Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

PERRO TEATRO

Fuente: Alegría Martínez

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Cómprame es un montaje que encara a la ceguera general frente al entramado problema de la trata de personas. Es una obra que hace un llamado a dejar de ser cómplices silenciosos de un delito que se reproduce como enfermedad progresiva e incurable. En escena, tres mujeres vestidas de negro con zapatos rojos muestran un rostro que se vuelve el de quienes son transformadas en una mercancía de alto costo y nulo valor humano.

La dramaturgia, que parte de investigación documental, periodística y testimonial, de Gilberto Guerrero, autor y director, cuenta con la producción ejecutiva de Ana Luisa Alfaro —fundadores ambos de la Compañía Perro Teatro, dedicada desde hace décadas a generar un teatro social crítico—, conforma micro escenas sustentadas en una realidad  lacerante que generan en el espectador la pregunta sobre lo que aporta su indiferencia.

Tres actrices y un actor dan vida a un collage de historias que muestran a una sociedad corrupta, indolente y perversa, que ha hecho de la trata de personas el segundo negocio ilegal más redituable del mundo, a partir de una diversidad de factores que en una importante mayoría de los casos escapan a la posibilidad de ser detectados, en parte, porque el inicio del ultraje se da en la propia familia, en la intimidad de la casa.

El hambre, la ignorancia, la baja calidad de vida, el poder, la ambición desmedida, la corrupción y, desde luego, el desprecio hacia la población femenina, vista como una masa animada proveedora de placer, son parte del caldo de cultivo del problema que desde el escenario aborda Perro Teatro.

Vertiginosas escenas en las que cada personaje es una nueva víctima bajo la dominación de un hombre que esboza el perfil del proveedor, proxeneta, vigilante, extorsionador, traficante de mujeres, pero también del padre, el tío o la figura que deja de ser protectora para volverse el abusador, conforman metáforas que retoman la imagen, el ritmo, la fuerza de la violencia que muchas veces envuelve a estas circunstancias.

Como si se tratara de un intermitente viaje por la diversidad de situaciones de abuso, la dramaturgia de Gilberto Guerrero abarca también a esa parte poco expuesta del problema, en la que otras mujeres fungen como facilitadoras, cerebros del negocio y cómplices de la organización delictiva.

El texto retoma la realidad con la crudeza que la caracteriza, mientras la propuesta escénica de Guerrero elabora acciones que parecen surgir de una oscuridad que las arroja con fuerza a unos pasos del espectador para ser engullidas y seguir generando, como en una pesadilla, imágenes, palabras, cuestionamientos y lacerantes certezas.

Martín Becerra, Karen Daneida, Nallely Cardona, Ruth Rosales y Karen Condés conforman el elenco de este montaje que golpea la conciencia, rumbo a la pregunta respecto a lo que se puede hacer si se consigue ver de frente el problema, como punto de partida.

Francas y valientes ante el desafío de presentar las diversas caras del conflicto, las actrices y el único actor de Cómprame, que en una de las escenas interpreta a una niña hincada y con la cabeza baja, que logra expresar con medias frases el abuso constante al que es sometida, conducen al público por una realidad asfixiante.

Como si los personajes salieran de un escondite tras infranqueables muros, los rostros de las mujeres sometidas para servir como esclavas sexuales se esculpen en el de las actrices que prestan su voz y su cuerpo a todas aquellas que, por infinidad de motivos, son parte de un negocio inhumano.

Cómprame es una obra que desde el escenario vocifera extractos de las historias de terror y abuso que cada día se cometen en el mundo, ante miradas que evaden la solapada masacre.

INJUSTICIA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

En nuestro país, a mediados del siglo XX, se crearon instituciones públicas dedicadas a la cultura nacional. Entre estas, podemos mencionar a la Universidad Nacional de México (UNAM) y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA). Esto constituyó un gran impulso al teatro. La UNAM incorporó materias relativas al arte teatral en su carrera de Filosofía y Letras, y en 1962 inauguró el Centro Universitario de Teatro (CUT).

P1180756El INBA, institución que abarca todo tipo de arte, se dio a la tarea de integrar compañías estables que forjaran una identidad nacional. Tardaron casi una década en perfilar y madurar el proyecto. Fue Héctor Azar, quien en aquel entonces era titular simultáneamente de Teatro UNAM y del INBA, quien logró arrancar el proyecto en 1971. 1977 fue un buen año para el teatro nacional, en virtud de que se crearon el Centro de Experimentación Teatral del INBA y el proyecto Teatro de la Nación, además de que se decretó la creación del Festival Internacional Cervantino. Así mismo, la Compañía Nacional de Teatro (CNT) -comandada por José Solé- inició una nueva etapa al ser oficializada mediante un Decreto Presidencial publicado en el Diario Oficial de la Federación el día 20 de julio de 1977.

Desde entonces, la Compañía Nacional de Teatro ha funcionado como la conocemos, ofreciendo teatro de la más alta calidad, donde todos los detalles son minuciosamente planeados y logrados. Desde su creación son varios los directores que han estado al mando, todos ellos han sido creadores de mucho talento, probada capacidad y amplia trayectoria, es decir, los más destacados en el ámbito teatral.

En cuanto a los elencos, estos son conformados por actores y actrices que estén realmente comprometidos con su labor. No es fácil formar parte del elenco estable de la CNT, pues se tiene que atender a la convocatoria, presentar una carpeta con un currículum muy completo, documentos que comprueben los trabajos que han realizado, asistir a audiciones, complementar información o documentación y esperar la decisión de si han sido elegidos o no. Las becas de residencia artística son muy preciadas, ya que ofrecen estabilidad a quienes las obtienen. Hay varias categorías y, conforme a cada una de éstas, son renovables cada determinado período.

A través de los años, la CNT, por su excelencia, se ha convertido en el ícono del teatro nacional. Para el espectador común implica garantía de ver buen teatro. Entre los objetivos de la CNT se encuentran impulsar la dramaturgia mexicana y dar voz a la de otras latitudes. La sede de la CNT está ubicada en el centro de Coyoacán, donde, además de sus oficinas, está la Sala Héctor Mendoza, donde ofrecen funciones totalmente gratuitas. Su repertorio cuenta con obras catalogadas en diversas categorías, bajo los rubros de Patrimonio Universal del Teatro, Teatro Mexicano,  Nuevas Teatralidades y Laboratorio Teatral.

P1180783En la actualidad, la CNT es comandada por Enrique Singer, un hombre que ha dedicado gran parte de su vida al teatro. En su trayectoria ha abarcado prácticamente todas las áreas, desempeñándose como actor, dramaturgo, director, funcionario público y docente. Hace unos quince años, cuando Enrique Singer llegó a la Coordinación Nacional de Teatro, se llevó a cabo el primer nombramiento de director artístico de la CNT, cargo que recayó sobre José Caballero y se acordó trabajar en dos vertientes distintas: el Proyecto Shakespeare y el Proyecto Mural: tres siglos de Teatro Mexicano con parte de las obras más representativas de la dramaturgia de nuestro país.

Enrique Singer, devoto del teatro, creativo por naturaleza, incansable trabajador, comprometido con su labor y sensibilidad, sin duda, dejará honda huella en la CNT.  Por lo pronto, ha llegado con ideas frescas, entre las que está su nueva propuesta denominada “En compañía de la Compañía”, la cual consiste en realizar coproducciones entre la CNT y grupos teatrales con sede en ciudades del territorio nacional, a fin de establecer diálogos entre la forma de hacer teatro, apoyar a estos grupos a presentarse fuera de su localidad y, finalmente, impulsar el teatro mexicano de origen diverso.

La primera compañía que participará dentro del marco de “En compañía de la Compañía” es El Rinoceronte Enamorado, un grupo fundado en 1994 en la ciudad de San Luis Potosí. Su director artístico y general es Jesús Coronado. En su haber tienen alrededor de treinta y cinco montajes. Durante algunos años El Rino -apócope que utilizan los potosinos para referirse a El Rinoceronte Enamorado- tuvo en comodato el Teatro del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) de su ciudad, dentro del Programa Teatros para la Comunidad Teatral, auspiciado por el IMSS, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA). Desde 2010 abrieron su propio foro para la creación, experimentación y divulgación de su quehacer teatral.

La obra que marca el inicio del proyecto “En compañía de la Compañía” es Injusticia, la cual surgió de un laboratorio teatral que El Rino comenzó hace dos años sobre la contención dramática y la radicalización de la cuarta pared, a modo de trabajar para el otro en escena, más que para el director o el espectador.

Para la creación de Injusticia, Edén Coronado se inspiró en Los justos, concebida por el francés Albert Camus (1913-1960), reconocido autor que se desempeñó como novelista, ensayista, dramaturgo, filósofo y periodista. El pensamiento de Albert Camus se forjó bajo el influjo de Schopenhauer, de Nietzche y del existencialismo alemán. Formó parte de la Resistencia Francesa durante la ocupación alemana y estuvo relacionado con los movimientos libertarios de la posguerra. El distinguido autor se hizo acreedor al Premio Nobel de Literatura en el año de 1957. En Los justos recopiló algunos de los temas que le parecieron interesantes a raíz de sus militancias.

Edén Coronado reconstruye la trama de Los justos, combinándola con textos periodísticos, literarios y documentales sobre la guerrilla que se dio en México durante los años 60 y 70. Jesús Coronado, director de El Rino, colaboró con Edén como dramaturgista. Así mismo, los integrantes del elenco aportaron ideas emanadas de sus propias experiencias en la labor histriónica.

Injusticia está diseñada como teatro de cámara, la acción ocurre a tan corta distancia que la sensación del espectador es la de estar en el interior de una célula de guerrilleros, algo que en la vida cotidiana sería inimaginable, pues esa gente actúa a espaldas del mundo, en lugares inaccesibles. La célula está formada por cinco personas -cuatro hombres y una mujer-, todos ellos tienen sus ideales y planean un atentado. Sus convicciones son tan firmes que están dispuestos a dar su vida con tal de alcanzar su objetivo. Usan sobrenombres a fin de proteger a sus familiares, de modo que ni ellos mismos conocen la identidad de sus compañeros. Planean un atentado, cada uno tiene una misión. Sin embargo, no son máquinas, aun cuando oculten su forma de ser, continúan teniendo sentimientos. Con vehemencia afirman que se “deben a la revolución” y consideran que para ellos no está permitido “gozo, pensamiento ni satisfacción” alguna. Se rigen por las “reglas del trabajo conspirativo”.   ¿Qué pasará si en un momento dado alguno “inocula la intriga”?

P1180788El texto de Injusticia capta el interés del espectador desde el principio y provoca la reflexión. Está situado en el México de los años 60 y 70, pero es algo que puede ocurrir en cualquier lugar del mundo y en toda época. En estas fechas en que escuchamos en las noticias sobre ejecuciones, guerras de “familias”, secuestros, carteles de drogas, desaparecidos, robo de combustible y mucho más, resulta oportuno conocer la forma en que trabajan las personas que están fuera de la ley.

La labor de dirección por parte de Edén Coronado es impecable. Su trazo escénico es acertado, revistiéndolo de un entorno lúgubre y misterioso. Es probable que para investir el montaje de naturalidad, en múltiples ocasiones el público verá de espaldas al elenco, lejos de estar en pose. La acción es dinámica y el ritmo preciso.

El elenco está conformado por dos integrantes del elenco estable de la CNT -Diana Fidelia y Jorge León- y por miembros de El Rino -Lizandro Cisneros, Jesús coronado, Ricardo Moreno y Antonio Orta-. Considerando que el trabajo de contención es el que más dificultades representa para actores o actrices, todos ellos salen airosos del reto al ofrecer un excelente trabajo histriónico, corporal, expresivo y vocal.

Sabina Aldana de El Rino es la diseñadora de vestuario. Sabina optó por prendas casuales, proveyendo a cada uno de los integrantes algún elemento que sea consistente con su personalidad. Coproducción de la Compañía Nacional de Teatro y El Rinoceronte Enamorado.

Injusticia permitió al espectador infiltrarse en una célula guerrillera y ser testigos de cómo se comportan estos a solas, cómo planean un atentado, cómo afloran los sentimientos, cuáles son los obstáculos a vencer, todo esto mientras disfrutaban de buen teatro, un montaje tan sencillo como apropiado y extraordinarias actuaciones. Es interesante ver el trabajo conjunto de dos grupos teatrales destacados, su cruce de ideas y su complicidad en este proyecto que marca el inicio de “En compañía de la Compañía”.

Injusticia cubrió una breve pero muy exitosa temporada en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

LOS MISERABLES, AHÍ PLATIQUÉ CON MORRIS GILBERT 

los miserables flyerRecordamos sus primeros pasos en el mundo teatral. Nube 9 fue el primer proyecto, muchos años después, 2002, logra traer este musical lleno de magia y sorpresas a través de una historia que nos contó VÍctor Hugo por primera vez en 1862. Logró Morris una temporada de 22 meses que sumaron 711 noches en la cartelera; tuvo en los roles principales a Roberto Blandón, Laura Cortés, Ernesto D´Alessio, Natalia Sosa, Fazio Galván, Lisardo, Pia Aun, Ceic Anzaldúa, alguna vez estuvo como Invitada Angélica Vale. Recordar es volver a vivir, dicen por ahí. Estuvimos en el Centro Cultural Indianilla, moderno recinto que ofrece conciertos; esta vez se vistió de lujo para recibir cuatro números musicales y una video presentación de la empresa inglesa; tuvimos la oportunidad de ver parte del elenco: Daniel Diges, hispano; Nando Pradho, brasileño; Morena Valdés; Clara Verdier, brasileña; Daiana Liparoti; Agustín Arguello, Argentino; Andrés Elvira, Sergio Carranza y Michelle Rodríguez, entre muchos intérpretes de primer nivel.

Hizo notar el productor Gilbert que Federico González Compeán cumple 20 años en esta rama de la cultura mexicana. Los Miserables, el 22 de marzo, dará su función de estreno en el Teatro ubicado en Miguel de Cervantes Saavedra, en la colonia Nueva Polanco. Los musicales tienen varios puntos que debe observar el público, así como el crítico: el respeto a la belleza visual de cada época, el poder vocal de los intérpretes, recordemos que la ópera ha caído en desuso y solo puede vivir subsidiada, la narrativa ágil, con momentos que abarquen la totalidad de los géneros dramáticos. Las voces y emotiva interpretación que escuchamos la tarde del 20 de febrero fueron al más alto nivel artístico, ahora falta la prueba mayor, la opinión que emitirá usted al salir de cada función. Advierten que habrá cambios en esta visión refrescada 2018, así que busque usted en la memoria para comparar cada uno de los momentos, p. ej. las risas que arrancaban Roberto Blandón y Laura Cortes, ¿recuerdan?

 

TOMAS URTUSASTEGUI CELEBRÓ 85 AÑOS DE VIDA

Usted lo conoce, ha escrito más de 440 obras teatrales -casi todas representadas- cientos de cuentos, poesías, guiones de cine, programas de radio, obras teatrales completas radiofónicas, así que este médico que goza de buen humor, reunió a los amigos de toda su vida para ofrecerles obras teatrales, cantantes, el coro gay de la Cd. de México y pastel, obviamente. Todo esto fue en el teatro Wilberto Cantón, donde el presidente de SOGEM, Jesús Calzada, se reveló como excelente lector de teatro en atril. Felicitaciones a Tomás, autor de Huele a gas y Cupo limitado.

 

DESAZÓN, DE RASCÓN BANDA, QUE FALLECIÓ HACE DIEZ AÑOS

Es de un dramaturgo comprometido, piedra fundamental de la dramaturgia mexicana, Víctor Hugo Rascón Banda, que cumple diez años de habernos dejado; se reestrenó esta obra con dirección de José Caballero y escenografía de Alejandro Luna, para verla cada fin de semana en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque. Cumple 15 años de haberse estrenado. Recuerdo que fue en el Helénico. El elenco 2018 es de primerísimo orden: Julieta Egurrola, Angelina Peláez, Luisa Huertas, quienes a través de sus personajes nos hablan de la marginación, racismo e injusticias que se ven en todos los niveles. El talento y buen humor de este conjunto de actrices -de enorme trayectoria- destaca la mexicanidad y buen humor que se necesita para enfrentar el siglo XXI.

CARRUSEL TEATRAL

Texto por Eugenia Galeano Inclán

Cartel-CARRUSEL.TEATRALQuienes gustan del arte teatral y son constantes espectadores, en forma gradual van identificando los grupos que ofrecen los mejores montajes. Esto no resulta tan fácil, puesto que algunos grupos a veces sorprenden y otras decepcionan. En medio de los múltiples colectivos, muy pocos son los que destacan y hacen que el espectador confíe en que en cualquiera de sus puestas en escena verá algo de calidad. Este es el caso de Teatro de Ciertos Habitantes que comenzó con el pie derecho y mediante la experiencia acumulada continúa su perfeccionamiento. Es indudable que el público siempre sale gratamente sorprendido de cualquier función. Lo cierto es que el prestigio no compra, se gana.

Teatro de Ciertos Habitantes apuesta por calidad en lugar de cantidad. De hecho, tienen pocas producciones, pero todas son resultado de muchas horas de laboratorio, investigación, trabajo, ensayos, hasta alcanzar la perfección. Cada montaje es planeado, trabajado y pulido antes de ser presentado.

El colectivo Teatro de Ciertos Habitantes es comandado por Claudio Valdés Kuri, hombre culto, sensible y de talento ilimitado.

Se dieron a conocer con Becket o el honor de Dios, la cual tuvo un éxito inusitado, con teatro lleno. Una proeza que ninguna otra compañía teatral había alcanzado con su primera producción. Después, sorprendieron con De monstruos y prodigios: la historia de los castrati, una escenificación tan entrañable que, hasta la fecha, es la obra mexicana que más giras en el extranjero ha cubierto. Más adelante, otros de sus grandes éxitos fueron: ¿Dónde estaré esta noche? y La vida es sueño, ambas realmente memorables.

En la actualidad, Teatro de Ciertos Habitantes está celebrando su vigésimo aniversario y, para conmemorarlo, presentaron una breve temporada denominada Carrusel Teatral, consistente en algunas de sus obras, una distinta cada día.

En el programa de mano de Carrusel Teatral, se lee lo siguiente: ”Con esta breve temporada, Teatro de Ciertos Habitantes celebra 20 años de actividad ininterrumpida en todo México y el mundo. Esta compañía tiene una singular trayectoria conformada por miles de horas de laboratorio y pocas producciones. En la búsqueda de la renovación, cada puesta en escena de este icónico colectivo se ha creado a partir de retos y procesos distintos. En contraste con la variación en contenido y forma de cada obra, ha mantenido un compromiso con su decir y su visión del arte como un servicio.  Así mismo, ha sido constante la preeminencia del intérprete multidisciplinario -al máximo de su capacidad- como eje principal de comunicación con el espectador.  En el seno de esta compañía se han formado múltiples artistas, creativos, productores y promotores -de todas nacionalidades- que han llevado la experiencia adquirida a sus proyectos. A través de dos décadas, ha abierto insospechadas rutas para el arte escénico mexicano y ha innovado formas de producción, inspirando y motivando a muchos otros colectivos. Complementariamente a su trabajo escénico, ha realizado filmes de ficción y documentales, programas televisivos, series radiofónicas, edición de libros, grabaciones discográficas, conferencias y talleres. Con el aval y la experiencia acumulada a través de los años, los intereses actuales de la compañía se han extendido a la transmisión del conocimiento y a la activa participación en proyectos sociales y ecológicos. Teatro de Ciertos Habitantes se ha presentado en los más prestigiados teatros de mediano y gran formato de los cinco continentes con producciones como: Becket o el honor de Dios, De monstruos y prodigios: la historia de los castrati, ¿Dónde estaré esta noche? y La vida es sueño. La temporada de XX Aniversario en el Foro de las Artes está compuesta por cinco aclamadas producciones en formato de cámara, vertiente apreciada por Certos Habitantes debido a la cercanía con el público”.

Las obras que constituyen el Carrusel Teatral de Teatro de Ciertos Habitantes son las siguientes:

 

NO SOY UN FRACASO

De Mario García Torres y de Aarón Schuster, Ventajas y desventajas de ser un alias

En esta puesta en escena conoceremos a Alan Smithee. No es una persona, es más bien una idea, una cosa. Es el pseudónimo que muchos cineastas de Hollywood han utilizado para ocultar su identidad.

A través de una conferencia, Smithee narra cómo se originó la creación de su nombre y cómo a lo largo de los años ha servido de refugio para muchos artistas decepcionados del resultado de su trabajo. Las más de 80 películas acreditadas a este personaje dan pauta también a preguntas sobre teorías del arte.

Créditos:

Actuación: Rodrigo Carrillo Tripp

Iluminación y multimedia: Josafat Aguilar

Funciones: miércoles 7, 14 y 21 de febrero de 2018, a las 20:00 horas

 

EL AUTOMÓVIL GRIS

Al estilo benshi japonés

De Enrique Rosas y Claudio Valdés Kuri

”La película muda El automóvil gris, de 1919, fue el máximo suceso cinematográfico de su tiempo. En una mezcla de realidad y ficción, narra la historia de la Banda del automóvil gris que aterrorizó a la Ciudad de México durante el caos de la Revolución.

Inspirada en la tradición benshi japonesa de narración de cine mudo y con un brillante acompañamiento al piano, esta obra conduce a la audiencia a un hilarante cruce de lenguajes, culturas y tiempo”.

Créditos:

Benshi: Irene AikikoIida

Benshi: Fabrina Melón

Pianista: Ernesto Gómez Santana

Iluminación: Ángel Ancona

Vestuario: María Rosa Manzini

Maquillaje: Carlos Guízar e Irene AkikoIida

Funciones: jueves 8, 15 y 22 de febrero de 2018, a las 20:00 horas

 

QUIJOTE, VENCEDOR DE SÍ MISMO

De: Mónica Hoth y Claudio Valdés Kuri

“Si no lo intentas, ¿cómo lo vas a lograr?”  Carlos Fuentes (en relación al Quijote)

”Este montaje presenta a un Quijote de más de 400 años, que ha transitado por la novela de Cervantes y las incontables recreaciones posteriores de sus hazañas.

El Quijote utiliza el poder evocador del libro como medio de transporte, que abierto al azar, conduce al público a fascinantes episodios del imaginario de la obra cumbre del idioma español. El famoso caballero, inigualable ejemplo de la humanidad para ir más allá de sí misma, inspira a la audiencia a recobrar sus más nobles anhelos”.

Créditos:

Actuación: Fernando Huerta y Xóchitl Galindres

Asesoría en movimiento: Alicia Sánchez e Irene Akiko

Iluminación: Sebastián Solórzano

Vestuario: Ximena Fernández

Se presentó los viernes 9, 16 y 22 de febrero de 2018

 

EL GALLO

Ópera para actores y ensamble instrumental.

De Paul Barker

”Muestra los avatares que enfrenta un grupo de cantantes al pretender montar una obra de estreno. El factor tiempo, aunado a las diferentes capacidades de los intérpretes, irá generando una serie de encuentros y desencuentros expresados en un ambiente de tensión llevado al límite, que desatará situaciones insospechadas, en las que se revelarán los anhelos más superficiales, así como los más exóticos y profundos de cada uno”.

Créditos:

Shaptes: Itzia Zerón

Shakton: Irene AkikoIida

Jogbos: Fabrina Melón

Thiktum: Edwin Calderón

Shaktas: Kaveh Parmas

Viptim: Ernesto Gómez Santana

Director concertador: Gamaliel Cano

Iluminación: Xóchitl González / Matías Gorlero

Vestuario: Pineda Covalín

Funciones: sábados 17 y 24 de febrero de 2018

 

TODAVÍA… SIEMPRE

De Conchi León

Sobre una idea original de Claudio Valdés Kuri

“Podemos empezar, aquí y ahora, a encontrar sentido a la vida. Podemos hacer de cada instante una oportunidad para cambiar y prepararnos de todo corazón, con precisión y serenidad, para la muerte y la eternidad”. Sogyal Rimpoché.

”Cuenta la historia de dos amantes que tuvieron que separarse en la juventud. Él partió, pero le hizo saber a ella que siempre estaría a su lado. El tiempo siguió su curso, los hijos se fueron y las arrugas llegaron. Después de muchos años, llega el día de su reunión, en el que han de danzar juntos”.

Créditos:

Actuación: Tara Parra y Guillermo García Proal

Iluminación: Matías Gorlero

Regidora de escena: Xóchitl Galindres

Funciones: domingos 11, 18 y 25 de febrero de 2018

 

Si has visto alguna producción de Teatro de Ciertos Habitantes, sabes de lo que hablamos. Los montajes de este grupo son algo de lo que todos los mexicanos debemos sentirnos orgullosos, toda vez que han despertado admiración a lo largo y ancho del mundo. Sería extraordinario que se hiciera una gira del Carrusel Teatral, a fin de continuar la conmemoración del vigésimo aniversario de Teatro de Ciertos Habitantes. Sea cual fuere la función que vieres, saldrás encantado, con mucho ánimo y esa experiencia permanecerá en tu memoria por siempre.

En la Ciudad de México, tuvieron como sede el Foro de las Artes, dentro del complejo del Centro Nacional de las Artes (CENART), donde tuvieron un éxito rotundo con localidades agotadas en todas las funciones.

Felicitamos cordialmente a Teatro de Ciertos Habitantes por su XX Aniversario y a nuestros amables lectores les deseamos, de corazón, que pronto visiten Aguascalientes, Aguascalientes.

NADA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Desde el nacimiento se comienzan a crear apegos. En forma natural el primer apego del bebé es hacia la madre, por ser ella quien lo alimenta, cuida, protege, limpia y brinda cariño. Poco a poco, los apegos se van extendiendo tanto a personas como a objetos. Al principio, solo nos apegamos a lo que nos rodea, al paso del tiempo, cuando se tienen ingresos propios, nos fijamos metas y luchamos por aquello que anhelamos.

nada1Los niños no conocen el valor adquisitivo ni el esfuerzo que implica adquirir algo. Si ellos desean un juguete, lo piden de regalo o como premio. Ven la vida de un modo distinto, tienen pocas obligaciones, basta con portarse bien, asearse, acudir al colegio, cumplir con las tareas y estudiar. No tienen que luchar para que haya comida en su mesa ni preocuparse por cuestiones financieras. En sus ratos libres conversan o juegan con sus amigos y son felices. Tampoco se dan cuenta de que ciertos peligros los acechan. Por ejemplo, en la actualidad, esos riesgos pueden provenir de las redes sociales. Su inconsciencia y su espíritu aventurero pueden llevarlos a aceptar retos de los cuales podrían salir lastimados o, incluso, perder la vida.

Esta inconsciencia es la que eligió para Nada, la novelista danesa de ascendencia austro-germana JanneTeller (1964). En 1995 decidió salir de su zona de confort, renunciando al cargo que ocupaba en Naciones Unidas, para dedicarse de lleno a la literatura. Además de novelas, ha escrito ensayos y relatos, que le han valido diversos premios y becas. Sus libros filosóficos han provocado controversias en Dinamarca.  Entre sus novelas más conocidas están: La isla de Odín (1999), The Trampling Cat (2004) y Come (2008). Su obra ha sido traducida a catorce idiomas.

La trama de Nada versa sobre lo ocurrido a Pedro (Pierre) Aynthon, un adolescente que de pronto siente que la vida no tiene sentido. Abandona sus clases y se trepa en un ciruelo. Sus compañeros quedan asombrados e intentan convencerlo de que regrese. En su afán por hacerlo volver, tratarán de reunir cosas que les son preciadas por alguna razón. “En su reto arriesgarán parte de sí mismos y descubrirán que solo al perder algo se aprecia su valor. Aunque entonces puede ser demasiado tarde…”.

La acción da inicio en el colegio, nada2cuando Pedro les comunica que no le interesa Nada y que se marchará. El curso de la vida cotidiana continúa en el colegio, ellos marcharán a paso redoblado, se quejarán de las tareas, jugarán, criticarán a los maestros, tal vez, imitándolos para hacer reír a los compañeros, pero no pueden quitarse de la cabeza a Pedro y se comprometen a hacer hasta lo imposible por rescatarlo. Van a buscarlo, hablan con él, hasta se burlan de él diciéndole que no tiene por qué estar trepado en un ciruelo, pero él responde: “es mejor estar sentado en la nada que en algo que no es nada”. Al ver que sus esfuerzos son infructuosos, Ian, Hans, Ana, Lucía y Sofía arman un plan: reunirán objetos con significado: “la dinámica es encontrar cosas importantes”. Si lo logran, atraerán a Pedro y, finalmente, habrá de regresar. Sin embargo, el ímpetu juvenil hace que conforme aumentan su arsenal de elementos significativos caen en excesos, lo cual siempre es peligroso.

El texto de Janne Teller es tan interesante como devastador; la historia es narrada con crudeza, la psicología de los personajes está bien delineada. Lo cierto es que el espectador experimenta variadas emociones. Bárbara Perrín Rivemar, joven actriz y dramaturga mexicana, capta la esencia del texto original al desarrollar la adaptación para el montaje en nuestro país, luego de haber sostenido conversaciones con Mariana Giménez, y conjuntar la visión de ambas.

La labor de dirección por parte de Mariana Giménez es formidable. Lleva de la mano a su elenco a actuar como si fueran adolescentes y al público a entrar en esa convención. Su trazo escénico está bien diseñado. La corporalidad ocupa un lugar relevante en el montaje. Aprovecha a fondo el espacio escénico, tanto así que hay ciertas acciones fuera de foco, en las laterales o, incluso, en el techo. El ritmo es preciso.

nada3La labor histriónica, corporal y expresiva del elenco es extraordinaria por parte del elenco conformado por: Andrea Riera, Pablo Marín, Lucía Uribe, Lila Avilés, Alan Uribe,  Leonardo Zamudio y Nick Angiuly (Pedro). Además de sus personajes, algunos de los jóvenes interpretan a otros, sean compañeros, padres, maestros o mascotas.

Patricia Gutiérrez diseña una escenografía a base de símbolos y también imparte acertadamente la iluminación. Lucía Romo se encarga de la producción ejecutiva.  Carlos Brown es el diseñador y realizador de vestuario, para lo cual utiliza variedad de estilos y prendas complementarias que brindan sorprendente versatilidad. José Miguel Delgado está a cargo del diseño sonoro. La producción es de Teatro UNAM (Universidad Nacional Autónoma de México).

Nada es una historia que mueve y conmueve. Al visitar este colegio, el espectador queda encantado con la simpatía y espontaneidad de los chiquillos, para luego, adentrarse con ellos en un torbellino de pasiones y sentimientos. Interesante texto, buena adaptación, admirable dirección e interpretaciones comprometidas. La temporada recién concluyó con teatro lleno. Se estuvo presentando en Teatro Santa Catarina, ubicado en Jardín Santa Catarina número 10, Coyoacán, Ciudad de México.

TEATRIKANDO

Barataria, estado de México

Un gran trabajo escrito y dirigido por Benjamín Cann, tiene un equilibrio perfecto: escenografía, vestuario, música, atrezzo, fotos proyectadas, así como actuaciones, ritmo y sorpresas a lo largo de las acciones. Barataria, Estado de México alude a la ínsula que le prometió El Quijote a Sancho Panza, para que la gobernara con la sabiduría que otorga pertenecer a las clases más bajas de España. Tangencialmente vemos escenas que trazó Cervantes para que viajemos al estado de México, escucharemos palabras y sucesos propios de nuestro México, promesas políticas, traiciones, sugerencias, descabezados, no debo contar más de esta ingeniosa forma de irnos involucrando en una narraturgia especial, hay un caballo en escena, música de acordeón, canciones, acciones improvisadas con alguien del público y usted se queda sorprendido al pensar “Yo la pude haber escrito”, si, todos quisiéramos hacer denuncias y bromas sobre los temas que nos vuelven locos en cuanto empieza los noticieros. -Hacer reír con tantas malas noticias, es algo que pocos pueden lograr-

Vemos a Arantxa Marchant, Rodrigo Murray, Andrés Zuno, Jorge Zárate, Alejandro Calva, Carmen Madrid, Dalilah Polanco, Omar Medina, Norma Angélica y otros artistas. Destaca el poder de los comediantes Zárate, Murray, Calva, Medina, para que se logre el deslumbrón fársico este año 2018, lleno de pigmentos partidistas. Foro Shakespeare.

Han Thies Lehmann en Coyoacán

Está en México el autor de varios libros en los que transforma la visión que teníamos del Arte Dramático, dio conferencias y talleres, en los cuales escuchamos que: “La tragedia tiene poco en común con el teatro propiamente dramático, como Shakespeare, era importante clasificarlo en sus contextos y formas, lo que deja enseguida sin una ubicación nítida los montajes a partir de Beckett y Ionesco, de ahí que propuse llamarle teatro posdramático al que se está creando y viendo por todo el mundo” La traducción del libro buscó aclarar estas ideas, aunque se advirtió “toda traducción es una reinterpretación” Dijo Lehmann “El texto teatral no es efímero, el montaje si” lo que parece señalar una línea de vida distinta para uno y otro. Ejemplificó con videos textos conocidos, dichos con otra forma, ambientación y percepciones, logra así dar vida a un fresco resultado. El libro está a la venta en Paso de Gato, Coyoacán.

Debiera haber obispas

debiera haber obispas_teatrikando3

Se estrenó en Coyoacán este clásico moderno, producto de la pluma (no había PCs) de Rafael Solana (1915-1992). Una vez más nos acercaron al costumbrismo del jarocho. Susana Alexander y Roberto D´Amico dieron vida al obispo y Matea, que hacen cera y pabilo de los moradores de esa pequeña ciudad. No se la pierda, siempre es útil una buena noche de carcajadas.

 

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

La exposición de Piedad e Hilda Márquez fue inaugurada por Gerardo Quiroz

gerardo quiroz

cada año, las pintoras Hilda y Piedad hacen una exposición colectiva en el Centro Cultural Veracruzano. Este año cortó el listón inaugural el productor y actor Gerardo Quiroz, ya que fueron compañeros de preparatoria Hilda y él; así que en el discurso inaugural se dedicó a enaltecer las artes escénicas, tanto como las plásticas, pues él mismo tiene una escuela de actuación. La fundadora del Studio, Piedad Barradas de Márquez, habló de la importancia de cultivar las aficiones del alma: acrílico, óleo, acuarela, porcelana, porque permiten alejarse del stress y desarrollar amor por la humanidad.

Al finalizar el recorrido por la excelente muestra, el productor de La era del rock se llevó una grata sorpresa, la maestra Hilda Márquez le regaló un retrato al óleo que lleva su firma y refleja la juventud del actor. Una feliz noche de plática, donde las artes demostraron que rebasan cualquier frontera y deben seguir trabajando unidas.

Debiera haber obispas llega al Rafael Solana

En este mismo Centro Cultural entra Debiera haber obispas del veracruzano Rafael Solana, en el teatro que lleva su nombre; seguramente usted recuerda que esta comedia la actuaron Ofelia Guilmáin, Anita Blanch, Carmen Montejo y Gloria Marín, con gran éxito. Este 2018 la veremos con Susana Alexander y Roberto D´Amico encabezando el elenco. El tema es muy conocido: en una ciudad pequeña muere el sacerdote, quien tuvo una asistente, corre la voz que ha escuchado todos los secretos de confesión que se han hecho ahí, imagínese usted, mejor no le cuento más, para que vaya descubriendo las sorpresas! Vea fechas, horarios y acuda a divertirse con esta primera dama de la escena, que domina el drama lo mismo que la comedia. Le vimos hace poco Instrucciones para una muerte feliz, y demostró que los mexicanos nos reímos con lo que a otros causa otras emociones. Ahí mismo regresa Aeroplanos con Ignacio López Tarso y Aarón Hernán, ¡no se la pierda!

La función del Teatro en la sociedad

En el Foro de la Comedia, Foco, se lleva a cabo el X Rally Teatral que incluyó mesas de debate acerca del Arte Dramático, estuvieron Fabián Pazzo (actor y maestro), Luis Felipe Díaz Barriga (psicoanalista), Benjamín Bernal (periodista), Marta Zamora no alcanzó a llegar debido a un llamado. Se fue desglosando el temario, por supuesto, Luis Felipe habló de los resortes ocultos en la personalidad, que permiten sentirnos atraídos o rechazados por cierta obra y en eso radica su trascendencia. Fabián abordó múltiples temas, incluso, la necesidad de tener asesoría mercadotécnica y psicológica a tiempo. El autor de esta columna habló de la historia de la comunicación, que llevó a que naciera el arte dramático, así como los temas de moda en cada década, muestra lo que autores, directores y actores, afirman, necesita cierta sociedad en cada uno de los siglos.

TEATRIKANDO

Texto por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Primer Generación de la Academia López Tarso

ILT y su muñeco

Acabamos de ver Petición de mano, Aniversario y El oso, del genial Anton Chejov, tercia de obras breves para festejar que una generación completó sus estudios en la Academia de Arte Teatral que lleva el nombre del más insigne actor de nuestro país. Así que en el Teatro Coyoacán vimos los trabajos de Yael Salazar, Minerva Ferrer, Fabiola Rivera, Antonio Bratoeff y Alhelí Verber, apoyados con una buena escenografía, iluminación adecuada, música y sonidos bien pensados, bajo la dirección de Leticia Montaño, quien –además- cabeza del CAILT.

Pasaron un video con semblanzas de los muchachos de esta primera generación, así como las prácticas que realizaron de teatro, cine y televisión. Durante el acto formal para entregar los diplomas dijo don Ignacio López Tarso: “Deben tener paciencia y persistencia, porque en ocasiones tienen todo firmado, pero hay que esperar. El teatro es lo fundamental y creo que un actor que está preparado para teatro, puede hacer televisión o cine, eso es cosa de sentido común, tener en lugar de un escenario una cámara, no es una ciencia. El teatro es la base de todo actor. Ustedes se inician con un muy buen pie derecho con estas obras maravillosas de Chéjov.”

La señora Leti Montaño fue presentando a los maestros de las diferentes especialidades: teatro, cine, televisión, imagen personal, danza, coreografía, vestuario, que son las herramientas básicas que deberán utilizar e incrementar toda su vida. Estuvieron esa noche Napoleón Glockner y Juan Ignacio Aranda (El señor de los Cielos, Bajo Terapia), esposo de Leti Montaño. ¡Felicitaciones a todos!

Cuarteto de una pasión, en la Sala Xavier Villaurrutia

Dirige Salvador Garcini en el Foro Xavier Villaurrutia con Olivia Collins, Jéssica Decote, Fernanda Vizuet y Alex Sirvent. Seguro usted ya escuchó acerca de este montaje (logró así doble campaña de difusión). Un grupo de actores y autores cuestionó: ¿Actores de televisa en un espacio cultural? Pss. También han estado Joaquín Cosío, Julieta Egurrola, Juan Carlos Colombo, Verónica Langer, Luisa Huertas, por citar a los más recientes y están al mismo nivel de popularidad. En fin, periódicamente se ven estos brotes a través de las redes sociales. Pasando a la obra, es el intento de crear un texto no lineal para mostrar las diferentes fases decisivas en nuestra vida, para quienes estudian metafísica (quántica); en algún lugar del universo creamos alternativas de vida en cuanto a que pensamos hacer esto o aquello, les podríamos llamar multiuniversos.

Quizá hacer algún recorte al texto le ayudaría a fluir mejor; en el estreno hubo nerviosismo en las actrices, lo que restó frescura al avance de las acciones. Olivia Collins interpreta a alguien que podría ser dios, nuestro inconsciente o la matemática pura al servicio de un espíritu robado a Matrix. Es un trabajo interesante, con algunos ajustes será perfeccionada para trasladarse a festivales, foros del sur o centro del ex DF.

KING

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Continúa el Ciclo de Teatro Isabelino, proyecto conjunto de la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT), y el elenco de la Compañía Nacional de Teatro (CNT), donde se están presentando obras dirigidas por quienes cursan la citada Maestría.

Una de las características por las que el insigne autor William Shakespeare ha trascendido a través del tiempo y el espacio es la forma en que profundiza en la psicología de sus personajes. No se limitó a crear historias interesantes, sino que supo reflejar el sentir íntimo de quienes las viven, logrando con esto que el lector y/o espectador se vea reflejado al experimentar lo mismo que alguno de los protagonistas, en algún momento de su vida.

Para su examen del primer año de la Maestría en Dirección Escénica que cursa Daniel de la O toma como inspiración El Rey Lear (King Lear), una de las obras más emblemáticas de Shakespeare, y la presenta bajo el título de King.

Daniel de la O es escritor, dramaturgo y psicoterapeuta. Inició su trayectoria dramatúrgica con Salida Exit, para luego obtener reconocimientos con Voces de un asesino de cara larga y sin sonrisa, con la que se hizo merecedor del primer lugar del Concurso Nacional de Composición Dramática de Monólogo Víctor Hugo Rascón Banda 2004. Después ha escrito algunas obras alusivas a las distintas fases del duelo, de entre las cuales destaca Negación, donde tocó fibras muy sensibles del ser humano. Por su formación en psicoterapia, al igual que Shakespeare, es un autor que pone particular atención al estado anímico de sus personajes.

En el material promocional, se describe a King con las siguientes palabras: “Bienvenido al mundo de los locos. El socio fundador de la corporación King cree que es un rey y ha decidido repartir su poder entre sus hijas, solo para descubrir que es un miserable esclavo de la naturaleza y de los elementos”. En King, Daniel de la O conserva los nombres de los personajes como aparecen en la versión original. En cambio, el protagonista no es un monarca sino el rey de una muy exitosa corporación. La historia versa sobre un hombre que desea dividir sus riquezas y propiedades entre Goneril, Regan y Cordelia, sus tres hijas, pero, a causa de una confabulación e intrigas, excluye a una de ellas. Por otro lado, el mejor amigo de King también está atravesando serias dificultades con sus hijos Edwina (legítima) y Edmund (bastardo). La pregunta es si ambos padres tomarán o no buenas decisiones con respecto a sus bienes y sus descendientes.

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Si tomamos en consideración que los recién egresados de la maestría no cuentan con patrocinios, están haciendo maravillas al utilizar su ingenio en lugar de grandes recursos financieros para escenografías, vestuario y demás implementos que se requieran en escena.

El texto de Daniel de la O es de buena factura, conserva la trama original, añadiéndole una amplia gama de estados anímicos, donde igual hay momentos dramáticos que terroríficos o caricaturescos. En cuanto a su labor de dirección tiene muchos aciertos y uno que otro tropiezo. No se ciñe a lo tradicional y combina diversas técnicas. Se arriesga con ciertas innovaciones: prescinde de diseño sonoro y lo sustituye mediante golpecitos, tronidos, chiflidos, coros, pisadas y mucho más provenientes de los intérpretes, reserva la primera fila del foro para su elenco, de tal modo que cuando están fuera de foco dan la espalda al público, pero continúan en sus personajes ejecutando algunas acciones alternas, dimensiona bien los espacios e incluye multiplicidad de voces, traslada la historia a nuestra época y tomando en cuenta de la importancia que tienen los teléfonos celulares hoy en día, los incluye. Resuelve atinadamente la ceguera de uno de los personajes. En cambio, con el uso de materiales orgánicos se ensucia tanto el escenario como el vestuario. Su trazo escénico es de buen diseño, el desplazamiento actoral es fluido, las coreografías son pertinentes. El ritmo es irregular, va de más a menos, al principio es dinámico y hacia el final algo lento, para recuperarse al cierre.

El montaje tiene una estética particular. Para crear el entorno de King, a Michelle Anides, diseñadora de escenografía, le basta una escalera, cajas de cartón y enormes lienzos de papel de buen grosor. Anabel Ortega diseña un vestuario muy versátil utilizando prendas de uso común. El diseño de iluminación es de Bárbara Riquelme, a base de penumbras con apoyo en luces ajenas a las que se acostumbran en teatro.

Encabeza el elenco Óscar Flores, quien da vida a King, aportándole numerosos matices, haciendo gala de su larga trayectoria como actor. Óscar ofrece un espléndido desempeño histriónico, corporal y vocal. Destacan las bellas Leonora Cohen (Regan) y María del Mar Náder (Edwina), por sus interpretaciones y por el manejo de sus respectivas voces, mismas que impostan y modulan, a fin de que se escuchen totalmente distintas. Ana Lucía Robleda (Cornelia) conmueve como la hija amorosa. Gustavo Linares se muestra polifacético. Vicente Eduardo Cervantes (Kent) e Isabel Balboa (Goneril) logran buenas interpretaciones. Adrián Carreón (Edmund) tiene altibajos en su labor histriónica.

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Complementan el equipo creativo: David Olguín, Ricardo Díaz, Gabriel Pascal, Ignacio Escárcega y Lydia Margules como asesores, e Isabel Balboa como asistente de dirección.

La producción es de Grupo Máquina de Guerra. King es presentada por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Arte Teatral, la Maestría en Dirección Escénica de la ENAT y Teatro El Milagro.

King ofreció al espectador un póker de reyes -un inmortal autor, un comprometido dramaturgo y director, un personaje controversial y un experimentado actor-, y muchos aprovecharon la oportunidad, ya que su brevísima temporada tuvo localidades agotadas. El Ciclo de Teatro Isabelino continúa, así que puedes ver alguna de las obras restantes. ¡Consulta la cartelera!

La cita es en Teatro El Milagro, ubicado en la calle Milán número 24, colonia Juárez, Ciudad de México.

EL SUEÑO DE…

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Acaba de concluir el Ciclo de Teatro Isabelino, dentro del cual se presentaron obras que constituyen el examen del primer año de quienes cursan la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). El cierre estuvo a cargo de Édgar M. Vega con El sueño de…, a partir de Sueño de una noche de verano del insigne autor inglés William Shakespeare (1564-1616).

Sin lugar a dudas, Sueño de una noche de verano es la comedia más divertida de Shakespeare, a base de enredos y confusiones. Constituye una de las primeras obras donde hay teatro dentro del teatro, se entremezclan las vidas de dos parejas jóvenes con amores correspondidos o frustrados, algunos seres del mundo de las hadas juegan con los sentimientos de éstos y se producen desenlaces inesperados. Édgar M. Vega realiza una versión muy juvenil para plasmar la diversión que contiene la obra original. En el programa de mano la describe como: “Una serie de intenciones terribles se colocan en un complejo entrelazado de historias y universos que componen una de las comedias más brillantes de Shakespeare”.

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De inicio, el público es albergado en una sala con un entorno fantástico, no se sabe si es un paisaje nevado o un bosque con hojarascas blanquecinas. Unos actores no muy experimentados -de aquellos que en algún tiempo se denominaron “cómicos de la legua”, debido a que iban de pueblo en pueblo montando espectáculos al aire libre llevando el teatro a comunidades apartadas- están dando los últimos detalles a la presentación de Príamo y Tisbe, para la cual fueron contratados. Dado que en esa época no era permitido tener actrices, uno de ellas habrá de caracterizar a Tisbe. Por allí deambula Puck, un duende experto en hechizos de naturaleza traviesa y juguetona. Puck siempre está atento a las órdenes de Titania, la reina de las Hadas, casada con Oberón.

En el plano terrenal pasean por el bosque: Lisandro, Hermia, Demetrio y Elena, jóvenes impetuosos llenos de amor. Hermia y Lisandro están muy enamorados, su problema es que para resguardar su amor habrán de escaparse, pues el padre de Hermia no acepta a Lisandro y quiere casarla con Demetrio. Por casualidad, Helena se entera de esto y trata de aprovecharlo para atraer hacia ella a Demetrio, pues lo ama.

El texto de Édgar M. Vega es ligero, con picardía y mantiene el interés de cómo terminarán esta serie de enredos. Es loable el ingenio para la creación de un espacio fuera de lo común, pues produce el efecto de que el público entre en la convención de estar en algo irreal. La labor de dirección por parte de Édgar M. Vega es impecable. Su trazo escénico es dinámico, juvenil y divertido. El aprovechamiento de espacio es absoluto, hay acción a todo lo largo del foro, fuera de éste y hasta en las paredes. Las coreografías son ágiles, con toques gimnásticos. Lo único en contra es que con tanto movimiento se pierden algunos fragmentos del texto. El ritmo es preciso.

El elenco está conformado por un grupo de jóvenes que se esmeran por dar lo mejor de sí mismos en el escenario. Ellos son: Luis Miguel Moreno (Oberón/Otto), María Balam (Titania), Aglaé Lingow (Puck), Tony Corrales (Lisandro), Belén Mercado (Hermia), Alberto Juárez (Demetrio), Amelia Holguín (Elena) y Óscar Alatriste (Bottom). Dejan ver que se comprometieron con el proyecto al mismo tiempo que lo disfrutaron.

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Complementan el equipo creativo: Sara Alcántar, con su bien impartida iluminación; Anabel Ortega (vestuario colorido de fina confección: para las damas vestidos vaporosos tipo helénico, de buena caída, y para los caballeros, variedad de estilos); Martín Acosta brinda asesoría en dirección, Ricardo Díaz, Ignacio Escárcega y Gabriel Pascal fungen como asesores; Ivonne Lemoine provee asesoría en dramaturgia, Karen Anzures es asistente de dirección y Diana Mayela Martínez Vega se encargó de la realización de la estilizada cabeza de burro.

El sueño de… fue presentada por la Secretaría de Cultura, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Escuela Nacional de Arte Teatral, la Maestría en Dirección Escénica de la ENAT y Teatro El Milagro.

El público que acudió al cierre del Ciclo de Teatro Isabelino, en el Teatro El Milagro, a ver El sueño de… rio a carcajadas, despejándose de sus dificultades cotidianas al adentrarse en un mundo fantástico, en un montaje pleno de dinamismo y diversión. En El sueño de… encontraron la versión más juvenil de Sueño de una noche de verano.