Categoría: Notas Nacionales

Espacio para notas a nivel nacional

PER TE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Cada persona que se cruza en nuestro camino deja una huella. Cada huella corresponde a la personalidad particular de quien la deja, así que las hay de todos tipos, desde imperceptibles hasta entrañables. Depende del impacto que provoque en nosotros esa persona para determinar la clase de huella. Si el encuentro es breve o carece de importancia, la huella se borrará pronto, si nos resulta desagradable, haremos todo lo posible por borrarla. Algunas con el tiempo se van desvaneciendo, en tanto que otras se fortalecen. Lo cierto es que solo unas cuantas personas dejan huella imborrable, por el cariño, admiración o respeto que despiertan en nosotros.

Per.te-1Desde la primera vez que el talentoso y sensitivo Daniele Finzi Pasca vino a nuestro país, hace ya años, a presentar Ícaro, se robó el corazón de los mexicanos, pues todos los espectadores que tuvieron el privilegio de verla se involucraron en el relato, y en aquellos cuyas fibras vulnerables fueron alcanzadas por la magia teatral, quedó honda huella. Ícaro ha sido representada en muchos países durante veinte años, en seis lenguas distintas.

Daniele Finzi Pasca nació en Lugano, Suiza, pero por sus incontables viajes podría ser considerado como ciudadano del mundo. Sus padres se dedicaban a la fotografía, tal vez por esto la estética y la imagen ocupan lugar preponderante en su obra. A temprana edad conoció el circo a través de la gimnasia. Tiene un estilo incomparable del manejo de la técnica clown, en forma tal que él se define como Clown. Aprendió que para dominar las artes circenses, no únicamente hace falta destreza, sino mucha dedicación, férrea disciplina, un gran entrenamiento y múltiples prácticas. Esto ha regido su vida y su arte. En todos sus espectáculos presenta artistas comprometidos que logran la perfección en diversas disciplinas. Esto le ha valido respeto y admiración por parte de su público.

A lo largo de su trayectoria se ha desempeñado como autor, director, coreógrafo, diseñador de iluminación y actor. Su creatividad es ilimitada. Como contador de historias, su habilidad es mezclar la realidad con la ficción y es un hecho que sus narrativas atrapan de principio a fin. No acostumbra hablar de héroes, sino que sus protagonistas son gente en su vida cotidiana, con lo cual logra que el espectador tenga mayor posibilidad de identificarse con ellos. Lo que caracteriza a sus personajes es que todos tienen sueños, anhelos, objetivos. Quizá no los alcancen, pero su dedicación y empeño enternecen a cualquiera. Toda su obra está marcada por un alto sentido de humanidad y conlleva un espíritu lúdico.

Daniele Finzi Pasca ha sido cofundador de diversos grupos, entre los cuales están: Teatro Sunil, Inlevitas y Compagnia Finzi Pasca. Es cocreador de la técnica dramática denominada Teatro della Carezza -Teatro de la caricia-, misma que se originó de la particular visión de crear espectáculos con payasos, danza y juego. Ha colaborado con Cirque Éloize -Circo Eloísa- y con el afamado Cirque du Soleil -Circo del Sol-. Así mismo, ha trabajado en varias óperas.

Sus espectáculos son reconocidos a nivel mundial y sobra decir que se ha hecho merecedor a múltiples galardones, premios y preseas. La capacidad creativa de Daniele Finzi Pasca es evidente para todos los que hayan visto alguno de sus trabajos. Lo que no todos saben es que, como ser humano, también es admirable. Es un hombre sencillo, respetuoso, siempre risueño y accesible. Gusta de ayudar al prójimo, por ejemplo, siendo muy joven residió un tiempo en la India, donde formaba parte de un grupo que brindaba asistencia a enfermos en fase terminal.

La más reciente producción de la Compagnia Finzi Pasca, aplicando el Teatro de la caricia, es Per te, que significa para ti. Es un espectáculo concebido para alguien que dejó profunda huella en Daniele Finzi Pasca y en todos los integrantes de su Compañía. Es un sentido tributo a Julie Hamelin Finzi, esposa de Daniele y cocreadora de su grupo. Una mujer joven, bella, talentosa, creativa, en otras palabras, maravillosa, quien lamentablemente falleciera el año pasado.

Per te es un espectáculo creado conforme al Teatro de la caricia. Mediante relatos comparten con el público la esencia de Julie como persona y como creadora. Consideraba que toda persona posee un jardín interno, dependiendo de cómo lo siembre, lo cuide y lo embellezca, será mejor o peor ser humano. Acorde a esta metáPer.te-2fora, ella debe haber tenido un jardín hermoso en su interior. Era de risa fácil y espontánea, pero en sus producciones gustaba de incluir algo que provocara lluvia en los ojos del espectador. Guardaba palabras y recuerdos en cajas, en tanto que unas las apilaba, había otras que llevaba consigo. Amaba a los caballos. No soportaba los ruidos estridentes. Alguien le dijo que en otra vida fue un caballero, se preguntaba cómo se vería portando una armadura. Así mismo, se hace referencia a temas de interés general, como la vida, la muerte, el apego a tu perro, los amigos, la tala de árboles, el clima en Montreal, o la imposibilidad de dejar de respirar.

En escena aparecen cuadros que son ejecutados en diversas disciplinas. Los intérpretes encarnan caballeros, ángeles, fantasmas, personas, y hasta un capitán. En cuanto a entornos, hay guerras, jardines, sueños, juegos, bailes, agua, mar, nubes, cielo, estrellas, lluvia, rayos y mucho más.

Con bellos acordes musicales de fondo, los ejecutantes brindan elaboradas danzas aéreas, hacen girar platillos, sorprenden con malabares, ejercicios acrobáticos, de equilibrio o con telas. Habrá viento, mucho viento. Recordemos que Ícaro tenía la teoría de que “mientras más viento haya, más lejos se podrá volar”. Aprenderemos que “las mujeres felices siempre tienen el labial corrido porque hay alguien que no consigue dejar de besarlas”.  

 Per te, escrita y dirigida por Daniele Finzi Pasca. Daniele también codiseñó iluminación y coreografías. Es una producción de la Compagnia Finzi Pasca, en coproducción con LAC–Lugano Arte e Cultura, RSI –Radiotelevisione svizzera y OSI– Orchestra della Svizzera italiana, con el apoyo de Ciudad de Lugano, Cantón Ticino, y Pro Helvetia. Socios de creación: Cornercard, Fidinam, Grand Hotel Villa Castagnola, Caffè Chicco d’Oro y socios internacionales Helsinn.

Fundadores y productores de la Compagnia Finzi Pasca: Antonio Vergamini, Daniele Finzi Pasca, Hugo Gargiulo, Julie Hamelin Finzi y Maria Bonzanigo. En escena: Allegra Spernanzoni, Andrée-Anne Gingras-Roy, Beatriz Sayad, David Menes, Erika Bettin, Evelyne Laforest, Félix Salas, Francesco Lanciotti, Jens Leclerc, Marco Paoletti, Moira Albertalli, Nicolò Baggio, Rolando Tarquini y Stéphane Gentilini.

Equipo creativo: Además de Daniele Finzi Pasca, Maria Bonzanigo en música, codiseño de coreografías y sonido; Hugo Gargiulo en escenografía y accesorios, Giovanna Buzzi en vestuario, Alexis Bowles en codiseño de iluminación y director de producción, Roberto Vitalini de bashiba.com en diseño de video, Daniel Wurtzel en Air Sculpture Design, Fabio Lecce en codiseño de sonido y técnico de sonido en creación, Allegra Spernanzoni en asistencia de dirección y directora de escena, Geneviève Dupéré en asistencia de dirección y directora artística de gira, Chiqui Barbé en maquillaje y peinados, Antonio Vergamini como consejero de producción.

Equipo técnico en gira: Directora de escena: Allegra Spernanzoni, Directora de gira: Andrea Caruso Saturnino, Director técnico e iluminación: Julien De La Sablonnière, Rigger: Jens Leclerc, Sonido: Alessandro Napoli y Fabio Lecce, Operador y video: Nicolò Baggio.

Creación y producción: Director técnico y asistente de diseño de iluminación: Marzio Picchetti, Responsable de proyecto: Tanja Milosevic, Asistente de la responsable de proyecto: Anna Casari, Contadora: Amal Meroni, Asistentes del director técnico: Julien De La Sablonnière y Nicolò Baggio; Arte visual, fotografía y búsqueda iconográfica: Viviana Cangialosi, Rigger: Jens Leclerc, Técnico de iluminación: Julien De La Sablonnière, Comunicaciones: Samuele Ponzio, Asistente del diseñador de video: Sebastiano Barbieri, Búsqueda de financiamiento: Claudia Lafranchi, Consultor administrativo y contable: Lorenzo Ortelli, Responsable del archivo: Marco Finzi, Responsable de proyectos especiales: Marc-André Goyer, Booking internacional: Chiqui Barbé y Sarai Gómez.

Grabación musical con orquesta: Producción musical de la RSI (Radiotelevisione Svizzera), Ejecución de la OSI (Orchestra della Svizzera italiana), Maestro: Kevin Griffiths, Ingeniero de audio: Wolfgang Müller, Producción musical: Alissa Nembrini, Archivos: Loredana Botta. Taller de vestuario: Colaboradora de la diseñadora de vestuario: Lisa Rufini, Sastre: Sara Bianchi, Confección de vestuario: Sartoria SlowCOSTume, Armaduras a la medida: Spadanera di Jacopo Matricciani.

Diseño técnico: Matteo Verlicchi. Colaborador del proyecto: Marco Meier, Video de Julie: Facundo y Juan Ponce de León, Mueca Films. Memoria en video de la creación: Carlo Praolini y Evelin Liguori, CISA–Escuela superior especializada en cine y televisión. Técnicos de LAC: Brian Burgan, Matteo Bagutti, Noray Yildiz y Serafino Chiommino.

Practicantes: Andriana Bicanin-CSIA (escenografía), Eleonora Camponovo (actuación), Federica Canciello (sonido), Isabel Pahud-CSIA (escenografía), Juana Gargiulo (fotografía), Lara Davidson (iluminación), Lucia Di Marco-CSIA (escenografía), Marco Campisano (escenografía) y Mélanie Häner (actuación). Entrenadores: Daniele Kueh (bajo), Kickboxing Montreal, Marco Nevano (saxofón) y Nicole Della Ca (flauta transversal).

Per.te-10Quizás Julie era un ángel que solo estuvo de paso por la tierra. Por desgracia, no pudo salvarse la vida de Julie, pero este tributo es tan vívido que dejará una huella perenne de su memoria en el alma de Daniele Finzi Pasca, en el corazón de quienes la amaron y en la mente de todos los espectadores que vean Per te. No dudes en ser uno de estos y sumérgete en un mundo onírico de múltiples texturas, colores y ejercicios de precisión ejecutados a la perfección. Risas, llanto y mucho amor. Un tributo que únicamente un artista con la sensibilidad y el talento de Daniele Finzi Pasca pudiera haber logrado en honor de un ser amado. Amarás a Julie y, de paso, a Daniele Finzi Pasca y a todos los integrantes de su equipo. Cabe señalar que las armaduras pesan 30 kilos cada una, así que el simple hecho de portarlas ya es proeza. Disfrutarás la franca risa de Julie y adorarás la promesa que le hace Daniele a Julie: “yo, para ti, partiré los recuerdos. En este agujero del mundo volveremos a confundirnos y a abrazarnos“. Per te es para Julie, pero también Para ti, Para Mí, Para Todos. ¡No te la pierdas!

Per te se presenta jueves y viernes a las 20:30 horas, sábados a las 16:30 y a las 21:00 horas, y domingos a las 13:00 y a las 18:00 horas, en el Teatro 1 del Centro Cultural, ubicado en la esquina que forman Chapultepec y Cuauhtémoc -estación Cuauhtémoc del metro-, Ciudad de México. Costo del boleto desde $350.00 hasta $1,500.00 pesos. Recomendado para adolescentes y adultos. La temporada concluye el domingo 2 de julio de 2017.

POR DESEO: MICROTEATRO MÉXICO

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

 

Microteatro surgió en noviembre de 2009 en España. Su creador es Miguel Alcantud, director de cine, teatro y televisión. Si bien Alcantud reside en España, nació en Cartagena, Colombia. Ante la necesidad de que hubiera un centro donde cualquier artista pudiera expresarse libremente, se le ocurrió la idea de convocar a actores, dramaturgos y directores, para proponerles que hicieran obras cortas que se representarían en un solo lugar. De este modo, ellos se expresarían y el público disfrutaría de diversas opciones.

 

Alcantud concibió el concepto de Microteatro como obras con duración máxima de 15 minutos, para 15 espectadores, en un espacio no mayor a 15 metros cuadrados de superficie. Al dar a conocer su idea, encontró entusiasmo por parte de los creadores teatrales. A partir del momento en que se concretó la primera presentación al público, el éxito fue rotundo. La idea inicialmente pensada como una forma de expresión comenzó a rendir mucho más frutos de los que Migue lAlcantud hubiera podido pronosticar.

 

Personas de diversos países enviaron solicitudes para abrir sedes locales de Microteatro. Miguel Alcantud gustosamente otorga licencias para la apertura de alguna nueva sede de Microteatro, siempre y cuando se respete el concepto original y se comprometan a cuidar la calidad de lo que ahí se representa. En la actualidad, la red internacional de Microteatro abarca España, Estados Unidos,  Argentina, Perú, México y Costa Rica.

 

Los mexicanos tenemos la suerte de que dos mujeres tan talentosas y comprometidas como Alejandra Guevara y Andrea Novelo decidieran sumarse al proyecto y abrir las puertas de Microteatro México en el año de 2010. Ellas son trabajadoras incansables y han dedicado tiempo, esfuerzo y dedicación al crecimiento de Microteatro México.

 

Muchos otros grupos han surgido en nuestro país copiando el concepto, algunos con debida autorización, otros sin ésta, lo cierto es que ninguno de estos grupos ha logrado siquiera acercarse a Microteatro México en calidad, organización, administración, alimentos o bebidas que se expenden. Microteatro México es, por mucho, la mejor opción para quienes quieren disfrutar de este concepto en la Ciudad de México.

 

En la actualidad Microteatro México está presentando su vigésima séptima temporada denominada Por deseo. Las obras seleccionadas son: Tinder o la filosofía del amor libre, Lo siento… otra vez,  Pasos, El asesino, Le deseo la muerte, La tejedora; Nasty ¿por qué no tocas la puerta?; Vete a la…, Pero no sin mí, Deseo improvisado; Yo nunca, nunca; El árbol sabio, Otro día que llega, Toc toc… pide un deseo. Para niños: Un colibrí y un bosque de fantasía, Ahora o nunca, El mundo según Beto, Kika la rana y la frase mágica, y en el rubro de Microteatro debut: El chico de los guantes azules y En esta vida.

 

A continuación, la reseña de algunas de las obras que se presentan en la temporada Por deseo.

 

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La tejedora, de la autoría de Marisela García, bajo la dirección de Víctor Carpinteiro. Marisela  ubica su relato en tiempos en que la sociedad se cuidaba mucho más del qué dirán. Siempre ha existido la doble moral, pero entonces, era más criticada, así que era importante ocultar las malas acciones. En el estructurado texto confluyen varios temas: un deseo irrefrenable, una relación incestuosa, celos enfermizos y una tejedora que es testigo de los hechos. Víctor Carpinteiro traslada la historia a lenguaje teatral en forma eficaz y le da un toque tétrico impresionante; su labor de dirección es impecable. El elenco está conformado por la propia autora, Marisela García, y la joven Karola Miskezz, quien muestra su sensualidad, pero sacrifica la belleza de su rostro para lucir atribulada. El trabajo histriónico y corporal de ambas es intenso. Complementan el equipo creativo: Guillermo San Juan en asistencia de producción, Alfonso Quijano en escenografía y vestuario, Gabriela Alarcón en fotografía, Jazmín Maceda en asistencia, Alicia Garzón / @AgenciaLadoA como RP y diseño de arte.

 

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Pasos, cuya autoría y dirección están a cargo de Rosa María Trujillo, quien siempre ha estado ligada al teatro como actriz, promotora, en difusión y relaciones públicas, y ahora incursiona en la dramaturgia y dirección. El relato aborda a un joven escritor algo obsesionado por su bella vecina. Le gusta escuchar por dónde camina e imaginar qué hace, en tal forma que cree conocer la rutina de la joven como si viviera con ella. ¿Será posible que por medio de sus pisadas pueda él entrar en los pensamientos de la joven? Se trata de un texto que atrapa el interés del espectador y que está bien desarrollado escénicamente, en forma dinámica por Rosa María Trujillo. Actúan Alejandra Reyes como la sexy joven y Miguel Pérez Enciso como su admirador. Ambos ofrecen buen trabajo histriónico y su corporalidad es formidable. El resto del equipo creativo lo integran: Allan Aullet en asistencia de dirección, Miguel Moreno en diseño escénico e iluminación, Brandon Torres en diseño sonoro, Víctor Siañez en diseño gráfico, Alan Marín Luna en fotografía y ComunikarT en redes sociales. La producción es de Escena México Contemporánea.

 

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Yo nunca, nunca, de la autoría, dirección y producción de Jéssica Canales. Esta micro obra aborda el tema de la interrupción del embarazo. Más que un relato consiste en las razones que llevan a Laura a tomar la decisión de no convertirse en madre. Un asunto de interés general, sobre todo, para aquellas mujeres que están en todo su derecho de tomar la decisión que más convenga a sus intereses. El elenco está conformado por Nadezhda Bojalil y Roxana Andrade, cuya interpretación es muy convincente. Cabe hacer notar que las dos actrices intercambian sus personajes, en forma tal que el espectador no sabe a cuál de ellas verá como paciente y a cuál como doctora. Los integrantes del resto del equipo creativo son: Pepe Zepeda en relaciones públicas, Juan Carlos Gutiérrez en diseño gráfico, Sergio Orospe en fotografía, César “Chino” Solís y Samuel de Loera en escenografía, Dra. Rebeca Canales en utilería, Dra. Alma Rivera en asesoría médica y Padma PR en prensa.

 

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Nasty ¿por qué no tocas la puerta?, del reconocido dramaturgo Hugo Wirth, bajo la dirección de Claudia Wega. Esta micro obra forma parte de la sesión golfa, es decir, que es únicamente para adultos. La traducción de Nasty a nuestro idioma es sucio, asqueroso o depravado, pero en este caso el tema se centra en los deseos reprimidos. Un hombre y una mujer separados tan solo por una puerta tienen fantasías eróticas el uno con la otra. Mediante el texto, el espectador irá descubriendo los más íntimos pensamientos de él y de ella. Claudia Wega debuta como directora y logra un buen trazo escénico para la representación. El trabajo histriónico y corporal queda a cargo de varios elencos en los que alternan funciones: Ari Gallegos, Nancy Ávila, Jorge Richards, Alejandra Ramos y Edgar Iván Goro. El productor es Ari Gallegos.

 

¿Quién no ha sentido deseo alguna vez? Atrévete a ver varios tipos de deseo representados en las diversas obras de la temporada Por deseo de Microteatro México.

 

Las Micro obras se presentan en la sede de Microteatro México, ubicada en  Roble número 3 -casi esquina con Insurgentes-, colonia Santa María La Ribera, Ciudad de México. Las matinés de Microteatro infantil son los sábados a partir de las 12:00 horas y domingos a partir de las 13:00 horas. Los costos son: Una micro obra por $70.00 pesos, Combo de tres micro obras por $180.00 pesos, y Abono general a $650.00 pesos. Cada compra incluye una micro bebida de degustación. La temporada Por deseo concluye el domingo 9 de julio de 2017.

TEATRIKAND

Por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

Obituario tiene un poderoso elenco

 Obituario

“En Obituario nos llevamos varias sorpresas bien pensadas”

 

La obra Obituario es de Guillermo Schmidhuber, tapatío y doctor en letras, por si esto fuera poco, hace evidente la desconexión que tenemos con autores de los Estados, Guillermo es ampliamente conocido porque ha profundizado en Sor Juana. Ahora Gonzalo Valdés Medellín le pide escenificar

su obra, en la que mezcla lo detectivesco con una comedia salpicada de farsa. Es un reto platicarle por qué me gustó sin contarle la trama, así que lo intentaré, si fracaso, vaya a verla y verá que me quedé corto. Quizá usted recuerde Sabueso con Manolo Fábregas y Adolfo Marsillach, en la que un monstruo de actor debe convencernos que es un extraño visitante, años después la vimos con Daniel Giménez Cacho y José María Yazpik, el eje es mantener el engaño secreto de ese –casi-ovni- Ambos montajes fueron memorables.

Usted sabe que la cabeza de un dramaturgo es una mezcladora de sentimientos confusos, que en ocasiones arrojan brillos soleados y en otras sólo bruma. Cuenta el autor que estuvo una vez con Rodolfo Usigli y notó estos vericuetos del que maneja letras de altura, así que disecciona esas veredas neuronales para que nazca la anécdota que contiene Obituario (no es biográfica, es sólo fantasía). Leonardo Mackey es un crítico teatral que muestra glamour-ingenio-sofisticación para hilvanar los nudos de esas dos deshilachadas personalidades. Si usted ha visto-leído-adivinado la difícil relación autor, director, actor, crítico, productor de teatro, sabe que los apretones de manos desearían que fueran al cuello. Cosa de todos los días.

Si quiere reírse, acuda, disfrutará una bella estructura literaria, también vaya porque hay actuaciones de primer nivel. Se presentan en Casa Actum, Héroes del 47-9 cerca del metro General Anaya, Coyoacán. Es un lugar no caro, donde puede tomar café y pastel. Se merecen larga temporada y deseamos que haga gira por la ciudad de México, San Rafael, Condesa, Roma, para que sea visto este trabajo equilibrado, con buen ritmo y varias sorpresas, usted sabe: el teatro es la ciencia de ocultarnos algo.

 

La culpa la tiene Cyrano (o simplemente Cyrano) 

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“Imagine a Otelo, Romeo, el Hombre Lobo, el Quijote, frente a una psiquiatra”

Esta obra ganó varios premios del 9° Rally Teatral del foro de la Comedia (Foco) que tuvo entre los jurados a Teresa Selma y Mario Ficachi, ese montaje es 100% juvenil. El tema: reúnen los estereotipos de enamorados famosos en un grupo de autoayuda, o sea, don Quijote, el hombre Lobo, Otelo, Edipo, Cyrano, Romeo; las hermosas mujeres serán una Sirena y Dulcinea. La psiquiatra es una religiosa con excelente lenguaje callejero, igualito que en una prepa, las descabelladas ideas que van exponiendo son propias de un trabajo literario fresco, lejos de la intelectualidad y “mensajes universales” que con frecuencia nos ponen a roncar. Véalos sábados 6 p.m. en Tlacotalpan 16, col. Roma.

 

Arturo Amaro a punto de estrenar monólogo

 

Se llama Canción rota para un perdedor fortuito: me invitó a dirigir, gracias Arturo. Habla de un hombre como usted o como yo, que quiere ir a probar cosas nuevas en la vida, entre ellas pasar unos años en EUA, conoce muchas mujeres… Ya se están haciendo ensayos con público en el foro Off Spring, en breve viene el estreno.

 

 

 

LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA

Por: Eugenia Galeano Inclán

 

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En esta época en que la vida es agitada, tenemos demasiadas ocupaciones, padecemos el transporte público y privan la violencia, los asaltos, el narcotráfico, dirigentes que se aprovechan del erario, economía difícil, clonación de tarjetas y muchas cosas más, ¿quién no se ha sentido, aunque sea por momentos, en estado de histeria?
Luis Alcocer Guerrero, quien obtuvo su Licenciatura en Literatura Dramática y Teatro en la Universidad Nacional Autónoma de México -UNAM-, para luego adquirir su Maestría en Dirección Escénica en la Escuela Nacional de Arte Teatral -ENAT- del Instituto Nacional de Bellas Artes y cursar Guión Cinematográfico en el Centro de Capacitación Cinematográfica, quiso expresar sus inquietudes sobre la histeria, para lo cual concibió  LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA,  en donde cuatro actores representan en un teatro cuatro obras de terror, como parte de una terapia.
En dichas obras de terror abundan accidentes extraños, mutilaciones, crímenes y suicidios.  Desde la perspectiva del autor, “los horrores responden a un anhelo compartido por todos los personajes y (seguramente) por el espectador: el deseo de ser amado. El horror sólo hace evidente la intensidad de ese anhelo. Los actores, al igual que los personajes que representan, sacrificarán lo que sea (o a quien sea) con tal de ganar el amor y la aceptación de otro“.

 

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LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA es una propuesta interdisciplinaria donde convergen histrionismo, corporalidad, teatro de objetos, títeres, marionetas, máscaras, teatro del absurdo, performance y música.  No se trata de una historia de principio a fin sino de cuadros aislados cuyo hilo conductor es la presencia de la histeria.
Al recoger el boleto de entrada, dan a cambio una pequeña hoja con indicaciones que deberán seguirse por propia seguridad.  Entre otras indicaciones se pide:  “No intente manipular las máquinas patéticas“, y  “En la medida de lo posible, evite el sentimentalismo“, para finalizar sentenciando:  “NO NOS HACEMOS RESPONSABLES POR LOS DAÑOS QUE EL MAL USO DE ESTA SOMATOSKENE OCASIONE“.  Así que el espectador queda bien advertido de lo que no debe hacer y de que presenciar la función es bajo su riesgo.
Tras un prólogo en donde se explica el significado del somatoskene y del cuerpo psicotrónico, o bien, se hace referencia a los procesos químicos de degradación del cuerpo humano, o a qué pasaría si se desprendieran del cuerpo capa por capa los elementos que lo convierten en persona, o si se practicara un legrado autobiográfico, inicia la función.
En un montaje que rompe con las estructuras tradicionales, el espectador verá cuatro historias distintas, por ejemplo una familia disfuncional que apaciblemente ve un programa de televisión antes de caer en la histeria, o el encuentro de dos ancianitos en un gran salón, un padre que busca a su hija.  Partiendo de la base de que el terror es uno de los géneros menos representados en teatro, LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA es singular, además de que tiene tintes cinematográficos -quizá por la formación del autor-, así como que para su escenificación se requiere de muchos y variados elementos.
El punto fuerte de LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA es el compromiso del elenco, quienes se entregan en forma absoluta a su trabajo corporal e histriónico.  Ellos son:  Ernesto García, Héctor Iván González, Jorge Chávez Caballero  y  Luis Alcocer Guerrero.
Otro punto relevante es la música que va de la sicodelia estridente a lo clásico.  El creador de la música y el diseño sonoro es el talentoso Rodrigo Castillo Filomarino, quien atinadamente impone un lenguaje musical de abruptos cambios consistente con los cuadros.

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El texto tiene una peculiar estructura.  La labor de dirección por parte del autor Luis Alcocer Guerrero se ajusta a lo que quiso plasmar en escena.
El resto del equipo creativo lo conforman:  Paco Vela en asistencia de dirección,  Martha Alejandra Vega, Isabel Becerril, Mariana Rudich y Miguel Moreno en escenografía,  Miguel Moreno en iluminación,   Martha Alejandra Vega y Guadalupe Martínez en vestuario,  Martha Alejandra Vega, Isabel Becerril, Mariana Rudich y Jaime Castillo en máquinas patéticas y utilería,  Laboratorio Sonoro Post Kapor, Noel Montes y Alejandra Vega en diseño de moscafono,  Fernando Carrasco en comentarios musicales,  Diana Ham en producción ejecutiva,  Noel Montes de Oca en asistencia de producción y realización técnica,  Martín Acosta, Gabriel Pascal, David Olguín, Ignacio Escárcega y José de Santiago Silva en asesoría de la producción original,  Martha Alejandra Vega en diseño de programa e impresos,  Rosa María Trujillo en relaciones públicas.
Es una producción de Granguiñol Psicotrónico, con el apoyo de la ENAT.  Se trata de un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Arriésgate a ver teatro distinto a lo acostumbrado, con seres humanos que manipulan títeres o máquinas y que en ocasiones hasta pareciera que se funden en estos.  Disfruta un poco del terror.
LA INVENCIÓN DE LA HISTERIA

se presenta los jueves a las 20:00 horas en el

FORO CONTIGO AMÉRICA

ubicado en la calle Arizona N° 156, colonia Nápoles, Ciudad de México

Donativo consciente.  La temporada concluye el jueves 29 de junio de 2017

 

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal, presidente de la APT

 

A diez años de su muerte, abrirán museo virtual a Juan José Gurrola

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Un día fui al foro Juan José Gurrola, en la fila escuché: ¿quién fue J. J. Gurrola? Así descubrí que urgía hacer algo al respecto, pues bien, lo han iniciado Rosa y Flor Edwarda, viuda e hija del arquitecto, director, escritor, pintor, actor, que es punto de referencia para muchos; cuando empecé a ver teatro, compraba boletos para ver montajes dirigidos por Jodorowsky, Gurrola, Azar, al mismo tiempo que para Manolo Fábregas, Salvador Varela, porque deseaba ver todos los exponentes del fin de siglo. A diez años de que murió JJG, están convocándonos para hacer un Museo Virtual que reviva el trabajo del hombre –leyenda-: muy joven atraía a los estudiantes por sus propuestas irreverentes, intelectuales, anticulturales. Era parte de la mafia, usted recuerda, Monsiváis, Cuevas, Piazza, Alexandro, Fosado, García Ponce. Flor Edwarda convocó a sus amigos a festejarlo en una cantina (no había mejor lugar) y pedir difusión: se necesitan recursos para desarrollar el Archivo Gurrola: fotos, textos, libretos, pinturas, dibujos, películas (el video no se inventaba todavía). En este domicilio web puede informarse para hacer su donativo:kickstarter.com todo el mes de junio.

 

Esa noche estuvieron Elia Domenzain, Carlos Martínez Rentería, Ariane Pellicer, entre muchos, para contar anécdotas, las más improbables fueron las verdaderas. Por cierto, Flor Edwarda acaba de estelarizar el filme El placer es mío, donde comparte créditos con Fausto Alzatti; en breve estará en las salas cinematográficas.

 

Aurora Serrano de Demay termina la película Tía Aurora

 

Acudí al Aniversario matrimonial del Teatrista / escritor Juan Jorge Demay y Silvia Rosete, familia y amigos le deseamos largos años de felicidad; me enteré de algo muy interesante: su señora madre, Aurora Serrano, Vda. de Demay, cumple 105 años, y está a punto de publicar su tercer libro, los anteriores se llaman Del Boleo al bombardeo y Raíces. Ella vivió con su esposo los avatares y carencias de la Segunda Guerra Mundial, es originaria de Baja California, lugar cálido y padeció con su hija Olga muchos grados bajo cero en París, con hambre y muchos miedos. Esta dama motivó a que se iniciara el filme La tía Aurora, una mexicana en París durante la II Guerra Mundial, que tiene necesidad de pequeños y grandes donativos para ser concluida, esto lo puede hacer en kickstarter.com. En ese sitio web puede ver un avance del filme.

 

Arturo Amaro festeja 30 años en el Teatro y cinco con su foro Off Spring

 

Usted conoce su obra: Bonanza y Cuando éramos campeones son sus primeras obras, después vinieron Casi una historia; Sangre, simplemente sangre, otras más recientes acerca de Abert Einstein, Van Gogh, el mundo del box, con una constante: mostrar nuevos caminos a los espectadores, que se lleven algo en la memoria “para siempre”.

 

Actualmente tiene varios montajes en temporada y prepara Canción rota para un perdedor fortuito. Dentro de sus locuras estuvo fundar el Centro Cultural Off Spring (colonia San Rafael); ahí tiene salones de clase, más dos foros de 100 y 300 butacas, en los que siempre hay espacio para llevar tus clases o montajes. ¡Felicitaciones!

Foro de la Comedia El Foco

 

El Foco realizó el 9° Rally Teatral, Cyrano, el cual acaparó cinco premios: de la obra Alguna chica, Adrian Laut ganó como Mejor Actor, luego les cuento más.

 

NIÑOS CHOCOLATE

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Casi a todas las personas les gusta el chocolate. Para algunos, su aroma y su sabor resultan irresistibles. Los mexicanos somos particularmente adictivos al chocolate. En ciertas regiones, no hay nada mejor que beber una taza de chocolate caliente preparado con leche o con agua. En el aspecto culinario es parte fundamental de muchas recetas, incluso, es ingrediente básico de nuestro tradicional mole. Así mismo, a muchos dulces artesanales se les añade un toque de chocolate. Lo que pocos saben es que la fabricación de esta preciada golosina tiene un lado muy amargo.

 

Obtener el producto terminado requiere de un largo proceso. Lo primero es tener tierra fértil, luego sembrar las semillas, cultivar los cacaotales y esperar que crezcan. La cosecha es lo más difícil, para extraer el cacao, hay que cortar las ramas con machete, para lo cual se requiere de fuerza y precisión, a fin de evitar cortarse. Además, hay que protegerse de los insectos que son atraídos por el olor que despiden las hojas. Una vez que se extraen los granos de cacao o drupas, estos deben ser colocados uno por uno para que se sequen y fermenten. Después viene el empacado en costales para que los granos tratados lleguen a los productores de chocolate y otros derivados.

 

Si quien hace todo este trabajo es un adulto, le será laborioso, difícil y cansado, pero si se trata de niños, esto será muchísimo más complicado. Aquí es donde se encuentra lo amargo a lo que hemos hecho alusión. En muchas de las grandes plantaciones de cacao del continente africano, utilizan niños para llevar a cabo este trabajo. A algunos los compran, a otros los secuestran y a otros simplemente los atraen con promesas falsas. Esta práctica redondea sus ganancias, toda vez que los niños no reciben salario alguno. A lo más que pueden aspirar es a tener un techo y algo de comida. Un capataz los vigila, manteniéndolos atemorizados. Si no cumplen con su trabajo o intentan escapar, las golpizas que les propinan harán que olviden cualquier pretensión de liberarse.

 

Jaime Chabaud, quien es un reconocido dramaturgo mexicano, además de desempeñarse como guionista, pedagogo, periodista e investigador teatral, así como fundador y director de Paso de Gato, Revista Mexicana de Teatro y director de la Librería Paso de Gato, es también un hombre con vasta cultura. Por casualidad vio un documental respecto de la esclavitud infantil que se ejercía en las plantaciones de cacao, quedó horrorizado y utilizó su sensibilidad para hacer una denuncia a través de su dramaturgia. Fue así como concibió Niños chocolate.

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En Niños chocolate la acción ocurre en lejanas tierras africanas, pero no podemos dejar de pensar que en todo el mundo existe la explotación infantil. En nuestro país, los niños no son utilizados para plantar o cosechar cacao, pero, en cambio, sí los vemos por la calle pidiendo limosna, vendiendo chicles o dulces, limpiando parabrisas y muchas cosas más. Niños a quienes sus padres no envían a la escuela, sino a trabajar para contribuir con el gasto familiar. Es deleznable la forma en que algunos adultos les arrebatan su infancia.

 

El texto consigna la historia de tres niños que trabajan en la cosecha del cacao. Ellos son Kuwame de 13 años, Fatao de 10 y Niaaba de 9. Poco a poco se va revelando cómo fue que llegaron a la plantación. Mientras que Kuwame fue comprada a sus propios padres, Fatao fue raptado mientras jugaba con algunos de sus compañeritos de escuela, y a Niaaba fue su tío quien la subió a una motocicleta y se la llevó diciéndole que iban de paseo, para entregarla a quienes la esclavizarían. Al capataz lo llaman Papá Gyan y pobre de aquel que se porte mal o no lo obedezca.

 

La pobre de Kuwame apenas puede caminar, pues lamentablemente se cortó una pierna con el machete. Por supuesto, no se les brinda asistencia médica. Las heridas tendrán que sanar por sí solas.

 

Thomas, reportero de un periódico importante se entera de la esclavitud de los niños y decide viajar a Costa de Marfil y Ghana para llevar a cabo una investigación de campo y hacer un reportaje con fines de que esto sea del conocimiento público. Al llegar allí, los conoce, los entrevista, se va enterando de la situación de cada uno. Le inspiran gran compasión y respeto. Se encariña con ellos, se convierte en su amigo y no escatimará esfuerzo alguno para ayudarlos. En lo personal, le recuerdan a sus pequeños hijos Duncan y Violet.

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El montaje es sencillo. Entre penumbras y a ritmo de música africana, con tambores, marimba y percusiones, el espectador estará a lado de estos ingenuos niños que trabajan arduamente. La labor de dirección por parte del talentoso Alberto Lomnitz es formidable. Enmarca el texto de Chabaud en plena selva africana e infunde la emotividad necesaria a su elenco. Aprovecha a fondo el espacio escénico y logra que mediante corporalidad los protagonistas se vean realmente como niños.

 

El elenco está conformado por Marisol Castillo (Niaaba), Teté Espinosa (Fatao), Fabrina Melón  (Papá Gyan / Kuwame) y Alejandro Morales (Thomas). Todos ellos ofrecen una admirable labor histriónica y corporal. Ellas dejan de lado su natural coquetería femenina, presentándose sin afeites para parecer muchachillos. Los músicos en escena son Eduardo Castellanos y Guillermo Siliceo. La música original y la dirección musical son de Leonardo Soqui.

 

El resto del equipo creativo está integrado por Alan Uribe Villarreal en movimiento corporal y dirección adjunta, Edyta Rzewuska en escenografía, Patricia Gutiérrez en iluminación, Estela Fagoaga en vestuario, Jaqueline Ramírez Torillo en asistencia de dirección y como productora residente,  Tareke Ortiz en asistencia de dirección musical, José Manuel Majúl en asistencia de vestuario, Joseph Ramírez en asistencia de iluminación, Trama & Drama en realización de vestuario y texturización, Saira Lagunas en estampado para Trama & Drama; Toño Garduño en construcción de escenografía, mobiliario y utilería, pintura escénica y atrezzo, y José Jorge Carreón en fotografía. Excelente trabajo de todos y cada uno en beneficio del montaje. La producción es de Dirección de Teatro UNAM y la obra es presentada por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM, mediante la Dirección de Teatro.

 

Atrévete a adentrarte en la selva, conocerás a unos niños maravillosos que te platicarán sobre sus ilusiones y pesares. Se ganarán tu corazón y simpatía. No te pierdas esta conmovedora historia. En Niños chocolate encontrarás un estructurado texto, una brillante dirección, rítmica música y unas actuaciones entrañables. ¡No te la pierdas!

 

Niños chocolate se presenta sábados y domingos a las 13:00 horas en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz del Centro Cultural Universitario, ubicado en Insurgentes Sur número 3000, Ciudad de México. El costo del boleto es de $150.00 pesos. La temporada concluye el domingo 25 de junio de 2017.

 

 

DAVID OLGUÍN INGRESA A LA ACADEMIA DE ARTES

Texto y foto por Eugenia Galeano Inclán

 

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Una de las mayores distinciones a que alguien puede aspirar es ingresar a la Academia de Artes, la cual tuvo su origen en un Decreto Presidencial fechado el 12 de diciembre de 1966. Desde su fundación su propósito es agrupar en un cuerpo colegiado a distinguidas personalidades del ámbito de la creación artística, así como a teóricos de la historia y crítica de arte, con el fin de honrar sus méritos y fomentar la labor individual y conjunta al servicio de la cultura de nuestro país. Entre sus prioridades están apoyar y difundir las artes, salvaguardar el patrimonio artístico de la Nación, organizar eventos culturales de carácter público o privado, brindar asesoría en asuntos de orden cultural, encargar y adquirir obras creadas tanto por sus miembros como por otros artistas mexicanos de reconocido prestigio. Y David Olguín, uno de los más destacados creadores teatrales de nuestro país acaba de ingresar a la Academia de Artes.

 

David Olguín es egresado de la Facultad de Filosofía y letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde estudió Lengua y Literatura Hispánicas, así como Letras Inglesas en el Sistema de Universidad Abierta (SUA). Fue en el Centro Universitario de Teatro (CUT) donde adquirió su formación teatral al cursar la carrera de Actuación y diversos talleres de dirección escénica con Ludwik Margules. Después viajó a Inglaterra para obtener el grado de Maestría en Estudios Teatrales, con especialidad en Dirección Escénica en la Universidad de Londres.

 

Su larga trayectoria se diversifica en varias disciplinas. En el ámbito teatral es altamente reconocido por su dramaturgia y trabajos de dirección escénica. Incluso, escribió el libreto de una ópera. Además de los montajes de sus propias obras, ha llevado a escena obras de diversos autores nacionales e internacionales.

 

En lo cultural se ha desempeñado como escritor, narrador, traductor, ensayista y guionista. En lo editorial cuenta con muchas publicaciones, tanto de sus propias obras, como en antologías de otros autores. Dedicó casi tres años a la coordinación editorial, la escritura y la selección general de textos del libro Alejandro Luna Escenografía. Así mismo, es coautor de los libros de memorias Olga Harmony y Hugo Gutiérrez Vega, así como de Teatro Mexicano del siglo XX. Ha sido becario del Centro Mexicano de Escritores, del FONCA, del Consejo Británico y del Fideicomiso México-Estados Unidos. Desde 1992 es Editor de Ediciones El Milagro y a partir de su designación en el año 2005 es tutor de la Fundación para las Letras Mexicanas.

 

En la docencia ha colaborado en diversas instituciones. Actualmente es profesor y coordinador de la maestría en Dirección Escénica en la ENAT.

 

En 1991 David Olguín, Daniel Giménez Cacho, Pablo Moya Rossi y Gabriel Pascal fundaron Teatro El Milagro, una asociación cultural independiente, que se dedica a promover la creación escénica, la producción editorial y la reflexión artística. El Consejo Directivo y Artístico del Teatro El Milagro está conformado por quienes lo fundaron, en tanto que la administración está a cargo de Eduardo Pascal. A la fecha, Teatro El Milagro es un foro consolidado que se preocupa por ofrecer calidad a sus espectadores y, por esto, ha ganado muchos adeptos.

 

A lo largo de su camino en el quehacer teatral David Olguín ha recibido múltiples galardones y reconocimientos.  Ahora, sus cualidades humanas y profesionales lo han hecho merecedor a ingresar a la Academia de Artes. Además de poseer una vasta cultura y considerable capacidad creativa, es un trabajador incansable que en cada proyecto se compromete al máximo.

 

En una ceremonia llevada a cabo el día 1° de junio de 2017 en el Teatro El Milagro, David Olguín recibió el diploma que lo acredita como miembro de número a la Academia de Artes en el rubro de Artes Escénicas. El insigne escenógrafo Alejandro Luna, quien también es miembro de la Academia de Artes, fue el encargado de entregárselo, en presencia de Louise Noelle Gras, presidenta de la Academia de Artes, y Lidia Camacho, directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

 

Durante el acto, David Olguín pronunció su discurso intitulado Los sentidos del drama, mismo que fue replicado por Alejandro Luna, a modo de bienvenida.

 

David Olguín y Alejandro Luna comparten la distinción de ser miembros de la Academia de Artes en el rubro de Artes Escénicas con Hugo Hiriart y con los fallecidos Emilio Carballido, Héctor Mendoza, Gloria Contreras, Guillermina Bravo y Guillermo Arriaga.

 

Extendamos todos una muy calurosa felicitación al querido y admirado David Olguín por su ingreso a la Academia de Artes.

TEATRIKANDO

Texto y fotos por Benjamín Bernal

Marta Fernanda es Aldonza

Marta Fernanda es Aldonza en el Hombre de la mancha

Marta Fernanda ha realizado una exitosa carrera en Ocesa, se ha convertido en una joya para Morris Gilbert, por ejemplo, ha realizado todos los papeles en Mentiras, que es un fenómeno de taquilla, duración y estilo. Poco después fue invitada como cobertura para todos los papeles de El Hombre de la mancha, en varias ocasiones cumplió puntualmente con Aldonza. Llamó poderosamente la atención de la Agrupación de Periodistas Teatrales, por lo que recibió un homenaje en la 34 entrega de Premios (2017) al cumplir 30 años de vida profesional, lo que es poco usual, ya que normalmente se brinda homenaje a los artistas de mayor edad y ella es una dama joven que canta, baila y actúa -nada más-, así que la acabamos de ver como Aldonza, al lado de Benny Ibarra. La felicitamos por el reconocimiento que ha logrado, además de que cuentan: es una excelente amiga, siempre tiene un buen consejo y palabras de aliento para sus compañeros. La admiramos tanto como a Marta Zamora, su mamá. Enhorabuena.

Arizona, tragedia que hace reír

Hace unos años vimos esta propuesta, ahora regresa con algunos cambios para hacerla actual y más vigente, déjeme contarle: un norteamericano promedio, con su esposa -super promedio- van a la frontera como si fuera un picnic, a proteger esa línea imaginaria de los vecinos (adivine cuáles), lo que se podría abordar mediante cualquier género: farsa, comedia, sátira y Juan Carlos Rubio, el autor, opta por algo que bien pudo escribir Sam Shepard asociado con Eugene Ionesco, agregan tres números musicales, así como múltiples dobles intenciones, para que en el Xola nos podamos reir de lo que diariamente nos indigna.

La multimedia nos ubica en un desierto, también en un teatro, para ir deshilvanando la adoración de esa mujer por su marido (si tú lo dices es que está bien). Dirige eficientemente Ignacio García, un elenco de primera: Aurora Cano y Alejandro Calva, usted lo conoce, es camaleónico (Pillowman, Los Productores, The Hole), ahora es un ferviente adorador del american way of living y las ideas más conservadoras; Aurora está de lujo. Un retrato negro de lo que vemos en los noticieros, ¿reir de esta tragedia? Sí, ahí está el poder de un buen texto-director-elenco. ¿Los dejarían hacer una gira por el país del norte? Viernes a domingo en el Xola.

Notas breves

Richard Viqueira siempre está activo: Bozal, Punzocortante, Munster Truck, que tienen una constante: la fascinación por lo novedoso, espectacular y arriesgado; acabamos de ver Herodes hoy, una precuela a la matanza de niños que hizo Herodes. Algunos momentos sorprendentes, luego deambula por una narrativa en que la palabra se enseñorea, su máximo poder es impresionarnos, así que extrajo un ¡ahí! cuando se lanzan cuchillos de metal con filo, después no le quedó más remedio que darnos teatro. Véala en la Gruta, cada martes.

Lamentamos el fallecimiento de Anís de Sánchez Cortazar

Esposa del Dr. Julián Sánchez Cortazar, presidente del Centro Cultural y Social Veracruzano. Quienes tratamos a Anís frecuentemente conocimos su buen humor y espíritu filantrópico, presidió las campañas para apoyar en ciclones y huracanes, el teatro Rafael Solana logró una fuerte presencia en nuestro medio y las Exposiciones de la Galería han sido siempre de calidad internacional. Descanse en paz.

Lorenzo da Firenze se doctoró

Lorenzo Doctorado

El dramaturgo Lorenzo da Firenze (autor de Pálator, el drama más extenso jamás escrito) recibió un doctorado, junto con educadores, filósofos, magistrados y economistas, el denominador común fue el amor por México y que serán firmes defensores de los Derechos Humanos. Esto fue en el Casino Naval de la Secretaría de Marina.

Con Master en Artes, montañista, escritor de 13 libros en los que aborda todos los géneros, cuatro discos de Rock-Jazz Progresivo, pintor, en este momento prepara Los sueños somáticos. ¡Felicitaciones!

 

100 VIOLETAS PARA LA ESPERANZA

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

Es curiosa la forma en que se producen los giros de la vida. En esta ocasión la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, mediante la Coordinación del Sistema de Teatros es la que da un giro sorpresivo al reunir en el Concierto 100 Violetas para la esperanza a tres extraordinarias mujeres que han dedicado su vida al arte y al amor.  Aun cuando las tres provienen de distintos lugares y de diferentes épocas, el verlas reunidas en un escenario es maravilloso. Ellas son: Esperanza Iris, Violeta Parra y  Tania Libertad.

P1150479Uno de los teatros más emblemáticos de nuestra capital, ubicado en pleno Centro Histórico, es el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, el cual además de formar parte de los recintos administrados por el Sistema de Teatros, en el año de 1987 fue proclamado como Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO  (por sus siglas en inglés: United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization), en español: Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura. Este foro está cumpliendo 99 años, así que con el Concierto 100 Violetas para la esperanza se da inicio a los festejos que conmemorarán su centenario.

María Esperanza Bonfil Ferrer, cuyo nombre artístico fue Esperanza Iris, nacida en Villahermosa, Tabasco en 1888 y fallecida en 1962 en la Ciudad de México. Esperanza Iris fue una afamada cantante, vedette, actriz y una verdadera estrella en el género de la opereta. Inició su carrera a temprana edad y a pulso se fue ganando el cariño y respeto del público. A lo largo de su trayectoria recibió múltiples reconocimientos. En Brasil la llamaban La Reina de la Opereta o la Emperatriz de la Gracia. En México fue declarada Hija Predilecta, en tanto que en España recibió una condecoración de manos del Rey Alfonso XIII. Estelarizando La viuda alegre hizo numerosas giras por varios países.

En 1918 construyó su propio teatro, originalmente llamado Teatro Iris, mismo que hoy conocemos como Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Ella y su esposo (más de 20 años menor que ella) no solo utilizaban el recinto para sus producciones artísticas, sino como casa-habitación, pues vivían en los altos del inmueble.

Violeta del Carmen Parra Sandoval, mejor conocida como Violeta Parra, quien naciera en Santiago de Chile en 1917 y falleciera 50 años después. Violeta Parra fue cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista. Está considerada como una de las principales folkloristas de América y una de las mayores divulgadoras de la música popular de su país. Realizó investigaciones exhaustivas del folklore visitando regiones rurales. Muchos chilenos la consideraban como la voz de los marginados. Violeta Parra tuvo un trágico final. A los 50 años se enamoró perdidamente de un joven de 20 años. Cuando el romance terminó, ella no pudo superar su tristeza y se quitó la vida. Si viviera, en este año estaría cumpliendo 100 años, así que 100 Violetas para la esperanza también es un homenaje a esta destacada mujer. Varios de sus temas fueron incluidos en el Concierto.

Violeta Parra fue una mujer muy apasionada que compuso canciones de amor y desamor, pero también algunas referentes a causas sociales. Sin duda alguna el tema que la proyectó a la fama y con la que se le recordará eternamente es  Gracias a la vida, un auténtico poema hecho canción. En el año de 1998 el gobierno chileno le otorgó en forma póstuma la medalla Gabriela Mistral, una de las más altas distinciones.

La tercera mujer de esta grata reunión es Tania Libertad, quien lució espectacular sobre el escenario. Tania Libertad de Souza Zúñiga nació en Chiclayo, Perú y comenzó a cantar en público desde los 5 años de edad, lo que le permitió iniciar su carrera artística con tan solo 7 años de edad. En el año de 1980 llegó a México y lo adoptó como propio. Desde ese entonces reside en nuestro país y está nacionalizada como mexicana. Su arte ha sido ovacionado en las salas más prestigiadas del mundo entero. Tiene en su haber más de 50 años de trayectoria, ha vendido millones de discos y se ha hecho acreedora a innumerables galardones y reconocimientos, entre los que destacan ser Artista de la UNESCO por la paz, Embajadora Iberoamericana de la Cultura, la condecoración de Comendadora por parte del gobierno peruano, la Orden de Río Blanco por el gobierno de Brasil, ser Huésped de Honor de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, integrante de la World Music, y ganadora del Grammy Latino a la Excelencia Musical, entre otros muchos.

P1150467Tania Libertad nació con una garganta privilegiada y se ha esforzado por educar su voz, mejorarla, pulirla y mantenerla en óptimas condiciones. Tanto la potencia de su voz como los registros que alcanza son incomparables. Conmemoró su vigésimo aniversario de vida en México lanzando al mercado su disco Alfonsina y el mar, XX años. De hecho, Alfonsina y el mar es una de sus canciones más representativas. En 2012, Tania Libertad celebró su medio siglo de carrera musical, ofreciendo dos conciertos en el Palacio de Bellas Artes, en los cuales, como era de esperarse, se agotaron las localidades. Así mismo, lanzó a la venta el álbum: Tania, 50 años de Libertad, y realizó una amplia gira.

100 Violetas para la esperanza dio comienzo en el momento en que Tania Libertad apareció en el escenario elegantemente ataviada, portando un vestido negro largo y un blusón de tela chiffon decorado con flores de colores pintadas a mano y bordado en fina pedrería.

Tania Libertad deleitó a los asistentes entonando diversos temas de la autoría de Violeta Parra: Gracias a la vidaVolver a los 17, La lavandera, Qué he sacado con quererteMe gustan los estudiantes, Los pueblos americanos, así como Cardo o ceniza, uno de los ocho temas que Chabuca Granda realizara, en honor de Violeta Parra, a su fallecimiento. La última estrofa de Cardo o ceniza dice: “tanto amor y avergonzada” y, al respecto, Tania bromeó con el público diciendo que la elegiría como su epitafio.

Así mismo, interpretó temas de diversos autores, como: Cucurrucucú paloma, de Tomás Méndez; No soy de aquí, de Facundo Cabral; Fallaste corazón, de Cuco Sánchez; Cielo rojo, de Juan Záizar; Honrar la vida, de Eladia Blázquez; ¿Qué nos pasó a los dos?, de José Escajadillo, compatriota de Tania; Paloma negra, de Tomás Méndez; Urge, de Martín Urrieta; Y nos dieron las diez, de Joaquín Sabina; Por debajo de la mesa, de Armando Manzanero, entre otros.

Al finalizar el repertorio programado, los espectadores aclamaron a la grandiosa cantante y, desde luego, corearon el clásico “otra, otra, otra…“.  Tania volvió a aparecer y no solo cantó otra, sino que abrió el momento de las complacencias y pidió al público que le indicaran qué tema querían escuchar. Ante las múltiples peticiones, Tania amablemente cantó varias canciones, entre las que estuvieron un aria operística  El pastor, de los Cuates Castilla, y Mi amor por ti, de Miguel Pous, para luego cerrar con su gran éxito: Alfonsina y el mar, música de Ariel Ramírez y letra de Félix Luna, la cual cantó a capela, inundando con su voz el majestuoso Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

Cabe mencionar lo admirable del profesionalismo de Tania Libertad, al hablar se le notaba un poco ronca, pero al cantar su voz sonaba igual de magnífica que siempre.

P1150497Tania Libertad se encargó personalmente de la producción general de 100 Violetas para la esperanza. Mireyda Garza se hizo cargo de la coordinación general y Mili Vega fue la asistente.

Los músicos que acompañaron a Tania Libertad fueron: Sonia Cornuchet en dirección musical, teclados y coros; Caridad Herrera en teclado y coros, y Juanchi Vásquez en percusiones y cajón.

El equipo creativo estuvo conformado por Mario Alberto Martínez como ingeniero de sala y monitores, Octavio Victoria a cargo del stage, Mili Vega en el prompter, José María Serralde en imágenes y video, Jesús Giles y Gabino Guillén en iluminación, y Ángel Ancona, como Coordinador del Sistema de Teatros, fue el responsable de diseño.

Algunos de los temas musicales fueron acompañados de cuadros dancísticos en los que Danza Capital colaboró con una participación especial. El equipo de Danza Capital lo integraron: Carmen Ruíz, Alberto González, Gabriela Puebla y José Ortiz en coreografía de parejas, Carmen Ruíz, Xanath Jaimes, Yaely Estrada y Gabriela Puebla en danza mujeres. La coreografía fue de Cecilia Lugo.

100 Violetas para la esperanza fue un magno Concierto que permanecerá en la mente y en el corazón de quienes tuvieron la oportunidad de presenciarlo. Tania Libertad y su voz brillaron a más no poder. Se presentó el viernes 26 y el sábado 27 de mayo de 2017 en Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en Donceles número 36, Centro Histórico, Ciudad de México.

TRÄNENPALAST

Texto y fotos por Eugenia Galeano Inclán

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Hace unos cuantos años, Josué Almanza nos presentó la obra Sturm ruger, una obra en la que narraba un terrible evento acerca del joven Marc Lépine, quien realizó una masacre en la Escuela Politécnica de Montreal, en 1989, en donde portando un rifle semiautomático y un cuchillo de caza tomados de su propio hogar, abrió fuego en contra de casi una treintena de mujeres, dando muerte a 14 de ellas y dejando heridas a otras 14, tras lo cual se suicidó. Quienes presenciamos su obra, quedamos impactados, pero de algún modo nos sentimos ajenos a la tragedia. Esos asesinatos sin sentido ocurrían comúnmente en Estados Unidos y, eventualmente, en otros países -como Canadá-, pero no en México. Lamentablemente, esa violencia nos ha alcanzado. Ocurrió en fecha reciente un hecho similar en una preparatoria de Monterrey, Nuevo León, donde un adolescente de apenas 15 años acudió a sus clases y, de pronto, abrió fuego contra su maestra y algunos de sus compañeros, con una pistola que sustrajo de su propio hogar.

 

El recuerdo de Sturm ruger ahora nos impacta mucho más y, parece ser, que Josué gusta de impactar al espectador. Josué Almanza es un joven actor, guionista, dramaturgo, director y gestor cultural. Nacido en Puebla, obtuvo su licenciatura en Actuación y en Dirección Escénica en Casa del Teatro, es egresado de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP) y en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Estudió guionismo en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Fue Becario del Programa de Residencias Artísticas México-Quebec y también es egresado de Panorama Sur, a la que acudió gracias a una beca otorgada por el Goethe Institute de Buenos Aires. Es un joven consciente de la época que vive y, a través de su obra, traslada a escena sus propias preocupaciones, nostalgias y dolores.

 

Ha fundado y dirige dos compañías: Puente Serendipia y Epitafios Laboratorio Teatral, constituido en forma independiente con la finalidad de crear proyectos básicamente en las ciudades de México y Puebla. Su objetivo primordial es la exploración dramatúrgica y actoral para diseñar dispositivos plásticos que construyan lenguajes poéticos en escena. El hecho de que Josué intitule a su Laboratorio Epitafios, una palabra que no acostumbramos utilizar en conversaciones cotidianas, nos indica que Josué está influenciado por los que se han ido. Tal vez su anhelo sea dar voz a quienes han partido. Aquellos que tienen algo qué decir desde el más allá. La obra más reciente de Epitafios Laboratorio Teatral es Tränenpalast, la cual resultó ganadora en la Muestra Estatal de Teatro como representativa del estado de Puebla.

 

Hace unos meses Tränenpalast se presentó unos cuantos días en la Ciudad de México, dentro del marco del Séptimo Ciclo de Teatro de los Estados que año con año presenta el Teatro El Milagro, con buena respuestas de público. Por estas fechas acaba de iniciar una temporada formal, lo cual brinda oportunidad de que la vea un mayor número de espectadores.

 

El texto de Tränenpalast, concebido por Josué Almanza, versa sobre la memoria. Como es costumbre en Josué, da a su obra una sólida estructura donde confluyen varias historias, las cuales se van intercalando hasta quedar entrelazadas y coincidir en el dolor. Tränenpalast  es la denominación que se da a la terminal central de trenes de Berlín, Alemania, misma que constituye el eje de comunicaciones para el tráfico ferroviario de la capital alemana. El nombre se le puso en la época en que existía el Muro de Berlín. Era el lugar obligado para encontrarse con familiares, amigos o seres queridos que se veían precisados a vivir separados a causa del Muro. Es normal que las despedidas o los reencuentros provoquen lágrimas. La traducción literal de Tränenpalast en nuestro idioma es Palacio de Lágrimas.

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En Tränenpalast de Josué Almanza convergen cuatro historias distintas. La primera es sobre Ava y Viveka, dos hermanas que desde su niñez fueron separadas por el Muro alemán. Al reencontrarse desean reunificarse, pero la educación y las circunstancias se los hacen difícil. Viveka sufre de parálisis a causa de polio infantil, mientras que Ava está dispuesta a vivir su vida. La segunda historia transcurre en el año 1915 en Bosnia, donde tres hermanas se dedican a atender heridos de la guerra y convierten su hogar en un hospital transitorio. Lo que los heridos no saben es que ellas libran su propia batalla, pues las acecha el fantasma de su hermano, a quien se le conoce como el asesino de Sarajevo. Mató a Francisco Fernando, archiduque de Austria del Este. Se dice que este asesinato precipitó la declaración de guerra por parte de Austria a Serbia y esto fue lo que desencadenó la Primera Guerra Mundial. La tercera historia es sobre Marie, una bailarina de charlestón estadounidense que en 1943 viaja a Francia con la ilusión de alcanzar fama en los espectáculos de variedades. Lo triste es que de pronto llega la guerra y la invasión, y ella termina prostituyéndose con soldados. La cuarta historia alude al temible Josef Mengele, médico, antropólogo y oficial alemán de las SS durante la Segunda Guerra Mundial, quien aprovechó su cargo en el campo de concentración de Auschwitz para seleccionar a personas que serían ejecutadas en las cámaras de gas tras someterlas a experimentos totalmente inhumanos. En forma alterna, también se hace referencia a la conquista del espacio, al lanzamiento de naves llevando como pasajeros a animales y al alunizaje.

 

A fin de evitar que el espectador se confunda entre una y otra historia, en el ciclorama se proyectan palabras que referencian personajes, fechas, lugares.

 

En resumen, Josué nos ofrece una selección de imágenes oscuras que develan horrores de la guerra y del ser humano. Si bien las dramatizaciones son creadas por el autor, están fundamentadas en sucesos que realmente ocurrieron. La acción comienza con un grupo de jóvenes que gritan al espectador “Escúchame“, “Aléjate“, “Siénteme” y ese es el punto de partida del caos.

 

Dramaturgia y dirección son de Josué Almanza. En ambos rubros, Josué realiza un trabajo impresionante.

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El elenco de Tränenpalast está conformado por jóvenes que acaban de obtener su licenciatura en actuación en la ciudad de Puebla. Ellos son Delia López, Rocío Ramírez, Jaide Galicia, Alejandro Arenas, Israel Sosa y Ludwig Berlinea. Ofrecen un trabajo estupendo de histrionismo y corporalidad. Hacen gala de su fuerte compromiso, entregándose con toda su alma y cuerpo.

 

Cabe mencionar que es muy loable que un grupo independiente acuda a su creatividad para suplir la falta de recursos. La escenografía de Tränenpalast  está construida con cosas que han sido desechadas y que Epitafios Laboratorio Teatral recicla. La producción es de Epitafios Laboratorio Teatral.

 

Tränenpalast  es una obra digna de verse. Enfrentar hechos históricos nefastos o, incluso, demonios que nos acechan, pudiera servir para prevenir que se repitan. Es un grito contra la violencia, el abuso, la falta de libertad, la violencia, las injusticias. Quedas cordialmente invitado a sumergirte en un palacio de lágrimas… el llanto sana. Te advertimos que algunos cuadros son escenificados con crudeza. No pierdas la oportunidad de verla.

 

Tränenpalast se presenta los viernes a las 18:00 horas en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, ubicado en avenida Revolución número 1500 -cerca de la estación Barranca del Muerto del Metro-, Ciudad de México. La temporada concluye el viernes 11 de agosto de 2017.