethorpe, cuando fue a su departamento en busca de otra persona. Se hicieron tan amigos que terminaron convirtiéndose en compañeros de cuarto, a fin de compartir gastos, mientras despuntaban sus respectivas carreras. Al cabo del tiempo, los dos lograron sus objetivos: ella triunfó como cantante y él como fotógrafo. Horses tiene un significado primordial para Patti, tanto en lo profesional como en lo personal.

A Patti se le apoda “la madrina del punk”. Es una mujer talentosa, intelectual y sensible. Al leer cualquiera de los libros de Patti, uno se da cuenta de la vasta cultura que posee la artista, por las referencias literarias que incorpora. Entre los múltiples premios, nominaciones, galardones y distinciones que ha recibido, se encuentran su nombramiento como Comendadora de la Orden de las Artes y las Letras que le fue otorgado en Francia en 2005, así como su ingreso al Salón de la Fama del Rock hace diez años. Ha alternado con muchos de los más renombrados cantantes. Sus discos y libros están entre los más vendidos. En sus conciertos, Patti introdujo la poesía hablada -spoken poetry- dentro de sus melodías.

Los seguidores de Patti son de todas edades, aun cuando generacionalmente se acerca más a la edad de sus padres, ¡Sonia Franco la admira! No solo creció escuchando sus temas, sino que además la conoció personalmente.

Para La contradicción, Sonia Franco convocó al reconocido dramaturgo Noé Morales Muñoz y al actor, docente e investigador teatral, Édgar Maldonado Colis. Luego de un laboratorio teatral, entre los tres concretaron las ideas de Sonia para llevar La contradicción a escena. Noé Morales Muñoz es el responsable de la dramaturgia y la dirección. Debido a que en sus trabajos más recientes, Noé ha explorado a fondo el territorio de la memoria, resulta idóneo para este proyecto.

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La contradicción es una propuesta interdisciplinaria, toda vez que combina relato autobiográfico, teatro documental, testimonial y de comedia, poesía hablada (spoken poetry), instalación visual, sonora y objetual. El montaje es totalmente intimista y no se ajusta a los cánones del teatro tradicional. Aquí no existe la cuarta pared y los actores hablan en forma directa al público.

Consciente de lo relevante que fue Horses en la vida de Patti Smith, Sonia lo toma como punto de partida. En la pantalla aparecen unos caballos corriendo libremente en un campo. Poco después, Sonia se cambia de vestuario para lucir prendas similares a las que usó Patti en el mencionado álbum. Sonia relata la forma en que siendo apenas una niña conoció a Patti Smith, quien, incluso, la tomó en sus brazos y le susurró algo al oído. Por lo pequeña que era Sonia, jamás ha podido recordar qué fue lo que le dijo Patti. Conforme fue creciendo, Sonia se dedicó a atesorar recuerdos y objetos relacionados con la diva.

Aparte de referir frases y fragmentos de obras de Patti Smith, Sonia comparte anécdotas de su vida familiar, de sus padres, de su sentir y pensamientos, algunas experiencias personales, anhelos, temores y entornos. Mediante su relato devela parte de su personalidad, al hablar de la labor que realizan sus padres, de su amor, admiración y respeto hacia ellos. En tanto que Édgar Maldonado Colis realiza algunas intervenciones para la representación de ciertos cuadros.

En su texto, Noé Morales Muñoz da estructura a lo que Sonia quería plasmar y entrelaza realidad y ficción en forma consistente. Su labor de dirección es impecable, aprovecha bien el espacio, apoya su trazo escénico con dispositivos sonoros y visuales. Imparte buen ritmo y ofrece un atinado desplazamiento de los actores, a fin de proveer vivacidad a lo discursivo. Uno de sus mayores aciertos es permitir a Sonia ser ella misma, con sus gestos y movimientos naturales.

 

Sonia Franco se anota un nuevo logro en su exitosa carrera. En esta ocasión, no solo como actriz, sino como creadora. Despliega su capacidad histriónica y su habilidad corporal, así como su excelente dicción, su grata presencia escénica y su carisma. Su alternante, Édgar Maldonado Colis, ofrece una estupenda actuación en forma muy natural.

Complementan el equipo creativo: Édgar Maldonado Colis, asistente de dirección; Ana Cristina Portillo es la artista sonora y visual; Misael Garrido Mendoza es el asistente de producción; Luis Lobo es el productor general; Aarón Zoé Guadarrama es el diseñador de imagen; Pilar Ixquic Mata participa como voz en off, y Sandra Narváez es la encargada de prensa y difusión.

La contradicción es presentada por la Secretaría de Cultura, Sahumerio Producciones, Teatro Línea de Sombra y Patolobo.

Acude a ver La contradicción, un montaje fuera de lo común, donde se interrelacionan una de las cantantes más emblemáticas del movimiento punk y una joven actriz mexicana. Sonia Franco se atreve a revisitar parte de su historia personal y la expone en un escenario. Igual no podremos determinar la delgada línea que divide lo real de lo onírico, pero te aseguro que te resultará tan entretenido como divertido.

La contradicción se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte sin número, en el Bosque de Chapultepec, -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. Las localidades tienen un costo de $80.00; para Gente de Teatro: $45.00; jueves al Teatro: $30.00; viernes al Teatro en Bici: $45.00. Descuentos acostumbrados con credencial. La temporada concluye el domingo 10 de septiembre de 2017.

 

EN LA ESQUINA DE LAS DESDICHAS (REFLEXIONES SOBRE LA AMARGURA)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 

Medardo Treviño es, probable, el mejor dramaturgo oriundo del noreste de la República Mexicana; lleva a escena -también como director- la primera parte de lo que a la postre será una trilogía de monólogos relacionados con el vampirismo. La obra se intitula En la esquina de las desdichas, bajo la interpretación de Beatriz Moreno.

Una mujer, en el ocaso de su vida, hace una serie de reflexiones sobre la amargura. Parte desde el mismo momento de su nacimiento, cuando su padre la somete a… por considerar que la niña lleva un vampiro en su interior. La trama está estrechamente ligada con ese mito, de esos chupa sangre que producen interés literario al igual que miedo, tema muy ad hoc cuando están por celebrarse 150 años del surgimiento en las letras universales del personaje de Drácula.

Petra -nombre del la susodicha- carga con una gran soledad, sin embargo, pretende destacar aplicando tinte a su cabello y pintándose los labios; ejerce la prostitución, tal vez para aminorar su aislamiento. Las figuras de su padre y su marido son fundamentales en su devenir. Cree que su imagen no se refleja en el espejo, se niega a enfrentar uno de ellos para no tener razón o fundamento de sus miedos, no quiere que la verdad disuelva sus sueños. En el fondo, Medardo asume una filosofía de la amargura, de los seres que avanzan en vida, quienes creen que viven solo porque caminan. Un ser a quien el destino no le tenía guardadas sorpresas agradables.

Nuestro autor nos conduce a través de un texto conmovedor y al mismo tiempo desgarrador, por fortuna no es patético, por momentos sí lastimero; de excelente estructura dramática, sin dejar de ser, hasta cierto punto, lineal; varios clímax marcados en lo escrito, no siempre en la oralidad. Si bien ha tenido reconocimiento en su natal Tamaulipas, es uno de los dramaturgos-directores que han tenido que trasladarse a la Ciudad de México para consolidarse y recibir el reconocimiento merecido.

Como director de este unipersonal emplea una escenografía realista y mínima para dar paso al potencial histriónico de la actriz: una tarima cuadrangular, unos cuantos muebles y objetos, más decorativos que escénicos. Su trazo es exacto, permite que la protagonista se desenvuelva con naturalidad y transmita toda la podredumbre que consume su alma.

Por otra parte, Beatriz en un portento de actuación, como se dice en el argot teatral: mueve y conmueve; sus cambios de actitudes frente a sus males son impresionantes, no en balde sus 45 años de trayectoria por los escenarios. Aprovecha al máximo la gran escenografía de Mónica Kubli, el vestuario de Cristina Sauza, la caracterización de Carlos Guizar -tal vez el mejor en este rubro- y el excelente diseño sonoro de Minerva Consejo. Beatriz, indudablemente, en el mejor momento de su carrera; ¡este monólogo la consagra en el gusto de los espectadores!

 

En la esquina de las desdichas se representa en su segunda temporada –si a seis funciones se le puede denominar así- en el Círculo Teatral (Ciudad de México), los sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas, hasta el 13 de agosto.

CANCIÓN ROTA (PARA UN PERDEDOR FORTUITO)

Por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro, critico de teatro

 

Decía el filósofo español Ortega y Gasset, que el ser humano es el arquitecto de su propio destino. En principio es cierto, sin embargo, hay hechos o realidades los cuales marcan nuestras vidas, para bien o para mal, en los que no interviene nuestra voluntad. Pongamos un ejemplo: un beodo manejando a gran velocidad se sube a la banqueta, atropella a un peatón y lo deja parapléjico de por vida; este hombre o mujer ni remotamente pueden ser arquitectos de su propio destino.

Apartándonos de lo exageradamente patético, hay seres que su devenir está, si no determinado sí condicionado, desde el mismo instante de su nacimiento, tal es el caso de Gabriel, protagonista del monólogo de Arturo Amaro, intitulado Canción rota para un perdedor fortuito. La última palabra del título nos lleva a pensar que la mala suerte es la que conlleva a la vida desgraciada de este ser que deambula en un magnemárum de problemas y dudas existenciales. En parte lo anterior es cierto, sin embargo, en este caso el susodicho cae -no por mala suerte sino por decisión propia- en el alcoholismo, hundido en la bebida, consumiéndolo durante meses. A los 28 años de edad su padre lo considera un perfecto inútil. En una jugada de la vida encuentra muerto a su progenitor; para él, el descanso, para Gabriel, el infierno continúa. Si no en estricto sentido, se puede ubicar el texto como una tragedia moderna, como casi todos los monólogos es narrativo y hasta cierto punto lineal y biográfico, un recorrido por el devenir de un individuo en desgracia.

La dirección la asume Benjamín Bernal. Se vale de una escenografía hiperrealista (Adriana Enríquez), literalmente cuando se abre el telón aparece el interior de una cantina en forma, todos los detalles que se pueden encontrar en una verdadera, ahí están. El trazo es acertado, a pesar de la inmensidad del ancho del escenario; el desplazamiento es el adecuado, el actor ocupa todo el espacio. El director aprovecha las cualidades inherentes de su actor para “explotarlo” al máximo y convertir el monólogo-tragedia en un motivo de reflexión. Hay un entendimiento perfecto del fondo del texto, tal vez el único pero es no darle más énfasis a los momentos de clímax.

Por su parte, Arturo Amaro, como actor, nos lleva de la mano, hasta lo más profundo del alma de Gabriel, en forma desgarradora, quedamos atrapados en las entrañas de un alcohólico con más problemas psicológicos que físicos. El actor le da un matiz desgarrador, convence, vive la problemática existencial, la transmite, se ve “natural”, no hay exageraciones; todo a su tiempo, oralidad pausada. Logra se asimilen sus tres relaciones con sus amantes: la Güera, una coreana y Fabiola, hasta cierto punto, sin estar en escena, Arturo las convierte en protagonistas. Al final nuestro desdichado Gabriel sucumbe para solo expresar: ¡Estoy muerto!

Canción rota para un perdedor fortuito se representa en el Espacio Universitario de Cultura Off Spring, ubicado en Francisco Pimentel 14, colonia San Rafael (metro San Cosme), los domingos a las 18:00 horas, hasta el mes de diciembre, para reiniciar temporada el próximo 2018.

TEATRO DE MOMIAS

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Día con día se hace más difícil producir teatro. Por un lado, están las dificultades para conseguir estímulos o patrocinios, la incertidumbre de los productores que no cuentan con garantía alguna en cuanto a obtener ganancias o siquiera recuperar su inversión.  Por otro lado, los costos de todo lo que se requiere, como por ejemplo, nómina y honorarios a actores, autor, director, diseñadores, foro, técnicos, vestuario, escenografía, elementos escénicos, promoción, difusión. En fin, una lista interminable. Esto ha hecho que creadores y grupos busquen alternativas. Una opción es acudir a fondeadoras, otra, es la autogestión. Algunos conocidos dramaturgos se han dado a la tarea de producir y dirigir sus propias obras.

P1160099Ante la necesidad de hacer teatro a toda costa, un grupo de dramaturgos decidió unir fuerzas y es así como surgió el Ciclo Dramaturgias Ambulantes, el cual es coordinado por Itzhel G. Razo.

El propósito del ciclo es conformar un catálogo que sirva como muestrario de voces dramatúrgicas contemporáneas, a fin de presentarlas ante público en diversos teatros, foros y espacios alternativos de la Ciudad de México y, conforme el proyecto se desarrolle, se irá ampliando la presentación de obras o espectáculos, a fin de que distintos creadores escénicos tengan sitio dónde expresarse.

Por lo pronto, siete autores conforman la primera fase del ciclo, ellos son: Luis Alcocer, Ángel Hernández, Guillermo León, Martín López Brie, Carlos Nóhpal,  Carlos Talancón y Antonio Zúñiga. Cada dramaturgo eligió, de entre sus obras, la que considera más emblemática de su labor. Los espacios donde se presentan las obras del ciclo son: el Foro La Nabe y el Centro Cultural Carretera 45 Teatro. De junio a noviembre se presentará una obra por mes y en diciembre sorprenderán al espectador con una creación colectiva de los autores mencionados.

El Ciclo Dramaturgias Ambulantes fue inaugurado por Carlos Nóhpal con Ruido V.3.0, misma que se presentó durante el mes de junio.

La segunda obra es Teatro de momias, escrita y dirigida por Luis Alcocer Guerrero. El autor obtuvo su licenciatura en Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), para luego adquirir su Maestría en Dirección Escénica en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y cursar Guión Cinematográfico en el Centro de Capacitación Cinematográfica.

P1160140Luis es el creador del Proyecto Granguiñol Psicotrónico, cuyo objetivo es la creación de un teatro de lo siniestro. Así mismo, es autor del libro Florilegio de Teatro Psicotrónico publicado por Ediciones El Milagro en 2013. Las obras que escribe Luis Alcocer son el resultado de exhaustivas investigaciones. Por su formación, tanto en teatro como en cinematografía, los montajes de sus creaciones tienen tintes cinematográficos. Algunas de las características de la obra de Luis Alcocer son la estética, el ritmo, el juego de palabras, la inclusión de palabras inventadas, distintos relatos entrelazados, discursos reflexivos que sustentan lo que desea expresar, fusión de realidad con ficción, búsqueda de música que enmarque la puesta en escena en forma consistente, original diseño de corporalidad, máscaras de yeso, títeres o marionetas, algo de ironía y una buena dosis de humor negro.

Teatro de momias inicia con un homenaje póstumo a Luis Alcocer, su propio autor, para quien se pide al público un minuto de silencio, algo por demás siniestro. A continuación vienen algunas reflexiones sobre el futuro post-humano, incitando al público a que piense que sería mejor que se escriba ahora sobre el futuro, en lugar de que sea un historiador que quizá aún no ha nacido, pues esto provocaría que por no ser su época éste podría incurrir en muchas inconsistencias.

Se representará un cuadro intitulado No se lo cuente a su madre, donde participan un vendedor de libros, una abuela y su nieta, en la que los protagonistas son títeres de vara, para luego entrar de lleno a la teoría de que después de la zozobra, “la curiosidad habitará tan sólo entre las momias. Serán ellas quienes intenten desentrañar los misterios del antiguo y perdido mundo de los vivos”. Habrá que tomar en cuenta que para la transferencia de un cadáver en momia el primer paso es la extracción de la masa encefálica.

Una momia, auténtica, explicará al público: “yo no soy cuerpo sino la imagen de una momia. Ustedes son cuerpos memoriosos y yo, memoria pura, una imagen”. Además se permite asegurar: “nadie saldrá de este lugar de la misma forma que entró”. A fin de lograr que se comprendan mejor sus palabras, incluirá una introducción al lenguaje de momias. Para despejar en parte lo siniestro, el publico disfrutará de la alegre canción Let’s face the music and dance -encaremos la música y bailemos-, una composición de Irving Berlin para una película de 1936.

P1160186Los textos, la dramaturgia, la dirección y la producción general están a cargo de Luis Alcocer Guerrero. Como autor, Luis concibe y estructura los textos siguiendo la línea particular que ha creado para el tipo de teatro que desea expresar, donde lo real y lo irreal se entremezclan. Sus relatos captan la atención del público. En cuanto a su labor como director es impecable, coreografías bien diseñadas, aprovechamiento del espacio, ritmo preciso, utilización de imagen y sonido al servicio de la representación. Paco Vela es asistente en la dirección.

Participan en el montaje como facilitadores, actores o manipuladores de títeres: Carlos Talancón, Omar Armella, Fafa Echeverría, Arturo Serrano, Héctor Iván González, Ernesto García, Jorge Chávez Caballero y Luis Alcocer Guerrero. Un equipo bien integrado y comprometido que ofrece un acertado trabajo histriónico y una formidable corporalidad. En la última función tendrán como invitado especial a Edwin Salas.

Martha Alejandra Vega es la diseñadora de escenografía, vestuario y utilería. La aportación de Martha Alejandra es fundamental para la representación. La escasa escenografía cubre las necesidades del montaje. En el vestuario incluye prendas que lucen como vendajes de momias, pero que son lo suficientemente prácticas para ponerse o quitarse en segundos. Así mismo, utiliza texturas poco comunes como la de un traje rojo que emula a un embrión ensangrentado. La utilería y elementos escénicos están elaborados con bastante ingenio.

La producción es de Proyecto Granguiñol Psicotrónico. Diana Ham está a cargo de la producción ejecutiva y Noel Montes de Oca de la realización técnica.

Adéntrate en el Teatro de momias, donde podrás ver momias que hablan y bailan, muy distintas a las que has visto en museos. Conoce el original concepto de teatro de lo siniestro de Luis Alcocer Guerrero, igual y te conviertes en fanático del Granguiñol Psicotrónico. Además, podrás vivir la experiencia de subirte a un montacargas en lugar del acostumbrado elevador, ya que el foro donde se presenta ha de haber sido una nave industrial. Tienes que apresurarte porque la temporada está por concluir y solo queda una función.

Teatro de momias se presenta el sábado 29 de julio de 2017 en el Foro La Nabe, ubicado en Doctor Vértiz número 86, colonia Doctores -cerca de las estaciones Salto del agua y Balderas del Metro-, Ciudad de México. La siguiente obra en el Ciclo de Dramaturgias Ambulantes es Conejo 401, de Guillermo León, la cual se presentará a las 19:00 horas los sábados de agosto de 2017 en el Foro La Nabe.

LA NENA (DESAMOR ENTRE UNA MADRE Y UNA HIJA)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Hace meses no asistía al teatro -por motivos de salud-, una escapada esporádica por la cercanía a mi hogar y el apoyo de un amigo. Tuve la suerte de asistir a un gran montaje intitulado La nena, de uno de los más destacados dramaturgos contemporáneos, Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM). El citado autor domina y aborda prácticamente todos los géneros, sin embargo, destaca su manejo del humor, fino pero negro, lo que produce en el espectador la ambivalencia risa-sufrimiento.

En La nena, un encuentro de desamor -casi llegando al odio- entre una madre y su hija. La primera, aparentemente, padece de cáncer terminal en el hígado, a ciencia cierta no queda claro por qué la noticia se la comunica su sirvienta, además el diagnóstico procede de un doctor, quien perdió su licencia décadas atrás. Un encuentro físico, un desencuentro sentimental; reproches, injurias sin piedad alguna; el alcoholismo de la madre frente a la indiferencia de la hija; frustraciones, remembranzas de hechos traumáticos. En fin, una relación, como se dice en forma coloquial, de perros y gatos.

La dirección está a cargo del joven Omar Olvera, pulcra, acertada, un gran trazo y aprovechamiento del espacio. Compenetrado con los personajes, con su psicología, a pesar de la trama nunca los lleva a exabruptos, la clama envuelve el caos emocional. Se inclina por una escenografía realista -Pedro Pazarán-, sin embargo, todo el escenario está invadido por naranjas, ahí se altera el realismo, el simbolismo de los cítricos queda a la deriva -al menos para mí-, desde mi particular punto de vista podría prescindir de ellos, nada se modificaría y la estética se sobrepondría. Un vestuario sencillo: la madre un camisón, la hija ropa casual; una iluminación casi fija, no por falta de creatividad sino por la limitaciones del espacio.

Las actuaciones corren a cargo de Evangelina Martínez (la madre) y Laura Castro (la hija). Evangelina sencillamente impresionante, la actriz le da su tiempo a esa mujer mordaz, al personaje la maldad le brota por toda la piel, su histrionismo y experiencia hacen de su participación un deleite actoral; se compenetra con el género, proyecta la amargura y, sobre todo, la soledad -más emocional que física-, logra proyectar lo anterior con una mezcla de arrepentimiento e intento de reivindicación, lo cual enriquece al personaje, solo una histrión alcanza esos niveles.

Por su parte, Laura Castro alterna con Evangelina, acorde con los requerimientos del texto, no se amedrenta frente a la primera actriz; en forma natural asume la indiferencia ante su madre en forma creíble. Es grato encontrar juventud y madurez, es de esperarse que los productores le den más oportunidades.

Lamentablemente asistí cuando está por terminar la temporada en el bello y agradable Hostal Regina, quede esta nota como constancia del excelente montaje de La nena, de LEGOM.

TELEGRAMAS

Por Eugenia Galeano Inclán

A lo largo de la vida, los seres humanos crean distintos tipos de lazos. Uno de los que es más firme es el lazo fraternal, aquel que se da entre hermanos, pues tienen mucho en común. Además de tener los mismos padres y la misma sangre, son educados bajo iguales normas, comparten familiares, conocidos, juegos, entornos, colegios, travesuras, secretos y muchos más. Por lo general, son cómplices y se ayudan o apoyan en casi todo. Por supuesto, de vez en cuando, difieren en opinión, dado que su pensamiento es individual, incluso, llegan a pelearse, pero, por lo general, una vez que superan el problema, vuelven a estar tan unidos o más que antes.

telegramasLa comunicación entre hermanos no siempre es a través de palabras, basta una mirada o un gesto para entenderse. Si por cualquier causa se separan, el lazo que los une permanece sin importar a qué distancia se encuentren. Para hablar el uno con el otro, se llamarán por teléfono o encontrarán la manera de comunicarse. Hasta hace poco lo común era escribirse cartas o enviarse telegramas. Hoy en día, gracias a los teléfonos celulares y a las redes sociales, la comunicación es inmediata. Igual los muy jóvenes nunca han recibido un telegrama o, peor aún, ni siquiera saben qué es.

En otra época, el correo era la forma más directa de comunicarse cuando alguien estaba en otra ciudad, otro país u otro continente. Sin embargo, el correo se tomaba su tiempo en hacer la entrega de cartas, entre que eran enviadas, distribuidas, recolectadas y entregadas, transcurrían varios días, semanas o meses, dependiendo de la lejanía y de la eficacia de las oficinas de correo. Si se requería de mayor rapidez para la entrega de una noticia urgente, se utilizaban los telegramas, a cuya entrega se daba prioridad y llegaban mucho más pronto que una carta. El costo del telegrama tomaba como base el número de palabras, así que se imponía la brevedad. Quien deseaba  hacer uso de ellos debía medir sus palabras, por lo que debía expresar su mensaje en el menor número de palabras.

El escritor, dramaturgo y psicoterapeuta Daniel de la O, dedicado desde hace casi una década a ejercer la terapia psicoanalítica, acostumbra combinar sus disciplinas en los textos que crea. Hace tiempo se dio a conocer con su obra Salida exit, luego, resultó ganador del primer lugar del Concurso Nacional de Composición Dramática de Monólogo Víctor Hugo Rascón Banda 2004 con Voces de un asesino de cara larga y sin sonrisa, para después escribir una pentalogía sobre las etapas del duelo, de la cual destaca Negación, una obra muy completa, dirigida en forma sensible por Jose Juan Meraz, con las impresionantes actuaciones de Guadalupe Damián y Diana Lein.

Ahora, Daniel de la O regresa a los escenarios con Telegramas, que versa sobre la relación de dos hermanas. Ana y Maricarmen convivieron durante su niñez y adolescencia. Son hijas de la misma madre, pero de distinto padre. El segundo matrimonio de la madre termina en divorcio y, tras esto, el padre se lleva a Maricarmen, en tanto que Ana se queda al lado de su madre, con lo cual sobreviene la separación de las hermanas. Ellas continúan en contacto, pero no se ven por años.

telegramas2Dado que la madre era una mujer de pocas palabras, las hijas le copian este hábito y optan por comunicarse por medio de telegramas. Es así como intercambian sólo  breves mensajes. El tiempo pasa, la vida transcurre, sin tener oportunidad de encontrarse frente a frente.

La vida de ambas es bastante distinta. Maricarmen se ha casado, en tanto que Ana vive con su madre, quien ha tratado de ahogar las penas en alcohol y en los brazos de muchos amigos guapos. ¿Seguirán teniendo el lazo indisoluble que ambas sentían de niñas y adolescentes? La acción comienza cuando se reencuentran.

El texto de Daniel de la O es de buena factura, con algo de poesía y, como acostumbra, escudriña la mente de sus personajes para paulatinamente desplegar lo que piensan y sienten en su fuero interno. En esta ocasión, Daniel de la O también asume la dirección escénica, en la cual realiza una labor impecable. Acertado aprovechamiento del espacio, bien distribuidas las pausas y el desplazamiento del elenco, al igual que logra un buen ritmo.

El elenco está integrado por  Claudia Silki y Jheraldy Palencia, quienes dan vida a las hermanas en forma convincente, proveyendo de matices a sus respectivos personajes a través de su histrionismo y corporalidad. El resto del equipo creativo está conformado por: Miguel Moreno Mati en diseño de espacio e iluminación, Felipe Rodríguez en realización de escenografía, Gis Sandiel en diseño de vestuario, Elda Alicia Mar en realización de vestuario, Gutemberg Brito en asesoría de expresión corporal y actuación, Miguel Schumman en fotografía, Roberto Georyge es el autor de la imagen de la obra, Verónica Galán Perea y Roberto Georyge en diseño de cartel, José Luis Anaya en tráiler de la obra, Enrique Saavedra en difusión y prensa, y Daniela Luque en producción ejecutiva. La producción general está a cargo de Arte y Pasión, y Fantasmas Teatro, en colaboración con Sin Sonrisa Teatro.

La puesta en escena de Telegramas fue desarrollada dentro del Programa de Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral, con la asesoría de los maestros David Olguín, Gabriel Pascal, Ignacio Escárcega y Ricardo Díaz.

Una historia que capta el interés del público para presenciar el reencuentro de dos hermanas que no se han visto en mucho tiempo. La distancia y el tiempo han hecho que algunos de sus recuerdos sean vagos, en tanto que otros permanecen vívidos, de esos que están latentes toda la vida. Esto provoca que la conversación al principio sea un tanto fragmentada, para después fluir a partir de que se reconocen y se ven reflejadas la una en la otra. Acompaña a Ana y a Maricarmen en esta experiencia, sabrás de qué charlan y te enterarás de uno que otro secreto.

Telegramas se presenta los martes a las 20:30 horas en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 -casi esquina con Centenario-, Coyoacán, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. La temporada concluye el martes 8 de agosto de 2017.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Se estrenó Canción rota para un perdedor fortuito

Con la actuación de Arturo Amaro, se acaba de presentar este monólogo que tiene varios meses de trabajo; se escribió en el taller de Estela Leñero, que tiene un rigor muy especial para cuidar los textos, después vino el trabajo de mesa con Benjamín Bernal, hasta llegar al proceso de montaje que contó con apoyo de Adriana Enríquez (Producción general) y Érika Enríquez (diseño visual y sonoro); es mi costumbre para construir cada obra dividirla en escenas, cuadros y secuencias, al estilo del cinematógrafo, para hacer toda una mentalización e ir mostrando las diversas peripecias.

cancion rota Arturo amaro 2Cada domingo, a las 18 horas, se puede ver esta obra del maestro Amaro. En el estreno estuvieron los principales periodistas especializados, quienes mostraron acuerdo en que hay humor rojo y negro, como es costumbre en el autor de Bonanza, quien lanza ácidas críticas a las sociedades mexicana y norteamericana, porque hay dos caras en este fenómeno económico, nadie quiere irse de su país, pero en ocasiones es forzado, quizá la novia no aceptó matrimonio o su familia lanzó el reto. Todos los continentes se han poblado de esa manera, nosotros somos una interculturalidad que data de muchos siglos y probablemente permanecerá. Para mí era un reto dirigir a este sólido actor, vaya usted y opine.

Un día en particular, dos grandes actuaciones

edith gonzalez 2Recuerdo con gusto el filme (1974) Una Giornata particolare de Ettore Scola, con versión teatral que se vio en El Milagro hace pocos años, con Laura Almela y Daniel Giménez Cacho, usaron una peculiar cámara negra, las paredes, para ir trazando con gis la escenografía básica. Acudí con gusto para ver esta adaptación que encabezan Luis Felipe Tovar y Edith González, con apoyo de Brisa Rosell y Enrique Vega, menos importantes para la narración. Es una historia de amor, en que se habla del miedo y desconfianza que dan los gobiernos autoritarios.

Claudia Ríos hace una dirección convencional, sintió necesario que apareciera la vecina chismosa y el militar admirador de Mussolini, marido de Edith González; quizá usted conozca el filme, así que no se lo contaré: el fascismo está en su apogeo; lo dirigen como melodrama, ella es ama de casa solitaria, cuya única amorosa compañía es un perico, contacto involuntario para que conozca a Tovar; ambos están en un excelente nivel expresivo, por lo que pudieron dejarlos solos, sin mayores complicaciones para avanzar en las escenas, pero la vecina vendrá a explicar un poco de los conflictos secundarios que irán surgiendo. En cuanto a la escenografía, la siento pequeña, quizá pensada para cambiarse a teatros. ¿Es necesario asumirse macho o hembra para sentir amor? Por supuesto que no, pero aquí dejo las disquisiciones sobre la trama. Bella historia, en que brilla la admiración que sentimos por Edith. Les deseamos una temporada exitosa. Fines de semana: están en el San Jerónimo, allá por Periférico Sur.

Folé, actor tapatío es también pintor

 Su exposición: Más que una mirada, está integrada por esculturas, oleos, acuarelas y grabados que muestran sus obsesiones, algunos animales fantásticos, de tres o cuatro ojos, y caballos eróticamente recostados, para que olvidemos la realidad que en ocasiones es muy aburrida. Ponga atención en su técnica para abordar las diversas anatomías que observa y la calidad para manejar el pincel lo mismo que el lápiz. Se puede ver, sin costo, en la Galería Veracruzana de Arte en Miguel Ángel de Quevedo 687, Coyoacán. Centro Cultural Veracruzano.

TODOS LOS PECES DE LA TIERRA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

P1150659 NO QUIEREN SUBIRAcostumbramos considerar que si un autor escribe sobre algún tema es no solo porque lo ha estudiado y/o investigado, sino porque tiene alguna experiencia personal al respecto. No siempre es así, por ejemplo, la compositora Consuelo Velázquez saltó a la fama al componer Bésame mucho, uno de los temas más representativos de la música mexicana que ha sido grabado en muchísimos idiomas. En alguna entrevista, la señora Velázquez sorprendió a todos al confesar que en el momento en que compuso ese tema era tan joven que todavía no había besado a nadie. En iguales circunstancias está la novel dramaturga Bárbara Perrín Rivemar, oriunda de Tijuana, quien antes de cumplir los 20 años escribiera AmorAmor, texto de compleja estructura, donde sin cronología, el tiempo iba y venía en forma abrupta y a través del cual Bárbara abordó muchísimos tipos de amor -imposible que a su edad los hubiera experimentado-.

Entre otros, habló del amor tierno, del apasionado, del frágil, del eterno, del fraternal y filial, del que se da por lástima, del que se compra e, incluso, del incestuoso. Cuando este texto cayó en manos del prestigiado creador teatral Hugo Arrevillaga, quedó tan cautivado que lo eligió para el examen final de los alumnos de Casa del Teatro de la generación 2011-2016. De la mano de Hugo, los jóvenes egresados lograron un extraordinario lucimiento e iniciaron su trayectoria profesional con el pie derecho. Así mismo, el público de la CDMX conoció una obra de esta notable dramaturga que mostró pericia al entrelazar la historia de dos familias a lo largo de varias épocas.

Ahora, se nos presenta la oportunidad de ver otro texto de Bárbara Perrín Rivemar. Se trata de Todos los peces de la tierra, escrito por Bárbara e inspirada en un caso de la vida real, donde Marina relata cómo ha sido su vida de niña a mujer y comparte con el espectador su sentir y sus más íntimos pensamientos, así como sus anhelos, logros y pesares.

Desde temprana edad, Marina ha sufrido ausencias inexplicables, lo cual ha ido forjando su carácter de modo particular. Nació a 1,200 metros sobre el nivel del mar y la costa más cercana a su casa queda a 500 kilómetros de distancia. Uno de sus sueños es conocer la playa, sin saber que debido a ciertas circunstancias, no le será tan maravilloso como creía.

Lo que más duele a Marina es la partida de su madre. Sus recuerdos infantiles se han ido desvaneciendo con el tiempo. En su memoria guarda la voz de su madre, quien cantaba como los ángeles. Marina considera que si ella pudiera cantar como ella, tendrían un lazo de unión indisoluble.

P1150672Al vivir solo con su padre, ambos han desarrollado un tremendo apego. “Él es un viejo lobo de mar”, suele decir Marina. Esto es tan cierto que es por ello que el nombre que eligió para ella es Marina. Como el padre sale de casa a trabajar y hacer sus deberes, Marina pasa mucho tiempo sola. Para hacer esos momentos más llevaderos, ha creado una amiga imaginaria, a la que ella llama “la vocesita”, igual podría ser la de su conciencia.

La vida da muchos vuelos y las situaciones cambian. Al tener la edad suficiente para independizarse, Marina se va de casa. El alejamiento de su padre le resulta doloroso, pero se ha propuesto no molestarlo, así que esperará hasta que sea él quien quiera verla. El día que él lo hace, el reencuentro es inefable y prometen volver a estar juntos. Por fin, Marina se siente plenamente feliz.

Desafortunadamente, a los pocos días, Marina recibe una llamada “Tu padre ha desaparecido en el mar”. Marina está dispuesta a encontrarlo. Buscará hasta en los rincones más recónditos del océano y del dolor y, si fuera preciso, se comerá a Todos los peces de la tierra.

Un texto emotivo, humano, desde la perspectiva de una mujer a lo largo de las etapas de su vida. No cabe duda de que Bárbara Perrín Rivemar tiene el don de narrar historias.

La dirección escénica corre a cargo del destacado dramaturgo y director Alejandro Ricaño, quien, como siempre, logra en este montaje una labor formidable. En el caso particular de Todos los peces de la tierra, Alejandro intensifica su fórmula acostumbrada, que consiste en utilizar la capacidad histriónica de su elenco, así como la expresividad y las inflexiones de voz para que el discurso adquiera la fuerza requerida. Esto privilegia el hecho escénico al captar toda la atención del público. En general, para sus montajes Alejandro pide escenografías carentes de espectacularidad, mas no de eficacia y practicidad, con lo cual incrementa la viabilidad de que sean representados en cualquier foro. El trazo diseñado para la escenificación de Todos los peces de la tierra lo circunscribe a un andamio/columpio sin que esto reste estética a la acción corporal.

El elenco está conformado por Gina Martí y Adriana Mintes de Oca, quienes dan vida a Marina y a su voz interior. Extraordinario trabajo histriónico de ambas, así como su corporalidad y dicción, dotando de matices a sus personajes.

P1150681El resto del equipo creativo está integrado por: Ricardo Ricaño en escenografía, Mauricio Ascencio en diseño de vestuario, Roberto Paredes en iluminación, Ángel Luna en asistencia de dirección, Sandra Nárvaez en prensa y RP, Alberto Orozco en construcción de escenografía, Perrín Créatif en diseño gráfico, y Nuri R. Melgarejo en ilustraciones.

La producción es de Todos los peces de la tierra. Una obra que confronta al espectador con sus propias ausencias, así como con lo que se anhela y la realidad. Un relato emotivo que captará tu interés de principio a fin. Acompaña a Marina en su aventura y ayúdala a encontrar a su papá en medio del mar. Teatro de calidad por parte de un gran equipo.

Todos los peces de la tierra se presenta los miércoles a las 20:30 horas en el Teatro La Capilla, ubicado en la calle Madrid número 13 -casi esquina con Centenario, Coyoacán, Ciudad de México. El costo de la localidad es de $250.00 pesos. La temporada concluye el miércoles 30 de agosto de 2017.

TEATRIKANDO

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

Estreno de Canción rota para un perdedor fortuito

*Actúa Arturo Amaro, dirige Benjamín Bernal

El domingo 7 de julio, a las 18 horas se estrenó esta obra de Arturo Amaro, con actuación de él mismo, bajo la dirección de quien esto escribe. Es una mirada de humor rojo, verde y negro con ácida crítica social acerca de la migración; que nadie quisiera iniciar, sin embargo, un día recibe el empujón decisivo. Su esposa Adriana se hace cargo de la producción y escenografía, en tanto Érika Enríquez del diseño. Acuda, se va a divertir para reflexionar; hay migración entre todos los países, nosotros mismos somos una interculturalidad que dura siglos. Foro Off Spring: Francisco Pimentel 14, col. San Rafael, cerca del Teatro Aldama. Todos los domingos a las 18:00 horas.

Un día en particular, dos grandes actuaciones

Recuerdo con gusto esta adaptación del filme Una Giornata particolare de Ettore Scola (1974), versión que se vio en El Milagro hace unos cinco años, con Laura Almela y Daniel Giménez Cacho, quienes usaron una peculiar cámara negra, las paredes, para ir trazando con gis la escenografía básica. Corre la voz de que Ana Graham la escenifica en EUA, con Funky Vega, que no he visto. Así que acudí con gusto para ver esta adaptación que encabezan Luis Felipe Tovar y Edith González, con apoyo de otros actores, que son Brisa Rosell y Enrique Vega, más o menos importantes para la narración. Es una historia de amor, en que se habla del miedo y desconfianza que nos dan los gobiernos autoritarios.

Claudia Ríos hace una dirección convencional, sintió necesario que apareciera la vecina chismosa y el militar admirador de Mussolini, marido de Edith González, quizá usted conozca el filme, así que no se lo contaré: el fascismo está en su apogeo y se anuncia que transitaran por el melodrama. Ella es ama de casa solitaria, cuya única amorosa compañía es un perico, que resulta el contacto involuntario para que conozca a Tovar, ambos están en un excelente nivel expresivo, por lo que pudieron dejarlos solos, sin mayores complicaciones para avanzar en las escenas, pero la vecina vendrá a explicar un poco de los conflictos secundarios que irán surgiendo. El esposo que adora a su gobernante fascista es de cartón, hay algo artificial en sus intervenciones. En cuanto a la escenografía, la siento pequeña, quizá pensada para cambiarse a teatros con menor área. ¿Es necesario asumirse macho o hembra para sentir amor? Por supuesto que no, pero aquí dejo las disquisiciones sobre la trama. Tovar tiene un peso específico para llevar la trama y Edith le da fiel respuesta, solo por momentos sentimos que abandona la escena a su nouvel ami. El perico deambulante sobre la escena ¿era necesario? Bella historia, en que brilla la admiración que el público (y nosotros) siente por Edith, les deseamos una temporada exitosa. Fines de semana: están en el San Jerónimo, allá por Periférico sur, casi esquina con la Patagonia.

Zaratustra, con Tzáitel Santini

Una de las obras que me dejó poderosos recuerdos es Zaratustra, de Alejandro Jodorowsy, ahora Tzáitel Santini está en este proyecto para estrenarse en breve. Solicitan apoyo a través de una fondeadora, por lo que le damos el link, ahí se explican los beneficios: www.kickstarter.com. Apoyemos, me urge ver este trabajo filosófico.