Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

LAS 99 MONEDAS (QUERER MÁS, SER MENOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Foto cartel promocional

 

99 monedas

Hoy día la moral se ha convertido en un estorbo para muchos seres humanos, el mercado de consumo y la globalización nos han conducido a una fatalidad: querer más es ser menos. Esto se traduce en obtener muchos bienes materiales, por supuesto, dinero, y alejarse de los valores hasta perder la dignidad. En torno a lo anterior, no en forma exclusiva, gira la temática de Las 99 monedas, un cuento o una fábula, lo que se quiera, producto de la dramaturgia de Noé Lynn Almada y dirección de José Acosta.

Un rey se encuentra afectado emocionalmente porque su paje es feliz, lo interroga, lo presiona, lo acosa para que le confiese cuál es el secreto para disfrutar de ese estado. Como respuesta escucha: “No tengo razones para estar triste”. Si bien no lleva una existencia paupérrima, él y su esposa tienen limitaciones, pero son felices. El rey les proporciona todo lo que les rodea, por ello no concibe que alguien pueda vivir de prestado. Llama al sabio del reino, éste le dice que el paje está satisfecho porque está fuera del “círculo” -no profundizo más sobre el significado del mismo, por razones obvias-, solo haciéndolo entrar en forma voluntaria cambiará su estado de ánimo. El Rey y el sabio trazan un plan, aparecen 99 monedas que conllevan a…

Noé nos introduce a la más pura dimensión onírica. Parte de una niña, ésta abre un libro, su contenido, un cuento, el cual se materializará en el escenario. De una forma sencilla e inteligente se adentra en un halo oscilante entre el misterio y lo mágico. Su texto es una odisea maravillosa, una fantasía dramática, es gozar de una fábula o cuento aleccionador, en el fondo enmarcado en la moral, de forma sutil, subliminal, lo bueno del ser humano predominará sobre la tentación, la avaricia, la ambición, el perdón reivindica a la humanidad, en este caso representada por el paje. Estamos ante una loa dramatúrgica, ante un ensueño de la creación teatral, una forma de soñar despierto, echar a volar la mente y cuerpo del espectador. Apartado de la retórica o de lo moralino, Noé escribió un texto de esperanza, concientizador, nunca demagógico, un deleite de historia, queda gravada para siempre en cada uno de los espectadores.

El blanco y negro -papel y palabras- son llevados a escena en forma magistral por José Acosta. Nada de parafernalia, el minimalismo adquiere sentido teatral. Literalmente no hay nada, bueno el libro(te) donde está inscrito el cuento y una casita de papel. Su dirección transmina la piel, corroe los huesos, trastoca el alma, en verdad da vida a lo onírico. La fantasía deja de ser irreal, estamos frente a ella, la vemos, la escuchamos, casi se puede tocar. Es una dirección de actores digna de toda alabanza. Iluminación basada en la penumbra, ambienta el universo del sueño, haces de luz emanadas de la simple creatividad de Patricia Gutiérrez; no menos acertado el diseño de vestuario de Teresa Alvarado.

María Teresa Garagarza (El Rey y Esposa) excelsa, un trabajo indescriptible con palabras, se posesiona de los personajes, hace suyo el escenario; en principio, una actriz, se da la metamorfosis, su cuerpo, su cara -en particular sus ojos- son emociones, incertidumbres, congojas, una alegoría total de la esencia del ser humano. Junto a ella, Rodolfo Árias (el Paje y el Sabio), un actor poseedor de un histrionismo indiscutible, tiene carácter en el sentido de darle fuerza a la debilidad, lo mismo saca a flote la locura e instantes antes o después ternura, un gozo en el escenario. El rol de La Niña a cargo de Adamaris Madrid.

Las 99 monedas, uno de los mejores montajes que he disfrutado en mi devenir teatral, se representa en el Teatro Santa Catarina (Ciudad de México), hasta el 22 de octubre, jueves y viernes a las 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

En el Foro Contigo América vea Comala.com

Se reestrenó con cambios favorables: ahora hasta con una escena de magia negra, se menciona al machista Trump, los conflictos de última hora entre feminismo vs machismo. El elenco: Noé Nolasco y Kizai Maldonado (ambos a punto de estrenar un filme con DSC_1046Ofelia Medina), la conductora de TV Yelitza Puchi, Gustavo Moreno, Javier Roal, Sandra Galaviz y Carlos Torres dan vida a un texto actual, pues por más que hagan siempre acaban en pelea abierta, descarada y sin cuartel. En este caso, en medio de carcajadas. Así que el director: Noé Nolasco saca diez en la conducción.

Se trata de movernos a un momento reflexivo a través de la risa. Así que en el Foro Contigo América vimos esta narración solvente, divertida y ligerita en que brillan el cantinero, las chicas y Noé; la pasamos bomba con hora y media de datos, controversias, luchas antiguas, pero también modernas, para hacer que tomemos un punto de vista, ¿quién está más lejos de la verdad, el ultra feminismo o las radicales feministas? La primera escena nos muestra una ceremonia mágica para dominar al género masculino. ¡Qué miedo!

El Brujo mayor de México, Antonio Vázquez, al final hizo un círculo mágico para que esta obra logre sus objetivos: evitar mayores desmanes en esta Tercera Guerra Mundial que pronostica el autor, o sea yo. Una de las actrices, la venezolana Yelitza Puchi, ha trabajado la parte energética del mensaje para que puedan vivir en paz ambos géneros, ella es tarotista internacional.DSC_1074

El autor ha constatado diariamente en los diarios que el pleito crece en vez de apaciguarse, por eso es mejor reír ante los diarios enfrentamientos; ha escrito este trabajo con el claro objetivo de que no acabe en un país solo para mujeres o para hombres.

Cada miércoles se puede ver en Arizona 156, colonia Nápoles, a las 8:00 de la noche. Vaya con sus amigos y amigas para ir a discutir después frente a una taza de café: ¿quién tiene la razón?

Ayudemos a reconstruir el Círculo Teatral de Alberto Estrella, que duró 13 años

En Veracruz 107, colonia Condesa, acudimos a presenciar un acto inusual: la comunidad artística unida, en este caso para solicitar que ayudemos con dinero a la reconstrucción de este foro en el que han estado muchos talentos. Leyeron el texto de Medardo Treviño: Cynthia Klitbo, Ángeles Marín, Luis Gatica, Luis Manuel Ávila, Beatriz Moreno, Julieta Egurrola, Marta Zamora, entre casi treinta celebridades del mundo artístico. Todo fue sobre la banqueta, no se puede adentro.

Protección Civil ha realizado visita y estudios al inmueble que antes ocupó Silvia Pasquel con su escuela, y dijeron que debería demolerse, así que estuvimos en este performance, para realizar un acto literario frente a los amigos y la prensa, era domingo en la mañana y no llovió, todos con un fervor casi religioso gritaron: ¡Ni un teatro menos! aunque en este caso no había una autoridad a la cual reclamar, como en otros casos: el Blanquita, Teatro Casa de la Paz, el Polyforum, el Hipódromo Condesa; contra las fuerzas naturales nuestras voces son ecos, que solo los poetas como Treviño han dominado para este acto filantrópico, desde poquito aceptan, porque todo suma.

PETER PAN (VOLVER A SER NIÑO)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro 

Imagen tomada de la página de Facebook de NTC

El teatro por antonomasia es mágico y ensoñador, cuando estos calificativos se conjugan en el escenario nos dan la posibilidad a los adultos de retornar a la mejor etapa de nuestra existencia: la infancia; volver a ser niños(as), olvidar las cargas y responsabilidades cotidianas, quedar inmersos en el mundo onírico, la fantasía hace posible lo imposible, la ficción es realidad, ambos mundos en una simbiosis emocionante e inolvidable.

Peter Pan_nacBajo la producción del National Theatre Live se proyectó en el Lunario (Ciudad de México) Peter Pan, del dramaturgo británico J. M. Barrie. El personaje fue concebido con un rol secundario en una novela; después fue llevado al teatro en 1904, y en 1911 fue el centro de la novela Peter Pan y Wendy; en 1953 Walt Disney lo consagró a través de la cinematografía.

La historia es sencilla: Peter Pan entra en la recámara de Wendy, la niña lo ayuda a recuperar su sombre. El líder de los niños perdidos (desconocen el paradero de sus mamás), le enseña a volar, a desafiar la gravedad, el requisito es recordar un buen momento vivido. La lleva junto con sus hermanos al País del Nunca Jamás, donde varios niños y Garfio los reciben. La aventura inicia.

Sally Cookson dirige el texto de Barrie -dramaturgia, como se entiende y maneja en Europa, a cargo de Mike Akers-, todo lo convierte en un deleite para la imaginación, lo visual se regodea en las mentes de los adultos-niños y, claro, de los infantes dispuestos a disfrutar las tres horas de duración. Está presente la estética de las marionetas, la danza aérea, Peter y compañía vuelan, cables y cuerdas a la vista y al mismo tiempo invisibles; convierte lo complicado en aparente sencillez. Montaje minimalista, el escenario desnudo, unas “cajas”, el entarimado decorado pictóricamente, unas estructuras sostienen las poleas que permitan el desplazamiento por el aire, los cables se deslizan con el personaje y contrapeso de seres humanos, no hay maquinaria de por medio; el barco de Garfio (éste interpretado por una mujer). Música en vivo, canciones que convierten algunas escenas en un musical. Los efectos “sencillos” crean la fantasía. Sin embargo, Sally sostiene no es mágico o de ensueño el lugar propuesto.

Las actuaciones son de primer nivel, histrionismo, acrobacia y sensibilidad en cada uno de los que participan. Anna Francolini, cautivadora, impresionante, en concreto, excelsa como Garfio; de igual forma se puede considerar a Madeleine Worall como Wendy y la destacada personificación de Paul Hilton caracterizando a Peter Pan. La hilaridad y ternura emanan de Ekow Quartey.

Autor, directora, elenco, creativos convierten el escenario en un cuento para el recuerdo, dan paso a un teatro donde todo lo mundano queda fuera del recinto, los espectadores son transportados, literalmente, a otra dimensión, si los personajes vuelan, la mente de los asistentes surcan los aires con ellos; la inocencia y la alegría se convierten en esencia, experiencia que solo el teatro alcanza.

El Lunario será sede de la proyección, en el marco de la temporada 2016-2017 del National Theatre Live, de Salomé, los días 12 y 13 de noviembre; le seguirán Ángeles en América, 3 y 4 de diciembre, y enero 28 y 29.

LA SEMILLA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Desde nuestra niñez asociamos la semilla con vida. Esto se debe a que, para que los niños tomen mayor conciencia de la naturaleza, en las escuelas acostumbran hacer el ejercicio de que cada niño experimente el sembrar una semilla -por lo general, en un vaso-, la cuide, la riegue y compruebe cómo comienza a crecer una plantita.  Conforme crecemos, nos damos cuenta de que las semillas no solo se relacionan con las plantas sino con la vida en general de muchas especies del reino animal, incluidos, desde luego, los humanos. A través de múltiples investigaciones, la ciencia ha logrado determinar, incluso, el ADN, y hoy en día se sabe mucho más de sus componentes.

P1160948Así mismo, ya sea en literatura o en pláticas, la gente suele referirse metafóricamente a la semilla de alguien, tanto por aspectos físicos como circunstanciales. Por ejemplo, ciertas familias tienen una cierta predisposición a sufrir enfermedades, o bien, son propensos a sufrimientos. En el caso de enfermedades, obviamente, se debe a la genética heredada. En cambio, si se tratara de accidentes, es común achacarlo al karma y, por el contrario, si se trata de actividades delictivas se atribuye a hogares disfuncionales o simple falta de educación o cuidado.

De cualquier modo, toda semilla es el punto de partida de algo. También de la inspiración. En el caso de La semilla, a Édgar Chías le bastó tener conocimiento de una noticia fuera de lo común. Se trataba de una abuela y su nieto que se encuentran sin saber del parentesco que los une, dado que no se conocen, luego se enamoraron y deciden coronar su amor con un hijo. Algo bastante extraño que a cualquiera impactaría, pero que en la mente de Édgar Chías provocó el deseo de desarrollar una historia. Si ya era extraño que conforme a la clásica tragedia griega, Edipo desposara a su madre, resulta más sorprendente el amor entre abuela y nieto.

El texto de Édgar Chías aborda un universo básicamente femenino. Las protagonistas son abuela, madre, hija y una socióloga interesada en el caso. El único actor complementa la trama cuando se requiere de un elemento masculino. Tanto el relato como la estructura cautivan al espectador. La estructura que utiliza Édgar Chías es similar a la de las series, es decir, va proporcionando información poco a poco mediante entregas. Sin orden cronológico, el tiempo va y viene entrelazándose. Toca al público estar atento para captar el panorama completo y lograr una mejor comprensión. Se supone que en el caso de La semilla, ésta consiste en un estigma que hace que las mujeres de esa familia se enamoren de quien no deberían. Sin embargo, la hija parece estar determinada a romper la tradición y comenzar a partir de cero, despojándose de su pasado, aun cuando esto implique romper todo tipo de lazos. El relato abarca diversos temas como el uso de la tecnología, el amor, la pasión, la infidelidad, el abuso infantil, las relaciones familiares, las decisiones personales y los momentos claves para sucumbir o escapar.

P1160951Como de costumbre, Édgar Chías da gran relevancia al sentir interno de sus personajes, el cual delinea meticulosamente con su fina pluma. En cuanto al montaje, para cualquier director es un reto traducir a lenguaje teatral lo escrito por Édgar, en virtud de que es un autor que no incluye acotaciones, dando por igual libertad y dificultad a quien lo lleve a escena. En lo que respecta a La semilla, Gabriela Ochoa no solo vence el reto sino que se perfila como una de las mejores directoras de escena en México por su formidable trabajo de dirección. Enmarca el relato en un entorno atemporal en tres planos, donde la acción se dimensiona, añade ejercicios corporales fuera de lo común que llegan hasta a poner de cabeza a alguien del elenco, y las escenas fuertes las maneja con tal delicadeza que el espectador se percata de lo que sucede, sin necesidad de presenciar algo chocante o grotesco.

La acción comienza cuando una mujer completamente desnuda camina por una carretera. ¿Qué le habrá ocurrido a esta joven para atreverse a salir a la calle sin siquiera vestirse?  Se revelará más tarde que se trata de Olinda, una chica que estuvo estudiando un tiempo en el extranjero y cuando regresó a su casa ciertas circunstancias hicieron que se enterara de “la huella… el testimonio de los errores de otra generación”. En un momento dado, piensa para sí que “el tren de tu vida y la mía se impactaron y descarrilaron”. 

El elenco está conformado por: la bella Surya Mcgrégor, interpretando a dos personajes, la socióloga y la abuela; Mahalat Sánchez encarnando a la sensual madre,  Raúl Briones como los personajes masculinos y la hermosa Sofía Sylwin dando vida a Olinda, la joven tierna con tremenda fuerza interior. Las tres actrices hacen gala de sus dotes histriónicas y corporales, en tanto que Raúl hace bien su trabajo, pero, quizá por su personaje, ocupa un plano alterno sin lucimiento.

El resto del equipo creativo lo integran: Jesús Hernández en diseño de escenografía y de iluminación, Mario Marín del Río en diseño de vestuario, Genaro Ochoa en música original y diseño sonoro, Carolina Garibay en asistencia de dirección, Miguel Romero en producción ejecutiva, Axela Valadez en asistencia de vestuario, Idalí Osnaya y Josué Cabrera en asistencia de producción, Edmundo Luján en difusión y relaciones públicas,  Elda Mar y Campo Escénico en realización de vestuario; Macedonio Cervantes, Eusebio Cervantes, Jaime Lule, Leonardo Ramírez, Roberto Águila, Rodolfo Cruz, Juan Carlos Cruz, Jorge Ramírez, Luciano Martínez, Jaime Mejía, Noé Hernández, Iván Cervantes y Campo Escénico en realización de escenografía; Passo de Gato en pintura escénica,  Jessica Alvarado en administración de TeatroSinParedes.

P1160952La semilla es presentada por la Secretaría de Cultura,  Conejillos de Indias, Teatro en la Margen y TeatroSinParedes.

Entérate de todo lo que Olinda descubre acerca de su familia en esta original historia escrita por Édgar Chías, experimentado y talentoso dramaturgo, bajo la dirección de la sensible Gabriela Ochoa, mientras disfrutas de las entrañables actuaciones de tres hermosas mujeres: Surya Mcgrégor, Mahalat Sánchez y Sofía Sylwin, acompañadas de Raúl Briones. Saldrás con la esperanza de que se puede romper con todo aquello que te lastime si tienes la intención de renacer. Teatro de calidad realizado por un extraordinario equipo. ¡No te la pierdas! Apresúrate, solo quedan unas cuantas funciones.

La semilla se presenta jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas,  y domingos a las 18:00 horas en el Teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, sin número, Bosque de Chapultepec -atrás del Auditorio Nacional-, Ciudad de México. La temporada concluye el domingo 15 de octubre de 2017. Las localidades tienen un costo de $150.00 pesos; para Gente de Teatro: $45.00. Jueves al Teatro: $30.00, Viernes al Teatro en bici: $45.00 pesos. Descuentos acostumbrados con credencial.

LA ESPERA (TESTIMONIO DE CUATRO EX CONVICTOS)

Texto por Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

Fotografía tomada de la página de Facebook de la Compañía

Teatro, más bien dramaturgia testimonial no es novedad, sin embargo, en La espera lo sorprendente es asistir a la escenificación de la confesión pública de cuatro ex convictos, quienes desnudan sus almas, aceptan en forma abierta su culpabilidad, espiritualmente están tranquilos y han encaminado sus vidas en el marco del quehacer teatral. Un cuarteto cuyos actos delictuosos estuvieron inmersos en la violencia, misma de la cual fueron víctimas durante la privación de su libertad.

la esperaRobo de automóviles, violación, homicidio… sin embargo, la esperanza, la espera, por ejemplo del día en que se recobrará la libertad, para ellos, según su testimonio, este estado puede producir alegría, inclusive, hay quienes llegan a “amar” la prisión; creer que el amor es un lugar a donde se puede llegar y a pesar de eso estar consciente que delinquir es perder lo que se tiene y lo que se quiere. Quedar sin familia, perder o alejado de la esposa e hijo, sufrir la marginación en el más estricto sentido del término.

Conchi León, responsable de la dramaturgia y la dirección, comenta: “Esta obra es una historia de libertad, de espera, de esperanza. Un grito que traspasa todos los muros porque el teatro nos permite eso, hablar de la verdad por muy siniestra que ésta sea”. No hay amarillismo, hay sinceridad, no hay morbo, hay comprensión, no hay condena, hay reivindicación. El texto está cimentado en el monólogo, cada uno narra sus antecedentes, las circunstancias, el delito cometido, las penalidades físicas y, sobre todo, saber que habrá un mejor porvenir. Obvio, hay momentos en que interactúan, son compañeros del mismo destino, ahora camaradas en el escenario.

Como directora, Cochi opta por el minimalismo, solo emplea objetos en forma simbólica: trompos -juguetes- que representan que la vida gira y ellos con ella; un vehículo y un carrito, padre e hijo… Deja abierta la idea: ¿qué hacer al salir libre? La respuesta tanto o más dolorosa que la misma prisión, la incertidumbre total. Se le debe reconocer a León su habilidad para hacerlos actuar, darles confianza, perder el miedo al escenario y enfrentarse al público describiendo su devenir delincuencial. No los obliga a tal o cual actitud, explota su sensibilidad, la toma de conciencia y su arrepentimiento; los convierte en actores, cautivos antes, cautivadores ahora. Ellos son Javier Cruz, Ismael Corona, Feliciano Mares y Héctor Maldonado.

Ahora bien, cómo llegaron al teatro. El Foro Shakespeare, por iniciativa de su directora, Itari Marta, patrocina un programa de rehabilitación en el penal de Santa Martha Acatitla consistente en la formación de actores internos y externos de manera profesional a través de talleres teatrales y pedagógicos generando puestas en escena de impacto social, abiertas al público interno y externo. Cinco antiguos reclusos formaron la Compañía de Teatro Penitenciario, uno de sus resultados es la obra que hoy nos atañe, recomendable en muchos sentidos, entre otros el reconocimiento de su valor y capacidad de reivindicación.

La espera los espera en el Foro Shakespeare, Espacio Urgente 2 (Ciudad de México), lunes, martes y jueves a las 20:30 horas.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

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Antes del sismo se estrenó: Conversaciones con mamá

Fuimos a la función especial de Conversaciones con mamá; vimos a Jesús Ochoa y Queta Lavat, bajo la mano certera de Antonio Castro, en la sede principal de Rubén Lara, el 11 de julio. Salió de gira, le dediqué unas líneas en mi columna anterior, así que ahora le platicaré: el texto es de Santiago Carlos Oves (argentino), ha sido filme, además de teatro, medio en el que recibió adaptación del hispano Jordi Galcerán (usted lo recuerda por el Método Gronholm) tenemos un texto lineal en el primer acto, que recibirá cambios en el segundo para sorprendernos con la ternura que puede tener un cincuentón hacia su madre.

Hemos visto recientemente Por el placer de volver a verte (en otros montajes también le han llamado Mamá por siempre) con Héctor Suárez Gomiz y Beatriz Martínez. El texto es de Michael Tremblay, ¿de qué habla? Usted y yo sostuvimos conversaciones con nuestra madre, con un tema central: la formación moral y práctica que recibimos para la vida, ¿eso es divertido? Vaya que sí, porque el texto nos hace viajar en el tiempo y repasa etapas que no soñábamos pasarían. Es el caso con Jesús Ochoa y Queta Lavat, su actuación permite que nos veamos en el espejo, ¿le habríamos gritado a nuestra progenitora? ¿le habríamos pedido se fuera de nuestro departamento cuando llega la crisis?

Escenografía básica, vestuario como el que usamos entre semana, dirección ágil sin trucos excesivos, claro, se podría haber pedido que se lavaran las manos en un chorro de agua, que guisara para tener aroma, pero, en ocasiones el naturalismo entorpece el avance sin aportar nada. Hemos visto un buen ejemplo de actuación, dirección, al servicio de pasar el tiempo y salir evocando: si tuviera esta conversación con mamá, ¿cuántas horas le dedicaría? Nos moriríamos de la risa… habría momentos de choque. Ya le había dicho, cuando regrese al ex DF, ¡véala!

Los cierres teatrales en la Ciudad de México

El primer cierre del siglo XX fue en 1913, cuando se vivió la decena trágica, hubo un golpe militar para derrocar a Francisco I. Madero. No recuerdo cuántas semanas cerraron los teatros en el terremoto de 1985, pero fueron varias, en lo que se checaban todos los inmuebles. En 2009 vivimos varios meses de encierro en casa y suspensión de la actividad escénica por la influenza. Y el presente 2017, estamos en la primer quincena post sismo, en la que nos enteramos: no podrán dar funciones los foros en la ciudad de México (circulares de la Secretaría de Cultura y la Delegación Cuauhtémoc de las que tenemos copia) hasta que se publique en la Gaceta Oficial la decisión acerca de cuáles podrán reanudar. Del Ferrocarrilero se dice que tiene daños significativos, el Círculo Teatral de Alberto Estrella entra en remodelación larga y costosa. Algunos foros han anunciado que seguirán las respectivas temporadas, antes, recomendamos checar vía telefónica, Internet o redes sociales.

 

Falleció Hiromi

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Fue una excelente amiga, salió de La Academia, trabajó con OCESA en Mentiras y muchas otras, estaba hace poco en Bule Bule, Eres bueno Charlie Brown, también tuvo un rol destacado en El Chema, que se puede ver en Netflix. Tuvo complicaciones en su primer parto y nos abandonó, junto con su bebé. ¡Descanse en paz!

Regresan a la cartelera Canción rota para un perdedor fortuito y Comala.com

Canción rota se presenta los domingos a las 18:00 horas, en Francisco Pimentel 14, col. San Rafael. Actúa Arturo Amaro y dirige quien esto escribe. La migración vista con humor negro.

Comala.com regresa a la cartelera todos los miércoles de octubre 20:00 horas. Estará en el Foro Contigo América, Arizona 156, col. Nápoles. El Tema es Ultra Feministas contra Machistas Radicales, vaya usted a reírse un rato. La obra es mía, dirige Noé Nolasco.

PAKA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Queda a libre elección del autor la temática que desea abordar, así como la estructura que dará al planteamiento, desarrollo y desenlace de su obra. Quienes escriben no se detienen a pensar si el texto será del agrado del público o no, sino que se basan en lo que necesitan expresar. Sin embargo, cuando el relato va dirigido al público infantil, sí tienen que tener en cuenta ciertos aspectos. El primero es captar la atención del pequeño, pues si no les interesa, su naturaleza hará que se distraigan y, tal vez, hasta que se quieran ir o se porten mal durante la función. Tampoco puede ser algo que les atemorice porque el resultado sería nefasto. Ellos están ávidos de conocer nuevas historias y son como esponjas, para bien o para mal, absorben todo aquello que ven o escuchan. En tiempos pasados, por lo general, las obras de teatro para niños eran adaptaciones de populares cuentos clásicos. Por fortuna, ahora hay personas que se esmeran en crear nuevos relatos más atrayentes. Los niños de hoy en día que viven la era digital desde su nacimiento y que tienen millones de ventanas que se abren ante sus ojos para ver el mundo ya no gustan de aquellos cuentos, les interesa más algo que los atrape, con lo que ellos de una u otra forma puedan identificarse.

Entre los autores que satisfacen estas nuevas expectativas de los chiquitines actuales se encuentra Verónica Maldonado Carrasco, egresada de la carrera de Literatura Dramática y Teatro, quien a lo largo de su trayectoria profesional se ha desempeñado como actriz, dramaturga, directora escénica, guionista y docente. A la fecha, tiene alrededor de una veintena de montajes, varios de los cuales están específicamente dirigidos a público infantil y juvenil. Algunas de sus obras más destacadas son: El Yeitotol, El viaje de Ulises, Valentina y la sombra del diablo, Segiz o la historia del príncipe dormido, Máquina 30000, Las batallas del desierto, De cómo el épico negrito y el valiente Monsieur Epicé evitaron otra guerra de los pasteles”. Ha sido merecedora de diversos premios, tanto nacionales como internacionales en dramaturgia, guionismo, reseña cinematográfica y narrativa. Esto da cuenta clara de que Verónica es una persona sensitiva que sabe llegar al corazón del espectador y sus textos, además de tener buena estructura, provienen de investigación y esmero para ofrecer algo fundamentado.

En el material promocional de Paka, la trama se describe así: “Adolfo ha tenido una pesadilla, al despertar hace una pregunta: ¿puede un ratón crecer y crecer hasta ser un león y luego hasta convertirse en un dragón? El problema es que nadie puede responder esa pregunta, solo algo tan pequeño como un ratón”.

Al despertar sobresaltado por la pesadilla que tuvo, Adolfo busca compañía. Necesita que alguien lo consuele, que le dé un cálido abrazo. Recorre la casa y se da cuenta de que está solo. De pronto, escucha un pequeño ruido debajo de la cama de sus padres. Encuentra un paquete. Su curiosidad le indica abrirlo. Está a punto de hacerlo cuando su papá lo detiene con voz firme. Le dice que no debe abrirlo porque adentro hay un animal al que no le gustan los niños. Esto, lejos de calmar a Adolfo, lo inquieta mucho más, pero, a la vez, incrementa su determinación de abrir el paquete y lo hará tan pronto pueda.

Una vez que logra su objetivo, Adolfo supone que ese “animal” es el ratón de sus sueños y que éste crecerá y crecerá en forma desmedida. Esto lo atemoriza mucho. Lo bueno es que llega Ángel, un niño pálido de ojos tristes. Al conocerse, de inmediato congenian y se ponen a platicar y a jugar. Sin saberlo, Ángel llegó en el momento preciso para calmar a Adolfo.

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A través de Paka, Verónica Maldonado brinda esparcimiento a los pequeños, pero a la vez convoca a los padres a reflexionar si están prestando la debida atención a sus hijos. En el caso de Adolfo, si bien es un niño al que sus padres cuidan, educan y alimentan, a él le hace falta que le hagan más caso. En tanto que su papá está muy ocupado en el trabajo y su mamá considera más compañera a su hijita, Adolfo siente que lo están dejando algo de lado y la soledad se convierte en temor. Sus sentimientos dan rienda suelta a su imaginación y comienza a pensar si un pequeño ratón puede convertirse en un león y luego en un gigantesco dragón. Verónica Maldonado logra una espléndida labor en sus tres rubros. Su texto capta el interés de principio a fin. Como directora, balancea acción, dinámica y ritmo. En cuanto al concepto escénico, su montaje es espléndido, la autora y directora crea un universo pleno de metáforas, en un marco de estética teatral y gran colorido. Cada elemento tiene un simbolismo propio y definido. Como diseño sonoro utiliza una canción que alude a los nahuales provenientes de la cosmovisión mexica. Según la leyenda, un nahual puede desprenderse de su piel y transformarse en cualquier animal. En la letra de la melodía se escucha: “todos podemos ser nahuales chicos y grandes” … “si tú haces tratos con esa bestia vas a ganarte muchas molestias”.

La creatividad y eficacia están presentes en la construcción y en la manipulación de los títeres. No escatiman en cuanto a cambios para dar variedad, igual son pequeños que grandes, están sobre una mesa o caminan por el espacio escénico. También utilizan máscaras, guantes o varillas para que los demás personajes interactúen con los títeres. Los colores conllevan un significado. Estas criaturas, digamos, artesanales, emanan ternura y parecen tener vida propia.

Los encargados de la animación son Belem López y Mauricio Reyes, quienes ofrecen una extraordinaria labor histriónica, corporal y como manipuladores de los títeres, además de su excelente dicción y la matizada inflexión que dan a sus voces.

Complementan el equipo creativo: Ulil Antúnez en la música, Rocío Carrillo en el diseño de iluminación, Bruno Zamudio en asistencia de dirección y Paloma de la Riva en producción ejecutiva. La producción es de Teatro al Límite y Fundación Oeste.

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Paka es un proyecto bien diseñado y perfectamente logrado, detrás del cual hay un equipo muy comprometido que piensa en los pequeños como seres inteligentes y sensibles, para quienes el teatro más que una mera diversión puede ser una vivencia. Loable labor de todos y cada uno de los integrantes.

Paka acaba de concluir temporada en La Titería, donde tuvo tal éxito que prolongó su estancia. Sin embargo, les sugerimos estar muy al pendiente de las nuevas producciones de Teatro al Límite y Fundación Oeste, así como de la dramaturgia de Verónica Maldonado, para que lleven a sus niños, en virtud de que para ellos será una grata experiencia.

Igual los productores de Aguascalientes podrían contactar a Verónica Maldonado, a Teatro al Límite o a Fundación Oeste para llevar esta bella obra a los pequeñitos de su localidad.

FANTOMAS MONSTER (FANTOMAS CONTRA EL MIEDO Y EL OLVIDO)

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

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Por lo general, adoramos a los héroes. Desde niños quedamos fascinados ante las proezas de aquellos que poseen poderes especiales y que protagonizan cuentos, historietas, programas televisivos, películas, obras de teatro o series. Así mismo, en las clases de historia se nos muestra que sí existen héroes. Aun cuando no cuenten con poderes ni magia, quienes actúan con arrojo y valentía ante la adversidad merecen ser llamados héroes. Con el paso del tiempo, estamos conscientes de que no existen los poderes sobrenaturales, pero siempre habrá héroes, aun cuando sean anónimos y ni siquiera conozcamos sus nombres. Claro ejemplo de esto son todas las personas que se volcaron en las calles para brindar ayuda a los damnificados en los recientes sismos ocurridos los días 7 y 19 de septiembre.

Quienes vivimos en la Ciudad de México somos testigos presenciales de la forma en que la gente ha puesto alma y corazón en la búsqueda de sobrevivientes en los edificios derrumbados, en el rescate de los que lamentablemente perdieron la vida, en el apoyo a las brigadas de rescatistas profesionales, brindándoles café, sopa, tacos, tortas, agua o lo que sea para que comieran algo mientras realizaban sus labores, así como los grupos que se han organizado para hacer colectas tratando de reunir todo aquello considerado como indispensable para hacer más llevadera la vida de quienes perdieron su vivienda o resultaron damnificados.

Muchos integrantes del medio teatral no sólo han participado activamente en todo esto, sino que han adaptado ciertos foros para convertirlos en centros de acopio y, además, están llevando algo de diversión a los pequeños en albergues. Toda esta ayuda ha sido proporcionada en forma voluntaria y desinteresada, sin que nadie la pidiera. La gente acudió desafiando los peligros, poniendo en riesgo su propia salud y empeñando todo su esfuerzo físico y mental, olvidándose de comer y de dormir. Definitivamente, no podemos denominarlos sino como verdaderos héroes.

Entre los numerosos superhéroes ficticios se encuentra Fantomas, el protagonista de una historieta mexicana llamada Fantomas, la amenaza elegante que salió a la venta en 1960 y se hizo tan popular que las entregas quincenales se realizaron a lo largo de casi tres décadas. Fantomas era una especie de fantasma sin rostro, con una máscara informe muy blanca, con un atuendo negro muy elegante, cual si fuera a una ceremonia importante y con una enorme capa, que impartía de propia mano la justicia.   La historieta de Fantomas trascendió fronteras no sOlo ganó fama en México sino en Centro y Sudamérica. Los creadores de Fantomas, Guillermo Mendizábal y Rubén Lara se salieron de la Editorial Novaro porque ésta registró los personajes a su nombre en derechos de autor sin su consentimiento. Víctor Cruz lo siguió dibujando por más de 10 años, hasta mediados de los ochenta.

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Fantomas fue tan famoso que en 1975 Julio Cortázar escribió la novela Fantomas contra los vampiros multinacionales. Así mismo, fue retomado en algunas películas realizadas en otros países.

Fantomas fue conocido en el mundo y asociado a México como algo positivo, lo malo es que México también ha trascendido fronteras por cosas negativas, como lo es el caso de Ayotzinapa, del cual todo el mundo se enteró.

Ahora, creadores escénicos de Austria y México se reúnen para colaborar en un proyecto relacionado con Fantomas y con Ayotzinapa. Se trata de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido), una compilación de varias obras de teatro expresadas con apoyo en multimedia, cuya inspiración es Fantomas contra los vampiros multinacionales, novela de la autoría de Julio Cortázar.

Con el propósito de reflejar experiencias de activistas que se han visto afectados por el terror que provoca el Estado y la violencia de las transnacionales, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) fue construida a partir de testimonios de vivencias de artistas y activistas de México, Irán y Austria. En la propuesta participan actores, intérpretes, dramaturgos, artistas visuales, activistas, músicos y científicos de diferentes países, quienes exploran la importancia de los superhéroes hoy en día.

El episodio Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es la segunda producción en vivo de una novela gráfica que se sitúa entre el docuficción y el cómic, contextualizado en el México actual. Está ampliamente documentado, para lo cual los creativos consultaron en forma exhaustiva las siguientes fuentes: Gonzalo Matré: El regreso de Fantomas, la amenaza elegante, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México, 2013; Julio Cortázar sobre Fantomas, 1977; El Caso de Ayotzinapa: Una cartografía de la violencia-Proyecto de Forensic Architecture comisionado y llevado a cabo en colaboración con el Equipo Argentino de Antropología Forense (EAAF) y el Centro de Derechos Humanos Miguel Agustín Pro Juárez (Centro Prodh) para las familias de los 43 estudiantes desaparecidos, los heridos y asesinados de Ayotzinapa, y Tribunal Permanente de los Pueblos.

El relato versa sobre Alicia, una mexicana expatriada que trabaja en Viena en una oficina que se dedica a casos de trabajadores refugiados de Medio Oriente. En noviembre de 2014, a dos meses de los sucesos en Ayotzinapa, una cuestión de índole personal le hace necesario viajar de regreso a su país natal. Por casualidad, alguien le obsequia un ejemplar de la popular historieta Fantomas, la amenaza elegante.   Mientras la lee, piensa que tal vez México podría ser distinto si realmente existiera un superhéroe que impartiera la justicia a diestra y siniestra. Sin embargo ¿en qué forma podría ayudar Fantomas a la construcción de memoria y resistencia contra los poderes del miedo y el olvido? …

Por su parte, Fantomas está feliz de volver a la vida pública, aun cuando reconoce que, dado que su reaparición es 20 años después, tiene que lucir con algunos cambios por el paso del tiempo, como unos kilos de más, ciertas curvas que no tenía y que su rostro ya no es blanco sino rosa mexicano, lo cual le resulta más congruente por ser su país de origen.

Fantomas monster es un proyecto multidisciplinario de dos fases conformado por dos piezas multimedia, teatro en escena, documental, cómics publicados, clips de animación, página web, exposición y simposios. En ambas fases la figura de Fantomas es el hilo conductor. La primera parte fue estrenada en 2016. Esta fue contextualizada en Irán y denominada como Fantomas monster (Fantomas contra el poder en extinción). El performance se realizó con la colaboración de la artista y activista iraní Parastou Forouhar, quien radica en Alemania y cuyos padres fueron asesinados en 1998 por agentes del estado, motivo por el cual tiene relación estrecha con los “asesinatos en cadena” ocurridos en Irán.

La versión que se presenta en la Ciudad de México Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es un proyecto bien diseñado y perfectamente logrado. Tanto su concepto original como la dirección escénica corren a cargo de Gin Müller, dramaturgo, artista, activista queer, quien se ha especializado en explorar la interfaz entre la performance y el activismo político. Loable trabajo de Gin Müller en ambos rubros.

Participan en escena: Miriam Balderas, conmovedora como Alicia, la mujer que de pronto tiene que regresar a su país. Edwarda Gurrola, simplemente deliciosa, como un nuevo Fantomas, ahora pizpireto, algo presumido, medio protagónico, siempre intrépido. Kaveh Parmas encarnando a Kurosh, un doble agente, en quien es peligroso depositar confianza. Formidable labor histriónica y corporal por parte del elenco.

Complementan el equipo creativo: Jan Machacek en escenario y video, Katia Tirado y Gerardo Montes de Oca en investigación y dramaturgia, Postkaput (Víctor Martínez & Icetrip Estévez) en música, Adriana Olivera en vestuario, Franz Kapfer (de Austria) e Iván Cervantes (de México) en construcción del escenario, Oliver Stotz como videoprogramador, Tamara Wilhelm en sonido, Georg Starzner en gráficos impresos, Mauricio Garmona en asistencia, Rosario Hevia en producción, y Emiliano Escoto y Carlos Martínez Rentería en prensa.

Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) es una producción de la Asociación para la Libertad del Movimiento (Verein zur Förderung der Bewegungsfreiheit) y brut Wien, con el apoyo de MA7 (Kulturabteilung der Stadt Wien), el Museo Universitario del Chopo, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y el Foro Cultural de Austria en México, así como Pulquería Los Insurgentes.

Siempre es interesante ver a México desde otras perspectivas. Este proyecto refleja dos caras distintas de México que han sido del conocimiento de habitantes del resto del mundo. Por un lado, una famosa historia y, por el otro, los tristes y vergonzosos sucesos de Ayotzinapa. Extraordinaria coordinación entre el hecho escénico, la historia, el multimedia, el sonido y la iluminación. Formidable montaje, entrañables interpretaciones. Es momento de que México unido luche contra el miedo y el olvido.   Por si fuera poco, las salas del Museo Universitario del Chopo albergan una exposición montada por los creadores de Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) y obsequian un ejemplar especialmente diseñado y publicado para los espectadores. En una sola visita se tuvo acceso a obra de teatro, paseo por el museo y lectura para casa.

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A la función de estreno asistieron dos madres y una hermana de desaparecidos de Ayotzinapa, a quienes al final de la obra invitaron a pasar al escenario para que expresaran su sentir. Dijeron que la obra les había conmovido y hablaron sobre el dolor de haber perdido a un ser querido, la zozobra de no saber en dónde están y los esfuerzos que han realizado por conocer la verdad. Fue mucho muy emotivo escuchar cuando todo el público a una sola voz gritó: “Vivos se los llevaron, vivos los queremos”.

A causa de la situación de emergencia provocada por el sismo recién ocurrido en la Ciudad de México, Fantomas monster (Fantomas contra el miedo y el olvido) no pudo cubrir la breve temporada de cuatro días que se había anunciado y únicamente fue posible asignarle dos funciones. Con gran éxito Fantomas monster – Fantomas contra el miedo y el olvido se presentó en el Foro del dinosaurio del Museo Universitario del Chopo. La entrada fue gratuita, pero se conminó a los asistentes a aportar un donativo en efectivo o en especie.

DÉJAME ENTRAR (TERROR, SANGRE, ASESINATOS)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Fotografía del Facebook de la Producción

 

Déjame entrar

 

El género de terror tiene muchos seguidores y detractores, a unos les provoca fascinación a otros repulsión, lo cierto son pocas las ocasiones en ser llevado a escena en México. Hugo Arrevillaga, uno de nuestros más talentosos directores, nos brinda la oportunidad de adentrarnos en un mundo de sangre, asesinatos y vampirismo (ahora encarnado por una joven) en DÉJAME ENTRAR, una adaptación al teatro de Jack Thorne basada en la película y novela sueca de John Ajuide Lindqvist, traducción al castellano de Humberto Pérez Mortera, uno de los más destacados en este rubro.

 

En un bosque, de cualquier lugar, aparecen, inicialmente dos personas asesinadas, colgadas de los pies y desangrados, como si fueran puercos. Surge el pánico, el inspector de policía no tiene pista alguna. Un joven frecuenta el bosque, conoce a una muchacha, se entabla una afectuosa relación. Ella es protegida por un hombre preocupado por su alimentación. ¿La muchacha es un ser humano? Hasta aquí, de otra forma sería vender la trama.

 

Arrevillaga vuelve a sorprender, su imaginación no tiene límites, una de sus virtudes es rodearse de un equipo talentoso, cada uno de sus miembros representa de lo mejor en sus  especialidades. Su dirección hace  del terror una belleza, si se acepta la expresión. Hay violencia y ternura, asesinar para salvar, sentimientos encontrados…, todo conjugado en atractivos dramáticos y plásticos. Un ritmo pausado, pusilánime en la mayor parte del desarrollo, esto le da otra dimensión, no incurre en los lugares comunes, a fuerza de insistir el temor adquiere un atractivo teatral inusitado., no hay exabruptos. Sólo Hugo lo puede lograr, claro con el apoyo de Jorge Ballina (escenografía con diversos ángulos a través de espejos, modulares con los que recrea diversos lugares, unos cuantos “troncos” dan vida al bosque, eso sí, el movimiento escénico es constante); Ingrid SAC (iluminación tenue con un matiz de color, ambienta más allá de los sitios el interior de los personajes); Ariel Cavallieri (diseño sonoro) y Meme y Renato del Real (música original), trío que da realce a lo terrorífico mediante sonidos y notas ajenas a lo común del género, en particular si nos remitimos a la cinematografía. Hugo habla con sus propuestas, hasta el más neófito reconoce el valor de sus montajes, es indiscutiblemente un prodigio de la dirección.

 

Su elenco lo encabezan Saraswati Valladares y Diego Velázquez, dos jóvenes con proyección, disciplina, naturalidad, manejan con acierto lo emocional, transmiten el terror desmesuradamente, atrapan; Los acompañan otros siete actores, todos entregados y abocados a las directrices de Arrevillaga, todos colaboran para llenar y vaciar espacios y crear un concepto diferente del terror.

 

DÉJAME ENTRAR, magnífica oportunidad para los amantes del teatro hecho arte, se representa en el Foro Shakespeare (Ciudad de México, hasta el 26 de noviembre, los viernes a las 20:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 horas.

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE (GUERRA, ARTE, AMOR)

Por: Alejandro Laborie Elías, crítico de teatro

 Imagen tomada de la página de Aurora Cano (Facebook)

 Cervantes

 

A cuatro centurias de su partida corporal, los espíritus a través de sus legados literarios, Miguel de Cervantes y William Shakespeare siguen entre nosotros, ambos representan la cumbre de las letras universales, son conocidos y admirados en todo el orbe. Si bien sus obras son de una belleza indiscutible pos sus estructuras (forma), tan o más importantes son las ideas, los conceptos filosóficos, los temas bañados con la más pura estética de sus respectivos idiomas.

 

Una de las mujeres más talentosas en el ámbito teatral mexicano es Aurora Cano, actriz, directora, catedrática, productora, promotora; nada del quehacer teatral le es ajeno, destaca en todos los rubros citados. Ahora nos cautiva y deslumbra en la Ciudad de México con CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE -estrenada en 2016 en el marco del Festival Internacional Cervantino-, apropiándose con inteligencia de temas como la guerra, el arte, el amor, mediante un hipotético diálogo desde ultratumba entre los creadores del QUIJOTE y HAMLET. No se trata de un enfrentamiento, es un encuentro de filosofía y poesía, entre amor y mujer, valor y honor, letras y armas… Además Aurora actualiza con un juego de palabras, de parlamentos, el pensamiento renacentista al México contemporáneo, reiterando, en forma inteligente, sutil y elegante. Cito: “La anécdota versa sobre el gobernador de una ínsula que huye de los asesinos con los que tiene una deuda pendiente. De pronto, por efectos de una misteriosa tempestad, cruza a la dimensión del viento y la tormenta donde habitan dos viejos sabios -Cervantes y Shakespeare- cuidados por una mujer. El encuentro con estos hombres cambiará la idea que el gobernador tiene de sí mismo y del mundo”.

 

Estamos frente a un poema dramático, la ficción es más real que nunca, si se vale la expresión, varios planos se reúnen en el escenario, la pluma de Aurora se convierte en el arquitecto de la imaginación provocadora de discernimientos morales, toda una cosmogonía de vida: “Ofrecer un pequeño espacio de pensamiento y perturbación moral”.

 

La propuesta de Aurora cierra con broche de oro mediante su dirección: pulcra, ágil, amena, con toques de hilaridad; todo a su tiempo, el espacio permea la presencia de los personajes en medio de una escenografía simbólica y un vestuario realista (Mario Marín del Río), una exquisita banda sonora (Ignacio García), iluminación y video (Raúl Munguía), -el multimedia es fundamental en el desarrollo , ambientación y estética.

 

David Hevia -conmovedor iluso, peculiar concepto de la belleza- da vida a Cervantes y al Quijote, un trabajo que conduce al mundo onírico, digno de alabanza, de lo mejor en su larga trayectoria teatral. José Carlos Rodríguez -la razón, el ser centrado- en otra gran faceta, esplendorosa, una admirable contribución a las artes escénicas.

 

CERVANTES VERSOS SHAKESPEARE tiene como sede la sala Xavier Villaurrutia (Centro Cultural del Bosque, Ciudad de México), jueves y viernes a las 20:00, sábados 17:00 y domingos 18:00 horas.